Los muertos hablan. La otra tarde (pasando con el dedito basurillas de Instagram) me topé con una muchacha de gafas grandotas y estrictísimo acento saleroso relatando una proeza: "¿Y si te digo que Judeline y Yeray Cortés van a traer a Camarón de vuelta?". "Coño", me dije, "¿la necromancia es para el verano?".

Cruzcampo, conocida cervecera sevillana, lleva unos años aprovechando al auge del folclorismo modernete, y claro, como los sones de Rodrigo Cuevas o las Tanxugueiras pillan un poco retirados del templete de la Cruz del Campo (el humilladero hispalense que da nombre al brebaje), algún "creativo" se habrá dicho: tira por los ayes y el gracejo, que aquí hay negocio. En un mercado cervecero cada vez más diversificado, los genios del Gambrinus han apostado por identificar la bebida con el terruño donde ejercen el monopolio. Hace unos años, resucitaron a Lola Flores para que –mediante los ingenios de la inteligencia artificial– nos contara lo importante que son la autenticidad y las raíces. Cágate, lorito: viva la pureza y la jondura del ChatGPT. Al año siguiente, viendo que la cantinela del "asento" había funcionado, la compañía nos mortificó con otro spot de traca: en una taberna sacada de la Carmen de Bizet, la voz positrónica de la Faraona vivificaba a la muñeca con traje de lunares que cogía polvo junto al televisor de tubo. En la sala, un señor disfrazado de El Pali miraba asombrado tras sus gafas de culo de botella. En el anuncio, llamado "Gitana" y subtitulado "Una fábula con mucho acento", la muñeca diabólica se encarna en el cuerpo de una bailaora paya, que deambula por paisajes típicamente andaluces (sea lo que sea eso) salpimentados con virutas de contemporaneidad (un bailecito urbano por aquí, una pantalla por allá) hasta encontrarse con un remedo de Camarón, puesto de perfil, que canta una letrilla sobre lo rica que está la cerveza fría.

El cantecillo no llega ni a descarte: fue una de esas tonterías que sucedieron durante la grabación de Soy gitano. Para engrandecer "archivo sonoro inédito" (por algo sería), Tomatito ha salido a darle empaque: "A Camarón le encantaba reírse y Cruzcampo era la cerveza que nos acompañaba siempre, la que nos gustaba. Algo que surgió como una broma, él era capaz de convertirlo en arte. Por eso era un genio". Algo me dice que en 1989 y de Despeñaperros para abajo, una ardilla podría saltar de grifo de Cruzcampo en grifo de Cruzcampo hasta Gibraltar sin encontrarse alternativa. También, y me disculparán la maldad, que si empezamos a rescatar piropos del cantaor a sustancias de su apetencia nos íbamos a sorprender todos.

En fin, que Sandri –la influencer (andaluza profesional) que me alertó sobre el amanecer de los muertos vivientes– seguía glosando las maravillas de esta última entrega del comercial: «es respeto, es conexión y es tributo». Tanta palabra gruesa para albardar un popurrí de sonidillos en la cadencia andaluza interpretados por la tal Judeline, que aúna el flamenquito lacio de Rosalía con el quejío pequeñoburgués de Silvia Pérez Cruz. Al tiempo, Cortés toca apoyando la pierna en una silla de acero en la que, si no entiendo mal, está apoltronado el fantasma de Camarón. Pisando al muerto, vamos: qué mal fario.

Que "lo andaluz" es un invento para que lo compren los guiris y los señoritos no lo discute nadie. Washington Irvin, Prosper Mérimée y los señores trajeados del Concurso de Cante Jondo de Granda-1922 aplauden entusiasmados el homenaje: flamenco limpito, en la Puerta del Sol, exportable y sin nadie que rompa el ambiente mentando alguna fatiga. No espero más que maldades de las grandes corporaciones capitalistas, pero convendría llevar la listita de los colaboracionistas que un día te dan la matraca con las esencias intangibles y la razón incorpórea (viva Mairena) y al día siguiente venden los despojos del muerto por unos chavos y popularidad. 

La cantante española Rosalía sugirió este lunes en la entrada de la Met Gala que prepara un nuevo proyecto que puede ver la luz pronto, aunque evitó dar detalles. La artista catalana, una habitual en el evento de moda de Nueva York, acudió de la mano del diseñador francés Olivier Rousteing con un innovador vestido blanco, según recoge EFE.

Preguntada por si el proyecto era un nuevo disco, guiñó un ojo y respondió: "¡Se vienen cosas, veremos! Tengo ganas de contarlo, pero tiempo al tiempo".

La cantante es una celebridad internacional, pues otra de las invitadas, la actriz Cynthia Erivo, protagonista de Wicked, aseguró antes que la española era a quien más ganas tenía de ver. Rosalía le devolvió el afecto a Erivo en declaraciones a los medios presentes.

La cantante española, además, detalló a los medios que salió a comer por la Gran Manzana con la influencer Georgina Rodríguez, que debutaba en el evento. Otro español debutante en la gala, el modelo y actor Jon Kortajarena, apuntó que también había hablado con la autora de Motomami, una “veterana”.

“Enrique ha sido una figura universal, una figura del Albaicín que se convirtió en un referente para la música jonda y el flamenco. Está en su casa y está en su día”. Luis García Montero, director del Instituto Cervantes, daba así la entrada al homenaje in memoriam a Enrique Morente, cantaor granadino, en la Caja de Las Letras. Desde este miércoles, la caja 1566 guardará una careta y un pañuelo para recordarlo.

"Estar en la catedral de las letras es un sueño", expresaba Aurora Carbonell, mujer de Enrique Morente. La bailaora y artista plástica destacó la figura de su marido y explicó el significado de la careta y el pañuelo donados al Instituto. El primer objeto está basado en “uno de los dibujos de Federico [García Lorca]”, y el segundo es un complemento que “recorrió media vida” con Enrique.

En el auditorio del Instituto Cervantes, García Montero expuso, en recuerdo a Morente, que “la mejor manera de comprometernos con el presente y el futuro es elegir las mejores herencias del pasado”. A continuación, el director del Instituto recitó una poesía propia dedicada al cantaor: Conversación con Enrique Morente. Marifrán Carazo, alcaldesa de Granada, y María Jesús Montero, vicepresidenta primera del Gobierno y Ministra de Hacienda, también recordaron la importancia del legado de Morente en la cultura popular granadina, andaluza y española.

Este acto también sirvió para poner en marcha la Fundación Enrique Morente, Casa de la Tradición y la Traducción creada para honrar la memora del artista y divulgar su herencia. Tras escucharse una obra del cantaor granadino, José Manuel Medina Martínez, director de esta nueva fundación, aprovechó para pedir el fin del "genocidio en Palestina". “Queremos reivindicar hoy más que nunca el mensaje que Enrique Morente proclamó siempre y además cantó con música de Beethoven en su alegato contra las armas: de norte a sur, de este a oeste, oigan, no disparen, los niños son inocentes". Posteriormente, Aurora Carbonell junto a sus hijos Estrella, Soleá y José Enrique y Luis García Montero, mantuvieron un coloquio sobre la figura y el legado del artista. Para finalizar el acto, José Sacristán, Carmen Linares y Pepe Habichuela participaron en un recital de poesía y flamenco.

El presidente de la Junta de Andalucía, Juanma Moreno, ha respondido a su compañera de partido y presidenta de la Comunidad de Madrid, Isabel Díaz Ayuso, que no está "de acuerdo" con que Madrid sea la "capital mundial del flamenco", incidiendo en que Andalucía es "la cuna" de esa cultura y arte.

"Si hablamos de capitalidad del flamenco, nada más que de Jerez, Utrera o Sevilla, pues Andalucía yo creo que sin duda alguna es la cuna del flamenco, la cuna del arte", ha explicado antes de asistir a las jornadas Metafuturo organizadas por Atresmedia en el Ateneo de Madrid.

En opinión del presidente andaluz, Andalucía se siente "legítima representante" de la cultura y de la tradición flamenca, por lo que no comparte la opinión vertida por su homóloga madrileña. "En eso no vamos a estar de acuerdo, en eso no. En otras cosas sí, pero en eso no vamos a estar de acuerdo", ha zanjado Moreno.

La presidenta de la Comunidad de Madrid calificó el pasado lunes a la región que dirige como "capital mundial" del flamenco en una visita a la Fundación Ángel Orensanz de Nueva York, donde asistió al espectáculo 'Authentic Flamenco'.

El Ejecutivo madrileño también destacó, en un comunicado, su trabajo para "reforzar la posición e imagen de Madrid como el gran referente del baile y cante jondo, incluyéndolo en sus programaciones culturales y campañas turísticas". Además, reivindicó la concesión en 2022 la Medalla Internacional de las Artes a la Asociación de Tablaos Flamencos y que, cada otoño, acoge el festival Suma Flamenca, que este año celebra su XXVIII edición.

El guitarrista Manolo Sanlúcar (Sanlúcar de Barrameda, 1943- Jerez de la Frontera, 2022) ha fallecido este sábado a los 78 años de edad después de una larga carrera dedicada al mundo de la cultura, en especial, del flamenco. Así lo ha confirmado el Ayuntamiento de Sanlúcar de Barrameda en un comunicado oficial difundido en sus redes sociales y recoge Europa Press.

Hijo Predilecto de Sanlúcar y de la Provincia, Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, premio Pastora Pavón, Niña de los Peines, entre otros muchos e incontables reconocimientos, Manolo Sanlúcar ha sido un compositor de indudable prestigio y un guitarrista de excepción.

Junto con Paco de Lucía, Vicente Amigo y Tomatito, entre otros muchos, fue una de las figuras que ha guiado la evolución de la guitarra flamenca desde la última mitad del siglo XX hasta hoy. Su obra ha obtenido el reconocimiento internacional y como intérprete ha mostrado su capacidad creadora en los principales escenarios de todo el mundo.

El Ayuntamiento de Sanlúcar de Barrameda ha decretado tres días de luto oficial por la muerte de Manolo Sanlúca. Así lo ha informado el alcalde, Víctor Mora, a través de un mensaje en su cuenta de Twitter, recogido por Europa Press, donde anuncia que el municipio estará de luto oficial desde las 09.00 horas de este domingo, día 28, y hasta el 30 de agosto.

Para Mora, este sábado es un "día triste para el mundo del arte, del flamenco y de nuestra ciudad. Perdemos a un sanluqueño sin igual que pasará a la historia como gran figura de la guitarra, además de como una excelente persona y amigo", ha escrito el alcalde.

Manolo Sanlúcar ha sido una de las figuras del mundo de la cultura y las artes españolas que "más ha contribuido a difundir el nombre de su ciudad natal por todo el mundo". "Siempre he luchado llevando por delante la palabra de mi pueblo, de tal manera que soy un hombre que renunció a su apellido para coger el de Sanlúcar", dijo el pasado mes de mayo en la inauguración del Auditorio que lleva su nombre. "Yo quisiera ser para ustedes un mensajero. Mi guitarra está al servicio de mi pueblo y allá donde mi pueblo esté, estaré yo", dijo también en mayo pasado.

El presidente de la Junta, Juanma Moreno, ha lamentado su muerte y ha destacado el "inmenso legado" que deja este "genio". En un mensaje publicado en sus redes sociales consultado por Europa Press, el presidente andaluz ha destacado que Manolo Sanlúcar era Medalla de Andalucía y Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes. A sus familiares, compañeros y "aficionados al flamenco" ha traslado su "sentido pésame".

Por su parte, el ministro de Cultura y Deportes, Miquel Iceta, también ha lamentado la muerte de Manolo Sanlúcar, a quien ha considerado "un maestro". A través de un mensaje en la red social Twitter, Iceta ha afirmado que "hoy la guitarra y el flamenco lloran la muerte de un maestro" y ha compartido la noticia del fallecimiento del músico.

María Pagés lleva toda una vida dedicada al flamenco. Nacida en Sevilla, es bailaora y coreógrafa. Se arrancó en el baile –porque los bailaores no empiezan a bailar, arrancan en el tablao– con la Compañía de Antonio Gades, se introdujo en el cine de Carlos Saura con películas como Carmen, Amor Brujo y Flamenco, fundó en 1990 su propia agrupación y creó en 2019 el Centro Coreográfico María Pagés de Fuenlabrada. Premio Nacional de Danza en 2002, ha paseado su duende por muchos rincones del mundo: Japón, Canadá, Estados Unidos, Alemania o Rusia son algunos lugares que han conocido a una artista con la que “ni el aire ni la tierra son iguales después de que haya bailado”, dijo José Saramago.

Es considerada como uno de los máximos exponentes del flamenco a nivel nacional e internacional gracias a creaciones como Yo, Carmen (2014), Óyeme con los ojos (2014), No dejes que termine el día (2015), Visages (2016), Dance of hearts (2017) o Una oda al tiempo (2017). Para Pagés la danza es mucho más que interpretar en movimiento. Su zapateado está vivo, su flamenco es orgánico: la tradición del baile dialoga con las posibilidades de un arte que “analiza la cuestión de la génesis de las fronteras, las físicas y las simbólicas”. Su último montaje es Paraíso de los negros. Junto a su compañero El Arbi El Harti al guión, dirige una obra en la que trata “el daguerrotipo desesperado de un personaje que intenta cernir la luz y sus significados”. Inspirada en Un poeta en Nueva York de Lorca, “busca los filamentos de una felicidad que nos habla de los límites y las limitaciones que embarran nuestro camino al derecho de desear”. La artista se pregunta con la función: “¿Qué nos queda de nuestra humanidad si nos privan de desear?”.

Cuando llegó el coronavirus, durante el confinamiento, ella se imaginaba en su casa de Rabat. “Echo de menos a Liska, nuestra perra y a las buganvillas y geranios que plantó para mi El Arbi, mi marido”, nos dice. Ahora que es posible viajar pasará unos días en Cádiz. Ambos destinos guardan algo en común para la bailaora: “Los dos están unidos por la luz maravillosa del atlántico”. Como profesional en el sector de la danza sabe que la situación tras este año requiere “estar juntos y remar, si es posible, en el mismo sentido”, y advierte: “Cualquier desorientación en estos momentos es un desprecio al futuro”. Como ciudadana cree que el final de la pandemia se traducirá en “una larga crisis que nos exigirá sin duda alguna mucha energía buena y mucho entusiasmo”. Si queremos sobrellevar la crisis vivida, pide “algo de sentido de Estado a nuestros políticos y mayor conciencia de país a la gente como tú y yo", y nos alerta sobre lo que podría sucedernos si no lo remediamos a tiempo: "Es importante que tomemos muy en serio que la continuidad de la democracia como modo de vida está en juego”.

Las artes escénicas sufrieron las consecuencias de una pandemia que primero imposibilitó  la realización de espectáculos y  después redujo drásticamente la asistencia del público cuando volvieron a abrise los teatros. Pagés, al mando de una compañía de baile durante 32 años, vio cómo "la pandemia introdujo elementos insalvables", y explica el efecto del parón en escena: "Ninguna empresa -porque somos una empresa- puede sobrevivir a un año y medio sin trabajar. Para que me entiendas, en el 2019 hicimos 72 funciones. En el 2020 y el 2021 casi nada". Tras estos meses, muchos compañeros "están fuera de juego porque no pueden resistir". Su formación de danza se mantiene en pie. Pero como directora le preocupa no saber hasta cuándo podrán sostenerse: "Yo no sé lo que nosotros vamos a poder aguantar". Sobre la creación del Centro Coreográfico María Pagés de Fuenlabrada, institución que se ha consolidado durante y a pesar de la pandemia, se muestra más optimista. Ella concibió el nuevo espacio como "un hogar de la danza para dar, unir, compartir, intercambiar". Mirando al futuro del proyecto, augura: "Nuestra utopía: desarrollar el centro coreográfico como hogar para las compañías y los creadores". Es más, el próximo mes ponen en marcha dos montajes, "crearemos con artistas con diversidad funcional un Simbad, que se estrenará el próximo noviembre en el Teatro Tomás y Valiente de Madrid y una Scheherazade que se estrenará en el Liceu de Barcelona en mayo".

Si le preguntan sobre medidas para cuidar la cultura después de todo lo sucedido, la bailaora "no ve otra solución que el Estado asuma su responsabilidad". Insta en la necesidad de políticas que velen por el sector, "que asuman la cultura y sus profesiones como lo que son: creación de bienes inmateriales que cohesionan y dan sentido a lo que somos, e industria que da trabajo a mucha gente". Salvaguardando su profesión, nos recuerda: "Hay que cuidar a la danza. Pero para cuidarla tenemos que valorar la cultura como paradigma orgánico". María Pagés no solo comprende al flamenco como un baile vivo. Da la capidad de existir y cambiar a todo lo que emprende: "Somos machadianos hasta la médula. El camino se hace al andar".

Rafa Nadal, Pau Gasol, Edurne Pasaban, José Andrés, Fernando Alonso, Ferrán Adrià, Joan Roca… Ella también es marca España. Como ellos, nunca ha sido una más. Tampoco lo es su nombre, Sara Baras, un palíndromo (que se lee igual de izquierda a derecha que de derecha a izquierda). Nació en Cádiz, en la luminosa tierra de los lunes al sol, y se crio en San Fernando, Isla de León, donde el Atlántico se asoma para suavizar el clima y los estragos del paro. Donde más que aire, se respira buen humor. Donde la antigua Casa de Comedias acunó las primeras líneas de La Pepa antes de que se hiciera grande y se promulgara en la Tacita de plata. Allí donde se pueden dar bocados a las olas comiendo ortiguillas, donde la caballa con piriñaca y las tortillitas de camarones recuerdan a los canaíllas que son hijos de la Costa de la Luz. Ese lugar mágico en el que si algo sobra es arte. Lista desde pequeña como los linces de Doñana, Sarita no desaprovechó ni una migaja, todo lo supo recoger: “No conozco mi vida sin baile”.

Mecida por el Levante y contagiada por la gitanería gaditana, el flamenco le llegó directo al corazón. Era solo una cría. Con apenas siete años ya hacía dibujos con su cuerpo menudo y música con sus zapatos. Desde entonces ha cabalgado con sus tacones por los mejores escenarios del mundo, incluso cuando a su padre le hizo un guiño la muerte: “Estuvo a punto de morir y coincidió con el estreno de Carmen en el Liceo de Barcelona. Era la primera vez que una compañía de flamenco abría la temporada de danza en ese Teatro. Ese fue un momento para mí durísimo, pero gracias a Dios salió todo bien”.

Con veinticinco años, la gaditana ya había bailado por medio mundo y con los más grandes. Entonces, clavó tacón simbolizando el peso de la vida y creó su propia compañía. Había llegado para quedarse e iluminar el mundo con su arte. Bebiendo de la tradición, de Carmen Amaya, de Camarón y de su gran maestro y amigo Paco de Lucía, pero buscando el riesgo, desafió a los puristas flamencos: aparcó el traje de cola y se puso pantalones para interpretar la farruca, hasta entonces baile masculino por antonomasia. “O arriesgas o no creces”. La preparación se encontró con la oportunidad y el reto le salió mejor que bien.

Después de veintidós años dirigiendo sus espectáculos, sigue poniendo en pie a un público entregado a su talento desde el Teatro Real de Madrid al City Center de Nueva York. En Asia y en Latinoamérica se rinden a su embrujo y en el parisino Teatro de los Campos Elíseos, ovacionada, es la artista que más veces ha actuado en el último siglo. La más mediática de las bailaoras también ha sido burbuja Freixenet, la única a la que Correos ha dedicado un sello, la que bailó con Paco de Lucía en la madrileña Plaza de Cibeles cuando pasó la antorcha olímpica de los Juegos de Atenas camino a Barcelona, la que tiene una escultura en el Museo de Cera de Madrid. También la que, sin ser esclava de la moda ni de fetichismos, aceptó ser la primera española en tener una Barbie a su imagen y semejanza para que los beneficios recaudados, con las réplicas de la muñeca, se destinaran a Aldeas Infantiles SOS. Y la que arrebujándose el vestido hasta las rodillas y dando alas a sus piernas dejó boquiabierto al mismísimo Rostropóvich. La bailaora no olvida el Festival de Evian que él dirigía y al que la invitó, en sus inicios, como telonera de su concierto: “Había órdenes estrictas de no hacer ruido durante los ensayos del genio”. Mientras la gaditana preparaba un martinete, oyó al genial violonchelista ruso tocar las puertas de los camerinos preguntando por ella. Pensó que la buscaba para quejarse por el sonido de su zapateo: “Casi me da algo cuando le vi llegar. Sin embargo, me insistió en que repitiera el taconeo y dijo: ‘Es increíble que a estas alturas de mi vida hoy haya descubierto un nuevo instrumento musical’”.

Creando coreografías, bailando y haciendo música con los pies, repasando los palos del flamenco acompañada del saxofonista de los Rolling Stones, Tim Ries, o del violín mágico de Ara Malikian, Sara también asoma su cabeza al mundo y le “dan vergüenza las injusticias”. Por eso, se ha metido en la piel “de mujeres heroicas” como Carmen de Bizet, Juana la Loca o Mariana Pineda. Ellas le han devuelto el reconocimiento en forma de Premio Nacional de Danza y le han dejado “huellas en el alma”, aunque reconoce que no se considera “tan valiente como para renunciar a mi vida por unos ideales. Yo no sería capaz de despedirme de mi hijo como Mariana Pineda”.  

Haciendo frente a la pandemia con cultura, dobla mantones y prepara maletas para estrenar Momentos, su nuevo espectáculo, en el Festival de Pedralbes el primer día de junio, pero nunca se despide de su casa, del olor del mar y de la brisa de Cádiz porque “siento, como me dijo una vez Chavela Vargas, que uno vuelve siempre a aquellos lugares donde amó la vida”.

Entre la disciplina militar y la creatividad artística

Mecida por los vientos de poniente y levante, por la disciplina militar de su padre, coronel de infantería de Marina, y la chispa gaditana de su madre, profesora de baile, Sara creció en San Fernando tan alegre como la luz de la tierra que la vio nacer hace cincuenta años. No era gitana, pero el embrujo flamenco se prendó de su desparpajo, de sus ojos verdes y de su expresividad. Tercera de cuatro hermanos, comenzó a asistir a la escuela de su madre, con su otra hermana, siendo muy cría. No tardó en apuntar maneras: “Empecé a bailar con seis años y todavía me veo saliendo del Colegio Juan Díaz de Solís, donde me subí al escenario por primera vez, e ir corriendo para llegar a la clase de danza y ver a mis compañeros. Mi madre organizaba visitas a los Hogares del Pensionista de muchos pueblos de Cádiz, e íbamos con la ilusión de tener público”.  

Cualquier escenario siempre ha sido su sitio. Con solo diez años ya amenizaba las cenas de gala que daban los superiores de su padre: “Como hija de militar, viví siempre al lado de los cuarteles, en contraste total con la familia de mi madre, más volcada en el arte”. También comenzó a recorrer festivales como miembro del grupo Los Niños de la Tertulia Flamenca y no olvida que con su primer sueldo le compró “una bicicleta blanca” a su hermana: “Desde niña ya soñaba que bailaría, pero no me imaginé nunca que llegaría tan lejos”. Influenciada por la pasión artística de su abuelo materno que era pianista clásico, recuerda las lecciones que les daba a sus alumnos, entre ellos a Felipe Campuzano, diciéndoles que “el piano nunca se aporrea, se acaricia”. Empapándose del arte que la vida le ponía en su camino, aquella niña despierta, que jugaba siempre a bailar, tomó nota: “Antes de hacer ruido, hay que intentar hacer música”. Comenzó a acariciar la madera con los zapatos “como el abuelo decía que había que hacer con las teclas”. Aprendió a hacer que sus taconeos fueran mucho más que una percusión, a crear melodía.

Con el pellizco y el compás del flamenco se desató el duende, y con diecisiete años “es cuando ya me lo planteo más en serio”. Después de foguearse en la compañía de Manuel Morao, ganó el concurso Gente joven, un buque insignia de TVE que llegó a superar los datos de audiencia de Un, dos, tres y de Informe semanal. Aquel escaparate de jóvenes talentos hizo que la actuación de la bailaora fuera seguida por ocho millones de espectadores y su popularidad comenzó a subir como la espuma. Tenía dieciocho años: “Mi padre quería que estudiara una carrera y que luego bailara. Mi madre fue la más lanzada y estudié hasta COU, decidiendo no hacer ninguna carrera y me dediqué al baile. Desde el principio las cosas me fueron saliendo bien y eso hizo que mi padre se uniera también”. Hoy, Cayetano Pereyra, “lleno de orgullo”, tiene guardado, desde la primera vez que salió su hija en un periódico, “todo lo que se ha publicado”. Su madre, su primera y gran maestra, le continúa diciendo que hay que conducirse poco a poco porque “las cosas que se hacen a toda prisa no tienen vida”.

Bailando con los más grandes y pisoteando el síndrome de Rett

Con el arte en la sangre y el baile en el corazón, de la intimidad de su tierra ligada por el mar, Sarita, la hija de Concha Baras, llegó a Madrid con poco que desaprender: “Empecé tan joven que hasta los vicios que traía eran buenos. Al llegar a la capital me pusieron en la barra de danza clásica para colocarme el cuerpo y adquirir un lenguaje más amplio. Pensaba que eso quitaría pureza al flamenco, pero todo lo que uno aprende suma. La danza clásica, de hecho, aporta al flamenco”.

Entonces y ahora, antes de pisar el escenario, se desabrocha la hebilla del zapato “y vuelvo a ajustarla de nuevo porque supongo que eso me da seguridad”. No tiene más tics ni supersticiones porque “el baile requiere de estudio, aprendizaje de los maestros y, ante todo, ensayo incansable para acabar dominando la técnica hasta poder olvidarla y expresar lo que el corazón te pide”. La guitarra de su amigo y mentor Paco de Lucía, cuyos discos no se cansa de escuchar, le recuerda “su dulzura, su gran sentido del humor y su genialidad”, pero también uno de los consejos del maestro que siempre ha sido su guía: “Con talento se nace, pero sin trabajar no hay nada”. Exigiéndose el máximo a sí misma y a los que la rodean, “no soporto a la gente que quiere ahorrarse dos gotas de sudor”, con veinte años ya derrochaba poderío por las tarimas de los teatros españoles. También en las de París, en el Town Hall de Nueva York y en el Teatro Verdi de Génova. Sin desaprovechar los aplausos y las lecciones de Enrique Morente, Camarón, Paco Peña, Antonio Gades y del menor de la dinastía de los Lucía, y con su experiencia en las compañías de Paco Cepero, de Rancapino y de Antonio Canales, en 1998, “siendo una chavalilla de veinticinco años”, dio un paso al frente: cerrando el Festival Nacional de Cante de las Minas presentó su nueva compañía. Demostrando que “si la vida evoluciona, el flamenco también”, como Carmen Amaya, “la Capitana”, cuyo relato de vida no se cansa de releer a través de Terenci Moix, debutó hace veintidós años en el Auditorio de Murcia rodeada de bailarinas: “Antes las mujeres solo usábamos los brazos y las caderas, y los hombres los pies; ahora usamos todo el cuerpo”.

Desde entonces, ha derrochado arte en más de cuatro mil representaciones con quince espectáculos que han puesto en pie a los teatros más importantes del mundo. Acumula honores como una de las más grandes bailaoras y coreógrafas de la historia: Medalla de Oro de la fundación John F. Kennedy, Medalla al Mérito en las Bellas Artes, Hija predilecta de Cádiz, Premio Nacional de Danza, cinco Premios Max de las Artes Escénicas, ... Pero el aplauso que más le reconforta lo recibe de su compromiso social, casi tan grande como su dimensión artística: “Ayudar no es una obligación, es un privilegio”. Convencida de que desde que es madre “bailo mejor”, la maternidad le ha enseñado que nada le compensa “si no puedo estar con mi hijo”. También a ver a su pequeño en los ojos de cualquier niño. Por eso, se estremece y recomienda la cinta de Jonathan Jakubowicz, Resistencia, basada en la historia real de Marcel Marceau: el mimo francés que, cambiando su apellido para ocultar sus orígenes judíos, se alistó a la Resistencia francesa en Limoges y salvó a más de trescientos menores de los campos de concentración antes de unirse a las fuerzas de la Francia Libre de Charles de Gaulle. Sin poder imaginar cómo sería una vida sin bailar, “tener libertad para expresarte como quieres no tiene precio”, y evitando guerras, alza la voz para decir que “lo mejor de nuestro país es el flamenco” y que, para combatir el ruido y la crispación, “en esta época tan dura, tan difícil, habría que poner un palo de flamenco alegre, algo con ritmo, con energía bonita. Así es que me voy a mi tierra otra vez, lo siento, me tengo que ir a Cádiz, yo pondría ‘alegrías’ de Cádiz”. Imprescindible, para disfrutarlas, defender “los tres pilares del estado del bienestar que es a lo que doy más valor: la sanidad, la cultura y la educación”.

Colaborando con la Fundación Vicente Ferrer, con la Asociación Española Contra el Cáncer (AECC), llenando el Teatro Calderón para recaudar fondos para la formación de niños con síndrome de Down, se enorgullece también de ser madrina de las Princesas Rett, la asociación de familias con niñas afectadas por una patología neurológica que provoca retraso mental y pérdida de capacidades motoras: “Espero que la investigación de la enfermedad del síndrome de Rett encuentre cura. Eso sería un sueño que yo creo que será una realidad, pero sobre todo un deseo de que sea ya”.

Metiendo en su equipaje la camiseta, que reivindica la atención hacia esta enfermedad, con la que ensaya y en la que se enfunda antes de recibir el aplauso final del público, Sara Pereyra Baras, la bailaora que se viste por la cabeza, pero también por los pies, despide su Playlist. Con el don de quien sabe dejar en el escenario la grandeza y bajarse con humildad, de quien se enfrentó a una quimera y, removiendo con respeto los cimientos del flamenco, conquistó a propios y a ajenos, no olvida a Camarón cuando siendo muy niña le decía: “No dejes de aprender, pero recuerda siempre de dónde vienes”.

La Playlist de Sara Baras:Playlist

Lo mejor y lo peor de nuestro país es …”

Acunada por el arte gaditano, creció zapateando bajo la atenta mirada de Paco de Lucía y de Camarón.

El tablao Villa Rosa ha cesado definitivamente su actividad en Madrid tras 110 años de historia a causa de la "difícil situación" del espacio debida al coronavirus y las restricciones de reunión y acceso a espacios culturales y de ocio, según informa Europa Press.

Según afirmó en redes sociales el bailaor y director artístico de Villa Rosa, Jonatan Miró, este cierre llevó a cabo apenas un mes antes de que se cumpliesen diez años de la "nueva etapa" del tablao. "Como sabéis, la pandemia está haciendo estragos en todos los sectores y mucho más en los tablaos flamencos, que se encuentran totalmente desprotegidos", explicaba Miró, quien además ensalzó los esfuerzos sin éxito del empresario Jesús Rodríguez por mantener el local.

De este modo, el local situado en la plaza de Santa Ana cierra sus puertas después de haber sido uno de los motores de promoción y difusión del flamenco en la capital, y tras haber anunciado un ERE a doce de sus dieciséis trabajadores en junio del pasado 2020.

Se cumplen así los malos presagios del presidente de la Asociación de Tablaos Flamencos de España y director de Torres Bermejas, Federico Escudero, quien afirmó hace unos meses que si no llegaba las ayudas al sector, "los tablaos flamencos desaparecerán, y con ellos todo lo que les rodea".

María José Llergo (Pozoblanco, Córdoba, 1994) aprendió a cantar en el campo, escuchando los cantes del abuelo e imitándolos luego. "Poquito a poquito y pasito a pasito", dice. Entre semana, en el conservatorio, se peleaba con el violín hasta que un día decidió cambiar de instrumento: las cuerdas y el arco por la voz. Bastó una canción, "Niña de las dunas", para que el público empezara a preguntarse quién era aquella y de dónde salían esas letras que sonaban a copla antigua. Por entonces estaban solo la voz y la guitarra, a las que se iría sumando la electrónica y el autotune que hoy forman parte de su propuestaautotune. En enero de 2020 publicó su primer EP, Sanación (Sony), un trabajo con siete temas que venía a presentarla con todas las de la ley en el mundo de la música. Y llegó la pandemia. 

Sanación no ha tenido gira, pero sí ha tenido el reposo para ir ampliando público, a través de sus redes, de los medios —ahí está su aparición en portada de la revista Rockdelux, en La Resistencia o Late Motiv— y de colaboraciones como la del canal Colors, por donde han pasado músicos como Alicia Keys o Nathy Peluso y que le ha permitido encontrarse con el público internacional. Lo demás, irá llegando. Lo canta ella misma: "No quiero correr, no me hace falta". 

Pregunta. ¿Cómo ha sido presentar su primer EP en estas circunstancias?

Respuesta. Mi disco salió el 31 de enero, me dio tiempo a presentarlo en Barcelona, que fue precioso para mí. Y yo obviamente no sabía que iba a venir una pandemia, pero el disco se llama Sanacióny siento que le he dado al mundo no lo que el mundo quería, sino lo que el mundo necesitaba cuando lo necesitaba. Lo que a priori puede parecer un hándicap a la hora de presentar mi trabajo —que lógicamente lo es, porque no es el transcurso razonable de un disco; no tiene gira, por ejemplo—, para mí toma el doble de sentido por el momento que estamos viviendo. Porque lo contextualiza y le da sentido a la obra.

P. No ha podido casi encontrarse con el público.

R. Claro que se echa de menos el directo, porque a mí es lo que más me gusta. Y en directo es donde ves verdaderamente el impacto que tiene la música sobre los demás. Por eso yo cada concierto que puedo hacer lo tomo como si fuera el último, y es para mí un encuentro precioso. Porque además noto que la gente está súper receptiva, que lo necesitan.

P. Al venir de la tradición flamenca, pero no quedarse en ella, ¿cree que se la juzga con más dureza?

R. Todo de pende de quién te mire. Yo respeto mucho a los puristas, tienen que estar, tienen una función. Eso sí, mi música es de autor: yo no utilizo letras tradicionales, yo escribo mis propias letras y las canto pos seguiriyas, por soleá o por bulería. No estoy haciendo un disco de flamenco tradicional.

P. ¿Cómo de atada se siente a la tradición flamenca?

R. Yo no me siento atada al flamenco, al revés, a mí el flamenco me hace libre, me hace feliz. No tiene ninguna connotación negativa a la hora de componer, al revés. No me corto con ningún palo... siempre y cuando lo conozca.

P. Pero llega a un público que no está familiarizado con el flamenco, ¿cree que este público recibe su música de manera distinta?

R. Creo que la recibe como música. No piensa si esto es una seguiriya o una soleá, y se fijan en el mensaje y lo que transmite. Son el oyente más sincero, porque al final es el sentimiento el que prima, no el pensamiento.

P. ¿Hay una diferencia entre el público que va a verla dentro de un ciclo flamenco, por ejemplo, y el público que va a verla al Inverfest?

R. Yo tengo un público súper diverso, vaya a donde vaya, y esa es una de las cosas que más me gustan de la música. Veo que hay personas muy diferentes encontrándose en el mismo sitio, disfrutando de lo mismo. Para mí, eso es un reflejo de lo que quiero que sea la sociedad: que esté unida, pero con su diversidad intacta.

P. Parece haber un interés renovado, entre los creadores de su generación —años arriba, años abajo—, en la música popular. ¿Por qué cree que sucede?entre los creadores de su generación —años arriba, años abajo—, en la música popular

R. Creo que es una necesidad de acercarse a las raíces. Estamos tan sobreestimulados y tenemos el centro tan fuera de nosotros mismos que una forma de encontrarnos con nosotros es buscar en lo más puro que tenemos. Creo que alimentando la raíz podemos alimentarnos a nosotros mismos y ser mejores. Es una tendencia bonita.

P. En su caso, el contacto con la raíz y con la música popular estaba muy fresco.

R. Por parte de mi abuelo, he tenido el cante conmigo desde que nací. Yo he tenido mucha suerte, porque hay una desconexión generacional, hay generaciones que han perdido el relevo de sus padres y de sus abuelos. Hemos pensado: estos son cosas de viejo. Pero es que las cosas de viejo son tus cosas y tienen un valor incalculable. La pena es que por este menosprecio muchas veces se han dejado de documenta cantes, letras, se han perdido herencias culturales que merecía la pena haber guardado.

P. Si piensa en una genealogía de la que usted podría formar parte, ¿qué nombres aparecen?

R. Pastora Pavón, Enrique Morente, Camarón de la Isla, la Niña de La Puebla, el Niño Gloria, la Niña de Antequera, Billie Holiday, Etta James, Amy Winehouse, Whitney Houston, Arvo Pärt, Sarasate, Paganini, Marvin Gaye, Lola Flores... A mí me gusta todo lo bueno, venga de donde venga.

P. En el tema "Nana del Mediterráneo" trata la falta de asistencia a los migrantes que naufragan en el mar. ¿Cómo trabaja con el compromiso político en sus letras?"Nana del Mediterráneo"

R. Desde el amor, desde el respeto, desde no querer romantizar una situación. Intento siempre dignificar a las personas que sufren discriminación. Se puede tocar cualquier tema en este mundo con respeto. Entiendo que lo que está pasando en el Mediterráneo no es un tema que le interese escuchar hoy al gran público, pero es que es lo que está pasando. Si a mí me conmueve y me toca por dentro, mi voz lo va a cantar, pero porque mi voz es una extensión de lo que yo soy y lo que yo pienso. Ahí está mi libertad como artista.

P. En 2018 decía en una entrevista: "Me han querido domesticar y no lo han conseguido". Al entrar en la industria musical y en una gran discográfica, ¿ha sentido presión?"Me han querido domesticar y no lo han conseguido"

R. No. Yo mi compromiso [político] lo adquirí antes de firmar con nadie, entonces yo lo primero que dije fue: soy María José, hago esto y lo hago así, si estáis de acuerdo conmigo caminaremos juntos, y si veis en mí un potencial producto, estamos muy equivocados. Lógicamente, me siento súper respetada por discográfica. Respetada, escuchada y apoyada. Sé que existen otras experiencias, pero yo tengo esta suerte.

P. El anuncio de Cruzcampo con el deepfake de Lola Flores, en el que usted participaba, ha provocado mucho debate. Entre otras cosas, por la utilización comercial del llamado nuevo andalucismo y la recuperación de una cierta cultura andaluza. ¿Se siente parte de este movimiento?deepfakeen el que usted participabautilización comercial del llamado nuevo andalucismo

R. Yo entiendo que se politice la libertad del habla, pero como persona voy más allá. Voy a lo humano, al respeto: el respeto a la diversidad, a la diversidad de origen, a la diversidad de amar, a la diversidad de pensamiento, a la diversidad en todo su apogeo. Estoy más con las personas que con los partidos políticos. Y si reivindico mi lengua es porque merece respeto, igual que todas. Y el respeto tiene que ser una cosa universal que no pasa de moda; no es cuestión de un movimiento, tiene que ser perpetuo. No se puede ridiculizar a nadie ni por su origen ni por su color de piel ni por su forma de amar ni por su forma de hablar. Aquí estamos todos con condición de personas.

P. ¿Se siente parte de un movimiento cultural andaluz?

R. No lo sé, pero me enorgullece muchísimo ver a gente joven con este amor a su tierra, a sus raíces, y con este nivel de conciencia. Cada vez que veo a alguien de mi tierra haciendo cosas maravillosas, me alegro. Para mí, tener compañeros y no sentirme sola en esto es lo más. Es un apoyo. Y que cualquier persona que vaya a otra comunidad autónoma a estudiar, y va con su acento, con su lengua, no se sienta condicionado. Que los periodistas no tengan que moderar su acento, por ejemplo, para estar en según qué medios. Que no se tengan más o menos oportunidades dependiendo de tu condición. Porque estamos teniendo una pérdida social inabarcable e imperdonable.

P. ¿Se ha sentido discriminada por su acento, por su origen...?

R. A veces me han sugerido que modere mi acento. Y he escuchado que si los andaluces tal, que si los andaluces cual. Andaluza, qué graciosa, cuéntame un chiste. ¿Perdona? Es el desconocimiento, y hay que tener paciencia. Eso sí, hay cosas que no voy a tolerar. Respeto el desconocimiento, pero la maldad no.

El Teatro La Latina ha anunciado la cancelación del estreno de la primera representación del espectáculo 'Yerma', de Rafael Amargo, que estaba prevista para este jueves 3 de diciembre a las 20.00 horas, "debido a la situación públicamente conocida", en alusión a la detención del bailarín, según informa Europa Press. 

No obstante, respecto al resto de funciones, el teatro ha indicado que "por el momento" se mantienen, "a la espera de nueva comunicación por parte de la compañía invitada".

"Lamentamos los inconvenientes que puedan generarse para los espectadores que ya habían adquirido sus entradas para la función de este jueves, 3 de diciembre, cuyo importe les será devuelto por el mismo canal por el que realizaron la compra", ha añadido.

A lo largo de la tarde se tomará declaración en los juzgados de instrucción Plaza Castilla al bailarín y a otras tres personas detenidas en la Operación Codax. 

En Madrid, han caído ya seis, entre ellos dos históricos como el Café de Chinitas y Casa Patas. Los otros 15 tablaos flamencos de la capital, y el centenar de toda España, tiemblan desde la declaración del Estado de alarma. Porque, a diferencia de otros negocios, ellos no han vuelto a abrir. Tienen varias circunstancias en contra: la disposición física del escenario, habitualmente estrecho, donde se reúnen los artistas; el hecho de ser locales de restauración y espectáculo, lo que endurece las medidas de seguridad; y su dependencia del turismo internacional. "Los tablaos flamencos dan trabajo al 95% de los artistas de flamenco en España", defiende Juan Manuel del Rey, presidente de la Asociación Madrileña de Tablaos Flamencos y director de Corral de la Morería. "Si desaparecen los tablaos desaparece el flamenco". Ellos son los protagonistas de esta nueva entrega de la sección Detrás del telón, en la que nos fijamos en labores culturales que se quedan fuera de los focos.

Del Rey insiste en que los tablaos no son solo restaurantes con espectáculo o un importante atractivo turístico, algo que hipotéticamente les igualaría con otro tipo de negocios. Los tablaos son "la industria del flamenco". El empresario es hijo de Manuel del Rey, fundador del Corral de la Morería, y de Blanca Ávila Molina, más conocida como Blanca del Rey, bailaora y coreógrafa que ahora ejerce también como directora artística de la sala. Conoce más que bien el mundo del flamenco. Y explica que, aunque haya artistas que hacen giras por teatros, estas no suelen suponer más de 20 o 30 actuaciones al año: "Con esas cifras, no se sobrevive. La mayoría se gana la vida en el tablao, que abre los 365 días del año". No en 2020, claro. Porque el presidente de la asociación insiste en que este es el sector "más castigado", el único en el que "ha reabierto el 0%" de los locales. 

Y hay otro factor que hace de los tablaos un elemento central para este arte: "Los tablaos son la universidad, el doctorado y los centros de investigación del flamenco", defiende. Por la continuidad de las actuaciones, sirven como mantenimiento y puesta a punto de las voces, de los instrumentos y los cuerpos. Y por la flexibilidad de la programación, son espacios abiertos a la improvisación y, dice Del Rey, la "competencia sana pero muy fuerte por evolucionar". Ahora existen muchas más escuelas de baile, toque y cante de las que existían cuando su padre fundó el Corral en 1956, y existe incluso una educación formal. "Pero de las academias se sale con lo básico. Para seguir aprendiendo, para llegar a lo más alto, tiene que se en los tablaos. Ahí es donde el flamenco lo es en su más pura esencia, y ahí es donde se encuentran con otros artistas". 

Y la lista de los que pasaron por el Corral de la Morería es larga. Ahí se presentó Entre dos aguas, de Paco de Lucía, recuerda. Ahí debutó Isabel Pantoja. Ahí han actuado Antonio Gades, La Chunga, Fernanda y Bernarda de Utrera, Manuela Vargas, la Paquera de Jerez, Diego el Cigala, José Mercé, Antonio Canales... Los promotores como Del Rey señalan que no se puede separar el arte o los artistas flamencos del contexto en el que estos trabajan. Su nombramiento como Patrimonio Inmaterial de la Humanidad en 2010 por la Unesco debía contribuir a "asegurar la viabilidad", según el dossier presentado entonces. Si se quiere proteger al flamenco, apunta Juan Manuel del Rey, se tienen que proteger los espacios donde se produce. ¿Seguirán creando los  bailaores y músicos si no se pueden ganar la vida con su arte? ¿Cómo afectará al desarrollo del flamenco la desaparición del medio de subsistencia del "95% de los artistas"?

En estos locales, según cuenta la Asociación Madrileña de Tablaos Flamencos, pueden actuar una decena de artistas cada noche, con un público de un centenar de personas. En su espíritu, los tablaos se podrían parecer a una sala teatral, pero en su disposición se asemejan a un restaurante, con la salvedad de que necesitan reunir a muchos más clientes para que se pueda pagar a los trabajadores culturales y de restauración y, además, que sea rentable. La normativa sanitaria frente al covid-19 obligaría, sin embargo, a reducir el número de asientos hasta el 30% de su aforo habitual. "Nosotros vamos a cumplir escrupulosamente con la normativa de sanidad, por nuestros clientes y por nuestro equipo. Pero con 30 personas entre el público no se puede abrir un tablao", zanja Del Rey. 

Y a eso se añade su dependencia del turismo internacional, que algunos les han afeado. "Esto es como el Museo del Prado", se defiende, "tendremos el mismo porcentaje de público internacional, y no por eso se ve de forma negativa el Museo del Prado". Pero la cuestión es que el Prado también se ha enfrentado a esta evidencia, que daña gravemente sus cuentas anuales, y que ha invitado a muchos a preguntarse si la institución museística debería ser, ante todo, un reclamo turístico. ¿Cómo podrían los tablaos llamar al público local? Juan Manuel del Rey se toma unos segundos para contestar. Algunos ya lo hacen, defiende, como el propio Corral, que puso a David García como jefe de cocina para reforzar el proyecto gastronómico, haciéndose finalmente con una Estrella Michelín, o produciendo espectáculos propios, como Zincalí, dirigido por Antonio Najarro. Pero dice también: "En Broadway no abren hasta 2021. Mira que los americanos son muy buenos en márketing, y han dicho que olvídate. Cambiar públicos de la noche a la mañana es muy complicado". 

¿Qué necesitan, entonces, qué puede hacerse? Lo que piden es ayuda institucional. De hecho, han formado ya una organización nacional para poder reunirse con los ministerios de Cultura y Turismo, cosa que aún no han logrado. La asociación madrileña sí ha estado en conversación "fluida" con el Ayuntamiento y la Comunidad: el primero les ha incluido en el programa Aplaude, que le sufragará parte del alquiler entre marzo y septiembre; la segunda ha organizado actuaciones en distintos puntos de la región y ha lanzado una campaña de patrocinios para la reapertura. "Estamos agradecidos del interés y de que se nos incluya en las medidas", repite Del Rey una y otra vez, temeroso de parecer desagradecido tras una comunicación que valora positivamente. "Lo que pasa es que no llegamos a 2021. No llegamos". 

Carmen Amaya (Barcelona, 1913 - Begur, Girona, 1963) es la bailaora más universal que ha tenido el flamenco hasta la fecha y aparece en La mitad de todo, la sección de Verano libre dedicada a recordar a las mujeres que marcaron la historia española del siglo XX, porque ella supuso un punto y aparte en esta forma de arte.

La carrera de la catalana comenzó desde muy pequeña, con cuatro años, sin pretenderlo. Su familia –eran siete hermanos–, vivía en las barracas del barrio barcelonés de Somorrostro y su madre, Micaela Amaya Moreno, era ama de casa mientras que su padre, Francisco Amaya, conocido como El Chino, se dedicaba a tocar la guitarra por los bares de su pueblo. La situación familiar hizo que Carmen Amaya tuviese que acompañar a su padre a las tabernas y bailar y cantar para conseguir un poco de dinero. Gracias a estas actuaciones, el empresario Josep Santpere se fijó en la pequeña artista y la contrató para trabajar en el Teatro Español de Barcelona.

Su primera función fue en 1924, en la obra La campana de Gràcia, y a partir de ese momento no paró de trabajar y de recibir halagos por su forma de bailar, que aprendió sola, sin necesidad de acudir a ninguna academia, y con la que revolucionó el flamenco que se venía haciendo hasta la fecha.

Con tan sólo catorce años, el nombre de Carmen Amaya apareció en el periódico Mirador, Sebastián Gasch, periodista y crítico de arte, le dedicó las siguientes palabras: "[...] De pronto, un brinco. Y la gitanilla baila. Lo indescriptible. Alma. Alma pura. El sentimiento hecho carne. Movimientos de un descoyuntamiento en ángulo recto que alcanza la geometría viva".

Argentina, su escenario predilecto

La Capitana, como así la llamaban por su actitud en el escenario y su forma de ser en el día a día, continuó bailando y, en 1935, se consagró como la bailaora más importante gracias a su presentación en el Teatro Coliseum de Madrid. Carmen Amaya trabajó con otros grandes artistas españoles de la época como Pastora Imperio, destacada bailaora, o junto con los cantantes de copla Miguel de Molina y Conchita Piquer.

El 18 de julio de 1936, la artista tenía que ir a actuar a Buenos Aires (Argentina) pero la sublevación franquista hizo que su viaje se retrasase, aunque finalmente llegó y su estancia se prolongó nueve meses, ya que siempre llenaba los teatros a los que llevaba sus espectáculos. Desde ese momento, sería su segunda casa, a la que regresaría de forma continuada para actuar. Sin embargo, su arte no sólo lo vieron en aquel país, sino que también cosechó éxitos en México, Brasil, Colombia, Venezuela, Uruguay y Cuba. Inclusoactuó en Sudáfrica.

Carmen Amaya durante una actuación. EUROPA PRESS

Tras su gira por Sudamérica, la bailaora se instaló en 1942 en Nueva York y actuó en uno de los teatros más importantes de la ciudad, el Carnegie Hall. En esos años conoció al presidente Franklin D. Roosevelt, para el que actuó en la Casa Blanca, y la vieron bailar otros importantes artistas como Charles Chaplin, quien la definió como "un volcán alumbrado por soberbios resplandores de música española". Y es que Carmen Amaya actuó en Hoollywood, ante 20.000 personas, representando El amor brujo, del compositor Manuel de Falla. También reconoció su trabajo Orson Welles, actor, productor y guionista estadounidense, quien aseguró que La Capitana era la mejor bailarina del mundo.

En 1947 regresa a España, pero compagina su estancia con una gira europea, a través de la cual llegó a conocer a Isabel II. Según la biografía de la flamenca, en 1948 aparece en la portada de un periódico londinense una fotografía de Carmen Amaya y la regente bajo el subtítulo de "dos reinas frente a frente", y es que la monarca británica la felicitó después de presenciar su espectáculo, Embrujo español, en el Princess Theater de Londres. Su leyenda ya era mundial.

El baile le dio años de vida

La Capitana no dejó de subirse a los escenarios a pesar de sufrir desde pequeña problemas renales. Según su biografía, sobrevivió gracias a su forma de bailar, con la que quemaba las toxinas que no eliminaba a través de los riñones, ya que en aquella época no existía la diálisis y, además, los enfermos no sobrevivían muchos años. Ella aguantaría un poco más de lo normal, hasta los 50 años. 

En el verano de 1963, ya en España, rodó la película Los Tarantos, una de tantas en las que participó a lo largo de su trayectoria profesional y, en noviembre de ese mismo año, moría como consecuencia de su enfermedad. A pesar de que su cuerpo dijo basta, Carmen Amaya aceptó un último baile, para un acto benéfico en su pueblo, Begur, pero no pudo terminar la actuación. El flamenco y su forma desgarradora de bailar le regalaron años de vida, pero ya le dolía moverse y no pudo aguantar más.

El Jueves, en la calle Feria de Sevilla, no es solo el día que va antes del viernes. Es un lugar de encuentro e intercambio, una convención cultural, una ocupación (¿política?) del espacio público, una expresión de sabiduría popular, una institución. Es un mercadillo. Uno que se celebra desde el siglo XIII cada jueves —excepto el Santo— y que ha ido derivando, con el paso de los años (de los siglos) en una feria dedicada a las antigüedades y los objetos de segunda mano... en un sentido amplio. Aquí puede haber un sifón de principios del siglo XX, allí una talla de un crucifijo, allí unos trajes de flamenca de la temporada pasada, más allá unos juguetes viejos, allí cachivaches sin identificar y allí, en aquellos puestos, vinilos y casetes que han sobrevivido al mp3 y a la nube. 

Por allí deambulaba Rocío Márquez (Huelva, 1985), la adolescente que quizás aún dudaba si llamarse a sí misma cantaora, vecina de una calle cercana desde los 15 años. Y allí se labraba parte de su cultura musical, dándose el capricho de comprar un vinilo o una cinta de vez en cuando. Visto en El Jueves (Universal), su nuevo disco, está compuesto solo de cantes y canciones que descubrió ahí, trasteando cerca de la plaza de Monte Sión. "Me gusta el encanto de los objetos que ya han tenido una vida y que tú se la puedes prolongar. Puedes reinventarla, de alguna manera", cuenta la música en Casa Patas, en Madrid, el tablao madrileño donde presentó el disco el pasado 28 de febrero. Y ahí, en ese mercadillo que se resiste a morir —y que ha estado a punto de hacerlo varias veces—, hay otra cosa. "La memoria colectiva", dice. "Estamos en un momento en el que empezar a hablar otra vez de Autonomía, de género y de memoria histórica es necesario. Eso, de una manera quizás más inconsciente, me ha llevado a todo esto".

"Todo esto" es un disco que nace de su encuentro con el guitarrista Canito, con quien tocó por primera vez en el espectáculo Naranja amarga, de la bailaora Leonor Leal, allá por 2013. "Deberíamos hacer algo", le dijo entonces Márquez al tocaor. Visto en El Jueves es ese algo, donde se suma también el trabajo de la cantaora con el artista plástico Manuel León, con quien ha paseado el espectáculo La costilla de Rocío y que aquí se encarga de los dibujos de la carátula, sobre fotografías de Celia Macías, que también la acompaña desde hace un tiempo, como Agustín Diassera, a la percusión. Hasta el tema número 15, "Andaluces de Jaén" con Kiko Veneno, lo recoge Márquez de su concierto en el Auditorio Nacional en 2018, a donde el músico acudió como artista invitado. El disco es también en esto un ejercicio de acopio, recuperación y reutilización —para empezar, del formato guitarra, voz y percusión, que Márquez no ha trabajado en los dos últimos trabajos—. Como el propio mercadillo. 

Los 14 primeros temas siguen en común, además de su lugar de encuentro, un hilo sentimental: "Me han tocado". La selección es heterodoxa, como acostumbra la ganadora de la Lámpara Minera en 2008. Ha llovido desde entonces, y Márquez ha pasado ya por un rompedor homenaje a Pepe Marchena (El Niño), un trabajo de flamenco de vanguardia (Firmamento) y un maridaje entre el flamenco y la música barroca (Diálogos de viejos y nuevos sones, con Fahmi Alqai). Aquí hay emblemas de la canción mexicana como "Luz de Luna" (primer single del disco), tangos argentinos como "Trago amargo" o "El último organito", coplas como "Me embrujaste" o "Se nos rompió el amor", y también fandango, rumba, petenera, rondeña... "A la hora de arreglar", celebra Márquez, "Canito es muy inteligente: los cantes los acanciona, y las canciones las vuelve cante". Así, "El último organito" se convierte en una vidalita, y una mariana como "Entorna la puerta" lleva "a cualquier sitio antes que al flamenco". 

La relación de la cantaora —en este trabajo, también productora por primera vez— con los distintos temas viene de lejos. "Luz de Luna", por ejemplo, no le llegó por voz de Chavela Vargas, como a la mayoría. "La primera vez que la escuché tenía ocho años y estaba en la peña flamenca de Huelva. La cantaba una niña que estaba en el mismo grupo, y me enamoré", recuerda. Su profesora, Amparo Correa, le grabó una cinta donde estaba esa canción, hecha cante por el Cabrero, cantaor mítico conocido también por su compromiso político. La misma versión con la que se topó ella, casi una década después, curioseando por los vinilos de El Jueves. A la composición original de Álvaro Carrillo, él sumaba la "Vidala del nombrador", de Jaime Dávalos, que ella ha respetado, continuando la letra del mexicano con una melodía propia allí donde la dejaba el cantaor. El investigador cultural Pedro Jiménez, en el texto que acompaña el disco, compara este proceso con el de la "remezcla", pero también con la transmisión del saber popular, que corre de mano en mano. 

El trabajo de Rocío Márquez vuelve a caminar sobre la cuerda tensada que une tradición y vanguardia. Aquí hay, como recuerda la creadora, un buen puñado de "cantes en desuso" —la mariana, la serrana, la vidalita...— que ella recupera como se hace con los objetos de El Jueves. Y que reinventa, porque la distancia entre la mariana de "Entorna la puerta" de Menese y la de Márquez, dulcificada y acompañada de una sugerente percusión, es ancha. En "Llegar a la meta", la cantaora toma prestado el recitado de los romances de Pepe Marchena, pero con versos de Antonio Orihuela, exponente de la poesía de la conciencia nacida en los noventa. Y en las canciones, más de lo mismo: "Todas las conozco yo a través del flamenco. No hay ninguno que no venga de ahí". Es decir, que esos tangos y esas coplas ya llegaban remezclados. 

En las páginas centrales del libreto que acompaña al disco se lee una cita de la escritora Ursula K. Leguin: "No estoy perdida hasta que pierda la memoria". Y hay al menos tres temas en el disco que siguen esta sentencia en su sentido más político. Está "Andaluces de Jaén", el canto a los "aceituneros altivos" escrito por Miguel Hernández y musicalizado por Paco Ibáñez. Está "Andalucía", popularizada en los setenta por el Turronero: "Con las manos hechas jirones/ campesino te has quedao/ y han empapao los terrones/ la sangre que has derramao". De la misma época es "Empezaron los cuarenta", con letra de Moreno Galván y popularizada, de nuevo, por Menese, un cante a la posguerra española: "Se hizo el reparto de pan,/ tan alabado y bendito,/ sin derecha y sin izquierda:/ dando más bienes al rico/ y a los pobres más miserias". 

Márquez, heredera del flamenco comprometido, no duda en impregnar sus cantes de feminismo, ecología y lucha de clase, y tampoco duda en pronunciarse políticamente. Con los resultados de las elecciones andaluzas aún frescos, su voz se ensombrece: "Lo que ha pasado con Vox es una cosa que a mí me aterra. Es verdad que el PSOE llevaba mucho tiempo, es verdad que había que refrescar… Pero esto no nos lo podíamos esperar. El susto ha sido muy gordo". La cantaora teme un regreso "de la época de los señoritos y de las grandes desigualdades, de muchos teniendo muy poco y muy pocos teniendo mucho". Este disco es anterior a la irrupción de la extrema derecha, pero cree intuir en él una receta, o más bien un camino: "Volvemos atrás. Estamos en un momento dedicado donde es necesaria la toma de conciencia y la acción. Y yo eso lo encuentro en la memoria, en la colectiva, en la histórica". 

El cantante Antonio José Cortés Pantoja, conocido como Chiquetete, ha fallecido en Sevilla tras sufrir un ataque al corazón, según han confirmado este domingo a Europa Press desde Idarte Producciones. Desde esta productora han explicado que el cantante se encontraba hospitalizado en la Clínica de Fátima de Sevilla por una operación de cadera que se ha complicado, y ha fallecido finalmente por un ataque al corazón.

El tanatorio de la SE-30 acoge este domingo el velatorio del cantante. El cuerpo ha llegado sobre las 10 horas de este domingo a las instalaciones y se encuentra en la sala VIP.

Antonio José Cortés Pantoja, hijo de Manuela Pantoja Cortés, nació en Algeciras (Cádiz), aunque pronto su familia mudó su residencia a Sevilla cuando contaba con ocho años. Con 12 años se inició en el mundo artístico formando parte del conjunto Los algecireños (posteriormente llamado Los Gitanillos del Tardón), junto a Manuel Molina Jiménez y Manolo Domínguez 'El Rubio'.

En ese momento adoptó el nombre artístico de su tío materno, y padre de la también artista Isabel Pantoja, Juan Pantoja Cortés, que había formado un trío flamenco llamado Trío de los gaditanos junto a Florencio Ruiz Lara y Manuel Molina El Encajero y que, a su vez, había tomado el nombre artístico de su padre Pipoño de Jerez, posteriormente conocido como El chiquetete de Jerez, debido a que una vecina de la localidad y natural de Alicante comenzó a llamarle 'xiquet (niño)'.

Alternando su carrera con el trío con actuaciones en diferentes festivales, en 1976 obtuvo el Premio Mairena del Alcor. Tras ello inició su carrera en solitario con la grabación del LP Triana despierta junto a Paco Cepero y Enrique de Melchor.

Durante unos años continuó como cantaor flamenco hasta que en 1980 con su LP Altozano, da un giro a su carrera y se adentra en un género de balada romántica con influencia flamenca. El segundo LP de esta etapa, Tú y yo, de 1981, contenía todavía ritmos tradicionales como bulerías, fandangos o soleares. En 1988 lanzó Sevilla sin tu amor, que contenía uno de sus mayores éxitos: la sevillana A la Puerta de Toledo. Un año más tarde publicó Canalla, con temas compuestos por Juan Pardo.

En 2004 publicó Como la marea, bajo la producción musical de su hijo Fran Cortés. Este hijo, junto con el mayor, Antonio, y una hija, Rocío, son los tres habidos en su matrimonio con su primera esposa, la bailaora Amparo Cazalla Mora.

Susana Díaz: "Nos quedara para siempre su arte"

La presidenta de la Junta de Andalucía en funciones, Susana Díaz, ha lamentado la muerte del cantante, quien ha destacado su "manera dulce y contenida de interpretar la canción flamenca". Desde su cuenta de Twitter, Susana Díaz ha trasladado su "pesar y condolencias a toda la familia del flamenco por la muerte de Antonio Cortés Pantoja, Chiquetete".

"Nos queda para siempre su arte, esa manera dulce y contenida de interpretar la canción flamenca, de la que fue su hacedor", añade la presidenta de la Junta en su comentario en Twitter, que concluye con un "DEP".

Por su parte, la Sociedad General de Autores y Editores (SGAE) ha lamentado "profundamente" la muerte del cantante, que era socio de la sociedad desde 1996. "En estos difíciles momentos, los Autores y Editores que integran la SGAE se suman al dolor de su familia, amigos y compañeros, a quienes desean trasladar su más sentido pésame. Descanse en paz", ha transmitido la SGAE en un comunicado.

El poeta Luis García Montero, presidente de la Sociedad de Amigos de infoLibre, y la cantante Soleá Morente actuarán esta semana en Madrid dentro del ciclo Tenemos la palabra. Se trata de un proyecto que tiene como objetivo "acercar la poesía a lugares distintos a los centros de las grandes ciudades", donde la oferta cultural ya suele ser amplia y de calidad, además de "poner en diálogo" a la poesía y la música porque, aunque comparten historia y origen, "suelen operar en circuitos separados".

El jueves 21 de junio, Montero y Morente cierran el ciclo con Tendrá que haber un camino a las 19.30 horas en el Centro Cultural Nicolás Salmerón, en el distrito de Chamartín. Repetirán el espectáculo viernes y sábado a la misma hora en el Centro Cultural Zazúar (Villa de Vallecas) y en el Centro Cultural Paco de Lucía (Latina), respectivamente. 

Antes de ellos, en mayo participaron la escritora Ada Salas y el músico Josele Santiago con el espectáculo El lujo no es un objeto.

El joven cantaor que era Arcángel (Huelva, 1977) en los noventa se topó con un sonido que jamás había escuchado en un tablao. En su disco Lorca (1998), el maestro unía el flamenco y las Voces Búlgaras en "Cantar del alma" y "Campanas por el poeta". Por entonces, el coro conocido como Angelite - Voces búlgaras o El misterio de las voces búlgaras había unido con sorprendente éxito internacional los cantos polifónicos contemporáneos y la diafonía tradicional del país eslavo. "Desde el principio, cuando lo escuché se me pasó por la cabeza: algún día", cuenta. Con Al este del cante Al este del cante(Universal), un nuevo disco que comenzó a fraguarse en los directos hace cinco años, el músico cumple aquel propósito juvenil. 

El cantaor, renovador de la tradición desde dentro en sus anteriores trabajos, da en Al este del cante un tirón hacia la vanguardia. Para ello, y en primer lugar, se hace acompañar por el coro Las nuevas voces búlgaras - Estruna, dirigido por Georgi Petkov, en siete de los diez temas. Un feliz encuentro propiciado por el equipo de Jazz Plus, promotores búlgaros de citas como el Olé Festival y responsable de hacer viajar a Arcángel hasta Europa del Este. "Empezamos a hablar de la posibilidad de hacer algo y cuál no sería mi sorpresa cuando tiempo después me llaman y me dicen que sí, que lo tienen. A los seis meses estábamos montando el proyecto", recuerda el músico. Corría el 2013.

El conjunto reunido por Petkov, que ya había colaborado con Morente, se compone de 10 voces femeninas y una masculina, acompañadas en ocasiones por la percusión de Agustín Diassera, la guitarra de Rycardo Moreno o Dani de Morón y el contrabajo de José Manuel Posada, Popo. Como su anterior trabajo, Tablaos (2015) es una grabación en directo extraída de sus conciertos de Mérida, la Granja (Segovia) y Alájar (Huelva) en agosto de 2017. 

Si ha pasado un lustro entre el comienzo de la producción y la grabación del disco es porque el equipo necesitaba, en palabras de Arcángel, "establecer unos lazos de confianza personales". De un lado, el folclore búlgaro, con sus armonías y cadencias. De otro, el flamenco. "Aquí hablamos del flamenco, pero yo llego allí y empiezo a coger sus canciones y a desvirtuarlas, por decir algo. Claro que genera controversia: es como si vienen y me quieren cambiar la soleá", cuenta. Por eso, entre otras cosas, rechaza el manoseado término de "fusión". Es imposible "llegar al tuétano", hacer una mezcla perfecta, defiende, cuando se trata de unir "dos mundos antagónicos". Él prefiere hablar de diálogo: "llegar a unos acuerdos y llegar a entenderte sin pretender unirte completamente". Eso les ha llevado años, cambios en el repertorio, en los arreglos y en los músicos. Y aún así, dice el cantaor, el disco solo supone "una primera madurez, que en directo [en Barcelona, Cádiz, Logroño y Málaga en mayo, en Madrid cinco fechas en septiembre] alcanzará un grado distinto". 

Pero hay tres temas en el disco que resultan especialmente significativos. Son, dice el cantaor, tres "pequeños agradecimientos a personas que han sido determinantes en este último cambio que ha sufrido la historia del flamenco". El desafío no es pequeño: el cantaor se arranca por "La aurora de Nueva York", uno de los hitos de Enrique Morente; por "La leyenda del tiempo", unida al nombre de Camarón, y "Cabalgando", de Lole y Manuel, que comparte con la primera. "Ellos rompieron muchas cadenas en un momento en que yo empezaba a formarme como persona y como alguien a quien le gustaba la música flamenca", continúa. Y no se trata, dice, de "rectificar a nadie". En su homenaje, quiere señalar "lo maravilloso de una música que en su primera época fue rechazada" y "quitar el estigma de que solo pueda cantarse a aquellos que hace 60 años que no están con nosotros". Si hay, defiende, en el mundo del flamenco, una cierta "culpabilidad" de tomar cantes de los maestros recientes, es hora de quitársela de encima. 

Otro peso del que se ha liberado el cantaor: el de los palos. En este trabajo, y por primera vez, no hay palo que acompañe a cada tema, indicado entre paréntesis como se estila. Es una decisión tomada también por artistas como Rocío Márquez en su disco Firmamento o como Rosalía en Los Ángeles. "Quería huir de los palos. En proyectos como este trabajas 'al aire de' o 'que suene a', pero tienes que adaptar las melodías y los ritmos a lo que está sucediendo. Si no, es imposible y acabas siendo esclavo de esas etiquetas", explica. ¿Sintió vértigo al soltar esas referencias que hasta ahora le habían acompañado? "Para mí ha sido fácil. Tú haces lo que haces, y no hay que tener miedo a que los demás opinen. Lo que yo no puedo pretender es, si tengo formación flamenca, que me tomen por una soleá algo que no lo es. Con esto de que si lo que hace Fulanito es o no flamenco... la gente se ofende mucho, pero yo no. Vas al mercado y ves una botella en la que pone leche; si luego cuando la abres en tu casa es vino blanco, pues no te gustará". Por eso, dice, Al este del cante bebe de "los cantes sin ritmo, los cantes de fragua, como el martinete o las deblas". Pero no dirá que sus cantes son ni una ni otra cosa. 

El músico rompe una lanza por los renovadores del género, crucificados primero por el purismo y elevados luego a los altares por ese mismo canon. Pero Arcángel, tan experto en los vericuetos del fandango de Huelva (el palo que le ha servido de estandarte durante su carrera) como en sacudir prejuicios, rechaza el enfrentamiento entre tradición y vanguardia. Él, como otros muchos de su generación, lo mismo se sube a un tablao (a ese espacio mítico del flamenco homenajeaba en Tablaos) que se rodea de 11 voces búlgaras en un teatro de la capital. "Para mí admirar a Pepe Marchena [renovador del cante en el siglo XX] o a Agujetas [figura de la tradición] no es ningún problema, o Camarón y a Antonio Mairena [estudioso de los palos y cantes tradicionales]. No quiero renunciar a nada, no entiendo el arte como una negación ni del pasado ni del futuro. Ambos están condenados a entenderse y yo quiero estar ahí". 

Para volver a casa, el músico Raúl Rodríguez (Sevilla, 1974) tuvo que viajar a Haití. Le llevó hasta allí Jackson Browne, icono del folk estadounidense con el que ya había construido un espectáculo de intercambio entre los sonidos norteamericanos y los hispánicos. Aquella primera noche el también antropólogo escuchó tocar "Voodoo child", de Jimi Hendrix, la primera canción que trasteó con la guitarra eléctrica a los 14 años, en la misma tierra del vudú, por el hijo de uno de sus líderes musicales y espirituales. De algún lugar de la memoria regresaron las grabaciones de Veneno, la voz de Maribel Quiñones, Martirio, su madre. "Es lo más parecido que he visto yo a ese ambiente que viví de pequeño, y me resultó alucinante", cuenta. Algo hizo clic. 

De aquello salió La raíz eléctrica (Fol Música), el disco de "afroflamenco eléctrico" —a falta de un nombre más corto— que acaba de publicar y que presenta el 23 de noviembre en Madrid. Es, en realidad, la segunda parte de un proyecto interminable, AntropoMúsica creativa de los cantes de ida y vuelta, que inició con Razón de son (2014), su primer disco en solitario. La propuesta: unir sus dos profesiones para estudiar y divulgar los caminos de la música raíz española, siempre a través de una música nueva que alargue la tradición. Aquí se asoma a los ritmos africanos que encontraron refugio en Haití, pero el viaje viene de lejos: en su lista de colaboraciones están figuras de Manuel Molina a Chavela Vargas, de Compay Segundo a Mayte Martín. En su guitarra flamenca, en su tres, y en el híbrido de los dos que inventó, han sonado fados, tangos, son cubano. Ahora ha tocado dejar descansar el acústico para enchufar la guitarra y el tres eléctrico. "Los instrumentos acústicos, si me apuras, llegan al corazón de la gente, porque hay muchos puntos de la memoria que están asociados a ellos, pero en la electricidad hay una libertad incontrolable", cuenta a infoLibre. Una libertad que él ya conocía, que había visto de crío en esos locos que en los años setenta y ochenta se atrevieron a electrificar el flamenco, desde Pata Negra y Veneno a La leyenda del tiempo de Camarón, o los mucho menos populares Smash o el rockero Silvio. Aquello, dice, se cortó. "Lo que pasó es que no triunfó económicamente. Si hubiera sido un éxito, los flamencos hubieran aprendido a tocar el bajo, la batería, los teclados, las guitarras eléctricas y hubiéramos tenido una música del alcance de reggae en Jamaica o de Estados Unidos cuando se electrifica el blues", asegura. Y no solo murió la posibilidad de una música nueva a la que Camarón quiso darle "un altavoz legitimador dentro del flamenco", sino también "aquel mensaje de libertad, que era también un proyecto de país": "Se quedó a medio camino y se perdió una vertiente más comercial ligada a la rumba latina. Perdimos la oportunidad de haber hecho una música más valiente". Por eso no duda en decir que el suyo es un disco político, aunque la reivindicación sea más que sutil. En este trabajo, el músico ve la continuación de una tradición que no fue lo suficientemente explorada y que él mismo tuvo que descubrir del otro lado del mundo. "El resultado es un disco enérgico poblado por una extraña familiaridad. Hay bulería, hay sonidos de Bamako y Puerto Príncipe, hay zambras y redondillas, hay funk y blues en estos 12 temas que no tienen prisa por acabarse y que no se rinden a la dictadura del estribillo. La raíz eléctrica se cierra con la canción del mismo nombre, que el músico describe como "voudoulería" en una referencia clara a la blueslería que inventóPata Negra. La historia del tema es casi mágica: el último día de grabación, Rodríguez medio improvisó un tema para el que ni siquiera tenía letra y que se le ocurrió montar a distancia con Theodore Lòlò Beaubrun, referente de la música haitiana y mito en la defensa de la cultura de la isla, y su hijo Paul Beaubrun, aquel tocador por Jimi Hendrix. "Quería hablar de la esclavitud, del fin de la esclavitud y de la esclavitud moderna, y ver la música como una tierra de libertad", recuerda. Y cuando recibió las pistas de los Beaubrun, deslumbramiento: aquel cajón y los coros de Puerto Príncipe encajaban como si hubieran tocado en el mismo estudio. La clave: el compás de 12, "esa venganza dulce de los ritmos esclavos que hoy nos liberan a todos". Allí donde hubo afrodescendientes comprados y vendidos, cuenta Rodríguez, ha quedado el ritmo de 12 pulsos que se ve en la música del ritual vudú, en el blues, en la bulería y en tantas otras músicas raíz. El origen —y aquí habla el antropólogo capaz de improvisar una charla en tres minutos igual que hace su madre con la copla— está en la zarabanda. "Es el primer ritmo llegado con los esclavos africanos simultáneamente a la península ibérica y América, que se hace tan popular que llega a ser el pop del XVI. Tanto es así que se prohibió. El nombre se perdió, pero el ritmo se mantuvo". Y eso le tiene estudiando para su próximo trabajo, sobre la influencia de la música africana en el flamenco. "En el siglo XVI,en el Arzobispado de Sevilla la población negra era superior al 20%, y en lugares como Sanlúcar de Barrameda llegó a alcanzar el 50%", cuenta, recordando el origen afro del zapateado o del fandango. Raúl Rodríguez une sin miedo su conocimiento escrupuloso de la tradición y la voluntad de crear algo nuevo. "La música raíz tiene una conciencia de conservación que entiendo", señala, "pero parece que cada género se alimenta de sí mismo y pierde la capacidad de dialogar con los demás". Eso se suma a una cultura que "premia el tributo, el disco de homenaje, el cover" y teme a la canción nueva. Pero él lo tiene claro. Ni el flamenco ni ninguna música tradicional "es pura y está terminada". En el origen mismo de todas ellas, defiende, hubo mestizaje. Así que volverlas a mezclar no es talar la raíz, sino "retroceder hasta el futuro". Ahí está, dice, el tapiz imbricado y horizontal, el "rizoma" del que hablaba el filósofo Gilles Deleuze y del que él forma parte: "Esto lo hago para saber que mis padres no estaban locos, que yo no lo estoy. Igual lo que hacían ellos no era fusión, sino casi un precepto ético, la continuación de una tradición. Yo soy una pieza que busca su sitio".  de los cantes de ida y vueltaRazón de son de Manuel Molina a Chavela Vargas, de Compay Segundo a Mayte Martín

La leyenda del tiempodel alcance de reggae en Jamaicareggae blues

la oportunidad de haber hecho una música más valiente

funk blues La raíz eléctricavoudouleríablueslería Theodore Lòlò BeaubrunLòlò Paul Beaubrun

el compás de 12bluesel primer ritmo llegado con los esclavos africanosla población negra era superior al 20%

pierde la capacidad de dialogar con los demáspremia el tributocover"retroceder hasta el futuro"

El humorista Gregorio Sánchez, más conocido como Chiquito de la Calzada, ha fallecido en la madrugada de este sábado en el Hospital Regional de Málaga, según han confirmado a Europa Press fuentes sanitarias.

El estado de Chiquito de la Calzada había empeorado desde la noche de este pasado lunes, cuando tuvo que ser trasladado a la Unidad de Cuidados Intensivos (UCI) del Hospital Regional de Málaga, donde estaba ingresado para ser tratado de una infección, cuyo origen estaba en estudio, pero que había condicionado un deterioro hemodinámico.

La pasada semana Chiquito de la Calzada, de 85 años, ingresaba en el centro sanitario tras sufrir una angina de pecho y le fue realizado un cateterismo. Ésta fue la segunda vez en menos de un mes que Gregorio Sánchez ingresó en el hospital, pues el pasado 14 de octubre tras sufrir una caída en su domicilio –al que tuvieron que acudir los bomberos– el humorista tuvo que permanecer en el Hospital Regional tres días.

Gregorio Esteban Sánchez Fernández, conocido Chiquito de la Calzada, nació en 1932 en el barrio de la Trinidad de Málaga y tuvo a los ocho años su primer contacto con el flamenco, dedicándose desde edad muy temprana al cante.

Aunque participó en numerosos cuadros flamencos con artistas de talla mundial, e incluso trabajó durante dos años en Japón, la fama no le llegaría hasta los 62 años, y fue por sus dotes para el humor.

En concreto, fue en 1994 cuando se convirtió en una estrella del programa Genio y figura, cosechando otros éxitos televisivos en los años siguientes, e incluso varias películas en la gran pantalla.

Maestro de la risa y de la comedia, Gregorio Sánchez también ha destacado por su lado solidario y humano, participando en numerosos eventos y galas benéficas. Siempre ha promocionado, además, el nombre de Málaga a la mínima ocasión que tuviera en sus actuaciones.

Chiquito de la Calzada es conocido por inventar un nuevo lenguaje y estilo humorístico. También numerosos artistas han destacado recientemente sus méritos, e incluso se ha iniciado una campaña a su favor en las redes sociales en la que se ha demostrado que sigue contando con la simpatía del público español.

Àngels Margarit Vinyals (Terrassa, Cataluña, 1960) es una bailarina, coreógrafa y pedagoga perteneciente a la generación de bailarines contemporáneos de finales de los setenta e instruida en el Institut del Teatre de Barcelona. Por su larga trayectoria en el mundo de la danza, fue designada en diciembre como directora del teatro Mercat de les Flors-Casa de la Danza de Barcelona, y en junio presentó la próxima temporada, que arranca el 28 de septiembre bajo el lema "Transmissió contínua". La tarrasense apuntó entonces que la programación para 2017-2018 es de momento solo un 20% suya y que el teatro seguirá principalmente enfocado a la danza contemporánea, aunque también acogerá espectáculos de flamenco y circo.

Aparte de la dirección de la sala,​ Margarit lleva a sus espaldas más de 20 años de creación coreográfica. Desde 1985 dirige Mudances, una de las compañías de teatro más respetadas a nivel nacional y con la que ha representado piezas como Back Àbac en 2017, Flexelf en 2008, Solo por placer en 2005 y Origami en 2002, entre otras. La compañía, siempre dispuesta a interrelacionar distintas disciplinas artísticas, está dedicada a la creación contemporánea en diferentes formatos escénicos, con ejes de interés enfocados en la danza y el espacio, así como la investigación de un lenguaje y una poética propios.

Además de tres premios nacionales de Danza de Cataluña, el de Barcelona de las Artes Escénicas de 1993 y el Gran Prix del Concurso coreográfico de Bagnolet de 1998, en 2010 fue galardonada por el Ministerio de Cultura con el Premio Nacional de Danza junto con Rocío Molina en la modalidad de creación. Sus galardones más recientes fueron el de Danza y Coreografía de Suiza en la modalidad Creación actual en 2013 y el Premio Actúa de la Danza en 2016 de la Fundación AISGE.

A pesar de contestar la entrevista por teléfono, en el cuestionario confiesa que estas vacaciones "huye del móvil" en su casa del campo, enfrascada en un nuevo proyecto sobre el espacio.

Pregunta. ¿De qué huye estas vacaciones?

Respuesta. Del móvil [se ríe].

P. ¿Viaja de vuelta a casa, o a algún destino desconocido?

R. De vuelta a casa: origen, familia, infancia.

P. ¿Qué libros, películas o discos huelen más a tiempo libre?

R. En el campo tengo muchos discos de los ochenta y me encanta regresar a ellos.

P. ¿Y qué lectura le acompaña en la bolsa de playa?

R. En la playa no voy a leer, pero trabajo en un proyecto del espacio actualmente, por lo que estoy con libros de Martin Heidegger, de Georges Perec, y también Los no lugares de Marc Augé. Es mi trabajo de verano.

P. ¿El peor vecino de piscina que se pueda imaginar?

R. Casi todos, porque no me gusta nada ir a la piscina y prefiero estar sola cuando voy. De hecho, voy muy poco.

P. ¿Aprovecha estos meses para adelantar trabajo, o el descanso es sagrado?

R. Sí. Como ya he dicho antes, este año sí.

P. ¿De qué asunto o personaje estará pendiente aun estando de vacaciones?

R. De mi familia y de mis amigos, ahí sí que me cierro.

P. Si le digo “verano de infancia”, ¿qué imagen se le viene a la cabeza?

R. Melocotones blancos con vino en la sombra de una casa y con el ruido del viento seco moviendo las hojas de los árboles. A eso es a lo que siempre intento volver.