Nadadora marcó la escena del indie-pop español cuando ésta se abría paso, allá en los 2000. Su separación en 2013, tras diez años de trayectoria, conmocionó a un público que cada vez era más numeroso. Tras un largo parón, han vuelto con más fuerza y, dicen, "más equilibradas con el universo". Su nuevo disco, Mañana y siempre, promete un sonido que recuerda al viejo Nadadora, pero con esa madurez que da el paso de los años.

En el LP, Sara Atán (voz y guitarra), Gonzalo Abalo (voz y guitarra), Edu Romero (bajo), Montxo Couselo (teclado) y Daniel Abalo (batería) cuentan con colaboraciones como la del también gallego Xoel López. "Lo más importante para nosotros es la honestidad". Un regreso orquestado bajo la batuta de Ernie Records, la discográfica que les acompañará de nuevo y que lleva a otros artistas como Alba Reche, Shego o Grande Amore. "Hemos intentado hacerlo sin seguir patrones ni modas", aseguran.

Sara y Gonzalo se han acercado a la redacción de infoLibre para contar cómo están viviendo esta vuelta al circuito, los cambios que observan en la industria musical y cómo va a ser la gira que preparan con mucho cariño para 2026.

Para comenzar, un pregunta casi por protocolo, porque ya lo han contado más veces: ¿cómo fue el reencuentro de la banda?

SARA: Bueno, en realidad decidimos volver a tocar y empezamos a montar canciones Gonzalo y yo hace casi dos años. Y cuando ya teníamos material que nos apetecía grabar, involucramos a todos y nos pusimos a trabajar... hace más de un año.

G.: Sí, un reencuentro que fue muy natural. Nos lo fue pidiendo la vida, ella sola nos llevó hasta aquí, ¿no?

S.: Todos podíamos y queríamos. Así que fue premeditado, porque estuvimos trabajando antes y nos apetecía mucho grabarlo y tener un nuevo registro sonoro a día de hoy. Hace ya muchos años... Queríamos reflejar lo que somos ahora.

Después de esta vuelta, ¿cómo se describirían?

S.: La portada del disco representa con el Kintsugi esos quiebros que provocan una rotura. [El Kintsugi es una técnica japonesa de reparación de objetos de cerámica que utiliza una laca mezclada con polvo de oro para unir los fragmentos rotos; una técnica que no busca ocultar las fracturas, sino resaltarlas].

G.: Y esa rotura se muestra, no se oculta.

S.: No es que la celebre, pero la acepta de alguna forma. Han pasado muchos años desde que no estamos toda la banda y a cada uno le ha pasado de todo en la vida. Es un poco esa muestra de que somos distintos porque nos han pasado muchas cosas. Cosas buenas, cosas malas. Y tenemos heridas que han cicatrizado y otras que todavía no. Esto también es una especie de sanación individual y que ayuda a catalizar un poco todo.

G.: Lo que nosotros somos hoy va cambiando y va evolucionando, así que se tiene que reflejar en la música. La música tiene que ser un reflejo muy honesto de lo que somos en este momento.

¿Y qué son en este momento?

G.: Mejores personas, o más equilibradas con el universo...

S.: Bueno, no sé si mejores personas...

G.: Más equilibradas con el universo, borra lo otro [risas].

S.: Mejores, no. Lo que pasa es que el momento vital es muy distinto. Nuestras vidas han cambiado mucho y hemos tenido que aprender a ser muy resilientes, a ser fuertes, a tener más responsabilidades. Y eso te lleva a priorizar de otra forma. Ha cambiado mucho la forma de grabar también. No solo hemos cambiado nosotros, es que ha cambiado mucho la escena. Y con las redes y tal... las etiquetas... que gracias a Dios ya no existen...

G.: Si me preguntas si la escena está más equilibrada con el universo, yo creo que no.

S.: Nosotros lo que intentamos es un ejercicio de equilibrio en el universo. Yo creo que es un intento de aceptación de lo que eres e intentar que suene lo más honesto posible.

Después de 12 años, habrá más cosas que habrán encontrado cambiadas. ¿Qué sienten que es distinto en la industria?

S.: Todo. Desde la producción, preproducción, grabación [...]. El tema de las redes también ha cambiado.

G.: La forma de consumir la música ha cambiado mucho. Cuando nosotros hacíamos el último disco, Spotify acababa de lanzarse en España. Es decir, las plataformas de streaming no eran el consumo mayoritario de música ni de lejos. Había mucha piratería en aquella época, y el principal reproductor era el CD. Joder, parece que estamos hablando de los años 60.

S.: Es que no hace tanto, claro. Antes todos estábamos mucho más encasillados, y ahora lo rico es precisamente lo contrario, que no haya tantas etiquetas. Que todo pueda suceder y que tengas todo ese acceso. También está la parte de los algoritmos y cómo funcionan... No sé cuán aleatorio realmente es, no conoces los sesgos... Antes eran de otro tipo. Era la prensa musical o lo que te decían los críticos de tu disco.

¿Sienten que ahora hay una gran parte del esfuerzo que tienen que poner en visibilidad más que en la música? ¿Lo llevan como una carga?

G.: Sí. Yo lo llevo como una carga, sin duda. De hecho, es algo que no me gusta y con lo que no me siento cómodo.

S.: Porque no estamos acostumbrados. A nosotros lo de crear contenido por crear contenido también nos abruma. Llega un momento en que satura porque además tiene que ser contenido de valor.

¿Qué les inspira para crear música?

G.: Yo creo que la inspiración fundamental son las cosas que te van ocurriendo en la vida. Aquellas que tienen un impacto emocional lo suficientemente grande para que tú las quieras canalizar en un instrumento, que es una canción, y que llegue a todo el mundo. De hecho, la música de Nadadora es reconocible porque tiene esa interpretación poética que nos gusta dar a la vida, esa cierta "otoñalidad" y una sensación pausada y más tranquila, pero con impacto.

S.: Yo creo que lo que más te inspira es cómo te hace sentir al hacerlo. Cómo te sientes físicamente cuando eres capaz de expresarte. Antes decía que, afortunadamente, todo el mundo habla con mucha más libertad de las emociones [...]. Yo creo que lo que más te inspira es que, de repente, abres una puerta y sale una parte de ti, y es una sanación, también, o una búsqueda de identidad. Y luego, esto también te saca de muchos sitios.

¿Y qué grupos musicales les inspiran o cuáles tienen como referencia?

G.: Yo te voy a decir tres que tengo en la cabeza siempre que toco, siempre, siempre. Uno son los Cocteau Twins, que siempre están en mis dedos. Y los otros son The Cure y Trembling Blue Stars.

S.: Sí que tengo un disco fetiche, es como un bálsamo. Cuando tengo un mal día hay dos cosas que me funcionan, este disco y Doctor en Alaska. Es el de "Prefab Sprout" de Steve McQueen. Durante estos dos años ha sido más difícil conocer música porque el tiempo que tenemos lo dedicamos a Nadadora, y eso tiene su parte buena y su parte mala. Te documentas poco, pero es bueno porque no te dejas influir demasiado. Al no estar tan apegado a referentes externos, te obliga a ir sacando lo tuyo con una cierta atemporalidad. Sin seguir patrones ni modas.

¿Cómo ven el panorama de los grupos gallegos?

S.: Yo creo que ha crecido y está en un buen momento.

G.: Sí. Y de hecho, nuestro sello (Ernie Records) creo que tiene mucho que ver en eso. Xoel López, por cierto, colabora en una de las canciones del disco. Toca la guitarra y canta en la última canción. Estamos muy contentos. Creo que el panorama es muy rico, mucho más que nunca. La presencia de grupos, no solo gallegos, sino que también cantan en gallego, es muy relevante. Hay mucha más presencia de la que yo diría que hubo nunca fuera del folk. Y Ernie Records tiene mucho que ver con esto.

S.: Sí, y la profesionalización que ha habido. Es gente que vive de la música. Fuera de lo que es el folk, quiero decir. Yo he escuchado folk en mi vida por todos lados, por eso me gusta mucho cómo se ha rescatado y se ha hecho esa nueva fusión de tradición con pop o con otros registros, que ahora está tan de moda. También es el idioma... es todo. Y luego también hay ciertos artistas, también de nuestro sello, que desprenden ese sentimiento de orgullo con la identidad propia. Que tú lo ves y dices: "Es gallego".

G.: Y hay muchos artistas que se consagraron en estos años. Xoel es un ejemplo, cuando tocábamos con él aún estaba en el grupo Deluxe. Otro ejemplo también es Iván Ferreiro. Y todo suma. Estos grandes referentes que han seguido creciendo se suman a un montón de nuevos referentes que están creando una estructura.

¿Y ustedes volverán a cantar en gallego?

G.: Sí.

S.: Sí. Aparte yo creo que es súper agradecido.

G.: No lo hemos hecho en el último, pero nos toca ya hacer algo. Tiene que ser natural, y cuando tenga que surgir, surgirá.

¿Cuál es su relación con las expectativas? ¿Tienen alguna para esta nueva etapa de Nadadora?

G.: Recibir este aprecio de la gente que lo escucha y cómo se convierte en un pequeño tesoro para ellos es la recompensa para mí. Y creo que para mí la expectativa es eso, es que se convierta en un pequeño tesoro para todo aquel que lo quiera abrazar.

S.: Claro, a ver, es complicado cuantificar la expectativa. También depende como te levantes ese día. Creo que las expectativas son que la gente se emocione, que se pongan la canción y le haga sentirse casa.

¿Habrá gira?

G.: Sí, sí la habrá. No va a ser una gira muy extensa, van a ser poquitas fechas, muy cuidadas, con mucho mimo. Queremos que sean pequeños tesoros y así está planteada. A lo largo del 2026 habrá una gira no muy grande.

You only live once, es una canción del año 2009 del grupo The Strokes cuyo título podría usarse perfectamente para definir a Karavana, uno de los principales grupos emergentes del panorama indie español. Fabi, Emilio, Gonzalo y Jaime definen su música como “guitarras sucias y letras cursis”. Lo dicen ellos pero, más allá de eso, sobre todo, sus melodías pegadizas son perfectas para pasarlo bien y disfrutar de la vida.

De hecho, una de sus canciones más conocidas lleva por título el nombre de la banda estadounidense. En ella, Karavana amenaza con tirarse por la ventana si vuelven a escuchar una canción de C. Tangana y no de los Strokes. Sin embargo, el grupo no viene a infoLibre a tirarse por la ventana, sino más en línea con su última canción Que bien los dos, mucho, más veraniega y optimista y cuyo pegadizo estribillo (“que viene el sol”) nos encaja de forma inmejorable para ilustrar esta sección.

Los miembros del grupo se definen como personas muy “positivas” y “disfrutonas” y ese carácter es el que intentan transmitir con sus letras y melodías. “Hay que disfrutar de todo lo que se pueda y eso es lo que queremos que hagan con nuestra música, que la gente disfrute y se abstraiga un poco de la realidad", añaden. Aún así, también admiten que ahora mismo es cada vez más difícil mantenerse en positivo viendo todo lo malo que sucede a nuestro alrededor. Sin embargo, ante eso reivindican el optimismo: “Después de la tormenta siempre viene la calma”.

Ese lema encaja perfectamente con la situación del grupo, ya que en medio de la vorágine han conseguido sacar su primer álbum, Muertos en la disco. La banda está encantada con este debut: “Es la mejor noticia de nuestra vida, es un sueño hecho realidad y, por si eso fuera poco, está yendo muy bien, muy por encima de nuestras expectativas”. El éxito de este debut lo compaginan con una gira veraniega que les está llevando a recorrer festivales por toda España, algo de lo que el grupo disfruta mucho, sobre todo al ver cantar y bailar sus canciones a los fans.

Por otro lado, Karavana opina que pese a ese optimismo, es casi imposible que las malas noticias no nos abrumen en algún punto, porque “siempre hay momentos de flaqueza en los que algo te afecta más de lo que debería”. Aun así, en su opinión, a veces hay que parar y reflexionar sobre la dimensión real de los problemas, ya que habitualmente “nos abrumamos por tonterías y hay que aprender a controlarlo”. Por eso, intentan ser “racionales” para dar a cada dificultad “la importancia que realmente tiene”.

Una de las claves para encarar los problemas es, precisamente, la forma en la que tratamos la información. El grupo cree que que “hay que estar informado, pero es que es tan difícil escuchar alguna buena noticia que al final da pereza”. En su opinión, lo más complicado de ser optimista es ver cada día en los medios solo lo malo y no tanto las buenas noticias. Por eso, apuestan por centrarse no tanto en lo externo, sino en nosotros mismos. "En cuidarse y en ser nuestra mejor versión posible”, sentencian.

Mientras tanto, el cuarteto madrileño prosigue con su agenda de conciertos, que llega ya hasta otoño. Así las cosas, pasarán por festivales como el Sonorama de Aranda de Duero o el Cooltural de Almería, y por Cartagena, Córdoba o Madrid, donde tienen una cita importante el 21 de octubre en el Ochoymedio Club.

A los de Sidonie, nunca ha habido rival que les pueda hacer callar. Marc, Axel y Jesús se lanzaron a la carretera hace veinticuatro años y acumulan tantos kilómetros como recuerdos en la retina. Imparables, con la melena al viento por la ventanilla. Carreteras infinitas es su tema más icónico, pero, para ellos, es sobre todo “un himno de furgoneta”. En ella, pasaron muchas horas muertas yendo, al principio, a lugares en los que la gente había venido a ver a otro grupo. Y, después, a sitios en los que les esperaban con auténtico fervor. Hace ya tiempo que dejaron de llegar “afónicos” a “los bolos” por tirarse todo el viaje cantando en la furgoneta. “Hemos perdido ese momento, pero ahora, al menos, cuidamos la voz”, reconoce el vocalista Marc Ros.

Carreteras infinitas es la canción que consigue levantar a todo un festival. Casi desde el principio, cuando empiezan a sonar las palmas que acompañan a la batería y el riff inicial, pegadizo, de guitarra. “Nos gusta mucho tocar en directo. Muchos años hemos sido el grupo con más bolos y kilómetros a sus espaldas. Esta canción es una forma de decir que aquí estamos para llevar nuestros sueños a vuestras casas, ciudades, pueblos", explica Ros. La pandemia les ha impedido montarse en la furgoneta tanto como les gustaría. Y han tenido que posponer muchos conciertos de su último disco El regreso de Abba (2020). Sin embargo, este parón les ha afianzado en su convicción de que son “músicos, juglares y bufones en el mejor de los sentidos”. Así lo cree Axel Pi, el batería del grupo. Son “tíos normales” que solo quieren hacer pop, rock alternativo, indie o lo que sea. Porque lo importante es hacer buenas canciones.

Ese siempre fue su sueño. Por eso, aunque las cuentas no les salían, abandonaron sus trabajos como teleoperador (Jesús), obrero en una fábrica (Marc) y la carrera de Medicina (Axel). Apostaron todo y se dejaron abrazar por la música. En directo, son viscerales. Tan enérgicos que incluso pueden terminar un concierto en calzoncillos. Sus temas invitan a bailar, a saltar, a empujarse. “Estos meses, cuando hemos tocado, hemos visto rotura de nalgas entre el público. La gente tiene que estar sentada por las medidas sanitarias y ya no sabe qué hacer, necesita moverse”, comenta Ros entre risas. Aún así, se siguen poniendo “ultranerviosos” antes de salir. Su ritual siempre es el mismo: chupito de whisky, brindis y abrazo. Eso les protege ante de salir al escenario. “La primera vez que tocamos Carreteras infinitas en directo, cuando dejábamos de cantar, oíamos a la gente cantándola encima de nosotros. Y cuando nos la enseñó Marc nos pasó lo mismo. Identificamos una canción redonda”, recuerda Jesús Senra, Jes para sus colegas de la banda.

“Es un homenaje a la cultura pop”

Marc Ros la compuso en una escena completamente anodina: una noche, en pijama, viendo una película que hoy no recuerda cuál es. Puede que fuese una italiana de los ochenta y por eso la canción tenga esas reminiscencias. Del sofá saltó al estudio de su casa para componer primero la melodía. Después vino la letra, cantada en un “inglés inventado” y escrita casi de forma automática “como los surrealistas”. Por todas sus referencias, Carreteras infinitas es también un homenaje a la cultura pop del siglo XX: “Hago mención a “tengo una chica y una pistola”, que es una frase que decía el cineasta Jean Luc Godard: ‘Para que una película tenga éxito, tiene que tener una chica y una pistola’. ‘Un crucero de placer’ que en realidad es Vacaciones en el mar, una serie de los ochenta. También, tiene algo de Jack Kerouac y su libro En el caminoEn el camino, que habla del hecho de lanzarse a la carretera”. A ellos todavía les queda mucho asfalto por quemar. Que ahora toque Sidonie, que tengo ganas de bailar.

Maga había echado el cierre. El grupo musical sevillano anunció en 2014 que se separaba, después de más de diez años en escena y de haberse situado como uno de los proyectos pioneros del indie patrioindie. Lo dijeron así: "Ha llegado la hora de que Maga se tome un descanso". Llevaban, en realidad, dos años inactivos y pensaban otra cosa: "Dejábamos la puerta abierta por si acaso, pero en un principio eso era lo que había". La escena del pop rock independiente, una de las más activas de las últimas dós décadas, decía adiós a uno de sus grupos más celebrados. Aquellos que tocaban en salas minúsculas mucho antes de que Vetusta Morla sonara en Los 40. 

O no. Un año más tarde, sus integrantes —Miguel Rivera (voz y guitarra), Javier Vega (bajo) y César Díaz (teclados)— anunciaban que sus integrantes se reunían de nuevo para autohomenajearse con una reedición de maga (conocido como el blanco), su primer disco (Limbo Starr, 2002), acompañados de once invitados, de Iván Ferreiro a Pony Bravo. Organizaron, además, unos fastos de 15º aniversario en forma de dos conciertos en la sala Joy Eslava de Madrid. Y, a priori, eso era todo. Pero, de nuevo, ellos pensaban otra cosa: Salto horizontal (Warner Music), el primer trabajo en seis años, su disco de reunión y casi de resurrección.  

"Cuando colgamos el cartel de cerrado por vacaciones fue porque ya no teníamos más cosas que contarle a la gente. Nos habíamos quedado en dique seco. Los motivos para volver fueron los contrarios. No íbamos a volver por pasta, podríamos haber dedicado la energía a otro proyecto. Pero está ahí el espíritu de la Maga artista, que nos llama y empiezan a salir los bocetillos", cuenta Rivera en las oficinas de Warner, su discográfica. Aunque estas razones sean absolutamente personales, lo cierto es que su vuelta se alinea con el regreso de Los Planetas —grupo tótem del indie español que comenzó su carrera diez años antes que ellos— y el ejercicio de nostalgia de la participación de Sexy Sadie —banda nacida en 1992 y disuelta en 2006— en un autohomenaje de Santiago Auserón que tendrá lugar en el festival Sonorama. Una coincidencia que parece señalar la existencia de un canon, la necesidad de una recuperación. 

Porque una de las características centrales de Salto horizontal es el "regreso a los orígenes", una peregrinación hacia el núcleo que allá por el inicio de los 2000 les puso en el mapa. Canciones como "Diecinueve" o "Agosto esquimal", que forman parte de la memoria emocional de la generación que ronda los 40.  Se lo propuso Ángel Luján, productor del disco —es la primera vez que el grupo recurre a uno— y de artistas tan populares como Xoel López o Vetusta Morla. Lo recuerda el vocalista: "Él nos puso como condición que recuperáramos la identidad de Maga de los orígenes, que la gente recuerda y añora. Como el uso de sintessintes, de bases electrónicas, melodías luminosas… Y a eso darle un envoltorio actual, que se encargaba él".

El resultado es un disco efectivamente más optimista que sus últimos trabajos, sobre todo si se compara con Satie contra Godzilla (Mushroom Pillow, 2011), su anterior trabajo, tan cañero en el sonido como lánguido en las letras que fue recibido tibiamente por la crítica. "Por las tardes en el frío de las tiendas", el primer single del trabajo —y primera canción que manipuló Luján—, tiene mucho de sintes y de melodía veraniega y letras a juego: "Si duermo de día descubriré /Que la noche esconde inmensa fortuna. /Toda la luz es para vosotros". Pero incluso "Cuando nadie me escriba", el primer tema que compusieron, más oscura —"Cuando nadie me escriba/ No habrá sombra en la casa, / El levante cubrió de arena / La zanja de nuestra almohada"— está travesada por una energía inusitada. 

"Satie contra Godzilla es un disco muy pesimista, sí. Leñero, pero pesimista. Nos sentíamos así, y era seguramente la antesala de la separación. Yo mismo estaba siempre reclamando algún tipo de atención o recompensa por el sufrimiento y no la encontraba", se sincera Miguel. No tiene pudor en describir el proceso de separación y renacimiento del grupo como el reflejo de sus cambios internos. Su relato de pérdida y reencuentro consigo mismo suena a crisis de los 40 con final feliz: "Este es un disco relajado. Quizás lo dé la madurez. Incluso se afrontan ciertos temas que en el pasado los hubiéramos tratado con pesimismo y languidez, porque somos unos becquerianos, y ahora los hemos tratado con ironía". Se refiere a la canción "Juego", que "habla de una relación abocada al fracaso" cuya supervivencia se presenta como un último truco imposible. Ese "salto horizontal" que da nombre al disco. 

Incluso se atreven a mirar más allá de su dolor romántico para componer una canción de tintes claramente políticos y otra de reivindicación del legado poético español. La primera es "La noria": "Hablamos de estar en el mundo y vivir en España en estos tiempos, ver que hay gente que ha puesto voz a otros que no la tenían, pensar que todo va a ir de puta madre... y que al final es un bluf". La canción capta, sorprendentemente, un sentir general, encajando estrofas algo desencantadas —"Se vuelve a quedar suspenso el futuro, / La incredulidad, la inercia callada"— con un estribillo vigorizante: "Queda tanto por hacer,/ Nadie va a quitarnos las ganas". "Nos daba miedo, pero Javi [Vega, autor de la letra] ha hecho un gran trabajo y no nos ha quedado un panfleto". 

Y luego está "La casa en el número 3", que habla de la "casa del poeta" y recoge las impresiones de Rivera tras un paseo hasta Velintonia, la vivienda de Vicente Aleixandre en Madrid, situada en la calle Vicente Aleixandre, número 3. "Los cristales rotos marcan,/ como el mapa de una isla,/ el lugar donde el olvido se instaló", escribe. Tras la publicación del disco, la Asociación de Amigos de Vicente Aleixandre le llamó para agradecerle su interés. Y hoy el músico puede celebrar la conformación de una mesa de trabajo, formada por la Comunidad de Madrid y el Ayuntamiento de Madrid, entre otros, que estudiará la adquisición de la vivienda  y la creación de una "Casa de los poetas" en ella. 

Los granadinos Lori Meyers, unos de los estandartes del todavía floreciente indie español, regresa después de cuatro años con En la espiral (Universal). Aunque lo de regresar es mucho decir, porque nunca se han ido. Lo explica Antonio López, NoniNoni, voz, guitarra y cara más visible del grupo con la sencillez que le caracteriza: "Ya no hay salas ni giras de invierno, ya tiras casi de festivales. Haces dos veranos y luego te queda un tercero en el que te siguen llamando y tocas casi para mantenerte. Cuando terminan esos tres años, te pones a componer". El cuarto año se les ha ido en sacar un disco construido desde los ensayos (cosa que no hacían, dicen, desde Hostal Pimodán (2005), un trabajo anterior al Cronolánea con el que cosecharían sus primeros hits. 

En la espiral es un disco "hecho en casa", como lo describe Alejandro Méndez (guitarra y voz) en el restaurante madrileño en el que se han refugiado para pasar el ecuador de un día de intensa promoción (Alfredo Núñez, batería, firma discos a ritmo fordista). No se quejan porque, dicen, ven a los periodistas de tanto en tanto, protegidos por la lejanía de Granada del insistente centro informativo que es Madrid y por los ritmos de la industria. Los festivales, por mucho que cada verano estén en los principales del país, no invitan a la entrevista. Y su vida se ha visto marcada por ellos en los últimos años, con legiones de seguidores cada vez más numerosas que corean con ganas "Luciérnagas y mariposas", "Emborracharme" o "Mi realidad". Este último se ha convertido en uno de los éxitos del indie más escuchados en la plataforma de música online Spotify, con más de ocho millones de escuchas (sin perder de vista que "El perdón" de Enrique Iglesias suma 375 millones). 

Lo dicen en "Zona de confort", una de las pocas canciones indudablemente festivas del disco. Se trataba justamente de salir de ella. A lo largo de la entrevista sale varias veces la palabra "antes", como si algo separara la trayectoria de la banda hasta ahora con lo que este disco inaugura. Aquí, por ejemplo, la usa Alejandro: "No queríamos tender hacia lo que habíamos hecho antes, que eran canciones de tres minutos. Pensábamos 'esto es muy largo, vamos a aburrir'. Pues mira, el que se aburra en este por lo menos tiene ese sentimiento". Ahí está la propia canción, que a partir de los tres minutos y medio cambia de cara para ofrecer una segunda mitad de gran peso instrumental que extrañará a los devotos. "Es la revolución", cantan. Igual de voluntariamente poco tatareable es el epílogo de "Evolución". 

"Happy-happy, nunca somos…", dice Méndez para abordar la temática general de En la espiral,  "este disco tiende hacia lo oscuro". El tema "Evolución", justamente, duda de que esta exista realmente y dibuja a una humanidad atrapada en un círculo vicioso. "Siempre brilla el sol", pese al título, es "de un optimismo recatado", porque "el mundo siempre sigue sus ciclos, estemos nosotros en él o no". Una idea que tan pronto tranquiliza como desasosiega. En "Organizaciones peligrosas" hablan de la existencia de fuerzas ocultas, lobbies que nos gobiernan, pero también de gente "que no piensa como todos los demás". Un acercamiento a las letras políticas que ven como algo natural. Lo explica Alejandro: "La política lo es todo, porque es la forma de vivir, de relacionarnos. ‘Soy apolítico’, ¿tú cómo vas a ser apolítico? ¿Te da igual todo?".

El disco se abre y se cierra con dos canciones gemelas, "Vértigo I" y Vértigo II", dos temas oníricos grabados con la colaboración de Antonio Arias (Lagartija Nick) que no recuerdan en absoluto a los himnos que sus fans quieren escuchar en los tórridos festivales. "Nosotros no estamos en la industria", dice Noni, pese a que el grupo es uno de los más exitosos de esta zona del panorama español, "somos un grupo de Granada que llevamos desde los 16 años tocando juntos. Para nosotros lo más importante es darle al público algo de lo que estar orgullosos". Que nadie espere un nuevo "Luciérnagas y mariposas", advierte, ni siquiera un nuevo "Emborracharme", su hit más reciente. Aunque, en este disco dual, está también "1981", un himno nostálgico que huele a coros multitudinarios. O "Eternidad", uno de los singles más veraniegos del disco. 

El trabajo es tan home made que se les fue de las manos. "Quisimos encargarnos de la mezcla, pero dimos tumbos", confiesa Noni. Finalmente llevaron la grabación a Phil Vinall, productor de grupos tan dispares como Placebo, Bomba Stereo o Dorian. Según sus cálculos el grupo tendría que haber salido en octubre, pero finalmente estuvo acabado en diciembre, una mala fecha para la promoción. Pero la cocción a fuego lento de la que presumen no viene de los imprevistos, sino de una voluntad de para la máquina. Si en 2015 hicieron un parón literal por "salud mental", no querían acelerar de nuevo. "¿Cuánto hacía que no íbamos a bebernos unas cervezas después de tocar?", se pregunta Noni. "Este ha sido un proceso más artesano, más nuestro". Su compañero toma el relevo: "Ha sido más importante el proceso que el final".

En los últimos discos habían compuesto por separado: Noni, por ejemplo, creaba la canción digitalmente en su casa, con baterías y bajos sintéticos, y la presentaba luego a la banda, que tocaba a partir de esta propuesta. Aquí no, y Méndez se alegra: "Entonces no había tanto margen para que crecieran las canciones". Grabaron la parte instrumental en Tarragona, en los estudios La Casamurada de Ricky Falkner, con quien ya habían trabajado en dos ocasiones. Luego se permitieron volver a casa y dejar reposar el trabajo. "Entonces estaba el disco al 60%, hay muchos grupos que no se pueden permitir eso", apunta Noni. Volvieron a las costumbres de los veintipocos, a comentar la jugada, escuchar las pistas en casa, tocar sobre ellas, enviarse pruebas... Lo repite el vocalista: "Queríamos salir de la forma de hacerlo en los últimos años". 

Si les dejan. Porque la gira de presentación del disco se ha reducido a tres conciertos en Madrid, Barcelona y Granada (además de dos patrocinados por Vodafone que funcionan con invitación) antes de meterse de lleno en la "temporada festiva" (palabras de Méndez) de los festivales. Allí las canciones del nuevo disco se verán relegadas a un plano más discreto, y los asistentes pedirán a gritos las de siempre. También ahí hay una espiral de la que es difícil salir. 

El grupo indie Supersubmarina sufrió un accidente durante esta madrugada en el kilómetro 168 de la carretera N-322, a su paso por Úbeda, como resultado de un choque fronto-lateral con una furgoneta alrededor de las ocho de la mañana, según confirmaron los representantes del conjunto musical.

Las mismas fuentes explicaron a Europa Press que los miembros del grupo están estables. Sin embargo, desde el Ayuntamiento de Baeza (Jaén), localidad natal de los integrantes del grupo, informaron que el cantante, José Chino Marín, está siendo actualmente intervenido en el hospital Neurotraumatológico de Jaén.

Por su parte, otro de los componentes, el batería, de nombre Juanca, se encuentra en estado grave en la Unidad de Cuidados Intensivos (UCI) del Hospital de San Juan de la Cruz de Ubeda. Por otro lado, el conductor del vehículo en el que viajaban fue el menos dañado por el siniestro, según las fuentes, que precisan que volvían de Valencia de un concierto.

Según informó el servicio coordinado de Emergencias 112 de Andalucía, el siniestro se produjo a las 8.06 horas, cuando varios conductores han avisado de suceso. El 112 alertó a los servicios sanitarios de EPES, Guardia Civil, Policía Local y bomberos del suceso, en el que resultaron heridas seis personas.

Así, las mismas fuentes indicaron que cinco de los heridos viajaban en el turismo, mientras que el otro se encontraba en la furgoneta. Los bomberos tuvieron que liberar a uno de los afectados, atrapado en el interior de uno de los vehículos.

Junto a esto, todos los implicados fueron trasladados a un centro hospitalario de la ciudad. Hasta el momento se desconocen circunstancias que provocaron tal suceso.

“Vamos a hacer un grupo, qué cojones, si tenemos cinco temas”. Esa fue la actitud de Adrián, Aarón y Guillermo cuando decidieron fundar Perro, una banda que es resultado de haber pasado muchas horas en el local de ensayo sin siquiera tener en mente hacer un grupo. ¿Y por qué ese nombre? “Buscamos el más difícil de encontrar en Google”, dicen entre risas los murcianos.

“Hicimos canciones por hacer, por echarnos unas risas y tocar en algún que otro concierto”, recuerda Guillermo Fabregat, voz de la banda. Bueno, voz, guitarra, bajo y sintetizador. Y no es el único. Tanto en sus discos como en los conciertos, cada componente alterna los instrumentos, llegando a haber dos baterías durante la mayor parte de la actuación.

Un curioso combo que se dio por curiosidad e inquietudes musicales de los componentes, que acabaron añadiendo un sintetizador: “Pillamos uno barato y nos moló un montón, le puedes sacar mucho pringue, aunque en el último disco no lo hemos metido mucho”. Pero, ¿cómo es eso de tocar con dos baterías? “Es jodido. Los hijos de puta no para de tocar, y no hay silencio en el local…”, bromea Fabregat.

La banda, que señala entre sus influencias el rock americano de los noventa, el punk, el krautrock y parte de la escena indie nacional, compone “lo que salga de forma natural y espontánea”. “Vamos al local a tocar por tocar”, explica el cantante de Perro a infoLibre, aunque matiza: “Luego eso hay que pulirlo”.

Letras con bacalao

Pero la esencia de Perro no sólo son los instrumentos, también unas letras que, desde luego, no dejan indiferente a nadie. “Las letras se hacen entre todos, a ver quién dice la gilipollez mas grande”, dice Fabregat a modo de guasa, “hay muchas coñas internas nuestras, de nuestras colegas, y algunas más generales. Intentamos reflejar lo que es nuestra vida”.

El cantante admite que “es raro” que letras de bromas con sus amigos lleguen a tanta gente. “No tendría que entenderlo nadie, pero a nosotros nos mola bastante el rollo de la ambigüedad y que cada uno la interprete como quiera”, añade, “nuestra música está hecha para que todo el mundo la intente hacer suya”.

Pese al tono jocoso y el auge del grupo en los últimos años, la banda sigue teniendo los pies en la tierra. Definen su directo como “un grupo de colegas que intentan pasárselo bien y que lo dan todo. Siempre tratamos de tocar a tope”. “No podría renunciar ni a sala ni a festival, aunque la sala es donde se crea el ambiente y la magia de tener a la gente pegada, todo es más visceral”, admite Fabregat.

Guardan buenos recuerdos de sus dos últimos conciertos en salas madrileñas: “Había ambientazo y son las veces que más gente ha ido a vernos a una sala. A veces la gente se vuelve crazy crazy, incluso con pogos desde el inicio y dices: joder, están más motivados que yo, están a tope”.

Eso sí, no sólo de girar por salas se nutre Perro, cada vez son un mayor reclamo festivalero: Primavera Sound, Sonorama, Monkey Week, Low Festival… Hasta ellos mismos se muestran sorprendidos por haber pisado algunos de los mejores escenarios de la Península: “Se puede acabar esto y yo me quedo ya tranquilo”, bromea el cantante.

De momento, y pese a compartir cartel con estrellas internacionales, la música aún no es su única ocupación: en Perro hay un profesor de clases particulares de matemáticas, un entreador de un centro deportivo, un repartidor de pan y un estudiante.

"Ya hemos cumplido de sobra lo que hubiéramos soñado"

Entre tanto concierto, Perro ha sacado algo de tiempo para publicar su segundo disco, Estudias, navajas. “No es un disco tan directo como el anterior, es para escuchar con calma y tranquilidad”, explica el cantante. Y es cierto. Han dejado aparcados a un lado los pedales de efectos y los riffs alocadosriffs  de guitarra para tener un sonido más contundente.

No obstante, Fabregat justifica la diferencia entre los dos álbumes por una razón de tiempo: “Tiene bacalao, tiene melodía [debut discográfico de Perro] se compuso a lo largo de dos años. Era una locura porque nos pilló en un montón de épocas. El nuevo disco se hizo en menos tiempo, parte durante la gira, que terminó muy tarde, y el resto en un mes de parón en el local”.

Cuando les preguntan por su futuro, se muestran algo escépticos: "Ahora de lo que se trata es de seguir p'alante y tocar todo lo que se pueda hasta que esto se acabe. Y cuando se acabe, a hacer otra cosa. Tenemos curiosidad por saber a dónde llegamos, pero ya hemos cumplido de sobra lo que hubiéramos soñado".

Sobre la escena nacional de la música indie, Fabregat comenta: "Están saliendo grupos chulos y con una buena actitud, pero es verdad que la mayoría de grupos que salen no me dice nada". En este sentido, la cabeza visible de Perro lamenta que sea "una cosa loca ya la de gente que quiere coger un trozo del pastel. A algunos cuando los ves te dan ganas de preguntarles: ¿A ti te gusta la música o te gusta follar? No mola eso, debería ser por la música".

"Aquí, en Madrid, chupando calor". El músico Xoel López contesta al teléfono a las doce de la mañana, mientras corre a casa a refugiarse del sol que empieza a hacerse notar en la ciudad. Lleva meses de duro trabajo, desde el pasado enero, para lanzar su nuevo disco, Paramales. Y hasta el próximo enero, ya lejos del asfalto derretido, seguirá ensayando y tocando sin descanso, primero en festivales y luego en salas. Nada de vacaciones, salvo un breve viaje de cinco días a Euskadi antes de su concierto en el festival Sonorama el próximo 15 de agosto. 

El oficio obliga a este cantautor gallego, antes conocido como Deluxe, a quedarse pegado al suelo de Madrid, cada vez más vacío. "Los músicos somos como los hosteleros, trabajamos cuando los demás descansan, fines de semana, de noche y en verano", bromea. Su rutina estival alterna trabajos de producción "delante del ordenador y tirando de pingüino" con ensayos de "perfeccionamiento" y bolos en Santander, Aranda de Duero (Burgos), San Vicente do Mar (Pontevedra). Entre salida y salida, calor: "Me vine aquí con 20 años y no recuerdo un verano como este. En casa tenemos incluso una cancioncita que se llama Verano infernal". Esa no está en el disco.  

El pasado junio presentó Paramales, el segundo disco bajo su firma y el número 13 de su carrera. Un trabajo de fusión más radical que el anterior, Atlántico, en su tendencia hacia el folclore latinoamericano. Todo lo que merezcas coquetea con la ranchera en su tonalidad y su despecho, en Antídoto manda el acordeón argentino, mientras en La casa hace ruido cuando no estás se deja oír un aire de flamenco mezclado con un acento bonaerense.

No es casual que comience con un tema llamado Patagonia: López estuvo viviendo en Argentina hasta el invierno pasado, su mujer es de Buenos Aires y viajaron juntos a esa región. Desde su regreso, ha tenido poco aire fresco: la vida ha girado en torno al estudio de grabación. Primero, una premaqueta en casa; después, una maqueta; por último, el disco, construido en los estudios Reno, en el barrio madrileño de Pueblo Nuevo. 

"Un disco es lo más trabajoso, la parte más dura. No tanto físicamente, que también, como psicológicamente. Sabes que es lo que va a condicionar los próximos dos años de tu carrera, al menos. Es difícil decidir cuándo está terminado", explica. Cuando por fin salió de las paredes acolchadas del estudio, el pasado junio, con el niño en brazos, tuvo que enfrentarse a una tarea farragosa: la promoción. No se le da bien, dice, "intelectualizar el rabajo": "Normalmente se crea desde un sitio muy visceral, desde lo abstracto. Explicarte es difícil".

Lo único bueno de pasar un verano entregado a la faena (y que trata de sortear con alguna cena "con la poquita gente que queda en Madrid") es ir descubriendo el potencial de sus canciones en directo. Patagonia, por ejemplo: "Como es medio acústica o medio folk, no sabía cómo iba a funcionar en directo, y sin embargo me sorprende porque es una canción grande, con profundidad". A serea e o mariñeiro, una exploración de ritmos, percusiones y electrónica no tan habitual en su repertorio, sin embargo, se le resiste: "Nos tiramos a la piscina, y hay que hacerlo sonar en directo, con la banda, a base de mucho trabajo". Para el Sonorama, sin embargo, prepara un show completamente en solitarioshow . Más ensayos, más nervios.

Un trabajo (la palabra sale una treintena de veces durante la conversación) que se prolongará, al menos, hasta enero. Después de un verano de festivales, el músico afrontará en otoño la presentación del disco en salas, con entre 15 y 20 conciertos ya apalabrados. Después, de nuevo Argentina, lejos del alboroto discográfico y cerca de nuevo de ese folk largo y calmado que encontró en Patagonia. 

Tras unos años en los que parecía que la crisis económica –y la subida del IVA cultural al 21 por ciento– había dificultado la llegada de grandes grupos internacionales a España, todo apunta a que 2015 invertirá la situación. Desde leyendas hasta grupos emergentes, este año tendrá visitas de algunas de las mejores bandas de rock del momento.

Además, nada está cerrado y muchos grupos se espera que anuncien en los próximos meses sus giras. Entre algunos los posibles se encuentran sus satánicas majestades: los Rolling Stones, que han dejado en el aire la posibilidad de volver a salir de gira.

El año anterior acabó con el inicio de un nuevo evento: Suite Festival, en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona. El maestro de ceremonias fue Woody Allen & his new orleans jazz band, al que seguirán durante los próximas semanas una serie de artistas. Entre ellos, destacan Van Morrison, que ofreció su espectáculo el pasado 19 de enero y Kraftwerk, que visitarán la ciudad condal el 22 abril.

A finales de mayo llega el turno de una de las bandas más esperadas: AC/DC. Los australianos repasarán su último disco, Rock or bust, y algunos de sus temas más clásicos. Eso sí, con una baja imposible de obviar: el guitarrista Malcolm Young, obligado a retirarse tras haberse constatado que sufre demencia. El sustituto será George Young, que ya ha trabajado anteriormente con la banda. Otra posible baja es la del batería Phil Rudd, que ha tenido recientemente problemas con la justicia que le alejan de la gira mundial de la banda. No obstante, insiste en que volverá a trabajar con AC/DC.

Pero si de algo no queda duda es del éxito de convocatoria de los australianos. Con largas colas y colapsos de los sistemas informáticos, las entradas para Madrid (Vicente Calderón, 31 de mayo) se agotaron en apenas hora y media, lo que provocó el anuncio de una segunda fecha (2 de junio), para la que también se agotaron las localidades en el mismo día. La banda tocará también en Barcelona (28 de mayo), en el estadio olímpico Lluís Companys, donde las entradas tardaron algunos días más en agotarse.

Este mismo mes también pasará una de las bandas más importantes del rock indie a nivel mundial. The Strokes pasarán por el escenario del Primavera Sound (28, 29 y 30 de mayo), donde también estarán grupos como The Black Keys o Interpol. Se trata de uno de los pocos conciertos confirmados por la banda a nivel mundial para este año. Su último disco, Comedown Machine, recibió críticas en algunos sectores, debido a las grandes diferencias que presentaba en el sonido de la banda respecto a los trabajos anteriores. 

Aunque desde su publicación apenas han dado conciertos, Julián Casablancas y compañía seguirán repasando algunos de sus temas más emblemáticos, como Reptilia, Under Cover Of Darkness o Someday. 

La gira europea de Nick Cave hará parada en Barcelona (21 de junio) y Madrid (22 de junio), con las entradas agotadas para este último concierto. Se trata de un evento más íntimo, en teatros y auditorios, en el que repasará toda su discografía sin la compañía de los Bad Seeds al completo.

Otra banda mítica del hard rock que pasará por España será Kiss. Los de Genne Simmons harán parada, tras cuatro años sin hacerlo, por Barcelona (21 de junio) y Madrid (22) en el marco de su gira de 40 aniversario. En ella, sonarán algunos de sus temas clásicos, como Detroit Rock City o Rock N' Roll All Night, con su característico espectáculo de fondo.

Ese mismo fin de semana se celebra el Azkena Rock en Vitoria, encabezado por ZZ Top. Los de Texas, que siguen manteniendo la formación original (y sus largas barbas), pondrán el toque más clásico a las guitarras del festival. A la espera de la confirmación de un segundo cabeza de cartel, entre las confirmaciones anunciadas por el Azkena cabe destacar Television y Black Mountain.

El mes de julio será el más intenso en grandes conciertos y festivales. Muse pondrá el listón alto con su participación en el Bilbao BBK Live (9, 10 y 11 de julio), única fecha en festivales españoles este año. El trío presentará su nuevo album –cuyo estreno está previsto esta primavera– y en el que, según ha asegurado Matt Bellamy, la banda se alejará de sus dos discos anteriores –con alta presencia de elementos de música electrónica– para presentar un sonido más contundente. Estarán acompañados por numerosas bandas, entre las que destacan The Jesus and Mary Chain, Counting Crows o Arizona Baby.

Los incondicionales del sonido más duro tienen una cita en Galicia. Para ser más exactos, en Viveiro, donde se celebrará el Resurrection Fest (16, 17 y 18 de julio), encabezado por Mötorhead, que solo celebrará este concierto en España en 2015. Además, durante el festival le acompañarán otros importantes grupos de la escena, como In Flames, Black Label Society o Korn.

El mítico lider de Dire Straits, Mark Knopfler, hará una minigira por la geografía española a finales de julio, pasando por Huesca, Sevilla, A Coruña, Barcelona y Ávila, donde participará en la décima edición del festival Músicos en la Naturaleza junto a Fito & Fitipaldis.

Lenny Kravitz también visitará España los últimos días de este mes. Concretamente, tocará con su banda en Madrid, Gijón y Marbella, donde presentará su último disco, Strut. El multinstrumentista repasará algunos de sus temas más emblemáticos, ya convertidos en himnos en sus actuaciones en vivo.

La música alternativa o indie se hará un hueco en la capital del turismo veraniego: Benidorm, donde se celebra el Low Festival los últimos días de julio. Kasabian es el primer cabeza de cartel confirmado por ahora. Los ingleses presentarán su último trabajo, 48:13, por segunda vez en España (el año pasado lo hicieron encabezando el FIB).

La banda de rock electrónico estará acompañada por grupos internacionales, como The Growlers o The Raveonettes, y nacionales, como Los Enemigos o Supersubmarina.

En agosto, The Darkness pasará por la costa alicantina en el Festival Leyendas del Rock. Allí presentará su nuevo disco, que acaban de anunciar que se publicará en marzo. En esta edición también participarán grupos de la talla de Overkill o Gamma Ray y, en la escala nacional, Obús o Asfalto.

Tras las polémicas sobre la salida de su último disco, Songs of Innocence, U2 volverá a hacer una gira mundial en el presentarán también la segunda parte de este disco, Songs of Experience, cuya publicación se espera en los próximos meses. En su tour iNNOCENCE + eXPERIENCE, los de Bono solo pasarán por 19 ciudades en todo el mundo.

Una de ellas será Barcelona, donde se colgó hace tiempo el cartel de “entradas agotadas” para ver a los irlandeses en el Palau Sant Jordi las noches del 5 y el 6 de octubre. Eso sí, tras su reciente accidente en bicicleta, Bono no sabe si podrá volver a tocar la guitarra de acompañamiento al grupo.

¿Alguien más?

Por el momento, estas son las grandes giras cuyo paso por España está confirmado. No obstante, muchos carteles de festivales siguen estando cojos.

Además, algunos grupos que ya han anunciado las fechas de su próxima gira, no han incluido España. Es el caso de Foo Fighters, que acaban de publicar Sonic Highways. Disco que, de momento, no está previsto presentar en directo en esta ocasión. Otros músicos, como Red Hot Chili Peppers, Radiohead o Coldplay, han anunciado que publicarán disco este 2015, pero aún no se sabe cuál será la hoja de ruta de sus giras.

Aunque se trata solo de un guiño, los Rolling Stones podrían volver a visitar España en 2015, pese a los rumores de disolución de la banda tras un intenso año. En un vídeo de agradecimiento al millón de personas que asistió a alguno de los conciertos de su última gira, 14 On Fire, Mick Jagger deja la puerta abierta a una posible vuelta a la carretera con la banda: “Quizá nos veamos en 2015, así que, ¡gracias a todos!”.

De juntarse casi un grupete de amigos –300 personas–, a ser galardonado el año pasado con el Premio al Mejor Festival de España. El viaje del Sonorama, nacido en 1998, ha sido intenso y prolijo. Rociado con vino, acompañado de morcilla y cubierto de música y más música, el más nacional de los certámenes nacionales, que se celebra en la localidad burgalesa de Aranda de Duero, vuelve esta semana, del 15 al 17 de agosto, con idéntico empeño que en sus muy humildes orígenes: apoyar lo más sobresaliente y novedoso del indie patrioindie . 

Con el orgullo acumulado de haber catapultado a la fama a bandas como Vetusta Morla o Supersubmarina, el Sonorama ha puesto este año sus esperanzas en talentos nacientes como León Benavente o Pasajero. Aunque no se olvidan de los grandes reclamos. A saber, The Corner, Travis o Belle and Sebastian. Antes que ellos, otros grupos internacionales –OK GO, Yeah Yeah Yeahs, Mogwai, Ocean Color Scene…– plantaron sus banderas en Aranda desde allende las fronteras. Entrevistamos a su director, Javier Ajenjo, y aprovechamos para recordar algunos de los momentazos vividos a largo de 16 años. Escenas de intimidad, de sonoridad, de comunión y también algún que otro nacimiento de fulgurantes estrellas.

Vetusta Morla durante su actuación en la Plaza del Trigo de Aranda en 2008

Buscando un mejor uso a la plaza de toros de la ciudad, la primera edición del Sonorama presentó solamente a tres bandas: Chucho, Doctor Explosión y Mercromina. Estos últimos, nacidos de una muerte, la de los Surfin' Bichos, se despidieron para siempre del público siete años después en el mismo festival, que el año pasado fue ensalzado como lo más en la gala de los premios de la Música Independiente de 2012. Un galardón, dice Ajenjo, “humildemente merecido”. “Después de 16 años nos tocaba: lo tomamos como un reconocimiento de la industria y como un honor”.

Escaparate fundamental del indie español, el Sonorama ha tanteado en alguna que otra ocasión caminos alejados de esa denominación de origen. En 2007, por ejemplo, hizo de lanzadera del regreso de Nacha Pop, y en 2011, se reveló como imán de masas con la participación de los aragoneses Amaral. “Para nosotros es vital potenciar las bandas pequeñas”, asegura el director, que encabeza la asociación cultural sin ánimo de lucro Art de Troya, que organiza el Sonorama con la colaboración de unos cien socios a lo largo del año, entre 300 y 400 según se acercan las fechas. No ganarán dinero, dice Ajenjo, que explica que para este año cuentan con un presupuesto de 1,5 millones de euros, “pero recompensa ver el pueblo lleno, dar a conocer todo lo que tenemos bueno, así que obtenemos mucho. Es un pequeño milagro después de 16 años”.

Nacha Pop volvieron a escena en el Sonorama de 2007

Con un tamaño siempre creciente, en número de bandas, de visitantes, de días de festival, los organizadores del Sonorama ya acusaban el cansancio. Este año, en consecuencia, han eliminado la cita del domingo. No es por la crisis, asegura Ajenjo, aunque sí que era algo que “lastraba económicamente”. “Cuando empiezas con un día, dos, tres, cuatro… se hace complicado. Pero no hemos notado mucho la crisis, más que nada porque llevamos en crisis desde que nacimos. Por suerte contamos con el compromiso del público, que ha ido comprando muchos abonos”.

Testigos de la eclosión de la cultura low cost, que ha empañado todos los estamentos, ellos reivindican su carácter de pioneros en la materia. Ahora mismo, los abonos para todo el festival están a menos de 70 euros, pero cuando salieron a la venta, rondaban los 40. “Nuestra labor es la de ser un festival potente con un precio asequible en todos los servicios, incluido el de acampada, el almuerzo que damos gratuito…”. Para acomodar mejor al personal, este año, se jacta Ajenjo, han mejorado notablemente el acondicionamiento del camping. Y a los eventos no musicales, entre los que destaca el festival de cortos, han sumado una fiesta de disfraces.

OK GO llevaron sus bailecitos al Sonorama en 2006

Tierra de trigo y cepas, Aranda no podía dejar de premiar a sus visitantes con una buena dosis de bodegueo. La denominación de origen Ribera del Duero es, de hecho, el mayor patrocinador del festival, una instancia que supone para sus organizadores, “todo un orgullo”. “Vamos con la cabeza bien alta”, dice Ajenjo, dueño él mismo de una bodega que es a la vez estudio de grabación, Neo. “La cultura del vino cada vez se intensifica más, y para nosotros es vital, un gran compañero de camino”.