"Si alguien tiene un destino se trata de un hombre, si alguien consigue un destino se trata de una mujer”. Con esta cita comienza Día de caza y la pronuncia la voz del joven personaje de Diana (Zoe Arnao), que en la versión original de esta historia resultaba tener el rostro asimismo juvenil de Emilio Gutiérrez Caba. Como la diferencia más notable de Día de caza con respecto a La caza de 1966 es que ha cambiado a sus protagonistas masculinos por mujeres, es inevitable entenderla como un comentario directo sobre dicha jugada. Quienes eran hombres arrogantes y poderosos hace 60 años ahora son mujeres arrogantes y, sí, también poderosas. ¿Cómo ha sido posible algo así?

Forzosamente estas mujeres han conseguido su destino. Si aceptamos que los hombres ya nacieron con uno en el heteropatriarcado, toca aceptar que las mujeres hayan tenido que luchar por él. Así que la cita de Diana sería… ¿empoderante? ¿Las mujeres lo consiguieron? En 1966 habría sido imposible imaginar el guion de Saura y Angelino Fons declamado por mujeres, pero en 2026 podemos, o al menos podemos ver como realista a mujeres maduras en puestos de poder, con dinámicas equivalentes a las retratadas en La caza. Estas empresarias (Blanca Portillo, Rossy de Palma y Carmen Machi sucediendo a Ismael Merlo, Alfredo Mayo y José María Prada) practican incluso un pasatiempo tan viril como la caza, y no parecen sentir ninguna alienación por ello.

Uno de los elementos más sugerentes de Día de caza es que apenas se hace mención al género de sus protagonistas: las mujeres cazadoras se limitan a hacer lo que creen que les corresponde, y al margen de la frase inaugural, ni siquiera insisten en que hayan tenido que esforzarse mucho más que los hombres para llegar ahí. De forma que el director y coguionista Pedro Aguilera no solo está despojando de triunfalismo a esta actualización —¿estamos mejor socialmente que hace seis décadas?— sino que viene aferrándose a una connotación lampedusiana: “Que todo cambie para que todo siga igual”, se proclamaba en El gatopardo. Todo ha cambiado pero todo sigue igual, porque trascendiendo el género, ha habido otra fuerza que no ha parado su avance en este tiempo. Es la que siempre logra recabar legitimidad con esas retóricas del esfuerzo y el destino. Es el capital.

La feminización de La caza, por lo demás y al margen de las contundentes interpretaciones que garantiza su elenco, no va mucho más allá de este cinismo medular. Las mujeres de Día de caza se comportan a grandes rasgos del mismo modo que sus homólogos masculinos: tratan con la misma condescendencia a sus sirvientes —una que, en pos de la procedencia de los mismos, puede teñirse además de racismo indisimulado—, imprimen la misma hipocresía a su amistad, y sienten la misma excitación hacia la violencia asimétrica cuando portan la escopeta. Son mujeres que han adoptado el lenguaje del poder asumiendo que este es un lenguaje patriarcal, de ahí que pueda romperles tanto los esquemas que, en un momento dado, una amiga le regale a otra un Satisfyer.

Así que este cambio de género acorde al feminismo liberal de, pongamos por caso, Ana Botín, no tiene mucho más intríngulis. El guion que Aguilera firma con Lola Mayo (que viene de escribir la extraordinaria El amor de Andrea con Manuel Martín Cuenca) cifra los cambios sensibles aparejados al paso de todas estas décadas de múltiples formas, y alguna incluso carece de la retranca de esta feminización. Por ejemplo, el maltrato animal: afortunadamente Día de caza se aparta de los aspectos más desagradables (y menos justificables incluso entonces) del original de Saura, y rechaza la visualización directa del sufrimiento de conejos y hurones. No es necesario cargar más las tintas simbólicas, sobre todo cuando se lidia con un contexto tan rico y matizado alrededor.

¿Cuál es este contexto? Pues toca volver al escenario de La caza, y determinar cuál era ese “buen sitio para matar” del que hablaban los personajes. En ambas películas lidiamos con cotos de caza desérticos del interior de la península, grandes extensiones de terreno yermo que podrían ser trabajadas y en su lugar son utilizadas para el frívolo esparcimiento de las élites. Esto a nivel superficial, pero bien sabemos que Saura era incapaz de trabajar sin metonimia y acostumbraba a recargar sus ficciones con la memoria nacional. Así ocurre que se ha acostumbrado a leer La caza como metáfora de la Guerra Civil ampliando el significado de esos conejos que tratan de ocultarse en sus madrigueras, semejantes a los escondrijos de los republicanos exterminados.

Es difícil limitar La caza, sin embargo, a este carácter metafórico cuando se nos cuenta textualmente que en estos terrenos hubo una batalla y llegamos a ver el cadáver de un soldado. La potencia real del film estriba en su concatenación de significados y su habilidad para no aislarse alegóricamente del presente: por supuesto que sus protagonistas son los vencedores de la Guerra Civil y representan el régimen, pero lo interesante es cuándo lo representan. Y lo representan concretamente en 1966, el año de estreno. Cuando el franquismo ha iniciado su apertura al capitalismo global, asentando las condiciones modernas (codicia, olvido interesado del pasado) para ser derruido desde dentro. Se basta y se sobra para ello. Por eso estos cazadores van a matarse entre sí. 

Ya que Día de caza es remake a la vez que actualización, ha de avanzar en el tiempo tanto como sea necesario, y ubicarse en nuestra contemporaneidad según los dictados de Saura. El egoísmo se mantiene a medida que el capitalismo entra en nuevas fases de histeria —sea el neoliberalismo o la monstruosidad que estemos viviendo hoy— y el trauma fundacional ya no es la Guerra Civil, aun cuando las pulseritas con la bandera de España de estas señoras ilustren que seguimos hablando de ciertos “vencedores”. Este trauma resulta ser entonces otro punto de inflexión en la experiencia nacional, un nuevo germen de conflictos irresolubles. La Gran Recesión de 2008, claro.

Aquí hallamos la mayor virtud de la propuesta de Aguilera, pues es capaz de modificar el esquema de La caza de forma bastante más drástica que con la feminización de los protagonistas. El espectro de la crisis económica y la especulación inmobiliaria que la aceleró determina la angustia del personaje de Blanca Portillo, llamado asimismo Blanca —los personajes de las tres actrices veteranas comparten sus nombres—, y el favor que le pide a Rosa por deferencia al siniestro pasado que les une. También toma cuerpo en la urbanización fantasmal, uno de tantos remanentes de la cultura del pelotazo —esa que ya se dejaba intuir en La caza de Saura—, que se yergue a poca distancia del coto de caza, como residuo de tantas codicias combinadas.

Las carreras y caracteres de las protagonistas veteranas de Día de caza se han fraguado en esta crisis, nuevamente ofreciendo una posible panorámica de cómo ha quedado la estructura de sentimiento español tras lo ocurrido. A la hora de aclararlo, el guion de Aguilera y Mayo apunta ocasionalmente a descarrilar. Sugiere que lo que trajo ante todo la Gran Recesión fue la sensación compartida de que el futuro había sido cancelado —pues la máquina siguió funcionando más o menos igual, utilizando más capitalismo para corregir los excesos del capitalismo— y que esto estimuló un nihilismo generalizado que cada individuo entendería a su manera, pero para hacerlo se embarulla en rimas insistentes con Saura, en reflexiones poco sofisticadas y diálogos sobreexpositivos. 

Día de caza habla tanto de la crisis económica como de la “crisis de representación”, apelando a que hay algo roto en nuestra agencia política como fruto último de los excesos que, acotando el caso español, empezaron a darse con el desarrollismo franquista. Así que, en ese sentido, es una respuesta orgánica y hasta cierto punto admirable a La caza, afrontando la difícil tarea de leer nuestros días según nos enseñó Saura hace décadas y logrando esquivar presentismos tentadores. 

Todo lo cual no implica que, al margen de sus intenciones, Día de caza funcione especialmente bien. El apego clónico al esqueleto de La caza —retomando monólogos en over y discursos mirando a cámara, fotocopiando escenas enteras— termina pesando como una losa, y condenando ocasionalmente la película al ridículo con réplicas mal atemperadas y excesos melodramáticos. Día de caza funciona mejor cuanto más esquiva y cerebral es, y cuanto más descarta la obviedad dentro del proceso de actualización de sus ingredientes. También se preocupa por ser misteriosa y esquivar las revelaciones fáciles de su entramado dramático, lo cual a veces resulta de lo más estimulante —la presencia constante de los drones intensificando la paranoia— y otras, no tanto. 

Siendo una película, entonces, muy irregular, toca agradecerle el riesgo. Era fácil que Día de caza fracasara y no lo hace. No lo hace, quizá, por algo más inmanente que la arquitectura dramática o el trabajo (casi ensayístico) de transposición de significados. Y es que hay una fe muy clara y potente sobrevolándolo todo: la fe en que con La caza de Carlos Saura no nos hallamos solo ante un clásico del cine español, sino ante todo un mito identitario. La caza parece menos coyuntural, más categóricamente española, que el mismo himno nacional que tararea distraídamente uno de los personajes en cierto momento del film de Aguilera. Está todo en ella. La caza nunca se acaba.

La cartelera de la semana se la disputan dos películas: Sully, dirigida por Clint Eastwood y protagonizada por Tom Hanks, y 100 metros, su competidora española, uno de los estrenos más potentes del cine patrio con Dani Rovira y Karra Elejalde como dúo protagonista para contar una historia real de superación. 

100 metros se apoya en varios elementos para entrar comn fuerza en la taquilla. Primero, está basada en la experiencia de Ramón ArroyoRamón Arroyo, un directivo cuya vida cambió radicalmente al ser diagnosticado de esclerosis múltiple. Cuando el médico le aseguró que en un tiempo no podría caminar ni 100 metros, decidió combatir los brotes proponiéndose competir en un ironmanironman, una prueba deportiva que consta de 3,86 kilómetros de natación, 180 de bicicleta y una maratón. Arroyo lo consiguió y hoy camina mucho más de 100 metros. El humorista Dani Rovira —y presentador de la gala de los Goya— le encarna en la ficción en la que es también una oportunidad para mostrar su registro dramático después de la saga de 8 apellidos vascos. Para caminar sobre seguro, las productoras han tirado de nuevo de su pareja cómica en aquella, Karra Elejalde. 

2009. Se dispara la alarma en Estados Unidos cuando un Airbus A-320 de US Airways realiza un aterrizaje de emergencia sobre el río Hudson, en Nueva York. Los 155 pasajeros del vuelo sobrevivieron, no hubo heridos graves ni se trataba de un ataque terrorista. Clint Eastwood aborda el incidente en su nueva película, basándose en el personaje del piloto Chesley B. Sullenburger, Sully, que evitó la catástrofe amerizando sobre el agua. Sully (interpretado por Tom Hanks) fue considerado un héroe, aunque poco después se comenzaron a plantear preguntas sobre si la arriesgada maniobra era realmente necesaria. 

Carlos Saura continúa ahondando en su filmografía musical con Jota, de Saura, una mirada al género aragonés. El cante es menos popular de lo que lo son otros de los que ha tratado, como el flamenco (en Flamenco, Iberia o Flamenco, flamenco), el tango o el fado. Saura se aproxima al género subrayando su carácter festivo y delicadeza, y ligándolo con músicas tan dispares como la celta, la clásica o el propio flamenco. Artistas como Miguel Ángel Berna, Sara Baras, Carmen París y Ara Malikian participan en este viaje panorámico por la jota. 

Tras su paso por el Festival de San Sebastián, al que acudió fuera de concurso, J. A. Bayona presenta Un monstruo viene a verme, de nuevo una coproducción entre España y Estados Unidos. Se trata de la historia de Connor, un niño de 12 años que se ve obligado a madurar cuando su madre enferma de cáncer. Para protegerse del oscuro mundo real en el que se adentra, se hace acompañar de un monstruo (interpretado, del otro lado del croma, por Liam Neeson) a través del que libera su tristeza y su rabia. Es, según el director, la cinta que cierra su trilogía sobre las relaciones madre-hijo tras El orfanato y Lo imposible. 

Con el Festival de San Sebastián exprimiendo sus últimos días, las salas de cine se transforman este viernes en una extensión de La Concha. Son varios los filmes presentados en el certamen internacional más relevante del país que han hecho coincidir el tirón mediático con su aterrizaje en taquilla. Las principales, dos grandes representantes del cine actual español y latinoamericano, llegan esta semana: El hombre de las mil caras, de Alberto Rodríguez, y Neruda, de Pablo Larraín. 

Después de filmar 7 vírgenes, Grupo 7 y La isla mínima, películas crecientes en éxito y calidad, Rodríguez se atreve con El hombre de las mil caras, su primer filme que bebe directamente de personajes reales. El director sevillano se ha atrevido a aceptar el difícil reto de llevar a la gran pantalla uno de los sucesos más oscuros (y surrealistas) de la historia española reciente: el ascenso del agente secreto Francisco Paesa (Eduard Fernández) en los círculos empresariales y políticos y su implicación en el caso Roldán (Carlos Santos) hasta la entrega del director de la Guardia Civil. 

Rodríguez ha confiado, como suele, en el equipo de las anteriores producciones, y tras su paso por San Sebastián ha cosechado buenas críticas, aunque no unánimes, de la prensa nacional e internacional. 

Basada también en hechos reales, aunque de forma más libre, llega a los cines Neruda, del director chileno Pablo LarraínNeruda. Tras sus aclamadas No y El club, y antes de su esperado filme sobre Jackie Kennedy, el realizador se ensaya en el biopic con el poeta. Eso sí, a la manera de Larraín. Es decir, con un antibiopic. Aunque retrata la huida del país del autor de Veinte poemas de amor y una canción desesperada, perseguido por el Gobierno de González Videla, al director le interesa menos ajustarse a los hechos y al carácter de Neruda como dar rienda suelta a uno de los rasgos del poeta (la excentricidad, la egolatría) y, sobre todo, a la misma huida. El filme está contado desde el punto de vista del inspector que le persigue (Gael García Bernal) y acaba acercándose a la novela negra... de aquellas que tanto gustaban al poeta. 

Aquí la crítica ha sido unánime: tanto la internacional como la nacional la definen como una película "deslumbrante", "increíblemente entretenida" y "valientemente idiosincrática". En Cinemanía, Irene Crespo apunta: "Más que una película sobre Neruda, es una película sobre lo nerudiano". 

Más estrenos

Es una buena semana de estrenos. Isabelle Huppert vuelve con El porvenir, nueva película de Mia Hansen-Løve sobre la llegada a los sesenta de una profesora de Filosofía. Meryl Streep protagoniza Florence Foster Jenkins, la historia de una de las soprano más famosas de la historia... por su poco talento para el canto. Viggo Mortensen es Captain Fantastic, un padre de seis niños que se ve obligado a abandonar el aislamiento (y la protección) en la que han estado viviendo hasta entonces para aproximarse de nuevo a una sociedad que les resulta completamente hostil. 

Un concierto de los Beatles. El deseo de miles de seguidores de la banda que, pese a los innumerables conciertos de homenaje e imitadores, no tiene resolución posible. El documental de Ron Howard Eight days a week. The touring years, sin embargo, pretende ser un sucedáneo de la adrenalina liberada por aquellos fans del baby boom que corearon sus canciones y dejaron en las grabaciones sus interminables chillidos. El largometraje, estrenado el jueves y en salas únicamente hasta el 22 de septiembre —ocho días, como la canción que le da nombre— presenta imágenes inéditas y remasteriza conocidos conciertos, como el del Shea Stadium de Nueva York, para presentar el directo de los cuatro de Liverpool con la mejor calidad que permite la tecnología actual. 

[Lee aquí toda la información sobre la película]

Stefano Sollima, el creador de la serie Gomorra, vuelve a vérselas con la mafia, y esta vez en pantalla grande. Suburra retrata una Roma oscura y peligrosa que, bajo las luces del turismo y el patrimonio, es controlada por mafiosos, eclesiásticos de dudosa moralidad y políticos corruptos. El fango en el que se sumerge la ciudad eterna se ve concentrado en una operación inmobiliaria en la periferia... algo que resultará familiar para los espectadores españoles. Estuvo nominada a cinco premios David di Donatello, los Goya italianos, y ha sido definida por la crítica como "un thriller de altos vuelos y bajos fondos". 

Más estrenos

Bridget Jones regresa 12 años después de la secuela Sobreviviré y 15 años después de la película original que lanzó al estrellado a Renée Zellweger. El título de la nueva entrega es un autoexplicativo Bridget Jone's Baby. Dani Rovira cambia de registro en El futuro ya no es lo que era, comedia en la que da vida a un excéntro adivino llamado Kar-El que esconde a un mucho menos llamativo Carlos. 

Después de Ice Age: El gran cataclismo, Independence Day: Contraataque y Buscando a Dory, las pantallas siguen acogiendo secuelas, efectos secundarios del calor y el abandono de las salas de cine por los alegres veraneantes. Ahora es el turno de la saga Bourne, que firma su quinta entrega: Jason Bourne, el viernes en los cines españoles. El largometraje, dirigido por Paul Greengrass (artífice también del segundo y tercer episodio), retoma el personaje interpretado por Matt Damon después de que el anterior capítulo, El legado de Bourne prescindiera de él... con resultados mediocres, en comparación con sus predecesores. 

Vuelve el tándem Damon-Greengrass, acompañados de Alicia Vikander, la actriz de moda (coprotagonista de La chica danesa), con la combinación de acción e intriga propia de la serie. La crítica internacional se ha mostrado favorable —"reunión explosiva" para Variety, mientras The Hollywood Reporter asegura que "no hay nadie mejor" que el director para llevar las riendas de esta "acción caótica"—, aunque la saga parece dar signos claros de cansancio. ¿Cuántas aventuras más aguantará Bourne?

El documental Boye, dirigido por Sebastián Arabia, retrata la vida de un personaje peculiar de la convulsa realidad judicial española. El abogado Gonzalo Boye fue condenado a 15 años de prisión en 1996 por colaborar con ETA en el secuestro del empresario Emiliano Revilla —hecho que él continúa negando—. Estudia Derecho en la cárcel, y acabará querellándose contra la administración de Bush por la cárcel de Guantánamo, defendiendo a Edward Snowden y formando parte de la acusación particular en el caso Bárcenas. Es también editor de la revista satírica Mongolia. 

El estreno tendrá lugar solo en un cine (el Artistic Metropol de Madrid), pero la productora planea seguir organizando proyecciones especiales y lanzar próximamente un DVD y un servicio de streaming a través de la plataforma Filmin.

Más estrenos

Malas madres reúne a un grupo de mujeres, liderado por Mila Kunis, que decide liberarse de sus obligaciones por una noche. Zipi y Zape y la isla del capitán da vida a los hermanos nacidos en el cómic. 

Julie Delpy, mitad de la saga comenzada por Richard Liklater con Antes de amanecer, Dominique en Blanco de KieślowskiBlanco , se ha trasladado a detrás de la cámara. Bueno, en realidad se ha dividido: es su propia directora y su propia actriz. Lo había hecho ya con Dos días en París, y ahora extiende su exploración hasta Lolo (este viernes en las salas españolas), una comedia maternofilial en la que comparte cartel con Dany Boon y Vincent Lacoste. 

En el filme —ligero y apto para los estómagos veraniegos poco exigentes—, Delpy interpreta a una madre sobreprotectora que trata de tener bajo el mismo techo a su posesivo hijo Lolo y a su nuevo novio, Jean-René.  “No es una obra maestra, es divertida. No hago grandes películas, sino filmes que están bien. Soy consciente de mis limitaciones”, admitía la actriz y directora en una entrevista para El País. 

Caballo ganador, un documental británico sobre un grupo de viejos amigos que decide entrenar juntos a un caballo de carreras, pone el contrapunto independiente a la semana. El largometraje de Louise Osmond fue Premio del Público en el festival de Sundance. 

Primero fue Antes de amanecer (1995), la primera pieza de la saga de Richard Linklater sobre la química, el amor, el azar y el tiempo. Weekend (2011), de Andrew Haigh, repitió la fórmula, solo que en vez de un chico y una chica que se encuentran de manera fugaz (y definitiva) en Viena, se trataba de dos chicos que pasaban una noche cualquier juntos, en el apartamento de uno de ellos. Se mostraban, entonces, problemáticas propias del colectivo: el silencio, el miedo, las particularidades de la escena homosexual masculina. Théo y Hugo. Paris 5:59 (este viernes en cines) añaden ahora un elemento más a esa combinación: el sexo. 

Los directores franceses Olivier Ducastel y Jacques Martineau sitúan a sus amantes en una sauna en la madrugada parisina. A partir de ese encuentro, húmedo y explícito, la cámara sigue a los protagonistas (Gaël Blondet y Pierre Desprats) en tiempo real. El espectador ve cómo se disipa la serotonina y otras sustancias para dar paso al miedo. ¿La oscuridad del primer encuentro permite también una historia a la luz del día? ¿Por qué es tan aterrador ese deseo? ¿Hay algo detrás de la sorpresa del primer encuentro? 

600 millas, del productor y guionista Gabriel Ripstein, utiliza el tenso ambiente de la frontera entre Estados Unidos y México para construir un thriller clásico: el enfrentamiento entre Arnulfo Rubio (Kristyan Ferrer), traficante de armas, y Hank Harris (Tim Roth), el agente que le vigila. Ambos tendrán que pasar de ser enemigos a ser colaboradores cuando un accidente les sitúa en el mismo lado de la lucha. La crítica internacional ha alabado el estilo del director, aunque no tanto la trama, considerada algo convencional. 

Más estrenos

La clase de esgrima, nominada como mejor película de habla no inglesa en los Globos de Oro, sitúa el relato clásico del buen profesor en la Guerra Fría. Un profesor de esgrima se ve obligado a huir de Rusia, perseguido por la policía secreta, y regresa a su Estonia natal, donde dará clases de educación física en una pequeña ciudad. Ice Age: El gran cataclismo amplía la saga protagonizada por la pandilla de animales prehistóricos, que tratan de evitar que un asteroide destruya la Tierra. 

Casi lo logra. El director irlandés Paddy Breathnach se quedó a las puertas de estar nominado al Oscar a mejor película de habla no inglesa con Viva (el viernes en los cines españoles), un trabajo rodado enteramente en La Habana y en español. Llegar a esa fase de preselección, a la que concurrían ocho películas, fue un éxito en sí mismo. El director llevaba fascinado con el mundo del "transformismo" (así suelen denorminarlo en la isla) cubano, y la existencia misma de la película significaba el triunfo sobre numerosos obstáculos, desde conseguir la financiación, el permiso para rodar en la el país o lograr un elenco de secundarios convincente. 

Jesús (Héctor Medina), un joven homosexual que vive solo en La Habana, se gana la vida con una peluquería doméstica y arreglando las pelucas en un cabaret regentado por mujeres transexuales. Jesús acaba subiendo al escenario, de manera algo azarosa, y encuentra en él un espacio de libertad. Pero el regreso de su padre (Jorge Perugorría), un exboxeador que le abandonó siendo muy niño y que acaba de salir de la cárcel, volverá a hacer de su vida un espacio asfixiante. 

Otro drama familiar, esta vez de producción española, llega también a las salas. En Todo saldrá bien, dirigida por Jesús Ponce, Isabel y Mercedes (Isabel Ampudia y Mercedes Hoyos) llevan años sin verse. Una sigue viviendo con la madre enferma, mientras que la otra se marchó a trabajar a Madrid. La inminente muerte de la madre las obliga a reencontrarse y acompañarse en un camino de sufrimiento, mientras lidian con rencores y dolor enquistados desde la juventud. 

La distribuidora Golem ha tenido buen ojo con la fecha de estreno de Un amor de verano (La belle saison en el francés original). Esta historia de amor entre dos mujeres llega a los cines después de un largo recorrido en su país e incluso un tiempo de visionado en la plataforma española de cine online Filmin. El largometraje de Catherine Corsini se adentra en la relación de Delphine (Izïa Higelin) y Carole (Cécile de France), que pasará de la amistad al romance, y de la homofobia a la que tienen que enfrentarse tanto en el pequeño pueblo de la primera como en los círculos burgueses en los que se mueve la segunda. 

Precisamente por este doble retrato de la cambiante Francia de los setenta, la película trata de ir más allá de la construcción de un drama romántico para situar la relación amorosa en un contexto determinado. El del nacimiento de una nueva ola del feminismo, el de la resaca del 68, el de la eterna diferencia entre burguesía y clase obrera, el de las aspiraciones de modernización del país materializadas en la modernización de la vida en la ciudad que chocaría con las arraigadas costumbres de la campiña, ajenas al terremoto que vivían las clases urbanas y olvidadas incluso por la tentacular administración estatal. 

Las implicaciones de esta brecha se arrastran hasta hoy. Philippe de Beauregard, alcalde del partido de extrema derecha Front National en el pequeño municipio de Camaret-sur-Aigues, en el Vaucluse, decidió censurar el pasado septiembre el cartel de la película en la localidad, alegando que el filme "contenía numerosas escenas que podrían perturbar al público más joven" y que debía "advertir a los padres".

Otros estrenos

Además de la secuela Independence Day: Contraataque, que no ha cosechado buenas críticas, Richard Linklater vuelve con la comedia Todos queremos algo; Jean-Marc Vallée estrena Demolición con Jake Gyllenhaal y Naomi Watts. Tom Hanks protagoniza la cinta Esperando al rey, de Tom Tykwer

De entre todos los temas tangenciales a la dictadura cívico-militar de Videla, hay al menos uno que el cine argentino no había tocado hasta ahora: los vuelos de la muerte. Aquellos que, a partir de 1977, y conducidos por oficiales de la Armada, arrojaron al mar a alrededor de 4.400 disidentes, sedados y aún con vida después de ser torturados. El cineasta Sebastián Borensztein retrata en Capitán Kóblic la huida de uno de esos colaboradores del régimen, que, arrepentido de su participación en aquellos siniestros aviones, pero demasiado cobarde para denunciar los hechos, busca desaparecer de la faz de la tierra. Este thriller con tintes de western en La Pampa está protagonizado por Ricardo Darín, que vuelve a visitar la historia reciente de su país después de filmes como Kamchatka, y por Inma Cuesta. 

Lee aquí toda la información sobre Capitán Kóblic

Los estrenos de la semana continúan con otro western, esta vez situado en el Este de Francia. Mi hija mi hermana Mi hija mi hermana(Les cowboys en el más apropiado original) es el debut como cineasta de Thomas Bidegain, guionista colaborador de Jacques Audiard y autor de los textos de Un profetaUn profeta, De óxido y hueso y Dheepan. En ella, Alain busca a su hija de 16 años desaparecida en plena celebración de un grupo de entusiastas del Lejano Oeste acompañado de su hijo Kid. Variety  dijo de ella que "Thomas Bidegain traslada el Centauros del desierto fordiano a Francia (...) [Una] desconstrucción de la masculinidad de género en este debut en la dirección inflexible y antirromántica".  

Más estrenos

El director Miguel Gomes estrena El embelesado, la tercera entrega de su trilogía Las mil y una noches, una serie que retrata, desde el imaginario del cuento popular, la crisis vivida en el país vecino entre el verano de 2014 y el de 2015. Los nostálgicos del cine de los ochenta podrán disfrutar con el remake de Las Tortugas Ninja: Fuera de las sombras, una apuesta que no ha recibido buenas críticas por parte de la prensa internacional. Para los aficionados al género de terror, se estrena Expediente Warren: El caso de Enfield, secuela de The Conjuring que hace continuar la serie de los conocidos demonólogos por la senda de un cine correcto, aunque no especialmente innovador.

"Han pasado cosas tan absurdas en mi país, que el público solo las creería si las cuenta Sherezade". Eso aseguraba el cineasta portugués Miguel Gomes en la edición del festival de Cannes del año pasado, en una entrevista para El País. Para contrar la crisis de su país, y más concretamente los hechos sucedidos entre el verano de 2013 y de 2014, recurrió a Las mil y una noches y su estructura de cuentos independientes unidos por una narradora. En lugar de relatos fantasiosos, las historias de vecinos contadas a través de fábulas y buenas dosis de humor surrealista.

Este viernes se estrena la segunda parte de esta trilogía, compuesta por los volúmenes El inquieto, El desconsolado El inquietoEl desconsoladoy El embelesado (en cines el 17 de junio). El filme pasó por la Quincena de los Realizadores en el festival francés y se hizo con el Giraldillo de Plata en el de Sevilla. 

Jeremy Saulnier (Blue Ruin) construye en Green room un thriller ambientado en el ambiente de los antros de conciertos. Los Ain't Rights, un grupo punk, tratan de despegar haciendo bolos aquí y allá. Uno de ellos les lleva a un local que no simpatiza precisamente con su música: el público está compuesto por un grupo de skinheads poco amistosos. Pero todo estalla cuando se convierten en los únicos testigos de un asesinato. Green room, alabada por Quentin Tarantino, se convierte en una historia de violencia y supervivencia. 

Más estrenos

Dos buenos tipos es una comedia de detectives protagonizada por Ryan Gosling y Russel Crowe. Las cineastas Laia Alabart, Alba Cros, Laura Rius y Marta Verheyen debutan con Las amigas de Ágata, dirigida a ocho manos y protagonizada por un grupo de otras cuatro chicas que ve peligrar su amistad mientras su mundo se transforma. 

Milagro: el estreno de la semana —entendiéndolo como aquel que más interés despierta en la crítica, pero también como el que más minutos televisivos ocupa— es un documental. Y sobre política. La palabra clave de esta rareza se reduce a una palabra: Podemos. Política, manual de instrucciones, el largometraje que Fernando León de Aranoa prepara desde hace 15 meses lleva al fin a las salas —después de faltar a la promesa de estrenarlo después de las elecciones del 20-D— y lo hace generando mucho ruido. 

El cineasta ha recogido 500 horas de grabación desde las entrañas del experimento político que es Podemos. El director ha repetido que ha trabajado desde la libertad y que la película "está dirigida al espectador interesado en la política", sea potencial votante de la formación morada o no. El público podrá juzgar por sí mismo a partir del viernes. 

Helena Taberna, directora de Yoyes (1999)Yoyes y de documentales como Extranjeras (2003) y Nagore (2010) recoge una novela de Lucía Etxebarría para construir Acantilado, un thriller "frío y eficiente" (según la crítica de Cinemanía) en el que un joven (Daniel Grao) busca a su hermana pequeña (Ingrid García Jonsson), supuestamente secuestrada, y quizás asesinada, por una secta.  

Más estrenos

Es una buena semana para el documental. Además del de Aranoa, llega Sexo, maracas y chihuahuas, dirigido por Diego Mas Trelles, sobre Xavier Cugat, el director de orquesta español que se hizo de oro llevando los ritmos latinos a Hollywood. McQueen. The man & Le Mans, de Gabriel Clarke y John McKenna, retrata al actor y apasionado de la velocidad. La francesa Fatima, una de las triunfadoras en los premios César de 2015, aborda la visión femenina de la integración migrante en el país vecino. Y un poco más de cine galo con Francofonia, la historia de la supervivencia del Louvre en el París ocupado de la II Guerra Mundial. 

Ha tardado seis años (desde Capitalismo: una historia de amor), pero Michael Moore ha vuelto. Si el documentalista se hizo famoso por los métodos poco ortodoxos que utilizaba para abordar el uso de armas en Bowling for Columbine y los atentados de las Torres Gemelas en Fahrenheit 9/11, con ¿Qué invadimos ahora? (el viernes en los cines) ataca tanto la política exterior estadounidense como los pobres derechos sociales en su país. La táctica es la siguiente: Moore llega a un país europeo, clava la bandera de los USA, reclama el territorio conquistado y se lleva con él las ventajas que ese territorio tenga sobre el suyo. De Italia, el derecho a vacciones pagadas (inexistente en Estados Unidos); de Finlandia, el sistema educativo; de Islandia, la paridad en política. Moore deja de lado por un momento su ira hacia los malos gobernantes para imaginar un mundo mejor (ignorando, eso sí, los defectos de los Estados que alaba).

El vídeo que mostraba a Ada Colau siendo arrastrada por la policía en un desahucio, cuando era activista de la Plataforma de Afectados por la Hipoteca (PAH), se hizo viral meses después de su grabación. Los internautas que se topaban con él se preguntaban: "¿Cómo es posible que esta mujer haya llegado a ser alcaldesa de Barcelona?". El documental Alcaldessa (que también se estrena el viernes), dirigido por Pau Faus, trata de explicar lo que hay entre un momento y otro, entre el activismo de calle y la política institucional. Para ello, el ganador del premio a mejor director de documental en el último Festival de Málaga, graba los entresijos de la campaña de Barcelona en Comú, así como encuentros casi diarios con la que sería futura alcaldesa. La franqueza con la que habla la dirigente, sabiéndose ante una cámara, resulta sorprendente. 

Más estrenos

Llega Alicia a través del espejo, la segunda entrega de la adaptación de Alicia en el País de las Maravillas, esta vez dirigida por James Bobin, aunque de nuevo con Mia Wasikovska como el joven personaje creado por Lewis Carrol. El país del miedo El país del miedolleva al cine una novela de Isaac Rosa, dirigida por Francisco Espada y con los actores José Luis García Pérez y Eduardo Velasco. 

El director chino Jia Zhang Ke (Plataforma, Naturaleza muerta) alcanzaba su "película más emocional", según sus propias palabras, con Más allá de las montañas, presentada en la sección oficial de la pasada edición del Festival de Cannes, de estreno este viernes en cines. Este relato de la nueva China entretejido con el devenir de un trío amoroso consiguió hacerse un hueco en San Sebastián, llevándose el premio del público a mejor filme europeo gracias a su coproducción francesa.

"Lo que hace su trabajo memorable es cómo las grandes furezas [de la historia] están grabadas en los rostros y cuerpos de sus personajes", señalaba The New York Times. Algo que se cumple de nuevo en la historia de la joven Tao y sus amigos Zhang Jinsheng y Liangzi, cuyas vidas se entrelazan y separan entre 1999 y 2025, en plena occidentalización china. Mientras ellos viven y envejecen, el mundo en el que habitan se va transformando también poco a poco hasta volverse irreconocible. 

El rey tuerto, escrita y dirigida por Marc CrehuetEl rey tuerto, llega a los cines después de ser acogida por el Festival de Málaga y, sobre todo, tras una gira de dos años por los teatros españoles. La obra, una comedia negra sobre la violencia ejercida por el Estado, se estrenó en 2013 en la pequeña sala Flyhard de Barcelona. En la pieza vemos a Ignacio (Miki Esparbé), un ciudadano comprometido que ha perdido un ojo tras recibir el impacto de una pelota de goma en una manifestación. El azar quiere que un día llegue a cenar a casa de  David (Alain Hernández), el antidisturbios que la lanzó. La obra fue tomando peso, y Crehuet decidió que, antes de que la película la hiciera otro, la rodaría él. Consiguió despertar el interés de El Terrat y TV3, y pisa los cines cuando se cumplen tres años de su estreno. 

Más estrenos

Los fans de la saga mutante vuelve a encontrarse con el profesor Xavier en X-Men: Apocalipsis. Pero su espera desde Días del pasado futuro quizás no tenga su recompensa: las críticas de la prensa internacional a la cinta de Bryan Singer le acusan de haber desarrollado una trama carente de interés... y de no levantar el vuelo en las secuencias de acción. Sophie Barthes lleva a las pantallas su adaptación de Madame Bovary en la que destaca la actriz Mia Wasikovska (Alicia a través del espejo, En terapia).

Un "hito del terror contemporáneo" para Cinemanía, "una de las películas de terror más perturbadoras de los últimos tiempos" para Time Out, "una pequeña joya" para The New York Post. La bruja, dirigida por el debutante Robert Eggers, llega el viernes a los cines esperando interesar a un público que trascienda los límites del aficionado al género, y ha sido comparada por la crítica con Shyamalan y Haneke. El filme se adentra en una familia de colonos asentada en la Nueva Inglaterra de 1630 que se enfrenta a una presencia sobrenatural en un bosque cercano. 

El guionista, director y dramaturgo Juan Cavestany vuelve a los cines con Esa sensación, una película que, al igual que Gente en sitios, hilvana varias historias cruzadas: un virus hace que la gente diga la verdad, un hombre espía a su padre por la ciudad y una mujer desata su pasión con el mobiliario urbano. Los amantes de la comedia absurda de Cavestany encontrarán aquí otra entrega de su particular narrativa. 

Otros estrenos

El thriller El hombre perfecto El hombre perfectosigue a Mathieu, un joven de 25 años que aspira a autor de éxito mientras trabaja en una empresa de mudanzas y que decidirá robar el manuscrito de un anciano que acaba de fallecer y publicarlo con su propio nombre. El hombre que conocía el infinito es un biopic del matemático indio Srinivasa Ramanujan protagonizado por Dev Patel. 

La historia de El olivo, la nueva película de Icíar BollaínEl olivo, que llega este viernes a los cines, nació de una noticia. Paul Laverty, pareja de la directora y guionista de nueve guiones de Ken Loach, leyó en el diario El País cómo se trasladaban olivos milenarios desde tierra española hasta centroeuropa, a cambio de unos miles de euros. La pareja vislumbró la historia de una familia (Javier Gutiérrez, Pep Ambrós...), descendiente de agricultores, que decide subirse al carro del boom vendiendo un olivo plantado "por los romanos". Pero también la de la nieta, Alma (Anna Castillo), que decide darle la vuelta a esa deriva y viaja a Düsseldorf para recuperar el árbol. 

[Lee aquí la entrevista de Karmentxu Marín a Icíar Bollaín]

Llega a los cines Freeheld después de su estreno en el Festival de San SebastiánFreeheld . Julianne Moore y Ellen Page protagonizan la historia real de Laurel Hester y su pareja Stacie Andrée. Ambas mujeres protagonizaron uno de los casos más conocidos de la lucha LGTB en los Estados Unidos cuando Hester, policía en Nueva Jersey y enferma de cáncer, llevó a cabo una batalla legal para que Andrée, su pareja de hecho, recibiera su pensión cuando falleciera. La administración, que lo permitía en casos similares de parejas heterosexuales, se negaba a hacerlo con las parejas homosexuales. La película, sin embargo, no ha recibido buenas críticas en prensa, que reconocen su empeño reivindicativo pero critican la convencionalidad de sus formas. 

Hollywood ha hecho las paces con uno de los episodios más negros de su historia. Primero fue George Clooney con su Buenas noches y buena suerte, y ahora toma el relevo el director Jay Roach con Trumbo. El filme, protagonizado por Bryan Cranston (Breaking Bad), es un biopic del guionista estadounidense padre de Johnny cogió su fusil, que fue perseguido por el macartismo debido a su compromiso con el Partido Comunista. La caza de brujas orquestada por el senador republicano y su negativa a renunciar a sus ideales le hizo ser incluido en las listas negras de la industria. Sin posibilidad de firmar bajo su verdadero nombre, siguió escribiendo bajo seudónimo obras como Espartaco o Vacaciones en Roma. 

La película llega a los cines españoles meses después de su estreno en Estados Unidos, y después de que Cranston fuera nominado al Oscar a mejor actor protagonista. No es el único que destaca en el elenco: le acompañan Diane Lane, Hellen Mirren, John Goodman y Louis C. K., entre otros. 

Maribel Verdú encarna a Sofía en La punta del iceberg, un thriller ambientado en el recinto de una gran multinacional y que critica los abusos laborales por parte de la empresa. La película, dirigida por el debutante David Cánovas, es una adaptación de la obra teatral de mismo nombre, escrita por Antonio Tabares y dirigida en La Abadía por Sergi Belbel. El personaje de Maribel Verdú —acompañada por Carmelo Gómez Fernando Cayo, Bárbara Goenaga y Álex García— debe encargarse de investigar tres suicidios que se han producido en uno de los centros de trabajo de la empresa, y que parecen estar relacionados con las condiciones laborales imposibles impuesta por los superiores. 

[Lee aquí todo sobre la película]Lee aquí

Otros estrenos

La punta del iceberg no es el único estreno del cine español. La cineasta Inés París firma la comedia La noche que mi madre mató a mi padre, con Belén Rueda, Eduard Fernández, María Pujalte y Diego Peretti. Y tampoco es Trumbo el único filme de la semana que aborda un acontecimiento histórico. El caso Fritz Bauer, dirigida por el alemán Lars Kraume, se centra en el fiscal general que dio con Adolf Eichmann en Argentina y fue uno de los pilares de los procesos contra el régimen nazi y sus dirigentes. Los amantes de los géneros más comerciales tienen también su espacio con el estreno de Capitán América: Civil War, la nueva entrega del héroe de Marvel, que ha cosechado hasta el momento muy buenas críticas; y Feliz día de la madre, que une a dos grandes de la comedia romántica: Julia Roberts y Jennifer Aniston. 

Al dúo se suma José Sacristán, que da vida al terrorífico capo de la mafia del turismo en Costa del Sol, que vacía los bolsillos de los turistas y controla el negocio mediante la extorsión y la violencia. A él se enfrentarán Casas y Tosar, Toro y López, una extraña pareja de hermanos unidos por la necesidad de venganza. Pero es el personaje del joven actor el que tiene toda la carga en estre thriller de acción que recupera los filmes de gángster de los setenta, con algo de Scarface y algo de Malas calles. Un salto en la carrera de Mario Casas, y la consagración de Kike Maíllo como director a tener en cuenta en el panorama nacional.  

[Lee aquí toda la información sobre la película]aquí

El director italiano Luca Guadagnino sorprendió en 2009 con Yo soy el amor, su segundo largometraje después de Melissa P., un drama erótico protagonizado por María Valverde que recibió muy malas críticas. En Yo soy el amor, de la mano de la actriz Tilda Swinton, protagonista absoluta, dibujaba una película "soberbia, sorprendente" (El País), "un majestuoso, rico y conmovedor melodrama italiano" (Empire). Ahora, el cineasta estrena Cegados por el sol, un remake de La piscina, rodada por Jacques Deray en 1969. De nuevo un drama con tintes eróticos, y de nuevo Tilda Swinton para lograr su consagración. La prensa internacional ha resaltado especialmente las interpretaciones de Ralph Fiennes (en el papel originalmente interpretado por Alain Delon) y Dakota Johnson (en el de Jane Birkin). 

Más estrenos

El niño y la bestia (del director Mamoru Hosoda)es una nueva entrega de la animación japonesa que ha figurado en las últimas ediciones de los festivales de San Sebastián y Gijón. La crítica ha censurado su falta de originalidad en el guion, y alabado su creatividad y buena ejecución en la forma. El belga Stefan Liberski adapta al cine la novela de Amélie Nothom Ni de Eva ni de Adán. El resultado es Romance en Tokio, una comedia romántica suave y ligera que gustará especialmente a los seguidores de la escritora francesa. 

El director, Jon Favreau, retoma la aventura del Mowgli creado por Rudyard Kipling sustituyendo las canciones y la comedia de la original —o, en palabras de Variety, "el perezoso encanto del clásico"— por la potencia visual de los paisajes selváticos, la épica de un relato de exploración, y la acción de las batallas entre panteras, tigres, serpientes y osos. 

Varios críticos cinematográficos han admitido que su única razon para ver The lady in the van era contemplar a la actriz octogenaria Maggie Smith desplegar un oficio adquirido a lo largo de décadas interpretando a una más que malhumorada señora. La película dirigida por Nicholas Hytner retoma las memorias y la obra de teatro del dramaturgo Alan Bennett. El británico cuenta la historia real de una excéntrica abuelita que aparca su furgoneta, en la que reside, en la puerta de la residencia del escritor. Lo que iba a ser un favor casi de boy scout a una anciana que roza el esperpento se acaba convirtiendo en una relación de amistad y convivencia que se extiende durante 15 años.

Más estrenos

Llega a los cines Cantinflas, el biopic del cómico mezicano que está recibiendo tan buenas críticas por la actuación de Óscar Jaenada en el papel de Mario Moreno como malas por todo lo demás. El héroe de Berlín, dirigida por Stephen Hopkins, retrata la leyenda de Jesse Owens, el atleta negro que, con su excelente actuación en los Juegos Olímpicos de Berlín de 1936, echó por tierra la teoría de Hitler sobre la raza aria desde el mismo centro del nazismo.