En las últimas décadas, la cultura ha defendido, en mayor o menor medida, las causas sociales. Los grandes eventos mundiales, de cine o música, se han posicionado contra el racismo, el machismo o el cambio climático. Pero algo está cambiando.

El genocidio en Gaza y, sobre todo, el poder de Israel en la industria han cambiado las reglas de la reivindicación. Edu Galán, escritor, guionista y crítico cultural, explica a infoLibre que "para hacer un gran evento se necesita mucho dinero y si se dice que hay un genocidio en Gaza, que lo hay [remarca], algunas marcas dejan de apoyar el producto". También se suma a esta idea María Guerra, presidenta de la Asociación de Informadores Cinematográficos de España (AICE), que, en declaraciones a este medio, destaca el "gran poder de las comunidades judías".

La Berlinale, el gran festival de cine de la capital germana, es uno de los exponentes de este cambio de posicionamiento. En la 76ª edición de este evento, la polémica con los ataques israelíes en la Franja de Gaza continúa después de la finalización del mismo. 

Hace apenas unos días desde que el presidente del jurado internacional del festival, Wim Wender, expresó que el cine se tiene que mantener al margen de la política. En este sentido también se posicionó la directora del festival, Tricia Tuttle, que aseguró que, aunque la crítica y alzar la voz forman parte de la democracia, la Berlinale “no puede resolver los conflictos del mundo".

Esta situación no es solo cosa del festival berlinés, es un problema que atraviesa a toda la sociedad alemana. El recuerdo de los campos de concentración y el exterminio judío en el Tercer Reich los ha posicionado históricamente del lado de Israel. Incluso en los movimientos de izquierdas, que en otros países reconocen el derecho de Palestina a ser una nación. Incluso Los Verdes, en la órbita ideológica de Sumar en España, apoya públicamente la defensa del Estado de Israel.

La propia Tricia Tuttle fue cuestionada por el Gobierno tras las críticas de algunos ganadores de la gala contra la postura del Ejecutivo conservador de Friedrich Merz. El ministro de Medio Ambiente, el único miembro del gabinete que fue a la Berlinale, abandonó el acto tras las palabras del cineasta palestino-sirio Abdallah Alkhatib, que acusó al Gobierno alemán de ser "cómplice del genocidio en Gaza por parte de Israel". El ministro expresó su rechazo a las palabras y las consideró una "amenaza implícita" a su equipo.

Guerra entiende esta posición alemana como un "dolor histórico". "Alemania es un país donde es tabú hablar de temas relacionados con Israel", recuerda. "La libertad de expresión en Occidente está en una zona roja", asegura convincente.

En los últimos premios BAFTA, los premios del cine británico celebrados en Londres, también hubo polémica respecto al genocidio en Gaza. La organización de la gala censuró una parte del discurso de Akinola Davies Jr., ganador a mejor director, guionista o productor británico novel, en el que decía “Free Palestine”. De los dos minutos y medio que duró el discurso de Davies Jr. solamente uno fue mostrado finalmente. Según la BBC, organizadora del evento, se debió a una restricción de tiempo. 

Más allá de esta censura por parte de la cadena británica, en los mismos premios sí se escucharon gritos racistas contra dos actores negros que no quitaron de la emisión final.

"Es una torpeza monumental prohibir y censurar, pero hay que recordar que Reino Unido ha detenido a muchos manifestantes propalestinos", recuerda la presidenta de la AICE, María Guerra. 

Los Premios Goya, celebrados en Barcelona en esta última edición y que coronaron a Los Domingos y a su directora, Alauda Ruíz de Azúa, son el antagonista de la Berlinale en cuanto a la reivindicación social se refiere. Año tras año, los actores que pasan a recoger los galardones hacen ver cuáles son los problemas en España y en la sociedad internacional. 

En la gala de este 2026, los temas más repetidos fueron los ataques perpetrados por Estados Unidos e Israel a Irán solamente unas hora antes del evento y las muestras de solidaridad con el pueblo palestino –la mayoría de galardonados subieron a por el premio con una chapa que exclamaba “Free Palestine”.

¿Por qué en España sí se defienden estas causas, pero en el mundo no? Galán lo achaca a la diferencia de dinero que mueve la industria española respecto a la de otros países. "En España no hay una industria de tanto presupuesto como ocurre en el resto del mundo. 'Quien no tiene nada, no tiene nada que perder', decía Dylan", asegura Galán.

La Berlinale concedió este sábado el Oso de Oro al filme más político de los que estaban en competición, 'Yellow Letters', del cineasta turco-alemán Ilker Çatar, que cierra una edición marcada por las críticas contra el festival y contra el presidente del jurado, por su silencio ante el genocidio en Gaza, según recoge EFE.

La otra gran ganadora de la 76 edición de la Berlinale fue la dura y humana 'Queen at Sea', de Lance Hammer, que trata sobre cómo se enfrenta una familia a la demencia de la madre y que se llevó dos premios: el Premio del Jurado y el Oso de Plata a la mejor interpretación de reparto para los británicos Tom Courtenay y Anna Calder-Marshall, que emocionaron a todos con sus trabajos.

Otro británico, el cineasta Grant Gee, recibió el Oso de Plata a la mejor dirección por la estética 'Everybody Digs Bill Evans', sobre el legendario pianista de jazz, y la actriz alemana Sandra Hüller fue premiada como mejor intérprete principal por su espectacular trabajo en el drama histórico 'Rose', película en la que simula ser un hombre.

La película ganadora del Oso de Oro trata de la censura de las autoridades turcas contra una pareja de artistas, una producción que es "como una premonición aterradora, una mirada hacia un futuro cercano que también podría ocurrir en nuestros países", según el presidente del jurado internacional del festival, Wim Wenders.

Fue precisamente el guionista alemán, que fue criticado dentro y fuera del festival por periodistas, actores y otros cineastas desde que en la rueda de prensa del jurado afirmara que el cine se tiene que mantener al margen de la política, quien destacó el mensaje, de carácter político, de la cinta.

Wenders quiso aprovechar la gala de entrega de premios para pedir unión a "activistas, cineastas y periodistas" para hacer frente al "mundo maravilloso, aterrador y fuera de control en el que vivimos".

La directora del festival, Tricia Tuttle, había señalado en su discurso de apertura de la ceremonia que la crítica y alzar la voz forman parte de la democracia pero que la Berlinale "no puede resolver los conflictos del mundo", aún cuando se celebra "en un mundo que se siente herido y fracturado".

Mientras que el productor de 'Yellow Letters', el alemán Ingo Fliess, contó que una de las escenas en el filme le recuerda a las discusiones que se han producido en la Berlinale: "cineastas contra cineastas, artistas contra creativos".

"Pero no somos enemigos. Somos aliados. La verdadera amenaza no está entre nosotros, está fuera. Son los autócratas, los partidos de extrema derecha, los nuevos fascismos de nuestro tiempo que intentan llegar al poder y destruir nuestra forma de vida. No luchemos entre nosotros, luchemos contra ellos", instó.

Pero los intentos de calmar las aguas de Tuttle y de Wenders no surtieron efecto en una gala marcada por las reivindicaciones políticas de algunos de los premiados.

El más enfático fue el cineasta palestino-sirio Abdallah Alkhatib, premio a la mejor Ópera Prima con 'Chronicles From the Siege', que utilizó el escenario para decir que "Palestina será libre y algún día tendremos un gran festival de cine en el corazón de Gaza" y para asegurar que allí se hablará "de política antes que de cine".

El refugiado en Alemania, que llevaba la kufiya palestina, también acusó al Gobierno alemán de ser "cómplice del genocidio en Gaza por parte de Israel". Cuando acabó su discurso se pudo escuchar en la audiencia algún grito de "¡Palestina libre!".

La presentadora, Désirée Nosbusch, calificó de "complicado" este momento y señaló: "lo hemos escuchado", pero "quizá este no sea el momento adecuado" para mantener ese diálogo político que reclaman algunos cineastas.

Poco después, el director de cine y guionista turco Emin Alper, ganador del Oso de Plata Gran Premio del Jurado por 'Salvation', que gira en torno al regreso de un clan kurdo exiliado a una aldea remota en lo alto de las montañas de Turquía, que reaviva una disputa territorial que lleva décadas latente, también quiso dejar su mensaje político.

Dijo que su película "trata sobre perpetradores que cometieron crímenes horribles" y que él solo quería comprender su manera de pensar a lo largo de todo el filme, al igual que intentó entender la situación de las personas sobrevivientes.

"Cuando ves que a nadie le importas ni piensa en ti, te conviertes en la persona más sola del mundo, así que lo mínimo que podemos hacer aquí es romper el silencio y recordarles que en realidad no están solos", afirmó, y se dirigió a los palestinos en Gaza, al pueblo iraní y a los kurdos para decirles que "no están solos".

Que el cine tiene que mantenerse al margen de la política. Eso se respondió en la presentación del jurado de la Berlinale, el Festival Internacional de Cine de Berlín, cuando se les preguntó por la situación en Gaza. “Somos el contrapeso de la política”. Esas palabras llegaron hasta Arundathi Roy, la escritora india, y decidió no acudir a la presentación de la película In which annie give it those ones, una comedia sobre la vida de unos estudiantes universitarios de arquitectura, carrera que hizo Roy en Delhi, de cuyo guion es autora y que se estrenó en 1989. Roy respondió a la organización del festival que le resultaba asombroso cómo pretendían silenciar una conversación sobre lo que es un crimen de lesa humanidad que se desarrolla delante de nosotros en tiempo real. Lo cierto es que la Berlinale no ha tenido problemas para hacer política según tiempos y regiones. A ese silencio sobre Palestina también replicaron más de ochenta actores y actrices con una carta: “Estamos consternados por la implicación de la Berlinale en la censura de artistas que se oponen al genocidio en marcha de Israel contra los Palestinos en Gaza y al papel clave del Estado alemán en permitirlo”. Ah, Alemania. 

He leído en estos días las memorias de Arundathi Roy. Un libro escrito después de la muerte de su madre, Mary Roy. De él me llevo dos cosas. La primera, que parece que siempre escribamos para que nos quieran. A ella, a su madre, le dedicó aquella novela que se tradujo a cuarenta idiomas y ganó el premio Booker, El dios de las pequeñas cosas, y le agradeció en su dedicatoria que la criara, que le enseñara a pedir perdón antes de interrumpirla en público y su amor para dejarla marchar. Su hermano, en broma, le dijo que esa dedicatoria era la única ficción que había escrito en aquella novela. Y a ella le dedica también este otro libro, donde cuenta lo que le pasó en todo ese tiempo en que estuvo lejos de Mary sin contacto con ella, una mujer dura, violenta a veces, excéntrica e impulsiva que levantó sola una escuela en Kerala. Y lo cuenta porque su madre nunca se lo preguntó: cómo saliste adelante, cómo vivías, cómo conseguiste sacar tu título, cómo te hiciste escritora. Escribir para que te quiera tu madre parece una razón de peso para emprender cualquier libro.

Y la segunda es que Roy es una escritora comprometida con el tiempo en el que le ha tocado vivir. Y que se posiciona en ese mundo de una forma valiente. Porque le dio igual acabar con su cuerpo en la cárcel o terminar varias veces frente al Tribunal Supremo de India después de ser reconocida mundialmente por su literatura, cuando tomó conciencia de que era una mujer muy rica gracias a sus libros en un país muy pobre o cuando se puso en contra de las presas del río Narmada que desplazarían a miles de tribus indígenas de las montañas o cuando se fue a la selva de Dandakaranya con el Partido Comunista, donde se estaba librando una guerra sangrienta, o cuando acusó al Gobierno de su país de censura cuando se hablaba de Cachemira. 

Hace unos días, una profesora de literatura de la universidad les dijo a sus alumnos que el arte produce una conciencia ética. Porque antes de leer, antes de ver una película, no sabemos cosas que sabremos después y ese es el compromiso de quien escribe, pero también es el compromiso de quien lee. Qué hago con lo que he visto, qué hago con lo que ahora sé. La literatura no puede meterse en cajones simplistas que respondan a ideologías, los libros no opinan, pero sí contienen una mirada frente al mundo, sus coordenadas sitúan al creador en una posición. Incluso aquellos libros o películas que parecen no contarnos nada, lo dicen callando o cambiando la mirada de lugar. 

Wim Wenders, el director del festival de Berlín, dijo que, si se hacen películas intencionadamente políticas, entraremos en el terreno de la política. Pero cualquier creación es siempre política, que no tiene nada que ver con panfletaria, como sí lo es acatar el silencio o mirar hacia otra parte, y solo por eso –hay que asumirlo– nos querrán menos o nos querrán peor. Y no debería importar. Lo raro es quedarnos callados como estamos.

La directora de la Berlinale, Tricia Tuttle, aseguró este miércoles que el festival reconoce "la profunda ira y la frustración" por lo que ocurre en Gaza y "la urgencia que siente la gente de hablar y hacer oír su voz", en respuesta a la carta de 81 artistas que critican el silencio del certamen, pero también precisó que lo que se ha dicho es inexacto. Más de 80 artistas —entre los que están Javier Bardem, Tilda Swinton, Adam McKay, Fernando Meirelles, Brian Cox, Mike Leigh o Nan Goldin— han firmado una carta abierta en la que condenan el silencio de la Berlinale y la censura a los artistas cuando se trata del conflicto en Gaza.

Muchos medios, entre ellos EFE, trataron de recabar la opinión del festival sobre la carta, sin recibir respuesta alguna. Y este miércoles, en una entrevista con la revista estadounidense Screen, Tuttle insistió en la independencia del festival y se mostró en contra de "la presentación de información errónea y afirmaciones inexactas sobre la Berlinale, sin pruebas y anónimas". "Creemos que es justo discrepar, pero difundir información errónea es peligroso (...). Siempre estamos abiertos a dialogar. Rechazamos que nuestros programadores los hayan intimidado, que los hayamos silenciado", afirmó la responsable del festival. "También queremos apoyar a quienes desean usar sus plataformas para expresarse sobre temas que les preocupan, incluyendo a quienes denuncian la violencia que continúa ejerciendo sobre la población de Gaza y la incapacidad de la política y la diplomacia para abordarla", agregó.

Además señaló que "no todo el mundo quiere hablar de este tema, por muy grave que sea en sus vidas".

En los 76 años de historia de la Berlinale, el festival "siempre ha defendido la inclusión, la diversidad de perspectivas y la comprensión" y ha apoyado "la libertad de expresión dentro de los límites de la legislación alemana".

Sobre porqué el festival no ha condenado las acciones del Estado de Israel en Gaza, Tuttle respondió que representan "a muchas personas con diferentes puntos de vista, incluyendo a muchas personas que viven en Alemania y que desean una comprensión más compleja de la posición de Israel que quizás la que tiene el resto del mundo actualmente". "Mucho de esto está cambiando. La gente se está dando cuenta de que quizás la staatsräson (el compromiso de la legislación alemana con la seguridad de Israel, basado en su responsabilidad histórica por el Holocausto) nos impide tener conversaciones importantes sobre el gobierno que actualmente gobierna Israel. Es complejo, y esa es una de las razones por las que queremos darle espacio a esa complejidad".

Toda esta polémica se inició el primer día de esta 76 edición del festival, el jueves 12 de febrero, en la rueda de prensa del jurado, presidido por Wim Wenders, cuando un periodista recriminó a la Berlinale el mostrar su solidaridad con Irán o Ucrania, pero no con Palestina. "No podemos entrar realmente en el ámbito de la política. Tenemos que mantenernos al margen de la política porque, si hiciéramos películas dedicadas a la política, entraríamos en ese ámbito de la política. Pero nosotros somos el contrapeso de la política. Somos lo contrario de la política. Tenemos que hacer el trabajo de la gente y no el trabajo de los políticos", afirmó Wenders.

La directora del festival apuntó la difícil tarea del jurado, con los que ha hablado del tema. "Hemos estado dando espacio a cómo se sienten todos y a si alguien quiere expresarse. Ahora mismo, no siempre ayuda hacerlo".

Tuttle se mostró confiada en que esta polémica se superará e instó "a todos los colegas que trabajan en la industria cinematográfica a que reflexionen detenidamente sobre las acusaciones y comprueben si consideran que hay pruebas suficientes para difundir las acusaciones sobre la Berlinale antes de compartirlas". "Si publicas una carta abierta, asumes una gran responsabilidad: estás diciendo que crees que las afirmaciones que haces contra una institución son fundamentadas. No estoy segura de que eso haya sucedido siempre", agregó. 

La actriz española Sofía Otero, de ocho años, se ha alzado con el Oso de Plata a Mejor interpretación protagonista en la 73 edición de la Berlinale por 20.000 especies de abejas, ópera prima de la directora alavesa Estíbaliz Urresola, según informa Europa Press. Se trata del debut de Otero, que ha recogido el premio entre lágrimas en la gala de los premios oficiales del jurado internacional, presidido por la actriz Kristen Stewart y en el que se encuentra también la española Carla Simón.

"Gracias al jurado por concederme este premio tan especial para mí", ha dicho la intérprete, quien ha agradecido el galardón al equipo de la cinta y a su familia.

Otero encarna a una niña trans de ocho años que se traslada junto a su familia de Bayona (Francia) a un pueblo del País Vasco español para visitar a su familia materna. Allí se enfrentará a las miradas de adultos que solo la reconocen con su nombre e identidad de niño, Aitor.

La directora de la cinta explicó, en una entrevista con Europa Press, que la historia de 20.000 especies de abejas surgió a partir de un suceso que conmocionó a la sociedad, especialmente al País Vasco, puesto que un niño trans se quitó la vida en 2018. "No he querido contar su historia pero sí me aferré a una carta que dejó escrita, donde evocaba con mucha esperanza que esa decisión suya nos llevara a un horizonte donde los que vinieran detrás de él tuvieran menos disputas de las que él tuvo", relató Urresola, que ha competido con esta cinta en la Sección Oficial del festival.

El presidente del Gobierno, Pedro Sánchez, y el ministro de Cultura y Deporte, Miquel Iceta, han dado la enhorabuena a Sofía Otero por su galardón. "Talento y mucho futuro en el cine español", ha celebrado el líder del Ejecutivo. El Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA) ha destacado el "momento dulce" del cine español en la Berlinale tras la victoria el año pasado de Carla Simón con Alcarràs.

El Oso de Oro de la competición ha sido para el documental Sur l'adamant, del francés Nicolas Philibert, mientras el Oso de Plata ha recaído en Afire, del alemán Christian Petzold, quien ha dedicado su premio al cineasta Carlos Saura.

Por otro lado, el cine español ha sido reconocido en la Berlinale también con el Premio Especial del Jurado de la sección Encounters. Paul B. Preciado y Lois Patiño comparten el galardón por sus propuestas Orlando, my political biography y Samsara, respectivamente.

El cine gallego tendrá un papel protagonista durante el Festival de Berlín , que ha arrancado este jueves. A concurso compiten dos largometrajes, Matria y Sica, rodados en gallego y que también tienen un papel femenino indiscutible en las historias que cuentan. Matria, de Álvaro Gago, compite en la sección Panorama y tuvo su estreno mundial este viernes en Berlín. Por su parte, Sica, de la directora Carla Subirana, ha sido seleccionada para la sección Generación del festival .

Galicia incrementa así la proyección internacional que ya alcanzó otros años en la Berlinale gracias a realizaciones como Lois Patiño, que en 2020 estrenó a nivel internacional Lúa Vermella en el propio Festival de Berlín, dentro de la sección Fórum, o como Diana Toucedo y su cinta Trinta Lumes, entre otros. Sin embargo, hasta ahora nunca habían coincidido dos películas rodadas en gallego en una misma edición del Festival de Cine de Berlín.

Este viernes en la Haus der Berliner Festspiele, durante el segundo día de festival, se estrenó Matria. La película está basada en el personaje principal del cortometraje homónimo que llevó a Álvaro Gago a recibir numerosos reconocimientos a nivel nacional e internacional, como el Gran Premio del Jurado en el Festival de Sundance en 2018 o su selección como finalista del Premio Goya como Mejor Cortometraje de Ficción en 2019.

Matria tendrá otros siete pases en Berlín hasta el 25 de febrero, que precederán a su estreno en las salas comerciales el próximo 24 de marzo, cuando podrá verse en los cines de toda Galicia. Se trata de un drama social protagonizado por María Vázquez y en el que también participan Soraya Luaces, Santi Prego, Eduardo R. Cunha Tatán, Susana Sampedro y Francisca Iglesias, la protagonista del corto y de la historia real en la que se inspira la película.

Rodada en gallego en diferentes localizaciones del Salnés y Pontevedra, Matria está producida por Matruska Producciones, Avalon PC, Elastica Films, Ringo Media y Felicidad La Película, AIE. Cuenta con financiación del ICAA (Ministerio de Cultura) y de Agadic (Xunta de Galicia), con la participación de Televisión de Galicia, Movistar y The Screen, y con la colaboración de la Diputación de Pontevedra y del Ayuntamiento de Pontevedra.

Por su parte, Sica podrá verse en Berlín a partir de este domingo 19, en lo que también es su estreno mundial. Además, contará con otros cinco pases en el festival. Posteriormente, la película llegará a los cines el 19 de mayo . 

La película cuenta la historia de la búsqueda que lleva a cabo una niña de 14 años (Sica), obsesionada con que el mar devuelva el cuerpo de su padre tras un naufragio. Sica investiga las circunstancias del accidente y se adentra en un doloroso viaje de descubrimiento. 

Sica está rodada íntegramente en la Costa da Morte y está protagonizada por actores y actrices no profesionales, procedentes de las localidades de los alrededores, que hablan gallego en la película. La protagonista, de hecho, es una niña de Cabana de Bergantiños de 13 años, Thais García Blanco, a la que acompañan otros vecinos de la zona, como Marco Antonio Florido Añón y María Villaverde Ameijeiras. Además, el reparto incluye intérpretes profesionales, como Lois Soaxe y Núria Prims.

Este es el tercer largometraje de la catalana Carla Subirana, que conoció la Costa da Morte en 2016 en un viaje para hacer el Camino de los Faros. 

Lo más destacado de la presencia gallega en la Berlinale se puede leer en VINTE, que está cubriendo el festival sobre el terreno.

Aquí puedes leer el texto original en gallego.

La película Alcarràs, de la directora catalana Carla Simón, ha ganado este miércoles el Oso de Oro que reconoce a la mejor película en el Festival de cine de Berlín (Alemania), la Berlinale.

Alcarràs, producción de Avalon P.C., Elastica Films, Vilaüt Films y Alcarràs Film AIE, en coproducción con Kino Produzioni, supone el segundo largometraje de Carla Simón tras su ópera prima 'Verano 1993', que también se pudo ver en el festival alemán.

En su nuevo filme, la directora catalana regresa a las zonas ruales para relatar, con actores no profesionales, la vida de los Solé, una familia agrícola de Lleida.

El jurado oficial está formado por M. Night Shaymalan, Karim Aïnouz, Saïd Ben Saïd, Anne Zohra Berrached, Tsitsi Dangarembga, Ryusuke Hamaguchi y Connie Nielsen.

El presidente del Gobierno, Pedro Sánchez, ha felicitado a la cineasta catalana a través de su cuenta de Twitter.

Las dos únicas películas iberoamericanas seleccionadas para la competencia de la 68 Berlinale demostraron sus valores, al ser ambas reconocidas en el palmarés: la primera producción paraguaya que concursaba en la historia del certamen alemán, Las herederas, de Marcelo Martinessi, ganó el premio Alfred Bauer a la cinta más innovadora, instituido en memoria del fundador del festival de cine berlinés; su protagonista, Ana Brun, fue reconocida como mejor actriz, y además obtuvo el no oficial Premio de la Crítica (Fipresci). Por su parte, la mexicana Museo, de Alonso Ruizpalacios, obtuvo el galardón al mejor guion. Lo coescribió el propio realizador junto a Manuel Alcalá. El Oso de Oro, por su parte, fue a parar a Touch Me Not, de la rumana Adina Pintilie.

Las recompensas al cine iberoamericano, ampliamente representado en las diversas secciones, no quedaron ahí. La peruana Retablo, de Álvaro Delgado Aparicio, logró el galardón Teddy L'Oréal Paris a la mejor opera prima de temática gay, y una mención del jurado joven de la sección Generation 14Plus. Por su parte, el brasileño Ex Pajé, de Luiz Bolognesi recibió una mención especial del jurado del premio al mejor documental-Glashütte Original.

Otro documental, el argentino-española Teatro de guerra, de Lola Arias, ganó el premio ecuménico en la sección Forum y el de la Federación Internacional de Cines de Arte y Ensayo, que en la sección panorama galardonó a la brasileña Tinta Bruta, de Marcio Reolon y Filipe Matzembacher, que además se hizo con el Teddy Bear, premio al mejor film de temática gay. En el apartado documental de este mismo premio, ganó otra cinta brasileña, Bixa Travesty, de Claudia Priscilla y Kiko Goifman.

Otras recompensas de jurados paralelos correspondieron al documental hispano-estadouninse El silencio de los otros / The Silence of Others, de Almudena Carracedo y Robert Bahar, que se hizo con el premio de la Paz y el premio del público en la sección Panorama.

Volviendo al palmarés oficial, el premio a la mejor dirección correspondió al estadounidense Wes Anderson por Isle of Dogs Isle of DogsIsle of Dogs, el del mejor actor a Anthony Bajon, por La prièreLa prière, el Oso de Plata-Gran Premio Especial del Jurado a Twarz, de Małgorzata Szumowska, y el de la contribución artística a Elena Okopnaya, por el vestuario y diseño de producción de la película rusa Dovlatov.

Las herederas, que se proyectó al inicio del festival, es la opera prima de Martinessi, y refleja el peso de la historia y la presión social en el país suramericano como consecuencia de su última dictadura militar. Por su parte, Museo toma como inspiración el robo real que dos jóvenes estudiantes de clase media llevaron a cabo en el Museo Antropológico de México en 1985, pero con notables libertades en la adaptación. Ambas películas vivieron sus estrenos mundiales en la Berlinale, y sus respectivos realizadores tuvieron previa relación con el certamen de la capital alemana, ya que Ruizpalacios, con Güeros, fue galardonado como autor de la mejor opera prima del festival, hace cuatro años; mientras que Martinessi recibió apoyo del World Cinema del propio certamen alemán (50.000 euros) para poder rodar su película.

Pese a sus notables libertades a la hora de contar en Museo, segunda y última película iberoamericana en optar este año a los Osos de Oro y Plata de la BerlinaleBerlinale, el robo real de piezas mayas del Museo de Antropología acaecido en los años 80, en un guiño al tema, la producción mexicana se autocalifica de "réplica". Que el espectador se crea que lo que va a ver durante más de dos horas corresponde a los hechos acaecidos en el peculiar robo que sacudió al país al poco del seismo del 85 demuestra mucha fe. La segunda película del también actor Alonso Ruizpalacios, presentada en el mismo certamen donde triunfó con Güeros, recibió aplausos, y contó con adeptos, pero no convenció a otros.

Lo que más puede molestar de Museo es su irregularidad, ya que a diálogos brillantes se suceden escenas totalmente prescindibles que no hacen avanzar para nada a una película en la que a Ruizpalacios parece interesarle bastante menos el robo que el antes y el después, sobre todo el después, del golpe que -por razones desconocidas (y tampoco explicadas muy bien en la película)- dieron dos jóvenes estudiantes de clase media en el museo de Antropología.

La historia de sus dos protagonistas, la verdadera, es una excusa para que el cineasta mexicano ajuste cuentas con su propia vida, su generación y un poco su país. Así, Ruizpalacios cambia el desenlace del robo y probablemente también las relaciones familiares de los jóvenes ladrones, basando al personaje del padre de Juan (Gael García Bernal) en su propio padre (de Ruizpalacios), médico.

García Bernal y su compañero y amigo, Leonardo Ortizgris, aportan credibilidad y oficio, intentando humanizar a unos personajes que parecen perdidos en algún planeta del que ignoraran hasta el nombre. Abandonen toda esperanza de suspense los amantes de famosas películas de arriesgados y sofisticados robos, aquí apenas existe. Unas pocas pinceladas visuales sirven para mostrarnos que van al museo y roban las piezas, y aún menos se dedica a explicar cómo planificaron el golpe (aunque en los diálogos se asegura que lo hicieron). A Ruizpalacios parecen interesarle mucho más las chanzas familiares previas a la cena de la Nochebuena en casa de Juan/Gael, misma en que se perpetrará el robo que cuales son sus planes delictivos.

Todo parece improvisado, aunque nos digan que no fue así, y seguirá siéndolo después, cuando se dirijan a Palenque y Acapulco con la intención de colocar en el mercado negro unas piezas arqueológicas tan valiosas como invendibles.

En ese "postgolpe" se desarrolla buena parte del metraje, momento en el que aparece el innecesario personaje de la argentina Leticia Brédice, una vedette en decadencia que parece simplemente dar pie a algunos momentos de exhibición erótica absolutamente prescindibles. Esto y la prolongación excesiva de otras escenas ponen la película en esas excesivas dos horas largas. Es evidente que en cine no es necesario explicarlo todo, pero tampoco se debería caer en contar detalles accesorios y obviar puntos troncales de la historia.

El balance final es que un suceso real que en otras manos podría haber resultado curioso, convincente o al menos entretenido resulte una mera excusa para dibujar a una generación perdida, sin muchas luces ni ideas, y torpe, aunque bien intencionada, eso sí. Da la sensación por lo leído sobre los hechos auténticos que éstos debieron ser no sólo diferentes, sino claramente mejores.

La cineasta catalana Meritxell Colell coincidió con otra catalana, Isabel Coixet, en esta edición de la Berlinale que entregará sus premios el sábado. Sin embargo, frente a la ya estrenada La libreria, la cinta de Colell, Con el viento, debuta mundialmente en la sección Forum, donde se proyectan las películas más experimentales y rompedoras del certamen de la capital alemana. Como "una búsqueda de la verdad" define la cineasta su film en una entrevista exclusiva que mantuvo con NOTICINE.com.

PREGUNTA: ¿Qué diría que es Con el viento?Con el viento

RESPUESTA: Es la historia de Mónica García, una coreógrafa de danza contemporánea que tiene que volver a su pueblo tras la muerte de su padre, y la película se centra en la relación entre madre e hija durante seis meses, que es el tiempo que le pide la madre que se quede hasta vender la casa. Se trata de una película sobre el retorno a los orígenes, sobre la necesidad a volver a estar cerca de la familia para reconciliarse un poco con uno mismo.

P: Se ha dicho que su película, que cuenta con actores y sobre todo actrices no profesionales, está próxima al documental...

R: Es una película que nace de un impulso personal, que era retratar el pueblo de mi familia materna. De hecho, hemos rodado en el pueblo de mis abuelos y quería como mostrar esa vida que desaparece con una generación, y por eso era muy importante también que toda la gente que apareciera en la película fuera del lugar, no tener actores interpretando papeles, sino buscar la realidad de la gente de ese lugar y su singularidad. Por eso pensamos en contar con las protagonistas, que fueran por un lado Mónica García, que es coreógrafa en la vida real, y por otro lado con Concha Canal, que hace el papel de Pilar. Yo siempre digo que no es una película autobiográfica pero sí que está basada en emociones reales, tanto mías como de las protagonistas, y eso creo que es lo que tu decías que es una película que roza el documental, tiene mucho que ver con eso con una búsqueda de la verdad, tanto en cómo se retrata el espacio como la manera en que las actrices conectan con los personajes.

P: Unas actrices que en realidad no lo son... o al menos no profesionales...

R: Justamente si hay algo bello en la película es que casi lo que se buscaba era que no actuaran, por eso era muy importante que las actrices compartieran muchas cosas de su vida real con los personajes, entonces trabajábamos mucho desde quien eran ellas, que surgiera una verdad propia, que tu estuvieras viendo la película y no tuvieras claro si estás viendo a la actriz o al personaje. En esos momentos en los que se da, es muy bonito, porque hay una verdad y una espontaneidad que cuesta encontrar en un actor profesional. Hay grandes actores profesionales pero justamente lo que dices, el hecho de no tener técnica también le da a la interpretación cierta ingenuidad y espontaneidad, hay algo de intuición respecto a cómo se abordan las emociones y como se transmiten. Trabajábamos sin guión. Había un guión escrito, pero ellas no lo tenían, entonces trabajábamos mucho sobre situaciones. Era muy importante esto de dialogar mucho con ellas sobre el personaje, y sobre la familia creamos una memoria de familia, ensayando escenas que no iban a salir nunca en la película. Gracias a eso, compartían recuerdos vivencias experiencias y al llegar al momento de rodar la escena en cuestión reaccionaban tal y como reaccionaban los personajes que yo tenía escritos en el guion, y me parecía muy importante que ellas llegasen a lo que estaba escrito, pero con sus propias palabras y con sus propios mecanismos.

P: O sea, que seguían inconscientemente un guión que no habían ni leído...

R: Es muy bonito como muchísimas veces coincidía, y otras no, pero lo que pasaba ahí era muy mágico. Yo tenía que hacer el ejercicio de despegarme de lo que estaba escrito y darme cuenta que a veces era mucho mejor donde habían llegado ellas que lo que yo tenía escrito. Hemos trabajado mucho con dialogo, sobre todo con Mónica García, que es una actriz maravillosa. Al ver la película te das cuenta que no será una actriz profesional, pero su trabajo como intérprete en el mundo de las escénicas le da una presencia brutal y un dominio del cuerpo y de sus emociones muy fuerte.

P: ¿Cómo fue el camino de su película hasta Berlín?R:

Ha sido un camino realmente muy largo, un proceso de aprendizaje donde la película y yo nos hemos tenido que encontrar la una a la otra, justamente porque parte de un lugar muy personal y digamos que empezó a tomar forma en 2014, cuando conocí a Mónica García, y ese momento que dices: "Aquí hay la película junto a ella", y ha sido un viaje largo junto a productores y un equipo muy implicado y muy apasionado. Fue un rodaje, siempre decíamos que aspiraba a recuperar esa idea del neorrealismo, de decir, vamos a rodar mucho tiempo, nos vamos a dar tiempo para hacer las cosas pero con un equipo muy pequeño, muy íntimo. Hay que pensar que filmábamos en una aldea de seis habitantes y entonces no podíamos ir con el despliegue de un gran rodaje. Eramos siete. Entonces, ha sido como todo un proceso muy familiar en el buen sentido de la palabra, muy íntimo, y hora poder estrenar en Berlín es un lujo y la verdad es que está yendo muy bien.

P: ¿En qué lo ha notado?R:

Las reacciones están siendo muy muy buenas. Hemos tenido dos proyecciones, con la sala llena y preguntas y respuestas después que han sido un éxito absoluto. Es muy bonito también ver la diversidad de puntos de vista, cómo cada uno ve la película desde un lugar muy distinto. Hablábamos de que es una película sobre lazos familiares, sobre el retorno a los orígenes, también es una película sobre la despoblación en España y una pérdida de la generación entonces es como que cada tipo de espectador puede conectar con cosas muy distintas.

P: También es una película muy femenina...R:

Es femenina porque está protagonizada por cuatro mujeres, dirigida por una mujer y hay gran parte del equipo que es femenino y lo es también porque se centra en la relación madre-hija. No es que sea conscientemente femenina en un sentido político del término, sólo que me parecía muy interesante explorar esta relación madre-hija cuando se está hablando de volver a los orígenes. Al final, volver a los orígenes es la tierra, es la casa, es la madre.

La actriz y cineasta argentina Mónica Lairana, ganadora hace dos años del Cóndor de Plata a la mejor actriz de reparto por El Patrón, radiografía de un crimen, presentó esta semana en la Berlinale su opera prima como realizadora de largometrajes, La cama, un drama de pareja marcada por el desamor y la separación, pero que huye de cualquier tragedia. Noticine habló con ella.

PREGUNTA: La de La cama es una despedida casi vivida en tiempo real...La cama

RESPUESTA: Sí, cuenta la historia de Jorge y Mabel, un matrimonio de 60 años de edad que ha tomado la decisión de separarse. La película aborda sus últimas 24 horas de convivencia, que comparten dentro de la casa familiar donde han vivido toda la vida, mientras desarman la casa, dividen todas las pertenencias y, de alguna manera, se van despidiendo.

P:  ¿Con qué punto de partida construyó esta historia?

R: Creo que para mí la prioridad a la hora de pensar la película fue abordar la relación de ellos, poner el foco en una pareja que, más allá de la decisión de separarse, ha sido una pareja armoniosa y pueden estar transitando esta separación de una manera dolorosa, pero amable. Me interesaba mostrar una separación de pareja sin caer en el lugar común de las discusiones, de la crisis, de la violencia... Me interesaba hablar, justamente, de todo lo contrario, de la posibilidad de separarse de un vínculo de muchos años de una manera amorosa también.

P: ¿Por qué se decantó por la separación de una pareja mayor en edad a usted y no buscó algo más... generacional?

R: En realidad, elegí una pareja de una generación más grande que la mía pero esta película parte de una experiencia personal. Surge a partir de que yo me separé después de estar ocho años en pareja, y la verdad es que sentí un dolor muy profundo, como no había sentido antes, y eso me hizo pensar cómo de doloroso podía llegar a ser para una pareja que se estaba separando después de muchos más años. Entonces, cuando empecé a pensar en esta película me pareció que era interesante plantearlo desde ese lugar, desde una pareja que se está separando después de una vida entera construida juntos, después de haber tenido hijos y haber compartido 30 o 40 años, para, justamente, profundizar más en esa sensación de desgarramiento que yo ya sentía al separarme después de apenas ocho años.

P: No deja de ser paradójico que desde niños nos metan en la cabeza la idea de la pareja para toda la vida cuando estadísticamente está demostrado que los matrimonios o las parejas, en su mayor parte, no suelen durar...

R: Creo que son cuestiones culturales muy arraigadas y que lo interesante sería plantearse que las relaciones se transforman. Todo se transforma, es decir, nosotros nos transformamos, todo el tiempo todo se transforma, y creo que además si nosotros nos tomáramos las relaciones, incluso las de pareja, de esa manera, nunca nada se sentiría como un fracaso, si una relación se termina uno entendería que es parte de un proceso, que esa relación podría transformarse en otra cosa, en una amistad o en otro tipo de vínculo, todo sería mucho más feliz. Así como está planteado, a veces desde lo cultural o lo religioso, se vive mal, se vive con frustración. La película creo que, también en ese sentido, deja claro que esa pareja se está separando con dolor, porque después de estar muchos años con alguien hay un dolor por terminar con ese vínculo, pero también plantea la idea de que ellos van a seguir teniendo algún tipo de vínculo, de que el afecto no se pierde, digamos que esa relación se está transformando en otra cosa. Y eso es lo que creo que debería ser para todos, porque sería muchísimo más sano.

P:  ¿Ese podría ser el mensaje que usted quería transmitir con la película?

R: Si hay algo que a mí me interesaría de la película, por un lado, es la idea de que más allá de la razón por la que uno decide terminar una relación, esa culminación puede ser de una manera cálida y amorosa. Creo que eso es lo que más me interesa, que el valor humano, el valor de respetar al otro como persona y al afecto que se ha tenido durante tantos años, no se pierda. A mí me angustia, me desespera mucho, cuando veo que parejas que se han querido durante muchos años terminan casi convertidos en enemigos en situaciones de maltrato y mucha violencia... No lo puedo comprender y creo que hay otras maneras de separarse. También, que es una decisión muy difícil y que uno tiene que preguntarse con profundidad si vale la pena, si no vale la pena, qué significa, y a determinada edad, separarse del otro. Creo que no es una cosa que puede ser tan liviana para tomársela a la ligera, teniendo en cuenta, también, el dolor que puedes generar al otro. Eso era más o menos lo que me interesaba transmitir con la película".

P: Su búsqueda de la intimidad de esa pareja madura lleva a los desnudos y al sexo. ¿Hay un tabú en el cine y en la vida hacia el erotismo en las personas maduras?

R: Absolutamente. Yo soy una persona que me enoja mucho la idea de que a partir de determinada edad los cuerpos pasan a ser merecedores de que los tapen. Siento que culturalmente se empieza a despreciar a los cuerpos a partir de determinada edad y yo no tengo para nada esa mirada. Para mí, un cuerpo con signos del paso del tiempo es belleza, es justamente la vida frente a nosotros. No puedo entender cómo se los desprecia, esa es la palabra realmente. Es un bombardeo constante de que los cuerpos a partir de determinada edad ya no son lindos ni sexuales, uno ya no debería mostrarlos. Es muy dañino, estoy muy en contra y en todos mis trabajos, incluso en los cortometrajes, siempre muestro los cuerpos desnudos de gente mayor porque para mí tienen una belleza gigante y me da pena que no todos lo puedan ver. Por supuesto que yo lo hago conscientemente, me parece que es muy cruel tener esa mirada de solamente enaltecer la juventud y los cuerpos jóvenes.

P: ¿Qué cree que le ayudó más a poder dirigir su primera película, su previa experiencia como actriz o los cortos que dirigió?

R: Creo que el hecho de dirigir cortos, la experiencia de filmar previamente mis cortometrajes, me hizo ganar seguridad, me hizo entender el funcionamiento del quehacer cinematográfico, de la construcción en grupo, del trabajo colectivo. Yo tenía un aprendizaje hecho como actriz, porque había hecho bastante cine y eso fue mi escuela de alguna manera, pero hacer cortometrajes me ayudó a tener confianza, a entender cosas que no terminaba de entender, a experimentar, a tener un primer acercamiento a esta mirada que a mí me interesaba tener desde lo plástico, sobre los cuerpos, y de todas estas cosas que ya pude replicar en el largo. El hecho de ser actriz sí me colaboró, por supuesto, sobre todo en la dirección de los actores, ya que a la hora de comunicarme con ellos fue buenísimo tener el lenguaje del actor. Eso sin duda me ayudó, fue mi fácil para mí dirigirlos porque tenemos un lenguaje en común".

P: ¿Cómo se siente al debutar precisamente en la Berlinale?

R: Feliz, muy emocionada. Berlín es un festival muy importante, muy grande, y estoy segura de que va a ayudar a que la película tenga una mejor salida. Me siento honrada. Uno hace sus trabajos y nunca sabe si le van a interesar a alguien y cuando Berlín se interesó y nos hizo llegar la invitación ya lo sentí como un honor gigante. Una de las cosas que más me interesan es el intercambio con el público, pues es cuando realmente te das cuenta de si ha llegado a los espectadores lo que a uno le interesaba transmitir, y a diferencia de otros festivales más endogámicos, aquí hay público real.

Con una amplia experiencia como montadora, la cineasta española Diana Toucedo presenta en la 68 Berlinale, dentro de su apartado Panorama, su opera prima como realizadora, Trinta Lumes (Treinta fuegos), una mezcla de ficción, documental y misticismo en torno a la vida y la muerte, en el seno de una pequeña comunidad de la Galicia más profunda, en Lugo, y a través de una mirada infantil. Noticine.com habló con la realizadora.

Pregunta. Defíname Trinta Lumes en pocas palabras...Trinta Lumes 

Respuesta. Es una película que está entre el documental y la ficción, y lo que intento narrar es la historia de Alba, una niña de 12 años que intenta descubrir el mundo fascinante de la muerte, de los vivos también, pero los muertos, o sea, de todo aquello que está orbitando entre lo visible y lo no visible, ¿no?

P. ¿Cómo fue la trayectoria de este proyecto hasta llegar al estreno mundial en Berlín?

R. Bueno, es una película en la que llevamos casi seis años trabajando, ha sido un largo proceso, primero porque empezamos haciendo un proceso de investigación bastante largo, la idea fue ir a una comunidad muy pequeñita de la zona de Lugo, en el sur de Lugo, una región muy central de Galicia, y a partir de estar yendo casi dos años, tres años con gente de estos pueblos, conseguir una relación muy cercana con ellos, pasar muchas horas con ellos, pues a partir de ahí empezamos a grabar y bueno, la película fue un proceso muy largo de cocción casi, porque fuimos grabando de una forma como muy documental, muy de observación y de aproximación a diversos personajes, diversas situaciones, que lo que queríamos era luego en el montaje intentar encontrar cuál sería la historia final, y en ese proceso también nos demoramos un año y algo buscando la estructura final de la película, y bueno, es una forma que me gusta mucho trabajar así, que tienes una libertad enorme desde el montaje claro, yo tengo que decir que soy montadora, he trabajado mucho como montadora durante estos años, ya tengo 16 largometrajes editados, entonces me gusta tener mucho margen en la edición para poder volver a escribir el guion, ¿no?, pero esta vez con imágenes, entonces un poco mi aproximación desde la dirección a este proceso también era permitir ese espacio.

P. ¿Se hace raro presentar en Alemania una historia tan gallega como esta?

R. Era la primera vez que mostrábamos la película a una audiencia internacional. Esperaba que ese mundo rural, gallego, tan mágico incluso y con un paisaje tan espectacular llegara a esta audiencia, y creo que lo conseguimos.

P. ¿Sueña con un premio?

R. Sí... A ver, sería genial claro, siempre uno piensa que ganar un premio es excelente, pero para mí, aunque parezca un tópico, estar aquí ha sido el premio, porque eso es una película que es muy pequeñita, que la hemos hecho de una manera casi como muy artesanal, muy poco a poco, y poder estar en un festival tan grande como Berlín es la, bueno, un sueño cumplido y la mejor ventana para poder mostrar la película al mundo, así que a ver qué sucede, pero yo con esto ya estoy super contenta.

P. ¿De momento, cómo vive usted este festival?

Bueno, yo es la primera vez que vengo a la Berlinale, hacía mucho tiempo que quería venir, pero siento que también ahora mismo la línea de programación está siendo muy arriesgada, puedo decirlo incluso por dos películas que estamos aquí, españolas, Con el viento de Meritxell Colell, que además somos amigas, y la mía, son dos películas que intentan trabajar o mostrar una relación de la persona con su entorno desde un lugar como muy emocional, como muy físico, muy sensorial, ¿no?, y hacer trasladar ese viaje emocional que está viviendo el personaje al espectador, entonces siento también por otras cositas que he visto, que aún he tenido muy poco tiempo de ver películas en esta edición, siento que hay una apuesta fuerte por ese tipo de cine, más experiencial, más vivencial...

P. Estas son películas, en efecto, son ficciones pero entremezcladas con lo documental...

R. Sí, siento que estamos como en un terreno híbrido, que me parece muy muy interesante. A mí me gusta mucho trabajar ahí, primero porque no creo en las dos etiquetas como lugares, estancos, el documental como algo muy puro ni la ficción, y además también para mí era un lugar obvio o yo creo que necesario trabajar en él porque la película para mí supone una especie de cuestionamiento personal y cuestionamiento de la construcción de nuestra percepción, nuestra percepción con el mundo, nuestra percepción de los otros, que en el fondo yo creo que es lo que hace el cine, ¿no?: Cuestionarnos todo el rato nuestra forma de ver y entender al otro y al mundo, entonces, trabajar o pensar la película un poco en ese lugar híbrido, en ese lugar entre medio, creo que es el mejor lugar desde donde hacer este cuestionamiento.

El paraguayo Marcelo Martessini ha llevado al festival de cine de Berlín Las herederas, primera película del país suramericano en competir por el Oso de Oro. El largometraje ha debutado este viernes y, como todos los trabajos del cineasta, encuentra su principal inspiración en su país. "Siempre sentí que quería contar una historia de encierros. En Paraguay tenemos todavía ciertas manías y herencias que nos hacen sentirnos en una gran prisión", dijo el director durante la rueda de prensa que tuvo lugar tras la proyección y en la que fue acompañado de las actrices protagonistas, Ana Brun, Margarita Irún y Ana Ivanova, y el productor Sebastián Peña Escobar.

La situación del país iberoamericano es una de las principales motivaciones del realizador a la hora de crear nuevos proyectos. Así lo demuestra en otros de sus trabajos, como el corto La voz perdida, que fue premiado en el festival de Venecia. "Para mí fue muy fuerte lo que paso en Paraguay en 2012, un golpe de Estado que nos hizo retroceder a modelos que nosotros creíamos extintos. Eso de alguna manera le dio mucha más fuerza y mucha más razón a lo que quería narrar", compartía el realizador. Las Herederas", su primer largometraje, ofrece una nueva perspectiva de esa realidad a la que se enfrentan diariamente Martinessi y el elenco del film. "A partir de eso empecé a pensar en esta casa que es como una pequeña cárcel para una mujer y la cárcel verdadera, donde hay mucha más libertad", añadía.

La película, coproducida con países como Uruguay, Brasil y Alemania, nos presenta a Chela (Ana Brun) y Chiquita (Margarita Irún), dos mujeres de 60 años de la clase alta de Asunción cuyo mundo cambia para siempre tras la entrada en prisión de la segunda a causa de una deuda. Para superar sus problemas económicos, Chela se verá obligada a trabajar de taxista de mujeres adineradas y de esa forma conocerá a Angy (Ana Ivanova), una mujer más joven que terminará de poner su vida patas arriba y la obligará a enfrentarse a una nueva realidad.

En una edición de la Berlinale en la que reina el movimiento #MeToo en apoyo a las víctimas de acoso sexual, Martinessi presentó un reparto de mujeres que encarnan personajes fuertes y diferentes. "Hay tantas películas en el mundo en donde las mujeres son vistas como objetos, que me parecía importante trabajar por una vez con las mujeres y que los hombres fueran casi adicionales", comentaba.

Las propias actrices aseguraban que Las herederas constituye una forma de visibilización de todas aquellas mujeres que no cumplen con los cánones de un país conservador como el suyo. "Hay una violencia visible en la sociedad, pero hay también una violencia invisible. Angy trata de tapar con palabras esa violencia invisible que está dentro de cada uno y que es cultural", explicaba Ana Ivanova sobre su personaje.

"Mi vida en general ha sido muy parecida a la de Chela, me costó mucho conseguir mi libertad, pero terminé por romper la cadena, que es lo que tenemos que romper todas alguna vez", contaba una emocionada Ana Brun.

Sin embargo, lo que ellos mismos definen como un "régimen opresor" no solo afecta a la situación de la mujer, también a la propia industria del cine en Paraguay, pues como afirmaba Martinessi "hay una situación en toda la región bastante difícil para la cultura en general. Esta película se hizo gracias a Ibermedia (un programa de coproducción cinematográfica entre países), porque Paraguay no tiene fondos regulares de cine".

"A nivel de industria, obviamente que esta película va a ser un disparador muy importante para el cine paraguayo. El hecho de estar aquí ya lo dice todo", concluía Margarita Irún al respecto.

Wes Anderson, conocido director, guionista, actor y productor ha abierto este jueves el Festival Internacional de Cine de Berlín, la popular Berlinale, con la película de animación stop motion, repleta de voces estelares, Isla de perros. El cineasta estadounidense es un asiduo en la capital alemana, con varias participaciones durante años. “Vinimos la última vez con El gran Hotel Budapest, con mucha gente, así que esta es la cuarta vez que vengo si no me equivoco”, dijo Anderson, quien estuvo acompañado por una muy nutrida representación de su elenco de voces: Bryan Cranston, Jason Schwartzman, Bob Balaban, Liev Schreiber, Greta Gerwig, Bill Murray, Jeff Goldblum...

El estadounidense abrió la Berlinale con su Isla de perros, la cual se estrena mundialmente en el prestigioso festival europeo, un mes largo antes de llegar a salas norteamericanas. La cinta se verá desde el 20 de abril en España y en mayo en América Latina. Narra la aventura de un niño japonés que busca a su perro extraviado, en una ciudad amenazada por una peste canina, por lo que el alcalde toma la decisión de trasladar a todos los perros a una isla-vertedero a las afueras.

Sobre la invención de la historia Anderson declaró: "Empecé este proyecto con la idea de hacer una historia sobre unos perros abandonados en un basurero, pero también llevábamos años hablando sobre que queríamos hacer algo relacionado con Japón". En este sentido, el cineasta reconoció que Kurosawa "y sobre todo la animación de Hayao Miyazaki fueron la inspiración, particularmente por los silencios que dominan sus películas, algo insólito en la animación norteamericana".

Respecto a su espectacular elenco, Anderson aseguró: “Creo que la mayoría de los actores son o gente con la que he trabajado antes o he admirado durante años y en cierta manera pienso que este grupo de personas formaban ya parte de la primera lista que creamos sobre quien querríamos tener en la película. Lo que ocurre con las películas animadas y los actores que ponen sus voces es que no pueden decir que no están disponibles, porque podemos grabarles en cualquier lado y no hay excusas, así que eso ayuda”. Además de los ya citados y varios actores japoneses, también participaron Edward Norton, Scarlett Johansson, Tilda Swinton, Frances McDormand y Harvey Keitel.

No es la primera película de animación del realizador, ya con Fantástico Sr. Fox acumuló experiencia en el género, pero aun así surgieron complicaciones. “Creo que en cierto modo la mayoría de los retos son retos divertidos, el gran reto es ¿Podemos tener una buena historia? ¿Un buen guión? ¿Podemos hacer que funcione?”, aclaró.

“Con esta dijimos: necesitamos inventar la política de esta ciudad ficticia de Japón, pero después, como hemos estado trabajando en esta película por mucho tiempo, el mundo empezó a cambiar a nuestro alrededor y simplemente parecía buen momento, así que hubo momentos en los que encontramos inspiración para la película, y creemos que puede pasar en cualquier momento, en cualquier sitio”, añadió sobre el mensaje político de la película.

Cuando preguntaron al director sobre la construcción de su relato como un reflejo de la realidad, Anderson dijo: “No empezamos con la intención de reflejar nada, sino con los perros. Lo que hicimos fue plantearnos cómo vamos a hacer que esta historia de perros nos lleve a algún lado. Siento que cuando trabajas en un guion, no necesitas todo en la mente, vas recopilando cosas, buscando cómo va a ser la película. El reflejo va viniendo cuando se junta todo”.

No es la primera vez que muchos integrantes de la Tribu Anderson acudían al festival. Tilda Swinton bromeó en la rueda de prensa sobre sus diferentes participaciones en el festival: “Siento que he venido aquí de todas las maneras, menos de limpiadora”. Por su parte, Bill Murray añadió: “He venido varias veces pero esta es la más importante, esta es la que de verdad cuenta. Esta es grande, va a ser enorme...”.

Isla de perros ha representado, según las primeras impresiones tras el pase de prensa de este jueves, un buen arranque para la Berlinale.

El cine iberoamericano ha tenido doble recompensa en el palmarés oficial del Festival Internacional de Cine de Berlín, anunciado este sábado en el Berlinale Palast.

Por un lado, la chileno-hispano-germana Una mujer fantástica, de Sebastián Lelio, obtuvo el premio al mejor guión, que compartió el propio Lelio con Gonzalo Maza,  y el Teddy a la mejor cinta LGTB, y por otro lado, la española Verano 1993 / Estiu 1993 consiguió el galardón a la mejor opera prima (dotado con 50 000 euros), así como el del apartado Generation K-14, exaequo con el documental coreano Becoming Who I Was.

Esta 67ª edición del certamen germano tuvo ganadora de su Oso de Oro a la húngara Testről és lélekről (En cuerpo y alma), drama romántico de Ildikó Enyedi.

Pese a haber gustado cuando se proyectó al principio del festival, esta película no era la máxima favorita, título hipotético que le correspondía en mayor justicia a Aki Kaurismaki por Toivon tuolla puolen (La otra cara de la esperanza). El finlandés se tuvo que conformar con el premio al mejor director, en un palmarés muy repartido. La franco-africana Félicité, de Alain Gomis, logró el premio especial del jurado, y en la decisión más esperpéntica del jurado, Agnieszka Holland se adjudicó el Premio Alfred Bauer a la película "que abre nuevos horizontes al cine".

Los galardones interpretativos correspondieron a la actriz coreana Kim Minhee, por Bamui haebyun-eoseo honja (Sola en la playa de noche) y el austríaco Georg Friedrich, por la alemana Helle Nächte (Noches brillantes).

En declaraciones a Noticinie/infoLibre, Daniela Vega, protagonista de Una mujer fantástica dijo sentir que ahora están “más pendientes de continuar defendiendo el proyecto y mostrárselo al mundo", mientras que Clara Simón, directora y guionista de Verano 1993 confesó que no esperaba la doble recompensa y que además de esto, se llevará "la experiencia en la première de la película. Fue muy bonita porque estábamos mucha gente del equipo y las niñas aún no habían visto la película. Fue aquí donde la vieron por primera vez y fue como una celebración, porque terminamos la película hace muy poco y aún no habíamos tenido tiempo de compartir ese momento de verlo en la gran pantalla con todo el equipo, fue bonito".

Una mujer fantástica sigue la historia de Marina, cantante, camarera y transgénero, cuya relación con un hombre maduro se trunca por su inesperada muerte, sin que la familia de él quiera permitirle siquiera despedirse.

Por su parte, la cinta catalana de Simón, basada en su propia infancia, narra la llegada al campo de una niña de seis años, que tras la muerte de su madre es acogida por su familia. Su director, Sebastián Lelio, regresó a Berlín tras pasar los últimos días en Londres, donde está terminando su primer film en inglés con elenco internacional, Disobedience.

La ganadora del Oso de Oro, Testről és lélekről, es una historia de amor sobre dos personas que se enamoran en un escenario tan peculiar como un gran matadero industrial. Ella, solitaria y soñadora, es una mujer aún joven que acaba de entrar a trabajar como controladora de calidad, él un hombre maduro que dirige la empresa. Cuando después de tímidos intentos de relacionarse, por fin lo hacen, descubrirán que son casi almas gemelas. Incluso sueñan en lo mismo. ¿Por qué no hacerlo realidad?

Fuera del apartado oficial, aparte de Verano 1993, también se reconoció a la cinta de la brasileña Lucia Murat Pendular, con el premio de la crítica (Fipresci) del apartado Panorama, y el premio de la Paz, concedido por Amnistía Internacional, fue para el documental mexicano La libertad del diablo, de Everardo González.

El jurado del premio Teddy, al mejor film de temática LGTB, consideró por su parte ganadora a la chilena Una mujer fantástica.

Entre los cortos, dos consiguieron recompensas: el portugués Cidade Pequena, de Diogo Costa Amarante, se hizo con el Oso de

Silver Bear Jury Prize (Short Film) y el mexicano Ensueño en la pradera, corto documental, de Esteban Arrangoiz Julien, el Oso de Plata.

  PALMARÉS

  Oso de Oro - Mejor Película

Testről és lélekről, de Ildiko Enyedi

Oso de Plata - Premio Especial del Jurado

Félicité, de Alain Gomis

Oso de Plata - Premio Alfred Bauer

Pokot, de Agnieszka Holland

Oso de Plata - Mejor Director

Aki Kaursimaki, por Toivon tuolla puolen

Oso de Plata - Mejor Actriz

Min-hee Kim, por Bamui haebyun-eoseo honja

Oso de Plata - Mejor Actor

Georg Friedrich, por Helle Nächte

Oso de Plata - Mejor Guión

Sebastian Lelio y Gonzalo Maza, por Una mujer fantástica

Oso de Plata - Mejor contribución artística

Dana Bunescu, editora de Ana, Mon Amour

Mejor documental:

Ghost Hunting

Mejor Opera Prima:

Verano 1993 / Estiu 1993

Premio Teddy al mejor film de temática LGTB

Una mujer fantástica

Oso de Oro al mejor corto:

Cidade Pequena

Oso de Plata - Premio del Jurado al corto:

Ensueño en la pradera

La diversidad que ha incluido este año la sección competitiva de la Berlinale se ha mantenido hasta el final, con una despedida en forma de melodrama romántico-psicoanalítico rumano, Ana, mon amour, de Călin Peter Netzer, y la cinta china, Hao ji le, de Liu Jian, de animación, en tono de pretendida comedia negra. El festival cierra oficialmente sus puertas este sábado con el anuncio del palmarés por parte de un jurado que incluye al actor y director mexicano Diego Luna.

Ana, mon amour ha sido lo más atractivo de esta recta final del concurso por los Osos. Su director y coguionista, Călin Peter Netzer, ya se llevó el de oro hace cuatro años en este mismo certamen, con Poziția Copilului, así que habrá que tenerle en cuenta para el palmarés que conoceremos a última hora de la tarde de este sábado.

En su nuevo trabajo trata de narrar de forma no lineal la relación sentimental entre dos jóvenes que se conocen en la universidad, que se ve condicionada por problemas mentales de ella, ataques de pánico tal vez consecuencia de traumas familiares, los cuales inciden, por muy buena voluntad que ponga él, en la estabilidad de la pareja.

Los actores protagonistas, Mircea Postelnicu y Diana Cavallioti, ponen toda la carne en el asador para dar credibilidad al melodrama, cuyo esquema dramático con idas y venidas en el tiempo, un poco al estilo Guillermo Arriaga, obliga al espectador a hacer un esfuerzo suplementario. Si a ello se añaden muchas reflexiones sobre psicoanálisis, puede sospecharse que no estamos ante dos horas del cine más comercial y fácil de ver.

Y la dificultad es mucho mayor en la otra película de despedida, Hao ji le, comedia negra mal dibujada, con animación torpe, aunque cierto toque underground que puede caer simpático a algunos. Liu Jian, director, guionista y animador narra una pugna por hacerse con una alta cantidad de dinero por parte de varios personajes de diferentes estratos sociales en medio de una sociedad esquizofrénica en la que la ambición desescrupulosa del peor capitalismo convive con un régimen que presume de ser socialista.

Siempre es discutible que se ponga a competir con films tradicionales, de ficción, a documentales o animaciones. Este año hemos tenido uno de cada, y sobre todo en el caso de esta cinta animada la elección admitiría muchos peros.

La única película en español de la competencia de este año, Una mujer fantástica, de Sebastián Lelio, está definitivamente entre las favoritas, al lado de cintas de Aki Kaurismaki (Toivon toulla puolen), Hong Sangsoo (Bamui haebyun-eoseo honja) o Ildiko Enyedi (A Testről és lélekről).

Si nos fiamos de las votaciones de varios críticos de medios internacionales en una parrilla que publica Screen Daily, podríamos decir que la que más ha gustado ha sido la comedia humanista de Kaurismaki sobre un refugiado de la guerra de Siria y sus tribulaciones en Escandinavia. Premiarla estaría en el terreno de la políticamente correcto, además de justo, ya que el mensaje contra muros y fronteras y las peticiones de acogida a los refugiados han estado en boca de varios de los profesionales que han participado en el festival alemán este año.

La programación oficial de este miércoles en el Festival de Berlín nos regaló tres nuevos títulos, dos ibéricos, dos a concurso (no los mismos) y tres relacionados con crisis varias. Fuera de competición, el vasco Álex de la Iglesia regresa a un certamen donde siempre ha generado interés con el estreno mundial de El bar. Pese a encontrarnos a buena parte de la troupe que le ha acompañado en sus últimas comedias, el filme no pertenece a tal género, sinoque es un thriller con un planteamiento a lo Agatha Christie excesivamente desmadrado.thriller Para bien o para mal, esta vez no concursó. Quienes sí lo han hecho son el alemán Volker Schlöndorff, con el melodrama telenovelesco-intelectual Return to Montauk, y la portuguesa Teresa Villaverde, con Colo, crónica de la disgregación de una familia de clase media víctima de la crisis económica, narrada con absoluta parsimonia.

A Agatha Christie le encantaba poner a personajes aparentemente diversos en un escenario cerrado para enfrentarles a uno o varios crímenes. Eso mismo es lo que hace De la Iglesia, con la complicidad habitual de su coguionista Jorge Guerricaechevarría, en El bar, donde los ocupantes circunstanciales de un típico bar español, o madrileño para más detalle, quedan encerrados cuando asumen que quien sale del establecimiento acaba tiroteado. El tono esta vez no es de comedia, ni siquiera de comedia negra, pero la sensación de caos que por ejemplo presidió Mi gran noche o la parte final de Las brujas de Zugarramurdi vuelve a emerger, sólo que sin risas esta vez. Lo hace acompañado de algunos de sus habituales, como Mario Casas, Blanca Suárez, Carmen Machi o Secun de la Rosa. 

Cuando quien suscribe entrevistó al cineasta vizcaíno durante el estreno de esas dos cintas, este le aseguró que en los rodajes los desmadres están planificados al milímetro, y para nada son improvisados. Claro que sea cual sea el planteamiento, el espectador sí puede tener la sensación de que los autores de una película pierden un poco los papeles conforme nos acercamos al desenlace. Eso ocurrió en algunas de las previas cintas de De la Iglesia, y reaparece en El bar, pese a su impecable arranque.

Ya de lleno en la carrera por el Oso de Oro, el veterano cineasta alemán Volker Schlöndorff presentó Return to Montauk, un nuevo trabajo rodado en inglés, con elenco internacional y vocación exportable, que ha dividido a los críticos. Algunos, aceptando que su historia de un escritor suizo que de visita promocional en Nueva York solo piensa en reencontrarse con un amor de su juventud y reverdecer antiguos jardines no deja de ser un culebrón con ínfulas lujosas, han creído ver un nervio narrativo especial, pero otros han mostrado bastante menos entusiasmo.

Return to Montauk, protagonizado por el escandinavo Stellan Skarsgård —uno de los actores europeos que menos se han aburrido en los últimos años, dada su presencia en todo tipo de películas y series de diferentes nacionalidades– y la alemana Nina Hoss (Barbara, Yella), tiene bastante de culebrón para un público maduro y con ciertas ínfulas intelectuales. Su personaje central, el escritor suizo Max Zorn, llega a Nueva York en una gira para promocionar su última obra, pero su segunda intención es otra: buscar a una mujer a la que amó hace cerca de dos décadas atrás, y cuyo recuerdo ha ido enriqueciéndose a lo largo de los años, a pesar de su profusa vida sentimental.

Max, pese al ramalazo romántico, sigue siendo un tipo bastante infiel. De hecho, está casado con una mujer más joven que él, ya en sus sexta década, que a la sazón también está en Nueva York. Eso no le frena a la hora de aceptar la invitación de su antiguo amor, una abogada muy bien situada profesionalmente pero no tan agraciada en sus asuntos personales, a acompañarla a ver una casa en la playa que está considerando adquirir. Lo peor de Return to Montauk es su absoluta irregularidad, desde una banda sonora obvia hasta el sonrojo en la acentuación del romanticismo, a elementos mucho más interesantes, que cada cual deberá juzgar si salvan o no la película.

Otro de los pecados del filme germano-franco-irlandés, su relativa lentitud, se multiplica en la portuguesa Colo, donde Teresa Villaverde cuenta una historia de la crisis económica, la misma que ha inspirado varias cintas al otro lado de la frontera con España. Pero, a diferencia de los vecinos, Portugal sufrió un rescate que acentuó aún más los efectos de la debacle.

Los protagonistas de la cinta lusa son un padre en desempleo crónico, sin esperanzas ni perspectivas, que ha asumido su derrota vital; su mujer, la única en traer dinero a casa, a partir de labores duras y mal pagadas, y la hija de ambos, que tiene sus propias preocupaciones adolescentes. Villaverde emplea más de dos horas en contar lo que quizás podría desarrollarse en la mitad de tiempo, y no son estas épocas de espectadores pacientes.

© E.E. (Berlín)-NOTICINE.com

Mientras del otro lado del océano hay quien cierra fronteras y aeropuertos, en la Berlinale los cineastas van por el camino opuesto. Si el miembro del jurado Diego Luna, actor y director mexicano, quiso fotografiarse no casualmente ante un segmento aún intacto del muro que separó por casi tres décadas la ciudad, en la pantalla del Berlinale Palast el cineasta finlandés Aki Kaurismaki enfrentaba la intolerancia y el totalitarismo –nada más totalitario que igualar a las personas por su religión o su país de nacimiento–, con Toivon toulla puolen (que han traducido como La otra cara de la esperanza), una de sus inclasificables historias tan absurdas como reales, cargada de moralejas necesarias. En la misma jornada del martes Alemania volvió a concursar, esta vez de la mano de un documental sobre el artista y activista Joseph Beuys.

Inmigrantes y refugiados no son nuevos en el cine del menor de los Kaurismaki, cuya cinta previa presentada hace seis años en Cannes, El Havre, hablaba también de los inmigrantes o huidos del hambre, la pobreza y las guerras del Tercer Mundo que desesperan para cruzar el canal de la Mancha en busca del sueño británico. Ahora, en Toivon toulla puolen, se trata de un refugiado sirio al que acoge el propietario de un restaurante, antes viajante de comercio, que decidió invertir en el póker y así pudo comprar su negocio.

Khaled consigue llegar a Helsinki tras innumerables penalidades por el continente europeo y después de perder a su familia en la guerra civil de Siria. Solicita infructuosamente asilo político, pero al serle rechazado opta por vivir en la clandestinidad, durmiendo en la calle. Allí lo encuentra Wikström, el dueño del restaurante en cuyo exterior trasero ha pernoctado. Le da trabajo y techo, y junto a la camarera y a un perro igualmente recogido, conforman una peculiar familia en medio de una sociedad injusta.

Kaurismaki aborda el asunto sin el menor paternalismo. No pretende vender un país —el suyo, Finlandia— como la tierra de asilo que cualquier refugiado disfrutaría, llena de gente de gran corazón, porque también hay intolerantes fascistas entre sus conciudadanos, como en todas partes. En lo cinematográfico es fiel a sus ideas: ese estilo de comedia costumbrista seca, sin artificios, pero a la postre profundamente humana. Así lo han apreciado los espectadores de la Berlinale, con aplausos, en esta cinta tan actual como necesaria.

El otro filme del día ha sido un documental que concursa igualmente por los Osos en la estela de Cannes o Venecia, también permeables a un género que está de moda confrontar con la ficción. Beuys sigue la vida, la obra y el espirítu vanguardista del artista alemán Joseph Beuys. Controvertido y admirado en Alemania, fue el primer artista germano en exponer en el Guggenheim neoyorquino, pero no fue tan popular –fuera de los círculos artísticos– en el resto del orbe. Siempre es interesante aprender algo nuevo y, en ese sentido, el documental de Andres Veiel sobre el creador fallecido hace tres décadas puede tener cierto interés. Veiel pasó tres años recopilando material fílmico, videográfico y sonoro de uno de los fundadores del movimiento de Los Verdes en su país. Ponerlo a pelear con cintas de ficción, buenas o malas, sigue pareciéndonos injusto.