La actriz catalana Laia Manzanares es una de las caras más prometedoras del cine español. Su paso por la serie Merlí ha supuesto un antes y un después en la carrera de la joven actriz, que le ha abierto puertas para futuros proyectos, incluidas series y obras de teatro.

Es el caso de Talaré a los hombres de sobre la faz de la tierra, una obra dirigida por María Velasco y que se acaba de estrenar en Madrid: “La estrenamos aquí, en la Sala Cuarta Pared. Ya llevamos dos años intentando sacar adelante la obra. Hay algo que está muy arraigado en mí con este personaje y es que cada vez le descubro más matices y más capas”. Esta obra trata sobre la relación entre la violencia sexual y emocional en un escenario natural que pone en jaque el papel de la mujer en una sociedad violenta.

Laia confiesa que uno de sus personajes favoritos que le hubiese gustado interpretar se acerca mucho a la temática desarrollada en la obra. Se trata de la protagonista de la película Una joven prometedora, Cassie, interpretada por Carey Mulligan: “Es verdad que veo muchos papeles y digo guau, los haría encantada… pero mira, por ejemplo en esta película… me habría encantado hacer ese papel. Cuando la vi, dije: ‘Yo quiero hacer esta película’.”

No se aleja mucho del tipo de papel que le gusta trabajar a la actriz ya que son personajes femeninos que presentan a la mujer en posiciones de poder que reivindican derechos y justicia. “Al final tiene algo que ver con que el cine esté empezando a tener visiones femeninas y en esta película, concretamente, se trata de una mujer que se toma la venganza contra los abusadores por su propia mano”, recalca Laia. No es la primera actriz de El papel de mi vida que pone sobre la mesa el rol que asume la mujer dentro del mundo de la interpretación. Como en la caso de Maribel Verdú o Amparo Larrañaga.

Para la actriz, personajes como Cassie son muy necesarios: "Ver a alguien con una personalidad tan potente que es capaz de darle la vuelta también a las narrativas que ya tenemos de mujeres violadas o víctimas, pero que nunca acaban de expresar cómo se sienten. Y aquí, en cambio, la protagonista es la que ejerce este giro de violencia para tomar las riendas. Y hay algo ahí interesante, porque es un papel de una chica joven muy potente, con una historia dura detrás, que está reescribiendo su vida”. La joven catalana se caracteriza por ser una voz feminista referente para las nuevas generaciones al denunciar la violencia de género en redes y exigir derechos e igualdad.

Insiste la actriz en que le gusta trabajar con personajes a los que pueda aportar parte de su identidad y creencias, pero a la vez sabe reconocer cuando un papel no es correspondido: “Ojalá me hubieran cogido a mí para Una joven prometedora, porque también cuando no me cogen en algo, entiendo que es porque no soy yo quien tiene que contar esa historia, y eso no es malo.”

Laia Manzanares confiesa que siente admiración por Carey Mulligan. Su interpretación en Cassie le pareció “brutal”: “Tampoco me atrevo a compararme mucho, te puedo decir, es rubia como yo”, comenta entre risas, “al ser una chica joven, resulta más fácil proyectarme y empatizar con ella".

Pero, ¿qué personajes le atraen a Laia Manzanares? Papeles de mujeres fuertes con carácter e inteligentes que tengan un efecto social y trasfondo feminista. Puede ser que por ello nos recomiende ver Intimidad, una serie española de Netflix: “Me gustó muchísimo. También tiene algo que ver, otra vez, con las mujeres. Dando la palabra a las historias que hemos visto durante los últimos años”. “No llega a ser el mismo tema, pero sí trata del acoso y de lo fácil que es decir ‘mira esta mujer, qué mala es por estar desnuda en un vídeo’. Y el que le den la vuelta y le den la libertad de decir ‘yo soy libre de hacer lo que quiera y puedo salir en un vídeo íntimo follando, pero eso no quita nada el valor de quien soy.’” Hace bastante hincapié en el mensaje de valentía que no deja a la mujer como una víctima, sino como una figura de poder.

De sus últimos proyectos, la actriz reconoce que con el que más puntos de relación y similitudes puede compartir es el de Talaré a los hombres de sobre la faz de la tierra, en la Sala Teatro Cuarta Pared: “Y en realidad estoy siendo un poco monotemática porque todo lo que digo va en relación a la violencia contra las mujeres, pero en este caso también es lo mismo. Ya que habla de una mujer tomando su propia voz y contando su propia experiencia de violencia en un mundo como este. Y me quedo con este personaje de momento, porque es en el que ahora estoy transitando”.

Amparo Larrañaga lleva a sus espaldas media docena de películas, pero es en los escenarios donde se corona como una de las grandes de la interpretación de este país con 26 obras de teatro estrenadas hasta la fecha. O a punto de estrenar. En Laponia, que llevará al Teatro Maravillas, en Madrid, este 9 de septiembre, la actriz protagonizará una divertida comedia que califica como "un regalo" en su extensa carrera profesional. “Estoy feliz de interpretar a Mónica. Es como si Marc Angelet y Cristina Clemente, los autores de la obra, hubieran escrito esta joyita, divertida, inteligente y mágica, pensando en mí”.

Uno de sus sueños imposibles, confiesa, sería nada más y nada menos que aparecer en la serie Homeland: “A mí siempre me han apasionado los personajes complicados. De alto contraste. El personaje que Claire Danes interpretó impecablemente en Homeland, Carrie Mathison, es el de una mujer con trastorno bipolar que es agente de inteligencia y especialista en terrorismo. Es un personaje de gran complejidad. Transitar y lidiar entre la locura, la intuición, la inteligencia y el amor, hace que sus luchas internas sean terriblemente interesantes para mí desde el punto de vista de una actriz”.

No solo se imagina en la piel de Carrie Mathison, sino también en la de la doctora Mary Harris: “Otra serie, menos conocida, pero que a mí me fascinó, es Mary me mata. Me interesa el personaje de la doctora de urgencias que ayuda a enfermos terminales a morir. Es una oscura comedia dramática que interpretó de maravilla la actriz Caroline Dhavernas. Un personaje controvertido de alto riesgo y contraste que te puede caer bien o puedes odiar. Un personaje en busca de su propia redención. Maravilloso.” Pero estos dos no son los únicos papeles soñados. “Si me pongo a pensar… ¡Hay tantos! El personaje de la enfermera yonki de Vicodin, que Edie Falco interpretó en Nurse Jackie. O el personaje que Kim Cattrall interpretó en Sexo en Nueva York…”

La actriz madrileña también se atreve a desvelarnos en qué obras de teatro le hubiera gustado colarse como actriz. Por ejemplo El diario de Adán y Eva, en la adaptación que hicieron Miguel Ángel Solá y Blanca Oteiza. "Recuerdo haberla ido a ver con Maribel Verdú. Las dos lloramos, reímos, conectamos mucho con nuestras emociones y fuimos felices viendo ese pedazo de obra tan bien interpretada”.

¿Y en el cine? Amparo destaca por ser una actriz polifacética, sabe poner caras a mujeres muy distintas, desde la comedia al drama. “El papel más maravilloso del mundo” que le hubiese gustado interpretar es el que protagonizó Carol Lombard en el clásico Ser o no ser, de Ernst Lubitsch: “El personaje de María Tura lo hice yo en teatro. Pero lo que hizo Carol Lombard… Eso es imposible de superar. Me hubiera encantado hacerlo.”

La actriz cuenta que si tuviera que elegir algo más actual, algo español, sería el poder trabajar con un actor: “Te diré que hay uno al que admiro mucho y con el que me encantaría trabajar: Javier Gutiérrez. Cualquier serie, película o función de teatro que me ofrecieran para compartir con él me haría una tremenda ilusión. Le he visto todo lo que ha hecho y, sea comedia o drama, lo hace todo con una verdad que me llega mucho.”

A la hora de recomendarnos una serie o una película, Amparo aprovecha para invitarnos a ir al teatro. “Es difícil recomendar un título teniendo en cuenta las cosas a las que ahora tenemos tan fácil acceso. Todo el cine y las series en casa, a solo un toque de mando a distancia. Por eso yo recomiendo ir al teatro. Que vuelvan a disfrutar del directo. De la proximidad que te da. Moverse de casa y acercarse a cualquier espectáculo que te llame la atención.”

Sorprende que la actriz reconozca que los papeles con los que más ha disfrutado son precisamente los menos conocidos: “A los personajes que he hecho en mi vida los he querido. Curiosamente, los más complicados, los que más me han gustado a mí, son los que menos me ha visto la gente, porque han durado menos, o porque nunca vinieron a Madrid. Es el caso de Cómo aprendí a conducir, que trataba de un tema complicado, la pederastia en familia. El personaje, Lil Bit, era absolutamente maravilloso. Era una función de Paula Vogel que me encantó representar y que me hubiera gustado mucho hacerla en el cine en ese momento”.

Tampoco cree la intérprete que sea la mejor en todo. “Yo pienso que en esta profesión nadie puede decir que otro actor o actriz no puede aportar algo diferente o mejor de lo que tú has hecho con un personaje. No. Cada actor o actriz le puede aportar una energía y una verdad que, aunque diferente, sea igual de válida. O más. Soy muy humilde en esas cuestiones. Hay grandes actrices en este país, y claro que pueden aportar cosas maravillosas a personajes que yo he hecho y que a mí no se me ocurrieron. Estoy segura".

La Trinchera infinita (2019), El Reino (2018) o AzulOscuroCasiNegro (2006) son algunas de las películas más conocidas del actor malagueño Antonio de la Torre. Gracias a las dos últimas, ganó los Goya como mejor actor protagonista y de reparto, y es, con catorce, el intérprete con más nominaciones en la historia de estos premios. Su primera aparición en la gran pantalla fue en 1994 con la película Los peores años de nuestra vida, dirigida por Emilio Martínez Lázaro. 

“A mí siempre lo que más me inspira es la vida”. Así comienza Antonio de la Torre esta conversación con infoLibre. Y una de las cosas que más le interesan y apasionan es meterse “en lo más profundo de la ideología de una persona”.

La vida profesional de Antonio de la Torre no ha sido lineal, aunque es cierto que una de las cosas que más le ha interesado, desde jovencito, ha sido la interpretación. Por ello, tras estudiar Periodismo en la Universidad Complutense de Madrid y trabajar en Canal Sur presentando los informativos deportivos del fin de semana, decidió poner fin a esa etapa e inscribirse en los cursos de la Escuela de Interpretación Cristina Rota. 

Uno de los elementos por los que destaca este centro es por el interés que tiene su fundadora en que actores y actrices adquieran una formación multidisciplinar para que así se comprometan mejor con la función social del artista y con la propia creación de arte. Gracias a estas enseñanzas, De la Torre cuenta –y sin tapujos– que no le importaría interpretar a Hitler, ya que le supone un increíble “reto”: “Entender cómo funcionan algunas cabezas totalmente opuestas a la mía y entender qué razones le llevan a hacer lo que hizo y por qué”. Y es que el trabajo de actor o actriz consiste en interpretar una acción, un personaje ficticio o real, mediante el uso de la voz, la mímica, los recursos corporales y emocionales para transmitir al espectador un conjunto de ideas y realidades. Y “en ese sentido el oficio del actor es apasionante”, concluye. 

Muy relacionado con esto está la admiración hacia Javier Bardem. “Me parece un actor muy arriesgado, muy valiente, muy animal, no sé, un actor total y envidio la valentía con la que se atreve con los papeles y siempre puedes estar esperando algo distinto”, señala. Otro de los hombres de cine a los admira es a Rodrigo Sorogoyen. A sus órdenes protagonizó la película que le dio el Goya a mejor actor protagonista, El Reino, en 2019. De la Torre encarna la figura de un empresario elegante y seguro de sí mismo que se ve involucrado en una trama de corrupción. Con esta obra Sorogoyen pretendía relatar una realidad muy compleja pero desde el punto de vista de las personas corruptas, así como cuestionar el papel que juegan los medios de comunicación.    

Otro thriller es la próxima obra de Sorogoyen y se estrenará el 11 de noviembre de este año: As Bestas. Con esta película el director madrileño exhibe su talento a la hora de crear situaciones cargadas de violencia. Antonio de la Torre afirma que, tras tener la oportunidad de haber visto la película, le hubiera gustado mucho representar “a cualquiera de sus personajes”. Vaticina ya que “puede ser una de las grandes películas de la temporada”. Precisamente estos días se ha conocido que As Bestas es una de las tres películas españolas aspirantes a competir en los próximos Oscar, junto a Alcarrás y Cinco lobitos. 

Cambiando de época, contexto y situación, Antonio de la Torre nos recomienda volver al pasado, concretamente a 1939, con Lo que el viento se llevó. Este clásico del cine fue nominado en los Oscar trece veces, llevándose diez de las estatuillas a mejor película, mejor director (Victor Fleming), mejor guion adaptado (otorgado póstumamente a Sidney Howard), mejor actriz (Vivien Leigh) y mejor actriz de reparto (Hattie McDaniel), entre otros. Se convirtió en la película más rentable hasta aquel momento y muchos la consideran imprescindible para entender la historia del cine. 

No es casual, por tanto, que el actor malagueño elogie este filme: “Me gusta mucho porque es un clásico que prevalece en el tiempo”. Además, no solo la recomienda por ser la típica película que todo el mundo debería ver, al menos, una vez en la vida, sino más bien porque considera que “para mirar al futuro en tiempos inciertos” es una gran historia. Sobre todo, destaca la escena final en donde Escarlata O'Hara, interpretada por Vivien Leigh, exclama: "Pensaré en eso mañana". "Esa frase en esa época tan dura, tan salvaje, cómo esa mujer, una superviviente, se aferra pese a todo a la vida... me parece fascinante”, subraya.

Mona Martínez ganó el Goya como mejor actriz de reparto por Adiós (2020) y es una de las actrices que mejor encarna el cine español. La malagueña se ha hecho notar en los últimos años con papeles muy puros y queridos que han dejado un buen sabor de boca en el mundo de la actuación. Ha participado en series tan populares como Vis a Vis, Paquita Salas, Veneno y Deudas interpretando a mujeres fuertes y sinceras que el público termina valorando de forma muy positiva.

Pero todo eso es pasado y en esta ocasión la traemos a infoLibre para protagonizar El papel de mi vida, en el que conocidos rostros de la actuación nos confiesan cuáles son esos personajes que les hubiera gustado interpretar, o proyectos en los que hubieran querido participar.

Así las cosas, revela que uno de sus grandes sueños siempre ha sido trabajar en el teatro clásico. Un sueño que todavía no ha podido cumplir: “Trabajar en el Teatro de la Comedia y en el Teatro de Mérida haciendo una función de teatro clásico griego. Ese sería el gran sueño. Medea es el el principio de los principios y siempre es el sueño". Además, añade que siempre sueña con trabajar con compañeros que le gusten, “con directores que tengan pasión, con actores que también la tengan y, sobre todo, personajes que sean hermosos a la hora de realizarlos”.

Mona nos sorprende, además, saltando hasta una profesión bien diferente: “Si pudiera elegir sin ningún tipo de límite, me hubiese encantado ser una estrella de rock y cantante… o una directora de orquesta. Bueno, supongo que son sueños que uno no ha realizado en su vida, deseos que no han realizado o profesiones que se quedan un poco entre tu vocación frustrada. Que te encantaría poder darles vida y expresión en el cine o en el teatro. Pero sí, sobre todo una directora de orquesta y una estrella de rock, eso sería el ideal para mí”.

“Siempre me ha llamado la atención que no hubiese mujeres al frente de la dirección de orquestas. Ahora empieza a haber, pero todos tenemos en la cabeza caras… e infinidad de directores que han hecho historia, pero nunca tenemos el de una mujer. Y no porque sea de una mujer, sino porque es verdad que cuando yo anhelé ser directora o empecé a estudiar música, no era una profesión que estuviese instaurada para las mujeres”, añade.

Más allá de estas profesiones musicales, la actriz admite que tiene una espinita cinematográfica que no se ha sacado, que sería haber trabajado con el cineasta italiano Paolo Sorrentino: “No llegué a hacer el casting con él. Sí me solicitó para hacer un casting, pero no pude hacerlo porque era en inglés y era bastante complicado. Y es que yo inglés no sé… francés sí. Pero siempre lo cuento porque me hubiese encantado. Sería un sueño trabajar con Sorrentino. Además, me recomendó Javier Cámara, que es uno de los mejores actores que tenemos en este país a nivel actoral y humano. Y bueno, no pude... No pude ni siquiera intentarlo porque mi inglés no es de nivel alto".

La indecisión o querer abarcar a tantos personajes hace que la malagueña no pueda elegir un personaje en concreto. “Es que sabes que pasa, que eso es como elegir una película. Tienes tantas y siempre quieres una diferente”, asegura. Además, prefiere que los misterios de la vida sean los que decidan sus próximas interpretaciones: “Que los personajes lleguen a ti y tú no vayas en busca de ellos. Que sean los que te lleguen porque si te los ofrecen es porque estás preparada para hacerlo”.

La indecisión o querer abarcar a tantos personajes hacen que la malagueña no pueda elegir un personaje en concreto al que le hubiera gustado o le gustaría dar vida. “Es que sabes qué pasa, que eso es como elegir una película. Tienes tantas y siempre quieres una diferente”, asegura. Además, prefiere que los misterios de la vida sean los que decidan sus próximas interpretaciones: “Que los personajes lleguen a ti y tú no vayas en busca de ellos. Que sean los que te lleguen porque si te los ofrecen es porque estás preparada para hacerlo”.

Cambiando de tercio, para terminar nos recomienda ver Hacks (HBO) para evadir situaciones críticas o abstraernos de esta incertidumbre social en la que nos encontramos. "Va sobre una estrella de la comedia en Estados Unidos, en Las Vegas, que se empieza a relacionar con una guionista mucho más joven porque sus chistes se han quedado obsoletos", resume, para luego apuntar: "Me ha parecido una genialidad y la actriz, Jean Smart, me parece descomunal, con un dominio y una maestría al interpretar que es delicioso de ver. Esta serie me ha parecido muy inteligente y divertida”.

A partir del 15 de septiembre podremos ver a Mona Martínez estrenando en el Teatro Español nada más y nada menos que Queen Lear, dirigida por Juan Carlos Rubio con la colaboración de Natalia Menéndez. Aquí interpretará a la reina Lear. Además también estrenará una serie en el Festival de San Sebastián, La Novia Gitana, dirigida por Paco Cabeza.

¿Qué pueden tener en común Maribel Verdú y Shirley MacLaine? Así de primeras puede parecer que solo comparten profesión y que ambas son grandes actrices de renombre en diferentes épocas. Pero es la española la que establece la relación al confesar a infoLibre que, con la opción de elegir sin ningún límite un papel soñado, se queda con la interpretación de Shirley MacLaine en dos de los clásicos de Billy Wilder: Irma la dulce o El Apartamento.    

Maribel comenzó su carrera a los trece años con varios anuncios publicitarios y a los quince inició su dedicación plena a la interpretación. Se dio a conocer con la película de Montxo Armendáriz 27 horas –drama sobre la delincuencia juvenil, el paro y las drogas– encarnando a Maite, una joven drogadicta. Sin embargo, una de las interpretaciones que más le ha aportado, desde el punto de vista profesional, fue la de Trini en Amantes, de Vicente Aranda. Este papel le supuso el desarrollo de su madurez como intérprete. 

Poniéndonos ahora soñadoras y volviendo a sacar puntos en común, Maribel confiesa que hay dos personajes que le han "vuelto loca”. Uno de ellos es Ladgerda (encarnado por Katheryn Winnick) en la serie Vikingos, y el otro es la Tía Polly en la serie inglesa Peaky Blinders (interpretada por Helen McCrory). 

Dos personajes bien diferentes, pues uno pertenece a la mitología nórdica y el otro fue creado por Steven Knight. Ladgerda no es solo una de las protagonistas de la serie Vikingos, sino que también representa y es conocida por su valentía, sus grandes dotes de lucha y tácticas de guerra. Algo así como Atenea en la mitología griega, Minerva en la romana o Morrigan en la celta. Debido a sus características se la llegó a denominar valquiria, la legendaria guerrera vikinga. La tía Polly, por contra, se enmarca dentro de una creación imaginaria en la ciudad inglesa de Birmingham durante los años veinte del siglo pasado.

A pesar de sus distintos contextos históricos, ambos personajes destacan por ser mujeres de carácter, orgullosas de lo que representan, astutas y sufridas. De hecho, una de las cosas que más le gustan a Maribel de ellas es eso: “son mujeres fuertes, mujeres libres, mujeres poderosas, pero que luego tienen su parte vulnerable, su parte tierna también”.   

Tras pasar por Shirley MacLaine y estas dos populares series, la actriz madrileña nos invita también a adentrarnos al calor del público, los aplausos, las risas… y qué mejor forma de hacerlo que con la obra de teatro La Ternura, de Alfredo Sanzol. 

Esta obra es una comedia romántica en la que se reflexiona sobre el dolor que puede producir el amor y lo difícil de huir de este sentimiento, ya que hacerlo sería, en palabras del propio director, poner en peligro la vivencia de una vida plena. Maribel define este espectáculo como “una función que habla de la fuerza y de la valentía para expresar amor”. Y es que, teniendo en cuenta que se trata de una comedia, no podían faltar las aventuras y los enredos inteligentes, lo cual hace que sea “pasional”, pero también “divertida y original”, tal y como destaca la actriz. 

Además, asegura que no vamos a querer, como espectadores, “salir nunca de ese mundo que crean el autor y sus intérpretes”. Porque Maribel Verdú comparte, y mucho, el mismo parecer y lema que su director: “una sociedad sin ternura es una sociedad en guerra y la ternura es la demostración mayor de amor que puede existir”.

Para finalizar, uno de los últimos proyectos de Maribel Verdú ha sido la serie Ana Tramel, en la que interpreta a la protagonista que da nombre a la serie, una brillante abogada penalista que tendrá que hacer frente a una enorme corporación de la industria del juego. También digna de mención es la serie hispanoinglesa Now and Then, en la que se relatan las vidas de un grupo de amigos de la universidad, que veinte años después de esta etapa se reúnen debido a una amenaza que pone en riesgo sus vidas aparentemente perfectas. Por último, mencionar el próximo proyecto en el que Verdú encarna uno de los papeles protagonistas y que se estrenará en el mes de septiembre, Raymond and Ray, comedia dramática dirigida por el director de cine colombiano Rodrigo García. 

Pablo Alamá (Valencia, 1991) ganó popularidad en la serie Madres y en la gran pantalla con Fernando Colomo en Poliamor para principiantes. En un importante nuevo paso, su personaje de Rey en la serie de Netflix La noche más larga ha conseguido marcar un antes y un después en su carrera. “Es uno de los papeles más complejos y profundos que he interpretado por ahora y ha sido muy bonito todo el proceso de construcción del personaje", apunta.

En plena etapa veraniega, nos cuenta sus grandes sueños y posibles papeles a los que le hubiese gustado dar vida.Desvela que le hubiera encantado hacer de Mark Renton, el protagonista de Trainspotting encarnado por Ewan McGregor en este clásico de 1996: “Me resulta muy difícil escoger un sólo papel, pero puede que Mark Renton en Trainspotting. Algo así, con mucha crudeza que me permita jugar y meterme en realidades alejadas de la mía propia”. Ya hablando con él nos damos cuenta que el registro de personajes al que le gustaría dar vida es muy amplio, ya que también deja caer que Andrew Neiman en Wiplash sería una opción sin duda llamativa.

Pablo tiene intereses bien diversos y lo deja claro en todo momento porque los personajes e interpretaciones que toca a lo largo de la charla varían de un extremo a otro: “Me encanta el personaje protagonista de Fleabag, interpretado por Phoebe Waller-Bridge. No tengo ni idea de qué habría hecho, ella está increíble, pero creo que compartimos sentido del humor y de la ironía”. La serie británica, ganadora de un Globo de Oro y un Emmy, ha supuesto un punto de inflexión en la forma de comunicación que tiene la protagonista rompiendo la cuarta pared con el espectador, algo que sería curioso de ver desde el punto de vista del actor.

“Me atrae mucho que a través de la comedia sea capaz de reflejar toda la profundidad dramática en la vida de una persona joven en la actualidad. Cómo sigue con su vida a pesar de no tener ni idea de qué está haciendo, es ese tira p’alante que creo que todos hemos podido sentir en algún momento. Es inconformista y tierna, dos cualidades que cuando están juntas generan muchísima verdad”, remarca. Y conociendo los personajes que ha interpretado en su carrera como actor, podemos ver que no se caracteriza o encasilla en un prototipo, sino que sabe abarcar diferentes enfoques, lo cual le da un gran espectro de actuación.

Con los tiempos malavenidos que nos ha tocado últimamente vivir, una pandemia, crisis económica e incluso social, Pablo nos recomienda un título cinematográfico: “No mires arriba (Don’t look up) no da mucha esperanza, ¡pero te ríes un rato!”, lanza entre risas. “Es una película con un elenco envidiable que trata temas de muchísima actualidad con una mirada irónica y humorística. Me gusta mucho toda la crítica que lleva a cabo, creo que es un buen punto de partida para reflexionar sobre cómo funciona el mundo, la política, la ciencia y los medios de comunicación”, señala.

Pero, sin duda, el personaje que le ha marcado ha sido Rey, un hombre trans al que inculpan por un asesinato que no ha cometido, y le ingresan en una prisión psiquiátrica en el módulo de hombres. La serie, aunque es un thriller, aborda un tema de actualidad, la ley trans, que ha generado un gran debate y se encuentra en fase de tramitación en el Congreso.

“Me he centrado mucho en construir cierta profundidad en él, darle sus contradicciones, sus emociones, sus principios, e intentando que todo esto surgiera de la empatía y la sensibilidad”, indica. Un personaje hecho a su medida con el que ha podido experimentar y descubrir nuevas áreas de interpretación, por lo que ha aportado a Pablo una nueva forma de construcción de sus personajes.

Ahora mismo se encuentra ensayando en su último proyecto, una obra que se estrenará en noviembre en El umbral de Primavera, en Madrid: La celebración de los cuerpos que caen. Se trata de un montaje de creación colectiva en la que lleva unos meses trabajando bajo la dirección de Rodrigo Villalba: “Somos cuatro actores en escena trabajando con nuestros cuerpos y nuestras vivencias. Es un tipo de teatro muy experimental, que parte de lo corporal y en el que estamos trabajando con conceptos como la creación de comunidad a través de las heridas individuales. Hablamos de relaciones interpersonales, de migración, de disidencias, de herencias, sacrificios personales, empatía…”

The quiet man (El hombre tranquilo) es una película estadounidense costumbrista de 1952 que narra la idílica visión de un irlandés -Sean Thornton, interpretado por John Wayne- nacido en los Estados Unidos. El protagonista destaca por su carácter “tranquilo y pacífico”, además de su repentino interés por volver a sus raíces. Quizá por el carácter costumbrista e histórico de esta filmografía, Carlos Bardem no duda en elegir a Sean Thornton como uno de los papeles que le hubiese gustado interpretar, definiéndolo como “homérico”. 

No se trata de una mala elección, ya que la película ganó dos premios Óscar: al mejor director y a la mejor fotografía en color, además de obtener otras cinco candidaturas como mejor película, mejor guion, mejor actor de reparto -con Victor McLaglen-, mejor dirección artística y al mejor sonido. Y no contenta con eso, en el año 2013 fue considerada cultural, histórica y estéticamente significativa por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos.  

Carlos Bardem, perteneciente a una amplia familia de actores y actrices, apareció por primera vez en la gran pantalla en 1996 con  Más que amor, frenesí, una película dirigida por su primo Miguel. Años más tarde, en 1999, su novela Muertes ejemplares se llevó una mención especial del jurado del Premio Nadal. A caballo entre la interpretación y la escritura -principalmente de carácter histórico debido a sus estudios, pues es graduado en Historia- , el madrileño ha sido nominado a los Goya en dos ocasiones por sus interpretaciones en Celda 211 como mejor actor secundario y por La Zona, como mejor actor revelación. En 2020 ganó el premio de Novela Histórica de la Semana Negra de Gijón, por su obra Mongo Blanco, narración biográfica de Pedro Blanco Fernández de Trava, personaje real nacido en Málaga que acabó convirtiéndose en uno de los más grandes negreros y esclavistas. 

Además, el pasado julio recibió el Premio Dashiell Hammett de la Semana Negra de Gijón por su última obra El Asesino Inconformista. Esta narración gira en torno a la “indignación” ante la corrupción que todos los días está presente de alguna forma u otra, queriendo también poner el foco en “la impunidad”. Su personaje principal, el asesino, recibe el encargo de matar a una política corrupta. 

Por otro lado, cambiando de tercio -o no- y digno de mención, un personaje que le parece envidiable es el del señor Blanco en la película de El Buen Patrón. El protagonista, Julio Blanco, es un empresario local que ha hecho una gran fortuna con las básculas. Con un carácter carismático y cínico, aparentemente valora a sus trabajadores, pero que no duda en despedirlos en cuanto ve algo que no le agrada. Este personaje es interpretado por su hermano Javier Bardem, quien recibió el Goya a Mejor Actor hace unos meses. 

A Carlos le parece magnífico el papel de la estrella de la película de Aranoa: “Es trágicamente cómico, o cómicamente trágico. Es perfecto”. Además, lo destaca, sobre todo, por el trabajo que realizaron tanto el director, Fernando León de Aranoa, como Javier Bardem dándole “capas y capas”, señala a infoLibre. Y añade divertido: “El chaval que lo interpretó -su hermano- lo hizo muy bien, le auguro una buena carrera”. 

Tras este breve inciso al cine más actual y español, Carlos Bardem nos vuelve a trasladar a una época anterior. Concretamente, a los Estados Unidos de los años sesenta, con la película El apartamento, aunque en realidad confiesa que no quiere cerrarse a una obra concreta de Billy Wilder. “Ante un futuro incierto y distópico, lo mejor es recordar que el ser humano es capaz también de lo mejor: cualquier peli de Billy Wilder”, justifica.  

Algo parecido le ocurre con otro gran clásico, Cantando bajo la Lluvia, película que tiene su inspiración en todas las melodías de Broadway que se realizaron en Hollywood en los años veinte coincidiendo con la aparición del cine sonoro. Por ello, la define como “la feelgood movie por excellence”.  

Y es que no viene del todo mal recordar, de vez en cuando, uno de los puntos en común de ambas películas: la empatía como “puerta a la alegría” y siguiendo con las palabras de Bardem: “la bondad es la más inteligente y revolucionaria de las acciones”.

Sergio Peris-Mencheta lleva un par de temporadas disfrutando del gran éxito de Una noche sin luna, el montaje teatral que tantas alegrías le ha regalado junto a su protagonista y gran amigo Juan Diego Botto. Pero el viento no siempre sopla a favor, menos aún en una carrera de fondo tan larga como la del actor y director madrileño. Bien lo sabe él en primerísima persona y es por ello que nos confiesa que su gran espinita a nivel de personajes deseados es el papel protagonista de La mala educación de Pedro Almodóvar: Juan / Ángel / Zahara. "Estuve dos meses a prueba para interpretar el personaje... nunca supe porque no me lo dieron", admite a infoLibre.

“Es de esas veces que uno da todo lo que tiene pero no toca”, añade. Sergio no solo se preparó el guion, sino que se metió de lleno en un personaje polifacético que se presentaba con tres personalidades. Precisamente por eso, la búsqueda del actor perfecto requirió de tiempo y muchos castings. “Yo, de hecho, iba para otro personaje mucho más pequeño… Cuando Pedro me ofrece la posibilidad del prota, le digo: “Pruebo, aunque tengo más pinta de jugador de rugby, pero si no sale me conformo con el papel para el que me llamaste”. Me dijo que no lo dudara. Llegué a hacer hasta cuatro audiciones “maquillado por el mejor, Gregorio Ros, la luz en las pruebas la ponía el mismísimo Aguirresarobe". "Era todo alucinante. Por ahí debe de haber un montón de fotos mías vestido y maquillado de mujer”, apunta.

Después de dos meses de intenso trabajo, aprendiendo a caminar con tacones, estudiando a Sara Montiel para hacer la parte de travesti, trabajando con Sandra (una transformista especializada), viendo espectáculos en A Noite, un club de transformismo en Madrid, ensayando con Pedro Almodóvar y su ayudante en aquella época, Carlos Montero, no pudo ser. Es por ello que nos confiesa entre risas que todavía está esperando una llamada de Pedro para comunicárselo.

El papel finalmente fue interpretado por el actor mexicano Gael García Bernal. La película se rodó unos años después, ya que decidieron hacer Hable con ella antes. “Cuando se pusieron manos a la obra finalmente con La mala educación, no contaron conmigo para el papel pequeño aquel ni siquiera”, lamenta el madrileño.

El actor nos cuenta, asimismo, que lo que de verdad le llamaba la atención de dicho personaje a la hora de encarnarlo era que era multifacético: “Abrumadoramente difícil y contradictorio. Lo que se llama un personaje de mil caras. Un bombón. ¡Y era Almodóvar! Qué te voy a contar…” El cineasta manchego es un icono del cine español, eso no lo vamos a descubrir en el verano de 2022. Todos quieren trabajar con él, por lo que para Sergio fue muy duro no poder interpretar al personaje de Juan/ Ángel/ Zahara. Pero no tanto no poder hacerlo, sino más bien no recibir un feedback después de dos meses de “convivencia y trabajo intenso”. 

Cada actor puede llegar a dar determinada personalidad a un personaje. Algo que lo diferencie del resto. En su humilde opinión, su gran aportación a Juan/ Ángel/ Zahara hubiese sido la cara masculina de las cuatro que trataba, así como la femenina: "Una faceta que no he tenido demasiadas ocasiones de mostrar”. Pero había una cuarta faceta que dice que se le atragantaba: su parte más travesti, que incluía toda la comicidad del personaje. “Uno no sabe muy bien si en ese caso Almodóvar se inspiraba de la calle o viceversa. A día de hoy lo recuerdo todo como un máster en expectativas, trabajo intenso, presión sin límite y frustración. Pero con mucho cariño por aquel chaval de veintitantos que se comía el mundo", concluye.

Nacida en Zaragoza, pero con orígenes familiares extremeños y manchegos, Elena Rivera Villajos (1992), empezó con tan solo cinco años a desarrollar su carrera artística y musical. Por ello, sus primeras apariciones televisivas fueron en concursos musicales como Menudas estrellas de Antena 3 -quedando finalista-, o en la Gala Musical del Fin de Año 2000, de la misma cadena, en la que fue seleccionada para participar en la producción de numerosos programas musicales, entre los que se encuentra Noche de estrellas. 

Es gracias a estas primeras apariciones musicales durante su niñez y adolescencia como poco a poco fue abriéndose hueco en grandes programas, hasta que, en 2005 y con 13 años, le ofrecieron encarnar al personaje de Karina para la serie de Televisión Española Cuéntame cómo pasó. Este papel la consagró para el gran público hasta su broche final en 2018, después de 13 años de trabajo y triunfo. Paralelamente, mientras interpretaba a Karina en Cuéntame, ponía su voz a diferentes temas musicales en series de dibujos animados y otras participaciones e interpretaciones, compaginando esta carrera artística con sus estudios de Magisterio de Educación Infantil en la Facultad de Educación de Zaragoza, su ciudad. 

Dos de sus pasiones, desde bien pequeñita, han sido la interpretación y la música. Por ello, no es casualidad que uno de sus personajes favoritos sea Sandy de la película musical ambientada en los años 50 en Estados Unidos: Grease. Sin embargo, la interpretación de Inés Suárez en la serie Inés del Alma Mía cambió sus intereses: “Me encanta el reto de meterme en la piel de mujeres históricas que realmente han existido”.

Por esa razón, mientras ve la serie inglesa The Crown, se declara “impresionada” por la interpretación de la actriz que encarna la figura de la reina Isabel II en las dos primeras temporadas, Claire Foy. “Me fascinaría poder formar parte de algo así”, confiesa a infoLibre. También destaca el trabajo de Kristen Steward en Spencer -película biográfica sobre la princesa de Gales de gran éxito- donde, efectivamente, destaca la interpretación de la actriz estadounidense que fue candidata al Globo de Oro, al Premio de la Crítica Cinematográfica como Mejor Actriz y nominada al Óscar.

Aun así, nos comenta que uno de los personajes que le hubiese gustado mucho interpretar es “la Tere”, una joven delincuente del barrio chino de la ciudad de Girona en la película Las leyes de la frontera de Daniel Monzón. Este personaje -y la interpretación de Begoña Vargas, aquella chica indomable en La Otra Mirada- encarna a la perfección a una “superviviente en circunstancias complicadas que ha ido superando los retos que le iba poniendo la vida”, en palabras de Rivera. No es casualidad, por tanto, que dadas estas características se haya fijado en este papel, ya que como ella misma añade, también ha tenido que "interpretar a personajes femeninos con estas cualidades”. Por eso, le atrae de alguna manera especial ya que, además, muchos de los personajes que ha interpretado son mujeres de fuerte carácter, valientes y astutas, de diferentes épocas y lugares, pero que, sin embargo, poseen un denominador común: son supervivientes de la vida. 

La preparación de este tipo de papeles es arduo y conlleva un gran esfuerzo y trabajo. Por ello, Elena considera la desconexión una actividad importante en su vida. De hecho, recomienda la serie The Office; emblemática serie de humor ambientada en una oficina regional de venta de papel en la localidad de Scranton, en Pensilvania. “La vi en el confinamiento y me pareció fundamental para evadirme en esas circunstancias tan difíciles”, afirma. Además, considera que se trata de una serie que sirve para darnos un respiro, un paréntesis, un pause a la estresante y veloz vida a la que nos hemos acostumbrado, en donde “solemos vivir presos de la ansiedad, la redes sociales y la incertidumbre”. 

Otro de los motivos que da sobre esta recomendación es que la interpretación de los personajes es “todo lo contrario a gente perfecta". "Es gente normal, con sus miedos, sus defectos… y que tropiezan una y otra vez en la misma piedra”, remarca. Se trata en definitiva de la interpretación de la vida, lo más real que se puede ver dentro de la ficción, pero el reflejo de lo que todos somos y por este motivo también destaca positivamente este tipo de interpretaciones.

Uno de los últimos proyectos de Elena ha sido la serie Alba que se ha estrenado ahora en la plataforma Netflix. La actriz, de nuevo, interpreta a una mujer fuerte y ruda que tiene que hacer frente a una situación difícil y límite: una violación grupal cuando vuelve a su casa de fiesta. “Acabó en Antena 3 como una de las series más vistas de la televisión y ahora está arrasando en un montón de países con Netflix”, destaca satisfecha.

El actor Jesús Vidal Navarro, de 47 años, popular por interpretar a Marin en la película Campeones, por la que se llevó el Goya al mejor actor revelación, es una de las caras más queridas del mundo del cine y teatro español del momento. El intérprete nació con una discapacidad visual llamada miopía patológica y ceguera, las cuales le impiden el 90% de la visión por haber sufrido desprendimientos de retina a lo largo de su infancia. A pesar de los obstáculos, emprendió su carrera profesional como filólogo, luego en el mundo del periodismo y al final decidió decantarse por ser la interpretación. 

Desde temprano supo compaginar sus estudios con la carrera y el hobby de la dramaturgia, formándose en artes escénicas y escuelas hasta que en 2014 pasó a dedicarse por completo a ser actor. Ganábamos todos así un actor lleno de sensibilidad y pasión que ha conseguido ganarse el corazón de los españoles, y no solo por sus papeles, sino también por el gran discurso de los Goya 2019, que fue un punto y aparte en su carrera. Logró conmover a la audiencia, sin haberlo preparado mucho y con un par de ideas en mente. Se dejó llevar por la emoción y consiguió el apoyo de todo el público.

Desde entonces, ha proseguido con su carrera interpretativa desempeñando varios papeles en obras de teatro. Ahora mismo se encuentra en el Teatro Calderón haciendo de loco en la obra Alguien voló sobre el nido del cuco y dentro de poco, el 12 de agosto estrenará la película Por los pelos. Papeles variopintos que le mantienen felizmente en la brecha, aunque su papel soñado, ese que le gustaría hacer por encima de todos los demás, es bien diferente a los mencionados.

“Me hubiera gustado interpretar a Jesucristo en un registro histórico”, confiesa a infoLibre. Un papel que nadie le ha ofrecido, pero que le encantaría poder desarrollar para conocer en profundidad: "Es un papel que yo lo veo con un carácter muy fuerte. Es un espíritu mesiánico, con luces y con sombras, también con muchas dudas. Entonces es uno de los papeles en los límites que a mí me gusta".

No se queda en esta figura y aún nos confiesa otro papel soñado: Friedrich Nietzsche. En el otro extremo, a pesar de ser ya un sueño cumplido, admite que le hubiese gustado seguir interpretando a Calígula, "un personaje contra los duros", de los que a él le "gustan”, en la obra de teatro con el mismo título.

Bien se sabe que el repertorio de películas que ha podido aportar la Biblia es muy extenso. Desde el nacimiento del cine, las películas con índoles religiosas y con personajes bíblicos han sido y son una constante. Los personajes de Jesús de Nazaret junto con la Virgen María son los más codiciados y los más conocidos, llegando en no pocas ocasiones al estatus de icónicos. Es por ello que Jesús no habla de un papel en concreto con un director determinado, sino más bien de un ámbito más general a lo largo de la historia. 

Sí que confiesa que su Jesucristo favorito tendrá mucho del encarnado por Jim Caviezel en La pasión de Cristo (2004). “Luego, en lo que es interpretación pura, me quedo con Willem Dafoe en La última tentación de Cristo. Creo que es un Jesucristo muy a tener en cuenta". Dos grandes actores que se han convertido en todo un emblema para las películas de temática bíblica, ya que han marcado un antes y un después al llevar a esta figura al cine.

En lo que se refiere a encarnar a un papel como tal, explica Vidal que se trata de “un personaje histórico y religioso, muy mesiánico, que tiene luces, que vive el amor, que se mueve por amor". "Pero, al mismo tiempo, tiene dudas, tiene la sensación de abandono por parte de los extremos de Dios". Sensaciones encontradas y sentimientos muy al límite que el actor quisiera conocer más a fondo.

A la vez, afirma que sería un registro muy distinto a lo que acostumbra a trabajar: “Todo actor quiere interpretar los máximos registros posibles, lo que es un sueño hecho realidad”. Asimismo, confiesa que suele hacer comedia, pero que también ha tocado otros géneros en teatro. “Vengo de hacer un Calígula. He hecho Alguien voló sobre el nido del cuco y Las camas vacías, que era un drama en la época nueva. Creo que todavía en el cine se me asocia a comedia, por lo que claro que me gustaría hacer un personaje así en audiovisual."

En esta línea, revela que el Jesucristo que podría llegar a dar vida, con un físico bien caracterizado, sería "un Jesús histórico muy cercano”. Habla así de un "Jesús como icono pop”, ya que a diferencia del resto de actores, dándole su toque personal, podría aportar humanidad y esa dualidad de sentimientos: de ternura y enfado, de amor y furia. Sin duda, diferentes ideas que nos gustaría poder ver como espectadores en un futuro. Ojalá alcance Jesús su papel soñado.