Tras el León de Oro conseguido en 2024 por Pedro Almodóvar con 'La habitación de al lado', la edición de este año del Festival de Venecia tendrá mucho cine en español, de Latinoamérica, pero muy poco de cineastas españoles.

El catalán Jaume Claret Muxart presentará su ópera prima, 'Estrany riu' ('Extraño río'), en la segunda sección en importancia de la Mostra, Horizontes.

Inspirada en los viajes en bicicleta que realizaba con su familia por Europa cuando era adolescente, la película retrata el despertar sexual de un adolescente en unas vacaciones familiares por la ribera del Danubio.

Protagonizada por el debutante Jan Monter como Dídac, el filme rodado en catalán y en 16 mm, cuenta además con Nausicaa Bonnín, Jordi Oriol, Bernat Solé, Francesco Wenz y Roc Colell.

El desarrollo de 'Estrany riu' comenzó en el Posgrado de Creación Cinematográfica y Audiovisual de la Elías Querejeta Zine Eskola, y ha participado en residencias y laboratorios de desarrollo como Ikusmira Berriak (Festival de San Sebastián), Residència de Guions de l’Acadèmia del Cinema Català, Mentoring Projects L’Alternativa y Spanish Screenings MAFIZ de Málaga.

En la Jornadas de los Autores, un certamen independiente pero paralelo a la Mostra, se podrá ver 'Anoche conquisté Tebas', del albaceteño Gabriel Azorín.

Cuenta la historia de dos jóvenes portugueses, António y Jota, que en una tarde de invierno muy fría van con unos amigos en busca de unas antiguas termas romanas que han aparecido tras pasar mucho tiempo bajo el agua de un embalse.

Al igual que 'Estrany riu', el filme de Azorín empezó a desarrollarse en la Elias Querejeta Zine Eskola y participó en Ikusmira Berriak, además de en la Residencia de la Academia de Cine, La Incubadora de la ECAM y recibió el Premio al Mejor Proyecto en SEFF producciones (Festival de Sevilla).

Es el primer largometraje de Azorín, que ha dirigido los cortometrajes 'Los galgos', 'Mañana vendrá la bala' y 'El ruido del universo' y el mediometraje documental 'Los mutantes'.

Otra cinta española, por ser coproducción y por el reparto, es 'Calle Málaga', dirigida por la hispano-marroquí Maryam Touzani y protagonizada por Carmen Maura.

Maura interpreta a María Ángeles, una española de 79 años que vive sola en Tánger, que recibe la visita de su hija Clara (interpretada por Marta Etura), con la propuesta de que abandone su ciudad natal para trasladarse a Madrid.

Es el tercer largometraje de Touzani -tras 'Adam' (2019) y 'El caftán azul' (2022)- y se presentará en la nueva sección Spotlight, que busca proyectos que innoven en su relación con el público.

También con producción española, llegarán a Venecia el largometraje 'Hiedra', de la ecuatoriana Ana Cristina Barragán, en Horizontes, y 'Un cabo suelto', del uruguayo Daniel Hendler en Spotlight.

En la sección Venecia Clásicos se proyectarán una versión remasterizada de 'Matador' (1986) de Pedro Almodóvar, protagonizada por Assumpta Serna, Nacho Martínez y Antonio Banderas, una de las primeras obras del cineasta manchego, que refleja su estilo provocador y audaz.

Así como 'Memoria de los olvidados', un documental de Javier Espada sobre la película que Luis Buñuel dedicó a la trágica infancia en México, 'Los olvidados' (1950).

Y en el Venice Gap-Financing Market, que ayuda a los cineastas a encontrar financiación para finalizar sus proyectos, participarán los españoles Pablo Maqueda, con 'Caro Nanni' y Víctor Moreno con 'El exterior'.

El cineasta Pedro Almodóvar ganó este sábado el León de Oro del 81º Festival de Venecia con su película The room next door (La habitación de al lado), la primera producción española en conquistar este premio, y aprovechó su discurso para reivindicar el "derecho fundamental" a una muerte digna. El también español Luis Buñuel ganó este galardón en 1967 con la producción francesa Belle de jour (Bella de día).

"La película habla no solo de la solidaridad sin límites, sino también de la decisión de un personaje de terminar con su vida cuando esta solo le ofrece un dolor sin solución", explicó un emocionado Almodóvar al recoger el galardón. Y agregó: "Despedirse de este mundo limpia y dignamente es un derecho fundamental de todo ser humano, no es un asunto político, sino humano y es desde la humanidad como hay que abordarlo, aunque los gobiernos tengan que articular las leyes adecuadas para que esto se pueda llevar a cabo".

El cineasta dijo saber que "este derecho atenta a religión o credo que tenga a Dios como fuente vida". "Yo pediría a los practicantes de cualquier credo que respeten y no intervengan en decisiones individuales, el ser humano debe ser libre para vivir y para morir cuando la vida sea insufrible", agregó.

Almodóvar aseguró que, aunque es su primera película en inglés, "el espíritu es español". Y agradeció el premio a sus actrices, Tilda Swinton y Julianne Moore. "Como director, uno de los privilegios es ser el primer testigo cuando ocurre un milagro delante de la cámara y tanto Tilda como Julianne han convocado un milagro muchos días de rodaje", dijo.

El realizador manchego ya había podido constatar que su película había entusiasmado en Venecia el día de su estreno, el pasado 2 de septiembre, al recibir un aplauso de 17 minutos del público. Se trataba de una de las ovaciones más largas que se recuerda en el certamen italiano, considerado el más antiguo del mundo desde su fundación en 1932.

Inspirada en la novela de Sigrid Nunez ¿Cuál es tu tormento?, la cinta narra los últimos días de una exreportera de guerra (Tilda Swinton), enferma de cáncer terminal, que decide poner fin a su vida y que pide a una antigua amiga (Julianne Moore) que la acompañe en ese trance en una aislada y lujosa casa en la montaña.

La cinta, que llegará a los cines españoles el 18 de octubre, cuenta también en su reparto con John Turturro, Alessandro Nivola, el español raúl Arévalo y el hispano-argentino Juan Diego Botto, entre otros.

Es una historia de amistad y solidaridad que el cineasta ha pensado como "respuesta a los discursos de odio" de la ultraderecha actual, según declaró aquel día en la rueda de prensa de la Mostra.

Almodóvar ha pasado en varias ocasiones a lo largo de su carrera por el festival que ya le honró en 2019 con su León de Oro honorífico, por considerarle "el director español más influyente desde Luis Buñuel".

En Venecia, de hecho, tuvo su debut internacional en sus inicios con Entre tinieblas (1983) y cinco años después volvería con una de sus cintas más aclamadas, Mujeres al borde de una ataque de nervios (1988), llevándose el premio al Mejor Guión.

El cineasta tardaría más de tres décadas en volver con una obra a la Mostra, en la edición de 2020, eclipsada por la pandemia, aunque fuera de concurso, con su corto en inglés The human voice, adaptación de la obra de Jean Cocteau protagonizada por Swinton. Un año después, regresaría a la competición veneciana con Madres paralelas (2021), que le valió la Copa Volpi a la Mejor Actriz a su protagonista, Penélope Cruz.

Además de Almódovar, la segunda del palmarés fue la italiana Maura Delpero, que ganó el León de Plata Gran Premio del Jurado por Vermiglio, la historia de una familia en una aislada aldea de los Alpes que se ve sacudida por la llegada de un soldado del frente de la II Guerra Mundial.

El León de Plata a Mejor Dirección fue para el estadounidense Brady Corbet por The Brutalist, la historia de un judío húngaro interpretado por Adrien Brody que llega a los Estados Unidos en 1947 para darse de bruces con el sueño americano.

La Copa Volpi al Mejor Actor fue para el francés Vincent Lindon por interpretar a un padre coraje que afronta la captación de uno de sus hijos por la ultraderecha de su país en Jouer avec le feu. La Copa Volpi a mejor actriz fue para la australiana Nicole Kidman por su papel en Babygirl, metáfora de la liberación sexual, aunque no pudo recogerlo por la muerte de su madre.

El Premio Especial del Jurado ha recaído en la película April, un drama hiperrealista sobre el aborto en el mundo rural y los embarazos de menores de la directora georgiana Dea Kulumbegashvili, que ganó la Concha de Oro de San Sebastián y otros premios con su debut Beginning (2020).

El francés Paul Kircher se llevó el premio Marcello Mastroianni al mejor actor emergente.

El Mejor guión fue para Ainda estou aquí, película del brasileño Walter Selles sobre la dictadura en su país escrita por Murilo Hauser y Heitor Lorega.

Ajar, el único cortometraje español presente en la 81ª edición de la Biennale de Venecia, se presenta este viernes sin la presencia de su directora, la iraní Atefeh Jalali, y su elenco. No han podido viajar hasta Italia porque el Gobierno de Irán les ha prohibido salir del país porque la protagonista de la cinta, Masoomeh Iranshahi, no llevaba puesto el hiyab.

La pieza, producida por los españoles Néstor López y Pilar Sancho, de Filmakers Monkeys, junto a las productoras iranís Hadish Media; We Shorts y AIFILMPRO, tiene una duración de 12 minutos y en ella se quiere reflejar la representación estereotipada de las mujeres en el cine. Se llega a ese objetivo a través del relato de la historia de una mujer y un hombre involucrados en una relación extramatrimonial. Sin embargo, esta situación va a dar un giro de 180 grados cuando la esposa del protagonista es arrestada durante las protestas por la muerte de Mahsa Amini.

Atefeh Jalali (1985, Irán), que debuta como directora con este film, considera su trabajo como algo más que una película. "Es una declaración. Eleva la conciencia, inspira cambios y promueve la empatía, mostrando la fuerza y la resiliencia de las mujeres que se niegan a ser definidas por sus dificultades y eligen crecer más allá de ellas", explica la cineasta.

Dentro de la Mostra, Ajar se podrá ver junto a otras obras de la sección Orizzonti, focalizada en la exploración de las últimas tendencias estéticas y expresivas del cine a nivel internacional.

Además de este cortometraje, España lleva a la capital italiana del cine otras seis piezas cinematográficas. Entre ellas, La habitación de al lado, la primera película de Pedro Almodóvar en inglés.

Pedro Almodóvar es "la sensación de la Mostra", en palabras del ministro de Cultura español, Ernest Urtasun, que se encuentra en Venecia y que asistió al estreno de La habitación de al lado, el primer filme en inglés del cineasta, que recibió 17 minutos de aplausos, según informa EFE.

La película, protagonizada por la estadounidense Julianne Moore y la británica Tilda Swinton, ha sido muy bien recibida en Venecia y encabeza las quinielas de los críticos que asisten a la 81 edición del festival.

Urtasun destacó este martes en una entrevista con el canal público TVE el recibimiento "maravilloso" a la película, que es la "sensación de la Mostra" de Venecia. Un filme que calificó como "atrevido" por tratar el tema de la eutanasia, y que cuenta con unas "interpretaciones maravillosas", lo que mereció los 17 minutos de aplausos en su proyección de gala de la noche del lunes.

La habitación de al lado, que adapta la novela What Are You Going Through (Cuál es tu tormento, 2020), de la neoyorquina Sigrid Nunez, es una película que "abandera los derechos civiles, con un tema como la eutanasia, que será muy comentado", resaltó Urtasun.

El filme narra los últimos días de una exreportera de guerra (Swinton) enferma de cáncer que decide poner fin a su vida y pide a una antigua amiga a la que hace tiempo que no ve (Moore) que la acompañe en su despedida.

El Festival Internacional de Cine de Venecia arranca este miércoles 28 de agosto con su 81ª edición en la que Pedro Almodóvar competirá por el León de Oro con su primera película en inglés, La habitación de al lado.

El Lido de Venecia será la sede central del certamen que se alargará hasta el próximo 7 de septiembre y en el que España estará representada tanto por Almodóvar, como por la nueva película de Aitor Arregi y Jon Garaño, Marco -en la sección Orizontti-, además de por la serie de Rodrigo Sorogoyen Los años nuevos, fuera de competición.

También en competición habrá presencia española en la película argentina Kill the Jockey, de Luis Ortega, con la actriz Úrsula Corberó, o en la cinta Babygirl de Halina Reijn, en la que Antonio Banderas será uno de los protagonistas junto a Nicole Kidman.

La habitación de al lado, la nueva y primera película en inglés de Almodóvar está protagonizada por Tilda Swinton y Julianne Moore junto a John Turturro y llegará a los cines españoles el próximo 18 de octubre de la mano de Warner Bros. Pictures.

La cinta competirá con otros títulos importantes como la segunda parte de Joker, de nuevo dirigida por Todd Phillips y con Joaquin Phoenix y Lady Gaga, además de los títulos de cineastas reconocidos como Pablo Larraín (María, protagonizada por Angelina Jolie), Luca Guadagnino (Queer, con Daniel Craig), Dea Kulumbegashvili (Abril) o Walter Salles (Todavía estoy aquí).

Por otro lado, y fuera de concurso, el festival proyectará largometrajes como Wolfs, el thriller de George Clooney y Brad Pitt; Baby Invasion, de Harmony Korine; los documentales Riefensthal, de Andres Veiel o Israel Palestine on Swedish TV 1958-1989, de Göran Hugo Olsson. También estará, en la categoría de series Observada, de Alfonso Cuarón.

Almodóvar ha filmado su primer largometraje rodado íntegramente en inglés tras los cortometrajes La voz humana, protagonizado también por Tilda Swinton, y Extraña forma de vida, protagonizado por Ethan Hawke y Pedro Pascal, que se estrenaron mundialmente en los Festivales de Venecia y Cannes, respectivamente.

Rodada entre Madrid y Nueva York, con el apoyo de Movistar Plus+, la película cuenta también con la participación de Alessandro Nivola, Juan Diego Botto, Raúl Arévalo, Melina Mathews y Victoria Luengo y llegará a los cines este año, además de en España, a Italia, Reino Unido, Alemania, Centro Europa y Europa del este (excepto Polonia), Países Nordicos y Latinoamérica, entre otros.

Mientras, Arregi y Garaño han dirigido un thriller dramático inspirado en la historia real de Enric Marco. El relato de la vida de un hombre que durante años fue capaz de mantener, ante la opinión pública y su propia familia, una gran mentira: haber sido prisionero en un campo de concentración nazi.

Eduard Fernández es el encargado de dar vida a Enric Marco, el deportado que nunca existió. "Fernández ha hecho un trabajo impecable construyendo un personaje sólido y con matices que evoluciona a medida que avanza la película. Meterse en el cuerpo de Enric Marco no ha sido un trabajo nada fácil, ya que implicaba encarnar una persona real en distintas edades, pero ha sido capaz de transmitir algo esencial de la personalidad de Enric Marco: la capacidad de provocar en el espectador una sensación contrapuesta", han explicado los cineastas.

Junto a Fernández destaca un reparto encabezado por la actriz Nathalie Poza, que interpreta a Laura, la esposa de Marco; Chani Martín, Sonia Almarcha, Fermí Reixach, Júlia Molins, Vicente Vergara y Jordi Rico, entre otros.

Mientras, Los años nuevos, de Rodrigo Sorogoyen, participará en la Sección Oficial fuera de competición, dentro de la categoría Ficción, del Festival Internacional de Cine de Venecia. La 81ª edición del certamen acogerá el estreno mundial de la serie, que se proyectará íntegramente y que consta de dos partes de cinco episodios cada una, de en torno a unos 45 minutos de duración.

Esta será la tercera vez de Sorogoyen en La Mostra, tras presentar en la sección oficial competitiva Orizzonti en 2019 su película Madre (basada en un corto homónimo por el que el director fue nominado al Oscar) y formar parte del jurado de la Sección Oficial de la 79º edición del certamen en 2022.

Los años nuevos es una serie original Movistar Plus+ en colaboración con Caballo Films y en asociación con ARTE France que será distribuida internacionalmente por Movistar Plus+ International.

"Para mí Los años nuevos siempre fue concebida como una obra cinematográfica y que un festival de este prestigio haya decidido proyectarla en su totalidad es la mejor noticia posible para su estreno. Estoy deseando volver al festival y poder disfrutar del amor al cine que se respira durante esos días. Muchas gracias al festival", ha apuntado Sorogoyen.

La actriz española Penélope Cruz ha ganado este sábado la Copa Volpi a Mejor Actriz en el Festival de Venecia por su actuación en la película Madres paralelas del director Pedro Almodóvar, según informa Europa Press.

La intérprete también optaba al galardón por otro filme, Competencia oficial, Competencia oficialde los argentinos Mariano Cohn y Gastón Drupat, pero finalmente su interpretación en Madres paralelas le ha dado este reconocimiento internacional, siendo así la primera actriz española que logra la Copa Volpi en este festival de Venecia.

En su discurso, en inglés, ha dedicado el premio a su familia y, en especial a su madre. "A mi madre, Encarna, la mejor maestra y amiga; y a mi suegra, Pilar Bardem", a la que ha recordado tras su fallecimiento hace dos meses. "Va por ellas dos y todas las madres", ha culminado la actriz.

La española Marta Nieto ha ganado este sábado el premio a la mejor actriz de la sección Horizontes, la segunda más importante del Festival de Cine de Venecia, por su papel en la película Madre de Rodrigo SorogoyenMadre , según informa Europa Press.

La película Joker que relata el origen del archienemigo del superhéroe franquicia de DC, Batman, ha sido premiada con el León de Oro del Festival de Cine de Venecia. La cinta del director Todd Phillips cuenta con el actor Joaquin Phoenix, aclamado por la crítica del festival, quien da vida al personaje en su transformación de un hombre solitario y vulnerable a un villano seguro de sí mismo.

Por su parte, el director Roman Polanski se ha llevado el Gran Premio del Jurado por el drama histórico El oficial y el espía.

El actor italiano Luca Marinelli ha ganado el Premio al Mejor actor por su interpretación de un escritor pobre y aspirante en Martin Eden, mientras que la actriz francesa Ariane Ascaride ha ganado el premio a la Mejor Actriz por Gloria Mundi en el que interpreta a una madre desesperada por ayudar a su familia.

El cineasta Pedro Almodóvar recibirá el León de Oro de Honor en reconocimiento a su carrera en la 76ª edición de la Mostra de Venecia, que se celebrará entre el 28 de agosto y el 7 de septiembre, según ha informado este viernes la organización del festival y recoge la agencia Europa Press. La decisión de otorgar el León de Oro a Almodóvar fue tomada por la Junta Directiva de la Biennale di Venezia, presidida por Paolo Baratta, que apoyó la propuesta del director del Festival, Alberto Barbera. El premio supone un hito más de una nueva oleada de reconocimiento internacional hacia el manchego, como el buen recibimiento en Cannes de Dolor y gloria, su último filme, por el que Antonio Banderas se hizo con la Palma de Oro a mejor actor. 

Barbera ha destacado que Almodóvar "no solo es el director español más grande e influyente desde Buñuel", que ganó el primer León de Oro de Honor en 1969, sino un cineasta que "ha ofrecido los retratos más polifacéticos, controvertidos y provocativos de la España post franquista". "Los temas de la transgresión, el deseo y la identidad son el terreno elegido para sus películas, que impregna el humor corrosivo y adorna con un esplendor visual que confiere un brillo inusual a la estética y al arte pop al que se refiere explícitamente", ha dicho.

Tras conocer la noticia, el director manchego ha manifestado sentirse "muy emocionado" y con el reconocimiento que hace este festival, del que tiene "muy buenos recuerdos". Así, Almodóvar seguiría los pasos de anteriores galardonados, directores como Luis Buñuel, Orson Welles, Bergman, Chaplin, Antonioni, John Huston o Fellini, en la primera época, y creadores como David Cronenberg, Vanessa Redgrave (ambos en 2018), Jane Fonda, Robert Redford (2017), Jean-Paul Belmondo y Jerzy Skolimowski (2016). El cineasta compartirá edición con la actriz Julie Andrews, también premiada. 

Tal y como ha señalado el propio director, su debut internacional tuvo lugar en el festival italiano en 1983 con la película Entre tinieblas. "Fue la primera vez que una de mis películas viajó fuera de España, fue mi bautismo internacional y una experiencia maravillosa, como lo fue mi regreso con Mujeres al borde de un ataque de nervios en 1988", ha dicho Almodóvar. Ahora, ha señalado que este León se convertirá en su "mascota", junto con los dos gatos con los que vive. "Gracias desde el fondo de mi corazón por darme este premio", ha dicho. 

Entre los temas que convergen en sus cintas, Barbera hace referencia al "malestar, la angustia del abandono, las contradicciones del deseo y las laceraciones de la depresión", con "picos de autenticidad emocional que redimen cualquier posible exceso formal". Del mismo modo, pone de relieve sus "retratos femeninos increíblemente originales, gracias a una empatía excepcional que le permite representar su poder, riqueza emocional y debilidades inevitables con una autenticidad rara y conmovedora".

El cineasta uruguayo Álvaro Brechner narra en La noche de 12 años la historia real de Pepe Mujica y sus compañeros en los largos años en los que la dictadura uruguaya les sometió a un aislamiento carcelario extremo para doblegar su cordura. La película, presentada esta semana en la sección Orizzonti de la Mostra de Venecia, es una coproducción hispano-uruguaya protagonizada por el español Antonio de la Torre (Mujica), el uruguayo Alfonso Tort y el argentino Ricardo Darín. Noticine.com habló en exclusiva con Brechner sobre su presencia en el Lido.

PREGUNTA. ¿Cómo definiría su película?

RESPUESTA. Básicamente es la historia de un viaje, casi descenso a los infiernos, donde tres personajes son sometidos durante la dictadura uruguaya, del 73 al 85, en un grupo de nueve rehenes de la cárcel Libertad, a calabozos de aislamiento, que duró 12 años. El objetivo era que como no podían matarlos, volverlos locos. La película sigue la lucha de esos tres personajes por sobrevivir a la locura en aislamiento. Es un viaje dentro de ellos mismos para mantenerse como seres humanos.

P. ¿Qué le atrajo de este hecho real?

R. El espíritu, la lucha de seres humanos que son sometidos a las peores circunstancias, el que todo aquello que consideramos dentro de la condición humana nos lo arrebatan. Creo que el espíritu humano nunca debe ser subestimado.

P. ¿Cuáles serían los efectos que desea reciba el espectador al verla?

R. Más que nada, tengo mucho respeto por los espectadores. Soy un cinéfilo y me gusta que el cine hable de diversas formas y cada espectador experimente la película de su lado. Pero creo que esta no es una película de turismo, de ir a ver lo que pasa, es una película de viaje. Nuestro objetivo fue que fuera experiencial, que el espectador profundice en ese viaje interno que se realiza dentro del individuo en circunstancias tan extremas.

P. ¿Qué significa esta selección para la Mostra?

R. En la cinematografía uruguaya todos sabemos que por ser un país con solo tres millones de habitantes salen pequeños hitos, películas que se hacen con gran dificultad, por lo que es un gran orgullo ser invitado a Venecia a presentarla. Es una oportunidad muy importante. Creo que un festival así es un escaparate grande, para vehiculizar una historia de por sí compleja y para mí es un inmenso orgullo.

P. ¿Y recibir un premio resultaría un gran apoyo?

R. El premio es haber hecho esta película... Nada más.

P. Una película tan intensa como La noche de 12 años, con su significación histórica, imagino que requirió un casting fuera de lo común...

R. El trabajo con los actores fue una de las cosas más importantes, el desafío más grande que había, porque eran actores muy particulares, con una fuerza de voluntad tremenda, y tener ese grado de fragilidad, para que pudieran experimentar su mundo interno, qué les pasaba dentro de la cabeza. Tuve la suerte de disponer de actores maravillosos, como Antonio de la Torre, Alfonso Tort, "Chino" Darín... y los tres fueron sometidos a un proceso tremendo, adelgazando casi 15 kilos cada uno, pero también de un proceso psicológico de aislamiento. Tuvimos asesores tanto del terreno de la psicología como de psicomotricidad. Qué implica cuando un individuo está en una celda de 2 metros por metro y medio todo el día durante años. Yo estuve apenas 30 minutos y me pareció espeluznante. Al cabo de un año se pierde la noción de si es de día o de noche, porque los calabozos eran cerrados. Solo se puede intuir si es verano porque te mueres de calor o invierno y te mueres de frío. Cada uno de los actores propusieron cosas distintas y su trabajo, su capacidad de saltar al vacío. Por ejemplo, con Antonio de la Torre, el primer día lo que hicimos fue tirar el guión, y ya veríamos... Queríamos dejar que lo impredecible nos mantuviera en vilo. El único objetivo real era estar presente constantemente.

P.  ¿Qué resultó más complicado en la filmación?

R. Fue un rodaje bastante extremo, porque la película lo requería, y había circunstancias como la temperatura bajo cero. Nosotros íbamos abrigados, pero los actores aparte de estar muy delgados y apenas consumir calorías, estaban helados. Para mí en gran parte del rodaje, la forma de filmar en sí era recrear primero la realidad y luego filmarla, que la cámara fuera un objeto privilegiado al filmar una recreación de la realidad. Muchas veces esa realidad se impuso. El momento más difícil no fue la recreación histórica, sino la escena que más me sorprendió no fue por su dificultad de filmación, y eso que tuvimos tiroteos, escenas de época, situaciones extremas de rodar en calabozos enanos, sino la de la salida de presos en el regreso de la democracia al Uruguay, que fue un día en que yo, después de rodar el día anterior, me fui a cenar y a tratar de descansar y no podía dormir. Eran la una, las dos de la mañana... y me puse a llamar a gente que había estado en aquella liberación. Había muy poca documentación audiovisual y era historia de tu país, era una responsabilidad inmensa. El día del rodaje simplemente abracé a los actores, y estaban los familiares y acabamos todos llorando, con los pelos de punta y la piel de gallina. Hasta me olvidé de decir: "¡Corten!", y la gente empezó a gritar, por sí sola, sin instrucciones: "¡Nunca más!". La gente se emocionó como si fuera un hecho real.

P. ¿Se puede decir que La noche de 12 años es su película más personal?

R. Tendemos a creer que las películas son un resultado de quiénes somos, y muchas veces las propias películas, como son un viaje, acaban afectándonos a nosotros en quiénes somos. Es muy temprano para valorar todo esto.

Cinco años después de abrir la Mostra de Venezia con la después gran triunfadora de los Oscar, Gravity, el cineasta mexicano Alfonso Cuarón estrenó mundialmente este jueves en el Lido su último trabajo: RomaRoma. La cinta, producida por Netflix, parte de los recuerdos infantiles del propio autor de Y tu mamá también. La que es su primera película en español y en su país en más de una década y media fue aplaudida por la prensa y se ha convertido en la primera seria aspirante al León de Oro.

Rodada en blanco y negro, Roma, que recibe el nombre de un barrio de Ciudad de México, se desarrolla en los convulsos años 70 de la represión política en el país. Sus dos principales protagonistas son la niñera indígena de una familia de clase media, Cleo (Yalitza Aparicio), y la madre de familia, Sofía (Marina de Tavira), quienes mantienen una relación que va más allá de sus diferencias de clase y raza.

Alfonso Cuarón destacó que su objetivo con Roma fue conseguir un "encuentro del presente y un pasado recordado"Roma a través de una fuente autobiográfica y de su pasado en el que "eran las mujeres las que gobernaban la casa. Simplemente consideré a mi niñera como mi madre de alguna manera. Fue sorprendente descubrir a este personaje como mujer". El cineasta agradeció particularmente el trabajo de sus actrices: "Esta película ve a todas estas mujeres como protagonistas. Ha sido trabajada por todas estas mujeres y el resultado es gracias a ellas".

Respecto a su elección de la fotografía en blanco y negro, Cuarón puntualizó que "quería que fuera en un blanco y negro contemporáneo y no trabajar con largas sombras como en los años 40 y 50. Quería el blanco y negro digital, que es muy avanzado". Asimismo, también explicó sobre sus planos secuencia panorámicos que "los recuerdos son objetivos porque son abstractos. Me interesaba observar esos momentos a distancia sin juzgar, sin permitir que la cámara interfiriera con el momento. La cámara respeta la noción del tiempo".

En relación a la controversia sobre la participación de producciones de plataformas digitales en los festivales internacionales, hecho que impidió a Cuarón estrenar esta película en el festival de Cannes este año, el cineasta contó a los periodista que Netflix la pondrá online el 14 de diciembre pero que también se estrenará en los cines "de bastantes países", aunque no entró en detalles. El mexicano agregó que "cada caso se debería juzgar considerando que conocemos la complejidad o realidad de la distribución de películas. Sabemos muy bien que un drama en español, con un personaje indígena, en blanco y negro y sin ser una película de género, tendría una gran dificultad para encontrar un espacio donde ser mostrado. No diré ya alcanzar el éxito, sino simplemente encontrar un espacio. Es por eso que es importante tener a Netflix...".

Asimismo, Cuarón insistió en que Roma existe "gracias a Netflix"Roma , por lo que se mostró muy agradecido a la plataforma porque "me han permitido trabajar de esta manera" ya que "lo importante" para una película es que "tenga un impacto y no se pierda con el tiempo". "Hay que asumir que vamos a vivir con estas plataformas. Es importante que las dos cosas (salas e internet) existan sin chocar. Es solo cuestión de encontrar algo que funcione", explicó el cineasta. 

La realidad suele ser tozuda, por mucho que algunos se nieguen a asumirla. Tres cineastas iberoamericanos han ganado en tres de las cuatro secciones principales de la Mostra de Venecia, por mucho que le duela al director del certamen, Alberto Barbera, quien no programó ninguna cinta hablada en español o portugués en su sección principal. Ello no evitó que el mexicano Guillermo del Toro, con la producción gringa La forma del agua (The Shape of Water), se alzara con el León de Oro, en un palmarés muy repartido y en general justo. Mientras, en los apartados paralelos Settimana della Critica y Giornate degli Autori / Venice Days, donde sí hubo representación iberoamericana, triunfaron respectivamente Temporada de caza, de la argentina Natalia Garagiola, y Candelaria, del colombiano Jhonny Hendrix Hinestroza.

La forma del agua que en su crónica final de la Mostra Variety calificaba este sábado de "espléndida" y "adorada por la crítica", pese a alejarse del cine de autor más tradicional que compone la mayor parte de la selección de los principales festivales del mundo, y pertenecer a un género al que suelen ser refractarios, el fantástico, sedujo al jurado presidido por la actriz estadounidense Annette Bening, como antes lo hizo con la práctica totalidad de los críticos que la vieron a finales de la pasada semana en el Lido.

La nueva cinta de Memo del Toro, que algunos han comparado –por su carácter de cuento de hadas para adultos– con El laberinto del fauno, que rodó en España, mezcla la fantasía con oscuros hechos históricos, en este caso la Guerra Fría a principios de los años 60. Sally Hawkins, Octavia Spencer, Michael Shannon, Richard Jenkins y Michael Stuhlbarg encabezan el reparto de este drama romántico y fantástico que se estrenará en Norteamérica en vísperas de las Navidades, el 8 de diciembre, tras pasar antes por Toronto y Stiges.

El personaje central es Elisa (Hawkins), una mujer de vida gris, sordomuda, empleada de limpieza en un aislado laboratorio de alta seguridad instalado por el gobierno para desarrollar experimentos de defensa y ataque ante un posible conflicto con la Unión Soviética. Su oscura existencia cambiará cuando junto a su compañera Zelda (Octavia Spencer) descubre un inquietante experimento secreto, con una criatura anfibia y humanoide.

Al recoger el primer León de Oro que gana un mexicano, el tapatío dijo: "Tengo 51 años, peso 136 kilos y he hecho 10 películas. Independientemente de la edad, hay un momento en la vida en que, como narrador, tomas el riesgo de hacer algo diferente".

El resto del palmarés estuvo muy repartido, con el segundo premio importante, León de Plata-Gran Premio del Jurado a la antimiltarista israelí Foxtrot, de Samuel Maoz, y el León de Plata al mejor director al francés Xavier Legrand por su opera prima sobre violencia de género Jusqu'à la garde. Las Coppas Volpi de interpretación recayeron en la británica Charlotte Rampling, por Hannah, y en el libanés Kamel El Basha, por L'Insulte.

Como mejor guion se premió al de Martin McDonagh por Three Billboards Outside Ebbing, Missouri, que él mismo dirigió, mientras el Premio Especial del Jurado fue a parar a la australiana Sweet Country, de Warwick Thornton. Finalmente, el galardón al mejor actor joven, Premio Marcello Mastroianni, correspondió a Charlie Plummer por Lean on Pete.

En dos de los tres apartados paralelos principales de la Mostra, se llevaron las mejores recompensas cintas latinoamericanas, la opera prima argentina Temporada de caza, de Natalia Garagiola, en la Settimana della Critica, y la colombiana Candelaria, de Jhonny Hendrix Hinestroza, en Giornate degli Autori, ambas dramas familiares.

Garagiola se regresa a Buenos Aires, ya que esta semana entrante estrena la película en salas, pero enseguida volverá a Europa, ya que su primera cinta, sobre el reencuentro entre un padre y un hijo alejados por años, participará en los Horizontes Latinos de San Sebastián, y luego tiene participaciones ya aseguradas en Chicago y Hamburgo.

Por su parte, el más experimentado Hinestroza (Chocó), filmó en La Habana Candelaria, la historia de una pareja de ancianos que en el inicio del Periodo Especial ven su vida conyugal cambiar gracias al hallazgo de una cámara de vídeo. El jurado de la sección la calificó como "una de esas raras películas que entregan bondad y calidez a la audiencia mostrando una forma poco convencional de redescubrir el amor de una pareja de ancianos que luchan por sobrevivir en Cuba. En su estética visual, la película reúne una impresionante actuación de actores, una fotografía significativa, una cálida paleta de colores latinos, un desarrollo impredecible de la historia y un inteligente mensaje social".

La ópera prima del francés Xavier Legrand, Jusqu'à la garde (Hasta la custodia), ha dejado mejor sabor de boca en esta última jornada competitiva de la Mostra de Venecia que la despedida Mostra de Veneciadel paquete de producciones italianas, la coproducción entre Bélgica y Francia Hannah: un drama introspectivo Hannah: para mayor gloria de su omnipresente protagonista, Charlotte Rampling, seria candidata a la Copa Volpi este sábado.

Melodrama conyugal sobre situaciones frecuentes en los divorcios, donde los hijos sufren y son manipulados por ambas partes, Jusqu'à la garde, escrita y dirigida por Legrand, sigue el enfrentamiento dentro y fuera de los tribunales de unos recién divorciados por la custodia de su hijo menor. Ella no es capaz de aportar pruebas de la violencia de la que dice haber sido víctima de parte de su exmarido, y él convence con sus lágrimas al juez para que dictamine una custodia compartida. La sentencia no logra apaciguar las relaciones entre la pareja.

La virtud del film francés, protagonizado por Denis Ménochet y Léa Drucker, es ser capaz de transmitir la violencia soterrada, el miedo, las amenazas, sin perder objetividad ni buscar el amarillismo o la lágrima fácil, partiendo del drama familiar para acabar casi en el thriller de terror psicológico. Los conflictos de pareja, que sacan a relucir lo peor del ser humano, y en los que los hijos son con frecuencia víctimas de la manipulación, cuando no directamente de la violencia –plantea el debutante cineasta galo, quien fue candidato al Oscar con un corto de la misma temática– se desarrollan paradójicamente en lugares, nuestras propias casas, donde creemos sentirnos a salvo.

Por su parte, el italiano Andrea Pallaoro se fue hasta Bruselas (cosas de las coproducciones) para contar con la complicidad de la gran actriz británica Charlotte Rampling la historia de soledad de una mujer, trabajadora de limpieza, que también es separada de su marido por el destino. Esta vez no por desavenencias conyugales, sino porque ha sido encarcelado por un crimen sin sentido. Su concepto del amor y la lealtad le hacen caer por la pendiente de la desesperación ante la ausencia de quien fuera su pareja por décadas.

Como buen melodrama intimista, en Hannah casi no pasa nadaHannah. Todo el peso y la credibilidad de la película recaen en la habitualmente estupenda Rampling, quien podría dar a la película su única recompensa posible, el premio a mejor actriz, ya que por lo demás, la cinta italiana es más bien plúmbea.

A pocas horas de conocer el palmarés, la impresión que ha dejado el cine italiano, con cuatro títulos injustificadamente en la competencia, es negativa. Sólo se ha salvado de la quema el insólito musical sobre la camorra napolitana Ammore e malavita, de los Manetti Bros., Ammore e malavitapara el que incluso algunos piden premio, lo que generaría cierto revuelo. El jurado, que preside la actriz estadounidense Annette Bening, no lo tiene fácil. Ojalá exhiba la valentía de reconocer el talento, la sensibilidad y el mensaje de la casi obra maestra del mexicano Guillermo del Toro La forma del agua / The Shape of Water, a pesar de pertenecer a un género no tan apreciado en "sesudos" festivales como este. Lo veremos en la noche de este sábado.

La Mostra de Venecia enfila su recta final, este jueves, en su penúltima jornada, con dos dramas arquetípicos de la diferente manera de contemplar la realidad que tienen hombres y mujeres. El festival del Lido sólo ha contado en su apartado competitivo con una única realización femenina, Los ángeles visten de blanco, segunda película de Vivian Qu, bien recibida por su sensible denuncia de la desprotección de las adolescentes chinas, mientras que la francesa del voyeur Abdellatif Kechiche Mektoub, my love: Canto Uno, que usa y abusa de un punta de vista masculino, ha sido parcialmente abucheada.

El franco-tunecino Abdellatif Kechiche vuelve a encandilar con su intensidad sentimental y erótica en Mektoub, my love: Canto Uno, que parece será la primera entrega de una trilogía. El autor de La vida de Adèle ha generado una notable división de opiniones, salpicada por acusaciones de "machista" o "voyeurista", por su fijación por los cuerpos de sus bellas jóvenes intépretes, mientras no presta la misma atención a los de ellos.

Inspirada o basada libremente en la novela de François Bégaudeau La blessure, la vraie, la nueva cinta del ganador de la Palma de Oro en Cannes cuenta la historia de Amin, un joven de familia tunecina, que ha abandonado sus estudios de medicina en París, y vuelve al pueblo costero mediterráneo francés donde su familia está asentada, Sète, para pasar las vacaciones estivales. A su llegada, Amin va a visitar a su amiga de infancia, Ophelia, y sorprende a su primo Toni, todo un depredador sexual, haciendo el amor con ella. La situación es peliaguida porque Ofelia está oficialmente comprometida con Clement, un joven militar en misión en el Golfo.

Así arranca esta contemplativa cinta sobre unos tiempos, a mediados de los años 90, en los que aún los jóvenes no usaban celulares, que se prolonga durante tres horas, en las que Amin, que aspira a ser guionista y cineasta, se relaciona con otros jóvenes, en su mayoría también de origen magrebí, pero bien adaptados a una realidad europea en la que tampoco había terrorismo yihadista ni islamofobia. Kechiche es heterosexual, y como ya vimos en La vida de Adèledisfruta contemplando y mostrando la belleza y el poder de atracción del cuerpo femenino. Los chicos le importan menos. Es una elección personal, pero a algunas y algunos les ha parecido "machista".

La diferencia de opiniones entre los espectadores, cuestiones sexuales aparte, tiene que ver con su carácter como decíamos contemplativo, ya que su guionista en ciernes protagonista es observador de las relaciones que se tejen a su alrededor. En las tres horas de metraje no pasan demasiadas cosas, y hay quien ha encontrado sus diálogos "insustanciales", pero otros han disfrutado del amor por los detalles (muchas veces con óptica de voyeur y muy masculina), y el canto a la vida y la juventud que representa Mektoub, my love: Canto Uno. Pocos títulos han dividido tanto a la crítica este año en Venecia.

Más unanimidad ha habido con la única película dirigida por una mujer de la selección oficial de esta 74 edición, Vivian Qu, que en un guiño casi provocador el director del certamen, Alberto Barbera, ha querido emparejar la misma jornada con la tan masculina Mektoub. La guionista y realizadora china, que ha disfrutado de coproducción francesa, muestra en Los ángeles visten de blanco el drama de unas adolescentes víctimas de la violencia machistaLos ángeles visten de blanco, en una sociedad en la que las mujeres no han dejado de tener un papel secundario.

En una ciudad costera, dos estudiantes preadolescentes son violadas por un hombre de mediana edad que las lleva a un motel. Mia, una adolescente de 15 años que es la única recepcionista esa noche, se convierte en testigo del hecho. Sin embargo, or miedo a perder el trabajo, no dice nada. Mientras tanto, una de las muchachitas forzadas, Wen, descubre que sus problemas apenas han comenzado. Atrapados en un mundo que no les permite escapar, Mia y Wen tendrán que encontrar una manera de resolver sus trágicos problemas.

En claro contraste con el grafismo de Kechiche, Qu opta por una puesta en escena mucho más pudorosa e interiorizada, sin restar emotividad a la película, que fue muy aplaudida y bien podría estar en el palmarés del sábado.

No le ha ido bien al español Fernando León de Aranoa con el estreno mundial de Loving Pablo, fuera de concurso, este miércoles, en la Mostra de Venecia. Obviamente, la presencia de los oscarizados Penélope Cruz y Javier Bardem (doble este año tras Mother!) y la reducida competencia estelar en el concurso, le dieron el protagonismo de las cámaras, pero la película española dista mucho de ser la mejor del autor de Los lunes al sol y Un día perfecto. En la competencia, el australiano Warwick Thornton presentó el western antirracista Sweet Country y los italianos hermanos Manetti (o Manetti Bros., como se autocalifican) un sorprendente musical sobre camorristas napolitanos, Ammore e malavita. Ambas fueron aplaudidas.

La aproximación de León de Aranoa a la figura del narco colombiano Pablo Escobar se ha estado gestando durante demasiado tiempo, tanto que llega tarde y mal. Tarde porque rozamos la saturación sobre el capo de la cocaína más popular de todos los tiempos, después de una teleserie colombiana, Escobar, el patrón del mal y otra internacional, Narcos, y de la película del italiano Andrea Di Stefano Escobar: Paraíso perdido, y mal por varias incongruencias propias.

La primera, y no nos vale la excusa de que así se puede vender a todo el mundo, es la elección del idioma: casi toda la película está en inglés, lo que le resta credibilidad (aunque algunas palabrotas muy colombianas pretendan dársela). La cinta sigue a Escobar a través de la mirada de quien fuera su amante, la estrella televisiva colombiana Patricia Vallejo, que plasmó sus años de pasión con el capo del cartel de Medellín en un libro, Amando a Pablo, odiando a Escobar, en el que se basó León de Aranoa para escribir su guión. Ella (interpretada por una glamourosa Penélope Cruz) cuenta su historia, omnipresente con su voz en off, incluso al contar hechos en los que no estuvo presente (?). El guión es impropio de un cineasta de la talla de Aranoa. Comete errores de principiante como la redundancia de contar de viva voz lo que luego nos enseña con la cámara.

Próxima a la telenovela, Loving Pablo, que de aquí viajará a Toronto y luego a San Sebastián, está bien donde está, sin opciones de competir, fuera de concurso, porque no merece estar en la competencia de un certamen internacional. Me dirán que lo mismo les pasa a varias de las películas que yo concursaron este año, y no seré yo quien les quite la razón. Pero en este caso, está justificado. La prensa internacional acabó la proyección en silencio, pero luego se desquitó en sus computadoras.

En cambio, las dos películas a concurso este miércoles, sí fueron aplaudidas. La primera, Sweet Country, del australiano Warwick Thornton, es un austero western en su estilo, aunque se situe en la Australia de los años 20 del pasado siglo, país aún colonial donde los aborígenes estaban marginados y explotados. Uno de ellos, por hacer un favor, acaba matando en defensa propia a un repelente colono racista, y sobre él –en fuga junto a su mujer– recae todo el peso de la ley. Lo apoya su amigo, un pastor protestante que representa la cordura y humanidad en un territorio semivirgen y tan duro como el viejo Oeste.

A la italiana de los Manetti Bros. Ammore e malavita la jalearon sobre todo los italianos, tras ver en días pasados dos películas de su país que rozaron lo bochornoso. Ciertamente, tratar a la camorra, la mafia napolitana, a través del género musical, es un atrevimiento cuando menos original. El resto de los espectadores no fueron tan entusiastas, pero a veces, un poco de transgresión en medio de tanto sesudo "autor" se agradece.

Una película no puede sostenerse sólo por ambiciones, un ambiente inquietante, buenas interpretaciones y algunos sustos. Hace falta una historia, algo que de coherencia a lo que ocurre en la pantalla. Darren Aronofosky no lo ha logrado con Mother!, el thriller de terror que este martes ha presentado en el concurso de la Mostra de Venecia, con la presencia de sus seductores protagonistas, Jennifer Lawrence y el español Javier Bardem. "Pesadilla", "Delirio" son algunas de las palabras que se repiten en sus primeras críticas.

Lo evidente es que Mother!, la historia de una pareja (Lawrence y Bardem) que vive aislada en el campo y cuya casa -en obras- recibe la visita de una extraña pareja (Ed Harris y Michelle Pfeiffer) y luego poco a poco de otros personajes inquietantes. El autor de Noé maneja con habilidad el estilo visual y el ritmo, pero exige demasiado al espectador, porque no siempre esas imágenes tienen mucho sentido. Parece cómo si se conformara con brindar una experiencia sensorial, provocar miedo (lo que sin duda logra), profundizando en los fantasmas de la mente, que -por personales- son siempre difíciles de escrutar.

"Claro que va a haber gente que no querrá este tipo de experiencia, y eso está bien", dijo Aronofsky a los periodistas. "He estado dejando claro que esto es una montaña rusa: vengan sólo si están preparados para dar un giro completo sobre sí mismos varias veces", agregó con ironía el cineasta estadounidense.

Los críticos han sido bastante menos benévolos, y muchos coinciden en que estamos ante una cinta vacía en sí misma, a la que le faltan cimientos y explicaciones, una explicación a la cascada de imágenes inquietantes que escupe la pantalla. El neoyorquino es amante de generar estas polémicas con algunas de sus películas más personales, como The Fountain. Sin duda, de Mother!, que enseguida llegará a Venecia, queda aún mucho por leer y escuchar.

La otra película en la carrera por el León de Oro, este martes, ha sido la japonesa El tercer asesinato, de Hirokazu Kore-eda,El tercer asesinatoHirokazu Kore-eda sobre un trabajador en una empresa alimentaria, que -tras ser despedido- asesina a sangre fría a su jefe, para después quemar su cuerpo. El otro protagonista de este thriller judicial es un abogado, que le aconseja se declare culpable para evitar la pena capital, pero que intentará desentrañar las circunstancias familiares que han llevado a este cruel desenlace, a lo largo del proceso judicial.

Compleja, como un puzzle cuya imagen final sólo se conocerá tras colocar todas sus piezas, El tercer asesinato tiene más sustancia que Mother!, pero coincide con ella en dejar un tanto perplejo al espectador, porque al final acaba sin el desenlace del proceso judicial, sin saber si realmente cometió el crimen y por qué, algo que lógicamente no genera demasiadas simpatías.

El sábado la Mostra de Venecia volvió a recibir a uno de sus invitados más redundantes, George Clooney, que pasa muchos meses en Italia cada año, de nuevo a Matt Damon, al que ya vimos con el film inaugural, y a Julianne Moore, para el lanzamiento de Suburbicon, un descarnado retrato de la América que no cambia, y al israelí y ya ganador del León de Oro Samuel Maoz, con la antimilitarista Foxtrot. Al día siguiente, le tocó el turno al cine europeo de la mano de dos cineastas consagrados, el francés Robert Guédiguian, y el italiano Paolo Virzi, de la mano de los astros Helen Mirren y Donald Sutherland, en su primera película en EEUU, quizás lo menos reseñable de este paquete del fin de semana.

El evento de estos días del que más se ha hablado y se seguirá hablando, al estrenarse tarde o temprano en casi todas partes, es Suburbicon, la nueva película de George Clooney como director, que de la mano de su amigo Matt Damon, rodeado de otras figuras como Julianne Moore o el guatemalteco Oscar Isaac, convierte en imágenes un viejo guión de los hermanos Coen, próximo a sus inicios, y cuyo acción se desarrolla en un barrio residencial a finales de los años 50.

Ya saben eso de que la historia se repite, o puede que en concreto en Estados Unidos haya problemas endémicos que la evolución de los tiempos –como en este caso la ambición y el racismo– no mitiga. Son como esos hongos rebeldes que tarde o temprano vuelven a salir, una especie de maldición bíblica. En Suburbicon, Clooney y su habitual cómplice Grant Heslov, aderezan un texto de Joel y Ethan Coen que pese a ser previo en el tiempo a Fargo la anticipa, con personajes movidos por la avaricia y el "todo vale", al que añade otra trama sobre la "acogida" que dispensan los burgueses blancos a una familia afroamericana que recala en sus dominios. Hay humor negro, una intriga criminal para entretener, y sobre todo, un descarnado retrato social de brocha gorda, a través del cual intuímos que 60 años después, esa América no es muy distinta de la de Trump.

El planteamiento de Clooney mira al pasado, y coincide con otra reciente metáfora -esta vez televisiva- The Handmaid's Tale, que paradójicamente se ubica en un futuro distópico y cercano en el que EEUU está controlado por un gobierno religioso integrista que lapida los derechos de las mujeres hasta convertir a algunas en meros vientres "para dar hijos a la patria". Ambas, distantes en el tiempo, están hablándonos del hoy, con todos los mensajes entre líneas que quieran, y de nosotros mismos, o al menos de parte de nosotros.

Suburbicon estará muy probablemente en el paquete de títulos que habrá que salvar de esta irregular edición de la Mostra veneciana.

Para algunos seria candidata al León de Oro, Foxtrot es la tardía nueva –y segunda– película del israelí Samuel Maoz, cuya opera prima, Líbano ganó el León de Oro por su claustrofóbica propuesta de una historia que se desarrolla dentro de un tanque. Ahora, de nuevo sus propios conocimientos y experiencias en las fuerzas armadas de su país inspiran probablemente el film con el que regresa al Lido, cuya puesta en escena, que combina realidad con surrealismo, amenaza con alejar a parte de su potencial audiencia. Dividida en tres partes, la cinta comienza cuando un padre de familia recibe la noticia de que su hijo, en el servicio militar israelí, ha muerto. Este hecho permite a Maoz hacer una reflexión sobre los caprichos del destino sin por ello dejar de apuntar con el dedo a las responsabilidades de su gobierno (o si lo prefieren su estado) en el uso y abuso de jóvenes inmaduros en el ejército.

Es en los festivales donde sin duda más se aprecian los riesgos en la puesta de escena, los virtuosismos visuales y los experimentos narrativos. Foxtrot tiene tal vez demasiados, y al cineasta israelí parece haberle preocupado más la forma que el fondo, sorprender e impactar con su realización al espectador más que arrastrarle en la emocionalidad de la historia. Puede que algunos lo valoren positivamente. No es nuestro caso.

La Mostra de Venecia, como le suele pasar con frecuencia a Cannes, tiene diferentes varas de medir. Son festivales que muestran una sospechosa benevolencia hacia películas de consagrados directores locales, a los que se valora más por el nombre y la trayectoria que por la calidad intrínseca de los trabajos que presentan. Un buen ejemplo lo hemos tenido con The Leisure Seeker, una road movie sobre dos ancianos –ella con un cáncer terminal y él con algún tipo de naciente demencia senil o Alzheimer– que emprenden con una caravana un último viaje de pareja entre el norte de Estados Unidos y Florida, tras los pasos de Hemingway.

Se trata del debut en inglés del italiano Paolo Virzi, al que muy bien podían haberle dado una honrosa presencia fuera de concurso, pero que por el capricho de Alberto Barberta compite por el León de Oro. La sobrevalorada anterior cinta de Virzi, Locas de alegría, tuvo una exitosa andadura, y coincide con The Leisure Seeker en la sobresaliente presencia actoral (aparte de ser ambas road movies) y en ser cintas de viaje. Si en aquella fue Valeria Bruni Tedeschi, en su nuevo trabajo son dos figuras tan veteranas y admiradas como Helen Mirren y Donald Sutherland las que justifican el esfuerzo de estar sentado casi dos horas en la butaca para seguir esta historia que aparte de ser muy poco original carece de sustancia, a pesar de sus cuatro guionistas. Los diálogos suenan falsos y teatrales, y el esfuerzo desplegado por los descomunales talentos de los actores anglosajones deviene inutil a la postre. Mirren podría optar al premio de interpretación (Copa Volpi), pero con buenas actuaciones no se compensa un mal guión.

Finalmente, como la anterior este domingo, el francés Robert Guédiguian, vuelve a reunir a sus fieles actores, encabezados por Ariane Ascaride y Jean-Pierre Darroussin, en La Villa, otro de sus dramas familiares y sociales al borde del Mediterráneo marsellés. Lo bueno de Guédiguian es que no defrauda, maneja casi siempre los mismos temas, en el mismo escenario y con el mismo elenco, pero una y otra vez lo hace con talento. Sus fans no quedarán defraudados por esta historia sobre un anciano que sufre un ataque que le deja paralizado, y genera el regreso de sus tres hijos al pequeño pueblo costero que nunca abandonó el patriarca. El del marsellés es un cine militante, que reivindica los valores de la izquierda, esos que ahora parecen obsoletos ante el poder del individualismo neoliberal y su declaración de muerte de las ideas. Tal vez no aporte mucho de nuevo, pero sigue siendo necesario.

Ser octogenarios y aún generar suspiros no es muy común. Los años pasan pero la química permanece. Robert Redford y Jane Fonda coincidieron en tres películas hace más o menos medio siglo, cuando eran jóvenes y hermosos, una ideal pareja de estrellas que aunaban talento y atractivo. Han madurado y –como confesó él–  no querían morirse sin repetirlo. La Mostra de Venecia aprovechó que Netflix produjo el drama romántico Our Souls at Night, en el que se reencuentran de nuevo como viudos y vecinos, para concederles sendos Leones de Honor, y ellos lo agradecieron de la mejor manera posible, seduciendo a los medios con su travieso juego de complicidades.

Aunque su primera coincidencia fue en 1966 como secundarios ambos en La jauría humana, Jane Fonda prefiere citar a la comedia romántica del año siguiente Descalzos en el parque, donde fueron protagonistas absolutos y recién casados. "Interpretamos entonces a una joven pareja que se acaba de casar y ahora interpretamos el amor en las personas mayores, y el sexo en las personas mayores. Aunque en mi opinión Ritesh (Batra, el director de Our Souls at Night) cortó la escena de sexo demasiado pronto", contó a los periodistas la actriz, imponiendo el tono de la rueda de prensa.

Esa picardía la reiteró Fonda, al subrayar: "Vivo para tener escenas de sexo con él, aunque sé que no le gustan", refiriéndose a su divertido compañero de mesa, y reiteró: "Quería ver cómo era enamorarme otra vez de él. Fue divertido besarle cuando tenía 20 años y hacerlo nuevamente en mis casi 80".

"Como le pasa a mi personaje con el suyo en Our Souls at Night, Robert ha sido una fantasía para mí por mucho, mucho tiempo...", coronó ante su cohibido compañero.

El, más comedido, comentó que "el amor sólo se incrementa con la edad", y "Quería hacer una última película con ella antes de morir", o al menos antes de retirarse como actor, algo que anunció el año pasado, para cuando hiciera las películas en las que ya estaba compretido, y luego centrarse en la realización, la producción... y la pintura.

Mientras, en la competencia, la película mejor acogida este viernes ha sido la del británico Andrew Haigh (45 años), Lean on Pete, adaptación de la novela de Willy Vlautin sobre un adolescente de muy difícil infancia, tras la huída de su madre y las dificultades de su padre por criarlo, en la América profunda de paisajes desolados y praderas interminables. El muchacho, de 15 años, encontrará consuelo en un caballo lesionado (quien da título a la cinta), al que se sentirá muy unido y con el que escapará para salvarlo de la muerte.

Las películas de caballos y niños o adolescentes probablemente resulten familiares para muchos, y son conocidas por su carga sentimental o –demasiado a menudo– sentimentaloides. Haigh huye de la lágrima fácil, a pesar de la intensidad dramática de su historia, y gradúa la emocionalidad con contención. Le ayuda la excelente actuación de Charlie Plummer, el espigado muchacho protagonista, a quien podría tener en cuenta el jurado. Lean on Pete es una película triste y hermosa, no la elección más obvia para amantes de un cine en el que no paran de ocurrir cosas y que escupe imágenes impactantes, pero sí para quienes buscan emoción y reflexión.

La Mostra de Venecia fue pionera en programar –y premiar con el León Oro– documentales, y este año incluye en su apartado competitivo al artista multidisciplinar y activista chino Ai Weiwei, con Human Flow, un bosquejo de las crisis de la emigración por guerras, violencia o pobreza en el mundo. Weiwei la ha definido como "un viaje personal", y quizás lo primero que pueda acharcársele es precisamente eso, que se trata de un reportaje más personal que humanitario, dado el excesivo protagonismo del artista en su cinta, que se grabó en más de 20 países diferentes. El grave problema de los refugiados sin duda requiere de muchas denuncias, pero queda la duda de si ésta en concreto es o no la más útil.

Tal vez a Alberto Barbera, director de la Mostra de Venecia y alérgico a los talentos iberoamericanos (este año no hay cine hispano en la competición), por mucho que ganen premios en su certamen, le diera cierto pudor cerrar el círculo y programar al tercero de los "Tres Amigos" como los denominó la prensa de Hollywood, para abrir su festival. Antes que Guillermo del Toro, Alfonso Cuarón y Alejandro González Iñárritu inauguraron el certamen veneciano y luego ganaron el Oscar, pero los prejuicios personales del italiano tardaron apenas 24 horas en quedar desenmascarados. Barbera prefirió a Alexander Payne y a su a ratos divertido pero no tan brillante Una vida a lo grande en vez de arrancar con La forma del agua, de Del Toro, que probablemente quedará como una de las grandes películas de esta Mostra, así como la más redonda tal vez de su carrera.

Había muchas esperanzas, una gran expectación, ante el estreno mundial del nuevo trabajo del cineasta mexicanonuevo trabajo, y a pesar de ello, nadie parece mostrarse decepcionado. Esta historia de amor, fantasía, xenofobia y Guerra Fría ha emocionado y seducido a críticos y espectadores. Los primeros comentarios de los primeros no pueden ser más auspiciadores. El generó fantástico no es el favorito de la Academia de Hollywood, pero lo más probable es que La forma del agua, que luego se verá en Toronto, Telluride, Londres y otros festivales, forme parte de la agenda de los Oscars.

"Es un extraño cuento de hadas, imágenes y emociones más que palabras", dijo Del Toro a los periodistas que le aplaudieron en Venecia. Esta fábula que se desarrolla en los primeros años 60 del pasado siglo, cuando Estados Unidos buscaba todo tipo de armas y argucias para un potencial enfrentamiento con la Unión Soviética, sigue la historia de una solitaria empleada de limpieza, sordomuda, que trabaja en una base secreta, en la que experimentan con una extraña criatura anfibia amazónica.

"Siempre he creído que la fantasía es un género muy político. Nuestro primer acto político es elegir el amor sobre el miedo", comentó el mexicano, que considera que a pesar del más de medio siglo transcurrido, su historia está más vigente que nunca. "Es una película del 62 pero es de hoy. Cuando hay quien dice que América debe ser 'grande de nuevo' es como regresar al 62. El racismo, el sexismo o el clasismo, problemas a los que nos estamos enfrentando ahora, eran los mismos de aquella época, hasta que mataron a Kennedy", comentó el autor de Pacific Rim y El laberinto del fauno.

La forma del agua puede ser un cuento de hadas, pero muy adulto, realista. Su protagonista, Elisa, genialmente interpretada por la británica Sally Hawkins, es una mujer de carne y hueso, sola, que se masturba y cuya historia de amor con la criatura anfibia incluye sexo. "No es algo platónico", detalló Del Toro sobre la relación de su pareja protagónica.

En la actitud frente a ese extraño ser humanoide, está el sentimiento del propio "Memo", inmigrante en un país donde los seguidores del presidente miran con recelo, ese "miedo" enfrentado al amor, a sus compatriotas y a los extranjeros en general. "Soy mexicano y sé lo que es ser visto como 'el otro'", aseguró Del Toro, muy activo en las redes sociales.

La presentación mundial de La forma del agua ha coincidido con la noticia del retraso sobre el rodaje del que será el próximo film de Del Toro, el remake de Viaje alucinante, clásico de la ciencia ficcion estrenado hace medio siglo, que produce con la Fox James Cameron. El estudio esperará a que el mexicano lance en diciembre su último trabajo en salas y según las perspectivas de cara a los Oscars se pondrá en marcha la producción de su siguiente trabajo.

Se diría que esta vez el director de la Mostra de Venecia, Alberto Barbera, ha patinado a la hora de elegir su película inaugural. Nos tenía mal acostumbrados, después de varios títulos, dirigidos varios por cierto por mexicanos, que acabaron ganando el Oscar meses después, y esta vez la respuesta de la prensa y el público en el Lido ha sido menos condescendiente con Una vida a lo grande, la nueva película de Alexander Payne, quien haciendo honor al título español dispara muy alto para desde el cine independiente entrar en la gran industria de la mano de un ramillete notable de actores, encabezados por Matt Damon, pero con el riesgo de que esta sátira social tan llena de temas como de rostros conocidos se diluya, como así ha ocurrido si nos atenemos a la frialdad de la acogida.

El reparto se completa con Christoph Waltz, Laura Dern, Jason Sudeikis, Neil Patrick Harris, Margo Martindale y el portugués Joaquim de Almeida.

Quien mucho abarca, poco aprieta, y a Payne, como vimos en Nebraska, Los descendientes y Entre copas, le van las historias pequeñas, íntimas, más que este frasco de una sociedad decadente que da palos de ciego para sobrevivir a sus contradicciones y la loca carrera del sistema hacia su autodestrucción. La cosa era muy compleja, y el cineasta estadounidense, que coescribió esta historia con su habitual colaborador Jim Taylor, pese a pasarse de las dos horas, no es capaz de hilar de manera convincente todos los mimbres.

Una vida a lo grande parte del concepto simple de que en Noruega, unos científicos han logrado hallar una solución para la supervivencia de la raza humana, cuyo crecimiento, consumo y la consiguiente contaminación y degradación del hábitat amenaza con acabar con el planeta. ¿Por qué en lugar de reducir nuestro abuso de las materias primas y la incesante generación de residuos, algo que se demuestra poco realista, simplemente no nos reducimos a nosotros mismos? El protagonista de la cinta, Paul (Damon), en busca de una vida mejor, junto a su mujer, Audrey (Kristen Wiig) accede a participar en la experiencia de una nueva sociedad de liliputienses de pocos centímetros. Algunos de sus conocidos ya lo han hecho, y aseguran ser felices, en un nuevo paraíso de menor tamaño. Sin embargo, las cosas se tuercen desde el principio, cuando su mujer tiene dudas.

A partir de ahí, Paul tendrá que acostumbrarse a su nueva "pequeña" existencia y aprender a rehacer su particular sueño, en un proceso que Payne trufa de algunos chistes divertidos pero también de una crítica social a veces demasiado obvia, que le priva de redondear su trabajo.

Habrá que esperar a La forma del agua, de Guillermo del Toro, que llega a la competencia veneciana cargada de esperanzas, para saber si tras abrir la Mostra con Cuarón e Iñárritu, que luego se llevaron el Oscar, Barbera no debió completar su lista con el tercero de los Amigos. El tapatío  es el único cineasta hispano en la sección oficial, consecuencia de la alergia al cine iberoamericano del responsable del certamen veneciano, a pesar de los varios premios que venezolanos, mexicanos y argentinos han obtenido aquí mismo los últimos años.

El aclamado cineasta polaco Andrzej Wajda ha fallecido a los 90 años. El director, ganador de un Oscar en el año 2000 en reconocimiento a su trayectoria profesional, murió durante la noche del domingo en el hospital por una insuficiencia pulmonar después de haber sido inducido al coma hace unos días, según informa Europa Press.

Wajda, que reflejaba en sus películas la dura historia de su país, se convirtió en cineasta después de haber sido rechazado por el ejército en 1939. Su carrera comenzó a despegar en 1957 tras recibir el premio especial del jurado en Cannes por Kanal. La cinta, ambientada en Varsovia en 1944, narraba la historia de un grupo de soldados polacos que se ven obligados a esconderse en los laberínticos canales de la ciudad para huir de los nazis.

El galardón permitió al director realizar su siguiente película, Cenizas y diamantes (1958), y consolidarse como referente del cine polaco. En 1970 comenzó a adaptar al cine novelas polacas, como El bosque de los abedules, La boda (1973) o La tierra de la gran promesa (1974). En 1977 estrenó en el festival de Cannes El hombre de mármol, un filme crítico con la Polonia comunista.

Wajda continuó con sus películas anticomunistas con El hombre de hierro (1981), centrada en el sindicato polaco Solidaridad. La cinta ganó la Palma de Oro en Cannes, y provocó que el entonces régimen comunista de Polonia tomara medidas contra el sindicato e impusiera la ley marcial. El premio salvó a Wajda de ser encarcelado por el régimen comunista. Una suerte que no corrieron otros amigos del director, incluyendo al líder del sindicato Solidaridad. Su oposición al régimen polaco le permitió realizar sus películas en el extranjero, como Danton (1983), rodada en Francia y protagonizada por Gérard Depardieu. Ese mismo año filmó Un amor en Alemania en el país germano y Los poseídos (1988) en Francia.

Tras la caída del comunismo en Polonia en 1989, Wajda regresó a su país para centrarse en las historias que el régimen ocultó. Korczak (1990) narraba el destino de Janusz Korczak, un médico y escritor polaco y judío que murió durante el el Holocausto. Con The Ring with a Crowned Eagle (1944) regresó al levantamiento de Varsovia en el año 1944. Un año más tarde filmó Semana Santa, donde narraba la sublevación fallida del gueto de Varsovia en 1943 contra los nazis.

Una de sus últimas películas, Katyn estuvo nominada al Oscar en 2008Katyn . La cinta relata la historia de su padre, Jakub Wajda, uno de los 22.500 oficiales polacos asesinados por los soviéticos en 1940 en la masacre del bosque de Katyn. Su última película, Walesa, la esperanza de un pueblo (2013), una biografía sobre la figura de Lech Walesa, el ex líder sindical y político polaco.