La directora y guionista Isabel Coixet ha recibido este sábado el Premio Nacional de Cinematografía que otorga el Ministerio de Cultura, destinado a recompensar a toda persona destacada en el ámbito cinematográfico español y dotado con 30.000 euros, marco en el que ha defendido que "incluso para los que la desprecian, la cultura es el futuro", según recoge Europa Press.

Coixet ha recibido el premio de la mano del ministro de Cultura, José Manuel Rodríguez Uribes, en un acto en Tabakalera de San Sebastián, en el marco del festival de cine de San Sebastián, en el que han estado presentes personalidades del mundo del cine como la directora Iciar Bollain o la actriz Candela Peña, y representantes institucionales como el delegado del Gobierno en Euskadi, Denis Itxaso, o el alcalde de San Sebastián, Eneko Goia. El acto este año ha reducido su aforo por las restricciones marcadas para hacer frente al covid-19.

En su intervención, Rodríguez Uribes ha hecho un repaso de la trayectoria de Coixet y de su "universo" y ha resaltado el "inconformismo de su obra" que incluye también una "lucha tenaz" por causas centradas en los derechos humanos. El ministro ha destacado la "clara proyección internacional" de la carrera de la cineasta catalana, así como la "libertad de abordar temáticas comprometidas", la "lucha tenaz por denunciar injusticias", y por "fomentar el pensamiento crítico". "Una y otra vez, tu cine revela que las contradicciones son la esencia misma de nuestra complejidad. Esas capas sucesivas que conforman a cada individuo, y se entremezclan", ha expresado.

Por su parte, Coixet ha centrado su discurso en dirigirse a aquellas personas que quieran dedicarse al mundo del cine y empiezan en esta industria para decirles algunas de las cosas que a ella "no le dijeron en su momento". De este modo, les ha recomendado "fijarse, observar" el mundo que les rodea, así como que "no pierdan el tiempo en criticar" y en quejarse de lo "difícil que es todo" porque "en ningún sitio está escrito que fuera fácil".

La cineasta ha recordado, en esa línea, cuando hace 30 años acudió al Festival de San Sebastián con su primera película que, según ha dicho, "la crítica destrozó". "Me hubiera gustado decir a esa chica que lloraba que los festivales son estupendos para descubrir cine, pero también son plazas de torear egos y, si tienes un ego pequeño y frágil, sufrirás, pero no es el fin del mundo", ha afirmado, al tiempo que ha subrayado que "no te va a querer todo el mundo, tatúatelo si hace falta".

Asimismo, ha aconsejado a los futuros cineastas que sean "agradecidos", que no den "órdenes arbitrarias" y que lleguen "llorados, meados y psicoanalizados" al set de rodaje, para insistir en que no tengan "miedo a decir lo que piensan".

Finalmente, ha destacado que "en estos últimos años algo está cambiando" para las mujeres en el cine, ha llamado a que en esta época de incertidumbres "a falta de certezas, abraza la niebla" y se ha comprometido a esforzase "en ayudar en lo que haga falta".

La directora y guionista Isabel Coixet ha sido galardonada por el Ministerio de Cultura y Deporte con el Premio Nacional de Cinematografía, dotado con 30.000 euros. El jurado ha querido "poner en valor una trayectoria de más de tres décadas caracterizada por abrir nuevos caminos en el cine español".

"Su obra transita por ámbitos geográficos, culturales, lingüísticos y estilísticos diversos. Es una cineasta que destaca por su libertad para elegir temas, su valentía para asumir riesgos, su inconformismo, su versatilidad y la proyección internacional de su trabajo. Su apoyo a una nueva generación de cineastas, su compromiso con la igualdad y las causas sociales, la convierte en un estímulo y referente imprescindible. El cine español no sería el mismo sin el cine de Isabel Coixet", ha señalado el jurado.

El Premio Nacional de Cinematografía recompensa la aportación más sobresaliente en el ámbito cinematográfico español, puesta de manifiesto preferentemente a través de una obra hecha pública o una labor profesional desarrollada durante el año 2019, o, en casos excepcionales debidamente motivados, se otorga como reconocimiento a una trayectoria profesional.

Concedido por el Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA), organismo adscrito al Ministerio de Cultura y Deporte, está dotado con 30.000 euros.

El jurado ha estado presidido por Beatriz Navas, directora general del ICAA, y Elisa Rodríguez Ortiz, subdirectora general de Promoción y Relaciones Internacionales del ICAA, ha actuado como vicepresidenta.

Como vocales han estado presentes, a propuesta de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, Ana Amigo Mérida; a propuesta de Autores Literarios de Medios Audiovisuales, Yolanda García Serrano; a propuesta de la Unión de Actores y Actrices, Ignacio Muñoz Gallo; a propuesta de la Asociación de Mujeres Cineastas y de Medios Audiovisuales (CIMA), Isabel Raventós Armengol; y a propuesta del ICAA, Borja Cobeaga Eguillory, Jenaro Talens Carmona y Juan Miguel Company Ramón. También ha actuado como vocal la galardonada en la convocatoria de 2019, Josefina Molina.

Biografía

Isabel Coixet (Sant Adrià del Besós, Barcelona, 1960) es directora de cine y guionista. Medalla de Oro de las Bellas Artes en 2009, galardón concedido por el Ministerio de Cultura y Deporte, y Embajadora honorífica de la Marca España (2020).

Su trabajo y trayectoria profesional han sido reconocidos con numerosos galardones. Obtuvo su primera candidatura a los Premios Goya en 1988, con su película de debut Demasiado viejo para morir joven.

Desde entonces ha sido galardonada en ocho ocasiones, como guionista y como directora, y ha obtenido otras cuatro nominaciones más. También ha recibido el premio a toda una carrera del Festival de Málaga (2015) y, desde 2015, es Caballero de las Artes y las Letras del Ministerio de Cultura francés.

Empezó rodando películas en inglés, como Things I Never Told You, My Life Without Me, The Secret Life of Words, Elegy o Map of the Sounds of Tokio, combinándolas con rodajes en español de películas como A los que aman, Ayer no termina nunca o Elisa y Marcela.

Coixet también ha trabajado con éxito en el ámbito del documental. Destaca Invisibles, sobre el trabajo de Médicos Sin FronterasInvisibles, Viaje al corazón de la tortura, documental ganador de un premio en la edición de 2003 del Festival de Cine de los Derechos Humanos y Escuchando al juez Garzón, ganador de un Goya en 2011.

Su trayectoria internacional la ha llevado a los festivales más importantes, entre los que destaca su relación con el de Berlín, de cuyo jurado Coixet formó parte en 2009. Su cinta Nadie quiere la noche inauguró la sección a competición del Festival de Berlín en 2016, en la que han participado cuatro de sus películas y en la que obtuvo un premio con Mi vida sin mí.

"Cuando uno explica las cosas y cumple, el mundo del cine es agradecido", ha explicado Méndez de Vigo en una entrevista en Canal Sur recogida por Europa Press. En su opinión, "no hay por qué criticar al Gobierno cuando lo hace razonablemente bien" y ha recordado medidas adoptadas en los últimos meses como la "nueva ley de financiación del cine, las ventajas fiscales" y el compromiso de bajar el IVA a las entradas una vez se aprueben los presupuestos de 2018.

El titular de Cultura ha destacado las "muy buenas relaciones" con la Academia de Cine y ha mencionado la ausencia de la presidenta, Ivonne Blake, en la ceremonia de los Goya a la que ha deseado "su pronta recuperación".

En cuanto a la reivindicación del papel de la mujer que impregnó esta edición de los Goya, Méndez de Vigo aludió a las palabras de la directora de cine Isabel Coixet en la que afirmaba que "está muy bien hacer reivindicaciones pero hay que hacerlas día a día" y ha recordado que el Gobierno ha impulsado el Pacto de Estado contra la violencia machista.

Asimismo, ha destacado la presencia de la Ministra de Sanidad, Servicios Sociales e Igualdad, Dolors Montserrat, en la ceremonia para "mostrar su solidaridad". Méndez de Vigo ha aprovechado también para expresar su solidaridad con las víctimas del último caso de violencia machista en la localidad granadina de Guadix.

Méndez de Vigo ha destacado el "gran momento" que atraviesa el cine español que "va en la buena dirección" porque "mucha gente va a ver películas españolas" y ha destacado la calidad de las finalistas a los Premios Goya. "Vi las cinco y era muy difícil pronunciarse porque las cinco son muy buenas", ha indicado Méndez de Vigo.

El ministro ha asegurado haberlo pasado muy bien en la ceremonia de entrega de los galardones porque su "obligación siendo ministro es disfrutar". Para Méndez de Vigo la calidad de las películas nominadas a los galardones de la Academia demuestra que "el cine español está en un momento dulce" y el "mejor homenaje" es ir a ver las cintas ganadoras.

Las películas La librería, de Isabel Coixet, y El autor, de Manuel Martín CuencaLa librería,El autor, fueron las grandes protagonistas de la 23 edición de los Premios Forqué tras haber recibido ex aequo el galardón a Mejor largometraje de ficción este sábado 13 de enero, durante una gala que se celebró en el Palacio de Congresos de Zaragoza, informa Europa Press.

Elena Sánchez y Boris Izaguirre fueron los encargados de presentar estos premios, organizados por la Entidad de Gestión de Derechos de los Productores Audiovisuales (Egeda), y que por segundo año consecutivo se celebraron fuera de Madrid, tras la pasada edición que acogió Sevilla.

Isabel Coixet destacó la ayuda de los productores españoles con los que trabajópara esta película, a diferencia de "los palos en las ruedas" que recibió en el extranjero. El resto de cintas nominadas a Mejor película eran Abracadabra, Verano 1993 y Handia.

En número de premios, El autor fue la película más reconocida, al conseguir también el galardón a la Mejor interpretación masculina, que fue para Javier Gutiérrez.

En el apartado de Mejor interpretación femenina, la actriz Nathalie Poza recogióeste galardón por su papel en la película No sé decir adiós, de Lino Escalera, una película "sobre la muerte" pero una historia de amor "complicada" como lo son las relaciones entre "padres e hijas". En este sentido, dedicó el premio tanto a su padre como a Juan Diego, su "otro padre".

Por su parte, Muchos hijos, un mono y un castillo, de Gustavo Salmerón, ha sido galardonada con el premio al Mejor documental. "Cuando no encuentras algo le preguntas a tu madre y ella te dice: ¿Has mirado en su sitio?. Y ahí estaba la historia, en mi familia", manifestó Salmerón, que recogió el premio acompañado por sus padres y sus hermanos. Su madre, Julia, protagonista de la cinta, no pudo evitar las lágrimas. "Tengo 82 años, se me acerca el momento, pero estoy feliz porque termino la vida como actriz", dijo.

Por otro lado, el premio al Mejor cortometraje ha sido para MadreMadre, de Rodrigo Sorogoyen, que dedicó el galardón a la actriz protagonista; el premio a la Mejor película latinoamericana para Una mujer fantásticaUna mujer fantástica, de Sebastián Lelio; Y el Premio Forqué al cine y educación en valores, otorgado en colaboración con la FAD, ha recaído en Lo que de verdad importa, de Paco Arango.

Carlos Saura, Medalla de Oro

El cineasta Carlos Saura recogió la Medalla de Oro que la institución ante una sala que se puso en pie mientras el director fotografiaba el momento, con la cámara que siempre lleva encima.

El director de Cría cuervos y ¡Ay, Carmela! subrayó que a sus 86 años, lo que más quiere "en la vida" es "continuar trabajando" y destacó asimismo la "suerte" que ha tenido. "He hecho las películas que he querido hacer", dijo Saura. 

El presidente de Egeda, Enrique Cerezo, entregó el galardón a Saura, cuya trayectoria ha puesto de relieve. En referencia al cine español, señaló que tiene "muy buena salud" y destacó que ha de seguir "tratando bien a su público".

Música y humor

El actor Edu Soto fue el responsable de poner el toque de humor a esta gala, en la que dedicó unos minutos a recordar a Chiquito de la Calzada. Además, los presentadores reivindicaron la asistencia a las salas de cine, así como el éxito del cine español en 2017, que recaudó más de cien millones de euros y, en concreto, de las cintas Perfectos desconocidos y Tadeo Jones 2.

La 23 edición de los Premios Forqué contó con las actuaciones musicales de Sergio Dalma, encargado de abrir la gala al ritmo de Volare, Pastora Soler, Efecto Pasillo y los nueve participantes de Operación Triunfo 2017 que se encuentran ya fuera de la academia: Nerea, Cepeda, Raoul, Mireya, Ricky, Marina, Thalía, Juan Antonio y Mimi.

A esta gala asistieron nombres del cine como Verónica Forqué, Julio Medem, Cayetana Guillén Cuervo, Miguel Ángel Muñoz, Juana Acosta, Aitor Luna, Hiba Abouk, Daniel Sánchez Arévalo, Álvaro Cervantes, Natalia Verbeke, Pablo Rivero, Dafne Fernández o Goya Toledo.

Asimismo, estuvieron el secretario de Estado de Cultura, Fernando Benzo; el director del Instituto de la Cinematografía y las Artes Audiovisuales (ICAA), Óscar Graefenhain; y el presidente de Aragón, Javier Lambán.

Este año, las sorpresas de los premios Goya empiezan con las nominaciones. Anunciadas por los actores Bárbara Lennie y David Verdaguer este martes, dos películas que habían estado en segunda fila adelantaron a las preferidas en las quinielas de los últimos días. Handia, con 13 nominaciones, y La librería, con 12, copan las candidaturasHandiaLa librería a los galardones de la Academia de Cine mientras El autor y Verano 1993, las más señaladas por la crítica, se quedaban ligeramente atrás con 9 y 8 nominaciones respectivamente.

La gala de la 32ª edición de los principales galardones del cine español será un debate a cuatro. Handia, de Aitor Arregi y Jon GarañoHandia, está basada en la historia real de Joaquín de Eleizegui, un gigante vasco que asombró con sus 2,30 metros a la sociedad del siglo XIX. La librería adapta, de la mano de Isabel Coixet, la novela homónima de Penelope Fitzgerald La libreríaque sigue a una librera decidida a poner en pie su negocio en un pequeño pueblo inglés. Manuel Martín Cuenca se sirve de otra obra literaria, esta vez de Javier Cercas, para levantar El autorEl autor, en la que un tipo gris se obsesiona con convertirse en escritor. Y Verano 1993 sigue a FridaVerano 1993 en los primeros meses tras la muerte de sus padres y su nueva vida en casa de sus tíos, reflejo de la biografía de Carla Simón.

Son cuatro filmes, pero en realidad hay dos frentes. Por uno, Handia y La librería, las películas que acaparan más nominaciones, obras de época que compiten bien en categorías como vestuario, maquillaje y peluquería o dirección artística. Por otro, El autor y Verano 1993, favoritas en los premios Forqué de los productores (y votantes también en los Goya) y en los Feroz de la prensa cinematográfica. La ópera prima de Carla Simón llegó a las salas el pasado verano después de haber sido premiada en Berlín y Málaga y, gracias a la buena acogida de la crítica y al boca-oreja, se ha convertido en un pequeño fenómeno del cine independiente. El autor realizó también su paseo por festivales como Toronto y San Sebastián, se estrenó el pasado noviembre justo a tiempo para la alfombra roja.

Si el pasado año las nominaciones a los Goya dibujaron un panorama dominado por el thriller y la acción (El hombre de las mil caras, Tarde para la ira, Que dios nos perdone... con la excepción del drama Un monstruo viene a verme), esta edición destaca por la variedad de estilos. De hecho, tres filmes de género acaparan un buen número de nominaciones. Abracadabra, la inclasificable película de Pablo Berger que cabalga entre la parodia, el drama y el terror, opta a ocho estatuillas, tantas como Verano 1993, aunque no luzca en las de mejor película y dirección. Paco Plaza ha regresado al horror con Verónica tras el éxito de la saga Rec, lo que le ha valido siete nominaciones, incluidas película, dirección y guion. Y el musical La llamada, adaptación de la exitosa obra teatral del mismo nombre creada por Javier Ambrossi y Javier Calvo, opta a cinco nominaciones.

Las premios de interpretación dejan hueco para otros filmes que no aparecen en las principales categorías. Porque en las nominaciones a mejor actriz figuran Maribel Verdú por Abracadabra y Emily Mortimer por La librería, pero también Nathalie Poza por No sé decir adiós, del debutante Lino Escalera, y Penélope Cruz por el biopic sobre Pablo Escobar Loving Pablo. Lo mismo ocurre en el galardón al mejor actor: figuran Javier Gutiérrez por El autor y Antonio de la Torre por Abracadabra –nominados habituales, a estas alturas–, pero también Andrés Gertrúdix por Morir, película de Fernando Franco que ha pasado algo desapercibida, y Javier Bardem, de nuevo por Loving Pablo. En la categoría de actriz de reparto hay que destacar las nominaciones de Belén Cuesta y Anna Castillo, robaescenas indiscutibles de La llamada.

La categoría de dirección novel es especialmente fértil este año. No es solo que compita en ella Carla Simón, que ha colocado su primera película entre las categorías grandes de este año. Es que también está Lino Escalera por No sé decir adiós, que aunque tiene pocas posibilidades de llevarse más de un cabezón a casa es ya uno de los favoritos de la crítica, y Sergio G. Sánchez por El secreto de Marrowbone, thriller de terror rodado en inglés que es hoy la tercera película española más vista del año tras Tadeo Jones 2 (nominada, claro, a mejor película de animación) y Es por tu bien. Los Javis, como se conoce a los directores de La llamada, se cuelgan la medalla de entrar en esta categoría con un musical.

Los académicos tendrán difícil decidirse de cara a la gala del 3 de febrero. Los humoristas Joaquín Reyes y Ernesto Sevilla serán los presentadores la gala, según ha anunciado la Academia este miércoles 13 de diciembre a través de Twitter. Las últimas ediciones fueron presentadas por el actor Dani Rovira.

  Consulta la lista completa de nominados:

Película

El autor

Verano 1993

Handia

La librería

Verónica

Dirección

Manuel Martín Cuenca, por El autor

Aitor Arregi y Jon Garaño, por Handia

Paco Plaza, por Verónica

Isabel Coixet, por La librería

Guion original

Pablo Berger, por Abracadabra

Carla Simón, por Verano 1993

Aitor Arregi, Andoni de Carlos, Jon Garaño y José Mari Goenaga, por Handia

Fernando Navarro y Paco Plaza, por Verónica

Guion adaptado

Alejandro Fernández y Manuel Martín Cuenca, por El autor

Agustí Villaronga y Coral Cruz, por Incierta gloria

Isabel Coixet, por La librería

Javier Ambrossi y Javier Calvo, por La llamada

Actriz protagonista

Maribel Verdú, por Abracadabra

Emily Mortimer, por La librería

Penélope Cruz, por Loving Pablo

Nathalie Poza, por No sé decir adiós

Actor protagonista

Antonio De la Torre, por Abracadabra

Javier Gutiérrez, por El autor

Javier Bardem, por Loving Pablo

Andrés Gertrúdix, por Morir

Actriz de reparto

Adelfa Calvo, por El autor

Anna Castillo, por La llamada

Belén Cuesta, por La llamada

Lola Dueñas, por No sé decir adiós

Actor de reparto

José Mota, por Abracadabra

Antonio de la Torre, por El autor

David Verdaguer, por Verano 1993

Bill Nighy, por La librería

Dirección novel

Sergio G. Sánchez, por El secreto de Marrowbone

Carla Simón, por Verano 1993

Javier Calvo y Javier Ambrossi, por La llamada

Lino Escalera, por No sé decir adiós

Actriz revelación

Ariana Paz, por El autor

Bruna Cusi, por Verano 1993

Itziar Castro, por Pieles

Sandra Escacena, por Verónica

Actor revelación

Pol Monen, por Amar

Eneko Sagardoy, por Handia

Eloi Costa, por Pieles

Santiago Alverú, por Selfie

Música original

Pascal Gaigne, por Handia

Alberto Iglesias, por La cordillera

Alfonso de Vilallonga, por La librería

Chucky Namanera (Eugenio Mira), por Verónica

Canción original

“Algunas veces”, de José Luis Perales, por El autor

“Just take me in your arms”, de Alfonso de Vilallonga, por La librería

“La llamada”, de Leiva, por La llamada

“Rap Zona hostil”, de Fenyxxx y Roque Baños, por Zona hostil

Montaje

David Gallart, por Abracadabra

Ana Pfaff y Didac Palou, por 1993

Laurent Dufreche y Raúl López, por Handia

Bernat Aragonés, por La librería

Dirección de producción

Mireia Graell Vivancos, por Verano 1993

Ander Sistiaga, por Handia

Alex Boyd y Jordi Berenguer, por La librería

Luis Fernández Lago, por Oro

Fotografía

Santiago Racaj, por Verano 1993

Javier Agirre  Erauso, por Handia

Jean Claude Larrieu, por La librería

Paco Femenía, por Oro

Dirección artística

Alain Bainée, por Abracadabra

Mikel Serrano, por Handia

Llorenç Miquel, por La librería

Javier Fernández, por Oro

Maquillaje y peluquería

Sylvie Imbert y Paco Rodríguez Frías, por Abracadabra

Ainhoa  Eskisabel, Olga Cruz y Gorka Aguirre, por Handia

Eli Adánez, Sergio Pérez Berbel y Pedro de Diego, por Oro

Lola Gómez, Jesús Gil y Óscar del Monte, por Pieles

Diseño de vestuario

Paco Delgado, por Abracadabra

Saioa Lara, por Handia

Mercè Paloma, por La librería

Tatiana Hernández, por Oro

Sonido

Daniel de Zayas, Pelayo Gutiérrez y Alberto Ovejero, por El autor

Sergio Bürmann, David Rodríguez y Nicolas de Poulpiquet, por El bar

Iñaki Díez y Xanti Salvador, por Handia

Sergio Bürmann, David Rodríguez y Nicolas de Poulpiquet, por Verónica

Efectos especiales

Jon Serrano y David Heras, por Handia

Reyes Abades e Isidro Jiménez, por Oro

Raúl Romanillos y David Heras, por Verónica

Reyes Abades y Curro Muñoz, por Zona hostil

Película documental

Cantábrico

Dancing Beethoven

Muchos hijos, un mono y un castillo

Saura(s)

Película de animación

Deep

Nur eta Herensugearen tenplua

Tadeo Jones 2

Película iberoamericana

Amazona (Colombia)

Tempestad (México)

Una mujer fantástica (Chile)

Zama (Argentina)

Película europea

C’est la vie (Francia)

Lady Macbeth (Reino Unido)

The square (Suecia)

Toni Erdmann (Alemania)

Cortometraje de ficción

Australia, dirigido por Lino Escalera

Baraka, dirigido por Néstor Ruiz Medina

Como yo te amo, dirigido por Fernando García-Ruiz

Extraños en la carretera, dirigido por Carlos Solano

Madre, dirigido por Rodrigo Sorogoyen

Cortometraje documental

Los desheredados, dirigido por Laura Ferrés

Primavera rosa en México,dirigido por Mario de la Torre

The Fourth Kingdom, dirigido por Adán Aliaga y Álex Lora

Tribus de la inquisición, dirigido por Mabel Lozano

Cortometraje de animación

Colores, dirigido por Arly Jones y Sami Natsheh

El ermitaño, dirigido por Raúl Díez

Un día en el parque, dirigido por Diego Porral

Woody&Woody, dirigido por Jaume Carrió

Goya de honor

Marisa Paredes

La directora de cine Isabel Coixet publica este miércoles una carta en El País en la que lamenta el "odio", el "miedo" y los insultos que padecen muchos catalanes que, como ella, pagan "un alto precio" por "decir con respeto y honestidad lo que uno piensa". La directora arranca el texto afirmando tener la cara encendida "no de vergüenza, sino de rabia", tras ser insultada por "individuos con banderas esteladas atadas al cuello" que le gritan "fascista" a las puertas de su casa.

Bajo el título de Tierra de nadie, Coixet asegura en la misiva que el "pensamiento único del independentismo" plasmado en "insultos y descalificaciones" lo lleva padeciendo desde hace tiempo, e igual que ella lo soportan todos los que "no seguimos el pensamiento único del independentismo y manifestamos nuestro desacuerdo".

"En estos últimos meses el odio que hemos suscitado está alcanzando cotas inusitadas", señala la cineasta, que continúa: "Pero esta es la tercera vez que me gritan fascista en lo que va de semana (la primera que contesto) y hay algo en mí que se está rompiendo. Me doy cuenta con una claridad espeluznante que, pase lo que pase, no hay sitio para mí ni para nadie que se atreva a pensar por su cuenta en este lugar que me ha visto nacer".

Coixet recuerda que ha condenado "absolutamente la brutalidad policial" o que ha pedido "la dimisión inmediata de Rajoy", pero que si al mismo tiempo "no condenas la actuación del Govern, inmediatamente eres un enemigo, fascista, fascistoide, franquista, la hez". Hace hincapié en "el miedo que se ha instalado como esporas en la piel de los que callan", de los que "ni en la intimidad del hogar pueden hablar para que los niños no les oigan y en el cole no se metan con ellos".

La cineasta recurre en el mensaje a "minimizar lo que me pasa para no alimentar más el monstruo del odio que no me haría diferente de los que me insultan", y concluye: "Nunca creí que el precio a pagar por decir con respeto y con honestidad lo que uno piensa iba a ser tan alto. Y sin embargo, no cambiaría por nada esta seca y silenciosa tierra de nadie en la que me hallo".

Este año, los organizadores de los premios Goya querían cumplir (por fin) la promesa de que la gala durase tres horas. Lograron conseguirlo, más o menos, pero lo hicieron de una manera bastante abrupta: cortando las intervenciones de los galardonados cuando todavía les quedaban parientes a los que dedicar el premio. Así, Natalia de Molina, que obtuvo un inesperado Goya por su papel en Techo y comida, se tuvo que marchar al backstage con medio discurso por decir. Y no fue la única. Aun con discursos interruptus, la ceremonia se extendió a las tres horas y cuarto, media hora menos que la de 2015.

La gala de la 30ª edición de los premios que otorga la Academia de Cine no han sido especialmente reivindicativa (este punto se esperaba); ni especialmente emocionante (a no ser Daniel Guzmán cuando recogió el Goya como director novel); ni tampoco graciosa, a pesar de Dani Rovira, que con su desparpajo habitual había conducido la gala de 2015 con bastante acierto. No obstante, los premios estuvieron muy repartidos: Truman, se llevó cinco de los galardones a los que optaba; Nadie quiere la noche, obtuvo cuatro premios, la mayoría en las categorías técnicas; A cambio de nada, dos; La novia, otros dos; y Un día perfecto, apenas uno de los ocho Goyas a los que estaba nominada.

El equilibrado reparto de premios era bastante previsible, por otro lado. Ya en las nominaciones las dos favoritas, La novia (12), y Nadie quiere la noche (9), estaban muy lejos de las 17 y 16 nominaciones con las que contaban La isla mínima y El niño, respectivamente, en la pasada edición. Sin embargo, la gran sorpresa de la noche fue que el filme de Paula Ortiz, La novia, apenas consiguiera llevarse a casa dos estatuillas. Cesc Gay, al recoger el premio a mejor dirección por Truman, se dirigió así a la realizadora aragonesa desde el escenario: “Paula eres muy joven aún y tienes mucho talento". Un comentario que sonó bastante desafortunado, teniendo en cuenta que a esas alturas del partido el filme de Ortiz ya tenía pocas papeletas para llevarse algún premio más. Por otro lado, Truman se llevó, además, el premio a mejor película, actor protagonista (Ricardo Darín), actor de reparto (Javier Cámara) y guión original (Cesc Gay y Tomás Aragay). Darín y Cámara ya habían sido galardonados exaequo en el festival de cine de San Sebastián.

Mujeres, las grandes ausentes en las nominaciones

Sin duda alguna, una de las intervenciones más destacables de la noche fue la de Natalia de Molina, a pesar de la interrupción, que recibió emocionada su segundo Goya, en esta ocasión por Techo y comida. De Molina hace una magistral interpretación de una joven madre soltera que lleva varios años en paro y tiene que enfrentarse a un desahucio. La sorpresa del premio para la actriz jienense no fue por su la calidad de su actuación; sino más bien porque los premios que acumulaban el resto de nominadas no la situaban en la mejor posición en las quinielas para alzarse con el cabezón. Junto a ella, competían por el Goya Inma Cuesta (La novia); Juliette Binoche (Nadie quiere la noche); y Penélope Cruz (Ma ma).

En su discurso, De Molina criticó la falta de representación femenina entre los nominados, con el consiguiente aplauso del público: “El cine también gana cuando se da más espacio a las mujeres, que somos muchas”. La última película dirigida por una mujer que ganó un Goya fue La vida secreta de las palabras, de Isabel Coixet. Y, a parte de ella, sólo otras dos mujeres -Icíar Bollaín, por Te doy mis ojos; y Pilar Miró, por El perro del hortelano- consiguieron un Goya en toda la historia de los premios. La talentosa actriz jienenese, que ganó su primer galardón con Vivir es fácil con los ojos cerrados, su debut en el cine, ya había sido entonces bastante crítica al recordar sobre el escenario una de las frases de su personaje -La vida secreta de las palabrasTe doy mis ojos El perro del hortelanoVivir es fácil con los ojos cerrados“yo no quiero que nadie decida por mí”-, en alusión a la restrictiva reforma de la ley del aborto que pretendía llevar a cabo el Gobierno del PP.

También muy emocionado Daniel Guzmán recibió el Goya a mejor dirección novel por A cambio de nada. "No sabéis lo que significa para mí después de 10 años de trabajo, habiendo dejado todo", confesó al borde de las lágrimas. En todo momento, el actor y director estuvo acompañado de su abuela Antonia Guzmán, de 93 años, que también estaba nominada a actriz revelación por un breve papel en la película de su nieto.

El resto de discursos más discordantes orbitaron en torno a los temas habituales: el IVA (que el Gobierno conservador subió del 8% al 21% en 2012); y la piratería. Así, Antonio Resines, presidente de la Academia de Cine tras suceder a Enrique González Macho en febrero del pasado año, hizo hincapié en la necesidad de una legislación más vehemente para frenar la descarga y venta ilegal de películas. "El cine sí es cultura, es muy sencillo, y como es cultura debería ser una cuestión de Estado, al margen del partidos y de ideologías. Por favor, que se luche en firme contra la piratería. Os voy a dar un dato: en 2015, se descargan 1.900 películas al minuto en España. Se han hecho cosas, pero hay que hacer más", dijo en un informal y sucinto discurso.

Pese a la falta de reivindicaciones políticas, fueron muchos los representantes de diferentes partidos los que asistieron a la gala. Iñigo Fernández de Vigo, ministro de Educación, Cultura y Deporte en funciones, acudió acompañado de su esposa, y rió cuando Dani Roviraparafraseó una frase del presidente del Gobierno en funciones: “Es el vecino el que elige el alcalde y es el alcalde el que quiere que sean los vecinos el alcalde", a la vez que le recordaba al titular en funciones del ministerio de Educación, que era “su jefe”. También asistieron a la gala la alcaldesa de Madrid, Manuela Carmena, que recibió un caluroso aplauso de los presentes; Cristina Cifuentes, presidenta de la Comunidad de Madrid; Patxi López, presidente del Congreso; y los líderes de diferentes partidos políticos (Pedro Sánchez, Pablo Iglesias, Albert Rivera y Alberto Garzón), a excepción de Mariano Rajoy, que este año tampoco acudió a la cita anual con el cine español. Entre los políticos invitados destacó el secretario general de Podemos, que asistió ataviado con un traje y una pajarita, además del lazo naranja en una de las solapas de la americana, en apoyo a los trabajadores del RTVE que protestan contra los recortes en la televisión pública.

Pasadas la una de la madrugada terminaba una gala (celebrada en el hotel Auditórium de Madrid) más bien sosa, en el fondo y en la forma. A pesar de que Resines quiso destacar en su discurso el buen estado del cine español, la cuota de pantalla del pasado 2015 descendió de la cifra histórica del 25,5% al 19%, según la federación de productoras audiovisuales (FAPAE). Un dato nada desdeñable si se tiene en cuenta que otros años, como en el 2013, apenas llegó al 14%; pero que se podría matizar, ya que buena parte de la taquilla de este año se debe al éxito de la secuela catalana de Ocho apellidos vascos. Sin ninguna nominación, por cierto, en esta edición de los Goya.

Todos los ganadores de la noche:

Mejor Película Truman, Cesc Gay

Mejor Dirección

Cesc Gay por Truman

Mejor Dirección Novel

Daniel Guzmán por A cambio de nada

Mejor Guion Original

Cesc Gay y Tomás Aragay por Truman

Mejor Guion Adaptado

Fernando León de Aranoa por Un día perfecto

Mejor Actor Protagonista

Ricardo Darín por Truman

Mejor Actriz Protagonista

Natalia de Molina por Techo y comida

Mejor Actor de Reparto

Javier Cámara por Truman

Mejor Actriz de Reparto

Luisa Gavasa por La novia

Mejor Actor Revelación

Manuel Burque por Requisitos para ser una persona normal

Mejor Actriz Revelación

Irene Escolar por Un otoño sin Berlín

Mejor Música Original

Lucas Vidal por Nadie quiere la noche

Mejor Canción Original

Palmeras en la nieve de Lucas Vidal y Pablo Alborán por Palmeras en la nieve

Mejor Dirección De Producción

Andrés Santana y Marta Miró por Nadie quiere la noche

Mejor Dirección de Fotografía

Miguel Ángel Amoedo por La novia

Mejor Montaje

Jorge Coira por El desconocido

Mejor Dirección Artística

Antón Laguna por Palmeras en la nieve

Mejor Diseño de Vestuario

Clara Bilbao por Nadie quiere la noche

Mejor Maquillaje y Peluquería

Pablo Perona, Paco Rodríguez H. y Sylvie Imbert por Nadie quiere la noche

Mejor Sonido

David Machado, Jaime Fernández y Nacho Arenas por El desconocido

Mejores Efectos Especiales

Lluís Castells y Lluis Rivera por Anacleto, agente secreto

Mejor Película De Animación

Atrapa la bandera, de Enrique Gato

Mejor Película Documental

Sueños de sal, de Alfredo Navarro

Mejor Película Iberoamericana

El clan, de Pablo Trapero (Argentina)

Mejor Película Europea

Mustang, de Deniz Gamze Ergüven (Francia)

Mejor Cortometraje De Ficción Español

El corredor, de José Luis Montesinos

Mejor Cortometraje De Animación Español

Alike, de Daniel Martínez Lara y Rafael Cano Méndez

Mejor Cortometraje Documental Español

Hijos de la Tierra, de Álex O'Mill Tubau y Patxi Uriz Domezáin

Goya de Honor

Mariano Ozores

En Nadie quiere la noche una mujer avanza en trineo por algún lugar del Ártico, vestida como si en vez del Ártico caminara por las calles de Washington: abrigo de tweed, rostro maquillado sin cubrir y sin la menor huella del efecto abrasivo de temperaturas con varias decenas bajo cero. Es el cine; es una imagen irreal, incluso estúpida, ¿quién en su sano juicio, sea hombre o mujer, se pasearía así por los aledaños del Círculo Polar Ártico?

Servidumbre de taquilla y hábito de interpretar el pasado con imágenes y claves del presente como ocurre no sólo en el cine, sino en la exitosa novela histórica que se produce en la actualidad tan carente a veces de todo rigor histórico. Sorprende también que sea una directora como Isabel Coixet la que cargue las tintas sobre un guión que desaira una figura de tanto interés como Josephine Peary, abiertamente una pionera de la exploración polar, en un mundo concentrado en una compacta imaginería heroica de sexo masculino. Así, el personaje interpretado por Juliette Binoche nos ofrece un retrato de la exploradora como una mujer por cuyo capricho y tozudez mueren otros, se hace transportar todos los antojos de la civilización (vino y cristalería, sombreros y vestidos imposibles para el frío polar…), y solamente al final parece humanizarse desde el dolor. La realidad fue muy distinta y no hay que juzgar la película como un biopic, ni mucho menos como un documental, sino como lo que es: una recreación más que libre de unos personajes que se merecen ésta y muchas más películas.

Sabemos que los personajes son reales (el afroamericano y fiel ayudante de Robert Peary, Matthew Henson; la inuit Allakasingwah; la propia Josephine), pero el guión de Miguel Barros sólo se inspira en algunos episodios verídicos, aunque mezclados, sobre el terremoto emocional que sufre Josephine Peary cuando en su viaje a Groenlandia de 1900 en busca de su marido, conoce a Aleqasina, la mujer inuit que éste había hecho su amante y con la que tendrá, al menos, dos hijos. Aleqasina (Allaka, Allakasingwah, Akatingwah, Ally) estaba casada con Piuaiittuq Ulloriaq. Sin embargo, como en otras culturas, el marido podía disponer de su propia mujer como intercambio forzado y atención a otros hombres en circunstancias especiales.

Asumimos que la figura de Robert Peary, el futuro y dudoso conquistador del Polo Norte, daría para otra película, y dejamos que Fergus Fleming (La conquista del Polo Norte, Tusquets) lo dibuje en un par de pinceladas: “Robert Edwin Peary fue sin duda el más obstinado, posiblemente el más exitoso, y probablemente el más desagradable de los hombres que aparecen en los anales de la exploración del polo”. En la relación entre ambos cónyuges ni entramos. Quizás daría para otro buen guión.

Nos quedamos con la figura de Josephine Diebitch Peary (1863-1955) para poner algunas cosas en su sitio y porque ¡ay! todo un carácter, más allá de sus logros o su mérito como exploradora polar, fue uno de los escasos modelos en cuya estela las mujeres siguieron construyendo un camino propio, que no era el de la pasividad, sino el de la libertad de ensanchar unos límites demasiado exiguos. Hija de inmigrantes alemanes, su padre trabajaba como traductor en el Smithsonian Institute de Washington y era la mayor de cuatro hermanos. Una mujer despierta que ya destacaba como la primera de la clase y que cuando muere su padre y ella contaba 19 años, entra a trabajar en la misma institución para sacar adelante a sus hermanos hasta que su compromiso con Peary le hace renunciar al trabajo. Como en tantas mujeres de su época, el mundo que se abre tras su matrimonio, es el que ofrece alguna posibilidad de vivir una vida distinta, una vida bendecida por la institución familiar, pero en la que es posible desarrollar parcelas de cierta libertad, aunque sea bajo la sombra y la tutela del marido. Abrazó la causa polar como podría haber enfocado su necesidad de diferencia en cualquier otro proyecto; pero la opción más próxima, aunque no la de menor coste, fue formar equipo con su marido. Probablemente no tenía muchas más. “Yo nunca tenía frío. Esa fue una de las razones por las que me sentía capaz de ir. He sufrido más aquí (Washington DC) de frío de lo que lo hice en el Ártico”, confesaba para quitar hierro a una circunstancia que nunca le frenó.

Leyendo My artic journal y también The snow baby, dos de sus tres relatos sobre su experiencia ártica, asombra cierta capacidad de adaptación y, frecuentemente, de disfrute en tan extremas condiciones de vida. Parece como si en todo momento hiciera sus incursiones por verdadero placer, por deseo de transgredir sus propias lindes, por curiosidad, por experimentar, por ejercer la libertad. Pertenecía a una época y a una mentalidad en la que, precisamente eso, era una excentricidad.

Su primer contacto con el paisaje ártico fue en 1888 en una navegación en el Kite por Groenlandia. La segunda de las expediciones de Josephine junto a su marido y el resto del equipo se desarrolló desde junio de 1891 a agosto de 1892, por el norte de Groenlandia, experiencia que cuenta en My artic journal. A year among ice-fields and skimos y que incluye a Frederick Cook, el futuro y atrabiliario rival de Peary, como médico. Tras navegar haciendo escala en Upernavik, el enclave danés más al Norte, la expedición siguió hasta desembarcar en McCormick Bay donde construyeron una cabaña como base, en la que pasarían un año. El 11 de agosto los trabajos de la cabaña acabaron, el Kite se había ido y lo celebraron con un banquete: “No teníamos ni mantel, y los platos eran de estaño pero nunca se vio fiesta más alegre”, relata Josephine.

Su tercera experiencia ártica en 1893 fue un bombazo pues la inicia embarazada de cinco meses y, tres después, da a luz a una niña a 77º 44' grados de latitud Norte, donde jamás ninguna mujer blanca lo había hecho. Con ella viaja además una enfermera, la señora Cross, a la que habían reclutado en un anuncio, con lo que son ya dos mujeres blancas en la pequeña expedición. Todo lo que aconteció en ese año, invierno incluido, lo contó después en un relato, The snow baby. A true history, with true pictures, escrito en tercera persona con abundantes fotos de la niña en el entorno de su primer año de vida entre los hielos. Un relato que después se hizo muy popular, al igual que su secuela Children of the Artic, contribuyendo a recaudar fondos para la causa ártica. Los inuit la bautizaron como la bebé de la nieve, AH-POO-MIK-A-NIN-NY en inuit. Nació al final del verano y rápidamente se echó encima el temido invierno. Se le confeccionó ropa con pieles de zorro y de cachorro de ciervo hecha por una inuit llamada AH-NI-GHI-A, por lo que se decidió añadir su nombre al de Marie. Durante este tiempo la niña creció, dio sus primeros pasos y aprendió algo de inuit con los esquimales de Etah. Su historia era insólita. La de la madre también porque lejos de poner el acento en lo extraordinario de la situación, el relato de Josephine representa un plácido canto a la vida, al placer de los pequeños detalles y a la observación y registro de las costumbres inuits.

En 1900, se produce ese encuentro decisivo que de manera novelada, da morbo a la película. Josephine había acudido con su hija Marie AH NI GHI TO de nuevo a Groenlandia, tras enterarse de que a su marido le habían amputado ocho dedos de los pies. El objetivo era salir a su encuentro en Fort Conger (Groenlandia), pero su barco, el Barlovento, sufrió una embestida con un iceberg y el grupo se tiene que quedar en la embarcación a 300 millas al sur del campamento de Robert Peary. Atraídos por la curiosidad, los inuits se acercaban hasta el barco de visita y, entre ellos, aparecen Aleqasina y Anaukkaq, la amante y el hijo que había tenido con el explorador. ¿Sabía de su existencia? ¡Sí sabía! Josephine había visto fotos de ella desnuda, —la fotografía de mujeres inuits desnudas, también de niñas, era una de las pasiones poco confesables de su marido—.

Este encuentro resultó emocionalmente devastador. Parece que el dolor de esa traición fue tan insoportable que le escribió una carta de 26 páginas, pero aún así la relación siguió después. Lo que retrata a la digna Josephine, es la sensibilidad hacia la situación y el afecto sincero a los inuits, pues Allaka cae enferma y cuando la familia de la joven llega al barco a buscarla, sospecha que podrían aplicar la costumbre inuit de matar al niño si muere la madre y manda al médico del barco a cuidarla y después la sube al barco mientras los dos hermanos, Marie y Anaukkaq juegan encantados. “Te puedo asegurar que si hubiera sido cualquier otra persona no lo habría hecho, pero sentí que lo estaba haciendo por ti”, le confesará a Peary en una carta. La relación de Robert Peary con Aleqasina continuó en años sucesivos y parece que tuvo con ella hasta dos hijos. En su autobiografía de 1898 se jacta abiertamente de su relación con ella, incluso incorpora algunas fotografías.

Este episodio, que constituye el núcleo dramático de la película de Isabel Coixet, tiene que ver con una práctica entre los inuits que continúa hoy y que se basa en el intercambio sexual entre parejas, algo que nada tiene que ver con una aureola romántica, como intentan hacernos creer los apasionados de las culturas del Ártico, sino con la desigualdad habitual en los rangos de poder de unos y otras. El pueblo inuit —recordemos que es el nombre que se dan a ellos mismos, y no esquimales o eskimos en inglés, nombre que consideran despectivo pues se traduce por devoradores de carne cruda— y sus tradicionales condiciones de vida en los hielos se fueron adaptando al medio gracias a estrategias culturales que garantizaban su supervivencia. Los roles femeninos y masculinos actuaban en simbiosis. El hombre cazaba, pero la mujer le acompañaba para ocuparse del fuego —la lámpara de esteatita que le seguía hasta la tumba— la alimentación y la ropa y el cosido de pieles, del todo imprescindible.

Cuando la compañera quedaba embarazada, en ocasiones la acompañaba otra esposa del grupo, ya que eran frecuentes los abortos en los trayectos en trineo, con pleno derecho a realizar el coito. Si en su origen fue una estrategia de supervivencia, después fue una vía para evitar el escaso intercambio genético y en la actualidad aún constituye un rasgo cultural apreciable. De hecho, los índices de prostitución son muy bajos entre la cultura inuit de áreas como Groenlandia, al carecer de mercado. Sin embargo, esta característica tiene su correlato en las estadísticas, poco o nada románticas como cabe imaginar: los asesinatos de género, mal llamados crímenes pasionales, arrojan cifras desorbitantes, que unidas al alcoholismo y al suicidio ofrecen un panorama desolador en su tránsito a la contemporaneidad de esta vieja y apasionante cultura. Y son las mujeres, prisioneras de sus roles secundarios en la sociedad patriarcal, sobre las que recae el peso del drama, antes y ahora, como intenta visibilizar una nueva corriente de la antropología atenta a un enfoque de género.

Nueva cultura colonial

Las expediciones de los Peary en Groenlandia supusieron un primer contacto con la cultura colonial para muchos de sus habitantes. En My artic diary, Josephine cuenta con gran detalle la llegada de una familia inuit y sus dos hijas, una de de dos años y la otra, de seis meses, a Redcliffe House, la cabaña que levantaron en McCormick Bay, para que el padre, Ikwa, les enseñara los lugares de caza y la mujer, Mané, se encargara de confeccionar los trajes esquimales de pieles, tan vitales en un medio de condiciones tan extremas. La primera imagen fue muy desagradable para Josephine: “Estos esquimales eran los más extraños y sucios seres que jamás he visto. Vestidos enteramente de pieles tenían más de monos que de seres humanos”, pero su actitud cambia con el paso de los meses y, a pesar de sus reparos con la limpieza, comienza a familiarizarse con sus hábitos describiendo atentamente y tomando nota de todo ese mundo que se abría entre ellos por primera vez. “Nunca antes habían visto material tejido y parecían no poder entender la textura, insistiendo en que era la piel de algún animal en América”. Lo más interesante de este relato es apreciar cómo desde esta postura de inicial rechazo, Josephine Peary se va convirtiendo en una observadora atenta que registra con interés todo lo que observa en la vida cotidiana de los inuits. Exactamente lo que no hizo su marido que “durante su carrera en el Ártico no escribió nada que pudiera interpretarse como un estudio etnográfico”, en opinión del cualificado Fergus Fleming y nada que ver con la dedicación que emplearon otros como el exquisito Knud Rasmussen (De la Groenlandia al Pacífico, Interfolio).

Ikwa y Mané trajeron con ellos a sus hijos, a su perro, su trineo, su kayac, su tienda, sus utensilios y su vida. Después otros inuits venían frecuentemente a visitarlos. Se observaban mutuamente, pero el impacto con esa cultura superior que traían los Peary habría de crear un tenso estrés. Los inuits se convirtieron en un apoyo esencial para las sucesivas incursiones de Robert Peary, igual que lo fueron en otras. Sobrevivir sin sus habilidades era del todo imposible por lo que la compleja vida inuit y sus costumbres contaminaron la de los exploradores, y el contacto con una cultura superior, claramente en posición de poder, se proyectó sobre los otros. El sexo formaba parte de este intercambio.

En los relatos de estas expediciones por Groenlandia aparece por primera vez la mención al piblokto, un extraño fenómeno psíquico que afectaba a las mujeres inuits y que se menciona de pasada en la película. El piblokto se ha catalogado después como un episodio de histeria por el que la mujer entraba en un estado de trance nervioso, despojándose de la ropa, convulsionando, llorando o corriendo por la nieve con el riesgo de congelación y con la creencia de ser poseída por espíritus. Desde un punto de vista médico se ha intentado vincularlo con la toxicidad de un exceso de vitamina A proveniente de la carne cruda o con la falta de calcio, pero es una evidencia que perturba singularmente a las mujeres.

Tan singular fenómeno causaba la hilaridad de los miembros de la expedición y se menciona con insensible humor el que padeció una mujer, AHL-NAY-AH, que no tenía marido y por ello era una pieza más vulnerable al abuso de los hombres de Peary. No hay que ir muy lejos para interpretar hoy que el piblokto es un síndrome cultural padecido por las mujeres inuit en una situación de abuso sexual y emocional sin ningún resorte defensivo sobre quién las relega a esa situación de dominación. En los últimos años, los estudios poscoloniales y de género han podido extraer una lectura cultural de este y otros síntomas. Particularmente esclarecedora es la que se refleja en Gender on ice. America ideologies of polar expeditions, de Lisa Bloom (University of Minesotta Press) y Sex, lies & northern explorations: Recents books on Peary, MacMillan, Stefansson, Wilkins and Flaherty, de Christopher Robert (McGill-Queen University Press) que nos llevarían a un análisis más amplio, pero en los que se aporta una imagen más certera, como la de que es una forma de histeria ártica causada posiblemente por celos, abuso del marido o un ansia de afecto, valoración o respeto, siendo una respuesta inconsciente como protesta, llamada de atención o resistencia a los abusos sexuales.

Hasta aquí algunas de las circunstancias que, como siempre, se ocultan en un segundo plano en el discurso y el relato hegemónico de los exploradores, en este caso algunos de los del Ártico. Volviendo al rol que en ellos tuvo una mujer, Josephine Peary, vividos en primera persona, también apreciamos cómo se desvirtúan, aún ahora mismo, en una imagen edulcorada o fantaseada, como decíamos al principio, para crear un conflicto dramático que guste en las salas de cine. “Ha estado”, escribía su marido, “donde ninguna mujer blanca ha estado jamás, y donde muchos hombres han titubeado a la hora de ir”.

En sus claroscuros, en sus contradicciones, en sus limitadas posibilidades, la figura de Josephine Peary merece ser rescatada de la imaginería folletinesca de polisón y miriñaque en la que la cosifican las reseñas cinematográficas. Ya únicamente por su presencia en un espacio reservado a la hombría como era el de la exploración, articulado en torno a valores como el heroísmo, el esfuerzo, la inteligencia táctica, la resistencia a las dificultades, la camaradería, la consecución de un fin o proyecto; ya por facilitar información de corte antropológico sobre una cultura ancestral tan apasionante como la inuit; o porque solamente fuera por participar de pleno derecho en la exploración ártica, habría que respetar su figura como lo que representa: la conquista de un espacio de libertad y deseo personal de una mujer en un ámbito muy cerrado.

El proyecto ártico en equipo con su marido benefició a ambos. A ella porque pudo experimentar una vida relativamente activa dentro de los márgenes impuestos culturalmente a las féminas y a él porque fue un apoyo práctico en sus expediciones, tanto en los aspectos cruciales de supervivencia, como fuera de ellos, al desarrollar una incansable labor como propagandista de la causa ártica, escribiendo libros para darla a conocer, dando conferencias, trabando relaciones, buscando patrocinadores y recaudando fondos, sin mencionar los esfuerzos que duraron años para que fuese reconocida la autoría de su marido en el descubrimiento del Polo Norte en contra de Frederik Cook. Méritos que la National Geographic Society reconoció cuando le entregó la medalla de oro el mismo año de su muerte, 1955, cuando contaba 92 años.

*Pilar Rubio Remiro es periodista especializada en literatura contemporánea de viajes y sus culturas.Pilar Rubio Remiro

Aunque made in Spain, las películas candidatas a llevarse un cabezón en la gala de este sábado comparten un mínimo común denominador: su carácter internacional, un elemento palpable desde el reparto –véase Nadie quiere la noche o Un día perfecto-; hasta las localizaciones, como La novia, una coproducción hispano-germana, rodada entre la Capadocia turca y el desierto aragonés de Los Monegros. Así, en nominaciones tan relevantes como las que premian el trabajo de los actores y actrices, podemos encontrar a Juliette Binoche, candidata al Goya por su trabajo en el último largometraje de Isabel Coixet, y que ya ha confirmado su asistencia a la gala del sábado; o Tim Robbins (que también asistirá), por su papel como cooperante internacional durante la guerra de los Balcanes, en Un día perfecto. En infoLibre repasamos algunas de las películas de 2015 que han traspasado fronteras:

Nadie quiere la noche, de Isabel Coixet

La directora catalana ya nos tenía acostumbrados a elencos internacionales desde que en 1996 estrenase Cosas que nunca te dije, con Lili Taylor y Andrew McCarthy. Una tendencia que se ha ido acentuando según engrosaba su filmografía. Su anterior película, Mi otro yo, estaba protagonizada por la actriz británica Sophie Turner (Juego de tronos), y entre el casting también destacaba la presencia de Jonathan Rhys Meyers (Los Tudor). Otro ejemplo es Mi vida sin mí (2003), una coproducción entre España y Canadá, que consiguió llevarse dos Goyas, por el guión y la música; o Elegy (2008), protagonizada por Penélope Cruz y Ben Kingsley. Aunque bien es cierto que esta última, además de Aprendiendo a conducir (2014), eran películas de nacionalidad estadounidense.

En Nadie quiere la noche, Coixet narra la expedición al Polo Norte de Josephine Peary, una intrépida mujer que viaja hasta allí para reencontrarse con su marido, el explorador Robert Peary, a principios del siglo XX [puedes leer aquí el reportaje que publicamos en el número de enero de tintaLibre sobre Josephine y la plasmación cinematográfica de su periplo en el Ártico]. La cinta opta a llevarse el Goya en nueve categorías, incluyendo la de mejor película y dirección.

Un día perfecto, una cooperación internacional de forma y fondo

Rodada en inglés, Un día perfecto -el regreso de Fernando León de Aranoa después de estar cinco años fuera de la cartelera tras el estreno de Amador- cuenta también con un reparto internacional (Benicio del Toro, Tim Robbins, Olga Kurylenko, Mélanie Thierry), donde destaca Sergi López, el único actor español del casting. Aunque fue filmada en España, concretamente en el parque natural de Sierra Nevada (Granada) y con equipo técnico español, la trama de la película es totalmente internacional. 

Un día perfecto narra 24 horas en la vida de un grupo de cooperantes de diferentes países durante la guerra de los Balcanes y las dificultades que encuentran para llevar a cabo su labor. León de Aranoa, según explicó en una entrevista para infoLibre, esperó durante un año a Tim Robbins y Benicio del Toro para poner en marcha el rodaje, ya que era complicado cuadrar la agenda de ambos actores. Pese a la demora, el director de Princesas tenía claro que los papeles de Mambrú (Del Toro) y B (Tim Robbins) encajaban perfectamente con la vis cómica de ambos intérpretes. Precisamente, Tim Robbins podría llevarse el cabezón por su candidatura a mejor actor de reparto.

La novia, una adaptación internacional para un autor sin fronteras

Bodas de sangre, estrenada en 1933, es una de las obras de Federico García Lorca más universales y han sido varios los directores que han querido trasladar a la gran pantalla la imaginería lorquiana ("la luna, la tierra, el polvo, los cristales, la sangre, los cuchillos, la boda, la fiesta…"). El primero en atreverse fue el argentino Edmundo Guibourg en 1938, con Margarita Xirgu en el papel de novia. Precisamente, la actriz española ya había llevado las obras del poeta de Fuentevaqueros por toda Sudamérica antes del estallido de la Guerra Civil. Posteriormente, en 1976, el marroquí Souhel Ben Barka también llevaría al cine esta tragedia, con la actriz griega Irene Papas como protagonista. En España, la primera adaptación fue la que dirigió Carlos Saura en 1981, con Antonio Gades, Cristina Hoyos y Pepa Flores; y fue también la primera de las tres películas que el director dedicó al flamenco.

La última en llevar al cine la lírica lorquiana ha sido Paula Ortiz con La novia, una coproducción hispano-germana, nominada en 12 categorías. El segundo largometraje de la directora aragonesa, parte como uno de las favoritos, después del espaldarazo que supusieron los premios Feroz, donde lograron seis de los nueve galardones a los que optaban.

Coproducciones iberoamericanas, un clásico de los Goya

Más habituales son las colaboraciones entre España y América Latina. El año pasado, destacó la hispano-argentina Relatos salvajes, dirigida por Damián Szifrón y producida por los hermanos Almodóvar a través El Deseo. Ricardo Darín se vuelve a colar en los Goya de este año con TrumanTruman, donde comparte trama con Javier Cámara. La película dirigida por Cesc Gay opta a seis galardones, incluidas la de mejor película, dirección y actor protagonista (Darín, que también ha confirmado su asistencia a la gala).

A pesar de su discreto paso por la cartelera, El rey de La Habana de Agustí Villaronga, estrenada el pasado mes de octubre, cuenta con tres nominaciones: actriz revelación, dirección de fotografía y mejor guión adaptado. El director de Pa negre recrea en esta cinta la vida de Reinaldo, un adolescente que escapa de un correccional de menores y se zambulle en las calles de La Habana en un momento complicado para la isla, la década de los noventa, fuertemente castigado por el colapso de la Unión Soviética. La cubana Yordanka Ariosa está nominada a actriz revelación por este filme.

Palmeras en la nieve

terminó enero como la cuarta película más vista, según Rentrak, después de cinco semanas en cartelera; y ha conseguido cinco nominaciones, entre ellas, mejor dirección de producción y artística, vestuario, maquillaje y peluquería. La película -en la que actúan Mario Casas, Adriana Ugarte, Berta Vázquez y Macarena García- sitúa la trama en la ciudad guineana de Bioko (Fernando Poo, por aquel entonces), durante el proceso de transformación de la colonia española en provincia y, finalmente, en un país independiente. Parte de la película fue rodada en Colombia, gracias a las ayudas al cine que promueve el Estado colombiano.

Luis García Berlanga, Luis Buñuel, Fernando Fernán Gómez, Pedro Almodóvar, Alejandro Amenábar, Fernando Trueba… De continuar, la lista resultante sería prácticamente interminable. Los directores de cine español han sido reconocidos por el público y la crítica nacional e internacional desde que el cine puso su mirada en el país, entre películas de ocho milímetros y fotogramas en blanco y negro. ¿Pero cuántos de los nombres de ese listado son femeninos? Las mujeres cineastas españolas no sólo distan en cantidad de sus compañeros varones, sino que su obra y trayectoria han sido prácticamente silenciadas.

En la actualidad, sólo un 8% del total de películas que se estrenan en nuestro país están dirigidas por mujeres, según datos de la Asociación de Mujeres Cineastas y de Medios Audiovisuales (CIMA). En una industria tradicionalmente dirigida, representada y articulada por hombres, la situación no es sencilla para ellas, hecho que queda evidenciado con la existencia y necesidad de asociaciones como CIMA. Virginia Yagüe, presidenta de la organización, asegura en declaraciones a infoLibre que "vivimos una evidente situación de desigualdad en nuestro sector, que se traduce en una falta de películas realizadas, escritas o producidas por mujeres", al tiempo que señala el "bajo número de candidatas en los principales premios cinematográficos del país".

Yagüe observa que, pese a ser una problema "evidente y notorio", no se aborda de forma concreta, y destaca sus "nefastas consecuencias a todos los niveles sociales". CIMA nace en 2006 con la voluntad de "equilibrar la presencia y participación de mujeres en puestos profesionales", y por otro lado, "plantear una reflexión rigurosa y contribuir a la mejora del contenido de propuestas audiovisuales con el objeto de reducir la perpetuación de estereotipos sexistas". 

En octubre de este mismo año se publicó el libro Construyendo una mirada propia: mujeres directoras en el cine español (Síntesis, 2015). La obra, coordinada por el profesor e investigador Francisco A. Zurian, es el resultado de la iniciativa impulsada por el grupo de investigación Género, Estética y Cultura Audiovisual (GECA) vinculado a la Universidad Complutense de Madrid (UCM) y dirigido por el mismo Zurian. En él, diversas autoras repasan la trayectoria de cineastas españolas hasta el año 2000 y analizan el contenido de sus obras desde una perspectiva de género.

Francisco A. Zurian explica, en conversación con este diario, que en "los libros de historia del cine español no hay prácticamente ninguna referencia a mujeres". Ellas, continúa, "han estado desde el principio en el cine, y sin embargo su obra es relegada al llamado cine de mujeres, como algo secundario". El investigador añade que la intención de la obra es "rescatar la memoria de sus aportaciones".

Preguerra y franquismo: la invisibilidad de las pioneras

La incorporación de las mujeres al cine fue tardía y escasa, y principalmente su papel quedó supeditado a la interpretación, la moda o el maquillaje. Helena Cortesina (Valencia, 1904-Buenos Aires, 1985) comienza su andadura como intérprete hasta que enseguida crea su propia productora, Cortesina Films, aunque la mayor parte de su vida la pasaría frente a las cámaras. También creó su propia productora la catalana Rosario Pi (Barcelona 1899-Madrid 1967), que debutó durante el complejo tránsito del cine mudo al sonoro con obras como Doce hombres y una mujer, El gato montés o Molinos de viento.

Tras el final de la Guerra Civil, la primera realizadora se suma a las mujeres que compaginaban esta labor con la interpretación. Ana Mariscal (Madrid 1921-1995) fundó junto a su marido la productora Bosco Film, donde iniciaría su carrera como realizadora dirigiendo diez películas durante el franquismo, entre las que se encuentran títulos como Feria de Sevilla, El paseíllo o El camino. Su carrera, generalmente vinculada a la dictadura, comienza su declive en los años 60 y termina definitivamente en 1992.

Margarita Alexandre

(León 1923) dio en 1953 el salto de la interpretación a la realización codirigiendo durante más de una década películas con el crítico Rafael Torrecilla, con quien fundó la productora Nervión Film, que produjo dos títulos suyos: La gata y La ciudad perdida. Su paso por Cuba y posteriormente por Italia deja algunos de sus trabajos más importantes como guionista, con títulos como la adaptación Operación Ogro. Cómo y por qué ejecutamos a Carrero Blanco.

Los claroscuros de la Transición 

Josefina Molina

(Córdoba 1936) es la primera mujer que consigue en el año 1969 el título de Dirección en la Escuela Oficial de Cinematografía. Cuatro años después dirige su primer largometraje, Vera, un cuento cruel, por el que recibe el premio a la mejor dirección en el Festival de Praga, y en el que aporta una mirada crítica sobre la imagen de la mujer durante el franquismo. En 1981 dirige la que sería su obra cumbre, Función de noche, a la que sigue Lo más natural, una cinta que trata de naturalizar el amor entre una mujer madura y un hombre joven en una época en la que la mentalidad masculina "vive como una constante en su imaginario sexual las relaciones con mujeres mucho más jóvenes, pero que, por el contrario, denosta a las mujeres que se atreven a algo parecido".

En 2012 gana el Goya de honor, en representación de "otras mujeres, de mi generación y generaciones anteriores, que se han dedicado a este oficio del cine en sus distintas facetas cuando no era fácil".

Pilar Miró

(Madrid, 1940-1997) deja tras de sí una estela de proyectos en los que materializa, de forma reconocible, sus inquietudes y parte de su biografía, mediante la asunción de tratamientos o temas polémicos en los que prevalece la transgresión. La cineasta ha dirigido películas como La petición, El crimen de Cuenca, Hablamos esta noche o Werther. En 1981 estrena Gary Cooper, que estás en los cielos, una de sus obras más autobiográficas, que versa sobre la soledad y el éxito profesional frente al fracaso personal, y en 1996 lleva a la gran pantalla la novela escrita por Juaquín Leguina Tu nombre envenena mis sueños.

Cecilia Bartolomé (Alicante, 1943) ha sido una de las grandes víctimas de la censura, castigo por "su radical subversión de los códigos normativos de la época". Su primera película, Margarita y el lobo, estrenada en 1969, fue prohibida oficialmente por las autoridades. ¡Vámonos, Bárbara! brilla como una de las obras primigenias en lo que se refiere al cine feminista, e "inaugura un discurso innovador tanto al nivel de los dispositivos del género y del cuerpo, como al nivel de su estructura narrativa", al cuestionar imposiciones tradicionales como la maternidad.

Camino pedregoso hacia una nueva era

El cine de Iciar Bollaín (Madrid, 1967) se caracteriza por plasmar las fracturas existentes entre las realidades aimétricas de hombres y mujeres, de ricos y pobres; en definitiva, las brechas entre universos dispares. En Te doy mis ojos, la cineasta plantea el tema de la violencia de género como una cuestión que va más allá de lo puramente íntimo: "La dimensión política de las relaciones personales cobra fuerza" en esta película. Con También la lluvia evidencia las desigualdades entre el pueblo indígena de Cochabamba y los articuladores del proceso colonialista en América Latina, en el episodio conocido como "guerra del agua".

La autora lleva a sus espaldas una extensa trayectoria que pasa por títulos como Hola, ¿estás sola? hasta Flores de otro mundo, Mataharis o Katmandú, un espejo en el cielo.

La barcelonesa Isabel Coixet (1962) es una de las figuras más prestigiosas en el ámbito nacional e internacional. Su primer gran éxito, Cosas que nunca te dije, representa lo que será la tónica habitual en gran parte de sus títulos posteriores: las dificultades comunicativas, la soledad, el dolor, la pérdida y el amor. En 2003 estrena otro de sus trabajos más reconocidos: Mi vida sin mí, cinta que obtuvo dos premios Goya y varios galardones internacionales, el melodrama por excelencia de su filmografía.

La cineasta continúa enfrascada en proyectos que van construyendo su trayectoria hasta el momento, donde deja obras como La vida secreta de las palabras, triunfadora en los Goya de 2006, Mapa de los sonidos de Tokio, o Ayer no termina nunca.

Gracia Querejeta (Madrid, 1962) se presenta en la actualidad como una de las directoras más destacadas y reconocidas del cine español. Su primera película, Una estación de paso, gana en 1992 el premio especial jurado en la Semana de cine de Valladolid. Este precedente abre camino a los muchos éxitos que cosecharía a partir de entonces. Películas como 15 años y un día, Siete mesas de billar francés, Héctor o Cuando vuelvas a mi lado, plantean cuestiones como el poder del pasado, los recuerdos y la necesidad de retornar a los orígenes para resolver los conflictos presentes en las relaciones personales.

Azucena Rodríguez (Madrid, 1955), Rosa Vergés (Barcelona, 1955), Chus Gutiérrez (Granada, 1962), Ana Díez (Navarra, 1967) o Helena Taberna (Navarra) responden a toda una generación de mujeres que han engrosado el listado de grandes directoras de cine patrio. Sus obras aportan una mirada lúcida al mundo del cine, una mirada a menudo apartada por chocar con el pensamiento dominante.

Estas cineastas preceden a los nombres que abren ahora un nuevo camino esperanzador, que sin embargo aún guarda remanentes de un pasado pedregoso."Todavía tenemos que hacer mucho ruido", denuncia Manuela Burló Moreno (Cómo sobrevivir a una despedida) en conversación con infoLibre, "y aunque cada vez hay más mujeres directoras, es necesario visibilizarlas".

Coincide con ella Paula Ortiz (La novia), quien asegura que "el futuro es esperanzador, porque ha habido toda una generación de mujeres luchando porque hoy podamos estar aquí", aunque "el mercado laboral es muy salvaje y aún existe una sobreexigencia hacia las mujeres".

"Las profesionales de nuestro sector no cuentan con el aval que los hombres tienen simplemente por el hecho de serlo", afirma la presidenta de CIMA. "Es un hecho oculto, difícil de admitir desde planteamientos progresistas pero lamentablemente real".  Yagüe señala que "debemos terminar con ese complejo atávico que dice que no se pueden aplicar medidas correctivas respecto al tema de género y con el concepto falaz de que la igualdad ya existe y por tanto no hay que hacer nada". "Al contrario, queda mucho por hacer", remata.

Isabel Coixet (Sant Adrià de Besòs, Barcelona, 1960) confiesa que no sabe aparcar. “Las puertas de mi coche están marcadas con la pintura de otros”, asegura, dejando ver ya los signos del cansancio tras una mañana entera de promoción en un céntrico hotel de Madrid. Un dato aparentemente irrelevante, si no fuera porque lleva horas hablando de Aprendiendo a conducir, su nueva película. Si no fuera porque conducir (controlar el tráfico, el estrés, la dirección del coche) es, en este contexto, una metáfora del arte para llevar la propia vida.

Su paso por la autoescuela tuvo como paisaje las interminables avenidas de Los Ángeles. Se animó después de que la actriz Patricia Clarkson, con quien acababa de rodar Elegy, le pasara un ensayo de Katha Pollitt sobre coger el volante a los 50. La escritora narraba cómo sus clases, impartidas por un sabio filipino, fueron un espacio de empoderamiento (“Qué mal me suena esa palabra”, interrumpe la directora) cuando estaba en pleno proceso de separación. Clarkson se lo presentó como un posible guion, que podría ser protagonizado por ella misma y por Ben Kingsley, su compañero en Elegy. “Estaba en un momento muy parecido. Leer [el ensayo] en el New Yorker me hizo relativizarlo todo un poco”, recuerda Coixet. Ocho años después, Aprendiendo a conducir ve la luz.

“Cuando no quieres hacer Transformers 6, todos los proyectos son complicados. Y si están protagonizados por una mujer de 50 años, todo el mundo te pone problemas”, se queja. La película estuvo en coma durante casi dos años. A eso se sumó el estreno de Mi otro yo, una película de terror muy poco apreciada por la crítica y arruinada, según la autora, por un remontaje de la major. “Todavía estoy procesándolo y algún día escribiré sobre ello. Yo en ese momento pensé que nunca más iba a dirigir”, recuerda. Pero sonó el teléfono. A los dos meses comenzaba el rodaje.

Multiculturalidad y paternalismo

El profesor filipino del ensayo original fue sustituido en el guion por un hombre maduro de la comunidad sikhsikh, una religión original de la región india del Punjab con 27 millones de creyentes. El equipo se dejó asesorar por un colectivo de de Richmond Hill, en el barrio obrero de Queens: “Había cogido taxis miles de veces en Nueva York con conductores sikh, pero jamás me había preocupado de acercarme a ellos”. En la película, Darwan (Kingsley) es visto desde la perspectiva de Wendy (Clarkson), que juzga duramente su decisión de aceptar un matrimonio concertado. “En eso me pasaba como a Wendy. Piensas: ‘Pero, ¿y esto?". La directora retrata a un colectivo “flexible”: “Están, como muchas comunidades, entre conservar y no perderse, y a la vez aceptar en el país que les ha acogido. Lo que sí es hipócrita por parte del sistema es no darles papeles. Te conduce el taxi, te limpia la casa, te ayuda a conducir… ¿Y no le das papeles?”.

Coixet habla de la película como de un proyecto entre amigos. Clarkson, Kingsley y ella hicieron buenas migas en Elegy, y decidieron repetir. Ha contado en varias entrevistas cómo tuvo que lidiar con la actriz por su insistencia en ocultar las arrugas de su cuello tras el maquillaje: "La entiendo. Hay una presión por ser perfecta, joven y estupenda, que es difícil. Por muy inteligente que seas. Pero como directora, a veces me toca cantar las cuarenta. Hubo momentos que nos gritamos, y lo digo. Somos como Werner Herzog y Klaus Kinski, en versión Thelma y Louise". A Kingsley asocia los mismos trazos de carácter que al personaje de Darwan: "Es un tipo con una cachaza impresionante, una calma… A Ben solo le pone nervioso la estupidez, y le entiendo. Y lo comparto". Se rodeó, además, de Grace Gummer (hija de Meryl Streep) y de la montadora Thelma Schoonmaker, ganadora de tres Oscar.

Un ritmo frenético

La película es el tercer bebé que Coixet enseña al mundo esta temporada. La pasada edición de la Berlinale abrió con su Nada quiere la noche, en mayo presentó su corto documental Hablando de Rose, sobre los crímenes de Hissène Habré. Además, prepara dos proyectos: La librería,  basada en la novela de Penélope Fitzgerald, y, sorpresa, una producción en España. Spain in a day (Mediapro y TVE) recogerá vídeos caseros realizados en un solo día por los espectadores, siguiendo la estela de las versiones japonesa, inglesa e italiana. Será Coixet quien seleccione y edite este "retrato de un país en un momento dado, más allá de los titulares, las banderas, los políticos que vengan, los que vinieron o los que vendrán…". Por si fuera poco, en el pasado Festival de Málaga, Coixet recibió un premio a toda su carrera. ¿Siente la directora que le están colocando en el estante de los referentes? "Referente' suena casi tan mal como 'empoderamiento'. Procuro no pensar mucho en eso... No te preocupes, que ya me descoloco yo y no tengo ningún problema de huir de esta cosa".

Darwan trufa el filme de sus píldoras filosóficas: “El mayor problema de los conductores es el resto del mundo. No puede confiar en que la gente se comportará correctamente”, “Tiene que aprender a relajarse, no solo conduciendo”, “No importa lo que esté sucediendo en su vida. Tiene que bloquearlo”, “Todo puede pasar en un segundo, y luego no hay una segunda oportunidad”. ¿Qué le falta por aprender en la vida a Isabel Coixet? Lo dicho: "A aparcar". 

En marzo de 1999, la cámara de los lores británica anunciaba que Augusto Pinochet debía someterse a la extradición solicitada por España a través del juez Baltasar Garzón. Aunque solo por una serie de delitos aislados cometidos a partir de 1988, es decir, no por todos los asesinatos y torturas de los que fue responsable, su estatus de impunidad emanado de su capacidad como jefe de Estado quedaba revocado.

Más de 15 años después, aquella decisión sigue reverberando, incluso más allá, mucho más, de las fronteras de Chile. El próximo 20 de julio comenzará en Senegal el juicio contra Hissène Habré, quien entre 1982 y 1990 fuera dictador de Chad, país de poco más de 10 millones de habitantes en pleno corazón de África. Y como explica Reed Brody, abogado estadounidense y portavoz de Humans Right Watch (HRW), que lleva trabajando desde el cambio de milenio en este caso, este logro no es sino “fruto” de aquel de Pinochet, “porque entonces se abrieron las vías para llevar a la justicia a otros líderes”.

A Habré —antes de su ascenso al poder jefe guerrillero, y a quien se conoce precisamente como el Pinochet africano— se le acusa de crímenes de guerra, de tortura y crímenes de lesa humanidad. Brody se encontraba en Londres trabajando en el caso del militar chileno cuando se produjo aquella resolución de los lores. Fue allí y entonces cuando se le acercó una mujer chadiana para solicitar su intervención. “Pusimos la primera demanda en el año 2000, y pensábamos que para el 2001 ya habría un juicio”. Pero no fue así. “Habré usó el dinero del tesoro chadiano para sobornar a la justicia, a los políticos, a comunidades religiosas, y tuvimos que aguantar durante 12 años”.

A dos meses vista del juicio, que será televisado y en el que participarán como acusación un centenar de víctimas, el abogado no oculta su satisfacción y su nerviosismo ante lo que está por ocurrir. Junto a él concurría este viernes en un cine de Madrid Isabel Coixet para presentar Hablando de Rose (Parler de Rose), un corto documental de 30 minutos realizado por la directora barcelonesa que se puede visionar gratuitamente en Youtube o en la web de HRW. En él, y junto a varios supervivientes del régimen de Habré, Brody recuerda el valor de una mujer, Rose Lokissim, que a sus 33 años pasó a engrosar en 1986 las listas de asesinados por la Dirección de Documentación y Seguridad (DDS), la policía política chadiana.

El abogado y portavoz de HRW Reed Brody.

Quizá nunca se sepa cuántas personas murieron o fueron brutalmente torturadas —los grupos pro derechos humanos de Chad dicen que fueron 40.000 muertos y 200.000 torturados; HRW calcula que las cifras se sitúan en 1.200 y 12.000 respectivamente—, pero lo que sí es seguro es lo que sucedió con Rose. Existen pruebas documentales de los dos años que pasó en la cárcel y de las vejaciones a las que fue sometida dado que, en su huida, Habré no pudo deshacerse de todos los archivos que atestiguaban su política del terror. En un edificio llamado La Piscina, que se utilizó como sórdida prisión en aquellos años, se hallaron en 2001, bajo una gruesa capa de mugre, decenas de miles de papeles que listaban torturas, interrogatorios o ejecuciones.

El nombre de Rose Lokissim figuraba repetidas veces en aquellos documentos. Era la única mujer entre seis decenas de hombres encerrados en las fétidas instalaciones de La Piscina. A pesar del martirio al que la sometían, los funcionarios dejaron constancia por escrito de su fortaleza. Nunca decaía en su espíritu, mantenía sin arrugarse que su lucha era la del pueblo chadiano, y que si moría la historia recuperaría el sentido de su causa. Cuando un grupo de víctimas chadianas encontraron aquellos documentos, remitieron una copia a HRW. “Así fue cómo descubrimos el último testimonio de Rose, que yo sentí como si ella hubiera mandado un mensaje en una botella a través del tiempo”, recuerda Brody. “Al leer que ella creía que la historia hablaría de ella, me sentí con el deber personal de hacerlo”.

La cineasta Isabel Coixet | CARLA SOSPEDRA

Lo primero que hizo Brody fue escribir un libro. “Luego tuve la suerte de que Isabel (Coixet) quisiera hacer una película”, un documento audiovisual al que se sumará un largometraje que ya está preparando un cineasta de aquel país. “Todo se rodó de manera más o menos clandestina, porque Chad es un Estado policial”, recuerda la directora sobre esta experiencia. “Aunque lo más importante de la película es el material de archivo”, diferentes imágenes de La Piscina que le cedieron los autores del filme de 2007 The Dictator Hunter  (El cazador de dictadores), en el que recogen el trabajo realizado por Brody, que se ha quedado con el apelativo. “Aunque los hechos ocurrieron hace años, las secuelas de la tortura trascienden las cicatrices”, dice Coixet, “y la justicia es el único bálsamo”.

Narrada por la actriz francesa Juliette Binoche , su Hablando de Rose quiere servir de altavoz para dar a conocer la historia reciente de Chad. Porque el juicio a Habré, como explica Brody, será crucial no solo para aquel pueblo, sino para toda África, un continente donde no escasean precisamente los dictadores ni las injusticias. El abogado de HRW, que denuncia el papel ambivalente y muy cínico de su propio país, EEUU, así como de Francia (consta que Habré "era el hombre de Ronald Reagan", y ahora EEUU está a favor de juzgarlo), se muestra en todo caso optimista, entre otras cosas porque, como explica, ya existe un precedente para pensar en positivo: “Otro juicio muy importante que se ha celebrado en Chad”.

Una vieja imagen de Rose, que es la joven de la derecha.

“A raíz del arresto de Habré (en 2013)”, abunda Brody, que habla en castellano, “las autoridades chadianas actuaron por las demandas interpuestas y se juzgó a 25 de sus cómplices, de los cuales 21 fueron condenados. También se impuso una multa de 114 millones de euros que el Gobierno debe pagar a las víctimas, además de que deberá construir un monumento en su memoria y convertir La Piscina en un museo”. Sobre su propio trabajo, el abogado resume así su misión, para la que define un objetivo primoridal: “Mostrar que sí se puede: que las víctimas pueden llevar a la justicia a un dictador”.