Yo siempre a veces desarrolla una historia en orden cronológico, una opción narrativa curiosa cuando se quiere contar una maternidad y esta no aparece en el primer episodio, el de la fecundación.

Este comienzo puede despistar y que haya espectadores que no sigan con los siguientes. Estaba pensado como cuarta entrega y quizá ese hubiera sido su lugar ideal.

Porque lo que sería una pena es quedarse sin descubrir que la serie no hace más que mejorar y que consigue una enorme simpatía por su protagonista y su peripecia. Es un episodio bonito, con una dirección notable, pero ajeno al resto de la historia.

Javier Calvo y Javier Ambrossi, los Javis avalan esta serie de Movistar+, de seis episodios cortos, de las Martas, Marta Bassols y Marta Loza, guionistas y amigas a pesar de reconocer potentes discusiones creativas.

En entrevista a El contraplano, Loza cuenta que fue observar a su amiga Marta Bassols desarrollar su maternidad, la primera del grupo, a la vez que se planteaba la propia lo que le llevó a proponerle desarrollar este proyecto.

En él nos cuentan la historia de amor, cuidados y responsabilidad de una madre que tiene que lidiar con un contexto muy hostil y muy reconocible. El problema de encontrar un piso, de compatibilizar los cuidados con un horario laboral, de tramitar ayudas públicas y la falta de apoyo del padre de su hijo llevan a Laura a una precariedad que sabemos que es muy real en las madres solteras.

Laura es una heroína imperfecta. Una luchadora inquebrantable que emprende un viaje épico, tormentoso, casi imposible, pero que mantiene unas prioridades innegociables. Laura es esa madre que tiene la casa desordenada, que llega tarde a todo, que no se cuida y que sostiene el mundo con su amor y su tesón.

Bassols y Loza han hecho mucha reflexión intelectual sobre lo que querían contar, pero han sabido luego traducirlo en estampas vivas, naturales y creíbles. Todos los personajes meten la pata, pero a todos los entendemos e incluso disculpamos.

La serie se cimenta sobre una protagonista espléndida. La actriz amateur Ana Boga. En Los lunes seriéfilos, Bassols, Loza y la directora Claudia Costafreda explican que en el proceso de selección vieron en ella al personaje y que su comportamiento en el rodaje ha sido como el de una veterana profesional.

Todo un acierto esta apuesta por una cara tan nueva y una intérprete con tanto talento que cuesta no creer que estamos viendo una representación y no algo real, a la propia Laura.

Lo mismo ocurre con la dirección de bebés. Algo temido con razón por muchos equipos y que aquí las directoras resuelven impecablemente. Loza ha manifestado que “había que parar todo y esperar a los niños, como si fuera un documental de naturaleza de La 2. Requería mucho silencio, amor y paciencia”.

Tanto la protagonista como una de las directoras llevaban a sus hijos al rodaje, corrigiendo en la realidad la situación que se denuncia en la serie, ayudando a conciliar.

En la promoción de la serie en Moobys, los protagonistas, Ana Boga y David Menéndez dan una aproximación a su forma de desprenderse de los prejuicios a la hora de interpretar personajes.

Boga cuenta como le explica a su propio hijo las motivaciones de algunos comportamientos en ficción. Cuando éste le dice que el pez que se comió a la madre de Nemo en la película de Pixar es malo ella le corrige: “No, cariño, tenía hambre”.

Ellos tienen relativamente fácil buscar el lugar desde el que se actúa en la serie porque viene muy bien dado por los guiones. En el caso de David Menéndez, su personaje es egoísta e infantil como progenitor, pero su proceso se entiende y reconoce perfectamente.

Loza ha comentado también que tiene un concepto antipunitivista para crear personajes, al menos en esta ocasión. Aquí todo el mundo mete la pata, todo trae consecuencias complicadas y hace daño, pero a la vez lo están haciendo lo mejor que pueden.

Hay algo muy equivocado en la forma de organizar una sociedad que pide natalidad, que dice apoyar a la familia, que se supone que valora los cuidados y donde todo eso se puede convertir en un calvario a poco que falle la red de apoyos personal.

A falta del estreno el día 15 en Apple TV de Margo tiene problemas de dinero, su nueva serie, Nicole Kidman acaba de presentar Scarpetta, en Prime Video. Y se trata de un producto representativo de aquellos que la actriz ya ha convertido en un género.

Kidman encabeza una vez más un reparto de relumbrón en la que ella es pieza clave. Aparece, como suele, seductora e inteligente, enigmática y con turbios secretos en su pasado.

Scarpetta ha funcionado muy bien en su estreno según la plataforma y ya se está rodando la segunda temporada. Se firmaron dos desde el inicio. Kidman interpreta la versión presente de una brillante forense que se enfrenta a lo que recuerda al asesino en serie que ya contribuyó a encarcelar hace más de veinte años.

La serie se basa en varias novelas de Patricia Cornwell, autora superventas, especialmente con las novelas de este personaje, Scarpetta. La autora hace un cameo en el primer episodio, tomando juramento a la protagonista.

La acción se cuenta en dos líneas temporales, la actual y una décadas anterior, con diferentes intérpretes para cada personaje. En el tiempo presente Kidman está acompañada nada menos que por la deliciosa Jamie Lee Curtis como su inestable hermana, por Simon Baker (El mentalista), como su esposo y por Bobby Cannavale como su cuñado y colaborador.

Juntos dan brillo a una trama muy entretenida aunque un poco rebuscada e hilada a veces por los pelos. La serie aporta ese confort de lo conocido y esa insatisfacción de lo previsible que empiezan a ser comunes a muchos títulos, y especialmente a los de Kidman.

Se repite como una variación de la misma melodía una fórmula en la que la hemos visto como gurú de la meditación y las drogas psicotrópicas en Nine perfect strangers.

La hemos conocido como protagonista de un asesinato en La pareja perfecta, en lo que The Guardian definió como “elegante drama detectivesco” y los espectadores calificaron bastante más duramente.

Ha sido anteriormente protagonista, de nuevo, rica, eso siempre, desplazada a Hong Hong, en Expatriadas, en un drama de lujo y conciencia social, y en la fallida antología Roar, en la que protagonizó uno de sus alegóricos episodios. Y la hemos visto en The undoing, junto a Hugh Grant, millonaria una vez más, esta con una mansión de ensueño a los pies del neoyorkino Central Park descifrando un oscuro misterio.  

Todos estos títulos se han producido durante lo que llevamos de esta década de los años veinte. Además, la intérprete ha hecho varias películas, algunas de las cuales han ido en la misma dirección. Esta potente obra ha ido configurando el género Nicole Kidman.

Mujeres adineradas, fuertes y vulnerables a la vez, moralmente ambiguas y posiblemente peligrosas que provocan un efecto magnético y perturbador en su entorno.

Todo encarnado en una actriz que ya no puede fruncir el ceño ni cerrar los ojos, que no tiene patas de gallo, surco nasogeniano, ni poros, con tanta intervención estética. Que fía su buen hacer, que sigue teniendo en abundancia, a su voz susurrante, a su particular energía cinética y a una presencia escénica distintiva e interesante. 

Hay que felicitar a Kidman por su espectacular capacidad para conseguir papeles principales en una industria que solía condenar a la mujer madura al ostracismo. La australiana fue una de las protagonistas de Big little lies, en 2017, probablemente la serie que inauguró un nuevo paradigma.

En aquella ocasión Reese Witherspoon y la propia Kidman se hicieron con los derechos de la novela de Liane Moriarty en la que se basó el guion y contaron para el desarrollo con el productor, guionista y director David E. Kelley. Kelley ya era uno de los reyes indiscutibles de la televisión, autor de La ley de Los Ángeles o Ally McBeal.  

Los tres juntos descubrieron un nuevo nicho, series de lujo y sufrimiento, con un reparto de caras conocidas, destinadas principalmente a mujeres, pero no solo, y a menudo basadas en novelas.

Las plataformas televisivas se liberaron del yugo de las salas de cine que oscilaban entre los taquillazos para audiencias juveniles, las películas de acción de alto presupuesto, casi siempre masculinas y los pequeños dramas de prestigio y cada vez más difícil ubicación en pantalla grande. 

En televisión, en cambio, hay una parte suficiente de la audiencia que está encantada de ver productos adultos con fuerte presencia femenina. Witherspoon y Kidman fueron de las primeras en apostar por ello decididamente y cada cual tomó después su camino.

Han comenzado nuevas carreras en las que tienen mucho más peso como promotoras de los proyectos y se garantizan la continuidad que quieren también como actrices.

Kidman ha seguido colaborando con David E. Kelley en numerosas ocasiones. Con él tendrá un nuevo papel, esta vez menor, en su nueva serie, Margo tiene problemas de dinero.

En esta ocasión, la esposa de Kelley, Michelle Pfeiffer, se va a convertir en la adulta principal de la serie, a la vez que protagoniza The Madison, en lo que supone otro empujón destacado a su carrera televisiva. Una nueva estrella de Hollywood que encuentra en las series lo que el cine es incapaz de ofrecer.

Shane Hollander e Ilya Rozanov son las dos mayores estrellas de la liga de hockey sobre hielo. Dos hombres que, quieran o no, están unidos por la ambición y la rivalidad, y también por una atracción magnética que ninguno de los dos comprende del todo. Lo que comienza como una aventura secreta entre dos novatos se convierte en un viaje de años de amor, negación y autodescubrimiento. Mientras pelean por la gloria en la pista, luchan por comprender sus sentimientos mutuos en un entorno en el que, como sabemos porque lo vemos todas las semanas, la homofobia campa a sus anchas: el deporte profesional de máximo nivel.

Esta es la trama troncal de Más que rivales, la serie (canadiense) del momento a nivel internacional que acaba de llegar a nuestro país a través de Movistar Plus+, basada en las ya de por sí exitosas novelas Game Changers de Rachel Reid. Un fenómeno televisivo protagonizado por Connor Storrie y Hudson Williams como dos jugadores de la National Hockey League (NHL), competición formada por franquicias de Canadá y Estados Unidos en la que solo un jugador, Luke Prokop, en 2021, de perfil medio-bajo, se ha declarado abiertamente gay en más de un siglo de historia.

Secretismo, encuentros clandestinos, gente guapa con poca ropa, sentimientos a flor de (mucha) piel en perfectos cuerpos masculinos. Los ingredientes adecuados para volver a poner un romance homosexual en primera plana. Algo que no es un género audiovisual en sí mismo al hablar de series o películas, pero que nos retrotrae a títulos como Brokeback Mountain (2005, con Heath Ledger y Jake Gyllenhaal), Desconocidos (2023, con Andrew Scott y Paul Mescal), Call me by your name (2017, con Armie Hammer y Timothée Chalamet), Mi hermosa lavandería (1985, con Daniel Day-Lewis y Gordon Warnecke), Rojo, blanco y sangre azul (2023, con Taylor Zakhar Perez y Nicholas Galitzine) o My own private Idaho (1991, con River Phoenix y Keanu Reeves).

A la luz de todos estos títulos, el impacto de Más que rivales nos dice que lo LGTBIQ+ "es, y probablemente seguirá siendo, marginal y que por lo tanto requiere, y probablemente siempre requerirá, un esfuerzo extra de afirmación, especialmente en la juventud, al que pueden ayudar estas narrativas", apunta a infoLibre Alberto Mira, profesor de Estudios Cinematográficos en la Universidad Oxford Brookes y autor de libros como Entre la cámara y la carne. El cine homoherótico en 25 películas (Egales, 2023), quien en cualquier caso también concede "avances monumentales" en la representación homosexual en la pantalla: "Esta serie habría sido inconcebible cuando yo tenía quince, veinte, treinta años". 

Porque esta nueva historia de amor gay, con éxito fulgurante nada más estrenarse a finales de noviembre en Estados Unidos y sus protagonistas convertidos en rutilantes estrellas, pasa desde ya a formar parte del histórico de producciones LGTBIQ+ que quedan en el imaginario colectivo al nivel de series como Heartstopper (estreno en 2022), Queer as folk (2000), Jóvenes altezas (2021), Élite (2018), It's a sin (2021), Sex education (2019), Euphoria (2019), Orange is the new black (2013), Compañeros de ruta (2023) o Sense8 (primer capítulo de 2015).

Series y películas todas ellas que impactaron y siguen impactando por sus tramas y por la presencia de personajes LGTBIQ+ en mayor o menor medida. Algo que ocurre porque su presencia social todavía "no está normalizada, en el mejor sentido de la palabra, si es que eso existe", según la periodista y escritora Irantzu Varela. "Todavía hay que explicarlo, todavía hay que salir del armario, todavía le tienes que decir a la gente que la chica que viaja contigo no es tu amiga sino tu novia. Y todavía nos siguen matando y estigmatizando en el sistema de salud, y nos siguen haciendo bullying en el colegio, en la calle, en la familia y en la vida. Así que cómo no nos va a sorprender que haya una serie con un romance entre hombres que se haya convertido en una serie mainstream. Ojalá algún día nos deje de sorprender", plantea a infoLibre.

Lo que cabe preguntarse, llegados a este punto, es por las relaciones entre mujeres en películas y series, pues de todas las mencionadas hasta ahora, aún estando presentes, solo Orange is the new black, sin duda con un éxito más que considerable, puede considerarse enteramente femenina —eso sí, en un entorno carcelario violento, con la mirada masculina que eso lleva implícito—. "La pregunta sería directamente por qué no tienen éxito las series de mujeres, independientemente de su orientación sexual", acota Varela, para acto seguido responderse a sí misma: "Porque la feminidad y las historias de amor, amistad, compañerismo y vínculo entre mujeres se consideran de nicho. Las lesbianas nos hemos metido por el culo todas las series de lesbianas y todas las películas en las que sale una lesbiana, sobre todo si no se suicida".

"Y hay series que son de nicho que se supone que son para mujeres como si fuéramos una minoría", continúa. "La feminidad sigue sin interesar, el amor lésbico se considera algo minoritario, como si fuera una subcultura. Y el mainstream solo concibe el sexo lésbico como un subgénero del porno, al servicio de la mirada masculina cis-heteronormativa", destaca. "Es decir, las mujeres solo interesamos como cuidadoras y como objetos sexuales. Y las lesbianas, como no estamos cuidando muchos hombres así en general, solo interesamos muy puntualmente como objetos sexuales, pero tampoco", apostilla.

En cualquier caso, sobre relaciones amorosas entre mujeres podemos mencionar La vida de Adele (2013, con Adèle Exarchopoulos y Léa Seydoux), Fucking Amal (1998, con Alexandra Dahlström y Rebecka Liljeberg), La doncella (cinta surcoreana de 2016 dirigida por Park Chan-wook y protagonizada por Kim Min-hee, Kim Tae-ri, Ha Jung-woo y Cho Jin-woong), o las españolas Carmen y Lola (2018, la historia dirigida por Arantxa Echevarría de dos lesbianas gitanas interpretadas por Zaira Romero y Rosy Rodríguez), o Elisa y Marcela (2019, película protagonizada por Natalia de Molina y Greta Fernández, dirigida por Isabel Coixet, sobre el primer matrimonio homosexual registrado en España en 1901). 

Porque claro que hay series y películas con temas y protagonistas lésbicas. En los noventa, "con la creciente visibilidad de lo LGTBI, había historias de mujeres tanto como de hombres", recuerda Mira, mencionando But I'm a cheerleader (1999, protagonizada por Natasha Lyonne) o Bound (1996, dirigida por las hermanas Wachowski). Señala, asimismo, que "buena parte del 'nuevo cine queer' de aquellos primeros años noventa estaba dirigido por mujeres y contaba historias de mujeres", caso de Go Fish (1994, de Rose Troche). Y agrega: "Curiosamente, la primera película comercial hecha desde posiciones LGTBI y producida por crowdfunding específicamente LGTBI, en los años ochenta, Desert hearts (1985, de Donna Deitch), es una historia de amor entre mujeres, no entre hombres. Y el gran hito de los primeros dos mil fue The L-Word (2004), una serie que fue muy debatida pero que presentaba un grupo de lesbianas". 

Dicho todo lo cual, para Alberto Mira, la respuesta a ese menor impacto masivo de las historias lésbicas "está en el mercado y se relaciona con el tema identitario". "Si la identidad que afirmamos es gay, los hombres son más voceras y les gusta liderar narrativas. Las tradiciones identitarias lésbicas son mucho menos visibles, y por lo tanto hay menos que afirmar para muchas mujeres. Esto dicho así suena a binarismo, pero es que aunque el binarismo no se aplica a las personas, sí se aplica a la cultura", argumenta Mira, puntualizando que, de todos modos, los motivos son complejos: "Por ejemplo, si en lugar de afirmar 'identidades lésbicas' afirmas 'sexualidades queer', en principio menos sujetas a las limitaciones identitarias, sí tienes muchas protagonistas mujeres. Mira en Stranger Things, Euphoria o Élite".

Para él, el otro tema importante es que "el cuerpo masculino se está mercantilizando de manera brutal en los últimos años". En su opinión, "no podemos decir que el cuerpo femenino haya dejado de ser un objeto erótico en las narrativas, pero la tendencia emergente, o ya bien consolidada, es mostrar cuerpos desnudos de hombres jóvenes". En este sentido, volviendo a Más que rivales concretamente, asegura que "ambientar la serie en un equipo deportivo funciona tanto en términos de narrativa (el armario, la homofobia) como de espectacularización de los cuerpos", pues entonces hay "drama y espectáculo". 

Para terminar, Varela rescata dos películas de temática lésbica de la talla de Retrato de una mujer en llamas (2019, dirigida por Céline Sciamma) y Sangre en los labios (2024, de Rose Glass), antes de reivindicar la importancia de un éxito global como Más que rivales en el momento actual, pues "el cine, el arte y la cultura en general son el muro de contención contra todos los totalitarismos". Y remata: "La cultura es el arma que mejor puede frenar todos los pensamientos totalitarios, pues con ella puedes explorar muchos caminos que no se pueden explorar en la política institucional, y porque los discursos ideológicos a veces se quedan cortos para expresar lenguajes que tienen que ver con lo revolucionario, con la canalización de la rabia colectiva y del amor. El lenguaje de lo colectivo y lo subversivo es claramente la cultura en sus formas. El cine, además, te permite inventar mundos posibles, y ese es el primer paso para que se haga realidad".

James Van Der Beek, el carismático actor que interpretó al sensible e inseguro Dawson Leery en Dawson's Crece, murió este miércoles a los 48 años.

"Nuestro querido James David Van Der Beek falleció en paz esta mañana. Enfrentó sus últimos días con valentía, fe y gracia", informó la esposa del actor estadounidense, Kimberly Van Der Beek, en su cuenta de Instagram.

"Hay mucho que compartir sobre sus deseos, su amor por la humanidad y el carácter sagrado del tiempo. Esos días llegarán", agregó la publicación.

Van Der Beek reveló en noviembre de 2024 que padecía cáncer colorrectal. Desde el momento en que dio a conocer su diagnóstico, utilizó su plataforma para concienciar sobre su enfermedad.

Una de sus últimas entrevistas públicas fue el pasado diciembre con la cadena estadounidense NBC, en la que habló por primera vez de su aparición virtual en la reunión del proyecto televisivo que lo catapultó a la fama, Dawson crece.

Van Der Beek fue uno de los primeros en anunciar su aparición en el reencuentro de la mítica serie adolescente, pero debido al empeoramiento de su enfermedad tuvo que cancelar su participación, donde iba a reunirse con el elenco original para celebrar el legado de la producción que marcó una etapa crucial en su carrera.

Nacido en Connecticut, Van Der Beek fue famoso por interpretar el papel principal en el drama adolescente Dawson crece, que se emitió de 1998 a 2003. Recientemente, tuvo apariciones especiales en un episodio de Walker y en la película de Tubi Sidelined: The QB and Me (El quarterback y yo).

Hacks parte de un personaje explosivo, que conocemos, que adoramos, la diva absoluta. Brillante, hecha a sí misma, talentosa, mordaz, la Deborah Vance que interpreta Jean Smart.

Junto a ella un personaje más moderno, difuso, mucho menos rotundo y de límites escurridizos, la guionista Ava Daniels, a quien da vida Hannah Einbinder. Ambas se necesitan y así sus mundos, que no estaban destinados a cruzarse, chocan.

Hacks es ejemplo modélico de unos creadores comprometidos con su creación, dispuestos a seguir explorando el conflicto que han creado y a explorar la naturaleza humana a partir de ahí.

Todo en una serie de media hora llena de chistes y que no olvida nunca que es una comedia. El título de HBO Max prepara su quinta y ultima temporada. Mientras se puede disfrutar de su continuidad, cada vez más escasa en plataformas.

Todo se mantiene consistente en esta serie estupenda que ofrece elementos clásicos de las rivalidades y colaboraciones del mundo del espectáculo. Los combina con una reflexión muy divertida sobre la evolución de las costumbres y del humor a través de varias generaciones.

El argumento muestra la simbiosis entre una jefaza que se ha hecho a sí misma con talento y un machete para cortar cabezas y una aspirante con ideas y hambre, pero aún sin pulir. Una variación de un clásico de Hollywood de la vieja gloria y la sangre nueva.

En este caso la vieja gloria está muy en forma. Una cómica bregada en todos los escenarios y que empieza a ver en peligro su lugar en Las Vegas. Y la joven promesa es un ejemplar perfecto de nuestro tiempo, llena de contradicciones e inseguridades y por tanto imprescindible para escribir los chistes que conectan con las preocupaciones de la mayoría.

La serie aguanta a lo largo de sus 37 episodios porque los mimbres eran magníficos, grandes equipos detrás y delante de las cámaras. En la escritura y la dirección se encuentran tres colaboradores que empezaron el proyecto como treintañeros.

El matrimonio formado por Lucia Aniello y Paul W. Downs y la guionista Jen Statsky. W. Downs es también uno de los actores principales desde la tercera temporada, interpreta al representante de las protagonistas.

Downs dirige algunos episodios, aunque la mayoría corren a cargo de Aniello, que ha ganado numerosos premios como directora además de como creadora y guionista. Los tres se han movido durante sus carreras en el mundo de los cómicos, en el de los programas nocturnos y en las series, bagaje que les hace sumar ángulos de conocimiento sobre el negocio.

Dando la cara, una protagonista excepcional, la gran Jean Smart. A sus imponentes 74 años ha bordado una carrera en los escenarios, en la televisión y el cine que le ha llevado a ser la artista más nominada en los Critics Choice Awards y a acumular siete premios Emmy.

Muy pocas más personas podrían haber dado vida a una cómica pionera de su edad que lo ha dado todo y que lejos de conformarse con un retiro dorado se parte el espinazo por reinventarse y volver a conectar con su audiencia.

Le da la réplica Hannah Einbinder, cómica de origen judío hija de una humorista del programa Saturday Night Live. En su momento debutó como la cómica más joven en hacer un monólogo en el programa de Stephen Colbert y poco después fue reclutada para este personaje.

En HBO Max puede verse un especial de su rutina humorística, Hannah Einbinder: a tomar viento. Se puede comprobar cómo algún rasgo de su personalidad se ha colado en la serie, como su defensa de la bisexualidad. La actriz ha protestado contra la pasividad de su industria ante el genocidio en Gaza con la colaboración estadounidense.  

La cuarta temporada de la serie lleva la toxicidad entre sus protagonistas a cotas no conocidas hasta ahora enriqueciendo el arco de su relación, que los guionistas saben cómo explorar una y otra vez.

Esta última tanda de episodios ha salido de Las Vegas y sus espectáculos en directo para explorar un fenómeno más internacional, el de los programas nocturnos de humor en televisión.

En entrevista en IndieWire, Lucía Aniello afirma que querían “contar el momento de cambio sísmico de la industria televisiva”, marcado especialmente por la avaricia corporativa.

Esta realidad se integra perfectamente en la personalidad de la protagonista. “El acantilado de cristal es algo muy real para ella. Consigue el gran puesto de trabajo cuando ya está algo pasado”, explica Aniello. “Cuando casi es imposible triunfar allí. Ella hace un Deborah Vance y encuentra la manera de lograrlo a su estilo”, concluye.

Dentro de la serie, ha ido creciendo una subtrama que se ha quedado uno de los creadores, W. Downs, que encarna al encantador representante de la estrella y la guionista protagonistas.

Junto al personaje de Kayla, un clásico de la comedia, la trabajadora disparatada, que de alguna manera triunfa en sus tareas, monta una agencia de representación. No llega al nivel cómico de Paquita Salas, pero tira del mismo filón de las bambalinas de los personajes de medio pelo del negocio.

Lo único que sabemos de momento de la última temporada es que los guionistas tienen claro el final, pero no saben si el arco narrativo que lleva hasta él cabe en diez episodios o llevará alguno más. Y también queda claro que han conseguido llevar la serie en sus propios términos, con el concepto con el que la pensaron desde el principio.

Con este número de febrero en TintaLibre queremos hablar en serio y en serie. Ambas cosas se comprenden a la luz de la secuencia de nuestras páginas. ¿Por qué en serie? Pues porque la historia de la televisión ha cambiado tanto como nuestra piel desde que las noches, las pantallas, la convivencia, se haya visto afectada por unas temporadas que desde su omnipresencia crean adicción y ponen suspense a nuestros avatares cotidianos. Una explicación desde la filosofía la propone Bernat Castany al afirmar: “el boom de las series se basa en su capacidad para seguir respondiendo con nuevos a los viejos fines de siempre. Pero no digo sólo que las últimas series no son muy diferentes de las radionovelas o las novelas de folletín, sino que ni siquiera son muy diferentes de esas novelas de caballerías que tanto exaltaron a Alonso Quijano”.

¿Un Quijote de nuestro tiempo acaso? El especialista de Serielizados, Marc Cerrudo, acompaña otra reflexión basada en el odio (que también es una poderosa sustancia adictiva para multitudes). “Las series”, sostiene, “son mucho más que el odio derramado en ellas, por supuesto, pero es precisamente ese odio el que mejor nos cuenta su éxito masivo y universal. Es en las series donde encontramos hoy en día el epicentro cultural de los debates sociales y político”.

Paloma Rando, que conoce bien el asunto desde la crítica, nos lleva a otro universo, el de Pluribus, la serie desasosegante creada por Vince Gilligan (Breaking Bad, Better Call Saul). Centrándose en el personaje postapocalíptico de Carol (la estupenda Rhea Seehorn) nos sacude con su reflexión distópica: “¿Podría ser esta toma de la humanidad un progreso de la especie? ¿Es el mundo un lugar mejor dominado por la colmena?”.

En El gran partido de la literatura, afila su reflexión la joven editora Laia Folch sobre un nuevo fenómeno que, a toda luces, hereda muchos componentes de la gran novela de Dickens o Victor Hugo. Y proyecta una idea de una nueva literatura comparada: “lo que hay que poner en juego es cómo este nuevo, atractivo, renovado tercer equipo de las series , entra en la rueda de las influencias entre las artes del relato”.

Dejamos atrás a Los Soprano , The Wire, a Pluribus y a The Last of Us y explicamos por qué hablamos también en serio. Si bien las razones de la izquierda dan para un serial de muchas temporadas (tantas como las de su fecha de nacimiento), en TL invitamos a tres voces que analizan la perenne sensación de desmoralización incluso en los momentos, como el presente, que según Unai Sordo, secretario general de CCOO, invitan al optimismo con los datos en la mano: “hay una reacción de reaccionarios”, sostiene, “que se oponen al avance social, al igualitarismo, precisamente porque se dan esos avances sociales y no por la insuficiencia de estos”.

La eurodiputada Lina Gálvez, plantea en Regreso al futuro. El gran reseteo, las inquietantes amenazas de un capitalismo descaradamente fascista. “Las élites económicas depredadoras”, dice, “temen que surja una alternativa limitarista que ponga freno a la acumulación infinita”.

Algunas otras razones de la izquierda las busca el doctor en Filosofía por la Universidad de Barcelona, Adrià Porta, en el propio vacío de la democracia, un concepto del que propone un ejemplo práctico y reciente: “Es curioso que el Podemos original dedicara notables esfuerzos teóricos a hacer pedagogía sobre los principales conceptos de la teoría de la hegemonía de Gramsci y Laclau y todos ellos se entendieran bastante bien y tuvieran un relativo éxito, menos uno: el significante vacío, que no dejó de verse nunca como un mero receptáculo producto del marketing, donde cada uno podía proyectar lo que quisiese”.

A la parte en serio hay que añadir dos piezas más: El espanto de la vivienda, de Carlos Sanz Pérez, auténtica película de terror en nuestras ciudades y especulaciones sin cuento, y el de José María Ridao, Trump y los gigantes dormidos, que a raíz del secuestro de Maduro realiza un concienzudo análisis sobre las responsabilidades de la UE o del propio Partido Republicano en seguir aguantando esa desmesurada egolatría autoritaria.

Febrero también nos trae un estupendo regalo a cargo de la editorial Acantilado. Nada menos que el arranque de la nueva novela (o relato como él prefiere llamarlo) del premio Nobel húngaro László Krasznahorkai, Herscht 07769.

Elogio también merece que el profesor Gonzalo Pontón Gijón nos ilustre en este número muy de pantallas con un parentesco que pasó desapercibido: el de la reciente y muy recomendable película Civil War, de Alex Garland, con la obra maestra de Coppola, Apocalypse Now.

Ha llegado al catálogo de Netflix un éxito de este verano en Estados Unidos. Una serie delirante, una gamberrada culebronesca con crimen incorporado que permite atisbar la mentalidad de una de esas burbujas de ultraderecha del país que nos quita el sueño a muchas últimamente.

Dentro del enorme estado de Texas, el este configura su propia región, menos desértica que el resto y con una personalidad definida. A una localidad mediana de esta zona llega Sophie, Brittany Snow, una bostoniana urbanita que sigue a su esposo en un nuevo trabajo.

Para integrarse en la comunidad se hace amiga del grupo de las guapas, ricas y marchosas. Al estilo texano. El contraste entre dos Estados Unidos que viven uno al margen de otro se cuenta de manera escandalosa y divertida.

La primera fiesta a la que acuden la protagonista y su pareja recauda fondos para la infame Asociación del Rifle. A partir de ahí el racismo se respira como el oxígeno, sin mencionarse. La única vida social establecida se produce en el gigantesco templo que predica unos valores que nadie cumple.

Mujeres que dejan su carrera al casarse, embarazos adolescentes o el aborto expulsado por completo de la región, son muestras de un machismo interiorizado por todos. También acierta el guion al mostrar su cariz amenazador en la intimidad de las parejas.

Y por supuesto las armas. Para esta pandilla de mujeres la visita a la armería equivale al paseo por las boutiques o por el spa. Todas tienen revólveres y escopetas y socializan mejorando su puntería y saliendo al bosque a cazar jabalíes.

La vida entre la iglesia y la armería es una realidad persistente en una gran parte de la Estados Unidos rural, puro MAGA, (Make America great again) y esta serie la presenta a través de los ojos de Sophie, tan asombrada como la audiencia.

La protagonista alucina ante las fiestas de botox y cócteles de sus nuevas amigas, pero cae seducida instantáneamente por la abeja reina de la camarilla, Margo, Malin Akerman, libertina, sexual y que comienza a coquetear con ella descaradamente.

Los tres primeros episodios de la serie presentan de manera desinhibida a las protagonistas iniciando una relación lasciva, secreta y que llama al peligro. Antes de que empiece el crimen, toda esta parte de introducción de los personajes pinta un retablo desquiciado y sin embargo creíble.

La serie está basada en la novela de la texana May Cobb del mismo nombre pero se va a emancipar del texto puesto que ya se ha renovado por una segunda temporada. La autora explicó en su día, que le gusta indagar en ciertas dinámicas retorcidas en grupos de mujeres.

En esta sociedad cerrada y sin muchas opciones de ocio que describe en la serie, en el grupo el reparto de papeles es nítido. Está la líder, la favorita de la líder, la angustiada ex favorita de la líder, la más aburrida esposa del pastor de la iglesia o la que no alcanza el canon de belleza y ni siquiera es admitida.

La novelista afirma estar influida por el género televisivo y de cotilleo de socialites liándola con sus divismos y groserías. El término no está aceptado por la real academia, pero damas de sociedad se ha quedado obsoleto ante el fenómeno.

En España se hizo un programa sobre ellas, Mujeres ricas. En Estados Unidos representan una categoría, hay programas sobre amas de casa adineradas de una docena de localidades, la mayoría producidas por el canal Bravo.

Rebecca Cutter, la responsable de la adaptación de la novela, quedó fascinada por el ambiente creado en el libro y lo acentuó aún más. Estas mujeres consiguen fascinar y repeler y ella ha querido llegar a donde no pueden los espacios de telerrealidad.

Ahora mismo hay otro programa en plataformas, La vida secreta de las esposas mormonas, en Disney Plus, que sigue a mujeres de Utah de esta religión ultraconservadora que se popularizaron haciendo videos bailando hasta que se descubrió que uno de los matrimonios hacía intercambio de parejas.

Las esposas cazadoras triunfó en el mercado estadounidense hace unos meses al caer con fuerza en este mercado abonado. En las redes se crearon vivos debates a costa de los personajes. La imaginación se suma a las dinámicas tantas veces vistas por el público.

En España esta pandilla recuerda a las folclóricas en el tardofranquismo. De cara al exterior representaban los valores del régimen. De puertas a dentro se pasaban todas las convenciones sociales por la bata de cola ante una peculiar vista gorda por parte de los vigilantes de la moral.

Además del cuadro costumbrista, la serie tiene algunos puntos muy resultones contados eficazmente. A partir del comienzo de la trama criminal hay que rebajar los niveles de exigencia porque para mantener el ritmo los hechos se suceden con poco realismo.

Será difícil que una segunda temporada, una vez presentado este ecosistema, tenga elementos suficientes como intriga más convencional y no parezca una peripecia estirada. Pero esta entrega ha reunido los ingredientes perfectos para darse un atracón con su dosis de placer culpable. 

Recientemente se ha estrenado la quinta temporada de Slow horses, la serie de un hatajo de policías perdedores capitaneados por un Gary Oldman que consigue hacer creíble y muy simpática una insólita combinación entre Torrente y Sherlock Holmes.

Sus cinco temporadas son una prueba más de la habilidad con la que la serie conjuga ternura, humor, épica del perdedor, intriga policial o crítica al poder. Ojo a esta quinta entrega, en la que el jefe del MI5, el servicio de seguridad británico, se comporta en la crisis de una manera que parecería paródica si no se quedara corta respecto a lo que hizo Carlos Mazón en la dana de Valencia.

Además de disfrutar la nueva entrega de Slow horses, quienes ya la hayan visto pueden acudir también a Dept. Q. También es británica, también trata de un departamento marginado de la policía y también es excelente.

La revista estadounidense Entertaiment Weekly acaba de seleccionarla entre lo mejor de 2025. Netflix fue la encargada de emitir los nueve episodios de su primera temporada, que ya ha sido renovada, aunque aún no tiene fecha prevista de estreno.

La serie adapta una serie de novelas negras del autor danés Jussi Adler-Olsen, en concreto se basa en estos episodios en la primera. El punto de partida en la serie es el regreso al trabajo de un agente que sufrió un tiroteo en la escena de un crimen, quizá por negligencia.

Su nuevo encargo será crear desde cero una triste unidad para casos antiguos sin resolver y sin medios. Poco a poco recluta a colegas que nadie quiere y resultan ser magníficos en su trabajo. Como en Slow horses, la oficina es oscura y pestilente, y el apoyo de los jefes nulo.

La serie fue encargada a Scott Frank tras su último éxito, la adaptación de Gambito de dama como serie. Le acompaña a los mandos del proyecto la guionista Chandni Lakhani, que empezó nada menos que en Black mirror su carrera.

Ambos trasladaron la acción de Dinamarca a Edimburgo, con su “nostalgia amable”, como define Lakhani la ciudad. Y se centraron muy especialmente en profundizar en cada uno de sus personajes principales.

Su protagonista no entra a la primera. Se comporta como un arrogante insoportable, aunque se perciben grandes heridas tras su altanería. Pertenece a esa categoría de personajes a los que se acaba perdonando porque traen más bien que mal al mundo y porque hasta sus defectos terminan entendiéndose.

Recuerda al doctor House, al propio Sherlock Holmes o a los displicentes cirujanos de la antigua M.A.S.H. Está interpretado por un frío y desconcertante Matthew Goode. Este actor inglés es una cara conocida por numerosos personajes secundarios y especialmente por su papel en La oferta, la serie sobre la creación de El padrino.

Se agradece mucho que no caiga en la tentación, tan habitual en las estrellas de Hollywood, de querer caer bien, aunque sea retorciendo la naturaleza del personaje a quien dan vida.

Espectacular está el resto del elenco, entre ellos la sufridora Chloe Pirrie como víctima del crimen o Leah Byrne, que aporta ese pintoresquismo encantador que los británicos bordan como nadie.

Alexej Manvelov interpreta a un agente que tuvo que abandonar Siria y trata de obtener un empleo a la altura de sus capacidades y trayectoria. Kelly Macdonald vuelve a la policía. No como agente como en Line of duty sino en el papel de la terapeuta que ayuda al hermético protagonista a mirar de frente al tiroteo que cambió su vida.

Como en muchos policiacos, especialmente británicos, no se trata mucho de la sorpresa, de grandes novedades o lenguaje rupturista, se trata del buen oficio de contar e interpretar hecho con mimo, con profundidad humanista, con sensibilidad nada obvia y con capacidad de mirar honestamente a nuestros lugares oscuros.

Ambas series, la última temporada de Slow horses y Dept. Q tienen la capacidad de reconfortar a pesar de toda la carga siniestra, de sufrimiento y fracaso que albergan. Son los marginados, los caballos por los que nadie apostaba en la carrera, quienes hacen justicia y por eso se saborea doblemente.

Esta nueva serie de Netflix empieza como algo que ya hemos visto. Gente rica e inteligente, con buenas mansiones, con la vida patas arriba y envuelta en crímenes y suspense. En este caso atrae primero por su reparto.

Claire Danes como protagonista. La que ya lo fuera en Homeland vuelve a derrochar complejidad y tensión en este personaje. Una escritora importante atrapada en un enorme bloqueo tras una tragedia familiar.

Al otro lado del ring, Matthew Rhys, quien coprotagonizara The americans, interpreta a un turbio magnate inmobiliario sobre el que pesa la sospecha de haber asesinado a su prometida.

Aggie, la escritora, ve ante si la posibilidad de trabajar sobre este nuevo personaje en su vida que le repugna y le atrae. El argumento se debate con la ambigüedad de esta propuesta. Sobre si es posible escribir acerca un personaje oscuro sin participar en esa oscuridad.

La chispa que dio origen a la serie fue un guion que escribió Gabe Rotter. Se basó en un artículo sobre el escritor fantasma –entonces, luego salió del anonimato– Tony Schwartz, autor del famosísimo libro Trump: el arte de la negociación.

Schwartz ha pasado años lamentando haber sido la sombra de Donald Trump para escribir un retrato favorecedor de quien considera un sociópata. Se le ofreció acceso ilimitado al entonces magnate, a su casa y a su oficina para una obra que él mismo firmaría a mayor gloria. De ese germen tortuoso sobrevive gran parte en la serie.

El guion original cayó en manos de la actriz Jodie Foster, que dio a su autor una clave, no cuentan cuál, que reorientó la trama. Los guionistas que se incorporaron después han esquivado varias trampas y conseguido sorprender aportando coherencia cuando parecía que la cosa podía desmadrarse con tanto giro.

Uno de los creadores de Homeland, Howard Gordon, participa en el guion del episodio final y consigue cerrarlo con solvencia, algo que no le fue fácil, como explica en la presentación del piloto, a la que acudieron creadores y elenco.

Otra aportación al conjunto llegó desde su protagonista, la actriz Claire Danes, que recomendó a los guionistas el clásico de no ficción El periodista y el asesino, de Janet Malcolm, en el que el escritor sobre un criminal se convierte en alguien con una labor “moralmente indefendible” en palabras de la autora.

Este debate morboso de quien finge que se distingue de su entrevistado, pero no puede evitar convertirse en una parte de la historia a lo Truman Capote en A sangre fría, hace sobresalir esta intriga por lo demás clásica.

La escritora vende su alma al diablo, como Fausto, por una buena historia. Por ambición y “por un apetito de destrucción”, confiesa Danes, que ha tenido que trabajar sola en muchas escenas y siente que el director de los primeros episodios, el que sienta el tono, Antonio Campos, la empujaba al límite.

Para reflejar el miedo al folio en blanco, Campos dejó a la actriz improvisando durante cinco eternos minutos, y esos segundos finales en los que ella estaba desesperada fueron los que incluyó en el montaje final.

La serie proporciona interesante información sobre el intento de golpe de estado del 23 de febrero de 1981 pero borra en escena el papel de la mujer.

Tres traidores salvaron la democracia según la tesis del libro de Cercas y de esta producción audiovisual.

El instante elegido por Javier Cercas en el relato que da origen a la serie y que tiene el mismo título es perfecto para contar la transición española. La entrada como un venado del teniente coronel Antonio Tejero en el Congreso al soez grito de: “Se sienten, coño”.

A partir de ahí se llega por vía rápida a militares nostálgicos de la dictadura; al golpe brutal y cotidiano de ETA; a un presidente, Suárez, desbordado por la complejidad de los problemas; y una sociedad radicalmente a favor de la democracia.

Aquella tarde del 23 de febrero de 1981, esa noche y la siguiente mañana se pasó por el virus tan arraigado en España del golpismo militar y se fortalecieron los anticuerpos para luchar contra ello durante una buena temporada.

Movistar+ ofrece la serie de cuatro episodios sobre este momento histórico y despliega una enorme cantidad de talento en ella. Alberto Rodríguez, Fran Araújo y Rafael Cobos firman el texto de la adaptación a la pantalla del libro.

De la dirección se encargan Paco R. Baños y también Alberto Rodríguez, siempre asociado a la memorable La isla mínima. Y a su cargo unos protagonistas que bordan estas caracterizaciones tan difíciles cuando se trata de personajes recordados al milímetro por gran parte de la audiencia, la más vieja.

Álvaro Morte está irreconocible como Adolfo Suárez y, sin embargo, no parece un muñeco lleno de prostéticos. Enseguida recuerda al que fuera presidente de Gobierno. El director no creía que fuera el idóneo, el propio actor tampoco, pero las directoras de casting, Eva Leira y Yolanda Serrano, insistieron hasta convencer a ambos y se marcaron un enorme tanto con la selección.

Tres traidores protagonizan esta serie, como explica su propia voz en off. Acompañan a Suarez, Santiago Carrillo, interpretado por el gran Eduard Fernández, y Gutiérrez Mellado, por un Manolo Solo que también desaparece detrás de su interesante personaje. David Lorente intenta no transmitir su bonhomía a Tejero y Óscar de la Fuente borda la bravuconería del sublevado Milans del Bosch.

Un elenco impecable que se pone al servicio de contar unos hechos críticos. Porque la serie no lo es tanto de personajes, estos se utilizan como mero vehículo del relato. No se llega a inventar, a lo “nuevo periodismo”, una psicología profunda, una tridimensionalidad. La intimidad se cuenta al mínimo, posiblemente unas pinceladas documentadas históricamente.

Una opción legítima, pero que al ser tan apocada en la creación de verdaderos individuos deja el relato como algo con intención objetiva y, por tanto, algo frío. A pesar de ello, tanto quienes no recuerden los hechos como quienes repasan la lección disfrutarán de esta recreación.

Esclarecedor es el perfil de Gutiérrez Mellado, el menos conocido de los tres, que trata de explicar su temerario heroísmo del día del intento de golpe de Estado. Muy interesante también resulta el resumen de un juicio que no fue retransmitido en su día y del que no había imágenes ni sonido grabados.

Los episodios se ven del tirón porque avanzan a muy buen ritmo y los hechos dicen mucho de un país que acababa de afrontar sus primeras elecciones democráticas en las que tenía que permitirse la participación del hasta entonces ilegal Partido Comunista.

Sin embargo, todo el conjunto va creando una sensación de incomodidad creciente al constatar el papel que se ha dado a las mujeres en esta especie de obra canónica de aquellos años.

Ningún papel. Menos que ninguno. Las mujeres, pocas y con poco tiempo en pantalla, están al fondo, trayendo un café, o diciendo a sus parejas que no se esfuercen tanto, como la esposa de Gutiérrez Mellado.

Tiene delito en el caso de la semblanza de Carmen Díez de Rivera, una política fascinante que quien vea la serie sin mayor información confundirá con una servicial secretaria sin mayores atribuciones.

El delito se agrava teniendo en cuenta que la chispa del golpe de estado se considera la legalización del PCE, de la que Suárez no estaba convencido y que ella consideraba esencial para la homologación de la democracia española en Occidente. Y no lo pensaba para sus adentros, sino que como contó expresamente presionó una y otra vez para que así fuera.

Si tan fieles se pretende ser a la realidad el coche en el que Carrillo vino a España estaba conducido por la esposa de Teodulfo Lagunero, no por él mismo como se retrata en escena en otro borrado más de la mujer.

Aquí el famoso test de Bechdel que analizaba la brecha de género y requería personajes femeninos con conversaciones que no trataran de hombres ni está ni se le espera, como al general Armada en el palacio de la Zarzuela el día de autos.

Una pena, una desgracia en una serie que oficializa un periodo histórico del que somos herederos en la actualidad. Hacen falta más series como esta, que cuenten nuestra historia reciente. De esta se puede entresacar lo bueno, hay mucha profesionalidad involucrada, pero si no hay mujeres no es mi historia de la transición.

Prime Video ofrece la serie española de ocho episodios, Romi. Su protagonista es una joven detective inteligente, testaruda, rebelde y sorda. La falta de audición se cuenta como uno más de los rasgos que la caracterizan y ahí reside parte del acierto de esta propuesta.

La ganadora de un Goya a mejor actriz revelación por su papel de hija de Maixabel Lasa en la película Maixabel, María Cerezuela, encarna a Romi. Señalar su naturalidad es quedarse muy corta ante una interpretación que se hace indistinguible de la verdad.

Además, la actriz integra el buen material del guion, que ha creado un personaje rico y con muchas capas. Y lo llena de un carisma que por sí solo ya ofrece un aliciente para disfrutar de los episodios.

El actor y guionista Iker Azkoitia concibió la serie inspirado por una amiga actriz con discapacidad auditiva y portadora de implante coclear. En entrevista a Gatropolis cuenta que se documentó viendo series y películas sobre el asunto, como This close o Sound of metal y con personas del mundo de la sordera.

Azkoitia creó la serie con Pau Bacardit y Lluis Mosquera en un curso de la Escuela Superior de Cine y Audiovisuales de Cataluña, la ESCAC. Afortunadamente obtuvo el visto bueno de Mediaset España para producirla. Se incorporaron a la escritura Almudena Vázquez, Efrén Tarifa y Alberto Úcar con colaboración de Oriol Capel.

Juntos han escrito una serie muy clásica que empieza más titubeante en la presentación de los personajes y va consiguiendo que todos cuajen a lo largo de los episodios.

Romi es hija de una importante inspectora de la Ertzaintza a quien da vida Natalia Millán, una de las pocas componentes del reparto que no es vasca, en esta serie ubicada en Bilbao. Conviven juntas con la abuela de Romi, encarnada por Elena Irureta.

En la agencia de detectives, Romi da cuentas a su manera a un jefe interpretado por Asier Etxeandía y carga con una becaria que corre a cargo de Edurne Azkarate. Todos estos y otros intérpretes entregan estupendos trabajos y se relacionan con ligereza dando a la serie su gran atractivo.

La dirección, de Inés París y María Cereceda, es más que correcta y aprovecha sus recursos, pero se nota que el presupuesto no llega al de otras series de acción internacionales que pueden verse en las plataformas.

En cambio, la serie sí cumple los cánones del género. Los que componen las infalibles series procedimentales en las que se presenta un caso y se resuelve en el propio episodio.

La investigadora principal cuenta con su sordera como elemento diferencial. A veces supone un problema, a veces una forma única de percibir el mundo. Coherentemente con su dificultad al oír, la detective Romi ha hecho del estudio de la comunicación no verbal su punto fuerte.

La televisión vuelve a mostrar con esta serie su gigantesco poder de representación. Mucha gente vio a las primeras personas divorciadas en series, a las primeras homosexuales, o bisexuales, de etnias y culturas diferentes a las propias.

Otras realidades se hacen comprensibles cuando una serie les concede el tiempo necesario para desarrollar sus estilos de vida y se desactiva el miedo a lo desconocido. En este caso se explica bien que la sordera de Romi es una entre tantas posibles. Se aclara porqué conoce la lengua de signos, aunque se desempeña en el mundo oral.

Se puede conocer un poco lo que supone un implante coclear, una revolución médica y tecnológica que ha convertido la experiencia de la sordera en algo muy diferente de lo que fue para generaciones anteriores.

Se toma esta discapacidad en un punto en el que es rutina para la protagonista y su entorno. No se vive con el dramatismo de un diagnóstico reciente. Se cuentan con naturalidad los momentos complejos para una persona implantada e incluso sus ventajas, como poder desconectar de manera que los oyentes no podemos hacer.

Lo mejor es que se ha creado un personaje complejo, atractivo y sin simplificar. Inteligente, pero no a un nivel mágico que la separe del resto. E interpretada por la cara fresca de María Cerezuela, que le presta su propia viveza.

Una serie española rivaliza con Black mirror por ser lo más visto de Netflix en todo el mundo. El jardinero, intriga romántica contada en seis episodios, lleva más de cincuenta y siete millones de horas vistas. Está además en el top 10 de 84 países y en 46 de ellos es la serie más vista esta semana.

Una proeza que confirma que tiene elementos que conectan con los públicos de culturas tan distantes como Argentina o Alemania, Perú o Francia, Marruecos o Pakistán.

El jardinero cuenta la historia de una madre y un hijo que sufrieron un accidente. Elmer, el hijo, entonces un niño, vio afectado su cerebro y perdió sus emociones. Su madre utiliza este nuevo rasgo para convertirlo en asesino. En el comienzo de la serie todo cambia para el chico. Su cerebro y el hecho de que se enamora de su próxima víctima.

A posteriori es fácil encontrar las razones para su éxito, pero hay que admitir que la propuesta podía no haber caído en gracia. La ambigüedad moral de sus protagonistas y el hecho de que a pesar de sus sólidas carreras sus intérpretes no sean grandes estrellas podría haber sido un lastre.

Tampoco cuenta la serie con la famosa propiedad intelectual previa, estar basada en un libro de éxito o ser secuela de una franquicia popular que le permita contar con públicos seguros que además correrán la voz de su estreno. Nada de eso.

Pero ha sabido dar una gran vuelta a uno de los géneros más trillados, la serie negra. En lugar de un policiaco Miguel Sáez Carral, el guionista, acompañado por Isa Sánchez, ha optado por hacer protagonistas a los asesinos y a jugar con la moralidad de los espectadores. Lo hemos visto en títulos como Dexter, pero desde luego no es lo usual.

Aunque reprochemos sus actos, no podemos evitar empatizar con sus problemas, porque la serie nos conduce hábilmente a ello. Lo hace saltándose la lógica cuando le conviene, pero manteniendo un ritmo perfecto que anima a seguir y seguir viendo.

Y lo hace con personajes interesantes, originales y resultones. Personajes a los que la cámara quiere y que forman un reparto muy Netflix. De ellos, tres son los principales que se reparten el protagonismo.

En primer lugar, Elmer, interpretado por Álvaro Rico. El actor de 28 años ha participado en numerosas producciones, pero su mayor reconocimiento fue en Élite, otro gran éxito español en la plataforma. Tiene un rostro magnético que aguanta perfectamente estar siempre en pantalla.

Su madre está encarnada por Cecilia Suárez. Esta mexicana hace una rica interpretación en esta serie, la llena de interés y matices. Destacada actriz teatral ha participado en numerosísimos filmes y un buen puñado de series. La casa de las flores, un culebrón auto irónico, también en Netflix se convirtió una de las más destacadas.

Aquí es perfectamente capaz de introducir en su personaje bondad, maldad, un sutil humor, y una capacidad manipuladora en absoluto simplona. Se convierte así en una de las grandes bazas del título.

Completa el trio protagonista Catalina Sopelana, una cara con ángel. Una buena actriz perfecta para unos tiempos en los que a lo mejor se ve una serie desde el teléfono y por tanto se priman los primeros planos a la hora de contar la historia.

Esta cámara cercana es la que se emplea en El jardinero, que añade a ese ritmo en el que no paran de sucederse los giros, las reacciones de sus protagonistas a través de sus expresiones. Quizá ahí resida una parte de su excepcional éxito.

Ha conseguido contar unos hechos de forma adictiva, siempre con alguna información nueva por conocer. Y lo ha hecho de forma muy visual añadiendo aspectos psicológicos y románticos que no dejan indiferente a la audiencia. Además, los seis episodios, que suman cuatro horas con cuarenta minutos, la convierten en una muy buena opción para verla en atracón.

Su mezcla entre luz y oscuridad queda patente también en su trama secundaria, la de los policías que investigan las desapariciones, a quienes encarnan con solvencia Francis Lorenzo y María Vázquez. Emma Suárez hace de antagonista en la historia. Llamarle villana sería simplificar en el contexto de lo que ocurre.

Pontevedra emerge como personaje que imprime carácter a la imagen. Ciudad natal del productor José Manuel Lorenzo, fue él quien animó al autor del texto, Sáez Carral, a ubicar aquí la trama. El guionista ha contado a La voz de Galicia que no quería un noir nórdico, tan de moda actualmente, y que la ciudad además de aportar su lluvia trajo una luz “maravillosa”.

Sáez Carral e Isa Sánchez ya habían colaborado antes como guionistas en la serie Ni una más también con DLO Producciones, responsable de series como La caza o El inmortal y que prepara ahora Anatomía de un instante, cuatro episodios que pondrán en escena el libro de Javier Cercas sobre el intento de golpe de estado de 1981.

William Goldman acuñó la frase que mejor representa la industria del entretenimiento en su libro Las aventuras de un guionista en Hollywood: “Nadie sabe nada”. Y desde luego es más fácil analizar que adivinar que pasa con una serie.

El jardinero ha optado con personalidad y estilo por un producto en tendencia, pero con elementos propios, sin dar una sensación manida de lo mil veces hecho. Su guion y sus aspectos visuales han conseguido coherencia y atractivo.

Un punto de vista moral difícil pero logrado, hecho con una apuesta rotunda sobre lo que se cuenta, sin titubeos; una factura visual bonita y una producción impecable, a cargo de Miguel Lorenzo, han convertido esta serie en un fenómeno para los públicos más diversos.

El antihéroe es un tipo de héroe de larga tradición. La novela picaresca lo tenía como figura central y la última edad de oro de las series se centró en ese tipo de personajes con Tony Soprano en Los Soprano, Walter White en Breaking bad o incluso Don Draper en Mad men.

Se representa en ellos a personas con su propia moral, a menudo anti social, que ponen a prueba nuestras convenciones con su inteligencia, carisma o con los beneficios que también procuran a otras personas.

Coinciden en su estreno las series Chacal, en SkyShowtime y Movistar + y Palomas negras en Netflix. En ambas se ofrecen thrillers clásicos, con fórmulas mil veces vistas, contados con intensidad y buen pulso y con héroes peculiares.

Palomas negras es una producción británica protagonizada por Keira Knightley. La actriz ha participado en miniseries pero no había protagonizado una larga nunca hasta ahora, con lo cual se convierte en uno de los mayores atractivos del título.

A su estupenda interpretación se une la aún más espectacular de Ben Whishaw, ganador de los más importantes premios por sus papeles en Un escándalo muy británico o Esto va a doler, entre otros muchísimos trabajos destacados.

Ambos encarnan a miembros de una organización clandestina que, tal como son presentados, parece que va a perseguir nobles fines. Sin hacer mucho estropicio a la intriga, no va por ahí la cosa.

La serie, que tendrá segunda temporada, está creada por Joe Barton, autor de la británico japonesa Giri/Haji, recomendada en la sección. En esta ocasión entrega también un buen entretenimiento, un producto de género correctamente elaborado, pero del que cuesta entender el punto de vista.

A diferencia de una buena historia de antihéroes, aquí queda un regusto a incoherencia moral. No parecen compatibles unos rasgos de personalidad con los otros y algo rechina.

Les ocurre a los dos personajes principales, pero el masculino está un poco más desarrollado en el peso que suponen sus contradicciones mientras el de Knightley surfea por encima de ellas sin casi mojarse los pies.

La verosimilitud de la personalidad de los personajes es fundamental, aunque nos tengan que sorprender con sus acciones. De alguna manera lo que hacen tiene que encajar en su perfil una vez que lo hemos visto.

Un antihéroe o una antiheroína tienen un pasado que les ha llevado a su posición y unos rasgos psicológicos, un entorno y unas motivaciones que les mantienen en ella. Esa es la gracia de tantos personajes turbios. Si están bien explicados nos hacen entender que, en determinadas circunstancias, cualquiera, incluso cualquiera de nosotros, podría hacer cosas que ahora nos parecen inimaginables.

Esa manipulación que hace con la audiencia un buen guion ofrece un viaje de crecimiento, para conocer mejor la naturaleza humana. Nos fascina y siempre buscamos nuevas ficciones que profundicen en ello o aporten nuevos puntos de vista al comportamiento de las personas.

Cuando la manipulación es más burda se produce un rechazo. Recuerdo hace unos años una sobrina que estaba indignada por la película infantil Frozen. Yo la había visto pero no la recordaba.

La niña se sentía estafada porque se había presentado al príncipe Hans como un personaje tan absolutamente encantador y amistoso que no podía ser una fachada, como era, que ocultara un villano. ¡Le habían dado incluso la mejor canción, y era todo mentira! Volví a ver la película y entendí perfectamente el reproche.

La serie Chacal, también británica, basada en el libro de Frederick Forsyth, está precedida por dos adaptaciones al cine de la historia, en las que se iba cambiando el contexto. El protagonista, eso sí, es un asesino a sueldo.

Nada que reprochar aquí. Se asienta desde el principio y no puede haber incoherencia. Su antagonista es una policía especialista en armas que le sigue los pasos en un tenso juego del gato y el ratón.

Eddie Redmayne interpreta a Chacal y Lashana Lynch a la agente. Es el personaje de ella el que salta líneas morales con sorprendente ligereza. Nada que objetar tampoco a un personaje de policía oscura para quien el fin justifica los medios.

Pero ella comienza como una agente convencional, que cuida a sus informadores e intenta evitarles riesgos, y en un parpadeo pasa a no poner objeciones a la tortura, los daños colaterales y lo que se le ponga por delante.

Lo extraño en ambos casos es querer hacer que sus vidas familiares basadas en valores éticos comunes y que, como un espejo en ambas familias, a pesar de tratarse de personas inteligentes, no sospechan nada.

La familia de Chacal es andaluza, de Cádiz, aportada por su esposa, interpretada por Úrsula Corberó. Se trata de una mujer espabilada y sensata, que se supone que comparte su vida con un asesino sin saberlo. Ponen en común charlas, valores, habrán hablado de como educar a su hijo, pero omitiendo ese pequeño detalle.

En el caso de la policía pasa algo parecido, con menor presencia en la trama. Tiene una familia unida, cálida, muy íntima, pero sobrevuela todo llevada por la urgencia de su trabajo como si fuese la primera vez que se disocia por completo.

Vuelve a sorprenderme la incoherencia. Los aspectos de los personajes están bien contados por separado pero no suman, no casan creando algo creíble. Dejando la ética por la estética, han querido hacer un Chacal elegantísimo y acaba resultando de lo más engolado.

Creo que el efecto de haber simultaneado el visionado de las dos series ha acentuado sus defectos y ha amortiguado sus virtudes, bastante parecidas, además. El conjunto me ha dejado una sensación insatisfactoria, de personajes mal cosidos.

Las historias se han quedado en los mecanismos de la intriga y pierden esa capa fascinante y más profunda de volver a contar una y otra vez los apaños que hace cada conciencia para poder seguir viviendo consigo misma.

Se ha hecho esperar, pero ya se pueden ver en Netflix los primeros magníficos ocho episodios de esta serie colombiana que tendrá una segunda parte para contar los siguientes cincuenta años que recoge el libro de García Márquez.

Es de valientes acometer la adaptación en imágenes de una novela que para varias generaciones fue un Quijote, la más gigante y sobresaliente. Poner caras reales, voz, calles, plantas y luz a unas palabras precisas, a una estructura perfecta.

La primera sorpresa al ver los minutos iniciales de esta temporada estaba precisamente en la luz materializada. Muchas veces al leer ponemos caras y cuerpos a los personajes, pero también imaginamos, como si dirigiéramos, la fotografía. Una cierta luz, más cálida, más fría, con un tipo de película más limpia o con grano, colores apagados o saturados.

Esta Cien años de soledad es más bonita que la que yo pensé al leer, pero pronto se me hizo la mirada a esa propuesta de vida caribeña. Todos los intérpretes funcionan por mérito indudable del equipo de la serie y por si mismos. 

Pero también por las palabras hermosísimas con las que son presentados en la voz del narrador, por la pluma de García Márquez. Sus pinceladas dibujan el destino, la posición en la familia, la fuerza o la desazón de quien viene a unirse a la saga de los Buendía. 

En el origen de esta historia, los primos José Arcadio Buendía y Úrsula Iguarán, al no poder ni querer reprimir su amor dejan su pueblo natal con un grupo de aventureros en busca del mar. Terminan creando la nueva localidad de Macondo y con ella nuevos hallazgos, nuevas prosperidades, nuevos conflictos y nuevos familiares y vecinos llenos de pasiones abrasadoras.

Desde el principio resuenan las peripecias de los personajes, conmueven las palabras y embriagan las imágenes con las que se cuenta una historia enorme con este realismo mágico que tan bien se adapta a la selva. 

La mezcla entre la educación racional y la magia y la maravilla indígena conviven en una lógica tropical que se hace entender y es poética. Algunos sucesos inexplicables son muy ciertos para quienes los vivieron. Y del deseo de explicarlos vienen tanto la creencia en milagros como la investigación científica.

Cien años de soledad es también crónica histórica de su tiempo, en forma de una versión ficticia de las nueve guerras nacionales que vivió Colombia en el siglo XIX. En el caso de Macondo, el conflicto se manifiesta como un problema de crecimiento. 

Lo que empieza como una semilla, un humilde poblado, da paso un pueblo próspero que se hace ciudad y atrae luchas por el poder. De una Arcadia feliz en la que cada quien se desarrolla libremente se va pasando a un sometimiento a normas caprichosas, y a ser objeto de codicia para la Iglesia, el Ejército, el Estado y los caciques. La lucha contra ellos atrae a revolucionarios y terroristas con lo que la violencia es inevitable.

Esta dinámica está atravesada por la vida del clan, desde sus Adán y Eva iniciales hasta los que les siguen, hijas e hijos, bastardos y parientes. Los afortunados con atractivo y valor encaran destinos diferentes a los celosos y envidiosos. Los rencores y los anhelos frustrados vuelven con la impecable lógica interna de la novela.

Esta obra sobresaliente se debe al talento colombiano y latino. Ha sido promovida por Rodrigo García, primogénito del escritor, que ha dirigido varias películas en Estados Unidos y episodios de series como A dos metros bajo tierra, Carnivale o Los Soprano. 

En esta ocasión no ha querido implicarse ni en el guion ni en la dirección y dejar esta tarea a colegas que tuvieran una mirada más libre sobre el material que escribió su padre.  Este ha declarado además estar muy contento con la versión para la serie ya que en otras adaptaciones de García Márquez los guionistas se habían visto atenazados por el respeto al escritor.

El argentino Alex García López, uno de los directores, explica a Trotalibros, que lo mágico se ha incorporado con la máxima naturalidad, evitando la deriva a la fantasía o el terror, casi como algo cotidiano. O como la cámara se mueve a veces como la voz en off del narrador, recorriendo los lugares que la voz evoca.

La colombiana ganadora de una Concha de Oro en San Sebastián por su película Los reyes del mundo firma tres de los episodios como directora. Ha declarado a El colombiano que ha descubierto que la literatura es un arte superior porque invoca a la imaginación y una adaptación es una tiranía que opta por una versión. 

“Lo hicimos con rigor, con respeto y humildad hacia la obra, con mucha investigación, con mucha disciplina, pero el Macondo que tienes en tu cabeza no sé como sea versus el Macondo que construimos” afirma la directora.

El rodaje se ha convertido en el mayor de la historia audiovisual de Colombia, precedido por Narcos, que era una producción de Estados Unidos. Cuatro Macondos se han levantado de la nada para representar la evolución de la localidad. Cientos de trabajadores acudían diariamente a los sets y cientos han participado en el elenco, más de la mitad de ellos sin ser actores ni actrices profesionales. 

Entre los guionistas que han traducido el mundo de la novela al guion está José Rivera, puertorriqueño que fue candidato al Óscar por su libreto de Diarios de motocicleta y que tras haberse criado en un hogar con la biblia como único libro se enamoró del teatro y descubrió la literatura latinoamericana a través de este libro. Luego conoció a Gabriel García Márquez, Gabo, que se convirtió en su mentor.

Rivera firma todos los episodios en compañía de colegas como Camila Brugés y Albatros González. Natalia Santa Carrillo es una de ellas. En entrevista a Magazine Larousse, admite que la complejidad de la obra fue un reto, en parte también por sus múltiples lecturas y afirma haberse divertido entresacando los escasos diálogos de la novela que son “magníficos y con un humor maravilloso”.

La segunda parte de Cien años de soledad no tiene aún fecha de estreno, aunque recientemente se terminó el rodaje y la posproducción avanza a buen ritmo. Esta serie importante, emocionante, a la altura, quedará para siempre vinculada a la novela ya que la dificultad de la adaptación la convierte en una pieza única. Sus Úrsulas, Aurelianos, Amarantas y José Arcadios tienen ahora miradas, caras y cuerpos que evocar. 

Empieza que no sabes si vas a ver una Paquita Salas que se dedica a la mediación y con menos chistes o qué. En seguida despierta la suficiente curiosidad como para seguir atendiendo. Al poco tiempo una Silvia Abril en clave de comedia contenida, nueva en ella, comienza a enamorar y el estilo de la serie se va imponiendo y consigue hacerse entender.

SkyShowtime ofrece ya los ocho episodios de media hora de esta serie creada por Miguel Ángel Faura y Eduard Sola. Sola se está convirtiendo en el común denominador de un montón de títulos de ficción actuales. 

Su presencia como guionista se multiplica en series como Querer, la nueva temporada de Citas Barcelona o esta. Al tiempo tiene en cines la película La virgen roja y aún resuena Casa en flames, uno de los mayores éxitos históricos del cine en catalán.

En esta ocasión ambos entregan una serie encantadora, llena de buenos sentimientos, que mezcla el estilo de falso documental de The office con el recurso de Fleabag de la protagonista hablando directamente con la audiencia. 

Mamen Mayo es una mediadora especializada en herencias. Cuando los deudos de quien ha fallecido no se ponen de acuerdo ella utiliza su talento y oficio para que todo el mundo quede contento con el reparto de los bienes.

Esta versión contemporánea del Rey Salomón que toma la apariencia de Silvia Abril ofrece una protagonista deliciosa. Un poco hortera, con apariencia algo ingenua pero inteligente, sagaz, profesional y buena persona. Abril la llena de encanto y frescura, entregando algo así como la tía algo extravagante de muchas familias que es la favorita de todo el mundo.

En esta serie, que sigue la fórmula clásica de un caso por episodio, Mamen Mayo se ve acompañada por el hijo del jefe del bufete al que pertenece su despacho. Un enchufado que aún está bastante verde encarnado por el actor Pablo Capuz.  El personaje ofrecía una oportunidad de lucirse con multitud de virtudes y defectos, comedia y una gran evolución y Capuz aprovecha cada oportunidad mostrando ser un actor muy completo.

Clara Sans interpreta a otra compañera del equipo. La actriz acaba de estrenar una serie española más, Celeste, recomendada en esta sección la semana pasada. Como ya hiciera en Cardo, donde tuvo un papel principal, llena su interpretación de luz y naturalidad.

Completa el equipo Mona Martínez como Sebastiana, una tasadora superdotada capaz de esconder cualquier secreto. Su personaje es el menos realista y funciona como contrapunto a la verosimilitud general.

Los actores con apariciones esporádicas están a la altura de este reparto lo que prueba tanto el gran nivel actoral español como el acierto de sus directores a la hora de engrasar al equipo en el ritmo que requiere el rodaje. Encontrar el tono propio, especialmente en comedia, es el ingrediente secreto que la eleva o la vulgariza. 

La era de Internet primero y las plataformas a continuación ha permitido muchísimas más tonalidades a la comedia que nunca veíamos cuando cada serie emitida en abierto tenía que aspirar a llegar a varios millones de espectadores. 

Para quienes gustan del humor es un auténtico festival disponer de títulos minimalistas como Poquita fe, de nicho costumbrista como Esto no es Suecia, comedias dramáticas como No me gusta conducir o Celeste o incluso trágicas, como Cardo o Maricón perdido.

Mamen Mayo tiene muchos elementos para poder continuar como serie larga. Su fórmula funciona, su reparto ha encajado perfectamente y no parece una producción de precio desorbitado. Sería una gran noticia su renovación y contar con un título de los que se convierte en serie larga ante tanto talento que se queda en seis u ocho episodios y desaparece.

Movistar Plus vuelve a estrenar serie española. En este caso una comedia dramática, sobria y pequeña, de seis episodios de media hora. En ellos Sara Santano, inspectora a punto de jubilarse, recibe el encargo de probar que la exitosa cantante Celeste ha residido en España el año anterior y, por tanto, debe al fisco más de veinte millones de euros.

Carmen Machi protagoniza este título y vuelve a mostrar que es una actriz mágica que no te acabas. En esta ocasión interpreta a una mujer aparentemente gris, modosa, a la que la viudedad ha empequeñecido el mundo aún más.

Bajo su rigor y sequedad late una heroína del sistema. Una servidora del Estado que lucha contra los poderosos para hacer justicia fiscal. Sus perseguidos son más ricos, más populares y más sexis que ella. 

“La gente nos odia. La gente prefiere encontrarse un bulto en la ingle antes que una carta de hacienda en el buzón”, le dice un colega a su personaje en un momento del guion. Y esa verdad que todos conocemos a fuerza de oír comentarios una y otra vez es la que da su interés a la serie. 

Cómo no reirle la gracia a Lola Flores cuando pedía una pesetilla a cada español para saldar su deuda con hacienda. Pues aquí se ofrece una reivindicación del otro lado del conflicto. De una funcionaria tenaz que a veces como mosquita muerta y otras como intrépida detective quiere recuperar para el país lo que le ha sido robado.

El guion está firmado por Daniel Castro, Oriol Puig Playà y Diego San José, el creador de Celeste. San José también es autor de muchas de las comedias más conocidas de las últimas décadas. En colaboraciones con Borja Cobeaga escribió Pagafantas, en 2009, y más tarde Ocho apellidos vascos y su secuela en Cataluña, entre otros trabajos.

Ha participado en equipos televisivos de comedias en El intermedio, La noche de José Mota, Vaya semanita o Qué vida mas triste y ha creado para televisión las sucesivas Vota Juan, Vamos Juan y Venga Juan con Juan Cavestany.

En entrevista a El cine en la SER ha explicado que esta vez ha querido bajar mucho la comedia para contar la historia en la clave de seriedad que demandaba. Su protagonista se ha adaptado a la edad de Carmen Machi, porque lo que tenía claro desde antes de tener la idea es que la quería a ella.

Tras coincidir en Ocho apellidos vascos y ver a la intérprete en teatro fue precisamente la mezcla de comedia y drama que borda la madrileña la que le inspiró el tono que finalmente ha acabado teniendo esta serie. 

En plató, tanto al reparto como a la directora, Elena Trapé, a veces les costaba no tirar a la comedia más pura y recordar la consigna de San José, la serie era como la película Zodiac con el IRPF, un policiaco serio en el que se desarrolla una investigación. Incluso una serie de espías.

San José está particularmente orgulloso de haberse permitido hacer la serie en este tono. Según él una comedia “en la que haya melancolía o haya dolor es un lujo para el personaje”. Hace unos años, para las cadenas, comedia era equivalente a chistes, pero ha llegado a un estatus en el que puede proponer géneros más híbridos. 

“Para mi la libertad no está en los presupuestos ni en los temas. Se habla menos del tono. Para mi el tono es lo que la libertad te permite experimentar” afirma el guionista.

Tono y tema. Porque destaca también su cada vez mayor preferencia por nuestra realidad nacional como asunto central. “Llegas a cierta edad y revisas lo que has hecho y yo donde más a gusto me he sentido es cuando he hablado de España” afirma al respecto.

Hijo de funcionario, San José ha querido utilizar su comedia para reivindicar lo público. “Hay una falta absoluta de conciencia fiscal en España” lamenta. Y la achaca tanto a la izquierda como a la derecha patriota, algo incongruente para ambos bandos. “Si no pagas tus impuestos ni eres de izquierda ni eres patriota” concluye.

San José necesita para motivarse que tras la peripecia de su guion haya algún subtexto con enjundia. “Al final es un año y medio de mi vida más o menos lo que dedico. O me importa lo que digo o qué pereza de trabajo” reconoce, añadiendo que muchas comedias pecan de no tratar de nada. 

Este compromiso con lo que cuenta traspasa la pantalla y emociona este homenaje a los buenos servidores públicos que hacen más por nuestra sociedad que una gloria deportiva o musical y nunca ven su labor reconocida a una escala popular.

Celeste apenas trata de Celeste, la artista, la diva, la millonaria. “Me siento mucho más cómodo en lugares grises, en lugares con gotelé” explica el creador de la serie, que no dudó un momento quien era la estrella de su duelo entre dos mujeres. 

Además, afirma que confía mucho en los héroes que son odiados al principio. Y es cierto que ofrecen un recorrido de crecimiento mucho mayor. Eso sí, su tesis a favor de contribuir al sistema común de bienestar no impide que haga inteligentes a los personajes que tienen otra opinión. San José ha querido dotarles de razones convincentes. De esas que si te encuentras en la vida real tienes que admitir que están bien argumentadas y tienen su parte de verdad. 

Machi es el centro de la serie, pero está muy bien acompañada. En cada una de sus facetas tiene un personaje que le da la réplica. Todos esos intérpretes están estupendos. Manolo Solo como fotógrafo, Clara Sans como una versión de la propia Carmen Machi de joven, Aixa Villagrán como su hija y Antonio Durán como el viejo colega con una vida profesional en común. 

Celeste es una gozada, se ve con gusto, se hace corta, interesa todo el tiempo e incluso despierta el apetito para hacer un policíaco de inspectores de hacienda. Parece mentira que habiendo series de detectives aficionados, profesionales, forenses o mentalistas no exista aún una de quienes siguen el rastro del dinero.

La Academia del Cine Catalán estudiará la la denuncia pública de acoso sexual realizada por la directora y fotógrafa Silvia Grav contra el director y miembro de la entidad Eduard Cortés, informa EFE.

La Academia ha informado este miércoles de que, siguiendo su protocolo interno, activará su denominada Comisión de abordaje para tratar la denuncia contra Cortés, director de series populares como Merlí o más recientemente Ni una más, sobre la denuncia de una agresión sexual por parte de una joven de 17 años en un instituto.

A través, primero de su cuenta de Instagram y posteriormente en la red social X, Grav ha dado a conocer que Cortés, se pasó años haciéndole grooming (acoso y abuso sexual en línea) cuando ella contaba con 19 años y el tenía 55.

En sus perfiles en las redes Grav asegura que el cineasta, del que guarda las conversaciones, le prometía ayudarla profesionalmente, siendo muy insistente, aunque ella nunca quedó con él.

Nacido en 1959, Eduard Cortés empezó su trayectoria como director de series televisivas en 1991, con títulos muy conocidos en Cataluña como Oh, Europa! y Sitges, aunque llegó al gran público con Merlí, que se ha podido ver en países de todo el mundo. Este año ha sido uno de los directores de la miniserie de Netflix, Ni una más.

En 2003 fue nominado como mejor director novel en los premios Goya por la película La vida de nadie. Otros de los filmes que ha dirigido son El payaso y el Führer, Ingrid o Cerca de tu casa.

Silvia Grav en su cuenta de Instagram ha consignado que está "1000% segura" de que no es la única. "Cuatro años intentando aproximaciones sexuales continuas son un patrón, no un caso aislado", y ha destacado que Cortés borró la cuenta de Facebook desde la que hacía estas propuestas, "probablemente viéndoselas venir".

Tras recordar a sus seguidores que el perfil que utilizaba el director era Gato del Cerro, pidió que si alguien hubiera pasado por alguna situación parecida se lo hiciera saber. A través de X, ha desvelado que en menos de tres días, otras 15 mujeres han dicho ser víctimas de Cortés y han compartido con ella sus historias.

Ahora se están organizando para "decidir juntas cuál es la mejor manera de denunciar esto", aunque ya ha avanzado que su intención es denunciar los hechos conjuntamente. "La verdad es que no damos abasto", ha apostillado Silvia Grav.

Ante estos hechos, la Academia del Cine Catalán activará la comisión de abordaje prevista en estos casos para "determinar las medidas a tomar", ha indicado la entidad.

Asimismo, ha puesto a disposición de las víctimas su equipo de atención especializada contra los abusos en el sector audiovisual, "estrictamente confidencial".

Desde mayo de 2022, la Academia dispone de un departamento de atención y prevención para las víctimas de acoso o abuso en el sector audiovisual o las artes escénicas, una iniciativa pionera en Europa, que fue creado a raíz de la polémica suscitada por los casos detectados en el Institut del Teatre de Barcelona y en L'Aula de Teatre de Lleida, entre otros centros formativos.

Además, desde junio pasado cuenta con un protocolo guía para la prevención y abordaje de las violencias machistas y LGTBI-fóbicas en el sector audiovisual. En el protocolo se establece que los rodajes deberán contar con una persona de referencia contra el acoso y las violencias machistas, así como con un coordinador de intimidad para las escenas de contenido sexual, entre otros puntos.

En vísperas del día de todos los muertos, de Halloween, las plataformas estrenan sus propuestas de terror fantástico o sangriento. Pero para algunos espectadores y espectadoras no hay nada tan espeluznante, que encoja el estómago y deje una sensación de alerta en el espinazo como un drama sobrecogedor y creíble. Algo que podría pasar y que sabemos que pasa.

Movistar+ ha estrenado la serie española de cuatro episodios Querer. Están disponibles los dos primeros. Mañana y el próximo jueves podrán verse el tercero y cuarto. 

La historia arranca con la denuncia de una mujer casada durante treinta años a su esposo por violencia sexual continuada. Ya desde el principio sentimos su terror. Cuando tiene la maleta preparada para salir a solas de su casa su marido llega antes de tiempo y ella ha de cocinar un filete aparentando normalidad. 

Ese esposo ignorante de que su vida va a cambiar, esa mujer cuyo corazón sale del pecho, pero no puede permitirse despertar sospechas y ese filete humeante en la sartén resultan aterradores.

La serie presenta después los cuatro puntos de vista principales. Los del matrimonio y los de sus dos hijos, varones y ya adultos. Cada secuencia se centra en el punto de vista de uno de ellos. 

Ruiz de Azúa hizo a todos los intérpretes pasar por pruebas a pesar de su valía probada, para ensamblarlos como familia. Están impecables. Nagore Aramburu (Loreak) como Miren ha afirmado haber necesitado fisioterapia algunos días tras el rodaje dada la tensión acumulada y reprimida de su personaje. Consigue que toda esa angustia traspase la pantalla y se contagie.

Pedro Casablanc añade a su tremendo talento una presencia física que va a favor del hombre dominante al que encarna. Miguel Bernardeau vuelve a entregar un personaje duro, que no necesita verbalizar mucho para resultar temible. Iván Pellicer interpreta a otro de los hijos llenándolo de luz y de dudas. 

Secundarias que han dejado con muchas ganas de ver sus papeles engrandecidos son Loreto Mauleón y una Natalia Huarte a la que el guion y su destreza permiten hablar con los ojos.

Al frente de la serie está la directora y guionista vasca Alauda Ruiz de Azúa, que debutó y deslumbró hace dos años como directora de cine con la multi premiada Cinco Lobitos. Ruiz de Azúa prepara su siguiente película, Los domingos, en la que volverá a ser también guionista además de dirigir.

Firma el guion de la serie con Júlia de Paz y Eduard Solá. Solá ha escrito recientemente el guion de la estupenda película de Netflix Casa en llamas. Sin dejar el fuego, fue uno de los guionistas de la serie también notable, El cuerpo en llamas. De paz es directora de sus propios filmes además de guionista.

El equipo dispuso de meses para documentarse sobre la violencia sexual dentro de la pareja estable. Según la propia Alauda Ruiz de Azúa pudieron entrevistarse con abogadas y abogados especialistas, psicólogos, asociaciones, víctimas y asistir a juicios.

Este trabajo previo supone un lujo que se traduce en seguridad y puntería a la hora de contar la historia. También dispusieron de meses para escribir los cuatro episodios, que muestran cuatro momentos esenciales del proceso que inicia la denuncia.

Alauda Ruiz de Azúa ha manifestado a Los Lunes seriéfilos que busca que los espectadores nos convirtamos en jueces de esta historia pero que ha querido lo contrario de sus actores. De ellos esperaba que encarnasen a los personajes entendiéndolos desde las vísceras más aún incluso que en un plano intelectual. 

La autora afirma buscar una conversación incómoda pero necesaria entre la audiencia. Y la conversación ha estallado como una bomba racimo desde que conocimos la retirada de la política de Íñigo Errejón y las denuncias a su comportamiento como abusador sexual. 

El caso no es el primero de los últimos tiempos, pero ha desencadenado un #MeToo, de momento en la política y ya se verá hasta dónde llega. Uno de los temas que trata esta serie y que vimos en el caso Rubiales, en el de Nevenka y ya estamos viendo en el caso Errejón es el descrédito a la denunciante.

La serie es demoledora a este respecto, porque ni siquiera la protagonista, que tiene bastantes rasgos de la víctima perfecta, como su escasa sexualización, o su dedicación a los hijos, logra un estatus de perfecta denunciante. 

Las ficciones sobre el abuso del consentimiento sexual ayudan a representar a nuevas víctimas, a hacer que la damnificada ideal se amplíe en el imaginario a mujeres más variadas y reales, incluso a hombres. 

Prepara el camino para cuando aparecen en las noticias o en nuestro entorno. El machismo seguirá, sin duda, pero al menos el feminismo estará dotado de mejores armas para luchar contra él.

Precisamente, Ruiz de Azúa, manifestaba que “hay que atreverse a ir a algunos sitios un poco incómodos. Las líneas que creíamos claras ya no lo son tanto”. El consentimiento dentro de la pareja estable se había contado siempre de una manera y ese es uno de esos relatos inamovibles que se está tambaleando.

Dentro de la serie, el tercer episodio recrea un juicio de manera lineal, y reflejando de manera exacta el proceso penal en España. En él vemos a abogados y abogadas de ambas partes, y declarantes. La serie escamotea la figura del juez dejando ese papel a cada persona que ve el juicio.

El episodio nos lleva por la desolación en forma de pasillo que la denunciante debe recorrer sola antes de dar testimonio y revivir su calvario. Y nos acerca a otro de los muchos aspectos que la directora ha querido tratar. El “silencio colaborativo con agresores y violadores y como el prestigio de los agresores ha colaborado en que no se supieran y se taparan” estas situaciones, según sus palabras.

A pesar de su dureza, esta tercera entrega es un drama judicial realista, potente, clásico. Son los demás episodios en los que el peculiar estilo de Querer se impone. Un estilo minimalista y contundente. Nagore Aramburu ha contado a Nocheamericana que los ensayos sirvieron para “quitar histrionismos, adornos”. Como señala: “Muchas veces la tristeza en la vida es cruda”.

Pedro Casablanc explica como no suele entrar en la historia cuando ve sus propias actuaciones pero que en este caso: “ha habido momentos en que me he llegado a emocionar y a sentir angustia como si estuviera viendo una película de terror”, a lo que asiente Iván Pellicer, su hijo en la ficción.

Y la creadora de la serie también aclara: “La serie habla mucho de miedo”. Ruiz de Azúa desvela la capa subterránea del guion, bajo la violencia sexual se habla de miedo y de cómo se construye. “Todos los personajes tienen miedo y el miedo es muchas veces el motor de las decisiones que tomamos” añade.

Lo que le lleva a reflexionar una vez más sobre la incomprensión que reciben las víctimas. Se les reprocha que se hayan quedado paralizadas “cuando en nuestra vida todos nos movemos por miedo a muchas cosas” señala. 

Su serie nos contagia ese miedo de los personajes, lo concentra y lo destila, pero la información periodística o en redes sobre abusos abona el pánico y cada vez más el hartazgo y la rabia de las víctimas y de todas las personas que las creen y se ponen en su lugar.

Es extraordinaria la veta de la ficción que analiza el rumbo del mundo y anticipa nuestros problemas. En los últimos años es cada vez más frecuente que estas profecías o moralejas preventivas se refieran a un futuro tan próximo como mañana o hoy por la tarde.

Black Mirror, Years and years, la película Civil war, El cuento de la criada, la reciente serie francesa La fiebre, o el título británico The Capture son algunos ejemplos.

Los doce episodios que forman las dos temporadas de The capture pueden verse en Movistar+ desde junio aunque fueron emitidas originalmente en el 2019 y en 2022 respectivamente.

El foco de la trama y del análisis del mundo en el que vivimos se centra en la hipervigilancia a través de dispositivos electrónicos, especialmente de cámaras. Cámaras en los ascensores, tiendas, parkings, calles, aeropuertos, autobuses, en nuestros móviles y tabletas.

La acción se sitúa en Londres, una de las ciudades más vigiladas del mundo. Según Comparitech informaba en mayo de 2023, sus últimos datos informaban de más de 13 cámaras por cada mil habitantes. En las principales ciudades chinas está el récord, hay 439 cámaras por mil habitantes, casi una por cada dos.

En la serie se plantea qué ocurre si las grabaciones de esas cámaras son alteradas para producir deep fakes, los vídeos falsos con aspecto de realidad que ya estamos viendo en redes y pseudomedios hace tiempo y que la inteligencia artificial (IA) está convirtiendo en un problema aún mayor.

En la serie se llaman correcciones, y se cambia el ángulo de enfoque en cada temporada. En la primera mira hacia los posibles grupos interesados en alterar imágenes para hacer pasar a inocentes por culpables.

En la segunda se aborda la geopolítica de la vigilancia y de la IA, especialmente el reconocimiento facial, que en China se emplea incluso en los colegios. El uso que se puede hacer de estas herramientas desde las dictaduras, y desde las democracias.

China, Estados Unidos, Rusia y Gran Bretaña aparecen como posibles jugadores en el tablero. Los megamillonarios dueños de tecnológicas concentran el poder suficiente como para operar por si solos en este escenario mundial.

En ambas temporadas la inspectora de la policía Rachel Carey, interpretada por la actriz Holliday Grainger, lucha por poner luz a oscuras manipulaciones de la verdad.

En la primera entrega, la víctima es un soldado retornado de Afganistán acusado de un crimen que parece no haber cometido a pesar de las evidencias en su contra.

En la segunda, la actividad pública de un ministro británico es jaqueada por agentes desconocidos convirtiendo su vida en una pesadilla. En ambas la acción se mueve entre agencias de espionaje, medios de comunicación y la sociedad civil.

El creador, guionista y director de los episodios de la primera temporada, Ben Chanan, advertía en entrevista a Luifer de que tenemos “todo el derecho a sentir paranoia”.

“La idea de que algunos grupos nefastos puedan crear vídeos que engañen el público, posiblemente incitándolos a algo destructivo como la guerra o una sublevación se vuelve cada día más probable”, declaraba. “Aterrador”, concluía.

Chanan introduce el concepto, inquietantemente cada vez más mencionado en los últimos tiempos, de la guerra civil inducida maliciosamente. Lo hacía la magnífica serie La fiebre, centrada en ello. En el mundo real, el tuitero mayor del reino y dueño de X, Elon Musk, señalaba sobre Reino Unido el cuatro de agosto, “la guerra civil es inevitable”.

En otras declaraciones, en Mundo películas, Chaman recordaba las advertencias ante la hipervigilancia hechas por George Orwell y manifestaba que quería cambiar la conversación: “de los miedos de privacidad a los miedos de confianza. ¿Qué pasa si el Gran Hermano no solo lo está viendo todo sino que está jugando contigo?” preguntaba.

A parte de sus lecturas políticas, la serie puede disfrutarse como un entretenimiento denso lleno de giros y sorpresas que cambian lo que creíamos hasta el momento. En algunos momentos hay tantos puntos de giro que parece que no se va a poder llegar a la coherencia, pero la serie lo resuelve avanzando sin tregua.

The capture es un ejemplo más del dominio británico a la hora de ofrecer policiacos intensos y emocionantes. Sus guionistas han desarrollado una tradición que les lleva a una narrativa eficacísima.

Si los estadounidenses crearon y bordan su propia utopía, el concepto del sueño americano en el que se busca la prosperidad y la mejora personal, los británicos son expertos en contar la belleza del trabajo bien hecho. Lo han hecho con profesiones como mayordomo, y desde luego con detectives y policías.

En esta ocasión abundan también los asuntos internos, las implicaciones morales del caso y una muy buena narrativa a la hora de mostrar persecuciones u operaciones especiales.

Holliday Grainger, que ha desarrollado buena parte de su carrera en papeles de época, lidera el reparto con solvencia. En la primera temporada le acompaña un impecable Callum Turner que también encarna a un militar en la serie Los amos del aire.

En la segunda temporada Grainger comparte protagonismo con Paapa Essiedu a quien vimos en Podría destruirte y en Black Mirror, entre otros trabajos, un actor que extrae un toque de humor de lugares improbables.

En ambas se ve arropada por un coro de buenos actores entre los que destaca Ben Miles (The Crown), Daisy Waterstone (Los Durrell) o el estadounidense Ron Perlman, (Hellboy).

Con un ritmo constante y una intriga cada vez más enrevesada, The capture nos recuerda lo que ya sabemos, la vulnerabilidad de un mundo repleto de cámaras que pueden ser utilizadas con intenciones perversas, especialmente si se combinan con las demás tecnologías disponibles. 

El padre de cuya mente ha salido el programa infantil más perfecto y buenrollero posible es un monstruo en casa. Edgar, el hijo de nueve años, que presencia la enésima bronca entre sus padres, desaparece.

La búsqueda activa a su padre, Vincent, interpretado por Benedict Cumberbatch, a quien ya no soporta nadie, para recuperar un hilo de unión con el hijo ausente.  Será en forma de un muñeco gigante al que el niño había dibujado y a quien solo él, como brillante titiritero, puede dar vida.

Paralelamente se abre una investigación policial. El tenaz agente encargado, interpretado con intensidad y delicadeza por McKinley Blecher III, va desvelando capas de homofobia, racismo y corrupción en la policía y en la sociedad.

A lo largo de sus seis episodios, esta serie de Netflix bucea en la oscuridad de Vincent, ese padre narcisista, adicto, autodestructivo y una ciudad peligrosa llena de injusticias. Todo junto a un peluche con forma de ogro de dos metros de altura que evidencia que los peores monstruos somos nosotros.

A pesar de que Nueva York es el alma de la producción, la serie es británica. Su autora es la guionista Abi Morgan, que en televisión ha firmado proyectos como The hour, sobre un informativo de la BBC o The Split, sobre una familia de abogadas matrimonialistas.

En el cine ha participado en varias adaptaciones y coescribió la impactante película de Steve McQueen Shame. Morgan ha volcado en esta serie varias de sus propias vivencias.

Pasó unos años como niñera en Nueva York en los ochenta. De ahí y de su experiencia como madre surgió el detonante de la angustia de perder a un niño. Por otro lado, ella misma había pasado de pequeña buena parte de su tiempo en los camerinos y salas de ensayos de los teatros que su padre dirigía y había conocido de primera mano las luchas de egos que se dan en los equipos creativos.

Sin embargo, en la serie destacan no solo las referencias propias de su autora sino algunas muy reconocibles de la cultura de entonces. El protagonista de la historia, Vincent representa algo así como la cara b de Jim Henson, uno de los mayores héroes de la historia de la televisión. Henson fue el genio creador los Muppets, los Teleñecos, de los títeres de Sesame Street, y de los Fragel.

Otro monumento de la contracultura neoyorkina de los ochenta recibe también un homenaje más modesto en la serie. El artista grafitero Jean-Michel Basquiat, que firmaba durante una etapa con una corona recreada en Eric. Antes de convertirse en uno de los artistas más importantes de su época, el afroamericano malvivió sin techo en las calles de la ciudad reflejada en la serie.

Y entre estas figuras de talento se acumulan montañas de basura en cada esquina, miles de personas sin hogar hacinadas en los túneles del metro, tramas de corrupción entre la política y el narcotráfico y trata de personas vinculada a los clubes nocturnos que hicieron famosa a la ciudad.  

Parte de lo más logrado de la serie se debe a la dirección de Lucy Forbes, que ha dotado a la fotografía de una oscuridad y un grano que la hacen más y más agobiante. Ha recreado una Nueva York de época en Nueva Jersey y sobre todo en Budapest.

Y por supuesto ha dirigido a los actores con potencia. Forbes ha trabajado previamente en unas cuantas series británicas de altísima calidad como In my skin, Esto te va a doler o The end of the f***ing world.

Respecto al argumento principal, Abi Morgan, ha declarado a Heyuguys que “el viaje de Vincent es encontrar a su hijo y en el camino se va a encontrar a si mismo”.

Para ello sirve Eric, el monstruo de voz grave. Este amigo imaginario es, según la autora, “una forma de tener una conversación”, en lugar de un monólogo. El único amigo que soporta al protagonista por otra parte.

Morgan recuerda haber tenido amigos imaginarios entre sus Legos y muñecos, y piensa que escribir es seguir manteniéndolos porque la existencia de alguien que lee al otro lado convierte la narración en una conversación.

La guionista siente que el Covid ha agudizado la necesidad de sentir una conexión y una serie como Normal people se ha convertido para ella en una referencia absoluta que vuelve a ver una y otra vez en esta búsqueda de encuentro y reconocimiento.

Netflix vuelve a apostar con esta serie con una línea que le ha dado algunos éxitos, el más reciente el de Mi reno de peluche, una exploración de los rincones oscuros de la mente y los traumas, una bajada a los infiernos.

El problema de Eric es que el arco de su protagonista, Vincent, se atasca y termina por ser redundante. Cumberbatch es un estupendo actor, y muy carismático, pero este papel de alcohólico desquiciado le ofrece menos variedad de la que puede parecer en principio.

A cada uno nos gustan y disgustan especialmente algunos artefactos narrativos. Contar un viaje en avión haciendo volar una maqueta de la aeronave sobre un mapa a menudo es un recurso con encanto, por ejemplo.

Las grandes revelaciones finales delante de un gran público fascinan a quienes las escriben y a parte de quienes ven comedias románticas e incluso de otro tipo de géneros. Hay a quienes suelen dar vergüenza ajena.

En Eric hay una parte de la resolución que se organiza de esta manera y a partir de entonces lo que era sórdido, realista y oscuro se convierte en peliculero, maravilloso y sincronizadamente perfecto. Volviendo a la subjetividad, se puede interpretar como un cierre en alto o como una traición al tono que se había elegido para la serie.

En las distintas piezas que componen el final se esconden también reflexiones acerca de como el trauma o la disfuncionalidad pueden pasar de padres a hijos como un regalo indeseado. O como el monstruo que cada uno lleva es casi imposible de anular. Se puede aspirar a tener una mejor convivencia con él.

Los temas que la serie aborda de manera tangencial tienen tanto interés o acierto como la trama principal. La ruptura de un matrimonio, la crueldad de la homofobia, la corrupción, el distinto trato que se ofrece a un niño desaparecido blanco o a uno negro, por ejemplo, aportan gran parte de su valor a una serie que ha estado cerca de ser aun mejor.