Edith Saldaña entendió desde muy joven el poder sanatorio de la música, y abandonó una temprana vocación por la medicina para transitar una fructífera carrera musical acompañada de su violonchelo: "La medicina del alma". Para la artista, la música enraiza directamente con el lado más sensible del ser humano, provocando emociones y "ayudándonos a gestionarlas". "Puede modificar el estado de ánimo y curar en algunos casos algunos males", afirma.

Saldaña es violonchelista de la Orquesta de la Comunidad de Madrid, pero antes de llegar ahí estudió en Perú, México, Estados Unidos, Argentina, Francia, Inglaterra hasta llegar a España. Su trayectoria profesional la ha llevado a tocar en orquestas tan relevantes como la Sinfónica Nacional de Perú o la Filarmónica de Ciudad de México. A todo este ritmo frenético de trabajo tuvo que poner freno con la pandemia de coronavirus, como le sucedió a todos los músicos de esta sección.

Con un trípode improvisado en una escalera, el móvil en alto y un piano desafinado. Así grabaron Edith y Iris Kreiman Saldaña, madre e hija, una pieza musical para infoLibre. "A pesar de las circunstancias y ser una grabación casera e improvisada, lo hicimos con amor", comenta. Y no podía ser de otra manera tratándose de Emotions, un arreglo para piano y chelo de la melodía compuesta por su hija a los 11 años. "Elegí esta composición porque, aparte de ser mi hija, quiero dar relevancia a los jóvenes que les gusta componer o sienten la música como para expresarse a través de ella", comenta la violonchelista.

Para Edith Saldaña, el confinamiento supuso un periodo de aprendizaje en el que se dedicó a cultivar otras áreas de su vida, y también de conexión con sus emociones: "La música y las artes en general nos ayudan a gestionar nuestras emociones", comenta, "para mí es muy necesaria, sobretodo en esta etapa de pandemia que nos ha tocado vivir". Y es que la música que ofrece la Orquesta de la Comunidad de Madrid no es solo "música clásica".

“La música nunca pasa de moda. Es un error llamar 'música clásica' a música de diferentes periodos”. Por el contrario, reclama, igual que su compañero Alfredo Anaya, una resignificación de su arte, de modo que resulte más atractivo para otros sectores de la población que no estén acostumbrados a escucharlo: “Hay mucha música de películas que son música clásica y la gente no lo sabe, pero les gusta porque la escuchan sin prejuicios”.

Al hablar de su instrumento, Saldaña remite a las palabras de su madre: "Ella decía que es un instrumento que tiene la tesitura de la voz humana, del grave al agudo". Aunque hay infinidad de temas "clásicos" para violonchelo, a esta artista le llaman especialmente las suites de Bach y las grabaciones de los chelos de la Filarmónica de Berlín, "donde tocan tangos y otras músicas".

Su pasión por la música es interseccional, y confiesa que también ha disfrutado de la cuarentena bailando sevillanas y salsa. Además, desde que los conciertos volvieron a estar permitidos, han realizado varios para grupos reducidos de espectadores, tanto en la sede de la Orquesta madrileña como en diferentes pueblos de la comunidad con muy buena acogida. "Para nosotros es una alegría que personas que nunca habían ido a un concierto les haya encantado nuestra música", remata.

Su inclinación por ayudar a los demás a través de la música ha seguido con ella durante toda su vida profesional y, antes de despedirse, nos recomienda escuchar Salut D'Amor, una pieza de Edward Elgar que "es lo que os deseo a todos: mucha salud y amor".

Pedro Ortuño Benito comenzó en el trombón de la mano de su abuelo. Cuenta que cuando a sus 11 años salía de las clases en el conservatorio, era este el que entraba en ellas. "Practicábamos juntos y hacíamos audiciones donde tocábamos dúos para trombón". Empezó así su idilio con este instrumento, que continúa hasta hoy en Fundación Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid (ORCAM). Nos cuenta, al igual que han hecho otros de sus compañeros, cómo ha afrontado estos meses tan anómalos, seguramente los más extraños desde aquellos lejanos días en los que ensayaba con su abuelo.

Afortunadamente no ha sido un periodo especialmente duro en su caso: "He podido pasar estos meses en el campo con mi familia. Hemos disfrutado de estar juntos, de dar paseos por la finca, hacer yoga, arreglar el mundo en interminables sobremesas y jugar con mis hijas a todo lo que hemos podido". Sobre la música, subraya el "el estado de shock producido por la situación, que no me dejaba concentrarme en la escucha musical hasta que fui liberándome y empecé a ser capaz de volver a disfrutar". Destaca el vínculo entre Bach y el jazz que ha descubierto: "Es muy curioso, estimulante y divertido ir saltando de Bach a música jazz y ver qué cercanos están el uno del otro. Recomiendo hacer una lista aleatoria de música de Bach y de grandes artistas de jazz".

Al margen de su personal confinamiento, Ortuño encuentra más problemas en el nuevo horizonte de las actuaciones musicales: "A los músicos nos gusta el calor del público. Una sala repleta de gente dispuesta a escuchar es un regalo para los que nos dedicamos a esto. Se genera una energía muy especial. Una sala a medias y con la gente desperdigada y separada uno de otros no genera la misma energía". El músico muestra reparos hacia algunas medidas sanitarias: "No comprendo bien estas medidas en las que aún con mascarillas no se puede poner la gente junta. Los bares y restaurantes están repletos de gente comiendo sin mascarillas y en los conciertos no se puede". Desea que acabe esta "mal llamada nueva normalidad” que en su opinión es, directamente, "una porquería".

Más sosegado se muestra el instrumentista a la hora de abordar los prejuicios que pesan sobre la música clásica. Cree que para vencerlos no hay nada como acudir a un evento que muestre el poder de la misma: "La experiencia de estar en una sala de concierto es mágica. La cultura en España no es tan cara como parece desde fuera. Ir a ver un concierto de música clásica es bastante accesible y una experiencia maravillosa", argumenta.

Cercana a esa sensación es la que producirá en muchos la interpretación que nos regala de Black Nile, de Wayne ShorterBlack Nile, un tema extraído del álbum Nigth Dreamer grabado por el saxofonista en 1964. “Shorter en este álbum busca la esencia de su música intentando despojarla de artificios innecesarios para centrarse en lo esencialmente importante. Concretamente, en el tema dibuja una línea melódica fluida que discurre por encima de una interesante secuencia de acordes representando el fluido discurrir de un rio”, cuenta Ortuño. Una elección muy vinculada a su experiencia personal durante este periodo estival: “Durante este verano he estado practicando meditación en las orillas de diversos ríos de los Pirineos y esta música me hace regresar a esas mágicas sensaciones del sonido del rio fluyendo alrededor de mí mientras meditaba y limpiaba o trataba de limpiar mi mente”.

Otra recomendación del músico para conocer el trombón es la de “las interpretaciones del magistral trombonista Christian Lindberg”. “También hay un grupo muy interesante de trombones, un cuarteto cofundado por mi compañero Miguel José Martínez, trombón bajo de la orquesta. Recomiendo encarecidamente escuchar la discografía de 2i2 quartet, repleta de pequeñas joyas musicales relacionadas con el mundo del trombón”, añade. En el terreno del jazz, donde el trombón tiene también una presencia destacada, se queda con “el gran J.J. Johnson” y el “divertido e irreverente” Frank Rosolino.

Pero no todos sus consejos musicales se quedan en este instrumento. Ortuño apuesta por promocionar la música “made in Spain” y con su playlist defiende encarecidamente "consumir producto de cercanía”. Rolando Villazón, Ainhoa Arteta o el saxofonista Enric Peidro tienen cabida en sus recomendaciones para disfrutar un verano que se está acabando. Por suerte, como dice el trombonista, “la música no entiende de estaciones”.

Maite Raga y María José Muñoz saben de primera mano la buena compañía que la música puede traer consigo. En su caso es el nexo que las une, ya que tocan juntas desde 1999 en la Fundación Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid (ORCAM): "Compartimos muchas horas de nuestra vida". Raga a la flauta, Muñoz como solista de pícolo o flautín. Pero también son conscientes de que la propia música puede ser en ocasiones el mejor acompañamiento. Lo comprobaron de primera mano cuando los conciertos quedaron restringidos a los hogares particulares: "Nos hemos dado cuenta de que esas pequeñas dosis de música a las 20:00 en los balcones han ayudado a mucha gente a sobrellevar mejor su duro confinamiento". Una nueva lección aprendida en esta sección en la que varios integrantes de orquesta dan a conocer sus instrumentos e interpretan algunas de sus piezas musicales preferidas.

Ambas coinciden en que vivieron el enclaustramiento "con muchísima incertidumbre y malestar". Al menos pudieron mantener la mente ocupada, ya que según cuentan "la actividad de un músico nunca cesa aunque la pandemia haya apagado nuestros escenarios. Hemos seguido haciendo nuestro trabajo diario en casa, estudiando técnica, las obras de la orquesta que habríamos tocado en ese momento, haciendo videos para nuestros abonados". Una responsabilidad profesional que compaginaron con una vida familiar igualmente reconfigurada: "No hemos dejado de atender a nuestros hijos con sus tareas y dedicarles más tiempo de lo habitual, debido a nuestros horarios".

De cara a un presente y un futuro repletos de incertidumbres, Raga y Muñoz creen que la actitud de la audiencia será determinante: "Hasta que todo pase, el público debe venir a los conciertos sin miedo y con la mente abierta, pues se va a encontrar con versiones reducidas de obras sinfónicas". Citan como ejemplo la propia Fundación ORCAM, que durante la próxima temporada interpretará versiones de cámara de las Sinfonías de Gustav Mahler y Anton Bruckner, "las cuales se escribieron durante la Segunda Guerra Mundial para que la gente conservase el ánimo escuchando buena música", explican las instrumentistas.

Además de derribar el muro de ese miedo que Raga y Muñoz mencionan, ponen más deberes al público para vencer otra pared: la de los prejuicios: “La mayoría de la gente cree que la música clásica es elitista. Sin embargo, actualmente es más barato asistir a un concierto de nuestra orquesta que a cualquier concierto de pop, por ejemplo. Sin olvidar que toda música es cultura, y sin cultura no hay raíces en un país”.

Las solistas de flauta y pícolo (instrumentos que comenzaron a tocar en su Valencia natal, donde como ya explicó su compañero de orquesta Pedro Jorge las sociedades musicales los reparten según sus necesidades) interpretan para infoLibre no una, sino dos piezas. La infancia de Cristo, del francés Hector Berlioz, “es una de las pocas obras románticas en la que son protagonistas las dos flautas de la orquesta junto con el arpa en un número completo”. La segunda elección es El caserío, del vitoriano Jesús Guridi. "Se trata de un fragmento muy conocido de Zarzuela, en el cual los dos flautines imitan a los txistus vascos", indican las músicas.

Además de estas obras, nos descubren otras por las que también tienen debilidad. Raga se confiesa "una amante del barroco, especialmente Bach", del que destaca sus sonatas para flauta para conocer este instrumento. Con el mismo propósito alude al Romanticismo y "por supuesto" las obras contemporáneas para flauta, con especial hincapié en la sonata del barcelonés Salvador Brotons y las obras del bilbaíno Luis de Pablo. Para acercarse al menos popular pícolo, Muñoz remarca los conciertos de Vivaldi y las fantasías de Georg Philipp Telemann. "Me gusta mucho tocar repertorio contemporáneo porque explora muchos aspectos técnicos del instrumento", añade. Más allá de sus instrumentos, aconsejan escuchar las sinfonías de Gustav Mahler y Dmitri Shostakóvich, respectivamente. Recomendaciones ideales para pasar el verano en la mejor compañía posible.

La música y el cine han sido dos refugios indispensables para millones de personas en los días más crudos del confinamiento y la crisis sanitaria. Alfredo Anaya tiene la suerte de conocer de primera mano ambos mundos. Este reputado percusionista forma parte de la Fundación Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid (ORCAM) desde 1998. Pero su trayectoria incluye no solo música de cámara, sino también de estudio en grabaciones discográficas y de cine: Todo sobre mi madre, Los fantasmas de Goya o Juana la Loca son algunas de las películas en las que ha participado. Su apuesta para esta sección en la que varios integrantes de orquesta dan a conocer sus instrumentos e interpretan algunas de sus piezas musicales favoritas no podía ser otra, por tanto, que algunas de las obras musicales más empleadas en el cine, la televisión o la publicidad.

Cuatro piezas únicas y eclécticas. Una heterogeneidad que Anaya traslada a su propia vida, y a la música que hizo más llevadero su encierro: "Ha habido momentos que solo me apetecía escuchar música muy tranquila y otros en los que necesitaba ritmo para poder levantar el ánimo". El músico halla un resquicio positivo en la interrupción de la actividad habitual, ya que según cuenta "al no poder tocar con mis compañeros en la orquesta he tenido más tiempo para escuchar otras músicas en casa, me refiero a jazz-latino, rock progresivo o música folk". No obstante, reconoce abiertamente que están siendo y serán unos meses desoladores: "En las salas de mayor envergadura no vamos a poder interpretar grandes obras hasta que haya un control del virus y se pueda garantizar la salud de músicos y público, por lo tanto, creo que tardaremos algún tiempo en poder desarrollar nuestra actividad con la normalidad de antes".

Las dificultades que esperan al sector convierten en una necesidad más acuciante que nunca la superación de las falsas convenciones contra la música clásica, de forma que cada vez más personas se acerquen a ella. Anaya lo explica de esta forma: "Sobre la música clásica existen muchos prejuicios en este país como: ‘eso es muy aburrido’, ‘menudo coñazo’, ‘a mí eso de los violines me aburre’… Son definiciones que he escuchado en multitud de ocasiones y considero que es una asignatura pendiente en nuestra educación cultural". Desde su punto de vista, "el desconocimiento es muy grande", lo cual conlleva que "la música que triunfa en radios y entre jóvenes sea de muy poca calidad".

Se trata de unas consideraciones injustas con un arte de posibilidades infinitas. El ejemplo más ilustrativo es el propio Alfredo Anaya: a las varias facetas ya mencionadas de su actividad profesional habría que añadir su labor desde el año 2000 como músico y delegado en la ONG Voces para la Paz. "Hemos realizado conciertos para recaudar fondos destinados a proyectos de ayuda humanitaria en todo el mundo y he realizado algunas performances cómico-musicales que han tenido gran relevancia y millones de visitas en YouTube", explica. Otra muestra de la cantidad de proyectos a los que da pie la música, especialmente si, como en el caso de este instrumentista, la vida está consagrada a ella desde tempranísima edad: "Comencé con la percusión por tradición familiar, mi padre era percusionista profesional y mi abuelo trompeta aficionado. Con 8 años ya formaba parte de la banda de música de mi ciudad natal, Alcorcón".

Desde entonces, su carrera y sus intereses han estado ligados a los tambores, los timbales o los xilófonos: "Debido a mi instrumento suelo escuchar más música romántica y contemporánea, donde la percusión toma más relevancia, aunque también a los clásicos (Mozart, Bach, Beethoven, etc)". Las cuatro piezas que interpreta (Así habló Zaratustra, de Richard Strauss; Bolero, de Maurice Ravel; Danza del sable, de Aram Khachaturian y O fortuna, perteneciente a la colección Carmina Burana, de Carl Orff) comparten precisamente este protagonismo de la percusión, además de su ya referido uso en los medios audiovisuales. A estos grandes nombres, Anaya suma una última recomendación estival: "las sinfonías de Gustav Mahler". Buena música para un verano de cine.

Dentro de una orquesta, hay un grupo de personas que no pueden llevar mascarilla: los instrumentista de viento. Parece una observación curiosa sin mayor trascendencia. Sin embargo, da cuenta de las dificultades a las que se enfrentan estas bandas musicales en su nueva realidad, en la que la distancia de seguridad es indispensable. Aunque ello suponga que sea "prácticamente imposible ver una de las grandes obras de la literatura orquestal". Es un lamento de Pedro Jorge, trompa solista de la Fundación Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid (ORCAM). "Se pueden interpretar reducciones orquestales como hemos hecho nosotros con la Primera Sinfonía de Gustav Mahler, pero es impensable hacer su versión original", explica el músico valenciano, que se ha animado a participar en esta sección en la que varios integrantes de orquesta dan a conocer sus instrumentos e interpretan algunas de sus piezas musicales favoritas.

Según Pedro Jorge, la crisis provocada por la pandemia de covid-19 ha mostrado la peor cara de una situación que no es nueva: "La música está infrafinanciada desde hace años y esto ha sido la gota que ha colmado el vaso". Es consciente, eso sí, de que estas circunstancias acarrean también problemas a los que nunca se habían enfrentado: "Todo va a ser más incómodo y más frio, más impersonal. Además, mientras sigan las restricciones de aforo, por desgracia, muchas veces va a ser inviable económicamente hacer conciertos, puesto que no se puede ni costear el alquiler de ciertas salas". Nada ilustra mejor lo complicado de este panorama, especialmente en los meses pasados, que la experiencia del propio Jorge: "No había conciertos ni ensayos, que es la parte de nuestro trabajo más gratificante".

El solista de trompa remarca que su actividad no ha cesado, ya que su empleo "tiene una parte que no se ve que es el estudio individual en casa". Reconoce, no obstante, que es "muy complicado mantener la motivación para estudiar varias horas al día cuando no se ve una meta a corto o medio plazo". "Necesitamos el contacto con el público, sin poder hacer disfrutar a la gente nada tiene sentido", admite. Por suerte, poco a poco la situación del sector fue mejorando, así como la suya: "A mediados de junio pudimos retomar la actividad, inicialmente con formatos de música de cámara y más tarde con orquesta, aunque reducida".

El músico cuenta que ha pasado el confinamiento "estudiando, dando alguna clase online y haciendo deporte con bicicleta de spinning". Por eso no entiende los prejuicios hacia su profesión: "Hay gente que piensa que somos unos vagos y unos vividores. Cuando eres estudiante algunos te dicen que no te dediques a la música porque no tiene futuro, otros piensan que es algo terriblemente aburrido". En su opinión, estas creencias "parten del desconocimiento que existe sobre el mundo de la música clásica". Cree que "la manera en que se enseña música en los colegios no ayuda". Tampoco ayuda que "el único momento de la semana donde se dan conciertos en la tele sean sábados y domingos a las ocho de la mañana". Para acabar con este "punto elitista", propone una solución que conoce de primera mano: "Me gustaría hacer hincapié en la labor que hacen las bandas en Valencia (aunque no sólo allí). El hecho de que se subvencione prácticamente la totalidad del coste de los estudios elementales y de que se preste el instrumento hace la educación musical accesible a todos". Considera además que lo ideal es acudir a algún concierto y después "acercarse a los músicos y charlar con nosotros, ver que somos gente normal, sólo que tenemos la suerte de poder trabajar en algo que nos apasiona".

Pedro Jorge predica con el ejemplo, y nos cuenta los entresijos de su instrumento, así como sus obras musicales favoritas. Las que hicieron que tras un año compaginando el Grado Superior de Música y una ingeniería técnica industrial dejara esta última. "Toqué por primera vez la Sinfonía Alpina de Richard Strauss y me quedé tan impactado que supe al momento que ninguna profesión me haría sentir tan bien como trabajar tocando en una orquesta". En esta ocasión, sin embargo, se decanta por interpretar la Sinfonía número 3 de Beethoven, HeroicaHeroica. "Fue originalmente dedicada a Napoleón Bonaparte, cuando todavía muchos le consideraban liberador de Europa, pero cuando éste se autoproclamó emperador, Beethoven tachó su dedicatoria original y la sinfonía se publicó en 1806 bajo el título Sinfonía Heroica, compuesta para festejar el recuerdo de un gran hombre". Jorge es un gran admirador del autor alemán: “Fue uno de los primeros compositores independientes de la historia, sin estar al servicio de ningún noble, y en parte a ello se debe la imagen que nos ha llegado de Beethoven como creador rebelde e inconformista". Además, esta era la obra principal del concierto con el que hubieran puesto fin a la temporada “si la pandemia no hubiera truncado todos los planes”.

Sobre su instrumento, relata que empezó con él por casualidad: "En la banda me dieron básicamente lo que tenían disponible. Yo tenía 7 años y quería la trompeta, pero se me pasó pronto el capricho. Una vez empecé con la trompa, me encantó y nunca me he arrepentido de seguir adelante con ella". Disfruta especialmente con los repertorios románticos y posrománticos. "Desde las sinfonías de Anton Bruckner hasta los ballets de Igor Stravinsky pasando por los poemas sinfónicos de Strauss o las óperas de Richard Wagner, la trompa es la piedra angular". Destaca una serie de piezas claves para conocer la trompa: "Más allá del Concierto Número 4 de Mozart y los dos conciertos de Strauss, que son escucha obligatoria, recomendaría la Sinfonía Alpina de Strauss, la Sinfonía Número 5 de Mahler y la Sinfonía Número 4 de Bruckner". Aunque los intereses de Jorge no se quedan ahí. Para el calor estival aconseja, por ejemplo, la "frescura" de la Sinfonía Número 5 de Franz Schubert. Pero no todo es música clásica: Nina Simone o Prince son otras de sus recomendaciones para pasar un verano, por extraño que sea, en el que no falte la música.

"La música me ha ayudado a serenarme y relajarme". Para Eva Martín, la música siempre ha sido un pilar imprescindible, por lo que no podía ser menos durante unos meses de confinamiento que ha pasado "con preocupación y resignación". Martín, solista de viola en la Fundación Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid (ORCAM), ha comprobado de primera mano que "el mundo de la cultura se está viendo especialmente afectado por las normas de seguridad y las restricciones de aforo" derivadas de la crisis sanitaria  provocada por el coronavirus.

Desde su punto de vista, "en otros ámbitos estas restricciones son menos estrictas y a veces casi inexistentes". "Esto debe servir al menos para que el público perciba que se hacen las cosas bien y que no debe de tener temor a acudir a los conciertos, al teatro...", opina. Eso sí, en su opinión "parece que tendremos que olvidarnos de momento de interpretar obras de gran formato que precisen un gran número de intérpretes". "Mientras no exista una vacuna para el covid-19 los conciertos seguirán sufriendo las restricciones de aforo que ya estamos viendo", lamenta.

Pese a las delicadas circunstancias, Martín ha estado muy activa profesionalmente durante este periodo: ha grabado vídeos para la Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid (JORCAM), donde imparte clases de viola; ha colaborado con las redes sociales de ORCAM, con el objetivo de mostrar el trabajo de los músicos "confinados" y, ya de manera presencial, ha participado "junto a otras compañeras de la ORCAM" en los conciertos de reapertura del Museo del Prado y de los Teatros del Canal. En su actividad se aprecia la preocupación de la violista por la capacidad didáctica de la música, algo a lo que da mucho valor: "Creo que es fundamental que la asignatura de música deje de ser menospreciada en el currículo de las escuelas". Considera que "tenemos la oportunidad de cambiar el mundo a través de la cultura, empecemos por darle el valor que tiene a todos los niveles".

Ahora, Martín saca tiempo para mostrarnos su dominio de la viola, un instrumento por el que se decidió desde sus inicios: "Me gustaba su sonido y el papel que representa dentro de la orquesta como nexo entre los violines (con sonidos más agudos) y los violonchelos y contrabajos (con los sonidos más graves)". En la pieza que interpreta para infoLibre, la obra orquestal Don Quijote, de Richard StraussDon Quijote, se aprecia a la perfección esta sinergia con el violonchelo: "Es un poema sinfónico basado en la novela homónima de Miguel de Cervantes. El personaje principal de la obra (Don Quijote) está representado por el violonchelo solista. La viola representa a Sancho Panza". Se ha decantado por Strauss ya que le apasionan "sus poemas sinfónicos: Don Juan, Vida de Héroe, Las alegres travesuras de Till Eulenspiegel, Muerte y Transfiguración o Así habló Zaratustra inspirado en la obra del mismo título de Nietzsche cuya fanfarria inicial (Amanecer) fue utilizada como banda sonora para la película 2001 Una odisea del espacio".

No obstante, según Martín disfruta "tocando cualquier tipo de repertorio". "Me resulta muy emocionante formar parte de la sección de cuerdas de la orquesta cuando interpretamos obras de Tchaikovsky, Rachmaninov, Brahms, Mahler…", explica. También le fascinan la música barroca de Telemann, Purcel o Bach, o la del periodo clásico, "Mozart sobre todo". No se olvida, por supuesto, de "las sinfonías de Beethoven". Y, por último, para los interesados en conocer mejor la viola, recomienda escuchar "grabaciones de Tabea Zimmermann y de Yury Bashmet". Cantilena, de Zimmermann y Javier Perianes, es precisamente una de las recomendaciones de Martín. Unas propuestas eclécticas que refrendan la opinión de la violista contra "la creencia generalizada de que la llamada música clásica es aburrida y que está dirigida a un público de edad avanzada".