El rescate de fotografías embarradas por la dana de Valencia de 2024, que continúa en marcha con el trabajo sobre 2,5 millones de imágenes, supone poder recuperar la memoria individual y colectiva y una parte esencial de las vidas que "alimenta el alma" para las familias que sufrieron la tragedia.

Así lo han expresado los representantes de la Asociación de Víctimas Mortales de la dana, la Associació de Víctimes de la dana 29 d'octubre y la Asociación de Damnificados dana Horta Sud, que han visitado este miércoles junto a la rectora de la Universitat de València (UV), Mavi Mestre, el laboratorio del proyecto 'Salvem les fotos', en el Castillo de Alaquàs, donde se desarrolla la labor de recuperación de las imágenes.

Poder tener una foto de una comunión, de una boda, de una excursión, de tu mascota o de tu abuelo, de épocas en las que no había "nube" que las almacenara es "un tesoro", que también contribuye a cuidar la salud mental, han asegurado sus portavoces.

"La dana arrastró una parte de nuestra alma, con este proyecto se recupera", según la presidenta de la Associació de Víctimes, Mariló Gradolí: "Hemos perdido vidas, pero por suerte no vamos a perder la memoria", en palabras del presidente de la Asociación de Daminificados, Alex Carabal: "Restaurar imágenes es devolver parte de nuestra identidad personal y como pueblo", para la presidenta de la Asociación de Víctimas Mortales, Rosa Álvarez.

Además de visitar el laboratorio ubicado en una de las torres del Castillo de Alaquàs, han conocido los laboratorios del Museu de l’Horta Sud y el Museu d’Història Natural de la UV.

En estos espacios, además de Algemesí y Utiel, se instalaron laboratorios para la recuperación de las imágenes y donde se gestionan 2,5 millones de imágenes de 1.500 familias, la mitad de ellas ya recuperadas, en un trabajo desarrollado por voluntarios que continuará durante todo 2026.

Después de un año de trabajo, el laboratorio de Utiel ya se ha cerrado, pero sigue en el resto de laboratorios, que se encuentran al 40 o 50%, según los casos, de recuperación, según ha detallado la vicerrectora de Cultura y Sociedad de la UV, Ester Alba.

Las imágenes han llegado en distintas condiciones y, además de su recuperación, se digitalizan, de igual manera que se rescata material audiovisual, postales, cartas u obras de arte.

'Salvem les fotos' fue impulsado por la UV 48 horas después de producirse la dana "pensando en que las familias que perdieron parte o todo pudieran recuperar parte de su historia", en un proyecto multidisciplinar que no se ha cerrado porque siguen apareciendo más fotografías, según Mavi Mestre.

El impacto fue tan fuerte que el estrés postraumático dura meses, años, y hay afectados que ahora empiezan a darse cuenta de la magnitud de lo que han perdido y traen fotografías, algo que contribuye en el proceso de salud mental, ha afirmado la rectora.

El proyecto, por el que han pasado 300 voluntarios, ha recibido 300.000 euros de fondos propios de la UV, y recientemente 200.000 euros del Ministerio de Cultura para la Fundación Horta Sud y 350.000 euros para el Museu de l'Horta Sud, y la Diputación de Valencia ha aprobado una ayuda de 60.000 euros.

El fotoperiodista estadounidense Robert Royal, conocido por retratar con su cámara el final del franquismo y la Transición española, ha fallecido a los 86 años de edad, según han confirmado a infoLibre. Francisco Franco, Adolfo Suárez, Felipe González y Manuel Fraga fueron algunos de los conocidos personajes que pasaron por delante de su objetivo para medios estadounidenses y británicos.

Nacido en 1940 en Alabama, aterrizó en España a principios de la década de los 60 con la mirada puesta en los 'spaghetti-western' de Almería y con la intención de ser actor. Junto con Carmen Sevilla y Paco Rabal, formó parte del elenco de la película Camino del Rocío (1966), dirigida por Rafael Gil. También participó en grandes producciones como Doctor Zhivago (1965) y La Batalla de las Ardenas (1965).

Sin embargo, en 1967 fue requerido para hacer de chófer, traductor y ayudante de cámara para una productora californiana que se encontraba en España rodando una película para el Ministerio de Turismo. En uno de esos días, fotografió de forma inesperada a Franco cuando este paseaba con su esposa en carruaje. De esta forma, se decantó por la fotografía en documentales, campañas publicitarias y de viajes, no solo por España, sino también por Asia, Oriente Medio y Estados Unidos.

A diferencia de otros fotógrafos extranjeros seducidos por el eslogan 'Spain is Different' y que idealizaron la España en transformación, las fotografías de Royal se caracterizaron por ser menos estridentes y más neutrales. La del dictador Franco saludando en la Feria de Sevilla, el Rolls-Royce negro con el recién proclamado Jefe de Estado Juan Carlos I en su interior, o la de Adolfo Suárez junto al recién regresado del exilio Josep Tarradellas, son algunas de las imágenes más icónicas de Royal.

La mayoría de sus imágenes sobre la Transición se publicaron en el New York Times y Time Magazine, revista en la que apareció en portada su retrato de Adolfo Suárez, realizado un día después de ser nombrado presidente del Gobierno. Royal supo mantener un estrecho contacto con distintas figuras políticas, lo que propició que también fotografiase a Leopoldo Calvo Sotelo, Felipe González y José María Aznar en sus primeros días en La Moncloa.

También es conocido su paso fotográfico por Extremadura, en el que realizó un catálogo de moda y varios reportajes, además de participar en el libro Un día en la vida de España.

En 2009, decidió retomar su pasión por el mundo de la interpretación, regresando al teatro y al cine.

El fotógrafo británico Martin Parr, cuyo objetivo documentó con gran claridad las singularidades de la sociedad del Reino Unido, ha fallecido a los 73 años de edad, después de que se le diagnosticara un cáncer en 2021.

Su familia comunicó este domingo en las redes sociales que el artista falleció ayer sábado en su casa de Bristol, al suroeste de Inglaterra.

"La Fundación Martin Parr y Magnum Photos trabajarán conjuntamente para preservar y compartir el legado de Martin", agregaron sus allegados en un mensaje colgado en Instagram.

Además de dirigir su cámara con humor y fina ironía al sistema de clases inglés o de retratar simplemente la vida diaria de la isla, Parr también puso su ojo clínico sobre España, donde pasaba largos periodo de tiempo.

En 2023, presentó 'MálagaEXPRESS', una muestra con 104 imágenes en la que exploraba los comportamientos del ocio, el turismo y la clase media malagueña, como antes había hecho con la inglesa.

Su icónico libro 'The Last Resort: Photographs of New Brighton' (1986), con instantáneas vacacionales de la clase trabajadora británica, representó un cambio de estilo en la fotografía documental, al adoptar tonos más coloridos, saturados y llamativos.

Parr, miembro desde 1994 de Magnum, agencia que presidió entre 2014 y 2017, solía repetir que hacia "fotografías serias disfrazadas de entretenimiento".

Sus instantáneas no siempre fueron recibidas con halagos, pues se le criticó que retratara a las clases más desfavorecidas desde su posición de clase media, si bien también giró su objetivo hacia ésta y hacia los británicos más pudientes.

A este respecto, Parr sostenía que todos los fotoperiodistas eran "de izquierdas" porque, para desarrollar este trabajo, era imprescindible que "te importe la gente".

"Intento señalar cuando encuentro verdades universales. La verdad es subjetiva, pero es el mundo tal como lo encontré", explicó el artista en una entrevista con The Architectural Review en 2020.

En 2014 creó la 'Fundación Martin Parr', que contiene su propio archivo fotográfico y una extensa colección de trabajo de otros colegas británicos e irlandeses.

Hará una década holgada, un eslogan repiqueteaba de exposición en exposición. «Nadie sabe lo que puede un cuerpo». La cita, tomada de la tercera parte de la Ética de Spinoza («Ethica more geometrico demonstrata», una lectura amenísima), sirvió de coartada para toda clase de propuestas feministas y posthumanistas que hubiesen desconcertado al pobre filósofo. No porque las desaprobase, sino porque el buen Baruch solo quería decirnos que hasta que no sepamos de qué es capaz la materia de la que estamos hechos, mejor no recurrir a las ignotas potencias del alma para explicar tal o cual asunto.

Recordé el divertido malentendido visitando Beyond the Body: Between the Intimate and the Political, la exposición que —apenas pasado un mes de su inauguración— acaba de clausurarse en la galería Bernal Espacio. (Ya lo siento, pero mejor llegar tarde que no llegar). La exposición, compuesta por trabajos de algunos de los pesos pesados de las últimas décadas, explora el amplio campo semántico asociado a la corporalidad, en el que se inserta lo pornográfico, lo privado, lo delicado, lo autolesivo y, por supuesto (tal como adelanta el título), lo político. «El cuerpo», como dijo Barbara Kruger, «es un campo de batalla».

Este encontronazo conceptual queda bien ejemplificado en la serie Untitled (protest), (2014) de Richard Prince: una colección de duetos compuestos por el encuentro entre una instantánea de una manifestación y una imagen arquetípicamente pornográfica. Muchos de los trabajos de la exposición practican esto que técnicamente se llama «apropiacionismo», y que, en román paladino, consiste en afanar imágenes ajenas para armar con ellas la propia obra. Así hace también Thomas Ruff en la serie nudes (2001), cuyas imágenes proceden de miniaturas de vídeos eróticos colgados en internet, posteriormente ampliadas —por tanto, distorsionadas— y manipuladas por el artista. John Baldessari no recurre al ciberespacio (cómo ha envejecido esta palabra, ¿eh?), sino que rapta sus estampas de la prensa para, posteriormente, reencuadrarlas en torno a un elemento concreto. En este caso, manos, rodillas y pies (Hands & Feet: Knees, 2017). La obra expuesta es particularmente inquietante: tres muchachas —con vestidos cortísimos, un delantalito de encaje y zapatos de tacón— reposan sobre unos taburetes. Por el margen derecho, las manos de un hombre (los dedos arqueados, la camisa de puño blanco con gemelo) se posan sobre una de las rodillas, como si la acomodara.

Los trabajos de Baldessari, Ruff y Prince utilizan a su favor la incomodidad o la sorpresa que en el visitante de la galería (espacio prudente y burgués), puedan producir la convivencia con esas imágenes obscenas. Lo sórdido no es, sin embargo, el hallazgo inesperado de un culo o un pezón, sino la enésima usurpación de los cuerpos que se practica en estas obras. Al célebre problema del artista y la modelo se le suma el de los posteriores intermediarios de esa primera apropiación, que cuentan en su arsenal con la completísima caja de herramientas simbólicas de las que se dispone en las bellas artes.

Pero en Beyond the Body no solo asistimos a tensiones con el cuerpo ajeno, también con el propio. La exposición nos ofrece tres obras fascinantes de Bas Jan Ader. Dos de ellas pertenecen a la serie de las caídas: en una (Fall 1, Los Angeles, 1970), vemos al performer rodando por el tejado de una casa. Le faltan pocos metros para estamparse contra el suelo. Su silueta aparece borrosa, pero diríamos que no intenta aferrarse a nada que pueda evitarle el golpe. Tras de él, la silla en la que debió de estar sentado, lo sigue en el descenso. En otra (Fall 2, Amsterdam, 1970) está lanzándose al canal subido en una bicicleta. La tercera consiste en un autorretrato en el que el artista aparece con el rostro cubierto de lágrimas. Apoya la cabeza en su mano izquierda. En la esquina inferior hay una anotación al modo en que se escriben las dedicatorias en las fotos de las divas. «I’m too sad to tell you»: Estoy demasiado triste como para contártelo. Leyéndola (y sabiendo que Ader se perdió en el mar, subido a una barca, durante su última performance) uno recuerda aquellas palabras con las que Leonard Cohen agradeció el premio Príncipe de Asturias. «Si uno quiere expresar la grande e inevitable derrota que nos espera a todos, tiene que hacerlo dentro de los límites estrictos de la dignidad y de la belleza».

Completan la exposición una fotografía de Marina Abramović (uno de los fetiches de esta galería) en la que parece atada por el moño —espalda contra espalda— con su compañero Ulay (Relation in Time, 1977-2010), unas fotografías de Francesca Woodman (la artista, enfundada en vestidos holgados, posa junto a grandes telas, la composición tiene algo de espectral, como si los lienzos fuesen mortajas dispuestas a envolverla) y la versión que sobre ellos hizo Suárez Londoño (uno de los dibujantes y grabadores más exquisitos del panorama internacional); y unas estampas de Doris Salcedo (Disremembered, Atrabiliario, Palimpsesto, 2024) protagonizadas por un par de zapatos y una prenda livianísima sostenida contra una pared blanca.

También, un políptico de xilografías de William Kentridge (unos cuerpos encorvados y ensombrecidos suben una barca que se dispone a zarpar, la vinculación con el final de Ader surge espontáneamente) y una serie de márgenes vacíos de Oscar Muñoz (4:3, 2013-2017), sobrantes de pliegos fotográficos de los que se han extraído las imágenes. Es un bonito cierre: toda ausencia reclama una presencia.

Aunque muchas de estas obras ya las hemos visto en exposiciones anteriores de la galería (esto es un pero), Beyond the Body logra vincular el conjunto con inteligencia y finura, propiciando, entre obras tan singulares, un encuentro fértil y sugerente. Que todas las repeticiones sean así.

El fotógrafo brasileño Sebastião Salgado falleció este viernes a los 81 años, anunciaron la Academia de Bellas Artes de Francia y el Terra Institute, fundado por él mismo.

"Con inmenso pesar comunicamos el fallecimiento de Sebastião Salgado, nuestro fundador, maestro y eterno inspirador", indicó Terra Institute en un mensaje en Instagram.

La Academia, por su parte, anunció con "inmensa tristeza" el fallecimiento de Salgado, uno de sus miembros desde 2014.

Nacido en el estado brasileño de Minas Gerais en 1944, Salgado se hizo mundialmente famoso por su cobertura en blanco y negro de conflictos y de algunos de los principales dramas que afectan a la humanidad, como la emigración, la pobreza o la destrucción del medio ambiente.

Un reportaje suyo sobre las condiciones de vida de los 'garimpeiros', mineros de oro que actúan ilegalmente en Brasil, dio la vuelta al mundo en 1987.

"Sebastião fue mucho más que uno de los mayores fotógrafos de nuestro tiempo (...) Sembró esperanza donde había devastación y dio vida a la creencia de que la reparación ambiental es también un profundo acto de amor por la Humanidad", señaló Terra Institute. "Su lente reveló el mundo y sus contradicciones; su vida, el poder de la acción transformativa", añadió.

Salgado logró algunos de los principales premios mundiales, como el Príncipe de Asturias de las Artes (1998), el galardón de honor de los Sony World Photography Awards(2024), o el premio Rey de España de Periodismo (1988).

La fotógrafa mexicana Graciela Iturbide, uno de los grandes nombres de la fotografía artística de inspiración social y cultural, ha sido galardonada este viernes con el Premio Princesa de Asturias de las Artes 2025, según recoge EFE.

Considerada una de las más importantes e influyentes fotógrafas de América Latina, Iturbide (Ciudad de México, 1942) concibe su trabajo como una manera de conocer, explorar e investigar culturas con obras, casi siempre en blanco y negro, que muestran la fragilidad de las tradiciones ancestrales y su difícil subsistencia, la interacción entre naturaleza y cultura o la dimensión simbólica de paisaje y objetos encontrados al azar.

A lo largo de más de medio siglo de trayectoria ha retratado a pueblos indígenas de México, Panamá, Madagascar o Cuba y ha creado una obra intensa y singular, fundamental para comprender la evolución de la fotografía en México y en el resto de América Latina.

En 1969 comenzó sus estudios en el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos de la Universidad Autónoma de México con la intención de convertirse en directora de cine, pero a raíz de conocer el trabajo del fotógrafo Manuel Álvarez Bravo y de asistir a sus clases se vio atraída por esta disciplina. En los años setenta viajó por Latinoamérica, principalmente por Cuba y Panamá, y en 1978 fue comisionada por el Archivo Etnográfico del Instituto Nacional Indigenista de México para documentar la población indígena del país con proyectos en los que fotografió, por ejemplo, a los pueblos seri y de Juchitán.

Posteriormente prosiguió su labor en Cuba, Alemania Oriental, India, Madagascar, Hungría, Francia y Estados Unidos, época que dio lugar a numerosos trabajos destacados por su profundidad artística y su sentido poético. Con el tiempo, su gusto por el retrato y la descripción de la naturaleza humana ha ido cambiando en busca de nuevos objetivos como paisajes u objetos encontrados, que su mirada dota de una visión trascendental a través del uso característico del blanco y negro.

En sus propias palabras, la fotografía es para ella "un ritual. Salir con la cámara, observar, fotografiar los aspectos más mitológicos de las personas, luego ir a la oscuridad, desarrollarse, seleccionar las imágenes más simbólicas". Para el jurado que hoy le ha concedido por unanimidad el Premio Princesa de Asturias, Iturbide es "dueña de una mirada innovadora" en la que combina lo documental con un sentido poético de la imagen y con la que consigue imágenes que "no solo muestran lo que ve, sino también lo que siente".

Iturbide ha protagonizado exposiciones individuales en algunos de los centros e instituciones artísticas más importantes del mundo, como el Centro Pompidou de París, el San Francisco Museum of Modern Art, el Philadelphia Museum of Art, el Getty Museum, el Fotomuseum Winterthur y la Barbican Art Gallery, entre otros.

El Premio Princesa de Asturias de las Artes, que el año pasado recayó en Joan Manuel Serrat, está destinado a distinguir "la labor de creación, cultivo y perfeccionamiento de la arquitectura, la cinematografía, la danza, la escultura, la fotografía, la música, la pintura, el teatro y otras manifestaciones artísticas".

La fotógrafa palestina Samar Abu Elouf ganó este jueves el premio Foto del Año del World Press Photo por una imagen de un niño de 9 años de Gaza que perdió ambos brazos en un ataque israelí en marzo de 2024 y que fue evacuado a Doha para recibir tratamiento, según recoge EFE.

Según anunció este jueves la fundación del World Press Photo, con sede en Ámsterdam, Abu Elouf, que también fue evacuada a la capital qatarí, logró capturar para el periódico The New York Times la Foto del Año, que muestra el coste humano de la guerra y la importancia del periodismo para contar historias como la de Mahmoud Ajjour, el niño que protagoniza la fotografía.

La fotografía se tomó en Catar, donde Abu Elouf y Mahmoud comparten el mismo complejo de apartamentos con los pocos gazatíes que han logrado salir para recibir tratamiento médico a heridas causadas por los bombardeos y explosiones.

El pequeño de 9 años resultó gravemente herido mientras huía de un ataque israelí en Gaza, lo que llevó a la amputación de sus dos brazos. “Después de regresar para urgir a su familia a seguir adelante, una explosión le arrancó un brazo y le mutiló el otro”, explicó la fundación, que subrayó que “el sueño de Mahmoud es simple: quiere conseguir prótesis y vivir su vida como cualquier otro niño”. Ya en diciembre de 2024, Gaza tenía el mayor número de niños amputados per cápita en el mundo, según la ONU.

Con la mirada pérdida y un cuerpo frágil, el pequeño de tan solo nueve años posaba el año pasado para Abu Elouf con una camiseta blanca de tirantes, bajo los rayos de sol que entran por una ventana, sin saber que su rostro se convertirá en la representación gráfica del sufrimiento de tantas generaciones en Palestina.

“Lo importante sobre el premio es que el mundo se entere de esta historia, la escuche, y sepa que esta es solo una pequeña parte de tantos niños en Gaza que son heridos o sufren amputación de extremidades y pérdida de familias. No pueden ser tratados dentro de Gaza porque los hospitales han sido bombardeados, ni tampoco pueden salir de Gaza para recibir tratamiento porque los pasos están cerrados”, lamenta Abu Elouf.

Esta edición del concurso coincide con el 70 aniversario del World Press Photo y su directora ejecutiva, Joumana El Zein Khoury, subrayó que “al mirar el archivo”, hay “demasiadas imágenes” como la de Mahmoud. “Estoy eternamente agradecida a los fotógrafos que, a pesar de los riesgos personales y el costo emocional, registran estas historias para darnos a todos la oportunidad de entender, empatizar e inspirarnos a actuar”, señaló.

Este jueves también fueron seleccionados dos finalistas. Una se titula Cruce nocturno, en la que John Moore trata de mostrar cómo un grupo de migrantes chinos intentan entrar en calor bajo una fría lluvia en Campo, California, tras cruzar la frontera entre Estados Unidos y México. “Esta imagen, íntima y casi de otro mundo, muestra las complejidades de la migración en la frontera, a menudo simplificada y politizada en el discurso público estadounidense”, señaló la fundación.

La segunda imagen finalista es del mexicano Musuk Nolte (Panos Pictures, Fundación Bertha), autor de Sequías en el Amazonas, que muestra los efectos del cambio climático a lo largo de un río que sobrevive a niveles de agua extremadamente bajos. La fotografía muestra a un joven que lleva comida a su madre en el pueblo de Manacapuru, antes accesible en bote, pero al que, debido a la sequía, ahora accede tras caminar 2 kilómetros por el lecho seco del río. El contraste entre escenas secas, casi desérticas, en la selva más grande del mundo hace que la falta de agua se sienta aún más intensamente.

El fotógrafo barcelonés Samuel Nacar y el manchego Luis Tato también figuran entre los premiados regionales en el concurso World Press Photo 2015, que se han dado a conocer este jueves, ha informado la fundación Photographic Social Vision. Entre los ganadores regionales, el concurso World Press Photo 2025 ha reconocido el trabajo de dos autores españoles, los dos en la categoría de Reportaje Gráfico.

El fotógrafo Samuel Nacar (Barcelona, 1992), que competía en la región Asia Occidental, Central y del Sur, ha sido premiado por Las sombras ya tienen nombre, un proyecto sobre supervivientes de las prisiones de Siria que relatan las torturas que vivieron durante el régimen del expresidente Bashar al-Asad, para la Revista 5W.

Luis Tato (Ciudad Real), que competía por la región África, ha sido reconocido por su obra Revuelta juvenil en Kenia (Agencia France Press), sobre las protestas en el país africano motivadas por la subida de impuestos y alimentadas por la ira ante las dificultades económicas, la corrupción, la brutalidad policial y la desconfianza en la clase política.

Las fotografías premiadas serán expuestas en más de 60 lugares del mundo como parte de la muestra itinerante anual de World Press Photo. Los tres temas clave que definen la edición 2025 son conflicto, migración y cambio climático. Este año, los ganadores fueron seleccionados entre 59.320 fotos de 3.778 fotógrafos de 141 países.

Las piscinas, el turismo de masas o el regadío intensivo conectan a la España de hoy con el tardo franquismo, y son el hilo conductor del fotógrafo Jordi Jon (Barcelona, 1996) para explicar cómo la sequía, la desertización o el abandono rural se arrastran desde el siglo pasado y son también una herencia cultural. Durante los últimos cuatro años, Jon ha viajado por España para documentar cómo la crisis de la escasez de agua se ha acelerado por el cambio climático, pero parte de pésimas decisiones que se tomaron durante el franquismo y que se replican todavía hoy.

“En esos años se empezó a construir la agroindustria y el turismo masivo de hoy. Son decisiones que no nos hemos cuestionado, y que habría que haberse replanteado en la durante la Transición, pero preferimos asumirlas como nuestra herencia”, cuenta a infoLibre. Su exposición Eroding Franco (Erosionando a Franco) estará disponible hasta el 15 de marzo en el Centre Cívic Pati Llimona de Barcelona y recorre varios puntos de la península que han sido azotados por la cultura del exceso hídrico durante décadas. La producción del foto documental fue posible porque Jordi Jon recibió la Beca Joana Biarnés, en honor a la primera fotoperiodista española.

La mayor parte del periodo de trabajo lo ha pasado en Alicante, Murcia y Almería, algunos de los puntos negros de la sequía, aunque también ha retratado las consecuencias de la agricultura intensiva en Castilla y León o la proliferación de piscinas en la costa mediterránea, una de las zonas más secas del continente. El objetivo del autor era conocer y fotografiar las consecuencias del milagro económico español de los años 60 y 70, que según Jon convirtió a España en una "máquina de desertificación".

“Lo que más me llamó la atención de mi viaje fue la megalomanía que hay en España con el agua. Por mucho que sea extremadamente escasa, se han construido piscinas por todas partes y proyectos que no tienen sentido ni ambientalmente ni económicamente”, relata el fotógrafo. “Torremolinos (Málaga) resume muy bien la idea de la exposición porque fue un campo de pruebas para el turismo europeo, un lugar donde intentaron vender que España era un país abierto y moderno. De hecho, allí hubo un campo de concentración en la Guerra Civil y en ese espacio ahora hay un parque acuático. Ese es el relato que han querido construir con el abuso del agua”, añade.

Otro de los enclaves que visitó Jon fue Argusino, un pueblo de Zamora que, como tantos otros, fue sacrificado para construir un embalse, en este caso el de Almendra, con una pared de 200 metros de altura. Ese lago sirve todavía hoy para regar el maíz y el viñedo de la región y para alimentar a la ganadería, pero su construcción obligó a los 400 vecinos de Argusino a abandonarlo antes de ser dinamitado. “Allí conocí a Teresa, que me contó que su madre sigue enterrada en el cementerio del pueblo, y solo puede ir a visitarla cuando el embalse se seca y baja su nivel. Eso, para mí también es abuso del agua”, concluye.

Los veteranos del medioambiente y del sector agrícola coinciden en que la política franquista construyó durante cuatro décadas los pilares de la relación de los españoles con el mundo rural y la naturaleza, y muchas de las decisiones que se tomaron entonces permanecen todavía. Miguel Ángel Soto lleva 26 años en Greenpeace, y recuerda que esta relación abusiva con la naturaleza sobrevivió a la muerte del dictador. “Si la democracia empieza en 1978, no fue hasta 1998 cuando entran en el Código Penal los delitos contra el medioambiente, y no se empezaron aplicar hasta varios años después”, relata.

También relata cómo las leyes modernas de montes y de suelo no llegaron hasta casi los 2000, de manera que hasta entonces se levantaron decenas de urbanizaciones “a base de cerillazos”. “Basta con mirar hoy al parque Terra Mítica, donde estaba el mayor pinar del Mediterráneo. Ardió en 1992 y el alcalde Eduardo Zaplana prometió que allí no se construiría un ladrillo. Y mira lo que ocurrió. O los incendios de los 80 y 90 en Huelva y Cádiz para construir urbanizaciones de lujo”, explica Soto.

Eduardo Moyano, ingeniero agrónomo y sociólogo del CSIC ya jubilado, explica por su parte que el franquismo marcó las bases de la agricultura actual, especialmente del desarrollo del regadío. “Su papel en la expansión del regadío fue fundamental con la construcción de las presas y otras obras hidráulicas, mucho mayor incluso que lo que se hizo después en la Transición, que fue terminar los proyectos iniciados en el franquismo. Tras la entrada en la Unión Europea esa visión del agua cambia por completo y modificar un río para aumentar el riego empieza a verse como una catástrofe ambiental, y hoy en día sería impensable”, afirma.

Según explica Moyano, el franquismo incentivó y financió el crecimiento del regadío entre los latifundistas de la época mediante los llamados pueblos de colonización. El Gobierno expropiaba al terrateniente una pequeña parte de su propiedad y en ella construía una pequeña colonia para unas pocas familias y repartía entre ellas unas pequeñas parcelas agrícolas para que pudieran subsistir. A cambio, el Estado reconvertía las tierras del gran propietario en regables y le garantizaba acceso al agua, así como a mano de obra de la colonia. “Ese proceso de regadío y mecanización, que acompañaba a la construcción de las presas, fue la base para pasar de una España de latifundistas a empresarios agrícolas”, resume el experto.

Aunque la cultura de la presa ha quedado atrás, el regadío sigue siendo hoy indispensable en la agricultura española y en los últimos 20 años su superficie ha crecido un 15% pese al avance de la desertificación y la caída del agua embalsada. Esa herencia también ha derivado en la construcción masiva de desaladoras –España es la potencia desaladora número uno del mundo– y en la apuesta por las grandes obras hidráulicas para prevenir inundaciones o trasvasar agua, lo que los críticos llaman soluciones grises, por el uso de cemento.

La Agencia de Protección de Datos (AEPD) ha multado con 5.000 euros al eurodiputado Alvise Pérez por publicar una foto de la hija del ministro Óscar Puente cuando tenía 17 años.

La sanción anunciada por la asociación de consumidores Facua se produce un mes después de que Protección de Datos impusiera otra similar al director de EDAtv, Javier Negre.

La AEPD en su resolución impone esa sanción de 5.000 euros a Alvise y le obliga "de forma definitiva" a retirar esa imagen publicada en el canal de Telegram. Protección de datos argumenta que la publicación "de forma intencionada" de los datos personales —su imagen— de Oscar Puente supone "la posibilidad de una difusión inmediata y de gran alcance del contenido".

A la publicación de esa foto le sucedieron numerosos mensajes que cuestionaban la relación entre Puente y la menor, ocultando que eran padre e hija: "Una circunstancia que implica una mayor gravedad en la conducta infractora debido a las consecuencias que dichos comentarios pueden tener en la parte reclamada", recoge la resolución.

El ministro de Transportes y Movilidad Sostenible, Óscar Puente, se ha referido a esta sanción durante su comparecencia en la Comisión de Investigación por el caso Koldo del Senado cuando ha reprochado a un senador del PP que exhibiera una foto en la que se podía ver a su hija. "Hoy por cierto un bulero profesional de esos que le gustan a usted ha sido condenado por publicar fotos de mi hija", ha aseverado Puente.

Ha muerto en Buenos Aires, a los 92 años, la gran fotógrafa argentina Sara Facio, quien compartió tres décadas de su vida con la escritora y cantante María Elena Walsh (1978-2011). Para mí, Sara Facio no solo forma parte de la historia de la fotografía, sino también de la historia de la literatura hispanoamericana, de la imagen que hemos venido haciéndonos de sus grandes escritores. De todas sus fotos, me han interesado en especial sus retratos de escritores y artistas, pero no se limitó a ellos, sino que también fotografió lugares, ciudades y gentes anónimas, siempre en busca de la verdad, de la autenticidad, como le gustaba precisar. Decía que lo que más le gustaba de la fotografía era lo que pudiera haber en ella de verdad. 

Se formó en la Escuela Nacional de Bellas Artes, en Buenos Aires, pero en 1955, poco después de acabar sus estudios, le concedieron una beca para estudiar en París artes visuales. Fue para ella una experiencia decisiva, pues en Europa descubrió a fotógrafos que tenían una mirada diferente, creativa. No en vano, su primera cámara, una Leica, la compró en Berlín. Muchos años después precisó que donde también aprendió a mirar fue en los museos de pintura, observando los cuadros de grandes artistas.

Si bien colaboró en algunos de los grandes diarios argentinos (La Nación o Clarín) y en numerosas revistas, nunca llegó a formar parte de su redacción, andando siempre por libre. En 1973 fundó en Buenos Aires, con la guatemalteca Cristina Orive, la editorial La Azotea, dedicada en exclusiva a la fotografía, un caso único en aquellos años en América Latina, tratando de publicar libros de grandes fotógrafos a precios asequibles, tal como le contaba recientemente a March Mazzei en Clarín (23/IX/2022). Años después, en 1985, fundó y dirigió la fotogalería del Teatro San Martín, experiencia que duró hasta 1998, con el objetivo de mostrar obras de fotógrafos latinoamericanos, como Luis González Palma, entonces un desconocido, o pioneros como Martín Chambí y José Domingo Noriega.

Su primer libro —hoy se les llama fotolibros—, en colaboración con Alicia D´Amico, fue Buenos Aires-Buenos Aires (1968), con textos de Julio Cortázar, con quien volvería a colaborar en Humanario (1977). Pero incluso antes de que llegara la dictadura, los libros que compuso con Cortázar fueron prohibidos, pues, como ella misma explicó en una entrevista que le hizo María Moreno (Página/12, 25/II/2000), “en ese momento había que estar en contra de Cortázar”. Algunas de las mejores fotos de Sara Facio, varias de las más difundidas, son retratos del autor de Rayuela, quizás el escritor del que se sintió más cerca y que le facilitó el camino para que otros autores confiaran en ella, como puede observarse en diversas cartas.

También colaboró con Pablo Neruda, Miguel Ángel Asturias, María Elena Walsh y Borges, en libros como Geografías de Pablo Neruda (1973), en coautoría con A. D´Amico; Actos de fe en Guatemala (1980, con fotos también de María Cristina Orive); Sara Facio. Retratos (1990), con prólogo de M.E. Walsh; María Elena Walsh. Retrato(s) de una artista libre (1999) y Alberto Manguel con Borges (2004, 20242, publicado en España por Alianza). Pero quizá su libro más representativo, en una materia que me interesa especialmente, sea Retratos y autorretratos. Escritores de América Latina (1974), en colaboración, una vez más, con Alicia D´Amico, el cual lleva textos –y fotografías- de muchos de los grandes escritores hispanoamericanos de la segunda mitad del XX, como –además de los ya citados- Borges, Adolfo Bioy Casares, García Márquez (le pidió hacer juntos un libro sobre Cartagena de Indias, pero ella lo rechazó porque consideraba la ciudad demasiado bonita), Manuel Mujica Lainez, las hermanas Silvina y Victoria Ocampo, Olga Orozco, Alejandra Pizarnik, Juan Rulfo y Ernesto Sábato, entre otros artistas como el pintor Antonio Berni, el actor Federico Luppi, las cantantes de tango Tita Merello y Susana Rinaldi, el gran Astor Piazzolla (quizá a quien más trabajo le costó convencer), Aníbal Troilo y Mercedes Sosa. Y siempre en blanco y negro.

También publicó libros de divulgación —Cómo tomar fotografías (1976) y Encuadre y foco (2003)— o de historia —La fotografía en la Argentina. Desde 1840 hasta nuestros días (1992), también con A. D´Amico; y Fotografía argentina actual. Dos (1996)—. Sara Facio confesó que sus fotógrafos preferidos eran Richard Avedon, Henri Cartier-Bresson y André Kertész, a quienes consideraba como los Picasso, Braque y Miró de la fotografía. Precisó, además, que su retrato preferido era el que Edward Steichen le hizo a Gloria Swanson. Para ella la fotografía era un lenguaje, un arte, opinión que defendió siempre con ahínco.

Sara Facio tenía fuertes convicciones, que no siempre eran las imperantes en el medio cultural en el que se movía, la izquierda intelectual. Así, por ejemplo, se jactaba de no ser de izquierdas y se mostró muy crítica con la figura del Che Guevara, pues estaba en contra de la violencia, de las guerrillas, asunto en el que no admitía justificación alguna. A algunos de ellos, los llamó con cierto desdén la izquierda caviar. Sí se declaró nacionalista, estuvo en contra de la dictadura que sufrió su país, y se comportó com una mujer moderna e independiente. Le gustaba recordar que había usado toda su vida pantalones, como le comenta a María Moreno. Cuando en sus declaraciones se ocupaba de temas de la actualidad, siempre mostró tener un gran sentido común, una fuerte personalidad, y ser poco partidaria de las modas imperantes, de las pamplinas al uso. En ese sentido, sus actitudes públicas, fueron semejantes a las que defendió siempre M.E. Walsh, pues ambas tenían algo de cascarrabias.  

En esencia, la imagen que seguimos teniendo hoy de los escritores del boom, pero también de sus predecesores y continuadores, es debida, en buena parte, a los retratos que les hizo Sara Facio, de quien Daniel Mordzinski, otro gran fotógrafo de escritores, se consideraba discípulo.  

Su última gran contribución fue legarle su biblioteca, especializada en libros de fotografía, al Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires. En un momento dado, Sara Facio hizo un comentario que –a pesar de su longitud- podría servir como epitafio: “Lo que yo vi está en mis fotos. Como si dijera: `Esta es mi ciudad y mi gente, a la que admiro, la que me gusta´. Ese es mi canon”. Y, en efecto, hoy siguen difundiéndose sus fotos, que no han dejado nunca de reproducirse como imagenes vivientes de una gran literatura.

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* Fernando Valls es profesor de Literatura Española Contemporánea en la Universidad Autónoma de Barcelona y crítico literario. 

La agencia Magnum Photos ha sido galardonada con el Premio Princesa de Asturias de la Concordia 2024. El jurado ha reconocido "su icónica y exigente labor de fotoperiodismo extendida a lo largo de casi ocho décadas en un ejemplo de libertad de prensa y asunción de riesgos".

También ha valorado que la agencia de fotoperiodismo "ha custodiado y transmitido el testimonio de los acontecimientos más relevantes de su época y contribuido con ello, a través de la imagen, a elevar la conciencia de la humanidad".

Magnum fue fundada en 1947 por los reporteros de guerra Robert Capa, David Seymour 'Chim', Henri Cartier-Bresson, George Rodger, Bill Vandivert, Maria Eisner y Rita Vandivert.

Los archivos fotográficos de la Agencia Magnum incluyen fotografías de: estilos de vida, familias, drogas, religiones, guerras, pobreza, hambruna, crímenes, gobiernos y famosos.

El jurado del Premio Princesa de Asturias de la Concordia 2024 ha estado integrado por Esther Alcocer Koplowitz, marquesa de Casa Peñalver, Fernando de Almansa Moreno- Barreda, vizconde del Castillo de Almansa, José Ramón Álvarez Rendueles, Ernesto Antolin Arribas, Antonio Brufau Niubó, Alfredo Canteli Fernández, Juan Cofiño González, Manuel Contreras Caro, Sol Daurella Comadrán, Isidro Fainé Casas, Ana Isabel Fernández Álvarez, José Antonio Fernández Carbajal, Ana Fernández Manrique, Pedro Luis Fernández Pérez, José Antonio Fernández Rivero, Enrique Fernández Rodríguez, Luis Fernández-Vega Sanz, Sabino García Vallina, Ignacio Garralda Ruiz de Velasco, Jaime Gorbeña Yllera, Antonio Huertas Mejías, Alicia Koplowitz Romero de Juséu, Laureano Lourido Artime, Pedro Martín Barón, Adolfo Menéndez Menéndez, Enrique Miñarro Viseras, Carmen Moriyón Entrialgo, Carlos Navalpotro Fuster, Mercedes Oblanca Rojo, María del Pino Calvo-Sotelo, Matías Rodríguez Inciarte, Juan Sánchez-Calero Guilarte, Manuel Villa-Cellino Torre e Ignacio Ybarra Aznar, presidido por Adrián Barbón Rodríguez y actuando de secretario Pedro de Silva Cienfuegos-Jovellanos.

Treinta y ocho candidaturas de 19 nacionalidades optaban a este premio, último de los ocho galardones internacionales que convoca este año la Fundación Princesa de Asturias y que cumplen con esta su XLIV edición.

Una mujer palestina abraza el cuerpo de su sobrina, del fotoperiodista de Reuters Mohammed Salem, se ha alzado con el premio World Press Photo del año 2024, después de que el jurado haya quedado "profundamente conmovido por cómo esta imagen evoca una reflexión emocional en cada espectador", según ha informado Europa Press. Así lo ha anunciado este jueves la Fundación World Press Photo, que ha añadido que la imagen premiada muestra a Inas Abu Maamar, de 36 años, acunando el cuerpo de su sobrina Saly, de 5 años, que murió, junto con su madre y su hermana, cuando un misil israelí alcanzó su casa, en Khan Younis, Gaza.

"El jurado quedó profundamente conmovido por cómo esta imagen evoca una reflexión emocional en cada espectador. Compuesto con cuidado y respeto, ofrece a la vez una visión metafórica y literal de una pérdida inimaginable", ha subrayado la entidad.

Asimismo, el World Press Photo al Reportaje Gráfico del Año ha ido a parar a Valim-babena de la fotógrafa sudafricana Lee-Ann Olwage, para GEO. "En Madagascar, la falta de conciencia pública sobre la demencia significa que las personas que muestran síntomas de pérdida de memoria a menudo son estigmatizadas", ha explicado la Fundación.

En este caso, el jurado ha valorado "cómo esta historia aborda un problema de salud universal a través de la lente de la familia y el cuidado". "La selección de imágenes está compuesta con calidez y ternura, recordando a los espectadores el amor y la cercanía necesarios en tiempos de guerra y agresión en todo el mundo", ha apostillado.

El premio World Press Photo al Proyecto a Largo Plazo ha recaído en la imagen Los dos muros, del venezolano Alejandro Cegarra, para The New York Times y Bloomberg. "Desde 2019, las políticas de inmigración de México han experimentado un cambio significativo, transformándose de una nación históricamente abierta a migrantes y solicitantes de asilo en su frontera sur a un país que aplica políticas de inmigración estrictas", ha señalado. Gracias a su propia experiencia de migrar de Venezuela a México, el fotógrafo Alejandro Cegarra comenzó este proyecto en 2018. El jurado considera que la posición de este fotógrafo "brindó una perspectiva sensible centrada en el ser humano".

En cuanto al Premio World Press Photo de Formato Abierto, el galardón ha sido para La guerra es personal, de la ucraniana Julia Kochetova, quien ha creado un sitio web que combina el fotoperiodismo con el estilo documental personal de un diario para mostrar al mundo cómo es vivir con la guerra como algo cotidiano. realidad. "Estas obras finales seleccionadas son un tapiz de nuestro mundo actual, centradas en imágenes que creemos que fueron hechas con un respeto e integridad que podrían hablar universalmente y resonar mucho más allá de sus orígenes", ha afirmado Fiona Shields, jefa de fotografía de The Guardian y presidenta del jurado.

El estreno de la exposición World Press Photo 2024 se inaugurará este viernes, 19 de abril, en De Nieuwe Kerk, de Ámsterdam. Esto marca el inicio de la gira mundial de la muestra. Las obras ganadoras han sido seleccionadas entre los 24 ganadores regionales, y documentan pérdidas personales irreversibles en Gaza, familias y demencia en Madagascar, migrantes en la frontera con México y la vida bajo la guerra en Ucrania.

El funeral de la fotógrafa Isavel Steva Colita, fallecida el domingo a los 83 años, se oficiará este martes en el tanatorio de Les Corts de Barcelona, informa Europa Press.

Allí mismo se habrá abierto a las 11 la capilla ardiente en la Sala 8, según ha dicho este lunes en las redes sociales el director de su archivo, Francesc Polop.

Ha explicado que "la Gran Colita falleció ayer, sin sufrir y acompañada por sus seres queridos".

"La despediremos como ella quiso: con amor y con humor, porque del todo, del todo, no se va a ir", ha añadido.

Polop ha agradecido "tantas muestras de cariño de familiares, amigas y representantes de la Cultura y de las instituciones".

"Colita nos ha dejado pero su legado, tan grande, brillante y generoso como ella, no morirá. Fue mi compromiso con ella y su encargo", ha asegurado.

"Si eres fotoperiodista es porque crees un poco en el poder de la imagen para cambiar el mundo". Esa es la premisa, y la esencia misma, en torno a la cual se han reunido más de un centenar de fotoperiodistas españoles e internacionales en Fotos por Palestina, una iniciativa solidaria para recaudar fondos con los que ayudar a paliar la catástrofe humanitaria de Gaza. "Usamos nuestras fotos de esta manera intentando poner nuestro granito de arena", apunta a infoLibre una de las impulsoras y participantes en el proyecto, Mireia Comas, que añade: "Como personas que defendemos los derechos humanos, estamos horrorizadas con lo que está pasando en Gaza. Los fotoperiodistas somos gente muy sensibilizada en estos temas".

"Al fin y al cabo, los fotoperiodistas somos gente empática que está al día con la situación de Palestina y todos nos hemos visto en ese sentimiento de frustración de no saber qué hacer para ayudar", añade otra de las impulsoras, Maysun Abu-Khdeir Granados, quien explica a infoLibre que muchos de los participantes, aunque no todos, se dedican a cubrir conflictos internacionales. "Personalmente, yo llevo cubriendo veinte años el tema de Palestina, y otros compañeros han estado sobre el terreno allí y en otros lugares, por lo que sabemos un poco lo que está sucediendo", apostilla la fotógrafa española de padre palestino.

La iniciativa permite comprar obras originales a precio reducido y ha sido impulsada por un grupo de fotógrafas y fotoperiodistas pertenecientes a la Asociación Contamos el Mundo, que dan continuidad, a nivel nacional, a iniciativas similares llevadas a cabo en Reino Unido, Italia y Chile. El dinero recaudado de la venta de las fotografías en la plataforma web será gestionado por la ONG con sede en Barcelona Ruido Photo, que se encargará de entregarlo –deducidos los costes de producción y envío– a Médicos Sin Fronteras.

Las fotos de la campaña son de temática libre y, por lo tanto, muy variada. "Yo tengo fotos muy duras, pero como queremos conseguir el máximo de beneficios, he escogido una de unos castellers en la que se ve a dos chicos besándose. Para mí, significa un poco de esperanza en la humanidad, que no está todo perdido, que aún hay amor y nos podemos unir para hacer castillos o para hacer una campaña como esta", argumenta Comas, mientras Maysun explica que se dio libertad de elección a los participantes buscando que las imágenes fueran "cercanas" y cualquiera, esté concienciado políticamente o no, "pudiera querer ponerlas en su salón".

La venta de imágenes estará activa hasta el 27 de febrero en la página web del proyecto, www.fotosxpalestina.com. Cada compra es una donación de la que se puede solicitar certificado para su posterior desgravación. Entre los más de cien participantes se pueden encontrar, además de las dos mencionadas, autores como Judith Prat, Cristina García Rodero, Anna Surinyach, Hanna Jarzabek, Ofelia de Pablo, Ana Palacios, Chema Conesa, Clemente Bernad, Estela de Castro, Laia Abril, Navia, Santi Palacios, Sofia Moro o Ricard García Vilanova, entre otros. 

Fotos por Palestina ha tenido una respuesta contundente y emocional desde su puesta en marcha este pasado 27 de diciembre. Los números casi nunca mienten y después de recaudar casi 6.000 euros en las primeras 24 horas, el ritmo no decayó para llegar hasta los 11.000 en los dos primeros días. "Estamos bastante abrumadas porque ha sido una avalancha de correos de fotógrafos que ahora quieren sumarse a la iniciativa, y también de venta de fotos", comenta Comas, quien aprovecha para recordar que la guerra allí sigue en marcha, por lo que es importante no dejar de hablar de ello para no normalizarlo desde la distancia: "Estamos más de medio mundo celebrando las navidades y allí les están matando. Es muy fuerte".

Y tercia Maysun: "Al fin y al cabo la situación en Palestina no es algo que sea de ahora ni se va a acabar cuando, entre comillas, se acabe la ofensiva israelí. Los palestinos llevamos muchas décadas en esta situación, por lo que la ayuda siempre va a ser necesaria. A través de esta iniciativa, aprovechando las navidades y este momento de hacernos tantos regalos, la gente puede ser más solidaria de alguna forma. No ya como periodistas o fotoperiodistas, como personas tenemos una responsabilidad de hacer algo por lo que está sucediendo. Sabemos que es una iniciativa muy pequeña, pero creo que todo suma al final, porque muchas iniciativas pequeñas también pueden hacer una diferencia sobre todo para las personas palestinas que ahora mismo no tienen nada, ni siquiera forma de salir de Gaza, o de Cisjordania, donde también está sucediendo esta ofensiva".

"Es importante no quitar el foco ni apartar la mirada porque no se puede dejar de hablar de lo que está pasando. Y es cierto también que hay muchas formas de llamar la atención sobre el tema y mantener el debate abierto en la sociedad", apunta Maysun, apostando acto seguido por ir más allá y pasar a la "acción directa" a través de cualquier canal: "Todos juntos tenemos una fuerza de cambio social que es importante y podemos hacer de esta sociedad algo mejor. En estos momentos Palestina necesita de nuestra ayuda. Con un gesto tan pequeño como comprar una fotografía se puede realmente marcar una diferencia en la vida de las personas".

En este momento crítico en Gaza, en el que de alguna manera nos hemos –trágicamente– acostumbrado desde la distancia a ver imágenes del espanto de la guerra, Fotos por Palestina nos propone poner la belleza por delante del horror y utilizar la imagen como herramienta para reivindicar un mundo mejor. 

Isabel Steva Hernández Colita, fallecida este domingo en Barcelona a los 83 años, fue una de las fotógrafas españolas más destacadas del siglo XX, artista que captó la transformación de Barcelona durante el franquismo y la Transición con una mirada renovada, reivindicativa y feminista desde la "Gauche Divine" barcelonesa, que le dio acceso a muchos de los personajes más destacados de la época, según informa EFE.

Además de inmortalizar los distintos y muy diferentes espacios de la ciudad, ya fueran de la alta sociedad o de los barrios marginales de barracas, para la cámara de Colita posaron personajes como Gabriel García Márquez, Mario Vargas Llosa, Salvador Dalí, Joan Miró, Orson Welles, Rafael Alberti, Ana María Matute, Carmen Amaya, Antonio Gades, Joan Manuel Serrat, la Bella Dorita o los hermanos Terenci y Ana María Moix, entre muchos otros.

Las obras de Isabel Steva se encuentran depositadas en el Archivo Colita Fotografía, y también en el Arxiu Nacional de Catalunya, el Arxiu Municipal de Barcelona, la Filmoteca de Catalunya o en museos como el MACBA, el MNAC, el Centro de Arte Reina Sofía, la Fundació Vila Casas o la Fundació Brossa.

Isabel Steva, que debe su nombre Colita a que su padre le contó que había nacido debajo de una col, nació en Barcelona el 24 de agosto de 1940, estudió hasta los 17 años en el colegio del Sagrado Corazón y posteriormente se trasladó a París para estudiar Civilización Francesa en la Universidad de la Sorbona, si bien su estancia en la capital francesa solo duraría un año.

Al regresar a Barcelona Colita, a quien su padre regalaba cámaras desde los 12 años, se introdujo en el mundo profesional de la fotografía de la mano de los destacados fotógrafos Oriol Maspons, Francesc Català-Roca, Leopoldo Pomés y Xavier Miserachs, con quien comenzó a trabajar como ayudante en 1961.

En 1962 trabajó en el archivo de personajes de la película Los Tarantos, de Rovira Beleta, donde trabó amistad con su protagonista, la bailaora de flamenco Carmen Amaya. Se aficionó al arte flamenco y se trasladó un tiempo a Madrid, donde realizó fotografías de promoción de Antonio Gades y Micaela Flores, La Chunga.

Fruto de este época es el libro Luces y sombras del Flamenco (Editorial Lumen, 1975) escrito por José Manuel Caballero Bonald e ilustrado con imágenes de Colita de grandes artistas del género: Mairena, La Piriñaca, La Perrata, La Fernanda y La Bernarda, Juan Talega, El Borrico, El Chozas, Donday y Carmen Amaya, un volumen que tuvo varias reediciones ampliadas.

Colaboró con la denominada Escuela de Barcelona, corriente que surgió con la ambición de hacer un cine europeo y progresista, en contraposición a la cinematografía "oficial" del franquismo, lo que le dio la oportunidad de trabajar con directores de fotografía como Luis Cuadrado, Juan Amorós o Fernando Arribas, en películas como El cadáver exquisito, Morbo o Los crueles.

Su primera exposición llegó en 1965, en la que también participaban artistas como Argimón, Curós, Jordi Galì, Guinovart, Oriol Maspons, Ràfols Casamada, Tharrats y Román Vallès.

Se le considera la fotógrafa de la denominada "Gauche Divine" barcelonesa, compuesta por un grupo de profesionales, intelectuales y artistas, que tuvieron sus inicios en las cenas en el restaurante Casa de Mariona y su plenitud en 1967, coincidiendo con la apertura del local Bocaccio.

Con la colección de sus retratos organizó la exposición La Gauche qui rit (1971), en la Galería Aixelà, patrocinada por Boccaccio y el promotor Oriol Regàs, una muestra que sólo duró dos días al ser clausurada por la policía al día siguiente de la inauguración.

En estos primeros años alternó también con la fotografía de prensa y la de la industria discográfica a través de Edigsa (1967) y el movimiento de La Nova Cançó catalana, realizando campañas de prensa y promoción, portadas de discos y pósters, especialmente de Guillermina Motta, Núria Feliu, Joan Manuel Serrat, La Trinca, Ovidi Montllor, Raimon o María del Mar Bonet.

En los estertores del franquismo colaboró con prensa progresista del momento, como Fotogramas, Tele-Expres, Mundo Diario o Destino, años en los que dejó testimonio gráfico de acontecimientos como el encierro de Montserrat, la muerte de Franco o las manifestaciones políticas y en defensa de la libertad.

Su afición a la novela policíaca y de misterio hizo que Beatriz de Moura, directora de Tusquets Editor, le confiara la colección Serie Negra, que compaginó con la dirección del departamento de fotografía de la revista Vindicación Feminista hasta 1978.

Durante la Transición colaboró con Interviú, Reporter, Cuadernos para el diálogo, La Calle o Boccaccio. Fotografió su ciudad, Barcelona y su área metropolitana, evidenciando sus cambios y evolución, siempre reflejando la vida cultural y social de Cataluña.

En sus más de cuarenta años de profesión realizó más de 40 exposiciones y publicó una treintena de libros. Entre sus muchas exposiciones se encuentran La Pedrera, Tarjeta de identidad, Confesiones de una Diva, 10 años en los escenarios de Catalunya, Colombia vive (1990), Mary la Gran (1994) -en homenaje a la actriz Mary Santpere-, El Serrat de Colita (1998), Mujer Atlas, conflicto en Colombia (2004), Terenci del Nilo. Viaje sentimental a Egipto, 1973 (2005), Carmen Amaya 1963. Fotografías de Colita y Julio Ubiña (2013) o Retratos de una amistad (2014) -con fotos cotidianas del poeta Jaime Gil de Biedma-. Además, junto con la historiadora Mary Nash se encargó de la investigación para la exposición Fotógrafas pioneras de Cataluña (2005-2006).

Comprometida en la defensa de los derechos de la mujer, en el nuevo milenio se realizaron dos importantes exposiciones retrospectivas, en 2009 y 2014, esta última titulada ¡Colita, porque sí!.

El 6 de noviembre de 2014 le fue concedido el Premio Nacional de Fotografía, pero al día siguiente lo rechazó alegando que el Ministerio de Cultura, Educación y Deporte, que concede el galardón, era responsable de que la cultura y la educación en España se encontrara en una situación de "pena, vergüenza y dolor de corazón".

En 2016 se estrenó la película documental Cola, Colita, Colassa (Oda a Barcelona), dirigida por Ventura Pons, sobre su figura y trayectoria.

En 1998 el Ayuntamiento de Barcelona le impuso la Medalla al Mérito Artístico, junto a los también fotógrafos Oriol Maspons y Leopoldo Pomés.

Entre otras muchas distinciones, cuenta también con la Creu de Sant Jordi 2004, uno de los Premios Primero de Mayo 2008 de las fundaciones Campalans y Comaposada, el Premio Especial del jurado de los Internacionales Terenci Moix (2011), la Medalla 2012 de Fomento de las Artes y del Diseño FAD o el Premio Piedad Isla 2013 de la Diputación de Palencia.

En 2015 recibió el Premio Bartolomé Ros, en el marco del festival internacional de fotografía PhotoEspaña y en 2021 el Consejo de Ministros le concedió la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes.

En noviembre pasado recibió el premio Oficio de Periodista, que le concedió la Junta de Gobierno del Colegio de Periodistas de Cataluña, en reconocimiento a su trayectoria profesional, a su "indiscutible contribución a la cultura y el arte" y también en abril había recogido con "alborozo", de manos del entonces ministro de Cultura y Deporte, Miquel Iceta, el premio Christa Leem. 

Una imagen vale más que mil palabras. Y si se trata de imágenes que abordan temas como el cambio climático o las guerras, más aún. El fotoperiodismo nos explica muchas cosas sin necesidad de hablar y nos ayuda a comprender el mundo. Por esta razón nació World Press Photo, una plataforma global fundada por un grupo de fotógrafos holandeses que está celebrando su edición número 66. El objetivo, dice la directora ejecutiva de la fundación, Joumana El Zein Khoury, es “que se cree una oportunidad de justicia y un futuro mejor”. Para ello, las 130 imágenes de este año recogen “los principales problemas” sociales y económicos de nuestro tiempo, haciendo especial hincapié en los conflictos armados y en las consecuencias de la emergencia climática.

La muestra de 2023 acaba de aterrizar en Madrid, donde podrá verse hasta el próximo 21 de diciembre en el Espacio Larra (calle de Larra, 14, 28004 Madrid). La capital pondrá el broche final a una exposición que ya han visto miles de personas. Será el último destino de un viaje por 30 países y 70 ciudades, entre ellas, Ámsterdam, Roma, Berlín, Singapur, Yakarta, Sídney, Toronto y Barcelona. Sin embargo, la escasa libertad de prensa vigente en algunas naciones impide que el certamen llegue a todos los públicos. Es lo que ha pasado en Budapest. El gobierno ultraderechista de Viktor Orbán ha prohibido que los menores de 18 años accedan a la exhibición porque algunas incluyen contenido LGTBI+. En definitiva, es la pescadilla que se muerde la cola: los países con miras hacia el progreso son conscientes de la importancia de poner cara a las realidades que oímos a diario, pero son los estados menos avanzados quienes más trabas imponen al cambio.

Esta edición cuenta con trabajos de 30 fotógrafos y fotógrafas de todo el globo, aunque a los World Press Photo 2023 se presentaron un total de 3.752 candidatos procedentes de 127 países distintos, y hubo más de 60.000 imágenes. Entre los ganadores se encuentran dos españoles, Emilio Morenatti, cuya foto de un civil en la guerra de Ucrania ha obtenido una mención de honor; y César Dezfuli, con una serie sobre la migración en el Mediterráneo.

Dezfuli explica a infoLibre que lleva “siete años en este proyecto y ocho trabajando en temas migratorios” y, en su opinión, se debe “contar la migración desde una perspectiva más humana, no sólo mostrando un cuerpo en el mar”. Como fotógrafo, dice, es necesario reflejar “la diversidad de la sociedad” y exponer también “historias positivas”. A su juicio, “cuando pensamos en migración, pensamos en frontera”, aunque si echamos un vistazo a nuestro alrededor, “hay más escenas de migrantes en la vida cotidiana”. Por ello, concluye, hay que “visibilizar esas historias con las que convivimos” sin caer en el dramatismo, pues “hay puntos intermedios que deben ser escuchados para que entendamos la migración desde otros lugares”.

Con el objetivo de que haya un equilibrio geográfico en esta muestra, la fundación ha dividido las obras en seis categorías regionales: África, Asia, Europa, América del Norte y Central, América del Sur y el sur de Asia, y Oceanía. Además, las instantáneas se han separado en cuatro bloques según su forma: fotografías individuales, series, proyectos a largo plazo y formato abierto. Por ejemplo, el cambio climático se observa en la degradación de los oasis en Marruecos y en las complicaciones de gestión del agua en Asia Central tras la caída de la URSS. Los conflictos armados están presentes en imágenes del enfrentamiento palestino-israelí o de la guerra de Ucrania. De hecho, la foto del año ha sido para Evgeniy Maloletka, por una instantánea del asedio a Mariupol.

Como parte de las actividades paralelas a la exposición, el pasado 20 de noviembre se celebró una mesa redonda titulada Ojos que no quieren ver. En el acto participó el fotógrafo César Dezfuli, así como el director de cooperación internacional de Save the Children España, Vicente Raimundo, y la periodista de El País especializada en migraciones, María Martín. El acto incidió en cómo afectan estas crisis a los niños, los más damnificados por las guerras y los desastres. Se calcula que 44 millones están en situación de hambre severa. Asimismo, suponen el 44% de los refugiados. Los motivos de este panorama son diversos, pero principalmente dos: una paupérrima educación de los padres y por una sobrerrepresentación de madres solteras, según los datos de la citada ONG. Y todas estas cifras son peores en el caso de las niñas.

La sociedad se está transformando a un ritmo vertiginoso, también la figura del fotógrafo. En la era de los móviles, las cámaras han quedado relegadas a un segundo plano y la inversión en equipos humanos de calidad es cada vez menor. César Dezfuli trabaja con varios medios de comunicación extranjeros con los que tiene "una relación laboral estable", aunque reconoce que no todos sus compañeros cuentan con la misma suerte. "En España la situación está bastante complicada porque los medios no producen sus propias historias a nivel fotográfico", denuncia.

Desde el siglo pasado nunca habíamos tenido tantos conflictos abiertos, y eso implica movimientos de personas que huyen de los horrores de sus países en búsqueda de una oportunidad. Pero nuestra concepción del inmigrante es diferente dependiendo de su procedencia, afirma Vicente Raimundo: "Tenemos distintos estándares morales. Hay mayor aceptación y están mejor vistos los niños ucranianos que los marroquíes. Se debería tratar igual a un niño blanco de ojos azules que a uno africano". Tal y como dice María Martín, "vemos a los migrantes como figuras negras con una manta roja", cuando deberíamos verlos como personas de igual a igual, personas forzadas a abandonar sus hogares porque los de arriba no les dejan otra alternativa.

Es una lotería que funcione un carrete de fotografía caducado que ha estado expuesto directamente al sol a 30 grados. Con el regreso de las cámaras analógicas, los establecimientos de venta colgaban el cartel de “agotado” para los Kodak a finales del año pasado. Con las estanterías vacías, los aficionados a la película recuperaban viejas técnicas, como la de disparar carretes caducados. Una práctica difícil teniendo en cuenta que solo podían encontrarse en casa de los abuelos o en el rastro de Madrid. Ahora, las tiendas especializadas añaden rollos caducados e “intervenidos” a su catálogo.

El regreso de stock de carretes ha venido también acompañado de una subida del 30% de los precios. El responsable de Revelab Studio en Barcelona lamenta esta subida de precios y las ve difícilmente sostenibles. Anteriormente las subidas estaban en torno al 2% y el 5% y podían permitirse que no repercutieran en el precio de venta. Desde el laboratorio catalán señalan además que Kodak ha triplicado la plantilla para hacer frente a la alta demanda de su producto, de los que son los únicos fabricantes.

La compra de grandes cantidades de carrete se ha sustituido por su uso en ocasiones especiales en la que los clientes buscan el efecto del analógico, señalan desde el comercio de fotografía Sales de Plata, en Madrid. La responsable de la tienda señala que los aficionados, tras visitar la tienda y encontrarse con los carretes de color agotados, se pasaban al blanco y negro, y ahora los siguen usando. La falta de carretes hizo que crecieran las alternativas, como los rollos caducados. Aunque la sensibilidad de sus componentes haga de su utilización una tarea de fe. 

“Intento limitarme a carretes de las últimas dos décadas. Si ha caducado antes de mitad de los 90, ya se vuelve arriesgado, así que no compro grandes cantidades de este tipo” reconoce Adam en su blog en Lomography (adam_g2000). Explica además que lo que ocurre al revelar un carrete cumplido es que cambian los colores porque no se revelan bien. No cumplen con el balance perfecto y se potencian algunos colores más que otros. Su sensibilidad a la luz suele ser mucho menor, aunque nunca está claro cuánto. 

Aunque no son fáciles de conseguir, cada vez más establecimientos y puestos especializados lo están incluyendo en su catálogo. En Revelab terminaron por ponerlos a la venta tras el interés de los clientes. Las tiendas compran los carretes caducados por lotes a ciudades como Berlín. Desde Sales de Plata reconocen la dificultad para vender este producto. Su responsable apunta que cuando hacen pedidos de rollos cumplidos se arriesgan a que no funcionen y no puedan hacer ni una solo foto con ellos.

El madrileño rastro de los domingos es un lugar habitual donde encontrar carretes caducados, pero es difícil conseguir uno en buen estado en la temporada estival. Los rollos de película están expuestos al sol y a más de 30 grados, unas condiciones fatales de conservación que llegan a dejarlos prácticamente inutilizables. De hecho, Adam anima desde su blog a conservar los carretes en la nevera, tanto nuevos como viejos, para mantenerlos lo más frescos posible.

Antonio Salar, el dueño jubilado de una de las tiendas de fotografía más antiguas de Madrid dice que antes regalaban los carretes caducados. Las imágenes llegan a ser artísticas pero no pueden usarse si “te la juegas” a una sola foto, reconoce Salar. Los resultados son fotos más azuladas si han estado expuestos al frío o con más dominancia de marrón si han sido sometidos a elevadas temperaturas. 

Las imágenes analógicas también pueden alterarse manualmente. La técnica del film soup sumerge los carretes en variopintas soluciones, que van desde lejía hasta orina provocando efectos de distorsión, señala el responsable de Revelab. El cambio de PH en su material genera corrosiones pudiendo llegar hasta la desintegración total de lo fotografiado. Los aficionados a la “sopa” lo preparan en casa, después de haber disparado el carrete. Ahora, la fotógrafa alemana Hanna Beltrán comercializa los carretes ya tratados. 

La técnica supone un peligro para los laboratorios y no todos admiten este tipo de carretes. El revelado de estos carretes es completamente manual, y los químicos se desechan después de cada trabajo porque contaminan todo el tanque de revelado. Antonio Salar, después de  50 años arreglando cámaras reconoce la belleza de los resultados de los Kodak caducados, pero que no es una técnica para un profesional de la fotografía, ya que están arriesgando todo el trabajo de una sesión al azar del carrete.

El jurado del prestigioso World Press Photo ha reconocido como foto del año la imagen de una mujer embarazada evacuada en marzo de 2022 de un hospital en la ciudad ucraniana de Mariúpol, uno de los símbolos de los ataques perpetrados por las fuerzas rusas sobre instalaciones civiles tras el inicio de la invasión, según informa Europa Press.

La foto fue captada por el ucraniano Evgeniy Maloletka, colaborador de la agencia Associated Press, y muestra a Irina Kalinina, de 32 años y en avanzado estado de gestión, sobre una camilla mientras un grupo de voluntarios la traslada desde la zona donde se produjo el ataque. El bebé nació ya muerto y la mujer falleció horas después.

Para el presidente del jurado, Brent Lewis, la muerte de ambos simboliza los efectos de la guerra, "así como la posible intención de Rusia. "Como ha dicho un integrante del jurado: es como si estuviesen intentando matar el futuro de Ucrania", ha dicho Lewis, tras una decisión "unánime" sobre esta imagen.

Más de 3.700 fotógrafos de 127 países se han presentado a este galardón, que reconoce como historia del año una serie de imágenes del danés Mads Nissen sobre la vida en Afganistán. El mejor proyecto a largo plazo ha sido el de la armenia Anush Babajanyan, que ha retratado los impactos en la gestión del agua en el espacio postsoviético, mientras que en formato abierto el jurado ha reconocido al egipcio Mohamed Mahdy, por un proyecto interactivo sobre Alejandría.

Luis Vioque / Josep M. Rodríguez 

Edual (2022)

En el aviso para esos caminantes en los que nos convertimos al entrar en este libro, Josep M. Rodríguez comienza definiendo el haibun como “un diario de viaje que alterna prosa y verso”, y en ese mismo párrafo nos habla de su procedencia japonesa y del alto ejemplo de las Sendas de Oku, (1702) de Matsuo Basho, que Octavio Paz dio a conocer en lengua española.  

Todo lo que Josep M. Rodríguez ha ido explicando de manera didáctica pero también creativa en su aviso lo vamos a ir certificando en las páginas del volumen, de cuidada y elegante edición. Así, lo primero que se advierte es que la prosa ha sido sustituida por la fotografía, que aquí participa también de la condición poética, pues Luis Vioque, fotógrafo de la naturaleza, sabe descubrir y transmitir en sus imágenes el sereno misterio de unos paisajes a los que parece acechar sin que le importe el tiempo de la espera hasta apresarlos en lo que Stieglitz llamaba “momentos de equilibrio”. 

Estamos ante un juego de miradas que desemboca en imágenes y en palabras. Si la poesía es muchas veces una mirada particular sobre el mundo, aquí la mirada del poeta contempla, no fragmentos de la realidad sino su doble, el signo que ha captado la mirada del fotógrafo. No se nos oculta, pues, que los poemas han surgido de la contemplación de las imágenes, de la interiorización de unas vistas que son también, como querían los románticos, un estado de ánimo.    

Las fotos de Luis Vioque son de una serenidad inquietante: mar, costa, playa, bosques, llanuras. Y cuando aparece, la arquitectura lo hace solitaria en paisajes agrestes, desolados. Las construcciones, tan diversas, se muestran a veces fragmentadas y juegan con las opuestas geometrías de las luces y las sombras: ruinas, las aristas y la blancura de los edificios… El conjunto nos adentra en una Andalucía –pues a ella pertenecen estos escenarios– que casi no reconocemos, distinta, profunda, los colores tópicos transmutados en un glorioso blanco y negro que busca lo esencial, De ahí que en un poema se haga referencia a las dos constantes del libro: un paisaje estoico, una mirada limpia. 

Y esa mirada, esa expresión limpia, encuentran su eco literario en poemas voluntariamente concisos. A veces sólo un trazo que complementa, subraya o descubre nuevos horizontes en las fotos a las que acompañan. Por su rotunda brevedad, algunos pueden pasar por aforismos: la infancia como “caligrafía de nubes sobre papel pautado” o la brisa enseñando “danza a las palmeras”. 

No rehúye esa mirada que se pretende exacta una evocación cultural frente a la contemplación de la naturaleza. La pintura se hace presente en nombres prestigiosos, Hiroshige, Ghirlandaio, Botticelli, Durero, Rubens o Monet, y también encontramos breves citas de autores tan diversos como Homero y William Carlos Williams. No faltan –en una tierra simbolizada por Hércules– las referencias a mitos (Apolo), oráculos (Delfos) y filósofos (Platón), subrayando casi imperceptiblemente la riqueza antigua tras los paisajes de ahora. 

En una de las fotografías, un solitario árbol de ramas desnudas se deja interpretar con tres códigos literarios diferentes: la Commedia dell’Arte, el realismo mágico o la literatura gótica, como un ejemplo de las diversas formas con las que podemos leer el mundo. 

De las sesenta y dos fotografías, sólo en ocho se atisba una presencia humana, a pequeña escala, sombras en paisaje abiertos, casi siempre ante el mar. En el afán de dar protagonismo al paisaje, incluso el poeta no aparece como persona sino que, en esa fusión con la naturaleza, se identifica con una palmera solitaria. 

Destaca la presencia de las nubes, que en alguna foto dialogan con las piedras (lo aéreo con el mismo idioma que lo sólido), en otras parecen oprimir al paisaje y cuando se convierten en niebla hacen irreales los árboles que cercan. A todos estos estados que la cámara de Luis Vioque ha detenido y que forman quizá una poética de la soledad, sabe ponerles letra Josep M. Rodríguez, con unos acercamientos cuya originalidad los enriquece. Los dos, en provechosa y cordial alianza, nos entregan un álbum memorable, que no se agota en una primera visión, en una primera lectura. 

Si ya el poema inicial habla de la memoria, el último lo hace del recuerdo. En este Amanecer se nos confirma que la luz es tiempo, como quería Juan Ramón: “La luz con el tiempo dentro”. Luz, memoria, belleza son algunos de los ejes de este libro, concebido para mirarlo en silencio, para leerlo en silencio, porque ya las fotografías nos regalan su propia música, su “música callada”.  

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Juan Lamillar es poeta. Su último libro publicado se titula 'La nieve roja' (Editorial Renacimiento). 

Tres artistas iraquíes retiraron sus obras de la Bienal de Arte Contemporáneo de Berlín el pasado 18 de agosto. Este espectacular gesto es sin duda el epílogo de un tira y afloja en torno a una controvertida exposición del artista francés Jean-Jacques Lebel, que reproduce fotografías de torturas cometidas en la prisión de Abu Ghraib y que fueron reveladas en 2004. 

Sajjad Abbas, Raed Mutar y Layth Kareem han firmado conjuntamente un texto escrito por la historiadora del arte y comisaria Rijin Sahakian, que expresó sus principales puntos de desacuerdo en ArtForum el 29 de julio. En particular, estos tres artistas lamentan que la Bienal no haya pedido el consentimiento de las víctimas antes de exponer esta obra, ni haya advertido a los artistas iraquíes participantes en la Bienal de que su obra se expondría junto a otra exposición especialmente violenta. 

Esto es especialmente problemático, señalan los artistas, porque la edición de este evento, que se celebra hasta el 18 de septiembre, defiende un enfoque decolonial de lo que denomina "los puntos ciegos de la modernidad" y pretende hacer del concepto de "reparación", como reza el dossier de prensa, "el punto de partida [...] de una conversación crítica, para encontrar juntos formas de cuidar el presente". 

Por parte de la dirección artística, el artista francés Kader Attia dice que "lamenta profundamente" esta decisión, que se produjo tras semanas de acaloradas discusiones internas, y la salida de una de las comisarias del equipo, Ana Teixeira Pinto. "Estábamos en el espíritu de la ‘cultura de la cancelación’. Era: o se retira la obra de Jean-Jacques Lebel, o nos retiramos nosotros", dice Kader Attia, contactado por Mediapart. 

El artífice de esta bienal decolonial reconoce, no obstante, que "este debate es interesante porque es muy difícil de resolver: en cierto modo, ambos tenemos razón.” Y se pregunta: "¿Por qué hay que tapar, ocultar, una imagen que denuncia un delito? 

¿Qué vemos exactamente en Berlín? La obra Veneno soluble de Jean-Jacques Lebel se expone en el Rieckhallen, una extensión del Museo de Arte Moderno de la Estación de Hamburgo, uno de los seis lugares seleccionados para el evento. Estos pabellones de 300 metros de largo, antiguas cocheras de tren, ofrecen una sucesión de salas y sótanos que se transformaron en un espacio de exposición en 2004. 

Es una progresión de grandes salas donde se pueden contemplar las pinturas semi abstractas de Driss Ouadahi sobre el hábitat argelino o las películas de Tuân Andrew Nguyễn sobre el trauma intergeneracional que dejó el colonialismo francés en Senegal. 

Aquí y allá, pequeñas recámaras albergan exposiciones de vídeo como el de la pareja Basel Abbas y Ruanne Abou-Rahme, sobre la videovigilancia de los territorios ocupados, o como el del colectivo Forensic Architecture sobre la "deconstrucción" del atentado contra la televisión ucraniana en Kiev. 

Siguiendo el recorrido, se llega a la obra de Lebel, sin saber necesariamente que esa pequeña sala vacía que acabamos de atravesar acogía antes el trabajo en vídeo de la iraquí Layth Kareem sobre el "paisaje psicológico" del Iraq actual. Del mismo modo, en la pared vacía que precede a la cortina gris que da paso a Veneno soluble estaba colgado el cuadro de Raed Mutar en el que aparecía él con una mascarilla quirúrgica y un gotero. 

En cuanto a Lebel, allí sigue, pero una advertencia escrita en la entrada advierte de la violencia de su obra. A pesar de ello, el contacto es brutal. En un espacio de unos cuarenta metros cuadrados, el artista ha construido un laberinto de horror. Las paredes están compuestas por reproducciones ampliadas de extractos de fotos de las víctimas y sus torturadores americanos, los guardias de la prisión de Abu Ghraib. 

A las víctimas que aparecen se les coloca un fino rectángulo gris sobre los ojos para enmascarar su identidad. Durante nuestra visita, los espectadores apenas se detenían en este laberinto de imágenes. La salida da a una pequeña sala en forma de L, al final de la cual la fotografía "Te veo" de Sajjad Abbas, el tercer artista que retiró su obra de la Bienal, ha sido sustituida por una obra de Driss Ouadahi. 

Esta obra de Lebel, artista plástico nacido en 1936, fue creada por primera vez para una exposición en el Mamco de Ginebra, en 2013. Luego se mostró en 2018 en los sótanos del Palais de Tokyo en París, junto a la obra de Kader Attia, para una exposición llamada Uno y otro. 

Para la comisaria Rijin Sahakian, "nada [en esta obra] aporta información nueva o cosas que no hayamos visto antes". Y dice que "Las imágenes de las correas, la electrocución y la violación en grupo refuerzan la arraigada representación del árabe, del iraquí, como un animal [...] contra el que hacemos la guerra. Este trabajo no ha hecho más que reforzar y ampliar estas tácticas”.

Por el contrario, Kader Attia está convencido de que es necesario hacer visibles estas imágenes siniestras incluso hoy en día. En su opinión, son la prueba de los crímenes de un régimen de ocupación: "La descontextualización en el mundo del arte es interesante desde que Marcel Duchamp colocó un urinario en un museo. Al trasladar estas imágenes, normalmente ahogadas en el paisaje mediático, o en el océano de datos visuales de Internet, colocarlas en una exposición es como poner una lupa sobre ellas, para repensar la relación del espectador con estas realidades que ya no ve.” 

El enfoque de Lebel, como señaló Libération, recuerda el del artista suizo Thomas Hirschhorn, que, casi en la misma época, en 2012, mostró una ráfaga de planos de cuerpos destruidos por la guerra en el vídeo Touching Reality (escuche su entrevista con Mediapart en 2012). ¿Debemos pensar, entonces, que en este debate está en juego algo más, cómo que ciertos artistas blancos europeos se han apoderado de una historia en la que tienen menos legitimidad para deconstruirla que otros?  

Sahakian y los tres artistas iraquíes hacen otra crítica más contundente: ni ellos estaban asociados a esta elección, ni las víctimas iraquíes eran visibles en las fotografías. "El equipo de la Bienal eleva al rango de obra de justicia la repetición fetichista [...] de la violencia ejercida por Lebel sin haber consultado a las víctimas", puede leerse en otro texto publicado por Sahakian el 16 de agosto. En este último también se ironiza sobre la actitud del equipo de la Bienal –señalando a Kader Attia en particular–, presto a "exponer su experiencia en materia decolonial, mientras nos da lecciones sobre cómo entender nuestra propia historia". 

Kader Attia, artista francés de origen argelino, asume con franqueza que ni su equipo ni él no consultaron a los artistas iraquíes para diseñar la escenografía del espacio: "¡Ningún comisario lo hace! El trabajo de un comisario es crear diálogos entre las obras, escribir una narrativa, que es la base de nuestro trabajo.” Por eso denuncia, ante la retirada de las obras de los artistas iraquíes, una "censura, contra las narrativas que intentamos construir con la Bienal". 

Por lo demás, se refiere al "principio fundamental de la libertad de creación de un artista", y denuncia "ese puritanismo que viene de Estados Unidos, donde el individuo que se siente indignado da rienda suelta a su sensibilidad pero no puede pensar colectivamente". 

Ante el malestar de los artistas iraquíes invitados, la dirección de la Bienal había propuesto inicialmente trasladar sus obras a otros museos de Berlín, alejados del laberinto de Lebel. Pero esta opción no ha sido suficiente para aliviar las tensiones. Attia también ha propuesto un debate en las próximas semanas para discutir los temas más tranquilamente. La carta abierta de Rijin Sahakian ha sido firmada hasta ahora por unas 400 personas. 

Por muy vivos que sean los intercambios de ideas sobre cómo exponerlas,  las imágenes de Abu Ghraib, casi veinte años después de su difusión, siguen penetrando muchas creaciones, y no sólo en Berlín. Desde la última película del estadounidense Paul Schrader, El contador de cartas (2021), sobre un antiguo torturador de Abu Ghraib perseguido por los crímenes que cometió, hasta el texto de Claudine Galea, Au bord, dirigido en 2022 por Stanislas Nordey, que intenta superar la obscenidad de estas imágenes.  

Caja negra

Thomas Schnee visitó la exposición en la Estación de Hamburgo el 21 de agosto. La entrevista con Kader Attia tuvo lugar el 19 de agosto. Rijin Sahakian no ha respondido a nuestras peticiones.

Traducción de Miguel López