Ángel o demonio, El día de mañana, El Ministerio del Tiempo o El inocente son algunas de las series en las que ha participado la actriz Aura Garrido. Proveniente de una familia de artistas —su padre músico y su madre pintora—, su carrera en televisión empezó en 2009 participando, durante 4 episodios, en la serie juvenil Física o química, interpretando a Erika. Ese año también participó en la serie cómica De repente, los Gómez, estrenada en Telecinco. Mientras realizaba sus primeras apariciones televisivas, paralelamente, la actriz madrileña se formaba en la Real Escuela Superior de Arte Dramático, centrándose en la interpretación textual. Sin embargo, en el año 2010 llegó a su vida el rodaje de la película Planes para mañana, dirigida por Juana Macías. 

Esta filmación relata las vivencias de cuatro mujeres —de diferentes edades  y situaciones vitales— que tienen que tomar —o no— la decisión de cómo quieren vivir sus vidas, asumiendo sus propias decisiones y sus propios riesgos. Aura interpreta a Mónica, la mujer más joven de todas. 

La realización de esta película, y más en particular el personaje que interpretó, se acercaba bastante a las experiencias personales de la actriz por aquel entonces, ya que este rodaje hizo que Aura Garrido —al igual que Mónica— tomase una importante decisión: continuar con su formación en la Real Escuela Superior de Arte Dramático o adentrarse en el mundo laboral. Finalmente optó por la última opción y no le salió nada mal. Este personaje le dió la nominación al Premio Goya como mejor actriz revelación y el Premio Biznaga de Plata en el Festival de cine de Málaga. 

En esta conversación con infoLibre, Aura Garrido nos presenta a Julia, una joven noble de voluntad firme, aunque caprichosa e insatisfecha con las costumbres y tradiciones sociales que le han tocado vivir. Este personaje es la protagonista de La Señorita Julia, obra de teatro naturalista escrita por Strindberg, escritor y dramaturgo sueco. La obra se enmarca dentro del contexto festivo de la noche de Midsommar —lo que en España entendemos como la Noche de San Juan—, siendo esta celebración una noche de excepciones, circunstancias anómalas y elementos extraordinarios como que los campesinos entren a la casa del dueño de la finca, algo prohibido el resto de días. Esta obra de teatro y el personaje de Julia es uno de los favoritos de Aura Garrido: “Creo que es mi papel favorito desde que estudiaba”. 

Una de las características fundamentales de este tipo de teatro del siglo XIX es que el determinismo invade la escena a la hora de explicar las conductas, los problemas y las situaciones de unos personajes condicionados por el medio social y cultural en el que viven. Las escenas se confunden con la realidad pretendiendo transformarla, adoptando con ello una actitud crítica, a veces censora y un tanto doctrinal. La introspección psicológica y sociológica que se pone de moda en estas obras tiene como consecuencia la composición de personajes cuyos caracteres rompen los estereotipos tradicionales y ofrecen aspectos aparentemente contradictorios. 

Continuando con las presentaciones, ahora es el turno de Rue, una joven drogadicta de 17 años que lucha por encontrar su lugar en el mundo. Recién salida de rehabilitación, batalla por entender lo que le depara el futuro. Al igual que Julia, Rue —interpretada por Zendaya, con cuyo papel ganó el premio Primetime Emmy y el premio Satellite a la mejor actriz en una serie dramática, siendo la intérprete más joven en ganar esta categoría— es la protagonista de la serie de HBO Euphoria. Esta serie estadounidense de drama adolescente ha recibido muchas críticas positivas en relación al tratamiento de los problemas, conductas y las situaciones a las que tienen que hacer frente este grupo de adolescentes. Al igual que en La Señorita Julia, las escenas reflejan la realidad y hay una importante crítica en torno a los problemas que tienen que hacer frente los protagonistas, en especial la adicción a las drogas y las relaciones sociales —ya sean amorosas, amistosas o familiares—. 

Estas dos obras han traído consigo importantes innovaciones de carácter técnico. En las representaciones de La Señorita Julia la iluminación era —y es— fundamental. Con ella, se generaba protagonismo total a actores y actrices, dejando atrás el lado sombrío tan característico de las obras de teatro anteriores. En Euphoria hay un importante juego de luces, en donde la iluminación es también crucial. De hecho, es uno de los rasgos que Aura Garrido destaca de la serie: “El movimiento de cámara y el uso de la luz son una pasada”. Y es que la serie ha sido muy elogiada —y premiada— desde este punto de vista.

Dadas estas características —y similitudes— entre ambos personajes, Rue también es uno de los papeles envidiables para Garrido, y es que confiesa a infoLibre que le encanta el personaje: "me parece un papel muy complejo y muy bien escrito ”. Además, añade que “la forma en que está grabada es muy interesante” y concluye diciendo que “su complejidad está perfectamente sincronizada con el trabajo actoral, no veo que se dé más importancia a una parte o a otra. Me encantaría saber cómo han conseguido ese equilibrio entre lo técnico y lo actoral porque no es nada fácil”. 

Y para poner broche final a la conversación, Aura Garrido nos deja con Declaración de guerra, película de origen francés dirigida por Valérie Donzelli. Esta obra relata la historia de una pareja que debe hacer frente a la enfermedad de su hijo, inspirada en las vivencias personales de la directora. Debido a la trama, Garrido confiesa que “es la película más vitalista y esperanzadora que he visto, un canto de amor a la vida” e insiste en que “es muy muy bonita”. 

La flaca (1996) es uno de los discos de debut más exitosos de la historia del pop español gracias, precisamente, a la canción que le da título. Basada en hechos reales, es la historia durante un viaje a Cuba de un flechazo en el núcleo mismo del corazón de Pau Donés (Barcelona, 1966-Bagerque, 2020), loco de amor por una "tremendísima mulata" con nombre y apellidos: Alsoris Guzmán.

Ella fue la inspiración, la musa para que esta canción dulcemente sudorosa se asentara en nuestra cultura popular, derramándose sobre nosotros con su melodía pegajosa y un estribillo cadencioso de esos que se cuelan en la cabeza y se quedan a vivir para siempre. Ese tipo de inmortalidad consiguió Pau con el gran hit del primer disco de Jarabe de Palo (incluso Melendi confesó en su momento que La flaca fue una de las primeras canciones que aprendió a tocar con la guitarra, pero no estamos en disposición de asegurar que eso sea algo bueno).

"Con vuestro permiso me dispongo a relataros cómo escribí La flaca. Para ello me aprovecho de un texto que escribí para la ocasión en nuestro disco-libro Orquesta reciclando (2009), una de las joyitas de la discografía jarabesca y que podéis encontrar en nuestra página web. Ahí desvelé el secreto de uno de los romances más cortos e intensos que he vivido, así como otras muchas historias que me llevaron a componer algunas de las canciones más populares de Jarabe de Palo", escribía Pau en su autobiografía 50 palos... y sigo soñando (2017).

En sus páginas narra la historia de este clásico atemporal de la música española, a partir de un viaje de varios amigos a Cuba en 1995: "El director de cine Fernando de France había comprado ocho billetes baratos y nos invitó a viajar a la isla con el objetivo de rodar el videoclip de El lado oscuro, canción que en aquel entonces no estaba ni editada. Tres días antes de irnos nos encerramos en un estudio y grabamos una demo bastante bien arreglada, lo que serviría después para regrabar la canción como se conoce en la actualidad".

Y continúa: "Llegamos a La Habana, dejamos las cosas en el hotel y con el subidón nos fuimos de fiesta a 1830, una discoteca al aire libre en El Malecón que allí todos conocen como La Tasca. Tomamos unos mojitos y cuando nos marchábamos entró en el local una mujer de belleza impresionante, con un vestido de gasa roja semitransparente y en la cara dos soles que sin palabras hablaban".

Pau se quedó pillado. Durante los días siguientes estuvieron buscando una modelo para el videoclip que había motivado su viaje, por lo que vieron a "muchas chicas estupendas, pero en la cabeza de todos había solo una, la del vestido rojo" que encontraron el primer día en La Tasca. "Y allí que fuimos cada noche hasta que por fin la encontramos. Una diosa, eso es lo que era. Nos acercamos y le contamos nuestros planes: necesitábamos una modelo para un videoclip y pensábamos que ella era la ideal. Y sin más prolegómenos, Alsoris aceptó", cuenta Pau.

"Nos citó al día siguiente en su casa para recoger sus cosas y al mediodía ya estaba instalada en nuestro hotel, compartiendo habitación con Eva Nielsen, en aquellos momentos la ayudante de dirección", continúa el músico, quien recuerda: "Llovió sin compasión toda la semana, por lo que no pudimos rodar ni un metro de película, aunque sí descubrir, de la mano de Alsoris, esa Cuba que no sale en los catálogos de las agencias de viajes".

Durante esa semana se produjeron cambios en la logística del equipo y Alsoris se mudó a la habitación de Pau. "No porque le gustase más yo, sino más bien todo lo contrario, porque resultó que Eva le gustó un poquito más de lo normal y Fernando -el director- pilló una ameba que le tuvo en el hospital cuatro o cinco días", rememora divertido en su libro, en cuyas páginas confiesa que se enamoró "perdidamente de ese coral negro de La Habana, de esa tremenda mulatona".

La artista cubana, que actualmente reside en Milán, contó tiempo atrás al diario El Mundo su propia versión: "Surgió un beso, pero ya. Un beso en el autobús cuando íbamos en viaje por Cuba. Él era una persona tímida entonces, aparte de que éramos muy jóvenes; y a mí no me pidas mezclar el trabajo con otra cosa". Y en otra entrevista con la SER compartió más recuerdos sobre aquellos días: "Me llevaron allí y allá, íbamos de parranda, de gozadera, pero no me dieron nada. Qué me iban a dar si no tenían ni para ellos. Pau durmió en mi casa cinco días porque no tenían para el albergue".

Mientras tanto, aunque no se llegó a rodar el videoclip de El lado oscuro, Pau y su equipo sí grabaron imágenes en la isla con Alsoris, quien por eso protagoniza la primera y mayoritariamente desconocida versión del videoclip de La flaca (el oficial, el conocido por todos, se rodó meses después de ese viaje en Nueva York y se popularizó gracias a una campaña de publicidad de Ducados). Y así pasaron los días mientras se acercaba el momento de volver a España.

Fue entonces, en esas últimas horas, cuando llegó sin llamar la inspiración. "La noche antes del viaje salimos a celebrar, volvimos al hotel de madrugada y ya en la habitación, Alsoris, como cada noche, me dio un beso en la mejilla y se metió en su cama", narra Donés. Pero la cosa no se quedó ahí, no podía ser así: "Fui al baño y al salir, viendo a ese ángel negro enfundada entre sábanas blancas, no me pude reprimir. 'Flaca, no me puedo ir de la isla sin haberme acostado contigo'. Ella sonrió, abrió los brazos y me dijo: 'Ven, Pablito'".

"Me recosté en la cama, la abracé y el siguiente recuerdo que tengo es despertarme con el sol de la mañana dándome en la cara, abrazado a Alsoris, pero totalmente vestido. Fue tal la emoción que había sentido esos días que me había quedado dormido". Lo que sintió en ese preciso instante, rendido ante su musa, fue lo que convirtió en canción: "Me levanté, agarré un lápiz y una hoja de papel, y sentado en mi cama y mirando a La flaca dormida escribí".

En apenas diez minutos tenía una "poesía corta que relataba lo que había sentido por esa mujer durante esas dos increíbles semanas en La Habana". Acto seguido, copió el poema en otra hoja y la guardó en un sobre antes de partir hacia el aeropuerto de Varadero.

Allí le entregó Pau una copia del poema: "Aquí te dejo un regalo, mi Flaca, en agradecimiento por estos días que nunca olvidaré. Solo te pido una cosa, que lo abras cuando me haya ido". Se abrazaron y se despidieron: "Una vez hube traspasado el control de pasaportes, no pude resistir la necesidad de verla por última vez. Me di la vuelta y al mirarla me di cuenta de que ya había abierto el sobre. Estaba llorando a la vez que leyendo esa corta poesía que con los años se convertiría en la canción que puso a Jarabe de Palo en el mapa. Me refiero, cómo no, a La flaca".

Como en toda buena historia de amor, no faltan las contradicciones y al menos un par de versiones, pues Alsoris ha declarado en alguna ocasión que Pau le entregó el poema antes, durante aquellos días de estancia en la isla (algo que encaja más viendo lo rodado entonces). Sea como fuere, ella publicó un mensaje en Facebook hace un par de meses coincidiendo con el segundo aniversario de la muerte del músico. "¡Un recuerdo por siempre Pau!", escribió, compartiendo a su vez esa primera versión del videoclip de La flaca en el que ella es, efectivamente, esa flaca. Para que luego digan que un flechazo no puede convertirse en amor eterno (a pesar de no haber sido consumado... o justo por eso).

“Menos es más” en la cocina de Pepa Muñoz del Qüenco de Pepa. La sencillez y la tradición están presentes en todos los platos de la chef madrileña con raíces andaluzas, y en esta receta sentimos el guiño a estas tierras. “El plato nace a raíz de una intervención que tuve en un encuentro gastronómico en Huelva, como un guiño a mi querida Andalucía con el choco. Además de añadir un ingrediente que poco a poco se está abriendo camino en nuestra gastronomía: el cilantro. Por otro lado, con el tomate he encontrado una versatilidad enorme, no falta en mi cocina ni por supuesto en mi huerta”, comenta la cocinera en relación con la receta de sopa de tomate con guiso de choco, cilantro y lima.

Muñoz es la propietaria de uno de los restaurantes más aclamados de la capital española. Además, es la primera presidenta de la Federación de Cocineros y Reposteros de España (FACYRE). Su cocina siempre está llena de los mejores ingredientes, ya que son la clave de sus platos. En este caso, el tomate tiene el papel protagonista en la receta, que según la chef es “fácil de preparar”. “El punto clave es tener un buen tomate para hacer la sopa, en su punto óptimo de maduración. Ahora estamos en un buen momento para encontrarlos”, recomienda Pepa Muñoz.

En primer lugar, pelamos y picamos en daditos una cebolla y el puerro. Tras esto, laminamos el diente de ajo para ponerlo en una olla con un poco de aceite y sal, junto a la cebolla y el puerro. Dejamos que se cocine todo a fuego medio removiendo de vez en cuando durante unos 5 minutos hasta que se empiecen a dorar.

En segundo lugar, pelamos los tomates y para ayudarte podemos escaldarlos en agua caliente y así la piel se despega mejor. Reservamos en un escurridor para que pierdan agua. Después, troceamos los tomates y los incorporamos a la olla junto a las verduras que ya hemos pochado. Picamos las hojas de salvia también, y las añadimos e incorporamos un poco de sal, pimienta, azúcar y el caldo de verduras. Lo movemos bien y lo ponemos a fuego fuerte, cuando empiece a hervir bajamos el fuego para que esté suave. Cocinamos durante unos 30 minutos y tras ellos trituramos.

Finalmente la dejamos reposar antes de servir. Esta sopa la podemos tomar fría o caliente, aunque con esta receta mejor tomarla caliente por el acompañamiento de guisos de choco.

Primero, cortamos en daditos pequeños el pimiento y la cebolla, para luego ponerlo en una olla con un poco de aceite para pocharlo. Colocamos primero en esta olla el pimiento y 5 minutos después la cebolla. Tras esto, añadimos las 2 hojas de laurel, sal y los chocos cortados en dados, después removemos todo bien e incorporamos el vasito de vino blanco. Ponemos el fuego fuerte para que se evapore el alcohol y añadimos el caldo de pescado, azafrán y curry.

Finalmente, removemos, bajamos el fuego a temperatura media y dejamos que reduzca unos 30 minutos.

En un cuenco ponemos la sopa de tomate y sobre esta los chocos guisados, unas hojas de cilantro y la piel de lima rallada.

Pepa Muñoz nació entre fogones como quien dice. Con nueve años ya limpiaba boquerones y calamares en el negocio familiar, mientras que con once ya cocinaba al lado de su padre, Pepe, además de acompañarlo a los catering que daba por toda España. Cuando le preguntan si su sueño fue ser cocinera, la madrileña cree que fue más bien por “accidente”. “En el negocio familiar necesitaban ayuda y sin poder elegir allí estaba. Poco a poco me di cuenta de que los fogones me habían atrapado. Hoy en día no concibo mi vida sin mi cocina ni sin su despensa que es la huerta”, comenta la chef. 

Los platos de la madrileña cautivan a todo aquel cruce las puertas del Qüenco de Pepa, cuya máxima seña de identidad “es la recuperación de los sabores olvidados”, señala Muñoz. Asimismo, puedes saborear la sencillez, cuyo rasgo no es negativo, de sus platos. Así lo comenta la chef: “Utilizó el mínimo de ingredientes para preparar mis platos procurando, eso sí, que sean los mejores”. Además, el restaurante apuesta por “la tradición y la sostenibilidad”. Sobre este último aspecto, la madrileña recuerda que lo trabajan desde 2003, aunque en la actualidad “afortunadamente haya más sensibilidad, origen y cercanía”.

El jet de los saudíes recogería a don Juan Carlos después de almorzar. Tan pronto el rey bajó a desayunar, toda la maquinaria palaciega se puso en marcha para preparar su equipaje. Camisas, bañadores fosforitos, un par de rifles, su reciente colección de ortopedia fantástica y el iPad para ver The Crown en el avión.

Me inquietaba que su majestad no hubiese intentado ninguna finta para quedarse en el país. ¡No me cogería con la guardia baja! Durante las últimas semanas, sacando un rato de aquí y de allá, había redactado un plan de operaciones que solucionase las opciones más previsibles. El rey me miraba y yo lo miraba a él: éramos contrincantes en una despiadada batalla de ingenio.

—Joaquín, ¿qué harás mañana, cuando me haya ido?

—Pedir el subsidio de desempleo, majestad, como un buen español.

—Hombre, no quiero hacerte eso…, quizás podría alargar mi estancia unos días más.

—Oh, no se preocupe, señor. Si a mí no me gusta trabajar. Usted me entiende, ¿verdad?

¡Uf! Por los pelos. Oía el pitidito del telégrafo en mi despacho. A los funcionarios de Zarzuela no les quedaban uñas que morderse. "Que no se quede STOP por la gloria de tu madre STOP Don Felipe va tibio de orfidales STOP La infanta Elena pregunta qué es una infanta STOP".

Contesté apresuradamente y seguí a lo mío. Don Juan Carlos se estaba tomando un vermú con aceitunas y se entretenía mirando cómo el servicio correteaba de un lado para otro. Noté que barruntaba alguna treta. El astuto jubilado no me hizo esperar. Fingió que se levantaba y lanzó un alarido de dolor. "¡Maldita cadera! Así no puedo ir a ningún lado…". Salí corriendo y volví con una jeringa con una aguja que ríete tú de las de tricotar. "No se preocupe, señor, tenemos este calmante intramuscular superdoloroso en el botiquín. Voy a ver si acierto en el sitio". Don Juan Carlos puso cara de espanto y se repuso inmediatamente. Me miró con unos ojos que decían "habrás ganado esta batalla, pero no la guerra".

A medida que avanzaba la mañana, sus artimañas y maquinaciones subían de nivel. Fingía haber perdido algo importantísimo sin lo cual no podía marcharse, nos fustigó con la pantomima de una aparición de la virgen e incluso amagó con prestarse a declarar ante la fiscalía. Resolví aquellas situaciones con una maestría condecorable, así que espero que el rey reinante lea estas columnas y me haga comendador de la Orden del Santo Sepulcro o algo así. En fin, llegada la hora nos apresuramos a montar la famosa comitiva real (ya saben, el Seat Ibiza, la C15 y los húsares en Vespino) y nos dirigimos al aeródromo privado de Madrid Barajas Adolfo Suárez La Parte Contratante De La Primera Parte. Mientras las azafatas subían las maletas de su majestad, el rey quiso despedirse de mí con su última jugarreta.

—Verás, Joaquín, es mi real deseo quedarme un poco más por aquí.

—Oh, excelente noticia, señor. Acabo de recibir una nota de la reina Letizia, que le encantaría que la acompañase a…

—Bueno, bueno, bueno, mejor no hacer esperar al piloto.

Subió al avión como si le quemase el suelo de la pista. Mientras recogían la escalerilla, agité mi pañuelo. Con lágrimas en los ojos, vi que me acababa de llegar la transferencia de Zarzuela.

Au revoir, majestad. Nos volveremos a encontrar.

La actriz catalana Laia Manzanares es una de las caras más prometedoras del cine español. Su paso por la serie Merlí ha supuesto un antes y un después en la carrera de la joven actriz, que le ha abierto puertas para futuros proyectos, incluidas series y obras de teatro.

Es el caso de Talaré a los hombres de sobre la faz de la tierra, una obra dirigida por María Velasco y que se acaba de estrenar en Madrid: “La estrenamos aquí, en la Sala Cuarta Pared. Ya llevamos dos años intentando sacar adelante la obra. Hay algo que está muy arraigado en mí con este personaje y es que cada vez le descubro más matices y más capas”. Esta obra trata sobre la relación entre la violencia sexual y emocional en un escenario natural que pone en jaque el papel de la mujer en una sociedad violenta.

Laia confiesa que uno de sus personajes favoritos que le hubiese gustado interpretar se acerca mucho a la temática desarrollada en la obra. Se trata de la protagonista de la película Una joven prometedora, Cassie, interpretada por Carey Mulligan: “Es verdad que veo muchos papeles y digo guau, los haría encantada… pero mira, por ejemplo en esta película… me habría encantado hacer ese papel. Cuando la vi, dije: ‘Yo quiero hacer esta película’.”

No se aleja mucho del tipo de papel que le gusta trabajar a la actriz ya que son personajes femeninos que presentan a la mujer en posiciones de poder que reivindican derechos y justicia. “Al final tiene algo que ver con que el cine esté empezando a tener visiones femeninas y en esta película, concretamente, se trata de una mujer que se toma la venganza contra los abusadores por su propia mano”, recalca Laia. No es la primera actriz de El papel de mi vida que pone sobre la mesa el rol que asume la mujer dentro del mundo de la interpretación. Como en la caso de Maribel Verdú o Amparo Larrañaga.

Para la actriz, personajes como Cassie son muy necesarios: "Ver a alguien con una personalidad tan potente que es capaz de darle la vuelta también a las narrativas que ya tenemos de mujeres violadas o víctimas, pero que nunca acaban de expresar cómo se sienten. Y aquí, en cambio, la protagonista es la que ejerce este giro de violencia para tomar las riendas. Y hay algo ahí interesante, porque es un papel de una chica joven muy potente, con una historia dura detrás, que está reescribiendo su vida”. La joven catalana se caracteriza por ser una voz feminista referente para las nuevas generaciones al denunciar la violencia de género en redes y exigir derechos e igualdad.

Insiste la actriz en que le gusta trabajar con personajes a los que pueda aportar parte de su identidad y creencias, pero a la vez sabe reconocer cuando un papel no es correspondido: “Ojalá me hubieran cogido a mí para Una joven prometedora, porque también cuando no me cogen en algo, entiendo que es porque no soy yo quien tiene que contar esa historia, y eso no es malo.”

Laia Manzanares confiesa que siente admiración por Carey Mulligan. Su interpretación en Cassie le pareció “brutal”: “Tampoco me atrevo a compararme mucho, te puedo decir, es rubia como yo”, comenta entre risas, “al ser una chica joven, resulta más fácil proyectarme y empatizar con ella".

Pero, ¿qué personajes le atraen a Laia Manzanares? Papeles de mujeres fuertes con carácter e inteligentes que tengan un efecto social y trasfondo feminista. Puede ser que por ello nos recomiende ver Intimidad, una serie española de Netflix: “Me gustó muchísimo. También tiene algo que ver, otra vez, con las mujeres. Dando la palabra a las historias que hemos visto durante los últimos años”. “No llega a ser el mismo tema, pero sí trata del acoso y de lo fácil que es decir ‘mira esta mujer, qué mala es por estar desnuda en un vídeo’. Y el que le den la vuelta y le den la libertad de decir ‘yo soy libre de hacer lo que quiera y puedo salir en un vídeo íntimo follando, pero eso no quita nada el valor de quien soy.’” Hace bastante hincapié en el mensaje de valentía que no deja a la mujer como una víctima, sino como una figura de poder.

De sus últimos proyectos, la actriz reconoce que con el que más puntos de relación y similitudes puede compartir es el de Talaré a los hombres de sobre la faz de la tierra, en la Sala Teatro Cuarta Pared: “Y en realidad estoy siendo un poco monotemática porque todo lo que digo va en relación a la violencia contra las mujeres, pero en este caso también es lo mismo. Ya que habla de una mujer tomando su propia voz y contando su propia experiencia de violencia en un mundo como este. Y me quedo con este personaje de momento, porque es en el que ahora estoy transitando”.

Esclavos del Tercer Reich: Los españoles en el campo de Mauthausen es la nueva obra de Gutmaro Gómez Bravo y Diego Martínez López. Este libro pretende narrar y mostrar historias de perdedores. Perdedores de aquellos conflictos bélicos como lo son las guerras, ya sean civiles o mundiales, y especialmente pone el foco en aquellos que fueron esclavizados por el Tercer Reich hasta la extenuación y la muerte. Una abundante documentación sobre los campos de exterminio permite a los autores elaborar un complejo trabajo de investigación que introduce de lleno el caso español dentro de los estudios del Holocausto y de la historiografía internacional especializada. infoLibre publica un adelanto de este libro, editado por Cátedra, que llegará a las librerías el próximo 15 de septiembre.

_____

Soy el sargento Jack H. Taylor de la marina estadounidense, natural de Hollywood, California. He estado trabajando en territorios ocupados en los Balcanes durante 18 meses. Fui el primer oficial aliado en ser desplegado en Austria en octubre de 1944. Fui capturado en diciembre por la Gestapo en Viena, brutalmente golpeado; con el brazo roto fui enviado a una prisión vienesa durante cuatro meses, donde subsistí exclusivamente a base de un poco de sopa y una corteza de pan al día. Cuando los rusos se aproximaron a Viena, se nos envió a este campo de concentración, el peor de toda Alemania. He visto y oído historias terribles aquí en este lager. He descubierto en los últimos días que yo mismo había sido condenado a muerte. Me he enterado en los últimos días de que un oficial de la marina americana —aquí tengo parte de su uniforme— fue gaseado el 12 de abril de este año [1945]; aquí tengo las chapas de identificación de un oficial del Ejército que fue ejecutado en el mes de abril de este año. Aproximadamente 1.100 hombres han sido diariamente asesinados o han muerto por inanición durante el mes de abril de este año. Los nazis trataron de deshacerse de todas las evidencias existentes. Teníamos tres crematorios y una gran fosa común en las montañas para enterrar a los muertos. Eran asesinados principalmente de seis maneras diferentes: por gas; fusilados; de hambre; empujados desde un acantilado de más de 30 metros de profundidad; por mordeduras de perros; mediante la exposición a los elementos durante el invierno, forzando a que permanecieran desnudos en la nieve durante más de 48 horas, tras lo cual, si sobrevivían, se les arrojaba un cubo de agua helada por encima. Aquí las condiciones de hambre son demasiado extremas para imaginarlas. Los hombres han estado en el así llamado «hospital» devorándose a sí mismos; canibalismo, yerba, cualquier cosa que pudieran comer. Cinco y seis hombres en una sola cama.

Esta es la transcripción del testimonio del sargento estadounidense Jack H. Taylor. Fue filmada a las puertas del campo de Mauthausen tras su liberación, entre los días 7 y 8 de mayo de 1945, por la XI División Acorazada del Ejército de los Estados Unidos. Apenas un mes antes, con el sonido de las tropas aliadas cada vez más cerca, los responsables del campo ordenaron construir dos nuevos crematorios para multiplicar la capacidad de eliminación de los cadáveres. En uno de ellos participó este hombre, el oficial de marina y agente de inteligencia estadounidense Jack Taylor, capturado en diciembre de 1944, torturado por la Gestapo y enviado a Mauthausen para ser ejecutado2 . Taylor, de acuerdo con sus compañeros españoles y, muy particularmente con «Jacinto», su kapo, trató de dilatar lo máximo la terminación de las obras de los nuevos crematorios. Sin embargo, los SS Hans Prellberg y Martin Roth se percataron de la estratagema y los forzaron a terminar la obra en 24 horas, bajo pena de inaugurar los hornos con sus propios cadáveres. Sin tiempo que perder, el domingo 10 de abril de 1945, los responsables del campo pusieron la maquinaria destructiva a trabajar sin descanso. Los elegidos para «bautizar», en palabras de Taylor, las nuevas instalaciones fueron los 367 reclusos del último transporte de prisioneros checos que habían tenido la desgracia de llegar, a pie, a Mauthausen.

Los recién llegados, entre los que se encontraban 40 mujeres, fueron inmediatamente gaseados e incinerados a fin de eliminar cualquier resto o prueba del crimen cometido. La operación se repitió hasta el despliegue de las tropas aliadas. Tras la liberación del campo, con la llegada de la Cruz Roja y de los servicios médicos, los estadounidenses inspeccionaron las instalaciones del campo y su red más cercana. La visita duró dos días, y en el transcurso de esta detuvieron a cientos de alemanes pero también a 17 presos acusados de colaborar con los nazis. Entre ellos había cinco españoles. En su informe final añadieron declaraciones como la del médico checo Stransky Milos, empleado en la Oficina Política del campo y responsable de quemar los documentos relativos a la ejecución del propio Taylor, que tenía que haberse llevado a cabo el día 28 de abril. Tan solo era el comienzo del material probatorio de la acusación de crímenes de guerra, más conocidos como los «juicios de Núremberg» . El siguiente fragmento del informe de aquella inspección muestra la degradación total en la que encontraban el recinto y sus pobladores. «El hedor a carne podrida permeaba la atmósfera. Los edificios de madera estaban asquerosos [...]. Los prisioneros defecaban en cualquier parte. Los presos tenían escasa o ninguna ropa. Ser enviado al Sanitätslager significaba una muerte segura. Pocos o ninguno de los presos que fueron remitidos allí ha salido con vida» . Estas imágenes filmadas por los aliados al entrar en los campos nazis golpearon la atormentada conciencia mundial. Su impacto asentó la reconstrucción de posguerra sobre la noción de crímenes contra la humanidad y los derechos humanos.

El juicio a los cinco «kapos españoles», detenidos por figurar en la documentación del campo como empleados de confianza, tuvo lugar del 9 al 21 de julio de 1947. Fueron acusados de golpear, torturar y causar la muerte de miles de personas en Mauthausen, Gusen y Hartheim. La defensa alegó que eran víctimas del sistema concentracionario nazi y que no podrían haber sobrevivido de otra forma. La acusación reconoció que ninguno de los juzgados era delincuente ni criminal antes de la guerra, pero que fue en Mauthausen donde adquirieron esa condición fatal contra sus propios compañeros. Todos fueron considerados criminales de guerra con independencia de su nacionalidad o las de sus víctimas, entre las que se encontraban 5.000 de sus propios compatriotas. Los españoles que habían sobrevivido al infierno compartían otra condición: no podían pedir amparo a ningún gobierno. El regreso a sus lugares de origen era imposible, pues les esperaba un nuevo encierro y una situación más que incierta en España. Su caso, poco conocido en nuestro país, sentó jurisprudencia en Estados Unidos y todavía es citado como precedente en la aplicación de la doctrina de la justicia universal. A pesar de lo que habían sufrido y del nuevo orden surgido tras el fin de la Segunda Guerra Mundial, no recibieron el estatus de refugiados internacionales hasta 19515 .

No es casual, por tanto, que proliferen en nuestros días visiones revisionistas y negacionistas que tratan de destruir esa raíz. En la era de la posverdad, las fuentes de archivo son, más que nunca, fundamentales y básicas, sobre todo por su enorme valor probatorio. El estudio de los libros de registro de los fallecidos en Mauthausen, que en 2019 el Ministerio de Justicia español encargó al Grupo de Investigación Complutense de la Guerra Civil y el Franquismo (Gigefra), fue el comienzo y la razón de la escritura de este libro. Se trataba inicialmente de cumplir una función reparadora y legal para inscribir el fallecimiento de estos miles de personas en el Registro Civil, ya que nunca se había hecho, pero tenía también una indudable dimensión histórica, al romper con la inercia tradicional de mantener desvinculada la dictadura franquista de la Alemania nazi . Esta es la historia de los perdedores, de todos los perdedores de las guerras, civiles o mundiales, y, especialmente, de los que fueron esclavizados por el Tercer Reich hasta la extenuación y la muerte. La mayoría murieron allí, muy lejos de su lugar de nacimiento, solos; desaparecieron apenas siendo un número, víctimas de una lógica y un contexto de odio que se habían empezado a generar mucho antes.

La ocupación alemana y el establecimiento del gobierno colaboracionista de Vichy fueron decisivos en ello, como veremos, pero ya antes los españoles flotaban en un limbo jurídico que terminó precipitando su deportación masiva hacia el interior de Europa. La lentitud en la tramitación y, finalmente, la denegación de su protección los convirtieron automáticamente en extranjeros indeseables. El sistema de la Sociedad de Naciones y el precario equilibro europeo de entreguerras se extinguían, y, con ellos, las garantías y los derechos, empezando por la nacionalidad, de las minorías y grupos de desplazados que vagaban en tierra de nadie. Sus consecuencias inmediatas fueron terribles para miles de personas deportadas para realizar trabajos forzados y, paulatinamente, eliminadas una vez comenzada la Segunda Guerra Mundial. De ahí que cualquier similitud o intento de apropiación de aquella experiencia quede hoy fuera de lugar. No solo porque corre el riesgo de banalizarla, como tantas veces se ha dicho parafraseando a Hannah Arendt, sino porque desvirtúa su memoria y su propia historia. Los españoles fueron parte de los seis millones de desplazados que produjo la ocupación alemana de Francia, de los cuales un millón y medio fueron enviados como trabajadores forzosos a campos del Tercer Reich. Desde el verano de 1940, los trenes cargados de esclavos para el sistema concentracionario nazi se fueron llenando de catalanes, vascos, andaluces, aragoneses, madrileños, manchegos, gallegos, etc., gentes de todos los rincones peninsulares. La mayoría habían trabajado en la construcción de las fortificaciones y defensas francesas y eran muy apreciados como obreros especialistas.

Pronto tratarían de agruparse familiarmente, por afinidad política y por cercanía a los pueblos de origen. A lo largo de la guerra, al menos 7.251 españoles fueron internados en Mauthausen, más del 70 por 100 del total que cayeron en las redes del KL (Konzentrationsläger) alemán, motivo por el que el campo austriaco fue conocido como «el campo de los españoles», aunque siempre convivieron con húngaros, soviéticos, polacos, checos, franceses... La mayoría ingresaron entre los años 1941 y 1942. A partir de entonces siguieron llegando españoles, pero en menor medida, la mayoría acusados de participar en las actividades políticas contrarias a la ocupación alemana y al régimen colaboracionista de Vichy. La decisión de trasladarlos a los campos de concentración no correspondió a la España franquista, deseosa de saldar sus deudas con la Alemania nazi, ni fue un empeño personal de Serrano Suñer, idea que empezó a circular en los años cincuenta en los círculos del exilio. Su traslado formó parte del programa de utilización de prisioneros de guerra de los territorios ocupados dirigido por la Oficina Central de Seguridad del Reich (RSHA), que, desde octubre de 1939, coordinaba su clasificación y conversión en presos políticos a través de la aplicación de las medidas de «custodia protectora». Un instrumento represivo potenciado ya desde el ascenso nazi al poder en 1933, usado para la separación de la comunidad «de los elementos dañinos al pueblo y a la raza» y empleado en la creación de la primera red de campos de concentración con «asociales, opositores políticos y judíos» .

Esta medida, de hecho, fue utilizada por primera vez en prisioneros de guerra contra los alemanes que habían combatido con las Brigadas Internacionales en la guerra civil española y que fueron denominados rotspanier, «españoles rojos». Tras los checos y los polacos, se amplió el círculo a los españoles capturados tras la derrota del Ejército francés en el que habían sido movilizados, justo en un momento en que la entrada de España en la Segunda Guerra Mundial como aliado de Alemania parecía inminente. Como todos los que les habían precedido y los que vendrían después, los prisioneros españoles habían dejado de existir legalmente, una formalidad absurda —dirá el atento lector—, pero que se trataba, como se muestra en las páginas del libro, del paso previo a su destrucción definitiva. Aunque ya estaban llegando a Mauthausen desde comienzos de agosto de 1940, su traslado allí se ordenó oficialmente a finales de septiembre. Emplazado en el corazón de Austria, el recinto era uno de los conocidos como «campos-cantera», un campo productivo desde su concepción que fue destinado originariamente a la creación de las nuevas ciudades y monumentos alemanes, y cuya dureza no tardó en convertirlo en uno de los más mortíferos de toda la red. Tanto fue así que, cuando Reinhard Heydrich oficializó a comienzos de 1941 la orden por la que se trataba de jerarquizar los distintos recintos existentes, Mauthausen fue el único incluido en la tercera categoría, una calificación con la que se distinguía a aquellos campos especialmente reservados a incorregibles que serían forzados a trabajar hasta la muerte. Los años más duros y de mayor mortalidad del campo coincidirían con el internamiento de los primeros españoles y el comienzo de las obras que acabarían dotando de forma definitiva a Mauthausen.

La explicación habría que buscarla en la lógica con la que los nazis entendieron y gestionaron, más que los campos en sí mismos, el trabajo forzado dentro de ellos. Aunque en un primer momento la extracción de las pesadas rocas de la cantera se realizaba a través de una rampa, esta se sustituyó por una irregular escalera de 160 peldaños que para 1942 acabarían convirtiéndose en 186. El trabajo formaba parte de un espectáculo diario donde el castigo y la humillación eran más importantes que la propia producción. Además de la cantera, los españoles trabajaron en la construcción de los recintos subsidiarios de la red de Mauthausen, entre los que destacaba Gusen, más temible y mortífero incluso que el campo matriz del que dependía. A finales de ese primer año de llegada, 1.522 presos, polacos casi en su totalidad, perdieron la vida, un número de víctimas que superaba con creces el de los habitantes de cualquiera de los pueblos circundantes9 . La red también anexionó para sus propósitos edificios tan peculiares como el castillo de Hartheim, utilizado como «centro de experimentación» durante la llamada «Operación Eutanasia» (Aktion T-4) e incorporado a la lógica exterminadora de los campos por medio de la Aktion 14f13 («Eugenesia de Inválidos»). La mayoría de los prisioneros hasta completar los 10.000 que fueron deportados desde Francia pasó por otros campos como Dachau, Buchenwald o Auschwitz, aunque muchos otros destinos siguen siendo desconocidos dada la cantidad y variedad de traslados que sufrieron. Una dificultad añadida a su dispersión fue la llegada de un tipo distinto de trabajadores «libres» que enviaba España a la economía de guerra alemana fruto de los acuerdos reservados de cooperación mutua entre ambos países. De ahí la importancia de trabajar con fuentes primarias de archivo y no con estimaciones o informaciones parciales. Según los registros de fallecidos certificados por la Oficina Nacional de Antiguos Combatientes y Víctimas de Guerra francesa, la cifra de españoles muertos en ese campo asciende a 4.435. Un balance muy trágico, ya que antes de terminar 1944 habían muerto casi el 60 por 100 de los que habían ingresado en aquel complejo tan solo dos o tres años antes. Este trabajo inicial sobre la cifra de fallecidos, además de cumplir su función registral, amplió nuestra perspectiva y las posibilidades de la investigación. La mayoría de los trabajos realizados hasta la fecha son biografías, memorias u homenajes conmemorativos.

A partir de 2005, se han ido sucediendo artículos, tesis doctorales y distintos trabajos que constituyen el tronco del material científico existente en torno a los españoles deportados a los campos nazis hasta ahora. El conocimiento de las cifras ha podido ser contrastado, pero también se ha tratado de incorporar variables utilizadas desde hace tiempo en otros países. Las posibilidades de realizar estudios comparados no deben centrarse únicamente en los engranajes totalitarios en los que desaparecieron millones de personas. Pueden servir para comprender la naturaleza de un fenómeno complejo visto también por las propias víctimas, en un momento en que la capacidad humana era llevada al límite. Para ello se han cruzado distintas informaciones, todavía difíciles de validar. La correspondencia en los campos, por ejemplo, estaba severamente vigilada y, en el caso de los españoles en Mauthausen, terminantemente prohibida, oficialmente hasta el 14 de diciembre de 1942, aunque aún tardarían meses en poder participar en la farsa comunicativa diseñada por el Reich. Formalmente y de manera general, cada interno en el KL podía escribir y recibir mensualmente dos cartas o dos tarjetas postales de sus parientes a través de Cruz Roja. Las cartas no podían contener más de 15 renglones, y las tarjetas, solo diez. Todo lo demás, los sobres, las fotos, era incautado. Esos materiales sirven para empezar a poner rostro a todos los nombres de Mauthausen. Queda también la correspondencia que escapaba a la censura, aunque en los campos de categoría especial como Mauthausen era prácticamente imposible enviar o recibir nada desde España; no así en los de otro tipo, como los Stalag, recintos intermedios para prisioneros de guerra, o los campos en los que el trabajo y las condiciones de vida fueron en general más soportables, como Dachau.

Sus talleres fueron origen e inspiración del trabajo forzado del sistema concentracionario alemán. También sirvieron de laboratorio experimental de las formas de eliminación de prisioneros, empezando con los inválidos. Dachau fue el campo de pruebas del Derecho Penal Nacionalsocialista, que, sobre la distinción entre el «enemigo peligroso» y el «extraño a la comunidad», estableció un nuevo tipo de campo de concentración en tiempos de «paz». Aquellos miles de españoles que huían de la guerra civil y del régimen franquista iban a ser engullidos por un sistema represivo muy perfeccionado y distinto al que había en España o el resto de Europa: «un aparato de detención permanente y paralelo que escapaba a la jurisdicción ordinaria propia del desdoblamiento de poderes en el policrático sistema de gobierno nazi».

Tantas ganas de que llegue el verano y ya casi ha pasado. Es suficiente un abrir y cerrar de ojos para pasar de la alegría al llanto, igual que de junio a septiembre. Y eso que los días se van acortando progresivamente para aminorarnos el golpe, pero cuando estamos de asueto prolongado y nos mueve la fiesta ignoramos las más evidentes señales de alerta. 

Es hora de hablar de la operación retorno, con su banda sonora de despertadores, atascos, claxons y no precisamente idílicos viajes en vagones de trenes. Es durillo, así es, pero impostergable, por lo que, como tabla de salvación, conviene tener siempre presente que cinco días después de cada lunes siempre llega otro viernes. Eso es así también. Pero no nos andemos con rodeos innecesarios. ¿Te duele la vuelta al cole? Aquí te recetamos unos cuantos pildorazos (que no se venden en farmacia legal) para que duela un poquito menos. 

The Hives: Come on

"¡La mejor bando de rock sueco del mondo!", como brama en sus frenéticos conciertos con un peculiar castellano el vocalista Pelle Almqvist, lo sabe todo sobre la administración de medicamentos por vía auditiva. No en vano, este Come on contiene en 68 segundos gloriosamente comprimidos todo lo necesario para resucitar a un muerto. Nadie podrá nosotros, la rutina tampoco. ¡No olviden supervitaminarse y mineralizarse!

Ramones: I wanna be sedated

El brío y el ímpetu son características inherentes al mítico cuarteto neoyorquino, al que de los 149 segundos que dura esta súplica le sobran 140 para insuflar al oyente todo el vigor necesario para afrontar el lunes con otro ánimo. La sedación no es la solución, pero con su grito de guerra "Gabba Gabba Hey!", aún hoy, cuando ya hace tiempo que dejaron de existir, son un chute infalible que transforma cualquier lunes lluvioso en un mágico sábado en la noche. "Bam-bam-baba, babam-ba-baba, I wanna be sedated, hey, oh, let's go!"

R.E.M.: Shinny happy people

Una especie de adorable anomalía en la discografía de R.E.M. por su carácter descaradamente saltarín e intrascendente (y por la colaboración de Kate Pierson de The B-52's). Pero aunque la propia banda renegara de su poder balsámico y la olvidara intencionadamente en sus conciertos, la gente radiante y feliz supone un certero golpe de buen rollo. Y sin duda de eso se trata, después de todo, pues su radiación lumínica resulta contagiosamente curativa.

The Boo Radleys: Wake up Boo!

Hasta ocho veces te cantan que te levantes porque hace una bonita mañana The Boo Radleys en su gran oda al siempre complicado positivismo matutino. "Wake up, it's a beautiful morning" en bucle no es una mala idea como despertador. No en vano, la banda declaró en su momento que esta canción pretende "aferrarse a lo que queda del verano mientras puedas". Pues ya casi no queda pero, eh, tienes que levantarte aunque no quieras.

Biznaga: Una ciudad cualquiera

Diametralmente opuesta es la visión de los madrileños Biznaga, invariablemente iracundos contra la forma de vida capitalista imperante. La rabia como opción si no eres capaz de encontrar el buen humor al levantarte: "La chusma enlatada en vagones arrastra su cruz al amanecer. Borrachos llorando entre coches empuñan armas al revés. Predadores de noche, ejecutivos de día y la policía perdonándote la vida. Una ciudad tan buena... para morir como otra cualquiera".

Leño: Este Madrid

Más leña al mono del enojo. Han pasado cuarenta años pero la queja de Rosendo Mercado sigue estando de preocupante actualidad. "En Atocha encontrarás aire limpio sin igual. Es una mierda este Madrid, que ni las ratas, pueden vivir. Queremos una central que nos suministre energía, para destruir la mucha vegetación, que nos estorba (...) Lo que falta es un buen bidón de aire puro y natural. Y de cerveza, de tocino y de salchichón". Rock duro como coraza.

Foo Fighters: Walk

Canta Dave Grohl en esta canción al renacimiento personal y aprender a caminar de nuevo. Pero, más que por ese significado, Walk nos viene estupendamente por su videoclip inspirado en la película Un día de furia. Aquí, el líder de Foo Fighters es un Michael Douglas colérico que se harta de los atascos, de su trabajo, de su teléfono móvil y de todo el mundo en general y en particular. El desenlace no es que sea muy alentador, pero todos nos merecemos un día así de liberador.

Elvis Costello: Welcome to the working week

Bienvenido a la semana laboral. Sucinto pelotazo new wave de 82 segundos sobre odiar un trabajo que tienes que hacer de todos modos para ganarte la vida. "Sé que no te emociona, espero que no te mate", apostilla el inglés, quien escribió sus primeras canciones mientras trabajaba como operador informático. Un himno para la clase trabajadora británica que vio la luz en 1977, poco antes de la llegada de la Thatcher y los beligerantes años ochenta.

Dolly Parton: 9 to 5

Qué tonadilla más alegre para afrontar con ilusión cada día si no fuera por lo que dice la letra: "Me caigo de la cama y tropiezo hasta la cocina, me sirvo una taza de ambición, y bostezo y me estiro, e intento despertar a la vida. Salto a la ducha, y la sangre empieza a circular, fuera en la calle, el tráfico empieza a saltar, con gente como yo, en el trabajo, de nueve a cinco. Trabajando de nueve a cinco, qué manera de ganarse la vida sobreviviendo justo justo. Toman todo y no dan nada. Usan tu mente y nunca se fían de ti. Suficiente para volverse loco, si se lo permites". Pasan las décadas, parece que cambian muchas cosas, pero otras permanecen desconcertantemente inalterables.

Luis Aguilé: Es una lata el trabajar

Empezamos a golpetazos con el punk y terminamos en otro lugar, muy lejos, sintiéndonos mucho más ligeros. Porque consigue Luis Aguilé con su característico y desenfadado humor regalarnos algo de paz con nosotros mismos en este mundo en guerra perpetua. "Es una lata el trabajar, todos los días te tenés que levantar. Aparte de esto, ¡gracias a Dios! la vida pasa felizmente si hay amor". Quedémonos con eso. No hay mejor mensaje como banda sonora para la vuelta al cole. 

"¿Ha pasado la noche?", pregunta el solista en la Sinfonía número 2 de Félix Mendelssohn. Una cuestión que probablemente también se planteaban, el 25 de junio de 2021, los asistentes al concierto que cerró la temporada 2020-21 de la Orquesta y Coro Nacional de España donde se interpretaba la obra del gran compositor alemán. Sobre el podio, David Afkham (Friburgo, 1983), que dirigía la sinfonía sin batuta y con su particular mezcla de elegancia, sobriedad y fuerza. El concierto culminaba un ciclo marcado por la pandemia, el distanciamiento y las restricciones de aforo en el Auditorio Nacional, el tradicional hogar de la Orquesta Nacional, que sin embargo, no detuvo a la música clásica en Madrid. El esfuerzo de los músicos y el público permitieron que no se cancelaran ninguno de los más de 70 conciertos de su repertorio sinfónico. 

David Afkham es uno de los directores jóvenes más importantes del mundo y lleva a sus espaldas una amplia trayectoria. Ha dirigido a orquestas tan importantes como la Sinfónica de Londres, la Filarmónica de Los Ángeles, la de Chicago o la Simón Bolívar. Con tan solo 32 años, se convirtió en director titular de la Orquesta Nacional de España, y desde ese momento, el músico alemán ha vivido un idilio constante con la formación, llegando también a ser su director artístico. Afkham es el máximo responsable de los conciertos y de los programas de una orquesta que ya considera una “familia” y con la que ha establecido una relación de complicidad poco habitual.

La música es para el director el mayor refugio con el que cuenta frente a los malos tiempos. Que la Orquesta Nacional mantuviera su programación durante la pandemia fue clave para dar esperanza a muchos melómanos y proporcionar algo de luz en medio de la oscuridad. Afkham afirma que esos conciertos “mantuvieron viva la llama de la música” y ayudaron a que músicos y director no perdieran su relación con el público. “Ahora, visto en perspectiva, me doy cuenta que fue la música y el servicio al público el que nos ha mantenido vivos y con esperanza”, comenta a infoLibre. Y ahora, ya recuperada la normalidad, nos invita a aplicar esa propiedad sanadora de la música a nuestra vida para encontrar así “razones de sobra y recursos para salir adelante con optimismo”.

Afkham es optimista porque cree en la “capacidad del ser humano de salir adelante” y está seguro de que gracias a ella “tenemos posibilidades de sobra para vencer esta y todas las crisis”. Añade a la resiliencia un complemento ineludible: el arte y la naturaleza. El director titular y artístico de la Orquesta Nacional de España nos invita a recrearnos en ellas, pero sobre todo, a ser “honestos y respetuosos con el medio ambiente y con la convivencia”. Además del arte y la naturaleza, Afkham destaca especialmente a su entorno personal como refugio ante todo lo negativo que sucede en el mundo: “Tengo una familia feliz y unida y tengo la suerte de ser músico y trabajar con colegas y con mi orquesta”. En su opinión ambas cosas le sirven para “vencer cualquier dificultad”.

Dejando a un lado la música, el director de la Orquesta Nacional de España también nos deja su opinión sobre cómo ve el periodismo en la actualidad. Afkham opina que el exceso de información que tenemos no es un problema sino una virtud. Lo realmente nocivo para él es la desinformación y considera que la “única forma de vencerla es con educación y con cultura”. Por ese motivo, cree fundamental que “quienes tienen la posibilidad de tomar decisiones al más alto nivel en todo el mundo se pongan como primer objetivo la educación, la igualdad y la convivencia”.

Por cierto, ¿recuerdan que al principio de esta información el tenor se preguntaba si había pasado ya la noche?. Pues bien, la primera respuesta de la orquesta son unas notas disonantes, haciendo entender que la oscuridad, la soledad y la noche seguían allí. Sin embargo, el tenor vuelve a preguntar y de repente, aparece la soprano cantando alabanzas, acompañada del coro y la orquesta, que explota y suena más potente y alegre que nunca. La luz, como siempre, acaba llegando, en la música y en la vida. 

Joaquín Jesús Sánchez es crítico de arte, escritor y comisario independiente. Rodeado de cultura en todas sus facetas, resalta que esta categoría es muy amplia: “Va desde los trajes regionales hasta cómo hacer una mazamorra, pasando por Wagner y Kieślowski”. El columnista de infoLibre defiende que la cultura puede aportar muchas cosas a nuestras vidas pero, desde luego, “ser culto no te hace bueno”, al igual que ser ignorante no te hace malo.

La prueba la encuentra en el pasado, pues algunas de las mentes más brillantes no supieron entender “lo que pasaba delante de sus narices”, mientras que “cráneos privilegiadísimos” se han dedicado a “las tropelías más espantosas”. En definitiva, el arte puede ser emancipador, pero no necesariamente te hace buena persona. De hecho, advierte que la cultura también puede ser “reclamo de idiotas vanidosos”. 

El escritor destaca que explicar la actualidad a través de obras de ficción es algo “fullero y peligroso”, a la vez que extremadamente complicado sin caer en “la estupidez perezrevertesca del 'todo está en Homero'”. Reconoce, eso sí, que hay casos en los que algunas personas vaticinan el futuro y aciertan, como asegura que ocurre con los “críticos culturales frankfurtianos”, pero no es frecuente.

Sin embargo, en un esfuerzo por recomendar una obra que nos ayude a comprender el presente, nombra La invención de la tradición, un ensayo de Eric Hobsbawm, considerado uno de los grandes historiadores del siglo XX. En esta obra, el autor trata de hacer ver cómo muchas “tradiciones inventadas” (o “atávicas costumbres”, apostilla) que se presentan como centenarias en realidad han sido creadas o recreadas en épocas muy recientes. En este ensayo se explica cómo esta invención de tradiciones fue un elemento clave en la estabilidad de sociedades en proceso de cambio. Los escoceses o galeses –antiguos pueblos sin Estado–, la India británica o Estados europeos en África han recurrido a esta estrategia para buscar su legitimidad. Hoy en día estas falsas tradiciones se siguen empleando como argumentos en la política nacional e internacional, y por ello Sánchez recomienda esta lectura. 

En el ámbito audiovisual, encuentra ciertas semejanzas entre Los vengadores (2012) y el mundo actual. Esta película, basada en los cómics de Marvel, tiene como protagonistas a diferentes superhéroes que se unen para vencer una amenaza extraterrestre. A pesar de que aparentemente parece imposible establecer analogías entre esta ficción y la realidad, Sánchez ve como un reflejo de nuestra sociedad la combinación de “gente vestida rara, las luces de colores, el enorme desconcierto, el villano histriónico y las amenazas disparatadas venidas de otros planetas”. 

A la vez que considera peligroso explicar “la coyuntura” a través de una obra de ficción, advierte del peligro actual que existe con las fake news. Sin embargo, apunta que “no hemos inventado nada”. Ya en el siglo XIII antes de Cristo, durante el mandato de Ramsés II, se podía ver el germen de lo que serían noticias falsas. El faraón, uno de los más recordados del Imperio Nuevo, hizo retratar sus glorias militares contra los hititas en el famoso templo de Abu Simbel para realzar su reputación como guerrero. No obstante, el final de la batalla estuvo más cerca de ser un empate que una victoria aplastante para Ramsés II. Con esto, Sánchez considera que al llevar siglos llevándose a cabo estas prácticas, tampoco es "algo que vayamos a solucionar”. De hecho, bromea con que el mejor consejo para sobrevivir a estas fake news es “inventarte las tuyas propias”. “También acaricio la idea de tener una columna llamada 'El gorrito de papel de plata' donde combatir el fuego con fuego”, añade divertido.  

Por último, insta a los lectores y lectoras de infoLibre a disfrutar de la cultura –como asegura que él hace con la pintura, la ópera o la gastronomía– porque “gozar es afirmar la vida”. "Es el único deber moral", sentencia.

Hubo un año en el que toda España se pasó el verano entero cantando aquello de “No quedan días de verano” de Amaral. La canción del grupo de pop zaragozano se mantuvo en el número 1 de Los 40 principales durante todo agosto y septiembre, asentándose como un himno perfecto (y algo obvio) para cantarle a ese inevitable sentimiento nostálgico y pesimista que se apodera de todos nosotros cuando toca darle la vuelta a la octava hoja del calendario.

Lo peor de ese sentimiento es que siempre llega antes de tiempo: no nos ponemos tristes cuando ya hemos vuelto a la rutina, cuando estamos en el supermercado comprando con nuestras mejores intenciones todas esas cosas que no engordan, o saludando a esas caras que no echábamos de menos, o recordando que esta, y no esa otra, luminosa y plácida, es nuestra vida. No, el sentimiento viene antes, cuando aún estamos dentro del agua, o bebiendo del botellín, o mirando al horizonte, y el muy cabrón no nos deja disfrutar de esos últimos momentos.

Qué triste es saber que algo ha acabado. Eso dice Audrey Hepburn en Dos en la carretera, refiriéndose a un matrimonio que está cenando en una mesa cercana. En realidad lo dice pensando en el suyo propio, el de Joanna con Mark, interpretado por Albert Finney. La película, tan mordaz y moderna como demoledoramente honesta y triste, cuenta la historia de dos personas guapísimas que se quieren con pasión, pero nada de eso es suficiente para hacerles felices.

Dirigida por el Stanley Donen de Charada y Cantando bajo la lluvia, muestra de forma no lineal varios veranos en los que este matrimonio primero se enamora y después va poco a poco enfriándose, decepcionándose, engañándose y amargándose. Una y otra vez recorren en coche el sur de Francia: al principio son felices bajo el cielo azul y rodeados de campos verdes; después una pareja de amigos insoportables (y su hija malcriada) les arruinan las vacaciones; otro año no pueden hacer el viaje juntos por cuestiones de trabajo. Entonces llega el embarazo no buscado, los reproches, los desencuentros y esos enfados rutinarios que son inevitables, agotadores y devastadores porque salen de la nada y nada significan. Está escrita por Frederic Raphael, quien también firmó el guion de Eyes Wide Shut, y eso le convierte en una autoridad en las crisis de pareja (habría que haberle preguntado a su esposa qué tal).

La estructura desordenada, mucho más transgresora y atrevida que cualquier cosa producida en Hollywood este año, sirve para meter el dedo en la llaga: justo las mismas cosas que al principio les hacen gracia o les enternecen, años después son las que les exasperan, irritan y hacen llorar. “¿Qué clase de pareja puede pasar horas sin hablarse?”, se preguntan en varias ocasiones, para responderse siempre: “Un matrimonio”. Si algo dice Dos en la carretera de las relaciones es que, hagas lo que hagas y pase lo que pase, con el tiempo acabarás aborreciendo lo que un día amaste.

También en el coche se pasa la película el anciano protagonista de Fresas salvajes. En esta cinta de Ingmar Bergman (ambas están en Filmin) un hombre recuerda los veranos de su vida mientras sueña con la muerte. Las escenas oníricas son un puente entre Dalí, el expresionismo alemán y David Lynch, que debió de tragárselas tropecientas veces en su juventud porque su cine es muy deudor de ellas, especialmente el último (incluida la inmensa tercera temporada de Twin Peaks).

Mientras hace un viaje para ser condecorado por su carrera, el doctor Isak Borg, eminencia científica, se da cuenta de que su vida, a la que le quedan pocos veranos, ha estado llena de ceguera y torpeza. El obsesionado con los clásicos Juan José Campanella le haría a Bergman un maravilloso homenaje en su serie Vientos de agua, que aunque fue producida por Telecinco es una de las mejores ficciones televisivas que se han hecho en este país. En ella, Héctor Alterio se pasaba su vejez soñando con los fantasmas de su pasado y pidiéndoles perdón por no haberles entendido del todo cuando estaban vivos. 

Tanto Fresas salvajes, con su crudeza nórdica, como Dos en la carretera, con ese tufillo moralista que asegura que el dinero no da la felicidad, son perfectas opciones para retratar eso que cantaba Amaral. La fiesta se ha acabado, y esas fotos que nos hemos hecho, sonrientes y deslumbrantes, son momentos ya inalcanzables. ¿Cómo ha podido pasar tan rápido el verano? La respuesta la dijo la propia Hepburn: “Hemos cometido el error de divertirnos”.

Alex O'Dogherty (San Fernando, 1973) tiene una trayectoria extensa y muy especial, como lo es su apellido. Podemos verle tanto en la gran pantalla como en la pequeña, además de en los teatros. También has podido escuchar su voz en programas de radio como colaborador o como cantante en un espectáculo. Sin duda, el andaluz es “inclasificable”, como bien señala en su página web: “Un artista capaz de hacer cosas tan diferentes como escribir monólogos, componer bandas sonoras, morir en brazos de Viggo Mortensen, tocar en el Festival Gigante, cocinar con Chicote, actuar en el Festival de Comedia de Montreal, presentar los MAX, interpretar a Buñuel, cantar I Will Survive con Gloria Gaynor, dirigir un corto, grabar tres discos…”

El famoso chófer de Cámara Café Arturo Cañas fue un papel que marcó la carrera del gaditano, tanto que no dudo en formar parte de la película estrenada este 2022. También le recordarás por su papel de Alfredo Escobar, en Doctor Mateo. Actualmente, entre sus múltiples trabajos se encuentra Imbécil, espectáculo que se representa en el Cine Capitol, en la Gran Vía madrileña. En este monólogo, O'Dogherty se recrea en “el poder de las palabras, o más concretamente, en el poder que tenemos los que las usamos. Una palabra es solo una reunión de letras, pero puede hacerte reír, llorar, sorprenderte, sonrojarte, enamorarte, enfadarte… Bueno, la palabra no, la persona que la utiliza”, apunta.

El humor de Alex O'Dogherty está presente en la mayoría de sus proyectos, como en sus redes sociales y su fiel compañera es Lía. Su perrita de tres años cuyo nombre quería que fuera “corto y claro“, acabó con diversos apodos cariñosos: “Lichi, lichirruchi, chicuca, chiquita pequeña…”, comenta el actor. La mascota fue adoptada y ha sido el primer perro que han tenido, ya que según explica, “teníamos claro mi chica y yo que queríamos un perro. Ha sido el primero de mi vida, porque yo siempre había tenido gatos. Estuvimos un tiempo buscando, fuimos a varias protectoras porque teníamos claro que queríamos adoptar. Un día apareció su foto en una y fuimos corriendo a por ella”.

Desde ese momento, la vida del andaluz cambió. En las redes se puede ver que no pueden vivir el uno sin el otro, aunque Lía se suele quejar un poco de su dueño. Así lo comenta en su propio Instagram, cuya descripción destaca: “Dice que es mi dueño [en referencia al actor], pero en realidad él es mi mascota”. Esta relación es tan especial que el humorista dice sin temor que, aunque conoce a personas extraordinarias, “ninguna es mejor que Lía”.

En la casa de O'Dogherty, Lía es “una más”. “Es lo mejor que nos ha pasado, lo volvería a hacer mil veces”, señala el humorista cuando se le pregunta si ha mejorado su calidad de vida al adoptar una mascota. No solo le acompaña o está pendiente de lo que hace el actor, sino que forma parte de cada locura que pueda protagonizar. Tanto que no es de extrañar que se den “conversaciones muy profundas” entre ambos. Por este motivo, el gaditano considera que Lía “piensa que estoy loco. “De hecho, tiene su propio Instagram y no habla muy bien de mí, la verdad”, comenta entre risas.

Don Juan Carlos se zambulló en las procelosas aguas de la piscina de Villa Conchita, el coqueto chalé de Seseña que logramos alquilar con nuestro raquítico presupuesto. Su majestad pidió una cerveza con sombrillita e hizo que le trajeran un flotador de las tortugas ninja. Quería relajarse antes de que llegasen sus invitados: el rey iba a dar una barbacoa.

Al cabo de un rato, su majestad salió de la piscina y caminó, chorreante, hasta la parrilla. Retiró las rejillas y comenzó a amontonar carbón, leña de encina, palés viejos, periódicos y todo cuanto ardiese en cinco kilómetros a la redonda. "Este es el secreto de un buen asado, Joaquín". Mientras el emérito intentaba que aquella mastaba se mantuviese en pie, el agua que le bajaba por las pantorrillas había formado un charquito que yo me esforzaba en sortear. "Señor, creo que con tanto combustible tendrá que empezar a cocinar la semana que viene…". El rey soltó una carcajada mientras levantaba una garrafa de 50 litros de gasolina. "Más vale maña que fuerza".

Su majestad empapó el montículo y le lanzó una cerilla. La columna de fuego podía divisarse desde Burgos. Satisfecho, el rey pidió una sangría y se puso a remojo. Pasada media hora, con el fuego aún a dos metros de altura, el chambelán anunció la llegada de los primeros invitados. "Estábamos perdidos, pero hemos seguido el humo". Su majestad se desternillaba. Los saludó con tanto énfasis que acabaron empapados. Poco a poco, el jardín se fue llenando de señores que tenían cara de ricos de toda la vida, gente que había cobrado su primera comisión el día de su comunión. Don Juan Carlos les disparaba con una pistola de agua y les reñía por no haberse traído el bañador. "El agua está buenísima", etcétera, etcétera.

Hay que reconocer que su majestad es un anfitrión extraordinario, siempre que cuente con la ayuda de dos cocineros, dieciocho camareros y un mayordomo. El propio rey había compuesto un menú que consistía en cerveza, choripán y pacharán. Con las llamas levantando un par de palmos, don Juan Carlos arrojó el chorizo inaugural, que comenzó a silbar amenazadoramente sobre el calor abrasador. A los pocos segundos, casi envuelto en fuego, el chef borbónico lo metió entre dos trozos de pan. Quemado por fuera, frío por dentro y chorreando grasa: bocatto di cardinale.

El rey se retiró de las brasas y ordenó a los cocineros que preparasen el embutido según aquellas sabias indicaciones. Bufando, se pusieron manos a la obra. A los pocos minutos, toda la concurrencia mordisqueaba el bocadillo intentando que no les goteara en los zapatos. Don Juan Carlos se entretenía repitiendo a las muchachas que comiesen, que estaban muy delgadas, y bailoteaba al ritmo del Megamix Verano 99.

A la tercera o cuarta ronda de choripanes, el pacharán se hizo imperativo. Empezaron a circular copas y vasitos, que la gente se empinaba con tal de lubricar el gaznate. Aquello fue la muerte de los modales y la hidalguía. Con el estómago lleno de sangre y la cabeza hasta las trancas de alcohol, el personal empezó a caerse al agua a medio vestir o a vomitar entre los setos. Cuando me iba, el rey pescaba, entre risotadas, varios zapatos que flotaban en el agua con el quitabichos.

Andrea Ropero (Binaced, 1984) saltó a la primera plana del periodismo español en el año 2013 como presentadora de La Sexta Noche junto a Iñaki López. Una etapa muy productiva en lo profesional que la llevó incluso a conducir las campanadas en compañía de Alberto Chicote. Actualmente está a punto de cumplir su cuarto año como colaboradora de El Intermedio, donde realiza reportajes a pie de calle y entrevistas centradas en la actualidad política. Tras dos meses de parón, este próximo lunes 5 de septiembre comenzará la nueva temporada del programa de Wyoming, a la que afirma volver “con las pilas totalmente recargadas para el año intenso que nos espera”, después de un verano que ha aprovechado para “descansar, viajar y estar con la familia”. 

Precisamente en verano, Ropero desempolvó Arrugas, la novela gráfica de Paco Roca que nos cuenta la historia de Emilio, un enfermo de Alzheimer al que internan en un centro y que, con la complicidad de otros residentes, se las ingenia para no acabar en la planta de desahuciados. Esta “obra maestra” está, en opinión de la periodista, de más actualidad que nunca 15 años después de su publicación, “tras ver cómo lo han pasado nuestros mayores en algunas residencias durante la pandemia”. 

De Arrugas, Ropero valora especialmente la forma que tiene Paco Roca de tratar el Alzheimer, siempre desde la complicidad y el humor, pero también con el dolor que lleva consigo la enfermedad, realizando así un homenaje "magistral" a los pacientes. Además, lamenta que, tanto tiempo después de que la novela gráfica saliera al mercado, el colectivo de enfermos de Alzheimer siga estando tan estigmatizado en nuestra sociedad. 

Durante la época estival, Ropero prefiere la novela al ensayo o la poesía. “Me ayuda a evadirme, a descubrir nuevas historias, personajes y a desconectar de la actualidad que tanto me absorbe durante el resto del año”, explica. Una de las últimas que ha leído ha sido 28 días de David Safier. El libro se encuadra en el levantamiento del gueto de Varsovia, donde una chica de 16 años, Mira, sobrevive a duras penas gracias al contrabando de alimentos. La protagonista se unirá a la resistencia para combatir a las SS nazis y proteger a su hermana pequeña, Hanna. “Me la recomendó mi marido y la he devorado este verano”, relata a infoLibre.

En cuanto a series, la periodista recurre al humor como antídoto a la situación que estamos viviendo, y concretamente a la sátira política. Por eso nos recomienda Vota Juan, una serie donde Juan Carrasco, personaje encarnado por Javier Cámara, un ministro de agricultura con poco carisma, acabará, por una serie de eventualidades, presentándose como candidato a la presidencia del gobierno de España. Rodeado de intrigas políticas y de un peculiar equipo de campaña, intentará el asalto a La Moncloa, siempre acompañado con un punto de humor. En opinión de Ropero “es una serie divertida, escrita fantásticamente bien y que, aunque sus creadores aseguran que trata de huir de la realidad, parodia de cine algunos esperpentos políticos que hemos vivido en este país”.

La periodista también pone en valor la figura de los reporteros de guerra, especialmente a aquellos que se juegan la vida para informar de conflictos que la prensa tiende a dejar en un segundo plano. Por eso nos recomienda Morir para contar, de Hernán Zin, donde periodistas de guerra como David Beriain, Ramón Lobo o Gervasio Sánchez relatan algunas de las experiencias más duras que han vivido ejerciendo su profesión. Además, también hablan con personas que ayudan a reporteros a superar el estrés postraumático. La presentadora lo describe como "una bofetada de realidad".

Junto a las recomendaciones, Ropero opina de la situación actual del periodismo y de las fake news. Para la periodista, la mejor vacuna para evitar las informaciones falsas es recurrir a fuentes fiables. La presentadora cree que difundir fakes “tiene mucho peligro porque solo contribuye a hacer más grande el bulo y el círculo de la desinformación”. Sin embargo, también es optimista al pensar que cada vez estamos más concienciados de este fenómeno y de los peligros de dar voz a las noticias falsas. 

Una de las claves para conseguir este espíritu crítico en la sociedad es, en su opinión, la cultura. Esta trae consigo la educación y la formación, algo que Ropero considera imprescindible para que la población tenga una opinión propia y fundamentada. "La cultura es la mejor herramienta para enfrentarnos a los desafíos sociales y políticos del día a día. Sin ciencia no hay futuro, y sin cultura tampoco”, concluye.

“Para todos aquellos artistas, soñadores que fracasan, sufren, pierden y que no dejan de intentarlo siendo ellos mismos, para aquellos que saben que no hay mayor éxito que triunfar siendo auténtico y genuino, siendo valiente”. Así presenta ELYELLA su nuevo single, Que nada nos pare (lo más importante), donde a ritmo de música electrónica y en colaboración con La La Love You, cantan a la felicidad, a la diversión y al optimismo. Una canción que nació en lo más profundo del confinamiento, cuando las esperanzas de los DJ de volver a tocar y de ver a la gente pasarlo bien en sus fiestas eran mínimas. Desde allí, de la tristeza y la incertidumbre, salió este tema que nos devuelve, pese a todo, la esperanza en el futuro y las ganas de seguir bailando.

ELYELLA son un dúo de DJ formado en el año 2010 por ELLA y MØNØ. Ambos comenzaron como productores de otros artistas, pero en el año 2017 decidieron empezar a sacar sus propios temas en colaboración con numerosos cantantes, bandas, e incluso orquestas filarmónicas. Su gran originalidad e innovación les ha convertido en unos de los DJ de referencia en el panorama musical español. Algunos de sus mayores éxitos son Todo lo que importa, La Historia interminable o Dreamers, los cuales combinan con sorprendentes remixes de canciones de otras bandas. 

El dúo no comparte que reine un clima de pesimismo en el ambiente y, de hecho, cree que la situación es justamente la contraria y estamos viviendo “un carpe diem extremo” porque “la gente tiene ganas de salir, disfrutar y no pensar en nada más”. ELYELLA achaca este clima de vivir el momento a las consecuencias de una pandemia que nos tuvo confinados en casa y nos hizo perder algo tan valioso como el poder divertirnos. “Todo lo que vivimos fue muy fuerte y, aunque ya no podemos recuperar todo lo que dejamos atrás, al menos aprovechar lo que tenemos ahora”, añaden. 

En el caso de María (ELLA), esta nueva forma de ver la vida le encanta, porque coincide en gran manera con su manera de ser. “Yo siempre he sido muy del ahora, así que lo estoy disfrutando por mil”, explica. De hecho, la DJ cree que el grupo “ha tenido el verano más loco de su vida”, lleno de trabajo y recorriendo festivales por todo el país. “Había que recuperar esos dos años de parón”, reitera. 

Con este ritmo tan alto, ELLA admite que “el final del verano pesa” porque no han tenido tiempo para desconectar, pero ya de cara a septiembre tratará de pasar más tiempo con sus amigas porque “siempre son el mejor refugio sin duda. Un vinito con ellas, largas charlas y pilas recargadas a tope”. El grupo también quiere hacer un viaje muy lejos, donde nadie les pueda localizar, pero lo dejarán para el invierno, el momento en el que ya pueden hacer un “parón real”.

Ambos músicos se consideran muy optimistas y creen que “hay un montón de cosas a las que aferrarnos”. Una de ellas es, sin duda, la necesidad de la gente de divertirse y salir, algo de lo que han sido más conscientes este año. Algo que les agrada mucho porque son “expertos" en crear esos momentos de distracción y ocio. “Pensábamos que quizás después de la pandemia un proyecto como el de ELYELLA moriría pero ha vuelto más fuerte que nunca y eso nos da mucha felicidad”, comentan a infoLibre. Justamente por este hecho tan esperanzador han lanzado Que nada nos pare, “un tema que habla de seguir tu camino pese a quien le pese y que queríamos dedicar a todos aquellos artistas, soñadores que fracasan, sufren, pierden pero que no dejan de intentarlo y que lo hacen siendo ellos mismos”.

Para no caer en el pesimismo, ELYELLA nos recomienda seguir en la misma línea del carpe diem, viviendo el día a día y quedándonos con los pequeños gestos de la gente que nos rodea y celebrando “cada pequeño o gran hito que nos sucede a nosotros o a los nuestros”. En su opìnión “siempre hay que celebrar para que lo bueno tenga más cabida que lo malo”.

Con respecto al ruido político que nos rodea, el dúo cree que los medios de comunicación “son seguramente uno de los grandes culpables”, pero eso no debe hacer que dejemos de informarnos y de tener espíritu crítico con las noticias. Sin embargo, ELYELLA considera muy necesario "compensar las malas noticias buscando algunas que te llenan/alivian el alma y otras que te hagan reír”.

ELYELLA ha estado todo el verano recorriendo algunos de los festivales más importantes del país, pero una vez acabada la época estival, el dúo de DJ no para. Tocarán en la Sala REM (Murcia) el 1 de octubre, en Las Armas (Zaragoza) el 5 de noviembre y el 12 de noviembre lo harán en La Riviera (Madrid).

Afganistán, Irak o Bosnia son algunos de los países a los que Gervasio Sánchez ha llevado su cámara. Este 2022 se cumplen cuarenta años de la primera vez que el periodista se lanzó a cubrir un conflicto armado. 

Desde 1982 Gervasio Sánchez ha acudido a lugares de los que otra gente huía, y ha reflejado con ayuda de su objetivo la brutalidad de la guerra y el dolor de los civiles que la sufren. Sus fotografías muestran realidades que intuimos pero que no queremos ver o nos es molesto contemplar, y el eufemismo “conflicto bélico” no es suficiente para explicar las barbaries que se reflejan en ellas. Además, este periodista literario ha acompañado muchas de sus imágenes con palabras, recuperando las historias de sus protagonistas. Habiendo sido testigo de tantas tragedias que estas han terminado pasándole factura. Reconoce que después de décadas viendo de lo que es capaz el ser humano, se ha visto “obligado a desconfiar”. 

“A lo largo de mi carrera profesional ha habido momentos en los que pensaba que el mundo iba a mejorar. Por ejemplo, cuando cayó el muro de Berlín pensé que todo iba a ir a mejor porque ya no había excusa; ya no había guerra fría ni era necesario matarnos. Muchos compañeros pensamos que nos íbamos a quedar sin trabajo, pero al contrario. No sólo no bajó la violencia, sino que incluso podríamos hablar de que ha aumentado”, porque, como explica el periodista, la sofisticación armamentística ha hecho que los conflictos sean mucho más duros que hace décadas. Resalta que nuestro deber es intentar entender por qué todos los seres humanos, ”independientemente de nuestra educación o nuestra ideología”, somos capaces de transformarnos en “bestias” y de causar tanto daño. 

Sostiene que la guerra o el genocidio no son exclusivos de un cierto tipo de sociedad. Cuando se habla de conflictos armados no se puede decir que “eso es cosa de negros y analfabetos”. Ejemplo de ello es la sociedad alemana de la Segunda Guerra Mundial, que era “blanca” y tenía un nivel cultural “altísimo”. Sin embargo, un “tipo con bigote llamado Hitler fue capaz de manipular de una manera brutal" a esta nación entera. 

El problema es que “cuando los puentes de convivencia entre las comunidades empiezan a resquebrajarse, aparece lo peor del ser humano”. Por ello, con los libros que nos recomienda leer este verano pretende que comprendamos mejor el comportamiento humano, pero también los últimos conflictos a nivel internacional.

“Lo más sano que uno puede hacer en su tiempo libre es leer, leer de manera incluso compulsiva”, asegura Sánchez. Este periodista nos propone El efecto Lucifer. El porqué de la maldad. Esta obra de Philip Zimbardo le interesa porque “cuenta de alguna forma qué hace que una buena persona pueda actuar con maldad” o “cómo se puede seducir a una persona moral para que actúe de manera inmoral”. Este libro puede ayudarnos a comprender por qué a día de hoy se siguen produciendo conflictos, pero también para comprender la historia reciente. El periodista pone de ejemplo lo que se vivió en la Alemania nazi, donde muchas personas -que a priori eran honradas- acabaron siendo partícipes o cómplices del asesinato de miles de judíos.

En esta línea también recomienda Yo, comandante de Auschwitz, las memorias de Rudolf Höss, el criminal de guerra nazi y comandante de Auschwitz. En este autorretrato se muestran las dos caras del genocida. Por un lado, habla de su vida normal y feliz como padre de cuatro niñas, y por otro habla de su “trabajo de operario mortífero en un campo de exterminio”. Este libro muestra cómo “un tipo que fue dueño de la vida y la muerte durante años y que fue el máximo responsable de cultivar un millón de muertos era al mismo tiempo un padre de familia”. 

El periodista asegura que podemos leer muchas cosas, pero es importante acudir a “las claves de la historia”, a los libros que te permiten entender mejor lo que ocurre en el mundo. Es el caso de la obra de la escritora y periodista Gitta Sereny Desde aquella oscuridad. Conversaciones con el verdugo Franz Stangl, comandante de Treblinka. Este libro recoge las entrevistas de Sereny con el comandante Franz Stangl y todo su círculo -familia, amigos, supervivientes del campo de exterminio de Treblinka…-. A través de estas conversaciones se pone sobre la mesa la “banalidad del mal”, el hecho de que “actos de tal horror y crueldad fuesen llevados a cabo por hombres ordinarios”. 

Libros como estos “permiten entender el pasado para que el presente sea distinto”. Sánchez cree que, conociendo los errores que hemos cometido, podemos construir un futuro mejor. Esto lo aplica también a la memoria histórica: “Habiendo tenido una guerra civil como la nuestra, las nuevas generaciones tienen que conocer lo que pasó. En muy pocos años, en comparación con otras guerras, se cometieron muchas atrocidades, y se deben conocer”. Considera vergonzoso que en nuestro país los políticos se pongan de acuerdo para que no salgan a la luz los secretos de Estado. “Gracias a los papeles que se hacen públicos en países como Estados Unidos se pueden investigar históricamente los tiempos lógicos, y no los tiempos irreales que se están planteando aquí en este país”, apunta. 

Esto le recuerda a Los amnésicos. Historia de una familia europea, un libro de Géraldine Schwarz que cuenta la historia de una familia alemana que descubre cómo su abuelo, valiéndose de las leyes nazis, compró en 1938 una empresa judía a un precio ínfimo. Tras la guerra, la familia que era propietaria del negocio le reclama una indemnización, pero el abuelo niega sus responsabilidades como Mitläufer –término que se usó para llamar a los alemanes que “se dejaron llevar por la corriente” del nazismo–. Sánchez destaca que en esta historia la familia alemana actúa de manera amnésica, fingiendo no saber nada de la compra de la empresa judía. Entiende que “este libro es muy interesante para entender cómo la mayoría de la población que colabora con un régimen injusto acaba luego mirando hacia otro lado”. Y añade: “En una guerra no son sólo responsables los que disparan, también son culpables los que jalean a los que disparan, los que aplauden a los que disparan, los que señalan a los que hay que disparar y también son culpables los que miran hacia otro lado”. 

Recalca que es “fundamental” estudiar el pasado e intentar comprenderlo. De esta manera podremos ser autocríticos y tener una visión distinta y más amplia de lo que ocurre a día de hoy. La cultura es el medio perfecto para este acercamiento. “Todo lo que he aprendido en este mundo lo he aprendido de la experiencia personal y leyendo a personas especializadas”, asegura el periodista a infoLibre. Considera que vivimos momentos de “gran convulsión ideológica” en Europa, pero debemos recordar “lo que hemos aprendido a partir del 45, que no vale la pena matarnos entre nosotros, porque puede costarle la vida a millones de personas”. 

Tampoco debemos olvidar que aunque “las guerras acaban cuando se firma un pedazo de papel llamado paz, sus consecuencias pueden durar décadas”. Esto lo ha reflejado en varios de sus libros. Vidas minadas (1997), Vidas minadas. Cinco años después (2002) y Vidas minadas, diez años muestran los efectos de las minas antipersona. Estos proyectos de fotografía documental nos acercan a las vidas de víctimas en Angola, Mozambique, Afganistán, Camboya, Irak, El Salvado, Nicaragua, Colombia y Bosnia-Herzegovina. 

A finales de 2023 publicará su cuarto libro, en el que volverá a hablar con los mismos protagonistas 25 años después. Mónica –una mujer ciega de Colombia– o Manuel –originario de El Salvador y con sus dos piernas amputadas– vuelven a ser mirados a través de su lente para recordar cómo las minas antipersona pueden acabar destrozando vidas. 

Elías León Siminiani (Santander, 1971) ha desarrollado su carrera cinematográfica hablando de sí mismo y de los demás. Bajo su dirección se unen el ensayo y el documental de investigación, los largometrajes y los cortos, la experimentación y el periodismo, con obras tan dispares como El saso Alcasser y Mapa. Esta combinación le ha convertido en uno de los directores de cine más importantes de nuestro país, obteniendo numerosos premios como el de Mejor Documental Europeo en el Festival de Cine Europeo de Sevilla, Mejor Documental en los Premios Feroz y una nominación  al Goya a mejor cortometraje de ficción por El Premio. Su última película es Síndrome de los quietos, donde cuenta, a medio camino entre el documental y el ensayo, la historia de unos cineastas que, en 2018, intentaron grabar un falso documental sobre un supuesto "síndrome de quietud" en Colombia como metáfora de la situación del país sudamericano.

En un presente tan perturbador, donde parece que el mundo se derrumba a nuestros pies y la llegada del futuro se presume igualmente de forma negativa, León Siminiani apuesta por no resignarnos y por usar la situación como estímulo para cambiar las cosas. “Algo que me motiva con asiduidad de cara al futuro es la idea de aportar algo en la infinita microescala de mis días para que el mundo en que crezca mi hija siga siendo un mundo viable”, nos cuenta el director, admitiendo que su estado de ánimo es, sin embargo, cambiante en función del momento, “como todo lo que toca a lo existencial”.

En verano, al cineasta le encanta pasar tiempo con su familia, pero también disfruta bañándose en el río, leyendo un libro o viendo clásicos cinematográficos “como vía de renovación”. A todo ello, añade sus paseos por las calles de Madrid en verano, una época en la que están "más vacías que nunca". Sin embargo, este año no ha podido disfrutar tanto de estas largas caminatas por “la ola de calor eterna” que hemos sufrido.

Entre todo lo malo, León Siminiani ve muchísimos hechos para ser optimistas de cara al futuro “en lo macro y en lo micro, en lo personal y en lo global”. Algunas de las buenas noticias de este año son para él “las cifras de empleo hasta el mes de julio, la importante subida en la venta de libros de los de pasar páginas con las manos, las tardes que nos sigue regalando Nadal y las que parece que nos regalará Alcaraz o el boom súbito de la filosofía en los planes escolares cuando parecía una disciplina abocada a la desaparición”. 

En el ámbito del séptimo arte, el director destaca el gran año del cine español, el cual, considera que “ha tenido su mejor cosecha en muchos años”, y la vuelta a la dirección del mítico Víctor Erice, uno de los mejores cineastas españoles de la historia y que rodará este año su cuarta película 30 años después de rodar la última. “Es cierto que la situación mundial no está para echar cohetes, pero el que no se consuela es porque no quiere”, añade.

Cuando no encuentra ese consuelo, Siminiani vuelve a recurrir a su hija para evitar caer en la desesperanza: “Todo lo que tiene que ver con mi hija, sus amigas y su educación me obliga a resetear la mirada. Aunque me cueste mucho entregarle mi tiempo, cuando lo consigo, los beneficios no dejan de sorprenderme”. Además de su hija, el director y guionista intenta salir a correr con asiduidad, leer sobre urbanismo y arquitectura, ir a la Filmoteca nacional y, cuando puede, dormir bajo las estrellas. Y si todo eso no funciona para escapar de las malas noticias, León Siminiani nos recomienda ver El infierno del odio, de Akira Kurosawa, donde el magnífico director japonés nos relata una historia de dilemas morales y de grandes contrastes que apasiona al director. 

Actualmente, cuando muchas veces prima la inmediatez y lo superficial, el director reivindica “todo lo que permanece y, de una u otra manera, nos devuelve la nada ínfima de nuestra existencia” como el mejor ansiolítico posible para superar el pesimismo.

En contraposición al pensamiento anterior, León Siminiani critica el ecosistema mediático actual dominado por las redes sociales, a las cuales culpa, en gran medida, del ruido político en el que estamos sumidos. Para el cineasta, a esa situación contribuye que en la actualidad “el medio sea el mensaje”, una frase con la que el pensador estadounidense Mashall McLuhan explica la influencia decisiva del canal sobre lo transmitido por él. “Da demasiada pereza ya hablar de la estulticia general que provoca la basura de las redes y, muy particularmente, la llegada de internet al móvil. La dispersión mental, el imperio de lo efímero, el tiempo tirado a la basura, la cultura del clickbait, las fake news, la adicción global no reconocida...en fin lo que sabemos todos de memoria mientras seguimos retuiteando”, lamenta el director.

Esa inmediatez afecta negativamente a la forma de acercarnos a la actualidad, de hecho, León Siminiani piensa que “cuanto más comunicados estamos y cuanto más rápidos son nuestros móviles, peor informados estamos”. Por contra, para el director, “la información real pasa por la capacidad de análisis y de leer con concentración. Y eso es algo que las nuevas generaciones de smartphone se están encargando de minimizar sin prisa pero sin pausa”. 

Otro de los problemas a los que se enfrenta la información de calidad es, a su modo de ver, la precarización del periodismo, la cual hace casi imposible la consecución de esos análisis profundos que reivindicaba el cineasta con anterioridad. Sin embargo, es optimista porque, pese a esta situación observa “maravillado” como surgen “frentes de periodismo genuino en nuestro país”.

Por toda esta problemática, León Siminiani ve muy necesario un cambio social con respecto a la forma en la que la gente mira el trabajo periodístico: “El covid ha puesto de manifiesto el estado de la sanidad en nuestro país. Me pregunto qué tendría que pasar para que algo similar evidenciara el desprecio generalizado por la educación, la cultura y el periodismo en este país. Sin estos tres pilares es imposible una sociedad mínimamente adulta”.

Amparo Larrañaga lleva a sus espaldas media docena de películas, pero es en los escenarios donde se corona como una de las grandes de la interpretación de este país con 26 obras de teatro estrenadas hasta la fecha. O a punto de estrenar. En Laponia, que llevará al Teatro Maravillas, en Madrid, este 9 de septiembre, la actriz protagonizará una divertida comedia que califica como "un regalo" en su extensa carrera profesional. “Estoy feliz de interpretar a Mónica. Es como si Marc Angelet y Cristina Clemente, los autores de la obra, hubieran escrito esta joyita, divertida, inteligente y mágica, pensando en mí”.

Uno de sus sueños imposibles, confiesa, sería nada más y nada menos que aparecer en la serie Homeland: “A mí siempre me han apasionado los personajes complicados. De alto contraste. El personaje que Claire Danes interpretó impecablemente en Homeland, Carrie Mathison, es el de una mujer con trastorno bipolar que es agente de inteligencia y especialista en terrorismo. Es un personaje de gran complejidad. Transitar y lidiar entre la locura, la intuición, la inteligencia y el amor, hace que sus luchas internas sean terriblemente interesantes para mí desde el punto de vista de una actriz”.

No solo se imagina en la piel de Carrie Mathison, sino también en la de la doctora Mary Harris: “Otra serie, menos conocida, pero que a mí me fascinó, es Mary me mata. Me interesa el personaje de la doctora de urgencias que ayuda a enfermos terminales a morir. Es una oscura comedia dramática que interpretó de maravilla la actriz Caroline Dhavernas. Un personaje controvertido de alto riesgo y contraste que te puede caer bien o puedes odiar. Un personaje en busca de su propia redención. Maravilloso.” Pero estos dos no son los únicos papeles soñados. “Si me pongo a pensar… ¡Hay tantos! El personaje de la enfermera yonki de Vicodin, que Edie Falco interpretó en Nurse Jackie. O el personaje que Kim Cattrall interpretó en Sexo en Nueva York…”

La actriz madrileña también se atreve a desvelarnos en qué obras de teatro le hubiera gustado colarse como actriz. Por ejemplo El diario de Adán y Eva, en la adaptación que hicieron Miguel Ángel Solá y Blanca Oteiza. "Recuerdo haberla ido a ver con Maribel Verdú. Las dos lloramos, reímos, conectamos mucho con nuestras emociones y fuimos felices viendo ese pedazo de obra tan bien interpretada”.

¿Y en el cine? Amparo destaca por ser una actriz polifacética, sabe poner caras a mujeres muy distintas, desde la comedia al drama. “El papel más maravilloso del mundo” que le hubiese gustado interpretar es el que protagonizó Carol Lombard en el clásico Ser o no ser, de Ernst Lubitsch: “El personaje de María Tura lo hice yo en teatro. Pero lo que hizo Carol Lombard… Eso es imposible de superar. Me hubiera encantado hacerlo.”

La actriz cuenta que si tuviera que elegir algo más actual, algo español, sería el poder trabajar con un actor: “Te diré que hay uno al que admiro mucho y con el que me encantaría trabajar: Javier Gutiérrez. Cualquier serie, película o función de teatro que me ofrecieran para compartir con él me haría una tremenda ilusión. Le he visto todo lo que ha hecho y, sea comedia o drama, lo hace todo con una verdad que me llega mucho.”

A la hora de recomendarnos una serie o una película, Amparo aprovecha para invitarnos a ir al teatro. “Es difícil recomendar un título teniendo en cuenta las cosas a las que ahora tenemos tan fácil acceso. Todo el cine y las series en casa, a solo un toque de mando a distancia. Por eso yo recomiendo ir al teatro. Que vuelvan a disfrutar del directo. De la proximidad que te da. Moverse de casa y acercarse a cualquier espectáculo que te llame la atención.”

Sorprende que la actriz reconozca que los papeles con los que más ha disfrutado son precisamente los menos conocidos: “A los personajes que he hecho en mi vida los he querido. Curiosamente, los más complicados, los que más me han gustado a mí, son los que menos me ha visto la gente, porque han durado menos, o porque nunca vinieron a Madrid. Es el caso de Cómo aprendí a conducir, que trataba de un tema complicado, la pederastia en familia. El personaje, Lil Bit, era absolutamente maravilloso. Era una función de Paula Vogel que me encantó representar y que me hubiera gustado mucho hacerla en el cine en ese momento”.

Tampoco cree la intérprete que sea la mejor en todo. “Yo pienso que en esta profesión nadie puede decir que otro actor o actriz no puede aportar algo diferente o mejor de lo que tú has hecho con un personaje. No. Cada actor o actriz le puede aportar una energía y una verdad que, aunque diferente, sea igual de válida. O más. Soy muy humilde en esas cuestiones. Hay grandes actrices en este país, y claro que pueden aportar cosas maravillosas a personajes que yo he hecho y que a mí no se me ocurrieron. Estoy segura".

A primera hora de la mañana llegó un motorista con una misiva para don Juan Carlos. El agilísimo jubilado se hizo con ella antes de que pudiese interceptarla; cuando llegué, la leía con fruición. "El marqués de Pocafrente me invita a una montería". Creo que no se le veía tan contento desde que consiguió colar la inviolabilidad en la Constitución. Servidor resoplaba, por el disgusto y por la carrera. El rey, peligrosamente animado, se levantó de la silla y me dio unas palmaditas en el hombro: "Joaquín, tienes que llevarme de compras: no tengo qué ponerme".

Escuché aquellas palabras como el preludio de una serie incontable de desgracias. Por supuesto, su majestad quería organizar un desfile triunfal que subiese por la Castellana hasta la calle Serrano, donde planeaba pasearse por las tiendas de la "milla de oro" al dulcísimo son de una ovación popular. Raudo, convoqué al gabinete de crisis en el cuarto de contadores: don Juan Carlos no podía cruzar el perímetro de la M30 costase lo que costase. Entre los generales del Estado Mayor, dos agrimensores y un primo segundo del electricista trazamos un osado plan de evasión.

Paso uno: montaríamos al rey en el Seat Ibiza de los domingos. Detrás, en la C15, los escoltas. Delante, dos húsares del regimiento de la princesa a lomos de un Vespino. Segundo: a los cinco minutos, el chófer pondría la radio. Sonaría una grabación en la que Carlos Herrera y Susanna Griso discutirían sobre el sobrevenido y gravísimo socavón producido en el centro de Madrid. Tercero: apremiaríamos al rey para cambiar de destino. La montería apremiaba y tenía que preparar su ajuar.

A los veinte minutos, nuestro coche se adentraba en el aparcamiento de un suntuoso centro comercial de la nobilísima villa de Alcobendas. Diseñadas por un interiorista borracho aficionado a las películas de Walt Disney, una veintena de galerías se desplegaban ante nosotros. Tiendas de libros, relojes, hamburguesas de baja calidad, telefonía, armas, plantas de interior, tacos de dudosa mexicanidad y carcasas para móviles ofrecían su mercancía bajo un cielo de molduras de escayola pintadas de color pastel. Su majestad oscilaba entre la incredulidad y el entusiasmo. Lo montamos en uno de esos carritos para obesos y nos lanzamos a la aventura. Don Juan Carlos se fue derecho a una tienda de golosinas y compró una bolsita llena de caramelos grandes como puños. Los chupaba con un brío admirable, haciendo un sonido parecido al de un chipirón fuera del agua. Luego puso rumbo a la armería, que hubiésemos dejado sin existencias si no se hubiese cruzado en nuestra ruta el centelleante neón de Ortopedia Fermín, probablemente el protésico más osado del último siglo. Bastones serigrafiados, bragueros con lentejuelas y los orinales más rocambolescos que la imaginación pueda concebir se disponían en unas repisas color esparadrapo. Era una visión asombrosa, una capilla sixtina geriátrica.

Los escoltas no daban abasto cargando bolsas. El emérito encabezaba la comitiva con una sonrisa de oreja a oreja. Felizmente, se había olvidado de los rifles, el chaleco acolchado y los cartuchos de escopeta. Subimos a los coches y emprendimos regreso. En el asiento del copiloto, tecleé rápidamente una excusa regia y la envié al frustrado marqués cazagamos. Los ciervos y los jabalíes estarán siempre en deuda con aquel audaz vendedor de plantillas y camas reclinables.

La carrera profesional de Raquel Martos (Madrid, 1971) es diversa. La madrileña desarrolla su trayectoria como periodista a la vez que es escritora, guionista y creativa. Así como colaboradora de diferentes programas, como Julia en la Onda para Onda Cero o la columna Muy Fan para infoLibre. Su fiel compañera durante las horas de teletrabajo es su perrita Betty, quien la acompaña desde que comienza su día. "El paseo es la primera actividad de la mañana y después duerme a mi lado mientras yo escribo o monto mis sonidos para la radio. También presencia mis clases de pilates que, desde el confinamiento, son online. Mi profesor Santiago flipa porque a veces cuando me tumbo en la esterilla, Betty se lanza a darme besos o se me sube encima y hago el puente con peso extra”, comenta la periodista.

La perrita tiene cinco años, fue adoptada a través de una querida vecina de la madrileña. “La familia con la que vivía Betty ya no podía cuidarla y estaban buscando un hogar para ella. A mí me rondaba la idea de adoptar, así que fui a conocerla, me dio un lametazo en los morros y hasta hoy”, cuenta Martos. Además, expresa con emoción que Betty entró en su vida "gracias a mi rubia Marichú". "Ella murió demasiado joven y aunque se lo dije en su momento, lo digo aquí, te estaré eternamente agradecida. Muchas veces, cuando achucho a mi perrita, pienso en mi amiga y en el regalo impagable de vida que me hizo”, cuenta Martos. 

La comunicadora tiene diferentes apodos para Betty, dependiendo de su estado de humor. “'Mi cosa bonita' cuando le hago mimos, 'mi muñeco chiquitito' cuando me pongo muy tonta y 'Beatriz', cuando me enfado con ella”, explica la madrileña, aunque señala que el nombre de su mascota ya venía de casa. “Ella antes vivía con otra familia y tenía una hermana que se llamaba Vilma. Soy muy fan de esa serie de dibujos animados, Los Picapiedra, me encanta su nombre y además le quedaba perfecto. No quise cambiárselo cuando la conocí, ella ya era Betty de pezuñas a cabeza”.

Betty llegó para mejorar su calidad de vida y colmarla de alegría y ternura. “Es el amor con patas. Nos reímos muchísimo con ella, nos acompaña tanto… Es un motor de energía para todos. En momentos muy duros ha sido un apoyo emocional inmenso, porque pase lo que pase, ella sigue jugando y demostrándote su cariño. Esos siete kilos de ser vivo tienen una enorme fuerza para tirar de ti, para sacarte a pasear, para convencerte, sin palabras, de que hay que continuar”, cuenta la periodista. La decisión de adoptarla, comenta Martos,  fue “tomada en pareja, de mutuo acuerdo, pero nos costó mucho. Lo habíamos pasado tan mal con la muerte de nuestro gato que teníamos miedo al dolor, pero nos gustan tanto los animales que al final nos animamos”, apunta.

Martos hace referencia a Manolín, su gato que durante 15 años la acompañó tras descubrir, siete años después de acogerlo, que era muy alérgica a estos animales. “El alergólogo me aconsejó deshacerme de él pero me negué rotundamente, antes me hubiera deshecho del alergólogo. Manolín era un miembro de mi familia  y vivimos juntos hasta que murió, aunque supe que después de él no habría otro, era incompatible con mi salud. Los perros también me encantan y es muy bajo mi grado de alergia a ellos. De hecho, el especialista me explicó que la convivencia con un perro podía actuar de barrera y reforzar mi inmunidad, así que me lancé”, rememora la guionista. 

La comunicadora recuerda que se produce un cambio de vida al introducir en la rutina una mascota. Martos reseña que "hay que desempeñar todas las tareas que exige su cuidado y es una responsabilidad. No es un peluche, es una vida que requiere atenciones y dedicación, te genera preocupación y conlleva asumir algunas renuncias. A la hora de hacer planes, por ejemplo, hay que contar con ella también y algunos no son factibles”.

Sin embargo, esta experiencia es única. “Ellos si te quieren lo hacen de un modo incondicional y eterno”, comenta. Y aunque haya quienes aman a los animales por encima de los seres humanos, Martos apunta: “No he dejado de creer que las personas valen la pena, soy humanista convencida. Lo malo de los seres humanos es que somos muy capaces de decepcionarnos entre nosotros, de traicionarnos, de no corresponder al amor de otros, o a la amistad. Los animales no”. No obstante, cualquier persona que demuestre amor a Betty, se gana el corazón de su dueña: “Quiero un poco más a los humanos que quieren a mi perra”.

¿Se puede entender el presente sin conocer el pasado? La respuesta de Antonio Rubio Campaña (Melilla, 1951) es no. Para este periodista de investigación, escritor y guionista, la historia es una pieza clave en nuestras vidas. Sin ella, cree que comprender la actualidad se hace prácticamente imposible. Es clave "conocer el ayer para entender el hoy". También considera que se puede hacer periodismo a partir de la historia. Lo demuestra con su último libro, El desastre de Annual a través de la prensa, donde sostiene que sin la explicación de este suceso no se entenderían hechos posteriores como la dictadura de Primo de Rivera, la República, la Guerra Civil… En esta obra también expone que el periodismo de investigación nace con este desastre.

La investigación no solo se limita a sus libros, sino que forma parte de su día a día. Rubio es presidente de la Asociación de Periodistas de Investigación (API) y dirige el Máster de Investigación Periodística, Nuevas Narrativas, Datos, Fact Checking y Transparencia de Maldita.es y la Universidad Rey Juan Carlos, donde también es profesor. Ha investigado sobre cuestiones tan variadas como el el caso Zabalza, los Fondos Reservados, el terrorismo de ETA, el 11M, el saqueo de Marbella o los GAL. Sobre este último tema profundiza su podcast GAL: El triángulo, galardonado con un premio Ondas de No Ficción. A lo largo de sus episodios, el periodista revela “algunos de los secretos mejor guardados sobre el terrorismo de Estado que azotó el País Vasco francés y español en los 80”. 

El periodista cree que la cultura y el periodismo pueden ser muy buenos aliados. Los libros, las películas o las obras de teatro pueden ayudarnos a comprender el mundo en el que vivimos de una manera dinámica y entretenida. Un ejemplo de ello es La infamia, la obra de teatro dirigida por José Martret sobre el secuestro de Lydia Cacho hace 16 años. 

La vida de esta periodista y activista mexicana ha estado marcada por su lucha incesante contra la violación de los Derechos Humanos. Esto le ha costado varias amenazas de muerte y un secuestro tras denunciar tráfico de personas en Cancún. Rubio menciona esta obra porque es un ejemplo perfecto de traslado del periodismo de investigación y de denuncia a la cultura, y en concreto, al teatro. Menciona que también hay otros ejemplos como Fariña o Ruz-Bárcenas, pero el de Cacho es un caso “muy potente”. "En la dinámica de nuevas narrativas, utilizar el teatro para reflejar elementos históricos o elementos periodísticos me parece que es una buena vía”, añade.

Entre otras recomendaciones culturales que nos propone Rubio se encuentran Manual de Pintura y Caligrafía y Borgen. Esta primera novela de José Saramago "habla de cómo se convierte un pintor en escritor”, lo que, “a su modo de entender”, es “realmente interesante”. Por otro lado, Borgen es una serie que aborda los entramados de la política de Dinamarca a través de Birgitte Nyborg, la primera mujer que logra ocupar el cargo de primera ministra del país. La sugiere porque le llama la atención "la visión que muestra sobre el poder". 

Cada vez son más las maneras que tiene el periodismo de llegar a nuestras vidas. Rubio menciona el teatro, pero también el podcast. Y es que lamenta cómo “cada vez se lee menos”. “Cuando yo me planteé hacer el podcast de GAL: El triángulo lo hice por una sencilla razón y es que muchos de mis alumnos no sabían lo que eran los GAL y yo era consciente de que muchos de ellos no iban a leer sobre ello. Como veía que todos iban con los cascos puestos hice el podcast. Si tú no vienes a mí yo voy a ir a ti”, comenta a infoLibre. 

Rubio reconoce que utiliza el verano para leer aún más que durante el año. Considera la cultura “fundamental” y el libro “básico”. De hecho, cree que es un gran problema que la sociedad esté perdiendo el interés por la lectura, sobre todo en el ámbito periodístico. “Cuando mis alumnos me preguntan qué deben hacer para ser un buen periodista yo les digo que tienen que hacer tres cosas: ‘leer, leer y leer’”, comenta. 

Recuerda de nuevo que la cultura es una herramienta imprescindible para comprender el pasado, sobre todo el que no hemos vivido. “El pasado sólo se puede conocer leyendo”, asegura. El contexto no es sólo importante cuando se habla de hechos históricos, sino que también es clave en el trabajo periodístico, sobre todo para evitar las fake news. El periodista, que dirige un máster junto a un medio especializado en fact checking, numera los cuatro pasos que hay que seguir para sobrevivir a estas noticias falsas. Los periodistas tienen que “uno, leer; dos, verificar; tres, acreditar; cuatro, documentar”, y una vez hecho esto, ya es seguro publicar. Recuerda las palabras de uno de sus referentes, Albert Camus, quien decía que lo importante no era ser el primero, sino ser el mejor. Las prisas no son buenas consejeras del periodismo, "nunca lo han sido". “Si tienes prisa es cuando te la van a colar, como dicen en maldita.es”, comenta.