HBO Max ha estrenado tres episodios de Ravalear y las tres semanas próximas se emitirán los restantes. Ofrecen una propuesta deslumbrante por su protagonismo coral y su potente puesta en escena.

Una serie que supone un salto en lo que solemos ver en pantalla. Va de lo micro a lo macro en el tema que más preocupa a los españoles según decimos encuesta tras encuesta: la vivienda. No lo hace desde un piso, sino desde un local para un negocio familiar, pero hace carne lo que leemos en el periódico a diario.

Un título ambicioso en su mensaje y en su lenguaje y que sale fortalecido de una apuesta tan alta. Se entiende, emociona y deslumbra. Toca muchos mundos que se encuentran, muchos puntos de vista que conforman la calidad de vida de un barrio.

La historia parte de la realidad que vivió su creador, el guionista y director Pol Rodríguez. Sus padres regentaban un restaurante en el barrio del Raval. El real, Can LLuis, el ficticio, Can Mosques.

El bisabuelo de Rodríguez había comenzado con el negocio que inspira la serie. Su padre nació allí mismo. 90 años de historia familiar se vieron amenazados por causas externas.

El edificio en el que se ubicaba el restaurante real fue comprado por un fondo de inversión. Tras años con negociaciones y la amenaza de un desalojo, la llegada de la pandemia precipitó que les echaran en 2021 con un desahucio exprés.

Muy parecido a lo que vemos como detonante en pantalla. Y a partir de ahí la serie explora la vida de estas calles de Barcelona que recogen población de muchos lugares y culturas y se ven sometidas a numerosas presiones.

Fondos de inversión extranjeros, turismo en masa, inmigración multicultural, movimiento okupa o narcopisos conviven en un vecindario con sabor, con una personalidad rotunda.

Como explica el propio Pol Rodríguez, en El cine en la SER, “uno de los barrios con más tejido asociativo y de las ONG de Europa. Un barrio muy hospitalario donde hay unas realidades muy difíciles, muy complicadas, pero donde hay muchísima gente que las combate”.

La serie respira Raval. Los planos generales son reales, con los actores moviéndose entre vecinas y vecinos a quienes se difuminan los ojos por privacidad. Ropa tendida, distintos colores de piel, gente ocupada, gente ociosa, bullicio, vida.

La cámara simula desorden, se mueve al hombro, hace zoom, a veces está lejos, otras pegada a los actores. La electrónica estresante domina una banda sonora compuesta por Eloi Caballé que late como una taquicardia.

Los personajes corren, discuten o cocinan, manteniendo una constante tensión que cuenta este relato en código de thriller. Unos hechos que suelen venir envueltos como drama social optan se convierten en un contrarreloj vertiginoso.

Así como el fondo maniobra contra los vecinos, sus víctimas se revuelven con todas sus armas en una guerra soterrada entre dos bandos en la que ambos son a la vez el ratón y el gato.

“Thriller hiperrealista” es un combo usado por el equipo para definir el género de Ravalear. Rodríguez se alió con el documentalista Justin Webster para el armazón del guion.

Al diálogo se han añadido Isa Campo, Isaki Lacuesta (este también en la dirección), Edu Sola, Alfred Pérez-Fargas, Roger Danès y Maialen Vélez. Vélez ha estado documentándose y colaborando con asociaciones del barrio durante los años de preparación del proyecto.

Además de los profesionales, se ha contado con docenas de intérpretes que se localizaban en la calle y se contrataban para participar en la producción. Hasta unos 72 actores intervienen en los episodios.

A estos debutantes se une un elenco profesional que transmite viveza, liderados por un Enric Auquer que corre, suda o salta. Le acompañan María Rodríguez Soto, Sergi López, Francesc Orella, Lluïsa Castell o Quim Ávila entre otros.

Entre sus influencias para la serie, Rodríguez cita a los cineastas Joaquim Jordà o José Luis Gerín. Ambos comieron en el restaurante familiar, ambos le dieron trabajo, ambos contaron Barcelona en magníficos trabajos documentales. Jordà, con De nens, ubicada en el barrio chino de la ciudad y Guerín con En construcción, también en el Raval.

The wire surge espontáneamente como referencia al ver Ravalear. La ciudad convertida en protagonista, la intención de no simplificar, de contar múltiples puntos de vista, la visión política, la verosimilitud de la calle. Rodríguez habla también de las películas de mafiosos, por ejemplo, en lo que respecta a las persecuciones.

Lo que revitaliza esta serie y la hace original más allá de sus inspiradoras es trasladar este lenguaje cinematográfico a lo inmobiliario. Convertir la especulación en una organización que penetra en las ciudades y destruye la vida de sus habitantes.

La serie no aboga por dejar la ciudad muerta, sin evolución. Se pregunta, como dice su director: “¿Cuánto necesitamos de progreso y cuánto de memoria?”. Y aboga por la organización colectiva para que elementos débiles cobren fuerza. Para “pedir leyes que amparen al ciudadano más allá de los intereses empresariales”.

Netflix ha estrenado con gran éxito Rafa, un documental en cuatro episodios que consigue emocionar y sonar a nuevo contando la biografía de nuestro deportista más famoso y admirado, el tenista Rafael Nadal.

El reputado documentalista Zach Heinzerling, autor entre otros del magnífico trabajo McCartney 3,2,1, y candidato al Oscar, se desplazó a Australia en 2024 para acompañar a Nadal desde el comienzo de la temporada tenística. Rafa llevaba un año sin competir por una operación de cadera. 

Buscaba la manera de hacer su enésimo retorno por todo lo grande luchando contra el reloj y contra la factura cada vez más cara de sus lesiones y el dolor arrastrado durante décadas. 

Un momento dramático raramente documentado, según el director de la pieza en declaraciones a Tudum, el medio en el que Netflix promociona su material. “La disyuntiva de un gran atleta entre seguir con lo que ha hecho toda su vida o decir adiós” afirma.

El documental se ve como un intenso drama que no decae en ningún momento. Hay tenis, pero sobre todo se cuenta la lucha mental de un cerebro sometido a enormes fuerzas. 

Una competitividad rayana en la demencia, un tío y entrenador tan extremo que por momentos no es justificable ni por los increíbles resultados del pupilo. Un cuerpo que se resiente. Una familia nutritiva que sirve de bálsamo para una mente al límite de la ansiedad.

El metraje combina un recorrido biográfico de Nadal con el tiempo que el equipo documentalista pasó con él. En el pasado se cuentan sus rivalidades con Federer y Djokovic y se profundiza en el síndrome de Müller-Weiss de su pie izquierdo.

Una enfermedad muy rara que no hubiera tenido graves consecuencias sin el esfuerzo brutal al que se vio sometido su cuerpo desde niño, antes de terminar de formarse. Una anomalía, que, aunque cuidada, ha ido repercutiendo en otras partes del cuerpo, obligando a vivir al manacorí con constante dolor.

El estilo de Nadal ha dividido a los aficionados al tenis. Hay quienes preferían el virtuosismo y la elegancia de Roger Federer. En mi caso ha sido el deportista de mi vida. Sus partidos siempre han sido épicos. 

Muy a menudo comenzaba jugando contra sí mismo. Contra saques sin fuerza, bolas que se quedaban cortas. Después contra rivales que muchas veces le superaban en varios aspectos. 

Pero su perseverancia en esos malos momentos iniciales, la lucha a muerte por un punto que ni siquiera parecía tan relevante terminaba desmoralizando al rival, asustándole ante alguien dispuesto a llegar a límites impensables durante el tiempo que hiciera falta.

Sus puntos largos, el que no haya sido un tenista de los que encuentran un golpe ganador y despachan el juego sin más, su expresividad en la pista, incluso su irrepetible forma de concentrarse o de sudar siempre han convertido sus partidos en algo único y mucho más emocionante.

El documental explora por supuesto esta mentalidad que ha sido su principal súper poder en el circuito. “Yo no soy un ganador, yo soy un competidor” dice el protagonista del trabajo.

La pieza pone su mirada en la figura de Toni Nadal, sin esquivar algunos puntos controvertidos. Ya lo hacía su biografía, Rafa, mi historia escrita por John Carlin y también una lectura apasionante. 

Aquí se llega más lejos. Hay quien sigue reverenciándolo después de verlo. El experimento que ha hecho con su sobrino ha salido bien si se mide en títulos, podía haber sido catastrófico.

Pero estos episodios profundizan sobre todo en la espiral de dolor del deportista. Su médico, Ángel Ruiz Cotorro, y su fisioterapeuta, Rafael Maymó, son figuras destacadas en el documental.

Su esposa, Mery Perelló, se expresa por sí misma, cosa poco habitual en público y explica las etapas de ansiedad del tenista. Hay una frase sobre su sufrimiento que ha sido muy destacada en el extranjero: “En el sótano de mi fracaso siempre hay una planta más”, que sin embargo tiene su dosis de guasa al ser una cita textual de la serie cómica La que se avecina.

Heinzerling buscaba y ha conseguido que el entorno de Rafa se relajase y sobre todo que su protagonista se mostrase como es, evitando el formato entrevista y siguiendo su vida cotidiana con la técnica de no interferir ni ser demasiado invasivo. De esta manera ha captado gestos auténticos. Y conversaciones muy honestas de miembros del equipo del tenista sobre su estado.

A pesar del disfrute durante todo el recorrido de la vida superlativa de Rafael Nadal, de lo excelentemente que está contada, el tenis es un deporte tan individual, como señala la propia estrella, que se cuenta la historia de una sola persona y sus satélites. 

Eso me hacía evocar otro documental opuesto e igualmente recomendable, Ellas en la ciudad, dirigido por Reyes Gallegos y escrito por ella y el guionista habitual de Alberto Rodríguez, Rafael Cobos.

El trabajo, en Movistar +, descubre una peripecia coral. La lucha de las vecinas del barrio de Parque Alcosa de Sevilla por mejorar sus condiciones de vida. Una directora arquitecta y urbanista descubre a un grupo de mujeres que se organizaron y no cesaron en su reivindicación, en su activismo para dotar de colegios, transportes o centros de salud a un barrio que había quedado descolgado de la ciudad.

Sus protagonistas consiguieron sus conquistas, para mucha gente más influyentes que un título de Roland Garros, desde los años setenta. Algunas de aquellas mujeres ya han fallecido. 

Este documental pone memoria a su gesta, que requiere también de talento, de esfuerzo y de perseverancia. Que se hace contra las circunstancias, desde una posición de inferioridad, sin conexiones, sin dinero, sin fuerza política, que corre el riesgo de perderse como historia si no nos fijamos en ella.

Ambos documentales tienen que ver entre sí porque crean mitologías. Las personas buscamos inspiración, motivación y en el relato público abunda mucho más la loa al éxito individual que a la acción colectiva transformadora.  

Ellas en la ciudad señala un camino que siempre merecerá más promoción, más difusión, ponerse de moda y que se hagan camisetas con sus protagonistas. Que las canas y los vestidos-bata brillen como los músculos y las zapatillas de deporte, que el abanico de estas sevillanas luzca como la raqueta del ídolo de las canchas.

Movistar + ha estrenado una de las series que más expectativas han despertado últimamente, Se tiene que morir mucha gente (STQMMG), de Victoria Martín, basada en su novela del mismo título.

Son seis episodios de media hora que, si se empiezan con tiempo por delante, se ven del tirón. Cómo no engancharse a una serie ágil, bonita, con dos protagonistas encarnadas por Anna Castillo y Macarena García, superestrellas de su generación, con carreras y vidas tan unidas que es imposible no imaginarlas como las amigas que presenta esta ficción.

Castillo interpreta a Bárbara, la protagonista, que arrastra una depresión, se automedica peligrosamente, trabaja en un programa de humor de ambiente tóxico y tiene una voz interior que es uno de los puntos fuertes de la serie.

Es su yo de los diez años, a quien da vida una estelar Sofía Otero, (20.000 especies de abejas), que la machaca con sus comentarios salvajes. No le da descanso y la sabotea desde dentro.

Bárbara vive con Maca, (estupenda Laura Weissmahr), camarera mientras logra poder mantenerse como actriz. Tiene sus propios problemas, pero se comporta como la más equilibrada y madura del grupo, el pegamento entre ellas.

Ambas se reencuentran con una amiga del colegio, Elena (Macarena García), que se ha casado con un millonario muchísimo mayor que ella y está a punto de dar a luz. A partir de esta reunión en la fiesta de revelación del género del bebé, los tres personajes que ya estaban en crisis descarrilan peligrosamente.

La serie tiene momentos más interesantes que otros, caricaturas más acertadas que otras, pero lo mollar, el retrato de la insatisfacción de estos tiempos, la historia de la amistad, ofrece grandes hallazgos. La ambivalencia de querer a una amiga a la que también se envidia o que, incluso, a ratos cae mal.

Y su reverso, notar cierta desaprobación por parte de alguna amiga y sin embargo saber que su cariño es verdadero al cien por cien. En STQMMG se afronta crudamente y a lo bestia una sensación común entre grupos de mujeres muy unidas.

Este carácter incisivo y preciso se mantiene también en la vertiente psicológica de la protagonista. Su autodesprecio, su mezquindad, su lado criticón, destructor y punky reflejan un lado muy reconocible en cualquiera, aquí exacerbado.

Esa voz interior, ese coro de pensamientos intrusivos que Rosalía muestra en el video de Berghain como una multitud que no deja espacio físico, en la serie se convierte quizás en el recurso más icónico, el que va a dejar mayor recuerdo tras verla.

Esa voz autodestructiva nos vuelve a llevar a la protagonista, que presenta una paradoja también muy reconocible. Consigue hacerse querer pese a que casi todo el mundo la considera insoportable.

En entrevista a El cine en la SER, Victoria Martín previene contra el abuso de las altas expectativas que lleva a la frustración. Su generación ha sido víctima de un abuso de prédica del pensamiento positivo, de que si quieres puedes.

Martín reivindica no hurgar mucho en uno mismo. No siempre te gustas, no vayas a India a buscarte, que te puedes encontrar. Ella, que ha probado todas las terapias, dice que tanto hincapié en uno mismo puede crear un “ejército de narcisistas”. Eso de que “si te va a hacer sentir mal, no vayas a ver a la abuela” no te convierte en mejor persona.

Con estas reflexiones se ha creado el personaje de Bárbara, y Anna Castillo ha sido una elección brillante para encarnarla porque es una actriz sobresaliente en esa cualidad de caer bien sea lo que sea lo que hagan sus personajes.

Castillo ha afirmado en la promoción que, aunque Victoria Martín no se lo haya dicho explícitamente, da por hecho que su Bárbara está basada en ella misma. Así que ha tomado gestos como mirar hacia abajo y asentir o tocar de cierta manera.

Por su parte, Macarena García afirma que su personaje es tan plano y simple que ha abandonado sus habituales acercamientos interpretativas de sumergirse en su psicología y motivaciones y se ha relajado.

Martín, a pesar de conocer el paño de estrellas de televisión e influencers muy de cerca, ya que ha trabajado entre ellos y los ha parodiado, esos son precisamente los personajes cuya caricatura resulta más tópica. El presentador rancio y la famosilla que va de espiritual podían haber dado mucho más juego en la serie.

La directora de Se tiene que morir mucha gente ha encadenado durante toda su carrera éxitos que han captado muy bien el espíritu de cada momento. Siempre con humor, feminismo y un tono cañero. Autora, junto a Carolina Iglesias, de Estirando el chicle, uno de los podcasts más escuchados en España, Victoria Martín ya había creado otra serie, Válidas, también con Iglesias, que puede verse en YouTube.

Entonces ya había colaborado con Nacho Pérez-Pardo, con quien había impulsado el canal de YouTube Living postureo y quien participa como director en STQMMG. El guionista y director es también marido de Martín desde 2024. Sandra Romero, que participó en Los años nuevos,  se suma a la dirección junto a la propia Victoria Martín, que debuta en esta función, y Nacho Pérez-Pardo.

Las mujeres contamos ya con una amplia selección de series sobre la amistad femenina, que recogen cada vez más tonos y realidades diferentes. Todavía no hay datos sobre la audiencia de STQMMG, pero muchos títulos previos han demostrado que el público respalda este tipo de relatos.

Es algo aceptado que William Golding ganó su Nobel de Literatura especialmente por su novela El señor de las moscas. Esta serie de cuatro episodios producida por la BBC ofrece la primera adaptación para televisión del clásico.

El coautor de la serie Adolescencia vuelve a explorar aquí la construcción de la masculinidad de los jóvenes. Su escritura, la hipnótica dirección de Marc Munden, la imponente interpretación de sus jóvenes protagonistas y una banda sonora que se cuela en las entrañas logran una serie difícil y sobresaliente.

La historia cuenta el naufragio —aunque de avión, no de barco— de una treintena de niños británicos durante la Segunda Guerra Mundial en una isla tropical, y sus intentos de organizarse como grupo.

En la serie, cada episodio se centra en un protagonista distinto mientras la acción avanza. Desde el principio se plantea un antagonismo entre liderazgos y entre formas simbólicas de organizar la sociedad.

Por un lado, se enfrentan la razón, las normas claras y universales y la protección al débil; la civilización. Por el otro, la lucha, la diversión y el individualismo, que llevan al conflicto y a la barbarie.

El libro original se publicó en 1954, bajo el trauma de la gran guerra mundial y esta adaptación llega en pleno auge de la polarización y de las extremas derechas en Occidente, de los líderes cargados de testosterona y de promesas de pasarlo en grande. La alegoría se mantiene elocuente 70 años después.

Hay quien interpretó las referencias muy directamente: Nicholas, Piggy, sería Wiston Churchill, la estructurada voz de la razón; Ralph, un alter ego de Franklin D. Roosevelt; y Jack, de Adolf Hitler. El personaje de Simon está formulado de otra manera. Representaría la espiritualidad, el lugar del marginado, del profeta, con un subtexto gay en esta adaptación.

Según el guionista Jack Thorne, cuando leyó el libro de niño lo vivió como una historia de buenos y malos. Su sorpresa al releerlo fue descubrir muchos más matices en el personaje del temerario Jack.

Por eso, ante la pregunta del productor Joel Wilson sobre qué libro elegiría para una adaptación, respondió que este. De ahí nace esta serie de la BBC, que ha recalado en Movistar +.

El montaje deja mucho espacio a la reflexión, mientras la serie avanza entre imágenes y músicas alucinantes en sus escenas más narrativas. Las noches en la isla tienen una iluminación artificial inquietante que se convierte en motivo de desasosiego.

El origen de esta opción estética es más prosaico. Una quinta parte de la acción transcurre de noche, pero los niños actores no estaban autorizados a rodar más allá de las seis de la tarde. Por eso, el equipo del director, Marc Munden, recurrió a filtros infrarrojos que, al reflejarse en la vegetación, crean colores desconcertantes.

La banda sonora completa la potencia sensorial de esta propuesta. Junto a fragmentos de la ópera Peter Grimes del músico británico Benjamin Britten, se añaden otras piezas de música clásica. También han participado grandísimas figuras de la música: Cristobal Tapia de Veer, el compositor de la pieza original de The White Lotus; Hans Zimmer, alemán ganador de dos Oscar, un Globo de Oro, o cinco Grammy; y la original compositora Kara Talve.

El grupo de náufragos se divide de varias maneras, una de ellas entre los mayores y los pequeños. Son los primeros los protagonistas de la acción y los que han demandado una mayor dirección interpretativa.

Casi todos son debutantes, seleccionados en un exhaustivo casting a cargo de Nina Gold. El equipo tuvo que localizar a más de 30 niños entre cinco y 12 años. El grupo se trasladó a Malasia y, desde allí, viajaba cada día en barco entre la ciudad y las islas donde se rodaba la serie.

Los monzones, las altas temperaturas y una humedad que les hacía sudar constantemente fueron compañeros de viaje. También una gran camaradería y un deseo enorme de los actores principales por entender el texto, sus personajes y motivaciones.

El protagonista de Adolescencia, Owen Cooper, interpretaba frente a adultos profesionales. Estos jóvenes intérpretes, encabezados por David McKenna, Lox Pratt, Winston Sawyers e Ike Talbut, solo se tenían unos a otros. Según Munden, han crecido durante el rodaje hasta captar perfectamente a sus personajes y lo que la serie estaba contando.

La coralidad de voces permite reforzar el mensaje de la serie Adolescencia. Si allí la masculinidad retratada era tóxica y digital, aquí Thorne ha querido mostrar un abanico de sensibilidades. “La masculinidad es un prisma y necesitamos todos sus colores”, decía el guionista a Esquire.

El propio autor se ve reflejado en esos protagonistas, según ha contado, especialmente en Simon. Y, desde luego, también en Piggy. Este personaje con gafas, asma y sobrepeso, al que su cuerpo no le sigue, refleja algunos de sus propios padecimientos.

Thorne sufrió durante gran parte de su juventud una urticaria alérgica dolorosa muy incapacitante, que le postró en cama y le obligó a posponer durante largo tiempo sus estudios universitarios en Ciencias Políticas.

Su peculiar condición le llevó a reflexionar sobre si aquello constituía una discapacidad. Desde entonces ha defendido mejores condiciones de trabajo para las personas con discapacidad en la industria audiovisual, y mejores representaciones en pantalla de quienes viven con estas realidades.

Thorne ha sido diagnosticado también recientemente con autismo, lo que rompe esquemas por su sensibilidad a la hora de retratar sentimientos, emociones y, muy particularmente, la empatía. Ha descrito la televisión en varias ocasiones como una “caja de empatía en el cuarto de estar de millones de personas”, y ha animado a mejorar su representatividad.

Este autor teatral y guionista de cine y televisión estrenó ayer en la televisión británica Falling, la historia de amor entre un cura y una monja, y prepara su participación en una serie de cuatro películas, cada una centrada en un miembro de los Beatles, dirigidas por Sam Mendes.

Yo siempre a veces desarrolla una historia en orden cronológico, una opción narrativa curiosa cuando se quiere contar una maternidad y esta no aparece en el primer episodio, el de la fecundación.

Este comienzo puede despistar y que haya espectadores que no sigan con los siguientes. Estaba pensado como cuarta entrega y quizá ese hubiera sido su lugar ideal.

Porque lo que sería una pena es quedarse sin descubrir que la serie no hace más que mejorar y que consigue una enorme simpatía por su protagonista y su peripecia. Es un episodio bonito, con una dirección notable, pero ajeno al resto de la historia.

Javier Calvo y Javier Ambrossi, los Javis avalan esta serie de Movistar+, de seis episodios cortos, de las Martas, Marta Bassols y Marta Loza, guionistas y amigas a pesar de reconocer potentes discusiones creativas.

En entrevista a El contraplano, Loza cuenta que fue observar a su amiga Marta Bassols desarrollar su maternidad, la primera del grupo, a la vez que se planteaba la propia lo que le llevó a proponerle desarrollar este proyecto.

En él nos cuentan la historia de amor, cuidados y responsabilidad de una madre que tiene que lidiar con un contexto muy hostil y muy reconocible. El problema de encontrar un piso, de compatibilizar los cuidados con un horario laboral, de tramitar ayudas públicas y la falta de apoyo del padre de su hijo llevan a Laura a una precariedad que sabemos que es muy real en las madres solteras.

Laura es una heroína imperfecta. Una luchadora inquebrantable que emprende un viaje épico, tormentoso, casi imposible, pero que mantiene unas prioridades innegociables. Laura es esa madre que tiene la casa desordenada, que llega tarde a todo, que no se cuida y que sostiene el mundo con su amor y su tesón.

Bassols y Loza han hecho mucha reflexión intelectual sobre lo que querían contar, pero han sabido luego traducirlo en estampas vivas, naturales y creíbles. Todos los personajes meten la pata, pero a todos los entendemos e incluso disculpamos.

La serie se cimenta sobre una protagonista espléndida. La actriz amateur Ana Boga. En Los lunes seriéfilos, Bassols, Loza y la directora Claudia Costafreda explican que en el proceso de selección vieron en ella al personaje y que su comportamiento en el rodaje ha sido como el de una veterana profesional.

Todo un acierto esta apuesta por una cara tan nueva y una intérprete con tanto talento que cuesta no creer que estamos viendo una representación y no algo real, a la propia Laura.

Lo mismo ocurre con la dirección de bebés. Algo temido con razón por muchos equipos y que aquí las directoras resuelven impecablemente. Loza ha manifestado que “había que parar todo y esperar a los niños, como si fuera un documental de naturaleza de La 2. Requería mucho silencio, amor y paciencia”.

Tanto la protagonista como una de las directoras llevaban a sus hijos al rodaje, corrigiendo en la realidad la situación que se denuncia en la serie, ayudando a conciliar.

En la promoción de la serie en Moobys, los protagonistas, Ana Boga y David Menéndez dan una aproximación a su forma de desprenderse de los prejuicios a la hora de interpretar personajes.

Boga cuenta como le explica a su propio hijo las motivaciones de algunos comportamientos en ficción. Cuando éste le dice que el pez que se comió a la madre de Nemo en la película de Pixar es malo ella le corrige: “No, cariño, tenía hambre”.

Ellos tienen relativamente fácil buscar el lugar desde el que se actúa en la serie porque viene muy bien dado por los guiones. En el caso de David Menéndez, su personaje es egoísta e infantil como progenitor, pero su proceso se entiende y reconoce perfectamente.

Loza ha comentado también que tiene un concepto antipunitivista para crear personajes, al menos en esta ocasión. Aquí todo el mundo mete la pata, todo trae consecuencias complicadas y hace daño, pero a la vez lo están haciendo lo mejor que pueden.

Hay algo muy equivocado en la forma de organizar una sociedad que pide natalidad, que dice apoyar a la familia, que se supone que valora los cuidados y donde todo eso se puede convertir en un calvario a poco que falle la red de apoyos personal.

El caso de la escalera, The Staircase, puede verse ahora en Netflix, después de ser producida y estrenada por HBO en 2022. En ocho episodios cuenta la investigación que siguió a la muerte de Kathleen Peterson, de soltera Atwater, por la que fue acusado su esposo, el escritor Michael Peterson.

Esta serie autoconclusiva cuenta con un reparto espectacular. Como sospechoso, Colin Firth, viudo de la víctima, un culto escritor, que había dedicado afilados artículos contra fiscales y policías de la zona.

Como fallecida, con mucho protagonismo, la siempre interesante Toni Collette (El sexto sentido). También comparten participación en esta serie Parker Posey y Patrick Schwarzenegger, madre e hijo en The White Lotus 3. Destacan, además, Sophie Turner (Juego de tronos), Michael Stuhlbarg (Call me by your name) y la estrella francesa Juliette Binoche.

La serie va presentando una familia que se quiere y a la vez esconde muchas peculiaridades y secretos. Una relación de pareja con verdad y cariño y rencores y mentiras. Una caída de una escalera en la que sobra sangre para lo que aparentemente ha ocurrido.

Esta ficción cuenta un asesinato que puede no haber sido. La respuesta judicial no fue totalmente concluyente, la necesidad de saber no queda plenamente satisfecha. La mente se afana por condenar o absolver, por reunir mejores pruebas en un sentido o en otro y tiene que lidiar con la frustración tan conocida en la vida real de no saber qué ha pasado.

La historia no para de avanzar y se presentan teorías alternativas que quedan abiertas como miradas a la caja que esconde ese famoso gato de Schrödinger que puede estar vivo o muerto en un momento dado.

La serie es obra de Antonio Campos, director brasileño-estadounidense, que incluye dentro del proceso penal el documental que sobre él realizó un equipo francés y que se convirtió en uno de los hitos de este género del “crimen real”, que no para de crecer.

Campos tenía especial interés en el proyecto como entusiasta de aquel reportaje sobre el caso, una pieza considerada un hito en el abordaje de estas investigaciones policiales-judiciales, que también puede verse en Netflix.

Sin embargo, el director de aquella pieza, Jean-Xavier de Lestrade, ha criticado duramente esta serie porque considera que retrata erróneamente la relación entre el acusado, Peterson, y la reportera Sophie Brunet, encarnada por Juliette Binoche. Siente que la serie sugiere que aquel documental falseaba para bien la figura del viudo y sospechoso.

Los abogados de la defensa de Peterson también acusan a este drama de malinterpretar acontecimientos. Estas críticas remiten a un gran problema del género cuando se pasa a la ficción. La inexactitud en el relato cuando afecta a personas vivas para las que puede suponer una revictimización.

Algo que se produce en muchos casos. Por más que se respeten los hechos probados, una ficción incurre siempre en la especulación, fábula y rellena vacíos. Ocurre con cualquier hecho real, con el agravante de que en este caso se trata de delitos que dejan víctimas.

La muerte de Kathleen Peterson se produjo en el 2001 y Lestrade, que había ganado un Óscar por su documental Un culpable ideal, se presentó ante la familia de la víctima tan pronto se presentaron cargos contra su viudo.

Lestrade volvía a poner el foco en los fallos de la justicia estadounidense, además de encontrar protagonistas muy interesantes. Al estilo de Truman Capote en A sangre fría, publicada en 1966, el equipo se adentra en tiempo real en las vidas de los afectados.

Ya su serie documental se granjeó críticas en parte de los entornos de la víctima pero se convirtió en una experiencia modélica para otras investigaciones periodísticas de crímenes.

Esta miniserie es entretenida en su desarrollo y especialmente interesante para esa audiencia que se implica en las interioridades de la investigación judicial y la justicia. Una visita a un caso inagotable porque deja una pequeña duda razonable.

A través de Netflix tenemos una oportunidad de conocer a un destacado reportero británico estadounidense, Louis Theroux, participante ante la cámara en este documental dirigido por Adrian Choa.

Theroux, hijo del novelista autor de El señor de las moscas, se ha especializado en introducirse en ambientes de culturas poco conocidas y retratarlas con un punto de ironía. Según él, también riéndose de si mismo y su desconcierto.

En esta ocasión, ha compartido su tiempo con creadores de contenido digital muy tóxicos de la conocida como machosfera. Esa corriente que está reinventando el machismo y la misoginia para ganar dinero a costa de un público casi siempre infantil o adolescente.

La pieza podría ser mejor. Theroux no llega a extraer de sus protagonistas la clase de momentos sublimes que consigue Jordi Évole, por ejemplo. No completa la visita a estos influencers con expertos o expertas que expliquen claves del contexto de este fenómeno. O con chavales que cuenten lo que ha supuesto seguir sus postulados. Tampoco visualmente tiene un planteamiento rompedor. No hace grandes aportaciones al género.

Sin embargo, merece absolutamente la pena invertir el tiempo viendo este trabajo por asomarse a la trastienda de algunos tipos de la tan nombrada machosfera de la órbita anglosajona. Podemos sacar nuestras propias conclusiones de primera mano. Detectar la inseguridad de estos comunicadores cuando es otro quien va a controlar el relato sobre ellos.

Una mínima aproximación psicológica, que no sirve para extraer conclusiones definitivas, sí detecta un patrón de infancias que no han tenido el modelo de unas relaciones igualitarias. La mayoría proviene de hogares desestructurados. 

Algunos de los elegidos para este programa pertenecen a minorías racializadas. Podrían sentirse inclinados hacia la empatía, pero quizás anida en ellos un resentimiento que desplazan hacia la mujer y otros grupos.

A lo mejor simplemente han llegado a donde están porque las redes sociales han detectado una vulnerabilidad en la sociedad y se aprovechan de ella. La de que muchos adolescentes lo pasan mal teniendo que salir a ligar y digiriendo desagradables calabazas.

En ese momento aparecen estos vendedores de crecepelo contemporáneos con la receta mágica para ser independientes, ricos y cachas. Los mismos jóvenes que usan compulsivamente el desodorante Axe, cuya publicidad sugiere que, como varita mágica, triunfarán entre las chicas al llevarlo, caen en estas madrigueras que persiguen sacarles dinero o tiempo que también se convierte en dinero.

El primero en intervenir, conocido en redes como HsTikkyTokky, británico que vive en Marbella, se muestra a la defensiva, pero no puede evitar darse a conocer un poco más. Reconoce que lo que busca es el capturar a la audiencia para monetizarla.

Theroux y su equipo se desplazan también a varias ciudades de Estados Unidos siguiendo a celebridades del sector. El documental consigue mostrar a varias de las parejas reales de estos famosos y que atisbemos las sensaciones de estas mujeres ante los mensajes machistas de sus novios o maridos.

La profunda misoginia suele ir acompañada de otro contenido. En varios casos homofobia o antisemitismo, siempre desde el prisma de distintas facciones de extrema derecha. 

Algo que se percibe en el documental es la profesionalización del odio. Los creadores saben que el algoritmo necesita mucho material y que premia la controversia. Ellos lo llevan al límite y varios han sido expulsados temporalmente por las plataformas por sus mensajes de odio. 

Pero como contaba en InfoLibre Pablo de la Serna, una investigación de Safer Scroling, elaborada por la University College London y la Universidad de Kent concluyó que el algoritmo de TikTok recomienda cuatro veces más contenido misógino que feminista. 

Sus polémicas salen a cuenta. Estos líderes de opinión representan la cúspide de una pirámide de célibes involuntarios, o jóvenes que se están radicalizando, a veces sin conocimiento de sus familias.

Varias series de ficción han abordado un tema que tiene ya importantes repercusiones políticas, con una sobrerrepresentación del voto de ultraderecha entre los jóvenes varones en muchos países.

La serie noruega Todo lo que amas, o la impactante Adolescencia alertan de un fenómeno que ha penetrado en un sector de la población vulnerable al que se está encauzando hacia el odio.

Uno de los tropos favoritos de la machosfera es el de la píldora roja y la Matrix, que les hace creer que el resto de la población somos borregos y ellos han accedido a un conocimiento superior. Los protagonistas del documental lo citan constantemente.

Se refieren a la película Matrix, de las hermanas Wachowski, en la que el protagonista, Neo, escapa del mundo ficticio de la Matrix, con el conocimiento que le aporta tomar una píldora roja, en lugar de resignarse a una vida de mentiras confortables.

Es curioso que la película favorita de los machistas reaccionarios esté hecha por dos hermanas transgénero de ideología progresista y anticapitalista. Lilly Wachowski ha criticado recientemente la apropiación de su obra por la extrema derecha, en el podcast So true with Caleb Hearon.

“La ideología de derechas se apropia absolutamente de todo. Se apropian de los puntos de vista de la izquierda y los mutan para su propia propaganda, para esconder el mensaje real. Es lo que hace el fascismo” denunciaba en esa conversación la guionista y directora.

Una ex camarera de Hooters, cadena de bares estadounidenses en la que solo atendían mujeres de pechos grandes en diminutos pantalones, una antigua estrella de la lucha libre o una creadora de contenido en OnlyFans son los personajes fáciles de caricaturizar que se muestran con mayor humanidad en Margo tiene problemas de dinero.

La serie de ocho episodios que puede verse ya en parte en Apple TV+ se basa en la novela del mismo nombre escrita por Rufi Thorpe. La autora llegó a comprender el mundo de fantasía de la lucha libre por su afición al drag, el travestismo performativo.

Se dio cuenta de que compartían la conversión de los protagonistas en personajes ficticios a través de sus propios cuerpos y creó su novela a partir de seres que comparten esta forma peculiar de construir su identidad.

Desde fuera solo vemos sus máscaras exageradas, pero son exactamente iguales, o diferentes, a cualquiera. El mítico creador de series David E. Kelley se hizo encantado con el material del libro.

Kelley, de setenta años, estudió política en Princeton y derecho en Boston antes de debutar en televisión como guionista en La ley de los Ángeles, en 1986, y ascender hasta máximo responsable de la serie. A partir de ahí se convirtió en productor y creador de numerosísimas series, muchas de ellas de abogados, contribuyendo al boom del género.

En los dos mil parecía que su momento había pasado y sus series no lograban la renovación hasta Big little lies, un éxito que volvió a alinearle con los tiempos. Aunque su público estuviera envejeciendo un poco de más para la televisión en abierto, su nicho resulta más que suficiente entre los suscriptores de plataformas.

Kelley se casó con la superestrella de cine, Michelle Pfeiffer en 1993 y ha conseguido que acepte un personaje, la madre de la protagonista, para el que todo el equipo la veía perfecta. Pfeiffer luce una vis cómica que no suele exhibir.

Lidera el reparto Elle Fanning. Una elección lógica, especialmente después de que protagonizara The Great, una biografía gamberra de Catalina la Grande en la que demostró enormes dotes para el humor y desinhibición. Ambos, talentos muy útiles en esta serie.

Margo, su personaje, es una buena estudiante que comete errores garrafales para su propio futuro y aún así tiene que seguir luchando desesperadamente por salir adelante.

Fanning tiene muchas más escenas de desnudos de las que se suelen ver en las últimas décadas en ficciones con este tono. La intérprete convierte la situación más chocante en algo natural y muy divertido.

El padre de la protagonista sale de un centro de rehabilitación tras haber caído en la droga a través de los analgésicos que necesitaba por una vida de estrella de la lucha libre.

Está interpretado por un tierno y voluminoso Nick Offerman, cómico, actor, presentador y carpintero, todo un personaje en el mundo del espectáculo conocido por ejemplo por Parks and recreation.

El reparto incluye a Greg Kinnear (Mejor imposible), Thaddea Graham (Sex education) o Michael Angarano (This is us), con apariciones de Marcia Gay Harden (Pollock), Laura San Giacomo (Sexo, mentiras y cintas de vídeo) y Nicole Kidman, asidua colaboradora de David E. Kelley.

La serie cuenta una versión edulcorada de los apuros económicos de sus personajes, llena de color y en la que la horterada no llega a ser completamente verosímil, se reviste con mucho encanto. Acierta de pleno al centrarse en personajes que solemos ver como espectadores también en la vida real.

Todos se dedican a profesiones basadas en la impostura, pertenecen a una parte del mundo del espectáculo que no tiene dimensión artística. Desde la camarera que se hace la conejita playboy, al falso luchador de esa gran farsa que cautiva en todo el planeta, la lucha libre.

Destaca, aunque no desde el principio de la historia, cómo una nueva actividad se ha añadido a estas profesiones de rol, las OnlyFans. Casi en su totalidad mujeres que se convierten en personajes casi siempre sexuales que cobran a los suscriptores a sus canales en la plataforma.

Una realidad de la que se habla muy poco teniendo en cuenta esta es ya la novena plataforma en volumen en España, con 1.700.000 usuarios. Y que el nuestro es, por ejemplo, el quinto país del mundo en volumen de videos subidos a sus servidores.

La novelista Rufi Thorpe tuvo más fácil documentarse sobre luchadores de la liga americana del falso deporte que con OnlyFans. Según cuenta a Reeding between the lines cada luchador o luchadora tiene al menos una biografía ya que sus seguidores quieren conocer a la persona tras el disfraz.

En cambio, las modelos de OnlyFans son muy suspicaces con su intimidad. La autora se suscribió a un montón de canales y les ofrecía veinte dólares por cada pregunta contestada tras aclarar que no quería escribir nada sobre ellas que hiciera juicios de valor al respecto.

“Cuando eres una trabajadora sexual tienes que tener unos límites extra claros. Y tienes que ser una experta en decir que no”, explica. Las pocas jóvenes que accedían a hablar con ella podían llegar a contestar sobre aspectos técnicos, pero se cerraban cuando se trataba de sus sentimientos o consecuencias de este trabajo en sus vidas personales.

Estas trabajadoras se sitúan en un punto intermedio entre los influencers y las prostitutas. De los primeros toman la creación de un personaje virtual y de las segundas la satisfacción de un deseo sexual de un cliente por dinero.

Muchas niñas no entienden hoy qué puede tener de malo ganar dinero sin arriesgar el físico, además cuando son expulsadas de muchos campos de los creadores de contenido digital, en los que reina la misoginia.

Esta serie no parece aportar una reflexión sobre el particular, y se basa en un pequeño engaño, la adorable nueva figura en la plataforma está encarnada por una chica lectora, escritora, con ciertas armas para entender dónde se está metiendo.

Faltan por emitir episodios en los que se verá si la cosa se llega a embellecer tanto como en Pretty woman, que hacía parecer de la prostitución una cosita de nada, sin mayor importancia, o presenta una versión un poco más poliédrica del asunto.

La autora de la novela defiende que el humor amplía el abanico de temas que estamos dispuestos a escuchar. Lo que como drama árido mucha gente no tolera, con la risa se puede abordar.

Pero afirma que no le interesa tanto el código de una comedia romántica en el que considera que “nada es demasiado real y el peligro nunca está demasiado cerca” como el de comedias tipo monologuista que pueden decir cosas duras que de otra manera no está permitido tocar.

Aunque los hechos de la novela van a ser contados al completo esta temporada, la serie está concebida para seguir por su cuenta con guiones originales porque el grupo de personajes ofrece muchas posibilidades. Por su parte, Thorpe no descarta escribir una secuela de esta ficción. Está por ver si el mundo de Margo se desdobla en dos en un próximo futuro.

A falta del estreno el día 15 en Apple TV de Margo tiene problemas de dinero, su nueva serie, Nicole Kidman acaba de presentar Scarpetta, en Prime Video. Y se trata de un producto representativo de aquellos que la actriz ya ha convertido en un género.

Kidman encabeza una vez más un reparto de relumbrón en la que ella es pieza clave. Aparece, como suele, seductora e inteligente, enigmática y con turbios secretos en su pasado.

Scarpetta ha funcionado muy bien en su estreno según la plataforma y ya se está rodando la segunda temporada. Se firmaron dos desde el inicio. Kidman interpreta la versión presente de una brillante forense que se enfrenta a lo que recuerda al asesino en serie que ya contribuyó a encarcelar hace más de veinte años.

La serie se basa en varias novelas de Patricia Cornwell, autora superventas, especialmente con las novelas de este personaje, Scarpetta. La autora hace un cameo en el primer episodio, tomando juramento a la protagonista.

La acción se cuenta en dos líneas temporales, la actual y una décadas anterior, con diferentes intérpretes para cada personaje. En el tiempo presente Kidman está acompañada nada menos que por la deliciosa Jamie Lee Curtis como su inestable hermana, por Simon Baker (El mentalista), como su esposo y por Bobby Cannavale como su cuñado y colaborador.

Juntos dan brillo a una trama muy entretenida aunque un poco rebuscada e hilada a veces por los pelos. La serie aporta ese confort de lo conocido y esa insatisfacción de lo previsible que empiezan a ser comunes a muchos títulos, y especialmente a los de Kidman.

Se repite como una variación de la misma melodía una fórmula en la que la hemos visto como gurú de la meditación y las drogas psicotrópicas en Nine perfect strangers.

La hemos conocido como protagonista de un asesinato en La pareja perfecta, en lo que The Guardian definió como “elegante drama detectivesco” y los espectadores calificaron bastante más duramente.

Ha sido anteriormente protagonista, de nuevo, rica, eso siempre, desplazada a Hong Hong, en Expatriadas, en un drama de lujo y conciencia social, y en la fallida antología Roar, en la que protagonizó uno de sus alegóricos episodios. Y la hemos visto en The undoing, junto a Hugh Grant, millonaria una vez más, esta con una mansión de ensueño a los pies del neoyorkino Central Park descifrando un oscuro misterio.  

Todos estos títulos se han producido durante lo que llevamos de esta década de los años veinte. Además, la intérprete ha hecho varias películas, algunas de las cuales han ido en la misma dirección. Esta potente obra ha ido configurando el género Nicole Kidman.

Mujeres adineradas, fuertes y vulnerables a la vez, moralmente ambiguas y posiblemente peligrosas que provocan un efecto magnético y perturbador en su entorno.

Todo encarnado en una actriz que ya no puede fruncir el ceño ni cerrar los ojos, que no tiene patas de gallo, surco nasogeniano, ni poros, con tanta intervención estética. Que fía su buen hacer, que sigue teniendo en abundancia, a su voz susurrante, a su particular energía cinética y a una presencia escénica distintiva e interesante. 

Hay que felicitar a Kidman por su espectacular capacidad para conseguir papeles principales en una industria que solía condenar a la mujer madura al ostracismo. La australiana fue una de las protagonistas de Big little lies, en 2017, probablemente la serie que inauguró un nuevo paradigma.

En aquella ocasión Reese Witherspoon y la propia Kidman se hicieron con los derechos de la novela de Liane Moriarty en la que se basó el guion y contaron para el desarrollo con el productor, guionista y director David E. Kelley. Kelley ya era uno de los reyes indiscutibles de la televisión, autor de La ley de Los Ángeles o Ally McBeal.  

Los tres juntos descubrieron un nuevo nicho, series de lujo y sufrimiento, con un reparto de caras conocidas, destinadas principalmente a mujeres, pero no solo, y a menudo basadas en novelas.

Las plataformas televisivas se liberaron del yugo de las salas de cine que oscilaban entre los taquillazos para audiencias juveniles, las películas de acción de alto presupuesto, casi siempre masculinas y los pequeños dramas de prestigio y cada vez más difícil ubicación en pantalla grande. 

En televisión, en cambio, hay una parte suficiente de la audiencia que está encantada de ver productos adultos con fuerte presencia femenina. Witherspoon y Kidman fueron de las primeras en apostar por ello decididamente y cada cual tomó después su camino.

Han comenzado nuevas carreras en las que tienen mucho más peso como promotoras de los proyectos y se garantizan la continuidad que quieren también como actrices.

Kidman ha seguido colaborando con David E. Kelley en numerosas ocasiones. Con él tendrá un nuevo papel, esta vez menor, en su nueva serie, Margo tiene problemas de dinero.

En esta ocasión, la esposa de Kelley, Michelle Pfeiffer, se va a convertir en la adulta principal de la serie, a la vez que protagoniza The Madison, en lo que supone otro empujón destacado a su carrera televisiva. Una nueva estrella de Hollywood que encuentra en las series lo que el cine es incapaz de ofrecer.

Ya no es una cuestión de ocio sino de cultura general básica conocer a unos tipos radicados en Estados Unidos pero cuya influencia se va a dejar sentir en nuestras vidas mucho, ya lo hace, salvo que algo vire la trayectoria de las cosas.

Elon Musk se ha expuesto tanto que ha obligado a conocerle. Pero otras personalidades de su importancia permanecen fuera del conocimiento popular. Da igual la forma de acercarse, pero el documental Trump y el tecnofeudalismo, que puede verse en Movistar +, ofrece una perfecta oportunidad.

Este trabajo de la BBC One pertenece a Panorama, que emite investigaciones realizadas con buenos medios económicos y tiempo, los mejores documentales de la cadena. La que puede verse en la plataforma está dirigida por Matthew Hill. 

Este documentalista protagonizó, con otro reportaje, la crisis de la BBC por el montaje que hizo de las palabras de Trump el día del asalto al Capitolio. Se condensaron frases que dijo antes y después de la violenta toma del congreso. El presidente amenazó con demandar, cosa que no ha hecho.

Dicho esto, la pieza sobre la oligarquía tecnológica tiene todas las características de una buena investigación. Fechas y datos corroborables y un buen número de testimonios relevantes, entre muchos, Bernie Sanders, del ala izquierda del partido demócrata y Steve Bannon, líder intelectual de la extrema derecha.

Especial interés tiene el seguimiento a la figura de Peter Thiel. Asociado con Elon Musk en la plataforma de pago PayPal, se hizo multimillonario con su venta. PayPal servía para hacer transacciones al margen del Gobierno, como una avanzadilla de las criptomonedas, que cuadraban perfectamente en su pensamiento libertario.

Peter Thiel fundó después Palantir, menos sexy que Tesla o SpaceX, pero alarmantemente importante. Engordada en gran parte por los millones de la CIA, partía del reclamo de que con la tecnología empleada por PayPal para detectar el fraude se podía haber evitado el ataque terrorista del 11-S.

Así, el libertario antigubernamental acumula datos sobre los ciudadanos que proporciona a los Gobiernos. Es uno de los pilares fundamentales del ICE, la policía antiinmigración de Estados Unidos que asesina sin consecuencias y detiene a miles de ciudadanos sin garantías.

De momento, Peter Thiel se jacta de trabajar para democracias occidentales, pero nadie garantiza que siga siendo así en el futuro y el poder acumulado por su empresa le convierte en un activo estratégico.

El documental recuerda cómo el vicepresidente de Estados Unidos, J.D. Vance, trabajó para Peter Thiel y cómo este lo promocionó como senador por Ohio, en una carrera política que era muy improbable.

Sorprendentemente, fue colocado en el tique presidencial junto a Trump y según una de las participantes en la pieza, Elizabeth Dwoskin, corresponsal en Silicon Valley del Washington Post, ya se está invirtiendo una cantidad importante en su candidatura a presidente del país en 2028.

Vance había dicho que temía que Trump fuera el Hitler de Estados Unidos y se retractó alegremente para convertirse en su mayor seguidor. Bajo esta contradicción que le hace parecer un don nadie se esconde otra realidad. Vance es el hombre de la oligarquía tecnológica en la Casa Blanca.

Otro de los tentáculos de Peter Thiel es David Sacks, quien había sido jefe de operaciones en PayPal. Sacks creó entre otras empresas Yammer, una especie de Facebook para empresas que vendió a Microsoft. Posteriormente aumentó su fortuna invirtiendo en varios de los mayores éxitos de las compañías tecnológicas.

Al comienzo de su segundo mandato, Trump le nombró zar de la Casa Blanca para la inteligencia artificial y las criptomonedas. El reportaje alude a la corrupción rampante de un presidente que desregula las criptomonedas y se beneficia en millones de ellas.  

La desregulación termina siendo el concepto clave de esta investigación periodística. Los tecnoligarcas han regado la campaña de Trump con cantidades obscenas de dinero. También lo han hecho hacia demócratas en múltiples ocasiones. Sanders señala la financiación de las campañas como el origen del problema.

Ese dinero vuelve en forma de contratos con la administración para algunas empresas, pero sobre todo con normas muy laxas, que son las que ponen en peligro la convivencia.

Según se cita, el Banco Mundial ha estimado que la inteligencia artificial aportará a la economía mundial 15 billones de dólares en los próximos cuatro años. Las facilidades para este círculo, si influyen en el poder político, pueden convertirles en una fuerza imparable.

Mientras estamos atentos a los tecnoligarcas que poseen redes sociales o negocios muy visibles, Peter Thiel se dedica al espionaje y la industria militar, a las que conviene el secreto. 

El documental de la BBC recuerda que lo que el propio Thiel llamaba la Mafia PayPal, un grupo de multimillonarios conectados entre sí. La revista Fortune les reunió en una sesión fotográfica en la que Peter Thiel aparecía como el padrino.

El libro La supervivencia de los más ricos, de Douglas Rushkoff, también le retrata como figura central de una élite que ante un posible colapso mundial busca sobrevivir, que ante la vejez y muerte buscan trascender a lo humano, que ante el caos y la violencia buscan un búnker desde el que ver el mundo arder. 

En este documental se alerta también del futuro que trae este sistema económico y político. Sanders y Bannon coinciden, lo que no es usual, en el peligro para la humanidad de la inteligencia artificial. Si se les une un poder político sin control el riesgo parece multiplicarse.

El productor Ryan Murphy sigue con su ritmo frenético de estrenos. Hace muy poco, el de The beauty, una truculenta fantasía de crimen y búsqueda de la belleza. Ahora han llegado los tres primeros episodios de John F. Kennedy y Carolyn Bessette, que inaugura una nueva saga, Love Story.

Ambas pueden verse en Disney +. El autor y empresario saltó a esta plataforma desde Netflix, donde había firmado y cumplido un contrato de 300 millones de dólares y cinco años. Las sagas que comenzó allí seguirán activas.

Murphy ha vuelto a encontrarse en esta etapa con la ejecutiva Dana Walden, copresidenta de Disney Entertainment. Ambos son amigos además de haber colaborado durante décadas, desde series de Murphy como Glee o American Horror Story. La directiva es íntima de su familia, madrina de dos de sus hijos. 

Con su olfato para lo comercial, Murphy apadrina una nueva antología sobre romances famosos que de momento lidera Connor Hines. Esta es la primera colaboración entre ambos, y Hines suplicó participar como apasionado de la familia Kennedy. 

Este guionista llegó a la escritura en los periodos en los que no conseguía empleo como actor, su ocupación previa. Así que se inventó una pequeña serie web cómica que le abrió una nueva profesión. 

La serie se zambulle en la nostalgia de los noventa, una década que se percibe como un periodo divertido, moderno, estrafalario y el último en el que la gente se relacionaba si un móvil en la mano permanentemente. 

Los creadores y los operadores no se cansan de hacer series sobre Pamela Anderson, La Veneno o Bárbara Rey o sobre Lady Di, en el final de The Crown. Y la fama es uno de los temas que articulan muchas de ellas. La prensa y las televisiones del corazón llegaron a su apogeo. 

En esta Love story aparece como una de las claves. La pareja que inspira la historia se convirtió en una de las más icónicas y perseguidas de su época. Su final trágico –ambos murieron en un accidente de avioneta– les convirtió en una réplica estadounidense de Diana Spencer. Los Kennedy, como ella, eran unos plebeyos con más aire a realeza que muchas familias reales.

Sarah Pidgeon interpreta a Bessette y resuelve dotando de interés a un personaje más conocido como icono de moda y estilo. La serie le atribuye la creación de algunas claves de la década, la americana con vestido, que hizo que las mujeres se apropiaran de prendas masculinas, y la elección de Kate Moss como imagen de Calvin Klein.

Para el papel de Kennedy Jr., el otro protagonista, un debutante en la tarea, un actor que ha hecho solamente algo de teatro y trabajos como modelo, que se parece al malogrado heredero de la saga y que transmite esa despreocupación tan seductora habitual en su familia.

Ninguno de los protagonistas puede reproducir el algo especial que tenían sus inspiraciones, como suele pasar en estas biografías, pero sí se transmite esa conexión de alguien con su época a un nivel superior que tenían ambos miembros de la pareja.

Parte de la gracia de esta producción está en la frescura de su guionista y sus protagonistas. Todos ellos encabezando por primera vez un proyecto tan grande. Para acompañarles, uno de los valores seguros reside en Naomi Watts, que encarna a Jackie Kennedy, en su cuarta colaboración con Murphy. 

Caroline Kennedy, la otra hija del presidente asesinado, está interpretada por Grace Gummer, la hija de Meryl Streep, también colaboradora antes de Murphy. Un hijo de la Caroline real, John Bouvier Kennedy, ha llamado grotesco al aprovechamiento de la vida de sus familiares para obtener un beneficio.

Murphy entró al trapo y ambos mantuvieron una discusión abierta sobre el asunto. No es la primera vez que los supervivientes de los hechos que Murphy ficciona protestan. Por ejemplo, le ha pasado cuando convierte en palomitas crímenes como los de los hermanos Menéndez o de Jeffrey Dahmer.

Murphy es puramente noventero en la forma de contar. Como esa prensa que para entretener al público cruzaba todos los límites, sus series se documentan, investigan, pero al final, especulan a sus anchas sobre la intimidad de personas que tienen allegados vivos. 

Esta serie es entretenida, y tiene algo de inmersión en las revistas de entonces, un toque del Hola! y otro poco del Vanity Fair para recrear una época de vacas gordas con todas sus disfunciones.

Desde hace unos meses puede verse en Filmin la segunda temporada de una producción con el nivel que se espera de la BBC, The Gold. El oro al que se alude fue el robado en un golpe fabuloso en 1983.

Los cacos buscaban dinero, concretamente un millón de libras, en un almacén de seguridad. Aquella noche, y solo aquella, tres toneladas de oro puro dormían en ese triste polígono industrial.

Con el atraco comienza la historia que cuenta la serie. El salto que tienen que dar los delincuentes para blanquear el botín y poder disfrutar de él. Al tiempo comienza la labor policial sabiendo que los lingotes no pueden desaparecer de golpe y una parte tiene que seguir escondida en algún lugar.

Los seis episodios que compusieron la primera temporada se estrenaron en 2023 y los siguientes se han hecho esperar hasta el año pasado. La serie estaba concebida para ser así y ahora ha saltado a los años noventa, la internacionalización del crimen y nuevas estructuras de blanqueo.

El guionista escocés Neil Forsyth comenzó en este proyecto con un equipo de documentación gracias al que encontró mucha información desconocida para el gran público. 

Pequeñas noticias poco destacadas, cuando el caso había pasado de moda, a lo largo de años, le han llevado a recopilar datos que ni siquiera conocía el investigador jefe del delito.

Con todo el material disponible, Forsyth ha creado un relato repleto de personajes interesantes que van iluminando el proceso de fundir los lingotes, blanquear ese oro y lavar el dinero que iba dando su venta. 

Dinero que iba pasando de las manos de unos cacos de barrios obreros a ejecutivos sofisticados que se movían por paraísos fiscales y operaciones inmobiliarias de gran escala. 

Entre los temas que surgen de contar los hechos el autor se fija en la diferente relación con el dinero que tienen las clases bajas y las altas y en sus en distintas formas de corromperse. Nos cuenta de cada personaje su extracción social.

La serie tiene el atractivo de contar unos hechos muy basados en los reales y con un estupendo reparto. Por el lado policial encabezado por ese clásico del cine y la televisión del Reino Unido que es Hugh Bonneville, protagonista de Downton Abbey.

Interpreta a un oficial incorruptible, hombre necesario para un trabajo en el que la tentación del oro también podría suponer un gran problema. El verdadero Brian Boyce.

Ha dado su visto bueno a esta serie, en privado a sus integrantes, ya que se trata de una persona muy reservada.

En la primera temporada lideraba el reparto por parte de los criminales el actor Jack Lowden, quien le aporta el humor que ya conocemos los seguidores de Slow Horses, donde encarna al afanoso River. 

En la segunda tanda va ganando peso el personaje de John Palmer interpretado por Tom Cullen, un fundidor de oro que pasa del negocio legal a ser cómplice del crimen.

Esta segunda temporada se filmó en parte en Tenerife, que representa ser al menos cinco países, todos los que implican buen clima. Y una buena ocasión para mostrar el vestuario veraniego de nuevo rico de los criminales. 

En estos últimos episodios se condensa parte de la información que ha llegado a conocerse de un dinero cuyo rastro llegó, por ejemplo, a los Papeles de Panamá, donde se vio la telaraña de sociedades construidas para despistar a las autoridades. La parte de oro fundida y vuelta al mercado fue tal que se dice que no existe joya en Reino Unido que no contenga al menos una parte de lo sustraído en el robo. 

La serie comienza con unos ladrones de poca monta a los que persigue toda la policía y va girando a unos criminales sofisticados que nadan en dinero y a los que una pequeña unidad, cada vez más relegada, tiene que hacer frente. David se convierte en Goliat y a la inversa.

La filosofía de Neil Forsyth, el autor del guion, reside en priorizar la historia. Explica que tener personajes apasionantes sin retos a la altura no dice nada. En cambio, los personajes crecen con un desarrollo dinámico, poniéndoles ante circunstancias interesantes.

Hacks parte de un personaje explosivo, que conocemos, que adoramos, la diva absoluta. Brillante, hecha a sí misma, talentosa, mordaz, la Deborah Vance que interpreta Jean Smart.

Junto a ella un personaje más moderno, difuso, mucho menos rotundo y de límites escurridizos, la guionista Ava Daniels, a quien da vida Hannah Einbinder. Ambas se necesitan y así sus mundos, que no estaban destinados a cruzarse, chocan.

Hacks es ejemplo modélico de unos creadores comprometidos con su creación, dispuestos a seguir explorando el conflicto que han creado y a explorar la naturaleza humana a partir de ahí.

Todo en una serie de media hora llena de chistes y que no olvida nunca que es una comedia. El título de HBO Max prepara su quinta y ultima temporada. Mientras se puede disfrutar de su continuidad, cada vez más escasa en plataformas.

Todo se mantiene consistente en esta serie estupenda que ofrece elementos clásicos de las rivalidades y colaboraciones del mundo del espectáculo. Los combina con una reflexión muy divertida sobre la evolución de las costumbres y del humor a través de varias generaciones.

El argumento muestra la simbiosis entre una jefaza que se ha hecho a sí misma con talento y un machete para cortar cabezas y una aspirante con ideas y hambre, pero aún sin pulir. Una variación de un clásico de Hollywood de la vieja gloria y la sangre nueva.

En este caso la vieja gloria está muy en forma. Una cómica bregada en todos los escenarios y que empieza a ver en peligro su lugar en Las Vegas. Y la joven promesa es un ejemplar perfecto de nuestro tiempo, llena de contradicciones e inseguridades y por tanto imprescindible para escribir los chistes que conectan con las preocupaciones de la mayoría.

La serie aguanta a lo largo de sus 37 episodios porque los mimbres eran magníficos, grandes equipos detrás y delante de las cámaras. En la escritura y la dirección se encuentran tres colaboradores que empezaron el proyecto como treintañeros.

El matrimonio formado por Lucia Aniello y Paul W. Downs y la guionista Jen Statsky. W. Downs es también uno de los actores principales desde la tercera temporada, interpreta al representante de las protagonistas.

Downs dirige algunos episodios, aunque la mayoría corren a cargo de Aniello, que ha ganado numerosos premios como directora además de como creadora y guionista. Los tres se han movido durante sus carreras en el mundo de los cómicos, en el de los programas nocturnos y en las series, bagaje que les hace sumar ángulos de conocimiento sobre el negocio.

Dando la cara, una protagonista excepcional, la gran Jean Smart. A sus imponentes 74 años ha bordado una carrera en los escenarios, en la televisión y el cine que le ha llevado a ser la artista más nominada en los Critics Choice Awards y a acumular siete premios Emmy.

Muy pocas más personas podrían haber dado vida a una cómica pionera de su edad que lo ha dado todo y que lejos de conformarse con un retiro dorado se parte el espinazo por reinventarse y volver a conectar con su audiencia.

Le da la réplica Hannah Einbinder, cómica de origen judío hija de una humorista del programa Saturday Night Live. En su momento debutó como la cómica más joven en hacer un monólogo en el programa de Stephen Colbert y poco después fue reclutada para este personaje.

En HBO Max puede verse un especial de su rutina humorística, Hannah Einbinder: a tomar viento. Se puede comprobar cómo algún rasgo de su personalidad se ha colado en la serie, como su defensa de la bisexualidad. La actriz ha protestado contra la pasividad de su industria ante el genocidio en Gaza con la colaboración estadounidense.  

La cuarta temporada de la serie lleva la toxicidad entre sus protagonistas a cotas no conocidas hasta ahora enriqueciendo el arco de su relación, que los guionistas saben cómo explorar una y otra vez.

Esta última tanda de episodios ha salido de Las Vegas y sus espectáculos en directo para explorar un fenómeno más internacional, el de los programas nocturnos de humor en televisión.

En entrevista en IndieWire, Lucía Aniello afirma que querían “contar el momento de cambio sísmico de la industria televisiva”, marcado especialmente por la avaricia corporativa.

Esta realidad se integra perfectamente en la personalidad de la protagonista. “El acantilado de cristal es algo muy real para ella. Consigue el gran puesto de trabajo cuando ya está algo pasado”, explica Aniello. “Cuando casi es imposible triunfar allí. Ella hace un Deborah Vance y encuentra la manera de lograrlo a su estilo”, concluye.

Dentro de la serie, ha ido creciendo una subtrama que se ha quedado uno de los creadores, W. Downs, que encarna al encantador representante de la estrella y la guionista protagonistas.

Junto al personaje de Kayla, un clásico de la comedia, la trabajadora disparatada, que de alguna manera triunfa en sus tareas, monta una agencia de representación. No llega al nivel cómico de Paquita Salas, pero tira del mismo filón de las bambalinas de los personajes de medio pelo del negocio.

Lo único que sabemos de momento de la última temporada es que los guionistas tienen claro el final, pero no saben si el arco narrativo que lleva hasta él cabe en diez episodios o llevará alguno más. Y también queda claro que han conseguido llevar la serie en sus propios términos, con el concepto con el que la pensaron desde el principio.

George R. R. Martin publicó Juego de tronos en 1996. Hace treinta años comenzaba así su franquicia de Canción de hielo y fuego, que ya ha sido adaptada en televisión con la famosa serie que desarrollaron Benioff y B. Weiss y después con La casa del dragón.

Acaba de estrenarse una obra más modesta, con episodios de media hora, y llena de encanto que se sitúa cronológicamente entre ambas. Noventa años antes de los hechos de Juego de tronos ocupan el trono de hierro los Targaryen, pero ya no tienen sus temidos dragones. 

El pueblo empieza a preguntarse qué derecho tienen entonces a reinar. Ajeno a estas especulaciones, un pobre diablo, un gigantón que ha sido escudero de un caballero errante sin suerte, ve como este muere y debe decidir sobre su vida. 

Dunk el alto, sin dinero, título ni hogar busca hacerse caballero y para ello se dirige a un torneo de justas en el que mostrar su habilidad. Por el camino encuentra un escudero, un niño apodado Huevo por su cabeza calva, que decide seguir sus pasos. 

Esta extraña pareja de buscavidas con grandes ideales protagoniza seis episodios cortos de esta primera temporada. Ya está renovada la serie por una segunda y todos los participantes se muestran encantados con el resultado.

De momento hemos visto los dos primeros capítulos en HBO Max o a través de Movistar Plus y destacan por su ligereza, humor y por centrarse en la vida de un plebeyo, aunque entre en contacto con reyes y señores. Se trata de una historia muy terrenal, sin la magia ni la épica de sus series hermanas precedentes.

El encargado de esta adaptación ha sido Ira Parker, quien participó en el guion de la primera temporada de La casa del dragón. El propio George R. R. Martin se ha vuelto a involucrar en las grandes decisiones y con mucho entusiasmo en la promoción. 

Para The Hollywood Reporter, Martin cuenta que tras publicar Juego de Tronos, Robert Silverberg le ofreció participar en una antología, Leyendas, del tipo que se llevaba mucho entonces. 

Diez autores de fantasía o ciencia ficción, entre los cuales él era el más novato, tenían que entregar relatos o novelas cortas situados en universos creados en sus obras. En su caso, el mundo era el de Poniente. 

Martin afirma que siempre se ha sentido atraído por la caballería, por la caballerosidad y por los torneos de justas. Había mencionado alguno en su primer libro, pero de pasada. 

En su opinión nadie ha encarnado como los caballeros una filosofía idealista de defensa de los débiles, de los inocentes, con nobleza. Son los superhéroes de la Edad Media. Teniendo en cuenta, eso sí, que este periodo abarcó mil años en los que se dieron episodios muy poco heroicos también.

Tardó en tener una idea para esta noveleta, pero una vez le llegó, los personajes no le abandonaban ni de día ni en sueños. “En mi caso hay historias que casi se escriben solas, que toman vida”, dice refiriéndose a las aventuras de Duncan y Huevo.

Este relato le trajo grandes alegrías. Asociarse a grandísimas figuras le dio visibilidad, y las páginas que inspiran esta serie encantaron a la audiencia, que buscó ávidamente su siguiente volumen de Canción de hielo y fuego. 

Martin siempre fue un obseso de la fantasía. Ya en el instituto, en Nueva Jersey, escribía relatos basados en los universos de Marvel con nuevos personajes de su invención. Mucha gente joven se mostraba encantada con ellos. 

Esto no le sirvió cuando, tras estudiar periodismo, fue a la editora de cómics a pedir trabajo. Pero había despertado un enorme talento para explorar mapas ficticios y crearlos. Un gran ejemplo es esta historia, que se llamó originalmente El caballero errante. 

Ira Parker dice que ellos son Juego de tronos sin equipo. En declaraciones a Marco Spagnoli, explica que son la serie del Perro y Arya o de Brienne de Tarh y Podrick. “Nuestro lugar entre las dos series gigantes que ya se han hecho venía del tono, el tono y el tono”. 

Algo de lo que las novelas cortas de la serie van sobradas. “Tienen algo encantador, dulce, y tienen mucha esperanza”, añade Parker. A la vez, encontramos la brutalidad de Poniente y la imprevisibilidad. “Algo que resuena en la gente, porque así es tu vida”, señala. 

La gente buscaba estabilidad, y una dinastía proporcionaba algo de ello. La serie tiene la visión política de R. R. Martin, pero varía la escala que se utiliza para mirarlo. “Se busca el punto en el que se cruzan las decisiones del poder con la vida cotidiana de las personas”, decía Parker en la Comic-Con de San Diego.

El punto de partida de la serie también será muy reconocible para muchas personas. Ese momento de salir al mundo por primera vez y demostrar que puedes defenderte por tus medios. “Y entonces descubres lo difícil que es y que probablemente no tienes las capacidades para hacerlo”, dice el productor ejecutivo.

“Pero, de todas maneras, sales, te dices que tienes aguante, instinto y determinación. Ese es el superpoder de Dunk”, afirma de un personaje que no tiene nada en la vida más que esperanza. 

En un mundo rígido, en el que el destino está marcado por el nacimiento, Dunk busca un resquicio por el que llegar a una vida mejor, a pesar de no ser el personaje más inteligente creado por Martin, como él mismo reconoce. El conflicto principal, pues, es el que se da entre los ideales y una realidad más sucia y tosca. 

La gran noticia de este prolífico autor viene de su afirmación de que se siente inspirado a seguir escribiendo aventuras y desventuras de Dunk y Huevo, de su despertar al mundo.

El reparto es todo un acierto. La pareja protagonista cae instantáneamente bien. Es muy divertido ver en las entrevistas de promoción la química entre ellos, el exjugador de rugby irlandés de 1,96 cm de altura y 29 años Peter Claffey, y Dexter Sol Ansell, un niño de aspecto frágil que ahora tiene once años y tenía nueve en el rodaje. 

La grabación que les ha unido se ha ubicado en Irlanda y parte del equipo técnico trabajó una década entera en la primera serie de la franquicia. Ellos han colaborado decisivamente en dar coherencia a este renovado mundo ficticio.

Diez años después del estreno de El infiltrado, vuelven nuevos episodios con su protagonista, Jonathan Pine, el actor Tom Hiddleston. El equipo se ha tomado su tiempo para dar una nueva vida a lo que fue una afortunadísima adaptación de una novela de John Le Carré.

Uno de los novelistas sobre espionaje con más ventas, aprecio y adaptaciones a la pantalla se encuentra en el origen de esta interesante propuesta británica. En la primera temporada, ofrecida como esta en Prime Video, el tráfico de armas descrito en la novela pasó de Colombia a Oriente Medio.

Entonces, el gerente de un hotel se ve involucrado en un crimen y es captado como espía por el MI6. Hiddleston se tenía que infiltrar en la organización de un carismático y letalmente peligroso Richard Roper, a quien daba vida Hugh Laurie, el doctor House, fan del novelista, que llegó a hacer un cameo en aquella versión de su obra producida por la BBC, antes de su fallecimiento en 2020.

En esta nueva entrega, que se cuenta en seis horas, Hiddelston sale de su latencia y vuelve a infiltrarse en una operación de tráfico de armamento. Esta vez la serie sí se desplaza a Colombia y vuelve otro clásico de espías, los dobles agentes en ambos bandos. Amigos entre los enemigos y enemigos entre los aliados.

Durante estos años, Tom Hiddleston se ha convertido en una estrella de Hollywood con su interpretación de Loki en las películas de Marvel Vengadores y con su propia serie.

Vuelve encantado a esta serie en la que Hugh Laurie es ahora productor. En declaraciones a FredCarpet, el actor desarrolla una interesante teoría sobre el género del espionaje: “De alguna manera creo que es nuestra versión del western” afirma sobre los británicos. 

Según afirma, las premisas sobre espías que todo el mundo acepta, permiten a la escritura “abordar temas muy profundos. El mundo del espía es acerca del sacrificio y la traición. Asuntos nobles. Trata sobre la identidad. Quién es la persona, en qué cree de verdad, qué le motiva para correr riesgos y sufrir”.

El guionista David Farr adaptó la novela y ahora resuelva un reto aun mayor, contar algo relevante de los personajes y el mundo a la altura de lo que contaba el reverenciado novelista.

Farr también es autor teatral, pero sus primeros pasos en televisión ya fueron en este género, en otra serie de la BBC, Spooks. Trabajó también en la serie McMafia, que explicaba magníficamente las redes mundiales de tráficos ilegales.

En esta ocasión ha colaborado con la directora Gerogi Banks-Davis, a cargo de las seis entregas. Entran en el reparto Indira Varma, de Juego de Tronos, Hayley Squires, protagonista de Adult Material o los actores españoles Unax Ugalde y Alberto Ammann.

En los papeles principales se incorporan Camila Morrone y Diego Calva que forman con el protagonista un peligroso triángulo. Hiddleston ha elogiado a AwardsRadar a su compañero, Calva.

“Me apasiona el tenis, verlo, jugarlo” dice el intérprete. “Cuando actúas con un gran actor como Diego, juegas con un gran tenista, puedes golpear donde quieras y te devolverá la pelota. Es un juego espontáneo, mágico, no puede ser encorsetado. Cada golpe es parte de una conversación que se va desenvolviendo en el momento”.

Calva por su parte añade que es gran entusiasta del fútbol, y se necesita una directora, y un capitán que se pone el brazalete y dirige al equipo hacia el gol. Camilla y él son los nuevos jugadores y Tom Hiddeston el capitán, en su ejemplo.

Esta serie no esconde muchas sorpresas, gustará a quienes gusta el estilo británico, los agentes secretos, su tensión, sus dilemas morales y repasar algunas claves de los movimientos criminales en el mundo.

No reinventa el género, no llega a ser una cumbre en las historias siempre angustiosas de infiltrados, pero cuenta con un equipo solvente y un protagonista que rebosa clase. Imprescindible buscar en YouTube sus bailes cuando es invitado a algún programa de promoción para ver de lo que es capaz este espía a su pesar.

Ha llegado al catálogo de Netflix un éxito de este verano en Estados Unidos. Una serie delirante, una gamberrada culebronesca con crimen incorporado que permite atisbar la mentalidad de una de esas burbujas de ultraderecha del país que nos quita el sueño a muchas últimamente.

Dentro del enorme estado de Texas, el este configura su propia región, menos desértica que el resto y con una personalidad definida. A una localidad mediana de esta zona llega Sophie, Brittany Snow, una bostoniana urbanita que sigue a su esposo en un nuevo trabajo.

Para integrarse en la comunidad se hace amiga del grupo de las guapas, ricas y marchosas. Al estilo texano. El contraste entre dos Estados Unidos que viven uno al margen de otro se cuenta de manera escandalosa y divertida.

La primera fiesta a la que acuden la protagonista y su pareja recauda fondos para la infame Asociación del Rifle. A partir de ahí el racismo se respira como el oxígeno, sin mencionarse. La única vida social establecida se produce en el gigantesco templo que predica unos valores que nadie cumple.

Mujeres que dejan su carrera al casarse, embarazos adolescentes o el aborto expulsado por completo de la región, son muestras de un machismo interiorizado por todos. También acierta el guion al mostrar su cariz amenazador en la intimidad de las parejas.

Y por supuesto las armas. Para esta pandilla de mujeres la visita a la armería equivale al paseo por las boutiques o por el spa. Todas tienen revólveres y escopetas y socializan mejorando su puntería y saliendo al bosque a cazar jabalíes.

La vida entre la iglesia y la armería es una realidad persistente en una gran parte de la Estados Unidos rural, puro MAGA, (Make America great again) y esta serie la presenta a través de los ojos de Sophie, tan asombrada como la audiencia.

La protagonista alucina ante las fiestas de botox y cócteles de sus nuevas amigas, pero cae seducida instantáneamente por la abeja reina de la camarilla, Margo, Malin Akerman, libertina, sexual y que comienza a coquetear con ella descaradamente.

Los tres primeros episodios de la serie presentan de manera desinhibida a las protagonistas iniciando una relación lasciva, secreta y que llama al peligro. Antes de que empiece el crimen, toda esta parte de introducción de los personajes pinta un retablo desquiciado y sin embargo creíble.

La serie está basada en la novela de la texana May Cobb del mismo nombre pero se va a emancipar del texto puesto que ya se ha renovado por una segunda temporada. La autora explicó en su día, que le gusta indagar en ciertas dinámicas retorcidas en grupos de mujeres.

En esta sociedad cerrada y sin muchas opciones de ocio que describe en la serie, en el grupo el reparto de papeles es nítido. Está la líder, la favorita de la líder, la angustiada ex favorita de la líder, la más aburrida esposa del pastor de la iglesia o la que no alcanza el canon de belleza y ni siquiera es admitida.

La novelista afirma estar influida por el género televisivo y de cotilleo de socialites liándola con sus divismos y groserías. El término no está aceptado por la real academia, pero damas de sociedad se ha quedado obsoleto ante el fenómeno.

En España se hizo un programa sobre ellas, Mujeres ricas. En Estados Unidos representan una categoría, hay programas sobre amas de casa adineradas de una docena de localidades, la mayoría producidas por el canal Bravo.

Rebecca Cutter, la responsable de la adaptación de la novela, quedó fascinada por el ambiente creado en el libro y lo acentuó aún más. Estas mujeres consiguen fascinar y repeler y ella ha querido llegar a donde no pueden los espacios de telerrealidad.

Ahora mismo hay otro programa en plataformas, La vida secreta de las esposas mormonas, en Disney Plus, que sigue a mujeres de Utah de esta religión ultraconservadora que se popularizaron haciendo videos bailando hasta que se descubrió que uno de los matrimonios hacía intercambio de parejas.

Las esposas cazadoras triunfó en el mercado estadounidense hace unos meses al caer con fuerza en este mercado abonado. En las redes se crearon vivos debates a costa de los personajes. La imaginación se suma a las dinámicas tantas veces vistas por el público.

En España esta pandilla recuerda a las folclóricas en el tardofranquismo. De cara al exterior representaban los valores del régimen. De puertas a dentro se pasaban todas las convenciones sociales por la bata de cola ante una peculiar vista gorda por parte de los vigilantes de la moral.

Además del cuadro costumbrista, la serie tiene algunos puntos muy resultones contados eficazmente. A partir del comienzo de la trama criminal hay que rebajar los niveles de exigencia porque para mantener el ritmo los hechos se suceden con poco realismo.

Será difícil que una segunda temporada, una vez presentado este ecosistema, tenga elementos suficientes como intriga más convencional y no parezca una peripecia estirada. Pero esta entrega ha reunido los ingredientes perfectos para darse un atracón con su dosis de placer culpable. 

El cocreador de la muy recomendable Reservation dogs, Sterlin Harjo, no deja su estado natal, Oklahoma, en su nueva serie, Verdades ocultas. Esta vez entrega una historia que rebosa corazón, humor y lucha contra los abusos del poder.

Lo hace a través de un periodista salvaje, kamikaze, al que se le da mucho mejor buscar la verdad que proteger su maltrecho cuerpo. Ethan Hawke, que tuvo un breve papel en Reservation Dogs, interpreta a este Lee Raybon, héroe desastroso que combina inteligencia, ternura y una propensión casi masoquista a buscarse líos.

Librero de oficio y colaborador en una revista local, sus artículos investigan a la poderosa familia Washberg o a los neonazis locales. Las repercusiones de este periodismo de guerrilla entre vecinos que se conocen, en una ciudad mediana como es Tulsa, con unos cuatrocientos mil habitantes, se pagan rápidamente en forma de amenazas, palizas o secuestros.

Pero como le dice al personaje de su hija mientras ella le maquilla un ojo morado: “Por mí no te preocupes, preocúpate por la gente buena que no se entera de nada. Yo hago exactamente lo que quiero”.

El objetivo del autor de la serie es que la audiencia se ría mientras teme por la vida de su personaje. Esta historia, que ofrece Disney+, está libremente inspirada en el artista y activista autodidacta Lee Roy Chapman, fallecido en 2015. Chapman entró en el periodismo haciendo ruido.

Destapó las conexiones del fundador de Tulsa, W. Tate Brady, con el Ku Klux Klan y con uno de los mayores crímenes racistas de la historia de Estados Unidos, la masacre racial de Tulsa.

Durante dos días, en 1921, los supremacistas blancos atacaron casas y negocios de los residentes negros, una de las comunidades afroamericanas más prósperas en su tiempo. Los barrios y calles en honor de W. Tate Brady fueron rebautizados tras sus hallazgos.

Este no es el hecho que se investiga en la serie, pero el homenaje es claro al indagar en los orígenes de muchas fortunas locales logradas a través del abuso y la violencia ejercida sobre los indígenas y afroamericanos.

De hecho, Sterlin Harjo reivindica que la ciudad fue fundada por la tribu Muscogee, de la que él mismo proviene. A ello achaca su pasión por contar la historia de la arquitectura, la vida local de Tulsa con su amor y su oscuridad.

El propio Harjo trabajó en una revista independiente peculiar, como la que se describe en esta historia. Uno más de los detalles tan peculiares que se nota que no están inventados.

También se menciona en el guion la indudable influencia de Hunter S. Thompson, el mítico reportero que inventó y practicó el “periodismo gonzo”. Denunció corrupción local y grupos de delincuentes mientras reivindicaba a minorías marginalizadas, como hace esta ficción.

Además del fondo trasgresor de la historia, de su carga de activismo, y de su humor y buen ritmo, el estilo visual de la serie ofrece una riqueza impagable. La acción recorre escenarios reales lejanos a esos centros de ciudades que se parecen en todo el mundo.

Se trata de la anti franquicia. Por fin. Pequeños comercios con alma y desorden, mercadillos entre lo encantador y lo friki, nichos de economías clandestinas insospechadas, comunidades que muestran el deterioro social y mental de muchas poblaciones de Estados Unidos.

Lo mismo ocurre con sus habitantes. Como ya hiciera en Reservation dogs, se aprecia el esfuerzo de Harjo por retratar gente real, convertidos en personajes, pero con sus formas de vestir y expresarse, con la mezcla racial propia de Tulsa.

Ni los decorados ni las personas ni los sentimientos que muestra la serie parecen estandarizados. Una ética de la autenticidad recorre cada decisión y gracias a ella llegan el disfrute y la emoción. Ojalá se firme una segunda temporada porque no sobran series tan personales y subterráneamente políticas.

La peor pesadilla de la protagonista de esta miniserie comienza al ir a buscar a su hijo a la casa de un amigo con el que se ha quedado jugando y descubrir que el niño nunca ha estado allí y ha sido secuestrado.

Esta miniserie de ocho episodios puede verse a través de Movistar+ o con suscripción a Sky Showtime. Ha sido el estreno más visto hasta la fecha de Peacock, la plataforma estadounidense de la NBC Universal perteneciente a Comcast, en sus cinco años de historia.

Lo ha sido gracias a varios elementos, uno de los principales su formato. Las plataformas nos han acostumbrado a los argumentos en torno a la resolución de un crimen en cuatro, seis u ocho episodios. Es casi imposible seguir la cuenta de los estrenados.

Ofrecen una fórmula refugio perfecta cuando no hay una de las series favoritas disponibles. Sabemos que la estructura será sólida. Se presenta el crimen, la comunidad a la que afecta, los investigadores, sospechosos que aparecen y se descartan, secretos que el delito hace aflorar y la resolución.

Son tantos porque funcionan. Cada vez con más frecuencia se aprecia que buscan distinguirse exponiendo un tema de fondo o subtexto. En el caso de Su peor pesadilla se reivindica la conciliación.

Se revisa la forma en la que las parejas se reparten las tareas domésticas, cómo las mujeres suelen llevar la parte más complicada, la carga mental de la crianza. Y cómo, además, puede volverse en su contra.

La serie está basada en una novela del mismo título de la irlandesa Andrea Mara. Adaptada para televisión por la guionista Megan Gallagher que ha contado con la colaboración de las guionistas Phoebe Eclair-Powell y Kam Odedra y de las directoras Minkie Spiro y Kate Dennis.

Un equipo enteramente femenino que tiene cosas que decir sobre la solidaridad entre mujeres y sobre la culpa que la sociedad carga sobre ellas sea cual sea su comportamiento.

Megan Gallagher ha aprovechado además la oportunidad de tener unas cuantas horas de metraje para mostrar una representación digna y natural de las personas con discapacidad y sus entornos. Siempre es de agradecer porque su tiempo en pantalla es menor del que les corresponde.

La música corre a cargo de un clásico de la televisión, Jeff Beal, autor de las bandas sonoras de House of cards o Carnivàle o Roma. Contribuye con su buen hacer al nivel exigido por unos estupendos departamentos técnicos.

Cuenta también con un reparto vistoso además de carismático. Tenemos un poco de Succession, con la protagonista, Sarah Snook, otro tanto de The White Lotus, con su esposo, el cliente insatisfecho de la primera temporada en aquel hotel de lujo y crimen, el actor Jake Lacy.

Hay un poco de Ripley, con la exquisita Dakota Fanning, un poco de The bear, con la que allí actúa como hermana del protagonista, aquí hermana también, pero del padre del niño secuestrado. Y un toque de Narcos: México, con el policía en ambos títulos, el actor Michael Peña.

De momento se han emitido cuatro de los ocho episodios. Las críticas de Estados Unidos hablan de más giros y sorpresas en los restantes. Esta producción está nominada a dos Globos de Oro, como serie limitada y por la labor de su protagonista. Desde luego, la serie cumple con el canon del género modélicamente.

Precisamente porque abundan las miniseries de resoluciones de crímenes, las que destacan tienen que mostrar solvencia. Su peor pesadilla reúne los requisitos más importantes.

Deriva de un libro, lo que ya supone que se ha partido de un texto interesante. Cuenta con un equipo técnico potente con un presupuesto a la altura. Buena música, buena fotografía, estupendas realización y producción que transmiten en pantalla una sensación lujosa.

Tiene un reparto que combina la profesionalidad con el atractivo. Y añade una mirada personal de su productora ejecutiva, algo que cada vez resulta más esencial. Hay que animar la fórmula con un apunte social o con una sensibilidad particular, aunque sea expresada sin pretensiones, pero que disipa la sensación de estar viendo la misma serie que ya se ha visto docenas de veces.

Es difícil exagerar la importancia de Martin Scorsese en la cultura de su tiempo. Cada década desde que debutó ha dejado al menos una obra maestra dirigida por él. Taxi driver, Toro salvaje, Uno de los nuestros, Casino, Infiltrados, El lobo de Wall Street o Los asesinos de la luna estarían entre sus obras destacadas.

Junto a ellas otro puñado de películas impresionantes, también series como Boardwalk empire o Vinyl, y no ficción como el documental Supongamos que Nueva York es una ciudad, entrevistando a su amiga Fran Lebowitz.

Es además una figura adorada en la profesión, en la música, en la cultura. Acepta muchos de los numerosos cameos que le ofrecen. Se ha casado cinco veces y ha tenido tres hijas. Francesca, la pequeña, lo ha convertido también en una estrella de las redes sociales.

Es Marty para los amigos, Mr. Scorsese para Rebeca Miller, directora de cine que ha hecho una serie documental sobre el director en cinco deliciosos episdodios que pasan volando.

Es tal la densidad creativa de Scorsese y está tan impecablemente contada que no sobra un minuto y muchísimas cosas quedan fuera en estas cinco horas recogidas para Apple TV, plataforma con la que el cineasta lleva años colaborando.

El origen de Scorsese define toda su vida y su obra. Nieto de sicilianos, pequeño y asmático, se crió como católico en las duras calles de Little Italy, en Nueva York. Algo especialmente complicado tras haber tenido que abandonar una casa mejor en un barrio más tranquilo.

El ambiente masculino, peligroso, con arrebatos de violencia y muy cercano a la mafia de su barrio se transforma en arte en sus películas. También la forma de relacionarse italoestadounidense, con cameos incluidos de sus padres en varias ocasiones. 

Siendo adolescente, descubrió un mundo completamente nuevo para él unas calles más arriba de su barrio, en la propia Manhattan, en la universidad. Su inteligencia sagaz quedó deslumbrada con la nouvelle vague francesa, el neorrealismo italiano o el nuevo cine independiente de John Cassavetes.

Inmediatamente unió la violencia que veía desde la ventana contada con honestidad con una cinematografía experimental e innovadora. Con tropiezos y altibajos, en cada proyecto perfeccionaba el virtuosismo con la cámara, con la música y con la dirección de actores.

Rebeca Miller ha tenido acceso ilimitado a los archivos personales del cineasta y ha reunido a una apabullante muestra de sus colaboradores para repasar su figura. Ha seguido un orden cronológico y ha dejado que los temas vayan emergiendo con naturalidad.

Entre los participantes se encuentran sus actores principales. Robert de Niro y Leonardo di Caprio, especialmente. Con de Niro, Scorsese ha hecho diez largometrajes; con DiCaprio, seis, y al menos uno más en camino, What happens at night, también producida por Apple, que se rodará previsiblemente en febrero de 2026.

El documental resalta cómo algunas personas que han trabajado con Scorsese, como estos dos intérpretes, la montadora Thelma Schoonmaker o los guionistas importantes en su carrera, Paul Schrader y Nicholas Pileggi, por ejemplo, son considerados colaboradores del director. 

Se va trazando una coralidad de lo que supone el trabajo en el cine y la creación de unas obras completas. No podemos saber lo que se omite, pero sí disfrutar de lo que se comparte, la trayectoria de un director obsesivo, inteligentísimo, con una coherencia temática que recorre su filmografía sobre el pecado, el mal o la redención.

Entre los muchos testimonios que se recogen se encuentra el del intérprete Daniel Day-Lewis, esposo de la directora, que ha participado en The gangs of New York y protagonizado La edad de la inocencia.

Miller ha dirigido y escrito varias películas de ficción, como La vida privada de Pippa Lee y otro documental, esta vez sobre su padre, el dramaturgo Arthur Miller. Su madre fue una destacadísima fotógrafa estadounidense de origen austriaco, miembro oficial de la mítica agencia Magnum.

Rebeca Miller es pues una representante de la élite cultural de Estados Unidos al servicio de la biografía de un hombre hecho a sí mismo por excelencia, sin padres ni padrinos en el negocio, sin dinero ni financiación para todos sus primeros proyectos.

Otro de los testimonios más destacados del documental es el de Steven Spielberg. El director de E.T. admira profundamente a Scorsese y lo pregona abiertamente. Afirma que sus películas le han removido hasta las entrañas. 

Por su parte, Scorsese explica cómo el estreno de Tiburón, primer éxito de su amigo, en 1975, seguido de La guerra de las galaxias supuso un golpe mortal para el cine independiente de autor. Un golpe a la época que tan bien contó Peter Biskind en su libro Moteros tranquilos, toros salvajes. 

El mejor testimonio lo da el propio autor. Con su simpatía, sus legendarias cejas y su habilidad para el autoanálisis. Nueva York, la capacidad humana para el mal, la religión, la ambición desmedida, el amor al pecador, la cultura inmigrante italiana en Estados Unidos, el rock, la droga y otros excesos, el machismo o la enfermedad mental, forman trozos de su memoria. 

La digestión que su mirada hace de este cóctel ha creado una obra asombrosa, una de las más importantes y profundas de un cineasta vivo. Y todavía hoy sigue fresco, inquieto y en activo a sus 83 años, lleno de nuevos proyectos. Larga vida al señor Scorsese.

Rob Reiner nos hizo soñar con los finales más felices y un universo indiferente le ha proporcionado, junto a su esposa, uno atroz. Ambos han sido asesinados, posiblemente por un hijo con severos trastornos que está siendo interrogado tras ser detenido.

Este ateo de origen judío, corpulento y de gesto amable, tenía 78 años y había nacido en el neoyorkino barrio del Bronx de familia de actores y cómicos. Su madre, Estelle, tuvo un pequeño e inolvidable papel en Cuando Harry encontró a Sally. “Tomaré lo mismo que ella” decía, tras ver a Meg Ryan fingir un sonoro orgasmo en un restaurante.

Su padre, Carl, fue actor, cómico, escritor y guionista de larguísima y fructífera carrera. Puede ser recordado por sus participaciones, ya muy mayor, en la moderna saga de películas sobre atracos Ocean, Ocean´s eleven y sus dos secuelas.

Por su parte, Rob, dirigió, especialmente durante la década de los ochenta, algunas películas, que más allá de su calidad fascinaron y educaron la sensibilidad de una buena parte de sus espectadores.

This is a spinal tap fue su debut. Este genial falso documental sigue a una banda de heavy metal y parodia sus egos y pretensiones, así como a los verdaderos documentales sobre grupos de rock, contados desde la reverencia.

La película no fue un gran éxito en su estreno, en 1984, pero con el tiempo su prestigio ha ido creciendo y se ha convertido en una de las películas favoritas de la crítica y de muchos cómicos.

Dos años después Reiner dirigió la primera de sus dos adaptaciones de Stephen King, Cuenta conmigo, que dejó al escritor emocionado al verla. Tras esta cinta de buenos sentimientos y amistad, en 1990 Reiner adaptó Misery, también de King, a la pantalla, con una inmensa Kathy Bates y una colaboración con el guionista William Goldman.

Con Goldman había hecho ya la película La princesa prometida en 1987. Este cuento de amor, honor y duelos de ingenio y espadas trasciende la forma habitual de comentar el cine. Sus fans no hablan tanto de su cinematografía, y desde luego no de sus efectos especiales.

Cuando una película se convierte en la favorita, dicho de una manera incluso infantil, se aborda como un enamoramiento. Se vive, no se analiza. Se citan sus frases con una sonrisa bobalicona en la cara de absoluta y radical felicidad. Y eso fue La princesa prometida para mucha gente.

Y aun le quedaba en esa apabullante década dorada a Rob Reiner dirigir otra joya. Cuando Harry encontró a Sally, una de esas escasas comedias románticas que se convierten en un clásico del género instantáneamente. Sally estaba inspirada en la propia guionista, Nora Ephron, y el actor Billy Cristal puso mucho de sí en Harry, que estaba basado en gran parte en Reiner.

El director enlazaba relaciones poco significativas tras el divorcio de su primera esposa, la muy notable actriz y directora Penny Marshall. Su mirada al romance era por aquellos tiempos divertida pero pesimista.

Sin embargo, durante el rodaje de la cinta conoció a Michele Reiner, la también recientemente fallecida, y su enamoramiento le inspiró el final feliz, que no estaba en principio en guion.

Reiner siguió haciendo películas comerciales pasados los ochenta, pero en España es su etapa anterior es desconocida. Y por motivos también ampliamente ignorados. Criado en un entorno del negocio del espectáculo, el joven Reiner debutó en televisión como actor con catorce años.

Pero fue poco después cuando pasó a la historia de la televisión estadounidense para siempre. Con su personaje coprotagonista en All in the family. Una de las series más importantes de la que menos se ha oído siquiera hablar en España.

All in the family versionaba la británica Till death us do part (Hasta que la muerte nos separe), creada por Johnny Speight. En ambas un patriarca reaccionario de clase trabajadora asfixiaba a su familia, compuesta por una sufrida esposa, una hija moderna y un yerno antagonista, con soflamas racistas e intolerantes.

La serie se convirtió en un éxito instantáneo en Reino Unido. La versión de Estados Unidos también lo fue y es considerada una de las comedias más importantes en la historia televisiva del país. Y Rob Reiner encarnaba al yerno progre en esta versión.

Durante 205 episodios que ocuparon casi todos los años setenta, Reiner se convirtió en una de las caras más famosas de la tele de su país, y en otros muchos, a donde la serie viajó. Asociado, eso sí, al insulto que su facha suegro le espetaba, meathead, una forma brusca de llamarle atontado.

España permaneció ajena a esta serie que confrontaba las ideas más modernas, las equivalentes a las actuales woke, el pacifismo, el feminismo o la igualdad racial, por ejemplo, con las mentalidades más carcas.

Algo completamente excepcional, pues prácticamente todos los éxitos pasaban por nuestra entonces única televisión, RTVE. Pero claro, el que ahora algunos recuerdan como franquismo descafeinado no podía soportar esta reflexión cómica, profundísimamente política, que exponía mentalidades que conviven en una democracia.

Tanto la original británica como la versión estadounidense fueron desarrolladas por guionistas muy involucrados en la cultura de izquierdas que verbalizaban las burradas que se dicen en muchas casas y las enfrentaban a las realidades del mundo que las contradecían.

La decisión de no emitir una serie como esta mutiló una referencia cultural imprescindible que no pudimos ver hasta la edición en DVD, décadas más tarde, cuando ya se trataba de un producto arqueológico.

Qué mejor censura que dejar en la oscuridad absoluta a una población televidente que creía estar disfrutando las principales series y se perdió una fundamental, en la que otras muchas sociedades analizaban su polarización de manera nada equidistante y aún atractiva para todos los públicos.

Entristece que la creatividad, la chispa, la esperanza que Rob Reiner ha aportado al mundo haya terminado en violencia y en un aberrante mensaje de su presidente de gobierno poco menos que culpando de su muerte al hecho de que fuera contrario a él.

Menos mal que poco a poco este duro golpe será cada vez más lejano y la intensa emoción al ver las películas e interpretaciones de este grandote bonachón seguirá intacta.