En momentos como los actuales uno se satura (entiéndase bien) de información sobre dictadores, asesinos, amenazas, guerras, corrupciones, mentiras, jueces, políticos, genocidios, desinformación, bulos, etc… por favor, añada mentalmente lo que quiera sobre la línea de puntos …………………………….. Por ello, hace poco decidí desconectar brevemente yendo al teatro, a uno más o menos “clásico”.

Por el mismo precio podía ir al Teatro Real a ver (y oír) El mandarín maravilloso de Béla Bartók, o a uno de la Gran Vía a ver Escenas de la vida conyugal de Ingmar Bergman. Esta vez me decanté por recordar a ese autor que era un referente de juventud en cuanto a los cines de arte y ensayo.

El teatro exige del público un acuerdo implícito para aceptar el mundo y las reglas de la ficción, respeto a los demás asistentes, y una participación activa que va desde la atención y la concentración hasta la empatía y la reflexión, ya que la asistencia misma del público es lo que completa la experiencia teatral.

Pero, ¿y qué hay del empresario teatral y del propio público para con el espectador?... desde que Walter Benjamin sentó en 1936 las bases del análisis sociológico de la cultura de masas, y sobre ello Theodor Adorno y Max Horkheimer escribieron un capítulo dedicado a analizar la Industria Cultural subtitulado “Ilustración como engaño de masas”, el arte se va incorporando a la lógica del capitalismo y el mercado, con objeto de generar beneficio.

Existen buenos trabajos académicos para establecer una tipología de espectadores teatrales, en función de diversos tipos de prescriptores y del uso de múltiples canales de información, desde la crítica especializada, comentarios o reportajes, hasta el boca a boca. De ellos se desprende que el teatro tiene numerosos tipos de público derivados de la diversificación de la oferta. Un viernes cualquiera del pasado 2020, Madrid ofrecía más de 120 espectáculos. ¿Se nos ha ido de las manos la multiprogramación? “El CDN programa espectáculos a las 12h de la mañana en el fin de semana, el ex-WiZink Center programó Estirando el Chicle… Los más fuertes comercialmente amplían su rango de actividad, por horarios, por formatos…y  la sensación final es de una hiperinflación de oferta muy grande porque el departamento de audiencias del teatro trabaja mucho con segmentación de públicos …”

Y los públicos lo acusan. Veamos una primera muestra:

El retraso en el comienzo de la obra. Más de quince minutos antes de la hora de inicio de la representación, en el teatro se percibía polémica respecto a unas butacas en una de las primeras filas. Mientras los empleados mediaban, una señora permanecía estupendamente apalancada en su asiento y dos o tres señores estaban de pie junto a ella. Idas y venidas, pero nada efectivo. La obra empezaba a las seis de la tarde, y a esa hora aún había gente de pie en filas y pasillos. El problema no se solventó hasta pasadas las seis y cuarto de la tarde… cuando la señora abandonó la butaca y los caballeros se repartieron en el espacio, mientras el teatro, completo en su aforo, esperaba. ¿En silencio? no, esto es España, hubiera abochornado a los implicados, por favor... mientras tanto, muchos aprovechaban para saciar su necesidad de fotos con el móvil, variando los ángulos para captar el escenario hasta tropezar con las butacas contiguas.

Según Logroño y Llopis (2020), “el nuevo paradigma digital está afectando a las formas de participación cultural, dado que los cambios en los modos de comunicación de una sociedad afectan de manera significativa el acceso a los bienes simbólicos, así como a la legitimidad de las formas culturales (Ariño, 2010: 11). En este contexto, es de gran importancia averiguar cómo y en qué medida los muy diversos procesos sociales, económicos y culturales que se desarrollan en la actualidad, dan lugar a una transformación del público teatral (Fernández Torres, 2012)”. Una segunda muestra:

La interrupción de la representación. Ricardo Darín, en un momento dado de la obra, estaba hablando a su pareja, pero el sonido repentino de un teléfono móvil le calló, aunque antes tuvo tiempo de decir: creo que no estamos solos en el edificio... Quien fuera dueño/a del infernal aparatito tardó tanto en silenciarlo, y dudo que definitivamente lo apagase, no fuera que un posible mensaje del teléfono rojo le conminase a volar hacia Moscú, que el silencio de los intérpretes en el escenario fue clamoroso. Cuando cesó, Darín, retorciéndose bastante asqueado, dijo bien alto: Debería tener un arma… (pausa dramática) … ¡para suicidarme!... y, como buenos profesionales, ambos actores reanudaron su interpretación. Algunos espectadores, sin tablas para recomponer la cuarta pared, tardamos mucho más en recuperarnos de la vergüenza ajena.

Para muchas personas, de nada sirve que en la web del teatro se describa la obra como de “situaciones aparentemente divertidas que dentro ocultan un profundo dramatismo … elogiada por su profundidad psicológica”

Las palomitas en las que no pensó Bergman. ¿La comida y las bebidas prohibidas en el teatro?, en alguno no. Cuando en la fila de detrás se sientan cuatro “clientes” provistos de cajas inmensas de palomitas y grandes vasos de bebidas, ya sabes que lo vas a sufrir. Crujidos al masticar, ruidos al rascar la caja de cartón de las palomitas y comentarios para intercambiar provisiones. Desde el otro lado de la fila llega el crujido del papel celofán de caramelos, bollos, o quizá el envoltorio de un ramo de flores, vaya usted a saber qué.

En el imaginario social (García Arnau, 2019), “la idea común de que una estructura cultural de carácter industrial es tan inevitable como beneficiosa, es uno de los elementos en los que basa su propia fuerza”. Para Adorno y Horkheimer, cumple con el propósito de procurar estabilidad social, con el fin de perpetuar el orden de las cosas y abarcar un espacio social mayor.

Las conversaciones casi íntimas. Las imprevistas afinidades en la fila de delante, surgidas de la nada entre desconocidas sentadas a ambos lados de un espectador, te hacen partícipe de sus intimidades, porque lo son, sobre si Pedro Sánchez es el peor presidente que hemos tenido. Momentos desagradables por donde se mire.

El arte se somete a los principios del mercado: 

La iluminación de teléfonos y relojes inteligentes. Unos los encienden cada dos por tres por si sucede aquello de Moscú, otros se reacomodan con frecuencia y agitan el brazo, con el encendido automático de la pantalla del indispensable-reloj-inteligente. Esas fuentes de luz llegan por cualquier flanco y, finalmente, no sabes si ponerte las manos como orejeras o irte. Pero…he pagado un dineral por esta obra y las comisiones de gestión del “ticket”…, no quiero.

El arte ya no es tanto vehículo de comunicación de una idea; su nuevo objeto y razón de ser es la explotación económica y las sinergias económicas.

El comportamiento del público. Un espectador “dionisiaco” es aquel que crea la contagiosa ilusión de ser parte de la representación. Y el teatro (sobre todo el musical y el de monólogos) se parece, cada vez más, a un objeto de consumo. Cuando hablábamos del salón de la casa del espectador, era porque éste llega a pensar que la acción que se desarrolla frente a él no es en un escenario sino en su hogar, y comenta cuando el actor se comporta indignamente con su esposa-actriz o desatiende sus responsabilidades hacia los hijos-actores. Jacques Rancière en relación al espectador en general de nuestra sociedad (El espectador emancipado, 2008), dice que es preciso arrancar al espectador del embrutecimiento del observador fascinado y ensimismado en la empatía que le hace identificarse con los personajes de la escena.

Una necesidad fundamental del libre mercado es la mayor producción de individualismo consumidor. En definitiva, como afirmaba Jean Baudrillard, “el consumo es un poderoso elemento de control social porque logra atomizar a los individuos consumidores”. “Hay una vulgarización de las obras, de la cultura, las masas aceptan una cultura vulgarizada, y en el fondo todos salen perdiendo. A las masas se les asigna un papel de consumidores, lo cual es una forma de servidumbre involuntaria, pero servidumbre al fin”. La industria cultural, según Adorno, produce una homologación progresiva del gusto.

La ética del espectador en el teatro. En el siglo XVII en los corrales de comedias sucedía de todo, se comía, se reía, se abucheaba, y mucho más. Hoy día en determinados lugares y manifestaciones la cultura es muy cara, pero no solo el precio debe servir para respetarnos unos a otros, hay que ser consciente de que una sala de museo, de cine, de fotografía, de teatro, etc. no es el espacio privado de cada espectador. Todos pagamos, pero, de nuevo, nuestra libertad acaba donde empieza la de los demás, y el respeto hay que demostrarlo y ganárselo. Uno llega a tener la impresión de que parte del público se acerca al teatro solo porque actúa Darín, o quien sea en esa ocasión, olvidando que, a él y a su compañera de reparto, a Ingmar Bergman, y al resto de espectadores y empleados, se les debe un respeto… como en cualquier otro lugar.

El referido acuerdo entre el teatro y el espectador es activo, pero de silencio, de cortesía hacia el espacio y la función, mediante gestos sencillos como la puntualidad o el aplauso al concluir, no cada dos por tres (y no digamos en los conciertos). En definitiva, hay que hacer gala de una buena educación como persona y, específicamente, como espectador.

Y respecto al empresario teatral… ¿está seguro de que hace un favor al teatro, a su industria, vendiendo palomitas y bebidas? … (¿los nachos con queso para cuándo?)

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José Javier González es antropólogo y analista de la Fundación Alternativas.

“¿Sabes por qué nos gusta tanto la infancia? Porque en la infancia no hay pasado, por eso nos sentimos libres. El pasado nos agarra y no nos deja seguir”. Sabe de lo que habla el director iraní Ashgar Farhadi (Khomeini Shahr, 1972), ganador de dos premios Oscar y experto creador de personajes cautivos de su pasado. En él quedó grabada también una imagen que durante 15 años no pudo sacarse de la cabeza: los carteles de una niña desaparecida pegados por todo un pueblo del sur de España en el que veraneaba con su familia. Este viernes se estrena Todos lo saben, la película que ha trasladado a la pantalla aquella emoción que nunca ha podido olvidar.

El creador de la fantástica Nader y Simin, una separación (con la que se llevó su primer Oscar y el Oso de Oro, entre otros prestigiosos galardones), ha contado para este proyecto con la aristocracia de la interpretación española. El elenco suma dos Oscar, varios Goya y un buen puñado de nominaciones: Penélope Cruz, Javier Bardem, Ricardo Darín, Eduard Fernández, Inma Cuesta, Bárbara Lennie, Elvira Mínguez y Ramón Barea. Todos ellos componen un fresco familiar en el que los viejos rencores y las envidias siguen latiendo bajo una aparente cordialidad. 

En su habitual mezcla de drama y thrillerthriller, Farhadi narra el regreso de Laura (Cruz) desde Argentina a su pueblo natal para asistir a la boda de su hermana (Inma Cuesta). Un suceso inesperado trastocará todos sus planes, haciendo que las rencillas florezcan en el momento más innecesario. Como hiciera en A propósito de Elly, el director divide la obra en dos escenarios claramente diferenciados: el jolgorio inicial da paso a una asfixiante angustia que pondrá a prueba a todos los personajes. Al igual que en aquel trabajo, el iraní también concede a todos los personajes la posibilidad de justificarse frente al espectador. “Yo creo en el personaje gris, pero eso no quiere decir que lo malo y lo bueno estén al mismo nivel. Puede hacer algo que no compartimos, pero al menos le damos la oportunidad de que explique por qué lo hace”, ha explicado el cineasta en la charla que ha ofrecido este jueves en la Academia de Cine. Todos lo saben inauguró la última edición del festival de Cannes con críticas para todos los gustos.

Pese al reto que le supone hacer cine fuera de su país (en 2013 rodó en Francia El pasadoEl pasado), Farhadi ha reconocido muchas de las costumbres de su país en España. Antes de iniciar el rodaje, se pegó a un traductor y se instaló durante un año en Madrid para tratar de captar y entender todos los detalles de idiosincrasia española. “Las diferencias no son tantas como pensamos”, asegura quien destaca por saber transmitir a través de su cine sentimientos universales. Tampoco le supuso ningún obstáculo desconocer el idioma. “Los directores, para transmitir algo, hablan mucho y eso también puede dar lugar a malentendidos con los actores. Sin embargo, cuando no sabes un idioma, dices directamente lo que quieres”, ha confesado. “Eduard Fernández me contó que su padre pintaba y que, para imaginar los cuadros, cerraba los ojos. Es algo parecido a trabajar con actores con los que no compartes una lengua”.

No obstante, antes de meterse en faena, Farhadi habló mucho con sus actores y, sobre todo, les ofreció una “llave” en la que pudieran apoyarse a lo largo del rodaje. “Por ejemplo, Darín me preguntó por qué su personaje podía tener tanta fe en dios y, a la vez, tantas dudas. Así que le expliqué que estaba basado en el Hamlet, de Shakespeare, alguien que no puede decidir y al final se sacrifica. Él era Hamlet en un pueblo español”. La consigna para Bardem fue que entendiese a su personaje como un niño de 45 años; mientras que Cruz tenía que acercarse a Laura a través de la imagen de una loba que pierde a su cría: hace todo lo que pueda para encontrarla, pero no de manera pasiva, sino que también puede llegar a  morder.

Construir una historia a partir de una imagen

Estos flashes definen muy bien la forma de trabajar del iraní, que además del cine también dirige teatro. “En Nadir y Simin tenía la imagen de alguien lavando a su padre anciano y, en un momento, comienza a llorar y apoya la cabeza en el hombro de su padre. Quería convertir esa imagen en película y me empecé a preguntar por qué estaba solo ese hombre. Las respuestas a esa y otras preguntas me hicieron crear la historia”, ha utilizado de ejemplo. Tras el esbozo, Farhadi comienza a podar, a eliminar la información innecesaria, hasta encontrar el mensaje que quiere transmitir con esa historia. Es ahí donde aparece ese pasado que mantiene cautivas a las personas; pero también la amistad, el respeto al otro, el pudoroso rencor hacia quien se va del pueblo y prospera, la altivez sutil de quien vuelve al pueblo después de prosperar. 

Sobre otros aspectos de la industria, como la aparición y gran auge de plataformas como Netflix (Alfonso Cuarón acaba de ganar en el festival de Venecia con Roma, película producida por Netflix), Farhadi se ha mostrado bastante pesimista. Él, al igual que los responsables del festival de Cannes, considera imprescindible el paso previo por las salas de cine, debate clave en este asunto. Tampoco está muy satisfecho con el tipo de consumo de fomentan las series, pese a reconocer su calidad. “En las series todo es demasiado rápido, en cada minuto ocurre un suceso. Eso no permite que el espectador reflexione y, cuando te acostumbras, sólo disfruta al estar todo el rato emocionado y el cine le parece lento". Y advierte sobre ese necesario espacio para la reflexión: "Esto es peligroso. Las series están cambiando el gusto del espectador”.

Sin duda, el de Darín, el actor argentino más querido y popular en España, es un Donostia merecido, y con el mismo cariño recibido. El protagonista de El secreto de sus ojos, El hijo de la novia o TrumanEl secreto de sus ojosEl hijo de la noviaTruman, no muy predispuesto a hablar con los medios de uno en uno, agradeció la deferencia diciendo que este homenaje es "algo muy lindo", que le ha obligado a "mirar hacia atrás", cosa que normalmente no hace, "y recordar cosas, sensaciones, abrazos, amores...".

Darín, con pelo y barba poblados por exigencias de la película que filma en Madrid a las órdenes del iraní Asghar Farhadi, junto a Penélope Cruz (su mujer en la ficción) y Javier Bardem, llegó acompañado por La cordillera, la película que estrenó en Cannes, dirigida por Santiago Mitre, en la que interpreta a un particular presidente argentino "de provincias" enfrentado a los compromisos del poder.

"No puedo creer que todos los políticos sean unos hijos de puta. Soy de los ingenuos que cree que hay un montón de funcionarios públicos que se levantan y bregan por el bien común, pero tenemos un 10% de hijos de puta que nos están aplastando la cabeza", comentó Darín, quien, sin mojarse directamente en política, ha mantenido desde hace años una postura crítica respecto a las injusticias en su país.

Una vez más, el astro argentino mostró su cansancio sobre la otra cara de su moneda actoral, el anverso de los premios, los éxitos de taquilla y el prestigio, es decir la fama y la presión mediática: "No hay nada que disfrute más que estar con mi familia y tengo la sensación de que cada vez me cuesta más. Tiene que ver con cierta parafernalia alrededor de los personajes que trabajan en cine y teatro y no con el oficio en sí. A mí no me interesa la vida de los actores, me interesa su trabajo", sentenció.

El Día Darín ha elevado las críticas entre los enviados especiales de los medios sobre el cierto descontrol que exhibe la programación del festival, con jornadas de tres películas, con pases en cines y horarios diversos, frente al de este martes, con una sólo película y el horario estelar para La cordillera, que no va a concurso. El Festival de San Sebastián ha crecido mucho... demasiado. Se está volviendo inabarcable y difícil de seguir sin perderse eventos relevantes. Algunos de los festivales más importantes, como el de Toronto, han asumido que mayor no es necesariamente mejor, y han empezado a reducir su programación. Las películas fuera de concurso o proyecciones especiales no son equiparables a las de otros festivales internacionales, y el otro día un director francés protagonizó una espantada en su rueda de prensa cuando encontró la amplia sala de medios casi vacía. Ojalá, tras el festival, el director José Luis Rebordinos reflexione e imponga una agenda menos agobiante y más ordenada para que tanto esfuerzo no acabe diluido en el desconocimiento público.

Volviendo al filme del día, Pororoca, del rumano Constantin PopescuPororoca, es un largo melodrama que con paciencia de entomólogo realiza la autopsia de una relación de pareja y la crisis personal de un padre con sentimiento de culpa tras la súbita desaparición de su hija pequeña en un parque público. La acción se desarrolla a diferentes ritmos para seguir al hombre durante cerca de dos meses, reducidos a dos horas y media de metraje, bregando con su sentimiento de culpa, mientras intenta encontrar a su hija ante el desinterés policial. Popescu confesó que planea estrenar en su país una versión "extendida", porque en la "internacional", la exhibida aquí, "faltan cosas". Nos echamos a temblar... Uno puede entender que para contar el desembarco de Normandía o la Revolución rusa se necesiten tres horas de metraje, pero probablemente otro director podría contar esta historia en hora y media, y hasta quedaría mejor.

© Carolina G. Guerrero (San Sebastián) —NOTICINE.com

Aunque made in Spain, las películas candidatas a llevarse un cabezón en la gala de este sábado comparten un mínimo común denominador: su carácter internacional, un elemento palpable desde el reparto –véase Nadie quiere la noche o Un día perfecto-; hasta las localizaciones, como La novia, una coproducción hispano-germana, rodada entre la Capadocia turca y el desierto aragonés de Los Monegros. Así, en nominaciones tan relevantes como las que premian el trabajo de los actores y actrices, podemos encontrar a Juliette Binoche, candidata al Goya por su trabajo en el último largometraje de Isabel Coixet, y que ya ha confirmado su asistencia a la gala del sábado; o Tim Robbins (que también asistirá), por su papel como cooperante internacional durante la guerra de los Balcanes, en Un día perfecto. En infoLibre repasamos algunas de las películas de 2015 que han traspasado fronteras:

Nadie quiere la noche, de Isabel Coixet

La directora catalana ya nos tenía acostumbrados a elencos internacionales desde que en 1996 estrenase Cosas que nunca te dije, con Lili Taylor y Andrew McCarthy. Una tendencia que se ha ido acentuando según engrosaba su filmografía. Su anterior película, Mi otro yo, estaba protagonizada por la actriz británica Sophie Turner (Juego de tronos), y entre el casting también destacaba la presencia de Jonathan Rhys Meyers (Los Tudor). Otro ejemplo es Mi vida sin mí (2003), una coproducción entre España y Canadá, que consiguió llevarse dos Goyas, por el guión y la música; o Elegy (2008), protagonizada por Penélope Cruz y Ben Kingsley. Aunque bien es cierto que esta última, además de Aprendiendo a conducir (2014), eran películas de nacionalidad estadounidense.

En Nadie quiere la noche, Coixet narra la expedición al Polo Norte de Josephine Peary, una intrépida mujer que viaja hasta allí para reencontrarse con su marido, el explorador Robert Peary, a principios del siglo XX [puedes leer aquí el reportaje que publicamos en el número de enero de tintaLibre sobre Josephine y la plasmación cinematográfica de su periplo en el Ártico]. La cinta opta a llevarse el Goya en nueve categorías, incluyendo la de mejor película y dirección.

Un día perfecto, una cooperación internacional de forma y fondo

Rodada en inglés, Un día perfecto -el regreso de Fernando León de Aranoa después de estar cinco años fuera de la cartelera tras el estreno de Amador- cuenta también con un reparto internacional (Benicio del Toro, Tim Robbins, Olga Kurylenko, Mélanie Thierry), donde destaca Sergi López, el único actor español del casting. Aunque fue filmada en España, concretamente en el parque natural de Sierra Nevada (Granada) y con equipo técnico español, la trama de la película es totalmente internacional. 

Un día perfecto narra 24 horas en la vida de un grupo de cooperantes de diferentes países durante la guerra de los Balcanes y las dificultades que encuentran para llevar a cabo su labor. León de Aranoa, según explicó en una entrevista para infoLibre, esperó durante un año a Tim Robbins y Benicio del Toro para poner en marcha el rodaje, ya que era complicado cuadrar la agenda de ambos actores. Pese a la demora, el director de Princesas tenía claro que los papeles de Mambrú (Del Toro) y B (Tim Robbins) encajaban perfectamente con la vis cómica de ambos intérpretes. Precisamente, Tim Robbins podría llevarse el cabezón por su candidatura a mejor actor de reparto.

La novia, una adaptación internacional para un autor sin fronteras

Bodas de sangre, estrenada en 1933, es una de las obras de Federico García Lorca más universales y han sido varios los directores que han querido trasladar a la gran pantalla la imaginería lorquiana ("la luna, la tierra, el polvo, los cristales, la sangre, los cuchillos, la boda, la fiesta…"). El primero en atreverse fue el argentino Edmundo Guibourg en 1938, con Margarita Xirgu en el papel de novia. Precisamente, la actriz española ya había llevado las obras del poeta de Fuentevaqueros por toda Sudamérica antes del estallido de la Guerra Civil. Posteriormente, en 1976, el marroquí Souhel Ben Barka también llevaría al cine esta tragedia, con la actriz griega Irene Papas como protagonista. En España, la primera adaptación fue la que dirigió Carlos Saura en 1981, con Antonio Gades, Cristina Hoyos y Pepa Flores; y fue también la primera de las tres películas que el director dedicó al flamenco.

La última en llevar al cine la lírica lorquiana ha sido Paula Ortiz con La novia, una coproducción hispano-germana, nominada en 12 categorías. El segundo largometraje de la directora aragonesa, parte como uno de las favoritos, después del espaldarazo que supusieron los premios Feroz, donde lograron seis de los nueve galardones a los que optaban.

Coproducciones iberoamericanas, un clásico de los Goya

Más habituales son las colaboraciones entre España y América Latina. El año pasado, destacó la hispano-argentina Relatos salvajes, dirigida por Damián Szifrón y producida por los hermanos Almodóvar a través El Deseo. Ricardo Darín se vuelve a colar en los Goya de este año con TrumanTruman, donde comparte trama con Javier Cámara. La película dirigida por Cesc Gay opta a seis galardones, incluidas la de mejor película, dirección y actor protagonista (Darín, que también ha confirmado su asistencia a la gala).

A pesar de su discreto paso por la cartelera, El rey de La Habana de Agustí Villaronga, estrenada el pasado mes de octubre, cuenta con tres nominaciones: actriz revelación, dirección de fotografía y mejor guión adaptado. El director de Pa negre recrea en esta cinta la vida de Reinaldo, un adolescente que escapa de un correccional de menores y se zambulle en las calles de La Habana en un momento complicado para la isla, la década de los noventa, fuertemente castigado por el colapso de la Unión Soviética. La cubana Yordanka Ariosa está nominada a actriz revelación por este filme.

Palmeras en la nieve

terminó enero como la cuarta película más vista, según Rentrak, después de cinco semanas en cartelera; y ha conseguido cinco nominaciones, entre ellas, mejor dirección de producción y artística, vestuario, maquillaje y peluquería. La película -en la que actúan Mario Casas, Adriana Ugarte, Berta Vázquez y Macarena García- sitúa la trama en la ciudad guineana de Bioko (Fernando Poo, por aquel entonces), durante el proceso de transformación de la colonia española en provincia y, finalmente, en un país independiente. Parte de la película fue rodada en Colombia, gracias a las ayudas al cine que promueve el Estado colombiano.

Tres actores iberoamericanos han visto recompensadas sus interpretaciones en la 63 edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, clausurado este sábado con la concesión de la Concha de Oro al drama de madurez escandinavo Sparrows. El argentino Ricardo Darín y el español Javier Cámara lograron el galardón masculino, ex aequo, por Truman, de Cesc Gay, mientras la cubana Yordanka Ariosa obtuvo el de la mejor actriz por El rey de La Habana.

Joachim Lafosse

fue declarado mejor director por el drama basado en hechos reales Les Chevaliers Blancs, y la recompensa más sorprendente del palmarés fue el Premio Especial del Jurado a Evolution, de Lucile Hadzihalilovic, cinta que no gustó a casi nadie.

Al contrario, la pareja principal intérprete de Truman, la cinta más aplaudida del festival (y el premio también más calurosamente saludado por el público del Kursaal), sí partía como favorita. Ricardo Darín y Javier Cámara conformaron una dupla de gran química al frente de una historia agridulce sobre la vida y la proximidad de la muerte en la película de Cesc Gay, estrenada mundialmente en Toronto.

Para la cubana Yordanka Ariosa, muy emocionada por el premio más importante de su carrera, "El rey de La Habana" es su segundo filme, tras Boccaccerías Habaneras, de Hugo Sotto. "Nada justifica que esta película no se estrene en La Habana", había dicho la actriz días atrás al presentar la película, que no obtuvo los permisos para ser filmado en la capital cubana por el descarnado retrato que hace del lumpen durante el llamado "período especial" iniciado en los años noventa tras la caída del régimen soviético. "Pienso que ya es hora de acercar al público cubano a esas cosas que también sucedieron. No digo que basta ya de cine que te divierta y no te deje pensar; pero el cine también tiene que mostrar lo que Cuba vivió y que de alguna manera bloqueó a muchas personas", afirmó también entonces Ariosa.

La ganadora de la Concha de Oro, Sparrows, de Rúnar Rúnarsson, coproducción entre Islandia, Dinamarca y Croacia, fue aplaudida en su día, pero no estaba en demasiadas quinielas. Se trata de la historia de maduración de un adolescente, Ari, quien, tras haber estado viviendo con su madre en Reikiavik, es enviado de vuelta a la remota e inhóspita región de los fiordos occidentales para vivir con su padre, Gunnar. Allí tiene que lidiar con la difícil relación con su padre y encuentra cambiados a sus amigos de la infancia. En ese ambiente desesperanzador, Ari tiene sus primeras experiencias en el amor, el sexo y las drogas. Se trata de la segunda cinta de Rúnarsson, quien debutó con Volcano en Cannes hace cuatro años.

El palmarés oficial recoge otros galardones para Manu Dacosse por la fotografía de Evolution; y para los guionistas (y directores) de 21 nuits avec Pattie, Arnaud y Jean-Marie Larrieu, así como una mención especial a El Apóstata, del uruguayo Federico Veiroj.

En el resto de los apartados, el premio de Nuevos Directores fue para la francesa Le Nouveau, de Rudi Rosenberg, con una mención a la chilena Vida sexual de las plantas, de Sebastián Brahm.

El Premio Horizontes, de la sección del mismo nombre reservada a filmes latinoamericanos ya presentados en otros festivales, correspondió a la argentina La patota / Paulina, de Santiago Mitre, con una mención especial al actor Luis Silva por la cinta venezolana-mexicana Desde allá, de Lorenzo Vigas, y otra al filme de Julio Hernández Cordón Te prometo anarquía.

Finalmente, el japonés Hirokazu Koreeda logró el Premio del Público, en el apartado Perlas, por Umimachi Diary.

He aquí lo más destacado de la muy amplia lista de premios:

- Concha de Oro a la mejor película:

Sparrows, de Rúnar Rúnarsson (Islandia-Dinamarca-Croacia)

- Concha de Plata al mejor director:

Joachim Lafosse por Le chevaliers blancs

- Concha de Plata a la mejor actriz

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Yordanka Ariosa por El rey de La Habana

- Concha de Plata al mejor actor (ex aequo):

Ricardo Darín y Javier Cámara por Truman

- Premio Especial del Jurado

:

Evolution, de Lucile Hadzihalilovic

- Premio del Jurado al mejor guión:

Arnaud y Jean-Marie Larrieu por 21 nuits avec Pattie

- Premio del Jurado a la mejor fotografía:

Manu Dacosse por Evolution

- Mención Especial del Jurado:

El apóstata, de Federico Veiroj

Y en cuanto a los premios no oficiales:

- Premio Nuevos Directores:

Le nouveau, de Rudi Rosenberg

Menciones especiales: Drifters, de Peter Grönlund y Vida sexual de las plantas, de Sebastián Brahm

- Premio Horizontes:

La patota / Paulina, de Santiago Mitre

Menciones especiales: Luis Silva por Desde allá y Te prometo anarquía, de Julio Hernández Cordón

- Premio Irizar al cine vasco:

Amama, de Asier Altuna

Mención especial: Irene Escolar por Un otoño sin Berlín

- Premio del Público

:

Nuestra hermana pequeña / Umimachi Diary, de Hirokazu Kore-eda

Premio del Público a la mejor película europea:

Mountains May Depart, de Jia Zhang-ke

- Premio FIPRESCI de la crítica internacional:

El apóstata, de Federico Veiroj

- Premio de la Juventud:

La patota / Paulina, de Santiago Mitre

- Premio Cooperación Española:

La tierra y la sombra, de César Augusto Acevedo

La chilena de Sebastián Lelio Gloria y el actor mexicano Eugenio Derbez resultaron los principales triunfadores de la primera edición de los Premios Platino del Cine Iberoamericano, entregados en la noche del sábado en Ciudad de Panamá. La cinta sobre una mujer madura que se resiste a no encontrar el amor obtuvo los galardones a mejor película, actriz (Paulina García) y guión (del propio Lelio y Gonzalo Maza). Por su parte, Derbez, omnipresente durante la gala, fue el inevitable ganador del premio al mejor actor, superando entre otros a Ricardo Darín y Javier Cámara. Otro mexicano, Amat Escalante, logró el Platino al mejor director, mismo galardón que obtuvo en Cannes el año pasado.

Argentina se llevó tres recompensas: dos para Metegol / Futbolín (mejor filme de animación y banda sonora), y una para Wakolda / El médico alemán (mejor coproducción iberoamericana). Finalmente, el premio al mejor documental fue para el español Con la pata quebrada, de Diego Galán, y el ya conocido previamente Platino de Honor para la estrella brasileña Sonia Braga.

La gala, conducida por la actriz y cantante Alessandra Rosaldo y el periodista de CNN Juan Carlos Arciniegas, se prolongó durante dos horas, y estuvo amenizada por las actuaciones de populares nombres de la canción hispanoamericana como Carlos Vives, Shayla Dúrcal, Carlos Baute, Diego Torres y Fanny Lou.

Los organizadores, la Entidad de Gestión de Derechos de los Productores (EGEDA) y la Federación Iberoamericana de Productores (FIPCA), dijeron que la ceremonia, cuyos resultados fueron fruto de la decisión de un jurado compuesto por 18 personalidad del cine y la cultura iberoamericana, fue retransmitida en vivo o en diferido por más de una quincena de canales de todo el mundo, desde Estados Unidos hasta España, pasando por los principales países latinoamericanos.

El objetivo era poner en marcha una iniciativa necesaria, y se hizo con dignidad, aunque se echó en falta un marco de mayor grandiosidad (el teatro del Palacio de Convenciones de Panamá tiene un reducido escenario y patio de butacas), y un guión más logrado. Derbez, la figura más popular de la gala tras el enorme éxito en Estados Unidos y México de No se admiten devoluciones / Instructions not included, sostuvo sobre sus hombros los momentos más divertidos del evento, y vio coronado su esfuerzo con la guinda para el suceso personal de su debut como director, un premio que no obtuvo antes ni en su propio país.

Este es el palmarés de la primera edición de los Premios Platino:

Premio Platino a la Mejor Película Iberoamericana de Ficción

Premio Platino a la Mejor Dirección

Premio Platino al Mejor Guión

Premio Platino a la Mejor Interpretación Masculina

Premio Platino a la Mejor Interpretación Femenina

Premio Platino a la Mejor Música Original

Premio Platino a la Mejor Película de Animación

Premio Platino a la Mejor Película Documental

Prohibido pestañear. Steven Soderbergh ha anunciado que tras Efectos secundarios se despide del cine. No sabemos las razones, pero la teoría del agotamiento podría cobrar sentido si tenemos en cuenta que, desde que debutara con Sexo, mentiras y cintas de vídeo (1989), ha dirigido casi treinta películas. En su prolífica filmografía ha alternado proyectos experimentales –como The girlfriend experience– con otros más comerciales –la saga Ocean`s Eleven– en los que, además, ha adaptado su no-estilo a la historia que estaba contado. Tras Magic Mike, relato de ascenso y caída que utilizaba un grupo de strippers masculinos como reclamo, estrena este heterodoxo thriller difícil de etiquetar en el que ha reunido a un cuarteto de estrellas con ganas de darle un poco de prestigio a sus carreras: Rooney Mara, Jude Law, Catherine Zeta-Jones y Channing Tatum. En él denuncia los abusos de la psicofarmacología y las (habituales) malas praxis psiquiátricas, pero en lugar de caer en cine social más panfletario o simplón, el cineasta ha articulado un inquietante rompecabezas alejado de los estándares de Hollywood en el que sus continuos giros de guión impiden el pestañeo del espectador. Steven: ¡replantéate la jubilación!

Litros de sangre bien empleada. El concepto de remake resulta tan problemático como contradictorio, porque normalmente se hacen sobre película que son clásicos y que, como tal, son inmejorables. ¿Qué hay detrás de esta estrategia entonces? Está claro: el dinero. O siendo menos prosaicos: el intento de descubrirle a una nueva generación un título que, de otro modo, nunca recuperarían. El caso más extremo (y desconcertante) de remake fue el que Michael Haneke hizo de su Funny Games, volviendo a rodar, plano a planoFunny Games, la misma película para, según él, llegar al público americano.

La fidelidad de Posesión Infernal (Evil dead) al filme de culto de Sam Raimi –que ejerce de productor– no es tan obvia, pero el resultado es una reinterpretación digna de celebrar por los cinéfagos más extremos. Pese a perder parte del sentido del humor del original –y, por tanto, parte de su componente lúdico–, se nota que detrás hay un director que ha huido de los efectos de posproducción y sonido que dominan el cine de terror actual para volver a las esencias del género. Es verdad que la inventiva del uruguayo Fede Álvarez –que fue descubierto por Raimi tras colgar en Youtube su corto Ataque de pánico!- es muy limitada, pues todo estaba en el original, pero al menos ha repetido la proeza de su predecesor: realizar un demencial tour de force estilístico en el que, como novedad, late cierta influencia del terror japonés en el diseño de sus poseídas. Casi todo transcurre en el interior de una cabaña, pero gracias a su caligrafía visual consigue que, entre bote y bote, nos quedemos pegados a la butaca. También sorprende lo extremadamente gore que es para tratarse de un producto tan comercial. La música, por cierto, es del español Roque Baños.

Un traje a su medida. Ricardo Darín vuelve a demostrar su versatilidad en Tesis sobre un homicidio, thriller criminal diseñado a la altura de su talento. En Argentina ha sido un éxito de taquilla y es probable que aquí también lo sea dado el tirón del actor, que tras interpretar con credibilidad a un ferretero con pocas luces en Un cuento chino hace lo propio con un personaje que está en las antípodas: un profesor de Derecho Penal de extrema inteligencia y grandes dotes de seducción.

Dirigido por desconocido Hernán A. Golfrid, que evita imprimirle cualquier mirada al material y le cede el protagonismo a los actores, el filme comienza con algunas reflexiones sobre la justicia –impartidas por el siempre hipnótico profesor Darín– sumamente interesantes, hasta que un asesinato cometido en las puertas de la facultad activa una trama que gira en torno al hitchcockiano argumento del crimen perfecto. El principal sospechoso es un brillante alumno interpretado por un Alberto Ammann decidido a aprovechar el tirón de Celda 211. A partir de aquí todo transcurre sin demasiadas sorpresas hasta llegar a un final insatisfactorio, pero todo se ve con interés gracias a su solvencia técnica y el trabajo de sus actores.

La vida de la otra. Pese a estar ambientada en la Alemania del Este, Bárbara es muy diferente de éxitos recientes como, por ejemplo, La vida de los otros. El propio Christian Petzold, que ganó el Oso de Plata en Berlín por este trabajo, ha confesado que no le gustaba la visión tan grisácea que estos títulos daban del tema. En su película se evita cualquier tipo de símbolo o contextualización, aunque el miedo, los secretos, las mentiras y lo silencios siguen estando allí.

La protagonista –interpretada por Nina Hoss con una mezcla de fragilidad y frialdad– es una hermética pediatra varada en un pueblecito de la RDA mientras espera un permiso que le permita establecerse en Occidente. Allí conoce un doctor y una desafortunada paciente que pondrán a prueba su desconfianza. Al director, más que hablar de este periodo histórico, lo que le interesa es ver cómo se desenvuelven los seres humanos en unas circunstancias muy concretas, cómo en el lugar más inesperado puede surgir lo mejor de cada uno. Lo hace con una puesta en escena precisa en la que cada gesto cuenta y en la que es más importante lo que se calla que lo que se dice. Un trabajo notable pero no apto para todos los públicos. 

Un sesenta y nueve amoroso. Hay películas que están basadas en una idea genial, pero que finalmente se quedan en nada por culpa de un mal guión. Un amor entre dos mundos podría ser una de ellas. La segunda película del argentino Juan Diego Solanas tras la excepcional Nordeste es una producción canadiense parte de un high-concept en toda regla: Jim Sturgess y Kirsten Dunst interpretan a dos enamorados que que viven en dos mundos diferentes, uno acoplado encima del otro, con gravedades y clases sociales antagónicas. Esto le da pie a desarrollar una deslumbrante arquitectura visual y diseñar un mundo distópico con ecos del Brazil de Terry Gilliam, pero si todo se va desintegrando poco a poco es por un guión que sucumbe a la metáfora fácil y manda al traste el planteamiento inicial, los personajes y su romance imposible. Una pena. 

De niña prodigio a mujer. Ser un niño prodigio no es tarea fácil, tal y como se desprende de No soy una estrella del rock, documental en el que la canadiense Bobbi Jo Hart –que en trabajos previos abordó temas como enfermeras en Pakistán o tenis femenino– ha seguido durante ocho años la trayectoria de la joven pianista Marika Bournaki. A la dificultad propia de cualquier proceso de maduración hay que sumarle la presión del entorno familiar –capitaneada por unos padres que, tal y como manda el tópico, son artistas frustrados– y el trauma que supone dejar de ser un genio para convertirse en una mujer. Curioso.

Cartón piedra al servicio de la fe. Financiada en parte por los Knights of Columbus, una de las mayores organizaciones católicas en México y EEUU, Cristiada podría formar parte de una cruzada cinéfila al servicio de la fe que se estaría llevando a cabo con títulos como la reciente Moscati, el médico de los pobres.

La película más cara hecha en México recrea la Guerra Civil que estalló en el país en 1926 por la persecución que sufrió la Iglesia católica por parte del Gobierno mexicano. Dirige el debutante Dean Wright, gurú de los FX gracias a títulos como Titanic o El señor de los anillos, que aquí sucumbe al lenguaje panfletario (al grito de “¡Viva Cristo Rey!”), la elefantiasis narrativa y un look digno de Amar en tiempos revueltos. Aunque, más allá de reafirmar a los creyentes en su fe, su existencia también ha servido para darle trabajo a actores a la baja como Andy Garcia, Eva Longoria o un Peter O'Toole con alzacuellos.