Si tenemos en cuenta lo publicado en estos días en las páginas culturales, parecería que lo más importante que ha ocurrido en el último quinquenio es que Rosalía haya sacado una canción. Como me falta sensibilidad para el pop y vivo asediado por el fomo (la manera cool de llamar al miedo de no enterarse de la misa la media), me entregué a la lectura de los sesudos análisis y las aceradas críticas. Cuál fue mi sorpresa cuando, para el artículo número veintitantos, no había encontrado ni lo uno ni lo otro: lo que no era propaganda era glosa.

No quisiera encarnar —¡de nuevo!— al crítico ceñudo que, apestando a alcanfor, se queja de la música que escuchan los jóvenes y protesta porque los suplementos no dediquen más espacio al último ciclo de madrigales; pero me pareció pertinente considerar el entusiasmo con el que los medios de comunicación se han entregado a la campaña publicitaria orquestada por una superestrella musical distribuida por Sony Entertainment.

No podemos ponerle una pega a la maniobra de Rosalía: su equipo parece haber detectado cuanta tendencia sopla a su favor y, amalgamándolas, han fabricado un producto que ha encandilado a youtubers, comentadores variopintos (Losantos se declara fan) y a la mismísima Conferencia Episcopal Española. "Lo religioso está de moda", me aseguraba hace unas semanas una amiga que trabaja para una editorial profana de tiradas largas. Los columnistas conservadores se frotan las manos, atisbando ese porvenir de Dios, patria y familia por el que tanto han suspirado. También, y a eso vamos, en las secciones de cultura (en las que tanto hay que bregar para colocar una paginita más allá del obituario o el estreno del último blockbuster) florecen sin racanería sobreanálisis sobre qué querrá decir cada nimio detalle puesto, precisamente, para que los listillos de cada casa saquen a relucir su sagacidad.

Comprendo la estrategia: parece evidente que, entre otros perejiles, lo de Rosalía da tráfico y no hay cabecera que renuncie a unos clics. Sorprende, sin embargo, que el planteamiento general de la conversación no sea tanto desmenuzar si la copla tiene interés, sino precipitarse por un terraplén de sobreanálisis y desgloses de referencias e intenciones, un ejercicio más propio de talmudistas que de periodistas o críticos. En la prensa cultural, todo señalamiento es publicidad. Da igual si se escribe a favor o en contra. Cuando un crítico (o un periodista) escoge tal o cual artefacto —de entre los centenares que tiene a su disposición esa misma semana— para dedicarle el poquísimo espacio del que dispone afirma, implícitamente, que el elegido le merece más atención que los desdeñados.

Entiendo que los medios generalistas (incluso, los especializados) no pueden privar a sus lectores del evento mainstream de la temporada —esencialmente, porque si no irán a leerlo en la competencia—, pero hay algo pernicioso en sobredimensionar la cobertura que se le da (la publicidad que se le hace) a la maniobra mercadotécnica de una gran discográfica. Una cosa es colocar anuncios para financiar al periódico, otra que tan pronto la Columbia Records toque el silbato, los articulistas de medio país dejen lo que están haciendo para aventurar, en párrafos y párrafos, qué elaboradísima metáfora se habrá cifrado en cada fotograma de un videoclip.

Hará unas semanas, los intelectuales más notables de nuestro país apagaron sus pipas, cerraron sus incunables y se precipitaron sobre sus teclados para rebatir la opinión que, sobre hábitos de lectura, acababa de parir una tal María Pombo, a quien no se le conoce expertise al respecto. Aquel episodio, particularmente bochornoso, difiere de este en un asunto mollar: la influencer, con su boutade, no promocionaba ningún curso para desincentivar la compra de libros. Y sí, entiendo que las nuevas producciones de una artista tan influyente como Rosalía merezcan artículos de doble página. La cuestión es desde dónde se enuncian y con qué propósito se articulan. No sé si nos deja en muy buen lugar imitar a esos pececillos que rondan a los tiburones, a ver si así meriendan algo. La de asuntos que se habrán desechado esta semana porque había que tomarse en serio el barniz teológico de la portada de un LP.

“Me va la vida en esto, no tengo nada más / Oh, Dios, cuántos pecados con tan solo esta edad / Me va la vida en esto, y me va a matar / No se que me espera y si esto es real”. Marcos Crespo (Vallecas, 1997), más conocido como Depresión Sonora o Markusiano, recita estas palabras en su última canción Me Va la Vida en Esto. Siguiendo su estela anterior, el madrileño vuelve a poner palabras a su generación, aunque él evite ese título de “voz generacional”. 

Tras el verano, publicará su nuevo álbum Los Perros No Entienden Internet, un proyecto muy distinto a su debut El Arte de Morir muy Despacio, que vio la luz en 2022. Mientras tanto, Crespo no ha parado, con giras en Latinoamérica, Estados Unidos y España, una participación en Coachella, uno de los festivales más grandes del mundo, y un EP llamado MAKINAVAJA (2024). Solo en este último año ha conseguido poder terminar su próximo proyecto. De él habla con infoLibre. 

Desde 2020 estás detrás del proyecto Depresión Sonora. Si tuvieras que describirlo de alguna forma, ¿cómo lo harías?

Es un proyecto musical de carácter oscuro que mezcla instrumentos musicales con elementos sintetizados, como baterías electrónicas, sintetizadores, etc. En el cual se tratan temáticas introspectivas, personales y cotidianas. 

El nombre Depresión Sonora es muy contundente y marca una separación entre el proyecto y tú como persona. ¿Lo usas también como una manera de crear un personaje?

Realmente no. Al principio fue simplemente por no utilizar el nombre que tenía en ese momento como alias en internet mientras sacaba música, que era Markusiano. Ese nombre no me cuadraba con lo que estaba haciendo, y el de Depresión Sonora surgió por una broma con un amigo mío por el nivel de presión de un altavoz, (De)presión sonora. Me lo puse con cero expectativas de nada y al final se quedó. Creo que le pega, al ser un proyecto oscurillo.

La fórmula que sigue cada músico en el proceso de composición es distinta. Hay quien va poco a poco, otros que tienen una idea colectiva de cómo será su album... ¿En qué lado estás tú?

No me gusta tener demasiadas limitaciones, sobre todo con el disco que acabo de hacer, pero si me gusta tener una línea porque si no podría acabar haciendo cualquier cosa. Si quiero contar algo de una forma determinada eso ya me lleva por un sitio o por otro y acaba guiando todo el proyecto. Aun así, un mismo proyecto puede ir variando con el tiempo, aunque me gusta dar continuidad a las cosas. 

En alguna ocasión has expresado que describirte como negativo o nihilista es no entender el proyecto o ser injusto con él ¿Qué crees que no se entiende? 

A ver, tampoco es que sea mentira, hay mucho de nihilismo, pero creo que también hay mucha luz dentro del proyecto. Al final lo que acabo tratando son un montón de claroscuros. Sigue teniendo una perspectiva bastante nihilista y existencialista pero para el público que le gusta Depresión Sonora eso acaba significando como una comprensión, un apoyo, que hace que, dentro de los claroscuros que tiene la música, te acabe llevando a un lugar luminoso. 

Son canciones muy liberadoras al final... Pero la letra que recitas siempre es muy dura, ¿intentas que la base de la canción haga de balance a esta dureza?

Totalmente, me gusta hacer música bastante rápida para dar un empujón a la canción. Digo cosas que pueden ser duras y yo mismo me vendría abajo si no hiciera los instrumentales que hago. Hace que todo camine y avance con fuerza para que si estás en uno de mis concierto te den ganas de saltar, gritar y volverte loco. 

Empezaste a hacer música de forma más seria a raíz de la pandemia ¿Cómo surgió?

Fue básicamente porque tenía tiempo para hacer cosas, que es algo que la vida a veces te pone bastante difícil. Incluso antes de que empezara la pandemia deje el trabajo y estaba acabando la universidad a la vez. A raíz de eso, tuve el espacio mental, la tranquilidad y el tiempo para, no solo hacer música, sino también poder hablar con amigos, jugar a videojuegos, ver películas, dormir mucho... Y entre todo eso, apareció lo de hacer música, que siempre me ha gustado. Tener el espacio mental, el no estar ocupado con cosas que, en parte, no son mías, me permitió hacer cosas para mí. 

¿Y cómo ha evolucionado tu forma de trabajar la música ahora que no puedes tener esa pausa? 

Es complicado porque creo que todas las personas que quieran crear algo desde cero que sea personal, necesitan el espacio mental y es difícil encontrarlo. Por eso he tardado tanto tiempo en acabar este, el anterior lo grabé en 2021 y salió al año siguiente. Creo que al final ha sido que me he visto profesionalizando la música, girando por un montón de sitios, fuera de España y trabajando en más proyectos. Este año he dejado varias cosas y he podido volver a sentarme y dedicarle ese tiempo. 

En tu canción Dónde están mis amigos dices que tu familia la has elegido ¿Cómo de importante es tener una red sólida o una comunidad en la que apoyarte?

Es muy importante tener una red, ya sean tus amigos, tus familiares, tu pareja... Pero es muy difícil trabajar en ello y cuidarlo. Yo soy un poco desastre con eso, pero vivo con mi pareja Alejandra, ella cuida mucho a sus amigos y a los míos y me anima a hacerlo a mí. Acabo teniendo esa red y esa es en la que te apoyas. Es lo mismo con toda la gente con la que toco en directo, estamos muchísimas horas juntos, somos muy amigos todos y eso también es muy importante. Pero si que creo que hay un trabajo ahí detrás, que no hay que descuidar, que muchas veces la vida adulta nos anima a dejar de hacerlo, a desconectar de todo lo que nos hace felices y de las amistades y la familia. El otro día leí una cosa muy divertida, decía que la vida es muy aburrida sin misiones secundarias. No hay que olvidarse de hacerlas de vez en cuando. 

Ahora que la música española de tu generación está dando un salto con artistas o grupos como Carolina Durante, Alcalá Norte, Rusia IDK, Judeline, Amaia… ¿habéis creado comunidad entre vosotros?

Sí, todos nos llevamos muy bien, incluso comparto músicos con Alcalá Norte. Se han hecho gigantes, a Alcalá Norte les está yendo genial, parecía que las bandas habían desaparecido, aunque nunca ha sido así, pero ahora tienen más visibilidad. Y creo que es guay, porque la gente joven, cuando ve algo más grande le da importancia, entonces estoy encantado de que se le dé mucho más valor a la música que hacemos. 

¿Y a la hora de componer prefieres estar solo o te gusta componer en conjunto? También eres productor para otras personas.

Pues, justo lo que te comentaba antes sobre que he tenido que dejar varias cosas era sobre esto, ya no compongo para otra gente, me cansé. 

¿Y eso por qué?

Porque es un poco desagradecido por muchas cosas de detrás de la industria, ya no me siento yo mismo y, sobre todo, no tengo la necesidad. Ahora mismo, estoy solo con Depresión Sonora, porque puedo vivir de ello y estoy encantado. Para este proyecto necesito estar completamente en soledad, creo que por mi personalidad, porque me cuesta mucho que salgan cosas habiendo gente cerca, me siento presionado o cohibido. Solo he compuesto una canción con gente cerca para este disco, porque me contaron una historia que me pareció bonita y me sirvió de inspiración. 

En Parte II: La Abrazo con Fuerza (Carta a la Soledad) dices que "la soledad es enfermedad de hombres" ¿Estamos ahora más solos?

Pero muchísimo más, si. Vengo de una familia muy de pueblo y siento que se ha perdido mucho la sensación de comunidad y apoyo. Yo vivo cerca del centro de Madrid y no conozco a ningún vecino, creo que eso antes era imposible. Estamos cada vez más solos, muy conectados a internet, pero aislados. 

Muchas veces has dicho que Internet ha sido tu refugio ¿Cómo ha cambiado esta relación con los años?

Ha cambiado mucho con los años, pero sigo picando como la mayoría de gente. Pero creo que antes, en algún punto, era más colaborativo, cooperativo o formativo, ibas a aprender no a distraerte. Ahora, el 90% del tiempo en el que entras es para disociar y quedarte en blanco. No se usa como algo lúdico o para buscar intereses sino que la mayoría del tiempo lo que se busca es desconectar la cabeza y desaparecer un rato. No sientes nada. Se pasa de una cosa a otra demasiado rápido y yo creo que sí, que ha cambiado mucho. 

Pero sigue siendo necesario el uso de Internet...

Claro, porque al final el problema no es Internet. Se ha convertido en cuatro empresas gigantes que se pelean por la atención de los usuarios. Entonces es difícil. Creo que tendría que haber una concienciación, una regulación y muchas cosas más para que se pudiera usar Internet de una manera mucho menos tóxica. No tiene pinta de que vaya a cambiar. 

Los conciertos son lugares donde la gente puede escapar de la soledad y de Internet, ¿cómo lo sientes tú?

Me parecen sitios geniales para hacer comunidad. En una ciudad puedes estar muy desconectado y muy aislado, los conciertos son un punto de reunión donde poder conocer a gente parecida a ti. Puedes observar también cómo se comportan, como se visten… Hacer una especie de comunidad, sentirte menos solo, hacer cosas fuera de casa. Aunque bueno, al final implica una forma de consumo ir a un concierto, también soy muy partidario de sentarse en un banco o dar un paseo.

Justo hablando de consumo. Ahora se está viendo como muchos conciertos superan los 100 euros por la entrada más barata o crean colas virtuales interminables ¿Qué opinión tienes de este cambio en la industria que la hace más inaccesible?

Me parece una locura. Tiene que ver con las redes sociales, con el no querer perderse algo, antes que con la parte creativa o emocional de simplemente conectar con algo. Parece que es solo por hacerte la foto, al final lo veo muy vacío y muy carente de personalidad y de imaginación. Es absurdo, pero al final picas por las campañas de marketing que hacen, porque los promotores intentan hacerse lo más ricos posible. 

Antes de verano se conoció que uno de los inversores en varios festivales españoles es el fondo proisraelí KKR. Varios artistas se han retirado de los carteles de festivales como el Sónar, el Viña Rock o el Arenal Sound para mostrar su rechazo al Genocidio ¿Qué opinión tienes de todo esto?

Me parece perfecto que se retiren. Cuando te contratan en un festival que esta financiado por un fondo que financia a su vez un genocidio, no esta de más pedir explicaciones para saber que va a pasar con todo ese dinero que vas a generar tú. Las explicaciones han sido bastante escuetas, en la mayoría de casos. Además, es un acto simbólico, hay que hacerlo. 

Y ya luego, los artistas que han entrado a sustituir, me parece de lo más rastrero que se puede hacer, es lo más esquirol. Creo que está completamente justificado que se hayan retirado, muchos festivales no van a poder llevar a un montón de músicos a partir de ahora mientras esto siga así. 

¿Qué te ha parecido que varios artistas cabeza de cartel optaran por actuar?

Habría que ver el contexto de cada uno de ellos para saber por qué lo han hecho o por qué no, pero muchos son artistas grandes que pueden permitirse perder ese dinero aunque sea muy representativo. Al final son gestos y demuestras cosas. No lo aplaudiría en ningún momento, pero tampoco creo que haya que linchar. 

Spotify retornó en 2024 en España casi 137 millones de euros en concepto de royalties, lo que según las cifras de la compañía sueca supone un 11% más respecto a 2023 y más del doble de lo que se generó en 2019. El dato facilitado a la prensa y recogido por EFE forma parte de su "iniciativa de transparencia" llamada "Loud & Clear", en el segundo año que se aportan datos sobre el retorno de esta empresa a la industria musical española.

No se han ofrecido, sin embargo, apenas datos específicos más allá de porcentajes, por ejemplo, que la cantidad de artistas españoles que generaron más de 10.000, 50.000 o 100.000 euros se ha duplicado desde 2019, pero no el número concreto ni la identidad de los que más han ingresos generaron a lo largo del pasado año.

Como curiosidad, cabe destacar que, mientras que en el contexto global la parte de las multinacionales y la de la industria independiente se reparten en igualdad el pastel de los royalties, en España esta segunda pata absorbió el 60%.

También es reseñable que más del 50% de todos los beneficios obtenidos por canciones de artistas españoles procedieron de oyentes de fuera de España, por lo general de Latinoamérica y normalmente de México y Argentina, aunque cada caso es específico, con figuras nacionales que también tienen mercado en países europeos como Francia o Italia.

Melanie Parejo, jefa de la división de música para el sur y este de Europa, ha situado todos estos datos en un contexto global en el que Spotify, responsable actualmente de una cuarta parte de los ingresos mundiales por música grabada, tuvo en 2024 un "desembolso récord" de cerca de 9.000 millones de euros a nivel global.

Se trata, según se ha defendido, de dos tercios de todo lo que Spotify genera en la parte de música, "que es revertido de vuelta y es más de lo que cualquier servicio de streaming aporta y que cualquier otra compañía en la historia de la música".

Sí se ha detallado en ese marco que casi 1.500 artistas en el mundo generaron más de un millón de dólares en Spotify (unos 900.000 euros) y se ha destacado la importancia creciente de la música en español, que esta vez tuvo un aumento del 16% en los "royalties" respecto a 2023, aunque sin un dato concreto. Desde 2017 se ha triplicado el número de artistas que generan royalties en cada umbral, a la par que ha aumentado aún más el número de personas con al menos una canción en Spotify

Se ha recordado que el dinero que retorna Spotify va a manos de editoriales y distribuidoras y que lo que llega a los artistas depende de los acuerdos concretos que estas tengan con ellos, así como que la compañía no paga una cantidad fija por reproducción, sino que depende de un porcentaje en función de cuánto se ha recaudado.

Respecto a las críticas a la nueva política de Spotify por no retribuir nada a aquellos artistas que generan menos de mil reproducciones, Parejo ha explicado que se trata de "una nueva política para evitar abusos y fraudes y remunerar a los artistas que sí están generando audiencia". Ha añadido que las canciones por debajo de ese umbral "no generan además lo suficiente para que las distribuidoras les paguen dicha cantidad".

Morad, Bad Gyal, C. Tangana, Judeline... muchos de los artistas que copan las listas de éxitos de Spotify empezaron de forma independiente, autofinanciándose y organizándose sus propios bolos. Como muchos de estos cantantes tan conocidos, hay miles de artistas independientes intentado hacer despegar su carrera. Pero, ¿cuán rentable es? ¿Existen oportunidades de lograr el éxito sin el respaldo de una gran masa de seguidores en las redes o de una discográfica? ¿Cuáles son las funciones de estas? Para averiguarlo, hemos hablado con managers, cantantes y productores con la intención comprender cómo funciona la industria musical.

Jackson Meylor (nombre artístico de Jackson Mateo) es un ejemplo de artista 100% independiente. Este cantante de música urbana compone, graba en un estudio que ha montado en su casa y hace sus propias mezclas, aunque reconoce que tiene también varios productores de confianza a los que paga para que le afinen los samples antes de distribuir sus canciones. "Obviamente, el beneficio económico dependerá de si, como artista, tú sabes hacer tus mezclas, masterizar tus canciones, o de si grabas en un estudio o en tu casa", señala cuando es preguntado por infoLibre por las ganancias que le genera su actividad musical.

Esto es algo en lo que coincide Sélpide, cantautora que asegura tener la "suerte" de ser graduada en Comunicación Audiovisual y de llevar "muchos años creando contenido en internet", así que su estrategia consiste en abaratar costes ejerciendo al mismo tiempo ocho roles distintos: dibuja los storyboards, hace el diseño de producción, elabora dosieres de vestuario, maquillaje y arte, entalona los brutos, se encarga de la edición y del montaje, programa un calendario de publicaciones en redes sociales para conseguir que nuevos oyentes lleguen a la canción, escribe guiones, graba, edita y subtitula los vídeos promocionales en TikTok. Asegura que solo así puede permitirse ahorrar lo suficiente como para alquilar material de rodaje (iluminación y fotografía sobre todo, focos, lentes…) o pagar cantidades anecdóticas a sus amigos, que llevan años ofreciéndose a ayudarla en su proyecto "por amor al arte".

Meylor señala que la mejor herramienta de autopromoción es sin duda alguna TikTok, dado que el alcance es ilimitado. Es por ello que Sélpide también eligió esta aplicación para promocionarse y ganar votos para entrar en el Mad Cool Festival.

"Más que grabar un videoclip, es mucho más importante grabar contenido de calidad y vistoso a través de TikTok, hacer reels...", coincide MALICI4 –nombre artístico de Francisco Herrera–, productor independiente. "Además, sin discográfica, tienes que encontrar una empresa que haga la distribución. Pero la promoción y la creación de contenido, que es lo más importante, lo puede hacer uno mismo sin ayuda", destaca.

"Los artistas que están dentro de una discográfica no se tienen que preocupar de la promoción, ya que estas se preocupan de poner tu música en todas las playlists famosas en Spotify, Apple Music, Tidal... Así ellos te aseguran la exposición mediática", continúa Meylor. "También, si el artista tiene una gran masa de seguidores en Instagram, por ejemplo, puede redirigir su audiencia a sus otras redes y a su música", apostilla.

Según detalla en su web, cuando una canción se reproduce en Spotify, los titulares de los derechos reciben regalías. Da igual que el oyente sea usuario Premium o un cliente que recibe publicidad. Sin embargo, el pago de cada reproducción depende de donde proceda la escucha: para la plataforma sueca no vale igual una reproducción desde Estados Unidos que desde Asia.

En el caso de pagos por visualizaciones en YouTube, la plataforma paga entre 0,003 y 0,005 dólares por cada una. Cabe destacar que YouTube no retribuye a los creadores solo por las visualizaciones de sus vídeos, sino también por ver los anuncios en los canales. Por ese motivo, todos aquellos artistas que emplacen publicidad en sus videoclips logran ingresos extras en función de los clics que reciban los anuncios.

El pago de estas plataformas supone para muchos artistas la única fuente de ingresos, como le ocurre a Meylor, quien afirma que "tienes que llegar a tener unos 20.000, 30.000 reproducciones para que te llegue algo significativo, es decir, unos 200, 300 euros". En cuanto a las ganancias que ha podido tener en base a sus streams, que rondan los 1.000, afirma que son de uno o dos dólares", aunque destaca que la mejor forma de ganar dinero son los conciertos porque "pagan mejor".

Respecto a esto, Sélpide nos comenta que sus únicos ingresos derivan de las escuchas en plataformas y las ventas digitales de singles y EPs, cuyas ganancias la distribuidora se encarga de recopilar y hacer llegar a los artistas. Sin embargo, el beneficio económico para ella ha sido escaso. "En 2024 hice poco más de 30 euros", comenta.

Como adelantaba Meylor, para el grupo de rock Brava los bolos y conciertos suponen la principal fuente de ingresos, que reinvierten en la propia banda. "Si alquilas tú la sala normalmente la entrada suele ser íntegra para ti. Las nuestras, cuando somos nosotrxs los que ponemos el precio, están entre 8 y 15 euros. Dependiendo también si compartimos la sala con otras bandas o no. Los ingresos también dependen mucho de las condiciones del lugar, o del festival, muchas veces te contratan por un caché y no ves nada de la entrada, o ves un porcentaje que varía en función de la sala. A veces, te contratan ayuntamientos o ciclos en los que la entrada es gratuita", explica la cantante, Nerea Santotomás. Pero en cuanto a beneficio real, lo que el grupo se lleva a casa "después de pagarlo todo y reinvertir es cero". "A veces nos da para reinvertir y otras veces tenemos que tirar de nuestra propia pasta", añade.

"Las discográficas más grandes suelen invertir sus recursos en optimizar el rendimiento de artistas que ya funcionan, es decir, en conseguir que estos artistas funcionen todavía mejor. Por eso, es raro que se fijen en proyectos emergentes que todavía no arrastran una cantidad de oyentes reseñable, independientemente de su calidad sonora o lo interesante que pueda resultar su planteamiento", continúa Sélpide.

Para Claudia Orellana, mánager de Arde Bogotá y Carmesí, su papel al trabajar con un artista en desarrollo es "luchar para que pasen cosas", pero una vez que el artista crece, el trabajo para su equipo (si lo tiene) crece con él: "Como mánager, gestiono el enlace con la compañía si la hubiera, los lanzamientos, la agenda, la comunicación y promoción, el booking, ya sea propio o externo, etcétera". Si el artista todavía no tiene equipo ni recursos, todo ese trabajo extra se añade a la parte artística.

María Martí, que forma parte de Alternativa Sonora, que trabaja con artistas emergentes como Anouck The Band y Patricia Lint, coincide con Orellana, reiterando que "a día de hoy, un artista emergente se hace todo". "Es su propio mánager, community manager, su departamento de márketing, de comunicación…", enumera, y recalca que las compañías están ahí "para quitarles ese peso y que puedan centrarse en la música", lo cual es un "privilegio" para muchos artistas.

En cuanto a los beneficios, Martí es clara: "Un artista no debería endeudarse para poder tener un equipo de trabajo" además de asegurar que "el porcentaje que se lleva una oficina por los conciertos es muy mínimo, ya que el artista tiene que tener sus ganancias, además de pagar a los músicos que le acompañan si es así. O pagar a todos los miembros en el caso de ser una banda". Además, confirma lo señalado por otros artistas entrevistados: "Siempre hay un dinero que acaba invirtiéndose en el propio proyecto: producción, márketing, promoción, sesiones de fotos…"

Así, para sacar adelante un proyecto musical, hace falta "dinero, conocimientos técnicos y mucho tiempo", además de "un talento inhumano para la organización", en palabras Sélpide. Para los integrantes de Brava, lo primero para sacar adelante, por ejemplo, un videoclip, es tener el dinero para contratar un equipo que lo grabe, "o tener tu propio equipo y grabártelo tú". Pero la inversión no se acaba ahí. Tras esto, "mínimo hay que hacer una sesión de fotos, un dossier, notas de prensa para los singles y el álbum, al menos un videoclip para poder promocionar, una distribuidora que te suba las canciones y los videoclips a las plataformas, un/a diseñador/a gráfico/a que te haga un logo o una tipografía, una portada, contraportada, el libreto, registrar los temas…". Un trabajo, indudablemente, inmenso.

A pesar del increíble esfuerzo que supone seguir por cuenta propia, Sélpide rechazó la oferta de trabajar con una discográfica surcoreana, en un tiempo en que ella estuvo viviendo en Seúl. Explica que para poder firmar con ellos tendría que haberse quedado en el país un mínimo de cinco años, lo que le hizo declinar la propuesta, sobre todo teniendo en cuenta que "es (todavía más) difícil hacer carrera como extranjero, porque cada mercado tiende a potenciar sus productos locales".

Pese al coste económico y el desgaste que supone para los artistas no tener ayuda en la gestión de su carrera, todos ellos, así como los mánagers, coinciden en que el camino también tiene su parte bonita y gratificante: "Es una maravilla la ilusión y la disposición de los artistas cuando decides apostar por ellos", comenta Orella. Para Martí, "lo más bonito es ver crecer a un cantante hasta que llegan a tener un nombre de peso y empiezan a ser reconocidos". En cuanto a los artistas entrevistados, todos coinciden en que la mayor y principal ventaja es clara: ser tu propio jefe. Además de, por supuesto, "el feedback de la gente a la que le gusta lo que haces, y que incluso te lo agradecen", termina MALICI4.

En 1997 un ingeniero geofísico transformó la industria de la música para siempre. Andy Hildebrand había inventado un sistema que, a través de ondas sonoras, permitía detectar la presencia de petróleo bajo tierra. Su creación, inicialmente concebida para la industria petroquímica, encontró una nueva vida y aplicación en el mundo de la música. Así nació el autotune.

El éxito fue rotundo y, aunque por aquel entonces ya existían sistemas que permitían editar y ajustar el tono del audio, la creación de Hildebrand introdujo una tecnología más avanzada y precisa que permitía hacer estos cambios en tiempo real. Su éxito no se consagraría definitivamente hasta los años 2000, pero artistas como Cher –la primera cantante pop en utilizar el sonido característico del autotune de manera intencional en su canción Believe–supieron ver su potencial años antes.

Actualmente, esta tecnología ha evolucionado hasta convertirse en una herramienta tan omnipresente como polémica en la producción musical contemporánea. En palabras de Rakky Ripper, una de las principales voces del hyperpop en España, se trata del "instrumento del siglo XXI".

Pero, ¿a que se debe esta popularidad? Para el productor Pablo Rodríguez de Llano, más conocido como D3llano, el autotune "puede ayudar a cualquier artista con buenas ideas, pero no con demasiada habilidad vocal, a plasmar lo que tiene en su cabeza". Además, explica que "es una herramienta asequible al alcance de cualquiera que disponga de un ordenador y un micrófono".

Este era el caso de Raúl Rodríguez, conocido artísticamente como stivijoes, quien confiesa que "no hubiera empezado a hacer música si no fuera por el autotune". Para él esta tecnología ha supuesto una "puerta entrada a este mundo y lo que realmente me ha potenciado en todos los sentidos como artista".

Esta no es la única razón detrás de el éxito del autotune. Rakky apunta también a la velocidad con la que actualmente se produce y se consume la música. Las largas sesiones de grabación se han visto muy reducidas desde que se inventara este software, ya no hace falta hacer tantas tomas, la afinación puede corregirse en tiempo real. "Es algo que el autotune facilita a muchos artistas", señala. "Al no tener que clavar las notas todo el tiempo, grabaciones que antes duraban días, ahora duran horas".

"Para mí, el autotune es como la reverb, el delay, el pitch o cualquier otro efecto vocal", asegura Luna Ki, artista que precisamente protagonizó titulares por el uso de esta herramienta, cuando hace apenas dos años se encontraba entre los participantes del Benidorm Fest 2022 con su canción Voy a morir. Finalmente, su candidatura no llegó a pisar el escenario del festival después de que se retirara tras confirmarse la noticia de que Eurovisión no permitiría el uso de esta tecnología. Una decisión difícil que tomó, sin embargo, para defender "la manera de hacer su arte".

"La gente y la industria te meten en la cabeza desde que eres pequeño que si no sabes cantar o no sabes entonar ya no puedes ser artista", apunta stivijoes. "Me parece más artista alguien que no tiene el talento de cantar pero tiene el talento de crear. Si no creas, eres más un intérprete".

Es un recurso que muchos artistas y productores utilizan para conseguir un efecto y un sonido concreto, el llamado "efecto autotune" y que se ha convertido en un habitual de las listas de éxitos no solo en España, sino a nivel global. Porque "si lo utilizas de forma inteligente, puede potenciar tu esencia y tu estilo", dice. Un uso excesivo del autotune también es parte de la identidad y la autenticidad de algunos nuevos géneros y artistas", añade D3llano.

"A mi me ha ayudado a ser mucho más creativa y fluir y experimentar más con los sonidos, al no tener que estar pensando en dar tomas perfectas he podido centrarme más en los sonidos y las melodías como tal", explica Rakky. "Para mí no es una necesidad, si no un recurso estético que puedo utilizar o no según lo que me pida cada momento y cada canción", señala Luna.

Pero, a pesar de estas ventajas y de su amplia adopción en la industria musical contemporánea, el uso de esta tecnología no ha estado exento de críticas y controversias y no toda la industria parece estar de acuerdo.

“Personalmente me gusta escuchar voces que transmitan el sentimiento real del cantante, escuchar los matices de su garganta y que esto sea un bien expresivo”, explica Guille Mostaza, productor y dueño de los estudios Alamo Shock. El problema es que, usando autotune, “corres el riesgo de parecerte a millones de personas que lo usan exactamente igual y uno intenta que lo que produce no se parezca demasiado a nada”.

Es una cuestión de matices, porque incluso quién no hace de él su principal sonido lo puede utilizar como herramienta en el estudio. El productor Raúl de Lara lo utiliza, por ejemplo, "en el 99% de sus producciones". Sin embargo, se trata de un sonido invisible, destinado a corregir las imperfecciones de afinación. Es imposible negarlo, el autotune presenta "muchas posibilidades artísticas", explica; pero al final, esta música va necesariamente de la mano de la tecnología y "envejecerá de una manera fea”. Para él, la buena música es aquella que perdura en el tiempo, que la gente recuerda y que despierta sentimientos en aquel que la escucha y aunque esta sea "una herramienta fantastica" las dudas no desaparecen.

Al final, da igual el género, en esta "era de los filtros, de la perfección y de las apariencias, ya nadie lanza música sin afinar las notas aunque sea una a una a mano", concluye Rakky.

El perjuicio de la piratería digital para las industrias fue de 2.271 millones de euros en 2021 (2.416 millones en 2020), a pesar de que los accesos piratas disminuyeron un 8% (5.334 millones de accesos) respecto al año anterior, según informa Europa Press. Así lo refleja el Observatorio de la piratería y hábitos de consumo de contenidos digitales 2021, que elabora la consultora Gfk a instancias de la Coalición de Creadores e Industrias de Contenidos, presentado este miércoles en el Museo Arqueológico Nacional.

"Vamos a seguir incrementando los efectivos para luchar contra la piratería, merece la pena repetir una y otra vez las cifras que salen del estudio. Se están perdiendo 2.271 millones de euros", ha advertido el ministro de Cultura y Deporte, Miquel Iceta, que ha participado en el acto de presentación del informe.

Por séptimo año consecutivo la piratería digital ha experimentado en España una caída en cifras absolutas. Así, desde 2018 registra un descenso acumulado del 20%. En 2021, el acceso a contenidos ilícitos reflejó una reducción del 8%, si bien el volumen de productos culturales obtenidos de forma ilegal ascendió a 5.334 millones, con un valor de mercado de 32.492 millones de euros.

La piratería también repercutió en las arcas públicas, que dejaron de percibir 653 millones en 2021, lo que eleva a casi 6.000 millones de euros lo que la Administración no ha ingresado en los últimos diez años en concepto de IVA, IRPF y cotizaciones a la Seguridad Social. Además, ha impedido la creación de 18.716 empleos directos (112.299 entre directos e indirectos) el año pasado.

En cuanto a los porcentajes de individuos que realizan accesos ilícitos, la industria más afectada ha sido la musical, con un 38% de consumidores, seguida del libro (34%, un 1% más que en 2020), las películas (25%), los periódicos (23%), las series (20%), los videojuegos (18%), las revistas (16%), el fútbol (9%) y las partituras (5%).

El valor total de los contenidos asciende a 30.892 millones de euros, de los que 10.035 corresponden a la música. De los 2.271 millones de euros de perjuicio para la industria, la piratería le ha supuesto a la música un daño de 653 millones, seguido de las películas y series (417), las revistas (306), los periódicos (266), los libros (217), el fútbol (201), los videojuegos (177) y las partituras (33).

El estudio destaca que el acceso a los contenidos ilícitos se sigue realizando en mayor medida a través de los buscadores (55%), principalmente a través de Google (94%) pero 2021 ha vuelto a confirmar una tendencia a la baja que ya se observaba en 2020: el descenso del uso de buscadores se ha trasladado hacia las redes sociales.

En este contexto, apunta que, aunque Facebook (46%) y YouTube (38%) siguen siendo las más usadas por los consumidores, Telegram (33%) ha escalado "significativamente" su posición, hasta desbancar a otras como Whatsapp (31%), Instagram (26%) o Twitter (23%).

El informe señala que la principal fuente de financiación de los portales de contenidos ilícitos sigue siendo la publicidad, presente en nueve de cada diez de estas webs, como en pasados ejercicios. La publicidad mayoritaria es de apuestas/juegos online (45%), venta online (39%), contactos/citas (33%) y marcas comerciales reputadas (31%).

Sobre la percepción que los usuarios tienen de la publicidad que reciben al entrar en los portales de contenidos ilícitos, el estudio indica que el 46% le molesta, al 16% le disgusta que esos mensajes publicitarios les persigan por otras webs, al 7% le avergüenza y un porcentaje similar piensa que es nociva. Además, ha aumentado el número de consumidores que asegura recibir más publicidad o spam desde que accedieron a los portales ilícitos (6 de cada 10).

Otro dato del informe es que en 2021 el 52% de los consumidores que ha intentado acceder a estas webs ilícitas se ha encontrado con que habían cerrado o habían dejado de existir. Al 24% de los usuarios les explicaron los motivos de que hubiera cerrado o estuvieran inoperativas; al 15% los redirigieron automáticamente a otros sitios con contenido ilícito, principalmente a portales tipo Torrent (53%), pero también a páginas de redes sociales (23%), grupos de mensajería (14%) y otros (10%).

El estudio asegura que, de no existir la piratería, en 2021 se habrían podido crear 18.716 nuevos puestos de trabajo directos, lo que supondría un incremento del 18,5%, que más los indirectos representarían 112.299 empleos totales más.

La piratería también ha afectado a las arcas públicas, ya que en 2021 dejaron de percibir por culpa del fraude a contenidos un total de 653 millones de euros: en concepto de IVA (416), IRPF (54) y cotizaciones a la Seguridad Social (183). Así las cosas, el quebranto acumulado en los últimos diez años a la Administración asciende a casi 6.000 millones de euros.

En cuanto al sector de la música, el año pasado el acceso ilícito afectó a 2.420 millones de contenidos musicales, un 7% menos respecto al ejercicio anterior, y el valor de lo descargado fue de 10.035 millones de euros (un 2% menos), con un perjuicio de 653 millones.

La mayor caída en el volumen de contenidos consumidos de forma ilegal en 2021 se produjo en las películas, que experimentaron una caída del 21% respecto a 2020: 520 millones frente a los 659 de 2020. En el caso de su valor de mercado su caída no fue tan pronunciada (7%): 5.524 millones de euros frente a los 5.937 de 2020 o los 6.191 de 2019.

Por su parte, el consumo ilegal de series ha caído un 6%. Así, los consumidores pirata, que accedieron a 940 millones de contenidos, han pasado del 22 al 21%, mientras que los que accedieron a series en formato digital legal son el 75% (74% en 2020).

En 2021 también se contabilizaron 570 millones de accesos ilegales a libros, frente a los 581 registrados el año anterior; el volumen de videojuegos obtenidos de forma ilegal cayó un 7%; y se registraron 39 millones de partituras de música descargadas de forma ilícita, lo que representa un incremento del 15% en relación a 2020.

Respecto al fútbol, el estudio indica que durante 2021, una vez normalizada la competición tras la pandemia, los portales ilegales permitieron que se visualizaran 88 millones de partidos, un 24% más que en el ejercicio anterior. El valor de mercado de estas descargas fue de 254 millones de euros, lo que representó un perjuicio de 201 millones.

La piratería también afecto a la prensa el año pasado, ya que un 23% de usuarios accedió ilegalmente a periódicos, con la descarga ilícita de un total de 280 millones de contenidos, un 16% menos que en 2020; y el consumo ilícito de revistas en formato digital también es muy superior al legal (16% frente al 5%).

Para el ministro de Cultura y Deporte, "cuesta hacer un análisis equilibrado" de lo que pasa con la piratería al estar "ante los vasos medio llenos y medio vacíos", aunque ha celebrado estar "en una etapa de descenso del robo pirata" a pesar de que siga habiendo "muchísima gente que todavía no es consciente de que no pagar derechos de autor es ir contra los creadores y contra la cultura".

"Se ha hecho mucho, pero hay que hacer mucho más, tomamos nota del esfuerzo adicional que se nos pide. Hemos salido de la pandemia leyendo más pero también yendo menos al cine, debemos encontrar un equilibrio que nos permita ir más a las salas", ha manifestado Iceta.

En este punto, el ministro ha advertido de que la mayoría de creadores "no son ricos": "Olvidamos a la inmensa mayoría que se encuentra en dificultades notables para llegar a fin de mes".

El servicio de Spotify ha experimentado a lo largo de la mañana de este viernes, entre las 10 y las 13 horas, problemas que han impedido a los usuarios acceder a la plataforma de streaming y reproducir su música con normalidad. Esta caída ha tenido especial incidencia en países europeos como España.

La compañía ha compartido a través de Twitter que ha detectado entorno a las 11 de la mañana "que algo no va bien", y que lo estaban investigando. Los problemas con el servicio empezaron a notarse hacia las 10:00 horas de este viernes, como recoge el portal Down Detector. Sobre las 13 horas, Spotify ha informado que el servicio estaba regresando a la normalidad después de solucionar el problema. 

Esta caída del servicio ha afectado a los usuarios de todo el mundo, pero tiene una especial incidencia en Europa. En concreto, en países como España, Reino Unido, Países Bajos y Suecia, donde resultaba difícil iniciar sesión y reproducir música, aunque otros usuarios han informado de problemas en la reproducción con Sonos.

El consumo de música a través de las plataformas digitales de streaming "ha salvado del retroceso" al sector en España durante el primer semestre de 2020, según las cifras recopiladas por la asociación Promusicae, informa Europa Press.

Así, la industria musical española "ha logrado resistir" esta primera mitad del año al obtener un repunte del 3,99% en sus cifras globales de ventas, pese al impacto de la pandemia por coronavirus en el mercado físico, que pierde casi el 45% de sus ingresos como consecuencia del cierre de tiendas durante el confinamiento.

Los ingresos, según las cifras recopiladas por la entidad (que representa a cerca del 95% de la industria fonográfica española), han alcanzado entre el 1 de enero y el 30 de junio los 145,1 millones de euros, frente a los 139,5 millones registrados en idéntico periodo de 2019."Es un incremento tímido y que corta la racha de crecimientos por encima del 20% que venía acumulando el sector, pero muy indicativo del vigor de los modelos digitales que ya representan casi el 88% de los ingresos obtenidos. Un dato positivo que viene a aliviar las dificultades extremas a las que se enfrentan los músicos en este 2020", han señalado desde Promusicae.

Los ingresos del mercado digital de la música han crecido un 18,9%, al pasar de 106,9 a 127,1 millones de euros. Esta mejoría se ha sustentado en las subidas que experimenta el streamingstreaming en todas sus modalidades, a pesar de ser muy inferiores a lo previsto a comienzos de año.

En relación al streaming de audiostreaming, las suscripciones crecen en 17 puntos porcentuales (de 77,1 millones en 2019 a 90,2 en el semestre recién finalizado), y la gratuita y financiada mediante inserciones publicitarias ha pasado de 10,3 millones de euros a 16,1 millones de euros. Por otro lado, el consumo de música a través de streaming de vídeostreaming (YouTube, Vevo) ha aumentado un 14,9% (de 14,1 millones en el primer semestre de 2019 a los 16,3 millones actuales).

Cierre de tiendas

Por último, otros productos digitales, como las descargas permanentes de álbumes y canciones o los productos para móvil, siguen registrando caídas (del 11 y del 20%, respectivamente) y se sitúan "en valores ya casi residuales". "La otra cara de la moneda la representa el mercado físico, lastrado irremisiblemente por el cierre temporal de tiendas durante lo más crudo de la alerta sanitaria", han lamentado.

Las ventas de álbumes en vinilo --que absorbe el 40% del total-- se han contraído un 7,7%, desde los 7,8 millones del semestre inicial de 2019 a los 7,2 millones actuales. Sin embargo, la contracción en las ventas de CD ha pasado de 24,2 a 10,6 millones, lo que equivale a un desplome de casi 57 puntos porcentuales.

En términos globales, las ventas físicas han alcanzado en España los 18 millones de euros entre enero y junio (un 45% menos que en 2019), mientras que los ingresos digitales se han elevado por encima de los 127 millones (casi un 19% más).

"Es absolutamente importante situar estas cifras positivas en el contexto general de la industria de la música, porque el ligero crecimiento de nuestra industria en este semestre no debe restar valor a la magnitud de la crisis a la que nos vamos a enfrentar en la segunda mitad del año, especialmente intensa para el sector del directo, con efectos devastadores para los artistas y todos los que participan en la creación de valor", ha señalado el presidente de Promusicae, Antonio Guisasola.

La cantante inglesa Adele publica este viernes su esperado nuevo disco, 25, que supone su regreso cuatro años después del exitoso 21 que editó en 2011.

Pues bien, Adele ha decidido que 25 no esté disponible en las plataformas habituales de música en streamingstreaming, entre las que destacan Spotify, Deezer y Apple Music.

"Amamos y respetamos a Adele, así como sus 24 millones de fans en Spotify. Esperamos que ella ofrezca a esos fans la oportunidad muy pronto de disfrutar de 25 en Spotify, igual que están 21 y 19", ha dicho Spotify en un comunicado. En esta misma línea se han manifestado representantes de Apple Music y de Deezer.

No obstante, nadie ha comentado nada sobre esta decisión desde el equipo de Adele.

"Acelerado, armonioso, melódico y... trabajado". Así define Eric Sueiro el álbum debut de los barceloneses The Saurs, Magic Shape, banda en la que se encarga de poner voz y melodía a través de las seis cuerdas. En conversación telefónica con infoLibre, el cantante de The Saurs reconoce que esta grabación les ha supuesto "una visión más amplia de cómo hacer un disco", pero también "cómo buscar un sonido como grupo".

Y no es de extrañar, la banda lleva apenas tres años tocando –dos con la formación actual– en los que no han perdido el tiempo. Además de haber grabado dos EP –"de forma casera, en locales de ensayos con amigos", cuenta Sueiro– para darse a conocer, también han dado conciertos en algunas de las salas y festivales más importantes del país, como la Sala Apolo (Barcelona), Primavera Sound, Low Festival o Vida Festival, fecha que recuerdan con especial cariño.

Magic Shape by The Saurs

Uno de los contratiempos que sufrieron en sus primeros meses fue la salida del bajista, algo que fue aprovechado para dar un sonido más característico al grupo. No, no ficharon a ningún otro: continuaron como trío formado por dos guitarras y batería. No obstante, en sus grabaciones se puede escuchar una engañosa línea de "bajo", pero en realidad se trata de guitarras con efectos que simulan sonidos más graves.

Sueiro, que admite que tuvieron que "currar" mucho para lograr el efecto conseguido, se justifica: "Si lo podíamos hacer entre nosotros, ¿para qué alguien más?". Al más puro estilo Jack White, vaya.

Sus influencias se mueven, por un lado, entre el rock clásico y el garage americano, en el que remarcan a Twin Peaks, Ty Segall o Thee Oh Sees, con quienes compartieron escenario en la última edición del Primavera Sound. En cuanto a su música, la definen como "garage con tintes psicodélicos", pero apuntan: "No somos cerrados, no tenemos una estructura muy clara. Si lo tocamos y mola, se hace". Eso sí, avisan de que "el pop siempre está ahí".

Las metas de The Saurs pasan ahora por "reafirmarse por toda la península" y visitar algunos de los países limítrofes, "aunque sea en salas pequeñas", además de, claro está, "colarse en algún festival". Su objetivo en los conciertos: "Que la gente se lleve algo más que una anécdota, que digan que no es solo rock, que noten algo más. Queremos llegar a un sitio y que se acuerden de nuestras canciones".

"Somos la primera generación en descargar música"

Preguntados por las ventas de discos, reconocen que a ellos no se les da del todo mal, ya que sus conciertos suelen ser la principal tienda en la que ofrecerlos. "No es que la industria discográfica esté muerta, pero como nosotros somos de esta época, no tenemos referencia anterior", comenta Sueiro, que reconoce que el sector "tiene que renovarse".

"Nosotros no consumimos la música de la misma forma que hace 10 o 20 años, pero siguen tratando de arrastrar lo antiguo. Somos de la generación de Internet, la primera en descargar música", recalca el cantante de The Saurs –que han editado este disco con el sello independiente El Segell–, que explica: "A mí me gusta escuchar un disco antes de comprar, algo que antes no se podía hacer, y te tenías que guiar por la portada o la estética. Pero yo sigo comprando música. Al final acaba siendo también un hecho de coleccionismo eso de tener discos en casa".

En este sentido, explican que la piratería les "beneficia más que perjudica". "Nos interesa que la gente escuche nuestra música como sea, ya que eso al final se acaba redirigendo si vienen a conciertos, compran camisetas o discos", admite Sueiro, que recalca que "la piratería se ha reconvertido en los últimos años y ya no se descargan tantos discos porque se escuchan antes" a través de plataformas de streaming, como es el caso de Spotify, Bandcamp o Soundcloud.

"Yo soy la banca, tú solo la víctima de mi trampa". Así comienza Tutorial A.k.a. Casino, el primer tema de Previo, el maxi-single de adelanto del que será el nuevo disco de Kase O en solitario. Han pasado ya nueve años largos desde el último disco del M.C. con Violadores del Verso, el exitoso Vivir para contarlo (2006).

Tras varios años de gira con el proyecto Jazz Magnetism, en el que versionaba sus propios temas con una banda de jazz, el carismático componente de Violadores del Verso se ha lanzado a la aventura en solitario. Es el último paso para la vuelta de Doble V al estudio, razón de más para que sus seguidores lo esperen ansiosos. Prueba de ello es el detalle que deja el final de la primera canción, Tutorial A.k.a. Casino: un sampleo con las voces de Sho Hai y Lírico, sus compañeros de banda.

Pero no es el único motivo. Por el momento, Kase O ha ofrecido un aperitivo que está haciendo las delicias de sus fans, que han llenado las redes sociales de halagos hacia el cantante desde que se publicara el adelanto en la medianoche de este jueves. Este álbum incluye un total de 8 pistas, de las que tres son canciones nuevas. El resto son bases instrumentales y dos remix de R de Rumba (DJ en Violadores del Verso) de esos mismos temas.

Además del citado Tutorial A.ka. Casino, otro de los temas neuvos es Repartiendo Arte, presentado a mediados de septiembre. Pero, sin duda, el tercer y último tema (por ahora) es el que más destaca. Bajo el título Hardcore Funk, Kase O presenta un tema que cuenta con una colaboración estrella: el mítico rapero americano PMD, que también ha participado en la grabación del videoclip.

En Previo encontramos a un Kase O más maduro, ligeramente distinto al Kase O de Violadores del Verso, pero es lógico: ya no es un chaval de la calle, llevaba casi una década sin presentar nada nuevo y ha dedicado los últimos años a girar con una banda de jazz, algo que deja poso. No tendría mucho sentido que hubiera sonado igual que hace diez años. Eso sí, su ego no lo ha dejado de sacar a paseo en ninguna de las canciones nuevas.

Hasta la fecha, no hay confirmado ningún concierto de Kase O en solitario, pero sí con Jazz Magnetism, proyecto que ofrecerá sus tres últimas actuaciones a finales de octubre: Barcelona (23), Madrid (24) y Granada (25).

Mientras esperamos el disco al completo, esto es todo lo que podemos escuchar. Juzguen ustedes.

Grandes estrellas de la música se han unido para plantar cara -o extraer rédito- a la fuerte crisis que está sufriendo la industria de la música.

Tidal es  la nueva plataforma de música en streaming que quiere plantar cara a Spotify, y que ha sido creada por Jay Z, Madonna, Rihanna, Beyoncé y Alicia Keys, entre otros.

Una alternativa promovida por los propios cantantes, que últimamente se veían obligados a reducir sus beneficios solo en los conciertos y giras ya que se enfrentan cada día la grabe problema del pirateo por parte de los usuarios.

El cerebro de la operación ha sido Jay Z, quien se puso en contacto con sus compañeros de profesión para crear Tidal. 25 millones de canciones sin anuncios, 75.000 vídeos musicales, identificador de melodías, gestor de redes sociales y listas de reproducción es lo que ofrece la nueva plataforma por 19,99 dólares al mes, 9,99 si se elige el servicio de baja calidad de sonido. 

Mientras que Spotify cuenta actualmente con 60 millones de usuarios en todo el mundo (15 de pago) y Apple se encuentra planeando ofrecer su propio servicio por streaming este año, Tidal estará disponible en 31 países y será compatible con casi todos los sistemas operativos de teléfonos móviles y ordenadores por lo que se convertirá en la competencia directa de Spotify, que y había sido rechazada en anteriores ocasiones por estrellas de la música como Taylor Swift.

Lluvia de estrellas

Jay Z consiguió reunir en una misma sala a un gran número de estrellas musicales, como Madonna, Rihanna, Beyoncé, Daft Pank, Alicia Keys, dos miembros de Arcade Fire, Jack White, Kanye West, Nicky Minaj y Usher e incluso Chris Martin y Calvin Harris por videoconferencia para presentar la iniciativa.

A las pocas horas, ya se podía leer en las redes sociales el hashtag de #TIDALforALL. En el vídeo de presentación Jay Z dice: "Tenemos que escribir la historia por nosotros mismos" y añade "Si estos artistas han podido sentarse en una habitación juntos, el mundo puede cambiar. Y eso ha pasado hoy".

Los españoles se gastaron en música grabada un total de 149,9 millones de euros a lo largo de 2014, una cifra que supera en un 21,2% los registros del ejercicio anterior -2013 fue el peor ejercicio de la historia con 123 millones-, y que supone el primer repunte del sector en el siglo XXI, tras tocar fondo en 2013 y después de doce años consecutivos de bajadas ininterrumpidas.

Así lo pone de manifiesto el informe económico anual que elabora Promusicae, la patronal de los productores de música, que atribuye esta subida a la coincidencia esta temporada de nuevos álbumes a cargo de artistas populares, como Pablo Alborán, Bisbal, El Barrio y Fito & Fitipaldis, así como al auge del streaming. El mercado discográfico español se coloca así en niveles muy parejos a los de 2011.

Además, Promusicae subraya que la relación de fuerzas entre el mercado físico y el digital tiende cada vez más al equilibrio: los soportes como el CD o el vinilo se llevan el 58 por ciento del mercado, mientras que las descargas o escuchas on line significan el 42 por ciento restante.

"La situación sigue siendo, evidentemente, muy delicada, tras un desplome del mercado de un 80 por ciento en los últimos años", señala el presidente de Promusicae, Antonio Guisasola, que recuerda que los ingresos en 2001 ascendían a 626 millones de euros.

Pese a la crisis y las descargas ilegales

Guisasola precisa que el consumo digital, pese a registrar aún cifras modestas para un país como España, representa un "buen augurio", y añade que la "tímida mejoría" demuestra que "el gran esfuerzo de diversificación y reivindicación del sector comienza a dar sus frutos", incluso en las actuales circunstancias económicas y con "el grave problema de la piratería aún lejos de resolverse".

El informe destaca que el streaming, la escucha sin descarga de música que ofrecen, en modalidades gratuitas o de suscripción, plataformas como Spotify, YouTube, Napster, Vevo, Deezer y XBox Music, le ha supuesto a las discográficas unos ingresos de 47,2 millones, (un 36,3 por ciento más que los 34,6 millones obtenidos en el caso de 2013), sustentado en gran medida en un crecimiento en torno al 30 por ciento en el número de suscriptores.

El auge de este tipo de consumo coincide con el estancamiento de las descargas de canciones o álbumes en iTunes o similares (14,2 millones, un 2 por ciento menos que en el periodo previo), mientras que los productos de móvil, como tonos o canciones de espera en las llamadas (ringback tones), ya solo generan 1,4 millones, con una caída interanual superior al 20 por ciento.

En el apartado de ventas físicas, el formato CD logra frenar su desplome y despacha 11,6 millones de unidades, un 22 por ciento más que en el ejercicio previo (9,5 millones). Al mismo tiempo, se sigue consolidando el regreso del vinilo como el preferido entre grandes melómanos y coleccionistas. Se han vendido 260.000 elepés, cifra que Promusicae considera "discreta" pero que representa un "estirón" del 85,7 por ciento en comparación con los 140.000 del año 2013.

Reina Pablo Alborán

Además, del despegue del streaming, que coincide con los principales mercados del resto del mundo, en 2014 se produjo el lanzamiento de nuevos discos de algunos de los grupos y artistas que gozan del fervor popular. El malagueño Pablo Alborán supera todas las marcas. Su tercer álbum de estudio, Terral, apareció a mediados de noviembre y esas seis semanas le bastaron para superar los 157.000 ejemplares vendidos, lo que equivale a tres discos de platino. El autor de Solamente tú lleva cuatro años como artista en activo y los cuatro ha sido el número uno en ventas.

Junto a Alborán David Bisbal depachó con Tú y yo 125.000 unidades y se convierten en los dos únicos artistas en alcanzar los seis dígitos. Otro andaluz, el gaditano El Barrio, se aupó hasta el tercer puesto en la lista de ventas con Hijo del levante (doble platino), su primera entrega discográfica en tres años. Y Fito Cabrales y los Fitipaldis, colocó su Huyendo conmigo de mí en la cuarta plaza, aprovechando la expectación tras cinco años sin canciones nuevas.

Dominio de la música en castellano

De este modo, Promusicae destaca "dominio absoluto" de la música en castellano en las preferencias de los compradores. Entre los veinte primeros discos, solo tres corresponden a artistas foráneos, y en puestos discretos: Four le proporciona a One Direction el puesto 12, Ghost stories, de Coldplay, aparece en el 17, pese a su perfil mucho menos comercial que el de títulos anteriores, y el regreso en diciembre de AC/DC con Rock or bust se cuela en el 19.

Los hermanos adolescentes Gemeliers consiguen la quinta plaza con Lo mejor está por venir, y otros artistas mucho más consolidados copan el resto de la tabla: Malú (Sí, en el 6), Melendi (Un alumno más, 7), Manolo García (Todo es ahora, 8), Joan Manuel Serrat (Antología desordenada, 9), Enrique Iglesias (Sex and love, 13); el trabajo homónimo de Dani Martín, en el 14, Antonio Orozco (Dos orillas, 18) y Cadore 33, de Sergio Dalma, ya en el 20.

Además Sueños cumplidos, el debut del televisivo David Barrull, ganador de La Voz, alcanza el número 11, mientras que las bandas sonoras de Hoy somos más y Violetta-En concierto se posicionan en el 15 y el 16, respectivamente.

En digital manda 'Bailando'

El panorama es sustancialmente distinto en las clasificaciones de canciones más descargadas y más escuchadas a través de streaming, afianzándose la tendencia del reinado de las canciones concebidas para las pistas de baile, con un vencedor muy destacado en ambas modalidades: Bailando, de Enrique Iglesias con Descemer Bueno, que acumula más de 80.000 descargas legales y se escuchó on line en cerca de 35 millones de ocasiones.

Los puestos de privilegio en la clasificación de descargas los completan Pharrel Williams (Happy), David Bisbal (Diez mil maneras), Faul/Wad Ad/Pnau (Changes), John Legend (All of me), Avicii, Shakira, Enrique Iglesias junto a Romeo Santos (Loco), Milky Chance y Wisin. Happy también se afianza en el puesto número 2 del streaming, con John Legend, Clean Bandit (Rather be), Romeo Santos (Propuesta indecente), Wisin, Pitbull con Ke$ha, Calvin Harris, Nicky Jam y Katy Perry para redondear este top 10.

En cualquier caso, 2014 será el último año con rankings diferenciados para descargas y escuchas en línea, puesto que Promusicae aplica desde enero de 2015 una fórmula para unificar ambas clasificaciones y ofrecer un panorama más global y simplificado de las preferencias de los oyentes.

Como curiosidad final, en el cada vez más restringido mercado del DVD musical prosigue el dominio de Cantajuego, los sucesivos vídeos enfocados a los más pequeños de la casa, que ocupan las nueve primeras plazas del listado. Solo Malú y su Tour Sí consigue hacerse un hueco in extremis en el número 10.

Y en el apartado de cedés recopilatorios también se prolonga el reinado de Los nº 1 de 40 Principales. Mujeres y hombres y viceversa, las canciones de la edición número 15 de Gran Hermano y Lo mejor de La Voz Kids completan esas cinco primeras posiciones de esta tabla.

Tras unos años en los que parecía que la crisis económica –y la subida del IVA cultural al 21 por ciento– había dificultado la llegada de grandes grupos internacionales a España, todo apunta a que 2015 invertirá la situación. Desde leyendas hasta grupos emergentes, este año tendrá visitas de algunas de las mejores bandas de rock del momento.

Además, nada está cerrado y muchos grupos se espera que anuncien en los próximos meses sus giras. Entre algunos los posibles se encuentran sus satánicas majestades: los Rolling Stones, que han dejado en el aire la posibilidad de volver a salir de gira.

El año anterior acabó con el inicio de un nuevo evento: Suite Festival, en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona. El maestro de ceremonias fue Woody Allen & his new orleans jazz band, al que seguirán durante los próximas semanas una serie de artistas. Entre ellos, destacan Van Morrison, que ofreció su espectáculo el pasado 19 de enero y Kraftwerk, que visitarán la ciudad condal el 22 abril.

A finales de mayo llega el turno de una de las bandas más esperadas: AC/DC. Los australianos repasarán su último disco, Rock or bust, y algunos de sus temas más clásicos. Eso sí, con una baja imposible de obviar: el guitarrista Malcolm Young, obligado a retirarse tras haberse constatado que sufre demencia. El sustituto será George Young, que ya ha trabajado anteriormente con la banda. Otra posible baja es la del batería Phil Rudd, que ha tenido recientemente problemas con la justicia que le alejan de la gira mundial de la banda. No obstante, insiste en que volverá a trabajar con AC/DC.

Pero si de algo no queda duda es del éxito de convocatoria de los australianos. Con largas colas y colapsos de los sistemas informáticos, las entradas para Madrid (Vicente Calderón, 31 de mayo) se agotaron en apenas hora y media, lo que provocó el anuncio de una segunda fecha (2 de junio), para la que también se agotaron las localidades en el mismo día. La banda tocará también en Barcelona (28 de mayo), en el estadio olímpico Lluís Companys, donde las entradas tardaron algunos días más en agotarse.

Este mismo mes también pasará una de las bandas más importantes del rock indie a nivel mundial. The Strokes pasarán por el escenario del Primavera Sound (28, 29 y 30 de mayo), donde también estarán grupos como The Black Keys o Interpol. Se trata de uno de los pocos conciertos confirmados por la banda a nivel mundial para este año. Su último disco, Comedown Machine, recibió críticas en algunos sectores, debido a las grandes diferencias que presentaba en el sonido de la banda respecto a los trabajos anteriores. 

Aunque desde su publicación apenas han dado conciertos, Julián Casablancas y compañía seguirán repasando algunos de sus temas más emblemáticos, como Reptilia, Under Cover Of Darkness o Someday. 

La gira europea de Nick Cave hará parada en Barcelona (21 de junio) y Madrid (22 de junio), con las entradas agotadas para este último concierto. Se trata de un evento más íntimo, en teatros y auditorios, en el que repasará toda su discografía sin la compañía de los Bad Seeds al completo.

Otra banda mítica del hard rock que pasará por España será Kiss. Los de Genne Simmons harán parada, tras cuatro años sin hacerlo, por Barcelona (21 de junio) y Madrid (22) en el marco de su gira de 40 aniversario. En ella, sonarán algunos de sus temas clásicos, como Detroit Rock City o Rock N' Roll All Night, con su característico espectáculo de fondo.

Ese mismo fin de semana se celebra el Azkena Rock en Vitoria, encabezado por ZZ Top. Los de Texas, que siguen manteniendo la formación original (y sus largas barbas), pondrán el toque más clásico a las guitarras del festival. A la espera de la confirmación de un segundo cabeza de cartel, entre las confirmaciones anunciadas por el Azkena cabe destacar Television y Black Mountain.

El mes de julio será el más intenso en grandes conciertos y festivales. Muse pondrá el listón alto con su participación en el Bilbao BBK Live (9, 10 y 11 de julio), única fecha en festivales españoles este año. El trío presentará su nuevo album –cuyo estreno está previsto esta primavera– y en el que, según ha asegurado Matt Bellamy, la banda se alejará de sus dos discos anteriores –con alta presencia de elementos de música electrónica– para presentar un sonido más contundente. Estarán acompañados por numerosas bandas, entre las que destacan The Jesus and Mary Chain, Counting Crows o Arizona Baby.

Los incondicionales del sonido más duro tienen una cita en Galicia. Para ser más exactos, en Viveiro, donde se celebrará el Resurrection Fest (16, 17 y 18 de julio), encabezado por Mötorhead, que solo celebrará este concierto en España en 2015. Además, durante el festival le acompañarán otros importantes grupos de la escena, como In Flames, Black Label Society o Korn.

El mítico lider de Dire Straits, Mark Knopfler, hará una minigira por la geografía española a finales de julio, pasando por Huesca, Sevilla, A Coruña, Barcelona y Ávila, donde participará en la décima edición del festival Músicos en la Naturaleza junto a Fito & Fitipaldis.

Lenny Kravitz también visitará España los últimos días de este mes. Concretamente, tocará con su banda en Madrid, Gijón y Marbella, donde presentará su último disco, Strut. El multinstrumentista repasará algunos de sus temas más emblemáticos, ya convertidos en himnos en sus actuaciones en vivo.

La música alternativa o indie se hará un hueco en la capital del turismo veraniego: Benidorm, donde se celebra el Low Festival los últimos días de julio. Kasabian es el primer cabeza de cartel confirmado por ahora. Los ingleses presentarán su último trabajo, 48:13, por segunda vez en España (el año pasado lo hicieron encabezando el FIB).

La banda de rock electrónico estará acompañada por grupos internacionales, como The Growlers o The Raveonettes, y nacionales, como Los Enemigos o Supersubmarina.

En agosto, The Darkness pasará por la costa alicantina en el Festival Leyendas del Rock. Allí presentará su nuevo disco, que acaban de anunciar que se publicará en marzo. En esta edición también participarán grupos de la talla de Overkill o Gamma Ray y, en la escala nacional, Obús o Asfalto.

Tras las polémicas sobre la salida de su último disco, Songs of Innocence, U2 volverá a hacer una gira mundial en el presentarán también la segunda parte de este disco, Songs of Experience, cuya publicación se espera en los próximos meses. En su tour iNNOCENCE + eXPERIENCE, los de Bono solo pasarán por 19 ciudades en todo el mundo.

Una de ellas será Barcelona, donde se colgó hace tiempo el cartel de “entradas agotadas” para ver a los irlandeses en el Palau Sant Jordi las noches del 5 y el 6 de octubre. Eso sí, tras su reciente accidente en bicicleta, Bono no sabe si podrá volver a tocar la guitarra de acompañamiento al grupo.

¿Alguien más?

Por el momento, estas son las grandes giras cuyo paso por España está confirmado. No obstante, muchos carteles de festivales siguen estando cojos.

Además, algunos grupos que ya han anunciado las fechas de su próxima gira, no han incluido España. Es el caso de Foo Fighters, que acaban de publicar Sonic Highways. Disco que, de momento, no está previsto presentar en directo en esta ocasión. Otros músicos, como Red Hot Chili Peppers, Radiohead o Coldplay, han anunciado que publicarán disco este 2015, pero aún no se sabe cuál será la hoja de ruta de sus giras.

Aunque se trata solo de un guiño, los Rolling Stones podrían volver a visitar España en 2015, pese a los rumores de disolución de la banda tras un intenso año. En un vídeo de agradecimiento al millón de personas que asistió a alguno de los conciertos de su última gira, 14 On Fire, Mick Jagger deja la puerta abierta a una posible vuelta a la carretera con la banda: “Quizá nos veamos en 2015, así que, ¡gracias a todos!”.

La música clásica y el jazz son sus estilos preferidos. Unos estilos que, tal y como relata, trata de aplicar a la música electrónica.

Otros vídeos de Nawta.

En los próximos días, Barcelona volverá a ser, otro año más, capital referente de la cultura musical y audiovisual. La celebración del festival Sónar, que esta edición cumple 20 años, los días 13,14 y 15 de junio reunirá en un mismo evento a más de 150 artistas internacionales y 60 actividades de tecnología y movilidad aplicadas a la creación. Una miscelánea de música, arte y tecnología que programa una oferta de actividades diversas a lo largo de los tres días en la Fira de Montjuïc (Sónar de Día) y la Fira Gran Vía (Sónar de Noche), con la presencia destacada de Kraftwerk, Pet Shop Boys, Skrillex o Matthew Herbert, entre otros.

En su 20º aniversario, Sónar representará muchas de las corrientes esenciales de la electrónica. El show de Kraftwerk en 3D, que llega tras su paso por los museos de arte contemporáneo MoMA de Nueva York y Tate Modern de Londres, el nuevo espectáculo audiovisual de Pet Shop Boys, que incluirá canciones de su nuevo disco Electric – previsto para el mes de julio –, y Skrillex encabezarán un cartel de cumpleaños al que también se suman artistas de la talla de Jurassic 5 – que se reúne este 2013, seis años después de su último disco –, Richie Hawtin, Matthew Herbert, Derrick May, Jamie Lidell, Two Door Cinema Club, Modeselektor, Justice, 2manydjs o Laurent Garnier – quien será el encargado de cerrar el festival, 20 años después de su primera sesión en el festival –. Conciertos de gran formato y alto nivel creativo. Así, la programación del escenario SonarVillage se convertirá en el epicentro del nuevo Sónar de Día.

A ellos les acompañarán nuevos valores de la escena internacional como Paul Kalkbrenner, Baaur, Nicolas Jaar, Maya Jane Coles, C2C, Matthias Zimmermann o Fatima Al Qadiri; una muestra de la explosión de la música electrónica en EEUU (el mencionado Skrillex, la música jamaicana de Major Lazer, Diplo, Seth Troxler, TNGHT...); algunos de los principales renovadores del pop más eléctrico, a punto de dar el salto (Aluna George, Chromatics, Darkstar, Bat For Lashes); lo más interesante del nuevo techno experimental (Vatican Shadow, Raime, Diamond Version, Dinos Chapman, Karenn, Lorenzo Senni...); minimalismo y clasicismo (Olafur Arnalds, Francesco Tristano, Max Richter + bcn216...); y la gran mayoría de los artistas presentados por Red Bull Music Academy en Sónar de Día.

Además, el panorama nacional se verá representado por nombres interesantes como Delorean ZA!, Lost Twin, La Bien Querida, bRUNA, Alizzz o el trío histórico de djs de Barcelona que actuaron en la primera edición de Sónar (Angel Molina, César de Melero y Zero). Por otro lado, los shows de Francesco Tristano, Olafur Arnalds, Pascal Comelade & Richard Pinhas o Dinos Chapman, que tendrán lugar en el nuevo auditorio del escenario SonarComplex, y la muestra de la escena islandesa a través de las actuaciones de cuatro jóvenes artistas (el pianista Ólafur Arnalds, el cuarteto de house vocal Sísý Ey, el grupo de pop Samaris y la pareja de djs Gluteus Maximus), completarán una programación de conciertos gratamente estimulante.

A todos estos se le unirá una muestra de proyectos new media y audiovisuales bajo una agenda de contenidos que presenta exposiciones, diez proyecciones (SónarCinema), conferencias y múltiples actividades participativas para público y profesionales.

El laboratorio Sónar+D conjugará creatividad, tecnología, movilidad, innovación y negocio bajo una nueva marca que reunirá a más de 2.500 profesionales de las industrias creativas y tecnológicas representando a 1.400 empresas llegadas de 50 países. Un entorno en el que se busca potenciar la tecnología aplicada a la creación artística, instalaciones sonoras, workshops, conferencias y presentaciones de proyectos artísticos. Asimismo, Richie Hawtin, Skrillex y Luciano darán conferencias para informar sobre un proyecto social (Bridges for Music) en el que se han involucrado con las comunidades desfavorecidas de Sudáfrica. Por su parte, Matthew Herbert y Dinos Chapman compartirán con la audiencia su otras experiencias como creadores musicales.

La mezcla de vocación lúdica e inquietud artística propondrá su último recorrido, sin salir del entorno del festival, con el uso de espacios museísticos como el Centre de Cultura Contemporània y el Museu d'Art Contemporani de Barcelona, abriéndolos a la música y al arte escultural digital.

Así con todo, no hay duda de que Sónar ya se ha convertido en cita ineludible de gran relevancia dentro del calendario de festivales de ámbito electrónico y música de vanguardia. Cada año, en la edición celebrada en la Ciudad Condal, el festival recibe entre 70.000 y 80.000 visitantes, la mitad procedentes de hasta un centenar de países diferentes. En estas dos décadas, han actuado en Sónar Barcelona más de 7.000 artistas y han pasado por allí más de 1.200.000 visitantes de todo el mundo.

Veinte años después, volverán muchos de los pioneros del festival. Sin embargo, hoy pocas cosas recordarán a aquella primera edición celebrada en 1994.

Hay gente interesante. Gente con inquietudes y con propuestas bajo el brazo. Gente que hace cosas nuevas. Y luego va Matthew Herbert, conceptual hasta bordear la fina línea entre lo sublime y lo abyecto, que lo mismo compone música con los sonidos del ciclo de la vida de un cerdo que con el de la explosión de una bomba en Libia. El productor británico (Londres, 1972), se pone este viernes el casco de DJ en el Sonar, una cita que le trae especialmente emocionado “por ver a Kraftwerk, que nunca los he visto”. Para la ocasión, cuenta que hará un repaso de sus visitas al festival barcelonés, en el que se estrenó allá por 1996. “Quiero hacer algo que reconozca esa historia y que a la vez sea innovador, con nuevos planteamientos, aunque aún estoy trabajando en ello”, explicaba a este periódico la semana pasada.

Renovador, efectivamente, podría ser un vocablo apto para definir al músico y su aportación a la electrónica. Él dice no estar seguro de los términos que utilizaría, aunque “de lo que más orgulloso” reconoce sentirse es de haber dado muestra de que “no necesitas sintetizadores ni cajas de ritmos: puedes hacer música de cualquier cosa”. Sus álbumes Plat du Jour, de 2005, One pig, de 2011, y Tesco, de 2012, aportan testimonio fehaciente de que una de sus obsesiones en ese respecto ha sido y es la comida. Desde el ruido de más de 3.000 personas dándole un mordisco a una manzana, al de un gorrino siendo engordado en una granja o el de los diez productos más vendidos en una gran cadena de supermercados, Herbert ha probado casi de todo para construir sus melodías hipnóticas y a tramos hechizantes.

“Para mí la comida está en la primera línea de la cultura”, explica vía Skype. “Es algo que tienes que hacer tres veces al día. Hay un montón de historias tanto positivas como negativas sobre nuestro mundo que se pueden contar a través de la comida”. Como una suerte de activista sonoro, Herbert critica a través de sus discos dramas globales como el cambio climático, “que viene de las decisiones que tomamos sobre nuestra comida” o la cultura consumista: “No se puede tratar la comida como algo de usar y tirar”. “Hay algo shakespeariano en los alimentos”, subraya, “por un lado parecen algo saludable, y por el otro nos matan lentamente, tanto a nosotros como al medio ambiente”.

Su proclamado logro, el haber dejado de lado sintetizadores y demás productores de ruidos enlatados, no lo comparten sus venerados Kraftwerk, que llegan a Barcelona tras dos épicas rondas de conciertos en el MoMA neoyorquino y la Tate londinense. Tampoco Skrillex, otra de las estrellas de esta edición del Sonar, envilecedor del dubstep para los más puristas y descubridor de todo un mundo nuevo para una enorme masa de audiencia, especialmente estadounidense, que parece haber caído irremisiblemente en las garras del Electronic Dance Movement del que se ha erigido en predicador al californiano. “Lo que yo creo es que haría falta una palabra que no sea música para describir lo que hace Skrillex, que a la vez es diferente a lo que hacía Wagner o los Queens of the Stone Age: el contexto es muy importante”, dice Herbert. “Si eres un chaval de 17 años que empieza a escuchar electrónica está bien, pero es distinto si tienes 41 y ya has estado en 5.000 clubes”.

Como él ha debido estar todavía en alguno más, fue nombrado el año pasado director del Taller radiofónico de la BBC, creado hace más de medio siglo para producir efectos sonoros de vanguardia para la radio. “Es interesante reflexionar sobre lo que significa tanto tiempo después”, apunta. “Ahora muchas de las máquinas y de las herramientas con las que cuenta te las puedes bajar de Internet. Estamos ante una crisis de contexto y de significado de la música: ahora la mayor parte no va sobre nada”. Esa idea, que apuntala en datos como que el 80% de las canciones que hay en iTunes no han sido escuchadas nunca –lo que implica que "no pueden ser reconocidas como experiencia"-, le lleva a esa sugestiva conclusión de que la palabra “música” ya no funciona como tal.

Activista y filósofo del lenguaje demostrado, Herbert también se revela a lo largo de la conversación como un pensador político. Como cuando habla de su último disco, The end of silence, que saldrá a la venta a finales de este mes, y que ha compuesto únicamente a base del sample de una explosión ocurrida durante la guerra en Libiasample . “Ahora nos adentramos en un territorio diferente: la música trata con los materiales de la vida y la muerte”. Y no solo metafóricamente. La grabación de la bomba no es solo real, sino que realmente mató a varias personas. “Aunque yo me enteré de eso después de hacer la música”, explica. “Es un cambio en cómo nos tenemos que plantear escribir música: se está convirtiendo en algo mucho más serio”.

El pasado 1 de septiembre de 2012, entraba en vigor la subida del IVA anunciada por el presidente del Gobierno en su dramática comparecencia de julio. El tipo superreducido se mantenía en el 4%, el reducido pasaba del 8% al 10% y el general, del 18% al 21%. Pero el real decreto ley traía consigo asimismo una reclasificación tributaria de varios productos y servicios. Entre ellos, las actividades culturales, que de buenas a primeras pasaban del 8% al 21% de IVA. 13 puntos más de golpe. 

El ivazo afecta a un mercado, el cultural, muy maltrecho y a una industria que genera en España, según los datos de la Sociedad General de Autores y Editores (SGAE), 503.700 empleos y supone el 4% del PIB. Desde que Mariano Rajoy anunció la medida, el sector se echó encima del Ejecutivo y se agrupó como nunca para advertir de los riesgos del tasazo. Ya entonces, la Unión de Asociaciones Empresariales de la Industria Cultural Española, que forman 4.000 empresas de música, cine y teatro, puso cifras al drama: el incremento del impuesto supondría la pérdida de 43 millones de espectadores, la reducción de 530 millones de euros en los ingresos de taquillas, la pérdida de 4.500 empleos directos y el cierre del 20% de las empresas. En un gesto también inédito, las Asociaciones Internacionales de la Industria Cultural dirigieron a Rajoy una carta para intentar revertir su decisión, alegando que el cambio fiscal sitúa a España como "uno de los únicos países de la zona euro" donde no se aplica el IVA reducido en los ingresos en las actividades culturales y también señalando el efecto "devastador" en el sector que produjo una subida del IVA semejante en otros países. Caso de Holanda y Portugal. Países que, visto el efecto negativo, rectificaron. 

Además, justificaban, la experiencia demostraba que servía de bien poco, porque los ingresos del Estado por este concepto disminuían más de lo que creían por la subida del IVA. La tendencia en "todos los países" de la Unión Europea, avisaba de forma coincidente la SGAE, es "incluir la cultura en los tipos de IVA reducido". La industria se ha asido a otro argumento de peso: que el ivazo contraviene el artículo 44. 1 de la Constitución española, que consagra que los poderes públicos deben promover y tutelar "el acceso a la cultura, a la que todos tienen derecho". 

González Macho: "No vamos a cejar en nuestro empeño"

En la reciente 27ª edición de los Premios Goya, el pasado 24 de febrero, Enrique González Macho, presidente de la Academia de las Ciencias y las Artes Cinematográficas de España, solemnizaba ante el ministro de Educación, Cultura y Deporte, José Ignacio Wert, la protesta y el malestar del sector por la "brutal subida del IVA". "Los resultados están siendo todavía más negativos de lo que se previó. El consumo cultural ha tenido un fortísimo descenso y, por tanto, una menor recaudación, acompañado de fuertes costes sociales: cierre de empresas y aumento del paro". "No es de recibo –añadía– que tengamos el IVA cultural más alto de Europa. Una vez más, la razón del Estado se ha impuesto sobre el estado de la razón. Y nosotros no vamos a cejar en nuestro empeño de que se rectifique este grandísimo error". 

Apenas unos días después, la Asociación de Promotores Musicales ofrecía más datos. Su presidente, Pascual Egea, subrayaba que la música en vivo perdió 25 millones de euros entre septiembre y diciembre de 2012 por la subida del IVA. O sea, de los 86,5 millones de euros facturados en 2011 a los 61,5 millones de 2012. Asimismo, el 20% de las empresas "que se dedicaban a la música han cerrado". 

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Algunos daban por muerto, literalmente, a David Bowie tras diez años de silencio musical. Apenas alguna colaboración esporádica del británico con algunas bandas despejaban los recurrentes rumores sobre su desaparición de la escena. Y, a decir de la crítica en Reino Unido de su nuevo disco (The Next Day), el icono glam viene a tapar muchas bocas. No sólo aquellas que lo daban por muerto biológicamente, sino las que lo consideraban acabado artísticamente.

The Independent llega a afirmar que la vuelta de Bowie "puede ser el mejor álbum de regreso en toda la historia del rock". Pues se trata de eso, de un regreso, también artístico. Las nuevas 14 canciones son una mirada a su pasado musical, con canciones que remiten a trabajos previos, como Lodger (1979) o Scary Monsters (1980). El Daily Telegraph afirma que es “atrevido, precioso”, un recorrido que Bowie hace “a través de sus propios mitos”. O como lo define The Guardian,"The Next Day muestra por todas partes lo que puede definirse como una lista de las obsesiones de Bowie”.

“Un disco que remueve conciencias, raro y repleto de grandes canciones. Escucharlo te hace desear que no se trate de una excepción y que su vuelta sea algo definitivo”, concluye The Independent. The Next Day sale a la venta el próximo 12 de marzo, aunque el artista, quizá en otra vuelta de tuerca que muestra su regreso, lo ha filtrado a iTunes, donde se puede escuchar en streaming.

Los efectos de la subida impositiva se están dejando notar a medio plazo. Desde que el Gobierno decidiese fijar el precio de las entradas musicales en el tipo general del 21% de IVA, las productoras musicales españolas están viendo graves dificultades para contratar conciertos de artistas internacionales. Según Pascual Egea, presidente de la Asociación de Promotores Musicales (APM), que representa el 80% de los conciertos privados de toda España, esto se debe, principalmente, a que actualmente España no puede "competir en igualdad de condiciones" a la hora de realizar ofertas a las estrellas. Desde la APM señalan que el incremento del gravamen "tendrá consecuencias dramáticas".

"Hay muchos artistas extranjeros que piensan en venir y finalmente no lo hacen porque no salen los números. Cuando sacamos las cuentas no somos competitivos y por eso por ejemplo este año Bruce Springsteen sólo ha programado un concierto en España [el 26 de junio en el estadio El Molinón de Gijón]", ha explicado Egea. Además, las perspectivas para los próximos años no son mejores. Al menos a largo plazo, se espera que España pierda una gran cantidad de conciertos de grandes estrellas de la música. No obstante, el presidente de la APM, ha asegurado que "los promotores siguen luchando" para traer los mejores conciertos.

Además, desde el ente de promotores de conciertos han afirmado que la medida que aplicó el Gobierno al aumentar el IVA cultural es "contraproducente" porque ha hecho descender el consumo y, por consiguiente, la recaudación de impuestos por dicho concepto. Hay que recordar que España es el país europeo con el mayor tipo impositivo en este tipo de espectáculos. Solo se acerca el Reino Unido, que aplica el 20% a estos servicios, mientras que en Irlanda es del 9%, en Italia del 10% y en Francia y Alemania del 7%. Países, todos ellos, con un salario mínimo bastante superior al de España. Especialmente peculiar es el caso de Portugal, que desde que subió el IVA cultural hasta el 13%, el consumo de actos culturales ha caído un 45%.

Asimismo, Egea ha apuntado que actualmente "cuesta más vender entradas, algo que se nota más en recintos medianos y pequeños, por lo que sufren más los emergentes, aunque los grandes locales también tardan más en venderse". El vicepresidente de la APM, Xavi Manresa, ha puntualizado que parece que "Madrid y Barcelona se mantienen, pero a niveles de hace tres o cuatro años".

Un 20% de empresas cierra

Todos estos factores han provocado que la facturación neta que ha supuesto las actuaciones de música en vivo en los últimos tercio de 2012 haya descendido un 28,92% (de 86,5 millones de euros en 2011 a 61,5 millones en 2012) con respecto al mismo periodo del año anterior. Para Egea, sin la subida del IVA "la facturación neta de 2012 hubiera sido superior a la de 2011". El presidente de la APM también ha denunciado que "un 20% de las empresas que se dedicaban a la música han cerrado", sencillamente porque "el margen ya no les daba".

El sector de la música en vivo ya sufrió en 2011 los embates de la crisis  económica que frenaron el crecimiento experimentado en el número de conciertos desde 2007. En concreto, durante el año 2011 el conjunto de conciertos descendió un 18,3%, pasando de 4.987 conciertos promovidos por los asociados de la APM en 2010, a 4.072 en 2011. En ese mismo periodo, la facturación bajó también un 12,6%.

A pesar de estas pésimas perspectivas, España continúa teniendo festivales ineludibles de prestigio internacional como el Sónar (Barcelona), el BBK (Bilbao), el Primavera Sound (Barcelona), el Arenal Sound Festival (Burriana, Castellón), el Rock in Rio de Madrid y el FIB (Benicasim), entre otros. El año pasado las giras y conciertos que más espectadores congregaron fueron Bruce Springsteen con sus seis conciertos a los que asistieron 245.000 personas, seguido de Miguel Bosé (92.000), Raphael (53.000), Coldplay (50.000), Madonna (36.000) y Leonard Cohen (36.000).