El patronato del Museo Guggenheim Bilbao, en el que participan la dirección americana y las instituciones vascas, ha paralizado el proyecto de expansión del centro a la comarca vizcaína de Busturialdea-Urdaibai, que acoge la única Reserva de la Biosfera de Euskadi. El proyecto ha sido duramente criticado por asociaciones ecologistas desde el inicio del mismo, que lo llegaban a calificar de "atrocidad medioambiental".

Este martes el órgano de gobierno del museo ha comunicado el nuevo estado del proyecto, cuyo planteamiento inicial se remonta a 2009. El Ejecutivo Vasco y la Diputación Foral de Bizkaia, principal impulsora de la ampliación, reactivaron con los años las idea de construir dos nuevas sedes del Guggenheim en Gernika y Murueta. Sin embargo, la fuerte respuesta social ante la invasión de este paraje natural ha paralizado el plan, al menos por el momento.

En 2024, la organización ecologista Greenpeace denunció al Gobierno vasco y al Ministerio de Transición Ecológica y Reto Democrático por modificar la Ley de Costas para beneficiar la ampliación de este museo. La organización denuncia que se modificó esta ley para reducir de 100 a 20 metros la zona costera protegida en Murueta (Vizcaya), uno de los dos emplazamientos elegidos para el proyecto, un hecho que Greenpeace considera ilegal. Desde entonces, han continuado con su campaña de concienciación "Urdaibai no se toca, Urdaibai no se vende".

El proyecto, que abarcaría más de 61.000 m2, se había planteado en una zona integrada en la Red Natura 2000,​ una guía de áreas de conservación diseñadas por la Comisión Europea para la protección de la biodiversidad en la Unión Europea. Además, los ecologistas aseguran que la Diputación Foral de Bizkaia estaba presentando el proyecto "por partes" para evitar tener que realizar una Evaluación Ambiental Estratégica, una evaluación que tiene como finalidad evaluar la afección al medioambiente de la aplicación de planes y programas.

La diputada general de Bizkaia, Elixabete Etxanobe; la consejera de Cultura, Ibone Bengoetxea, y la directora del Museo, Miren Arzalluz, han sido las encargadas de dar a conocer la decisión de los patronos al término de su reunión.

El arquitecto canadiense-estadounidense Frank Gehry, autor del Museo Guggenheim de Bilbao entre otras obras, murió este viernes en California (EEUU) a los 96 años, informaron medios locales y recoge EFE.

Gehry, que nació en Toronto y se trasladó a Los Ángeles cuando era un adolescente, murió en su casa en la localidad californiana de Santa Mónica tras sufrir una enfermedad respiratoria, según reveló su jefa de gabinete, Meaghan Lloyd.

Frank Gehry fue uno de los arquitectos más importantes del mundo, calificado como "arquitecto global" y reconocido por su talento innovador y sus edificios singulares con formas y materiales únicos, como el Museo Guggenheim de Bilbao.

El premio Pritzker, equivalente al Nobel en arquitectura, el Príncipe de Asturias de las Artes o el premio Imperial Japonés son solo algunos de los galardones que reconocen a este genio.

El brillante arquitecto nació en Toronto (Canadá) el 28 de febrero de 1929 con el nombre de Frank Owen Goldberg. Hijo de inmigrantes judíos -ruso y polaca-, cambió el apellido por el de Gehry en 1954.

Gehry se trasladó con su familia en 1947 a California -se nacionalizó estadounidense- y estudió Arquitectura en la Universidad del Sur de California. Tras realizar el servicio militar, estudió Urbanismo y planificación en la Escuela de Diseño de Harvard. Poco después comenzó a trabajar en varios estudios de arquitectura como el de Victor Gruen Associates o el de Pereira and Luckman Associates.

En 1961 se trasladó a París, donde trabajó en el estudio de André Remonder, y es en Francia donde estudia las obras de Le Corbusier y otros arquitectos franceses y europeos que le influyeron en sus primeros trabajos.

Regresó a Los Ángeles en 1962, abrió su propio despacho, y a partir de ese momento fue desarrollando su propio estilo y ganando reconocimiento nacional e internacional.

Gehry es considerado uno de los más destacados representantes de la corriente 'deconstructivista' de Estados Unidos. De su particular estilo destacan las formas semidescompuestas y voluminosas, en la idea de que el "edificio, una vez terminado, debe ser una obra de arte, como si fuese una escultura".

Utilizando siempre materiales atípicos e innovadores, creó entre 1969 y 1982 dos líneas de mobiliario de cartón, Easy Edges y Experimental Edges.

Como diseñador, a mediados de los ochenta Gehry trabajó en sus conocidas Fish Lamps (Lámparas Pez) realizadas en colorcore, un laminado de plástico traslúcido, que se convirtió en su principal inspiración para futuras esculturas y edificios. A comienzos de los noventa diseñó su colección de mobiliario Bent Wood (1989-1992), basada en el método para entretejer las tiras de las cestas. Y en 1989 llegó el máximo reconocimiento mundial de arquitectura, el Premio Pritzker.

Considerado uno de los "diez maestros de la arquitectura moderna", ejemplos de su deconstructivismo son su propia casa en Los Ángeles, el Museo Cabrillo Marine en San Pedro (Los Ángeles), el Museo Aeronáutico en Los Ángeles, la Facultad de Derecho de Loyola (California), el Museo de la Universidad de Minnesota o el Centro Americano en París. También el edificio de Vitra en Basilea, el Experience Music Project (Seattle) o la sede de la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles.

Realizó la ampliación de la centenaria Corcoran Gallery de Washington, el Museo de Historia de los Judíos Polacos en Varsovia, la recuperación del Parque Meyer en Lisboa y el Museo de la Biodiversidad o 'Biomuseo' en el sector Pacífico de la entrada del Canal de Panamá (2004-2014), su primera obra en Iberoamérica.

Sin embargo, el edificio que le reportó mayor fama internacional fue el Museo Guggenheim de Bilbao (1991-1997), en el que empleó cristal, acero inoxidable, zinc o titanio, mezclados con otros autóctonos como la piedra.

Por ese majestuoso trabajo, Gehry, al que desde entonces le encantó pasear y comer en Bilbao, obtuvo diversos premios, como el de la Fundación austríaca Friedrich Kiesler (1998) o el Premio Internacional de Diseño (1999) de la Sociedad de Ingeniería de Iluminación de Norteamérica.

En España realizó también la escultura olímpica de Barcelona, un ballenato gigante de unos treinta metros en los jardines del Hotel Arts (1992); la reforma de las bodegas del Marqués de Riscal en Elciego (Álava) en 2006 o el diseño del rascacielos futurista que domina el área de Sant Andreu-Sagrera, también en Barcelona.

Otras obras de Gehry fueron el Museo de Arte Contemporáneo de París, el Aeroespacial de California, Chiat/Day en Venice (California), Museo de Arte de la Universidad de Toledo (Ohio), Centro de Artes Escénicas del Bard College (Nueva York), Walt Disney Concert Hall (Los Ángeles), la casa danzante de Praga de la Nationale-Nederlanden o el Instituto Tecnológico de Massachusetts (Boston, EEUU).

Su trabajo ha sido objeto de numerosos estudios monográficos, como el documental del cineasta Sydney Pollack Sketches of Frank Gehry, presentado en 2006. Gehry, que fue personaje de la serie de dibujos animados Los Simpsons, y un apasionado del hockey, se casó dos veces (Anita Snyder y Berta Isabel Aguilera) y fue padre de cuatro hijos.

*Este texto se ha modificado para corregir una errata en la denominación del movimiento arquitectónico 'deconstructivista'

El escultor estadounidense Richard Serra (1938-2024) ha fallecido este martes en su domicilio de Nueva York a los 85 años de edad a causa de una neumonía, según ha informado su abogado John Silberman al periódico The New York Times y recoge Europa Press. El Museo Guggenheim ha lamentado la pérdida del artista, cuyas "obras monumentales remodelaron nuestras percepciones del espacio y la forma", tal y como ha indicado a través de su perfil en la red social X, anteriormente conocida como Twitter.

Serra, que creó esculturas utilizando enormes paredes de acero oxidado que transformaron museos y espacios públicos, era conocido por creaciones diseñadas no solo para ser observadas, sino para ser experimentadas.

Entre sus creaciones, destaca su grupo escultórico de ocho elementos La materia del tiempo, que se encuentra en el Museo Guggenheim de Bilbao. También cobra importancia la controvertida instalación Arco Inclinado, exhibida en la plaza federal de Manhattan de 1981 a 1989, momento en el que fue retirada como resultado de una demanda federal y no ha sido exhibida públicamente desde entonces. La placa medía 37 metros de largo y alrededor de cuatro metros de alto.

En 2006, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid anunció que la escultura que este autor había ideado para la inauguración del centro en 1986, Equal-Parallel-Guernica-Bengasi, de 36 toneladas, "se había perdido". Serra realizó de forma gratuita un duplicado que está expuesta al público en su colección permanente desde 2009.

El artista, que nació en San Francisco en una familia formada por una madre judía rusa y un padre español, ha visto su obra representada en los mejores museos y colecciones del mundo. Fue condecorado con la Orden de las Artes y las Letras de España en 2008 y con el Premio Príncipe de Asturias de las Artes en 2010.

Grandes museos de Madrid han aumentado sus visitas en 2022 pero aún se mantienen algo alejados de las cifras obtenidas en 2019 antes de la pandemia. Por ejemplo, el Museo del Prado ha registrado un total de 2.456.724 personas en 2022, un 115% más que en 2021 con 1.126.897 visitantes, y lejos de los 3,2 millones alcanzados en 2019, año en el que se alcanzó una cifra récord en la historia de la pinacoteca madrileña, según informa Europa Press.

Algo similar ha ocurrido con el Reina Sofía, que ha congregado a un total de 3.063.092 visitantes: 1.171.367 visitantes en su sede principal, 1.318.823 al Palacio de Cristal, y 491.086 al de Velázquez. Esta cifra supone un crecimiento del 86% respecto a 2021, cuando el Museo recibió un total de 1.643.108 visitantes, pero aún por debajo de 2019, cuando se registraron casi 4,4 millones de visitas o los 3,9 millones de 2018.

Por el contrario, el Museo Thyssen es el único que ha logrado superar sus datos prepandemia, al cerrar el año con un total de 1.072.003 visitantes, una cifra que supone un incremento del 59,7% frente a 2021, con 671.078, y del 3,6% frente a 2019, en el que se contabilizaron 1.034.873.

Del total de visitantes que llegaron a El Prado, 2.427.718 de personas lo hicieron en su sede y 29.006 en las diferentes localidades españolas en las que la pinacoteca ha estado presente a través de exposiciones temporales.

El perfil del público del Museo continúa siendo joven (el 44% tiene entre 18 y 34 años), se trata de un perfil general mayoritariamente femenino (64%), con estudios superiores (70,5%) y con ocupación estable (57,5%).

Según el estudio de pública que realiza el Prado, la mayoría de sus visitantes han sido personas no residentes en España, con un 50,2% frente al 49,8% residente en España. Por lo tanto, el visitante nacional desciende porcentualmente con respecto al año 2021, cuando se alcanzó el 73%, aunque en cifras absolutas el incremento de visitantes nacionales ha alcanzado los 1.209.000.

El incremento de visitantes del resto de España, representan el 27% del público frente al 20 ciento del año pasado, ha hecho que los visitantes procedentes de la Comunidad de Madrid (22,7% frente al 53% del año 2021) desciendan. Las provincias más representadas son Barcelona (4,9%), Valencia (2%), Zaragoza (1,4%) y Málaga (1,2%).

En el plano internacional, los ciudadanos de Estados Unidos (11,7%) son los visitantes extranjeros con más afluencia, seguidos de Italia (5,2%), Francia (4,4%) y México (4,3%). La presencia de visitantes asiáticos, aunque mayor que el año pasado, sigue siendo casi nula, según el Prado.

Por su parte, el Reina Sofía ha incrementado la recaudación por entradas, que ha crecido un 170% respecto a 2021 y un 1'5% respecto a 2019. El día del año con mayor número de visitantes en la sede principal fue el lunes 31 de octubre con 8.658 personas, y el viernes 15 de abril fue la fecha en la que más personas acudieron a las tres sedes: un total de 17.764.

En cuanto a las nacionalidades de los extranjeros que más han acudido al Museo son, por este orden, franceses, italianos y norteamericanos respectivamente, lo que supone el 40% del total de los visitantes de otros países.

En el caso del Thyssen, la página web del museo ha acumulado cerca de 11.783.270 páginas vistas y la venta de entradas online ha sido de casi un 52% frente a otros canales. Por otro lado, 670 personas han disfrutado de las visitas guiadas online.

La misma tendencia al alza se ha registrado en el Guggenheim de Bilbao, que ha recibido 1.289.147 visitantes en 2022, en el que se ha celebrado su 25 aniversario. Una cifra superior a la registrada en 2021 con 530.967 visitantes.

El número anual de visitantes, 1.289.147, convierte a 2022 en el tercer mejor año de su historia, por detrás de 2017 —cuando se celebró el 20º Aniversario— y 1998, primer año de actividad, con una "notoriedad mediática extraordinaria.

"Desde 1958, en Madrid, cuando se expusieron 81 obras de 17 artistas, no se había reunido una colección de tal magnitud", explica Lucía Aguirre, una de las comisarias de Expresionismo abstracto, la muestra que acoge el Museo Guggenheim de Bilbao hasta el próximo 4 de junio. "Aunque esta es más ambiciosa, porque la combinación sala-artista es algo muy difícil de repetir en el mundo del arte", añade. La muestra, organizada por la Royal Academy of Arts de Londres en colaboración con el centro vasco, recoge más de 130 pinturas, dibujos, esculturas y fotografías130 pinturas procedentes de colecciones públicas y privadas de todo el mundo: "Ha habido monográficas de Pollock u otros autores, pero una exposición sobre el movimiento no se había reunido desde entonces".

Encuadrada en el 20º aniversario del museo de Bilbao, la exposición es el estudio más profundo realizado en los últimos sesenta años sobre el iconoclasta movimiento surgido tras la Segunda Guerra Mundial y está considerada la muestra más importante de este año de celebraciones. Las 33 figuras más relevantes del expresionismo abstracto norteamericano —entre las que se encuentran Jackson Pollock, Mark Rothko o Willem de Kooning— están representadas en el museo y, gracias a la magnitud de los espacios, cada uno de ellos ha tenido su protagonismo en las salas, señala Aguirre. En 1950, Pollock afirmó "La pintura abstracta es abstracta", y la intensidad del encuentro (artista-visitante) se magnifica en función del espacio que acoge a la obra, como sucede en la Capilla Rothko, en Houston, o bien, en las magníficas salas de Guggenheim.

El expresionismo abstracto fue algo más que un fenómeno artístico, se puede considerar un profundo movimiento sociopolítico nacido en Nueva York en 1930, que eclosionó en la década de los cincuenta y se convirtió en una tendencia artística internacional. Una tendencia llena de color y fuerza expresiva que encontró la inspiración en el arte primitivo, el Romanticismo alemán, el cubismo o el surrealismo. Un acto espontáneo no surgido de la razón, sino de la acción corporal dinámica. A diferencia del cubismo o del surrealismo, que le precedieron, el expresionismo abstracto se nutre del azar. La libre expresión de la personalidad individual de los creadores es la clave de este movimiento transgresor. Artistas que se sintieron a su vez influidos por grandes maestros como El Bosco o Rembrandt. Obras de tamaño colosal que buscan la interacción del espectador, que tiene la misión de terminar el mensaje que desprenden.

Cromatismo limitado

"El blanco también es un color", explica la comisaria de la muestra, Lucía Aguirre, que ha trabajado junto a Edith Devaney y David Anfam. Y también el negro, que esconde toda la paleta cromática, si se realiza un juego de observación constante y que aparece representado en PH-247, de Clyfford Still. "Este cuadro ha salido por primera vez, junto a otras ocho obras, del museo situado en Denver y dedicado a la figura del artista", explica el director de Guggenheim Bilbao, Juan Ignacio Vidarte. Still fue un escapista convencido, que solo vivió en Nueva York 12 de sus 75 años, lo que influyó directamente en su originalidad, y decidió donar toda su extensa colección a la ciudad de Denver en forma de lienzos enrollados que hubo que descubrir progresivamente.

Still utilizaba una técnica que otros artistas compartirían y que explica Lucía Aguirre: "Con la trementina quitaba el aceite de la pintura, dejaba el pigmento muy denso, pintaba muchas capas y conseguía superficies aterciopeladas, totalmente planas". Junto a la luz (blanco) o a la ausencia de ella (negro), los colores primarios, magenta, amarillo y cian, comprenden todo el campo de la paleta expresionista.

Artistas de primera y de segunda... generación

"Se han utilizado los términos expresionistas abstractos de primera y segunda generación, con ciertas connotaciones negativas, en el segundo caso". Aunque muchos de ellos hayan creado una obra tan potente como los de la primera generación y existan artistas ubicados entre las dos generaciones, como Joan Mitchell, que emigró a Francia. De ella se muestran obras como Te saludo, Tom, dedicada a un amigo de la autora fallecido, o Mandres, de 1961, una pieza preciosa perteneciente a una colección particular. "Ella es una de esas figuras poco conocidas que tiene mucho que decir", añade Aguirre. La idea que separa la pintura de campos de color de la de campos de acción es una mitificación, porque se producen mezclas entre ambos campos. Pollock dejaba caer la pintura y goteaba para que la mancha quedara perfecta, mientras que Helen Frankenthaler hacía que el lienzo absorbiera la mancha y por eso quedaban los colores tan difusos.

Hablar de expresionismo abstracto es reconocer la potencia visual de Jackson Pollock, Mark Rothko y el holandés Willem de Kooning. Pollock está considerado el adalid del expresionismo abstracto y con el mural que pintó para la mecenas y coleccionista Peggy Guggenheim en 1943, presente en la muestra de Bilbao, marcó un hito y encabezó la historia del movimiento, promoviendo que Rothko y Gorky realizaran lienzos monumentales un año después. Pollock experimentó la garantía del personal proceso pictórico hasta marcar su estilo característico a finales de la década de los cuarenta, y el museo de Bilbao presenta en esta gran exposición ocho obras del carismático autor. Una de las piezas más singulares de Rothko, que rechazó poner nombre a sus creaciones, es Sin título 1952-53. Perteneciente a la colección del Museo Guggenheim Bilbao, representa una pared de luz de tres tonos que responde a su obsesión por mostrar los sentimientos humanos, utilizando la fuerza dramática del color. "Tragedia, éxtasis, fatalidad; personificaciones abstractas de poderosos sentimientos humanos", en palabras del artista.

Philip Guston sirve para concluir la exposición pictórica, que dedica una última sala a la desconocida fotografía expresionista. Guston conoció en los setenta a los Pollock, en California, y vivió con ellos en Nueva York. Esta pieza supone el retorno a la figuración y cierra el ciclo; posteriormente llegaría el minimal y el pop art. "Durante el período en el que ellos fueron la clave de la historia del arte, no estaban muy reconocidos", concluye Aguirre. La exposición pretende recuperar la destacada importancia de una generación postbélica que desplegó sus angustias existenciales, se apoyó en el psicoanálisis y exteriorizó sus sentimientos a través de la libertad que el arte confiere.

El pasado es parte indisoluble de la creación artística de Louise Bourgeois (París, 1911 - Nueva York, 2010). El Museo Guggenheim de Bilbao recoge parte de las vivencias personales de la artista franco-americana en Estructuras de la existencia: las Celdas (hasta el 4 de septiembre). La muestra agrupa un conjunto de 28 de sus Celdas, las piezas que utilizó en su madurez como una terapia para superar situaciones dramáticas que le marcaron durante la niñez. Sus padres, Josephine Fauriaux y Louis Bourgeois, eran dueños de una galería de tapices antiguos y de un taller de reparación de tapicería, donde rellenaban diseños desgastados por el tiempo. La pequeña Louise fue testigo de la infidelidad reiterada de su padre con la au pair de la familia, Sadie, que vivió con ellos durante diez años.

La muestra, organizada por el Haus der Kunst de Múnich en colaboración con el Guggenheim, reúne la mitad de la colección de Celdas de la artista conceptual en una exposición itinerante que concluirá su recorrido en el Museo Louisiana de Arte Moderno, en Dinamarca.

Vivencias destructivas vs. reconstrucción personal

La mayoría de las Celdas son reconstrucciones del pasado creadas con elementos arquitectónicos y muebles reutilizados como puertas, ventanas, mallas de alambre, contenedores industriales e incluso, una cabina de ascensor. "Las Celdas forman parte de su estricta parcela de intimidad, más allá de la etiqueta de teatralidad que se ha dado a la obra de Bourgeois", revela Jerry Gorovoy, asistente, amigo personal de la artista y presidente de la fundación Easton. "Una muestra interior, emocional, no social ni política y diferente de cómo se había mostrado hasta ahora". "Louise era honesta en su trabajo, necesitaba trabajar para estar viva", añade. Un escenario conectado con el universo y con sentimientos personales tales como lo celos, las emociones o la inseguridad. "Más allá de géneros, es un trabajo conceptual. La mujer como un sujeto, no como un objeto", incide Godoroy.

Una de las Celdas de Louise Bourgeois expuestas en el Guggenheim. / ERIKA EDE (FMGB GUGGENHEIM)

Louise Bourgeois ahuyentó sus demonios gracias a un psicoanálisis y a la colocación de enseres que formaban parte de su vida dentro de impactantes esculturas. Escenarios verdaderos y dramáticos creados por una inteligente mujer que estudió matemáticas y filosofía en la Sorbona, como paso previo a sumergirse en la formación artística; una vez que su estandarte, la madre que tejía, falleció tras una larga enfermedad. La araña es la madre tejedora de tapices a la que Louise adoraba. Un animal que genera repulsión y que a su vez se convirtió en el símbolo de la creación artística de Bourgeois. Mamá es la araña de nueve metros de altura que ocupa un espacio destacado en el exterior del museo de Bilbao desde 2001.

Con ocasión de esta muestra, las Celdas iniciales, numeradas del I al VICeldas ,, se agrupan por primera vez desde 1991, cuando se reunieron en el Carnegie International de Pittsburg. El conjunto comprende casi la mitad de su colección de celdas, compuesta por un total de 60 piezas. En ella aparecen elementos recurrentes, tales como las esferas de vidrio, que representan la fragilidad de la existencia; o espejos, que juegan con el espectador y revelan la impulsiva curiosidad infantil y la humana tendencia al voyerismo, que obsesionaba a la artista. Obra autobiográfica que refleja claves de la relación paterno-filial. Traición, ansiedad y soledad, bañadas de amor-odio. "Tienes que contar tu historia y tienes que olvidarla. Olvidas y perdonas, eso te libera". Sacar el dolor y los elementos que lo provocaban, a modo de terapia, fue su salvación.

Celda VII, 1998, de Louise Bourgeois. / CHRISTOPHER BURKE (THE EASTON FOUNDATION / VEGAP)

Relación de espacios

En opinión de Juan Ignacio Vidarte, director del Museo de Bilbao, es interesante analizar "cómo se mueven las esculturas de Bourgeois en el territorio de Gehry" y "la dimensión arquitectónica de las celdas dentro de la particular arquitectura del Guggenheim". Las salas del museo constituyen "espacios monumentales que permiten vivir esta conmovedora exposición como en pocos lugares del mundo", como explica Rafael Pardo, director de la Fundación BBVA, patrocinadora de la muestra. Para Petra Joos, comisaria de la muestra, son "espíritus vitales y frescos que conviven bien en este museo": "Ella fue una maestra a la hora de desarrollar todo su lenguaje artístico y una precursora del arte medioambiental, que, a principios de los cincuenta, plantea el espacio como un elemento físico en sí mismo". 

Bourgeois inició con la pieza Guarida articuladaGuarida articulada la serie de celdas que la artista aislaba del entorno que las albergaba. "Cuando empecé a crear las Celdas quería construir mi propia arquitectura y no depender del espacio de un museo, no tener que adaptar a él mi escala. Quería constituir un espacio real en el que uno pudiera entrar y por el que pudiera moverse", señalaba al inicio de su creación introspectiva con estructuras metálicas. Ideas e innovaciones formales como manera de abordar el psicoanálisis. Instalaciones ambientales que se han convertido en cuestiones fundamentales para entender el arte contemporáneo, desde el papel de la fundadora del arte confesional. "Si el dolor remite, la tensión se reduce, la compulsión desaparece y el dolor se elimina, la escultura funciona", repetía la artista como un mantra sanador.

Celda XXVI, 2003, de Louise Bourgeois. / CHRISTOPHER BURKE (THE EASTON FOUNDATION / VEGAP)

Bourgeois sintió interés por el controvertido neurólogo Jean Martin Charcot que, como su discípulo Sigmund Freud, trató de indagar en el origen del arqueamiento del cuerpo que se produce durante un ataque de histeria y cambió el género asociado a este término, reproduciendo cuerpos masculinos en esta posición. Para ella, el término en inglés, cell tiene diversas connotacionescell, ya que se refiere tanto a la celda individual de una cárcel o de un monasterio, como a la célula biológica de un organismo vivo. En 1982, con 70 años, creó un texto autobiográfico ilustrado para la revista especializada Artforum, que giraba en torno a las traumáticas experiencias de su niñez. En ese mismo período, el MoMa de Nueva York homenajeó a la artista con una retrospectiva. Era la primera vez que el museo dedicaba una exposición antológica a una mujer.