Cada 1 de enero, Europa se despierta a ritmo de valses y polkas procedentes del célebre Concierto de Año Nuevo de la Orquesta Filarmónica de Viena. La primera edición se celebró en diciembre de 1939 pero gracias a la retransmisión, desde hace décadas, estos sones traspasan los muros de la Sala Dorada del Musikverein y se cuelan en nuestros hogares.

A pesar de la tradición que impregna esta cita, en los últimos tiempos se han intentado introducir algunas novedades, acordes con la conciencia social y musical de la época. No fue hasta 1997 cuando una mujer formó parte de los intérpretes. Y todavía hubo que esperar hasta la 85ª edición para contar con obras compuestas por mujeres en el programa musical. Así, el 1 de enero de 2025, escuchamos, por primera vez, la obra de una compositora en el prestigioso evento. Se trató del Fernandus-Walzer, de la vienesa Constanze Geiger, quien, como otras muchas artistas, tuvo que abandonar su carrera profesional al contraer matrimonio.

En 2026 se ha optado no por una, sino por dos obras nacidas de la creatividad de sendas mujeres. El Rainbow Waltz está firmado por la estadounidense Florence Price, considerada la primera gran autora sinfónica de origen afroamericano y la primera que logró que su legado fuera interpretado por una orquesta.

La segunda autora es Josephine Weinlich (1848-1887), más desconocida. A pesar de que son muchas las agrupaciones que han compartido, a través de las redes sociales, sus propias interpretaciones de la polka Sirenen Lieder, hasta el día de hoy sus composiciones no han despertado el suficiente interés para ser recogidas en grabaciones comerciales, con alguna excepción puntual en recopilatorios. Y, sin embargo, es una figura muy importante en la historia de la música.

Josephine Weinlich nació en la ciudad de Dechtice (Eslovaquia). Recibió su primera educación de su padre, el empresario Franz Weinlich, que era un gran melómano. Más allá de este dato, su formación es, en realidad, un misterio: desconocemos los nombres de sus maestros y, aunque algunos trabajos mencionan que estudió con Clara Schumann, no existen fuentes que lo demuestren.

Además de pianista y violinista, Weinlich se interesó también por la composición. Escribió piezas pianísticas, una obra para violonchelo solista y un Lied, así como numerosas polkas y valses, tan propios de Viena, ciudad en la que creció. Y no solo escribió, sino que podemos imaginar que su obra gozó de cierta visibilidad, pues algunas de sus composiciones fueron publicadas desde 1869. Sin embargo, su principal labor musical estuvo vinculada a la interpretación y, especialmente, a la dirección musical.

En la Europa del siglo XIX, la mayor adscripción femenina a la música se limitaba a los entretenimientos de salón. En ese contexto, se esperaba que las mujeres burguesas se acercaran al arte musical desde el ocio, dedicándose al canto y al piano –frente a otros instrumentos poco apropiados–, pero sin grandes pretensiones intelectuales. Después de todo, sus mayores desvelos debían ir encaminados a su preparación como esposas y madres.

Como parte de las honrosas excepciones, podemos mencionar a la pianista polaca Maria Szymanowska, la pianista y compositora alemana Clara Wieck –posteriormente, Schumann– y la virtuosa del violín Wilma Norman Neruda, entre otras que desarrollaron una carrera profesional.

Josephine Weinlich también logró un espacio prioritario en la realidad musical del momento como fundadora, en 1868, de un cuarteto instrumental exclusivamente femenino en Viena: el Josephine Weinlich’s Damenkapelle. Su hermana Elise, siete años menor, participó como violonchelista y la propia Josephine se ocupó de la interpretación del piano y la dirección desde su instrumento.

El cuarteto no era un fenómeno realmente novedoso. En el siglo XVIII, existían coros y orquestas femeninas en los conservatorios de Venecia. Sin embargo, se encontraban bajo el amparo de la Iglesia, por lo que su esencia y funcionamiento diferían de la agrupación fundada por Weinlich. También en París, a comienzos de la década de 1860, se habían fundado cuartetos de cuerda femeninos e incluso antes, en los años cuarenta, las hermanas italianas Teresa y María Milanollo llenaban salas de conciertos de toda Europa como prodigios del violín.

No obstante, la gran proeza de Weinlich tiene que ver con el hecho de que el número de componentes de su cuarteto se fue incrementando paulatinamente, hasta que se configuró la Primera Orquesta Europea de Mujeres (Das Erste Europäische Damenorchester), que, en algunos conciertos de los años setenta, superaba los cincuenta músicos.

Su repertorio solía incluir obras cultas, piezas de baile y algunas creaciones de la propia Weinlich, como Gruß an Graz (“Saludo a Graz”), Frühlingsluft (“Aire primaveral”), Josephinen-Polka (“Polca de Josefina”) y Gruß an die Neugablitzer (“Saludo a los habitantes de Neugablitz”), entre otros títulos. Hasta 1874 no incluyeron instrumentos de viento metal, ejecutados por hombres, por lo que en la mayor parte de las ocasiones la orquesta interpretaba arreglos. Precisamente esa ausencia de viento metal –y, salvo algunas flautas, también de viento madera– fue objeto de ciertas críticas, en las que se hablada de un sonido orquestal incompleto.

La actividad profesional de la Primera Orquesta Europea de Mujeres se extendió entre 1869 y 1879, con una buena acogida del público. Se convirtió así en un modelo para la creación de orquestas femeninas en otras ciudades. La agrupación causó un impacto significativo en el panorama cultural del momento, no solo como una rareza sino por sus logros musicales. Esto se constata en las críticas recibidas tras los numerosos recitales ofrecidos en Austria, Alemania, Estados Unidos, Francia, Italia, Letonia, Países Bajos, República Checa, Reino Unido y Suecia.

Y en julio de 1873, la Primera Orquesta Femenina Europea ofreció conciertos en el Musikverein de Viena.

Ojalá este 1 de enero de 2026, cuando disfrutemos del célebre Concierto de Año Nuevo, e independientemente de las piezas que se interpreten, recordemos la labor de tantas mujeres que, al igual que Josephine Weinlich, encabezaron importantes proyectos en favor de la igualdad y de la dignificación de las artistas a lo largo de la historia.

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Virginia Sánchez Rodríguez. Profesora Titular de la UCLM. Doctora en Musicología. Galardonada por sus investigaciones sobre mujeres músicas de los siglos XIX y XX, Universidad de Castilla-La Mancha. Este artículo fue publicado originalmente en The Conversation. Lea el original aquí.

"¿Ha pasado la noche?", pregunta el solista en la Sinfonía número 2 de Félix Mendelssohn. Una cuestión que probablemente también se planteaban, el 25 de junio de 2021, los asistentes al concierto que cerró la temporada 2020-21 de la Orquesta y Coro Nacional de España donde se interpretaba la obra del gran compositor alemán. Sobre el podio, David Afkham (Friburgo, 1983), que dirigía la sinfonía sin batuta y con su particular mezcla de elegancia, sobriedad y fuerza. El concierto culminaba un ciclo marcado por la pandemia, el distanciamiento y las restricciones de aforo en el Auditorio Nacional, el tradicional hogar de la Orquesta Nacional, que sin embargo, no detuvo a la música clásica en Madrid. El esfuerzo de los músicos y el público permitieron que no se cancelaran ninguno de los más de 70 conciertos de su repertorio sinfónico. 

David Afkham es uno de los directores jóvenes más importantes del mundo y lleva a sus espaldas una amplia trayectoria. Ha dirigido a orquestas tan importantes como la Sinfónica de Londres, la Filarmónica de Los Ángeles, la de Chicago o la Simón Bolívar. Con tan solo 32 años, se convirtió en director titular de la Orquesta Nacional de España, y desde ese momento, el músico alemán ha vivido un idilio constante con la formación, llegando también a ser su director artístico. Afkham es el máximo responsable de los conciertos y de los programas de una orquesta que ya considera una “familia” y con la que ha establecido una relación de complicidad poco habitual.

La música es para el director el mayor refugio con el que cuenta frente a los malos tiempos. Que la Orquesta Nacional mantuviera su programación durante la pandemia fue clave para dar esperanza a muchos melómanos y proporcionar algo de luz en medio de la oscuridad. Afkham afirma que esos conciertos “mantuvieron viva la llama de la música” y ayudaron a que músicos y director no perdieran su relación con el público. “Ahora, visto en perspectiva, me doy cuenta que fue la música y el servicio al público el que nos ha mantenido vivos y con esperanza”, comenta a infoLibre. Y ahora, ya recuperada la normalidad, nos invita a aplicar esa propiedad sanadora de la música a nuestra vida para encontrar así “razones de sobra y recursos para salir adelante con optimismo”.

Afkham es optimista porque cree en la “capacidad del ser humano de salir adelante” y está seguro de que gracias a ella “tenemos posibilidades de sobra para vencer esta y todas las crisis”. Añade a la resiliencia un complemento ineludible: el arte y la naturaleza. El director titular y artístico de la Orquesta Nacional de España nos invita a recrearnos en ellas, pero sobre todo, a ser “honestos y respetuosos con el medio ambiente y con la convivencia”. Además del arte y la naturaleza, Afkham destaca especialmente a su entorno personal como refugio ante todo lo negativo que sucede en el mundo: “Tengo una familia feliz y unida y tengo la suerte de ser músico y trabajar con colegas y con mi orquesta”. En su opinión ambas cosas le sirven para “vencer cualquier dificultad”.

Dejando a un lado la música, el director de la Orquesta Nacional de España también nos deja su opinión sobre cómo ve el periodismo en la actualidad. Afkham opina que el exceso de información que tenemos no es un problema sino una virtud. Lo realmente nocivo para él es la desinformación y considera que la “única forma de vencerla es con educación y con cultura”. Por ese motivo, cree fundamental que “quienes tienen la posibilidad de tomar decisiones al más alto nivel en todo el mundo se pongan como primer objetivo la educación, la igualdad y la convivencia”.

Por cierto, ¿recuerdan que al principio de esta información el tenor se preguntaba si había pasado ya la noche?. Pues bien, la primera respuesta de la orquesta son unas notas disonantes, haciendo entender que la oscuridad, la soledad y la noche seguían allí. Sin embargo, el tenor vuelve a preguntar y de repente, aparece la soprano cantando alabanzas, acompañada del coro y la orquesta, que explota y suena más potente y alegre que nunca. La luz, como siempre, acaba llegando, en la música y en la vida. 

El compositor y director de orquesta Cristóbal Halffter, afincado en la localidad leonesa de Villafranca del Bierzo, ha perdido la vida esta madrugada, según recoge Europa Press.

Instituciones, políticos y representantes de la música han querido despedir al que consideran uno de los "renovedarores y un referente" de la escena musical en España. "Nos ha dejado un genio de la música. Compositor y director de orquesta, el leonés Cristóbal Halffter dedicó su vida a este arte. Trabajó en el campo de la experimentación, abrió el panorama musical español a nuevos lenguajes y sonidos y fue Premio Nacional de Música en 1989", ha señalado el presidente del Gobierno, Pedro Sánchez.

Por su parte, el ministro de Cultura y Deporte, José Manuel Rodríguez Uribes, ha trasladado su pésame a la familia y amigos del director de orquesta. "Comenzamos la semana tristes por esta pérdida. Halffter fue Premio Nacional de Música en 1989 y uno de los principales artífices de la renovación musical de España", han trasladado desde el Ministerio.

El Teatro Real, a través de su director general, Ignacio García-Belenguer, ha mandado "un recuerdo entreñable" a los familiares, poniendo en valor el estreno mundial de Don Quijote que acogió el teatro en febrero de 2020 de la mano de Halffter. "Todos tenemos en la memoria ese momento", ha remarcado.

Por su parte, el Teatro de la Zarzuela ha calificado al director de orquesta de "música". "Su lenguaje es esencial para comprender los caminos creativos de los últimos 70 años. Gracias, maestro por tanto. Nos queda la grandeza de los hombres necesarios", ha apuntado en redes sociales.

Desde el INAEM se han mostrado "tristes" por la pérdida de Cristóbal Halffter, compositor "imprescindible en la historia" de España. "Renovador, genuino e inequívoco referente al que rendimos tributo esta temporada en el Focus Festival de la Orquesta Nacional. DEP, maestro", han indicado.

El Instituto Cervantes también ha despedido "con tristeza" a Halffter, a quien consideran "figura esencial" de la música española. De hecho, han recordado un acto en 2009 con el compositor, quien fue el primer músico que depositó un legado en la Caja de las Letras del Instituto.

Asimismo, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) ha honrado la memoria de Halffter con un mensaje en el que le califican de "gran compositor, renovador y referente imprescindible en la historia de la música española", recordando además la colaboración de "largos años" con el músico.

La SGAE también ha transmitido sus "más sentidas condolencias" a los allegados de Halffter, un músico "excepcional que consagró su trayectoria a los nuevos lenguajes en la música y que exploró la hermandad con otras disciplinas culturales".

Desde la Orquesta y Coro Nacionales se ha recibido "con tristeza" la pérdida de Halffter, autor de "un valioso" catálogo sinfónico y operístico y que fue "uno de los principales artífices de la renovación musical en España como miembro destacado de la Generación del 51".

El presidente del Patronato del Museo del Prado, Javier Solana, también ha querido reconocer la labor de "un gran maestro compositor y director de orquesta a la par que un gran modernizador". Halffter, afincado en la localidad leonesa de Villafranca del Bierzo, ha perdido la vida esta madrugada.

"Enamorado de Castilla y León y de Villafranca del Bierzo. Nos abandona en cuerpo, pero nos deja el alma eterna de su música", asegura el presidente de la Junta, Alfonso Fernández Mañueco, en su cuenta personal de Twitter en la que se hace eco de la noticia del fallecimiento del compositor y en la que expresa su pésame. 

Edith Saldaña entendió desde muy joven el poder sanatorio de la música, y abandonó una temprana vocación por la medicina para transitar una fructífera carrera musical acompañada de su violonchelo: "La medicina del alma". Para la artista, la música enraiza directamente con el lado más sensible del ser humano, provocando emociones y "ayudándonos a gestionarlas". "Puede modificar el estado de ánimo y curar en algunos casos algunos males", afirma.

Saldaña es violonchelista de la Orquesta de la Comunidad de Madrid, pero antes de llegar ahí estudió en Perú, México, Estados Unidos, Argentina, Francia, Inglaterra hasta llegar a España. Su trayectoria profesional la ha llevado a tocar en orquestas tan relevantes como la Sinfónica Nacional de Perú o la Filarmónica de Ciudad de México. A todo este ritmo frenético de trabajo tuvo que poner freno con la pandemia de coronavirus, como le sucedió a todos los músicos de esta sección.

Con un trípode improvisado en una escalera, el móvil en alto y un piano desafinado. Así grabaron Edith y Iris Kreiman Saldaña, madre e hija, una pieza musical para infoLibre. "A pesar de las circunstancias y ser una grabación casera e improvisada, lo hicimos con amor", comenta. Y no podía ser de otra manera tratándose de Emotions, un arreglo para piano y chelo de la melodía compuesta por su hija a los 11 años. "Elegí esta composición porque, aparte de ser mi hija, quiero dar relevancia a los jóvenes que les gusta componer o sienten la música como para expresarse a través de ella", comenta la violonchelista.

Para Edith Saldaña, el confinamiento supuso un periodo de aprendizaje en el que se dedicó a cultivar otras áreas de su vida, y también de conexión con sus emociones: "La música y las artes en general nos ayudan a gestionar nuestras emociones", comenta, "para mí es muy necesaria, sobretodo en esta etapa de pandemia que nos ha tocado vivir". Y es que la música que ofrece la Orquesta de la Comunidad de Madrid no es solo "música clásica".

“La música nunca pasa de moda. Es un error llamar 'música clásica' a música de diferentes periodos”. Por el contrario, reclama, igual que su compañero Alfredo Anaya, una resignificación de su arte, de modo que resulte más atractivo para otros sectores de la población que no estén acostumbrados a escucharlo: “Hay mucha música de películas que son música clásica y la gente no lo sabe, pero les gusta porque la escuchan sin prejuicios”.

Al hablar de su instrumento, Saldaña remite a las palabras de su madre: "Ella decía que es un instrumento que tiene la tesitura de la voz humana, del grave al agudo". Aunque hay infinidad de temas "clásicos" para violonchelo, a esta artista le llaman especialmente las suites de Bach y las grabaciones de los chelos de la Filarmónica de Berlín, "donde tocan tangos y otras músicas".

Su pasión por la música es interseccional, y confiesa que también ha disfrutado de la cuarentena bailando sevillanas y salsa. Además, desde que los conciertos volvieron a estar permitidos, han realizado varios para grupos reducidos de espectadores, tanto en la sede de la Orquesta madrileña como en diferentes pueblos de la comunidad con muy buena acogida. "Para nosotros es una alegría que personas que nunca habían ido a un concierto les haya encantado nuestra música", remata.

Su inclinación por ayudar a los demás a través de la música ha seguido con ella durante toda su vida profesional y, antes de despedirse, nos recomienda escuchar Salut D'Amor, una pieza de Edward Elgar que "es lo que os deseo a todos: mucha salud y amor".

Maite Raga y María José Muñoz saben de primera mano la buena compañía que la música puede traer consigo. En su caso es el nexo que las une, ya que tocan juntas desde 1999 en la Fundación Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid (ORCAM): "Compartimos muchas horas de nuestra vida". Raga a la flauta, Muñoz como solista de pícolo o flautín. Pero también son conscientes de que la propia música puede ser en ocasiones el mejor acompañamiento. Lo comprobaron de primera mano cuando los conciertos quedaron restringidos a los hogares particulares: "Nos hemos dado cuenta de que esas pequeñas dosis de música a las 20:00 en los balcones han ayudado a mucha gente a sobrellevar mejor su duro confinamiento". Una nueva lección aprendida en esta sección en la que varios integrantes de orquesta dan a conocer sus instrumentos e interpretan algunas de sus piezas musicales preferidas.

Ambas coinciden en que vivieron el enclaustramiento "con muchísima incertidumbre y malestar". Al menos pudieron mantener la mente ocupada, ya que según cuentan "la actividad de un músico nunca cesa aunque la pandemia haya apagado nuestros escenarios. Hemos seguido haciendo nuestro trabajo diario en casa, estudiando técnica, las obras de la orquesta que habríamos tocado en ese momento, haciendo videos para nuestros abonados". Una responsabilidad profesional que compaginaron con una vida familiar igualmente reconfigurada: "No hemos dejado de atender a nuestros hijos con sus tareas y dedicarles más tiempo de lo habitual, debido a nuestros horarios".

De cara a un presente y un futuro repletos de incertidumbres, Raga y Muñoz creen que la actitud de la audiencia será determinante: "Hasta que todo pase, el público debe venir a los conciertos sin miedo y con la mente abierta, pues se va a encontrar con versiones reducidas de obras sinfónicas". Citan como ejemplo la propia Fundación ORCAM, que durante la próxima temporada interpretará versiones de cámara de las Sinfonías de Gustav Mahler y Anton Bruckner, "las cuales se escribieron durante la Segunda Guerra Mundial para que la gente conservase el ánimo escuchando buena música", explican las instrumentistas.

Además de derribar el muro de ese miedo que Raga y Muñoz mencionan, ponen más deberes al público para vencer otra pared: la de los prejuicios: “La mayoría de la gente cree que la música clásica es elitista. Sin embargo, actualmente es más barato asistir a un concierto de nuestra orquesta que a cualquier concierto de pop, por ejemplo. Sin olvidar que toda música es cultura, y sin cultura no hay raíces en un país”.

Las solistas de flauta y pícolo (instrumentos que comenzaron a tocar en su Valencia natal, donde como ya explicó su compañero de orquesta Pedro Jorge las sociedades musicales los reparten según sus necesidades) interpretan para infoLibre no una, sino dos piezas. La infancia de Cristo, del francés Hector Berlioz, “es una de las pocas obras románticas en la que son protagonistas las dos flautas de la orquesta junto con el arpa en un número completo”. La segunda elección es El caserío, del vitoriano Jesús Guridi. "Se trata de un fragmento muy conocido de Zarzuela, en el cual los dos flautines imitan a los txistus vascos", indican las músicas.

Además de estas obras, nos descubren otras por las que también tienen debilidad. Raga se confiesa "una amante del barroco, especialmente Bach", del que destaca sus sonatas para flauta para conocer este instrumento. Con el mismo propósito alude al Romanticismo y "por supuesto" las obras contemporáneas para flauta, con especial hincapié en la sonata del barcelonés Salvador Brotons y las obras del bilbaíno Luis de Pablo. Para acercarse al menos popular pícolo, Muñoz remarca los conciertos de Vivaldi y las fantasías de Georg Philipp Telemann. "Me gusta mucho tocar repertorio contemporáneo porque explora muchos aspectos técnicos del instrumento", añade. Más allá de sus instrumentos, aconsejan escuchar las sinfonías de Gustav Mahler y Dmitri Shostakóvich, respectivamente. Recomendaciones ideales para pasar el verano en la mejor compañía posible.

La música y el cine han sido dos refugios indispensables para millones de personas en los días más crudos del confinamiento y la crisis sanitaria. Alfredo Anaya tiene la suerte de conocer de primera mano ambos mundos. Este reputado percusionista forma parte de la Fundación Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid (ORCAM) desde 1998. Pero su trayectoria incluye no solo música de cámara, sino también de estudio en grabaciones discográficas y de cine: Todo sobre mi madre, Los fantasmas de Goya o Juana la Loca son algunas de las películas en las que ha participado. Su apuesta para esta sección en la que varios integrantes de orquesta dan a conocer sus instrumentos e interpretan algunas de sus piezas musicales favoritas no podía ser otra, por tanto, que algunas de las obras musicales más empleadas en el cine, la televisión o la publicidad.

Cuatro piezas únicas y eclécticas. Una heterogeneidad que Anaya traslada a su propia vida, y a la música que hizo más llevadero su encierro: "Ha habido momentos que solo me apetecía escuchar música muy tranquila y otros en los que necesitaba ritmo para poder levantar el ánimo". El músico halla un resquicio positivo en la interrupción de la actividad habitual, ya que según cuenta "al no poder tocar con mis compañeros en la orquesta he tenido más tiempo para escuchar otras músicas en casa, me refiero a jazz-latino, rock progresivo o música folk". No obstante, reconoce abiertamente que están siendo y serán unos meses desoladores: "En las salas de mayor envergadura no vamos a poder interpretar grandes obras hasta que haya un control del virus y se pueda garantizar la salud de músicos y público, por lo tanto, creo que tardaremos algún tiempo en poder desarrollar nuestra actividad con la normalidad de antes".

Las dificultades que esperan al sector convierten en una necesidad más acuciante que nunca la superación de las falsas convenciones contra la música clásica, de forma que cada vez más personas se acerquen a ella. Anaya lo explica de esta forma: "Sobre la música clásica existen muchos prejuicios en este país como: ‘eso es muy aburrido’, ‘menudo coñazo’, ‘a mí eso de los violines me aburre’… Son definiciones que he escuchado en multitud de ocasiones y considero que es una asignatura pendiente en nuestra educación cultural". Desde su punto de vista, "el desconocimiento es muy grande", lo cual conlleva que "la música que triunfa en radios y entre jóvenes sea de muy poca calidad".

Se trata de unas consideraciones injustas con un arte de posibilidades infinitas. El ejemplo más ilustrativo es el propio Alfredo Anaya: a las varias facetas ya mencionadas de su actividad profesional habría que añadir su labor desde el año 2000 como músico y delegado en la ONG Voces para la Paz. "Hemos realizado conciertos para recaudar fondos destinados a proyectos de ayuda humanitaria en todo el mundo y he realizado algunas performances cómico-musicales que han tenido gran relevancia y millones de visitas en YouTube", explica. Otra muestra de la cantidad de proyectos a los que da pie la música, especialmente si, como en el caso de este instrumentista, la vida está consagrada a ella desde tempranísima edad: "Comencé con la percusión por tradición familiar, mi padre era percusionista profesional y mi abuelo trompeta aficionado. Con 8 años ya formaba parte de la banda de música de mi ciudad natal, Alcorcón".

Desde entonces, su carrera y sus intereses han estado ligados a los tambores, los timbales o los xilófonos: "Debido a mi instrumento suelo escuchar más música romántica y contemporánea, donde la percusión toma más relevancia, aunque también a los clásicos (Mozart, Bach, Beethoven, etc)". Las cuatro piezas que interpreta (Así habló Zaratustra, de Richard Strauss; Bolero, de Maurice Ravel; Danza del sable, de Aram Khachaturian y O fortuna, perteneciente a la colección Carmina Burana, de Carl Orff) comparten precisamente este protagonismo de la percusión, además de su ya referido uso en los medios audiovisuales. A estos grandes nombres, Anaya suma una última recomendación estival: "las sinfonías de Gustav Mahler". Buena música para un verano de cine.

Dentro de una orquesta, hay un grupo de personas que no pueden llevar mascarilla: los instrumentista de viento. Parece una observación curiosa sin mayor trascendencia. Sin embargo, da cuenta de las dificultades a las que se enfrentan estas bandas musicales en su nueva realidad, en la que la distancia de seguridad es indispensable. Aunque ello suponga que sea "prácticamente imposible ver una de las grandes obras de la literatura orquestal". Es un lamento de Pedro Jorge, trompa solista de la Fundación Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid (ORCAM). "Se pueden interpretar reducciones orquestales como hemos hecho nosotros con la Primera Sinfonía de Gustav Mahler, pero es impensable hacer su versión original", explica el músico valenciano, que se ha animado a participar en esta sección en la que varios integrantes de orquesta dan a conocer sus instrumentos e interpretan algunas de sus piezas musicales favoritas.

Según Pedro Jorge, la crisis provocada por la pandemia de covid-19 ha mostrado la peor cara de una situación que no es nueva: "La música está infrafinanciada desde hace años y esto ha sido la gota que ha colmado el vaso". Es consciente, eso sí, de que estas circunstancias acarrean también problemas a los que nunca se habían enfrentado: "Todo va a ser más incómodo y más frio, más impersonal. Además, mientras sigan las restricciones de aforo, por desgracia, muchas veces va a ser inviable económicamente hacer conciertos, puesto que no se puede ni costear el alquiler de ciertas salas". Nada ilustra mejor lo complicado de este panorama, especialmente en los meses pasados, que la experiencia del propio Jorge: "No había conciertos ni ensayos, que es la parte de nuestro trabajo más gratificante".

El solista de trompa remarca que su actividad no ha cesado, ya que su empleo "tiene una parte que no se ve que es el estudio individual en casa". Reconoce, no obstante, que es "muy complicado mantener la motivación para estudiar varias horas al día cuando no se ve una meta a corto o medio plazo". "Necesitamos el contacto con el público, sin poder hacer disfrutar a la gente nada tiene sentido", admite. Por suerte, poco a poco la situación del sector fue mejorando, así como la suya: "A mediados de junio pudimos retomar la actividad, inicialmente con formatos de música de cámara y más tarde con orquesta, aunque reducida".

El músico cuenta que ha pasado el confinamiento "estudiando, dando alguna clase online y haciendo deporte con bicicleta de spinning". Por eso no entiende los prejuicios hacia su profesión: "Hay gente que piensa que somos unos vagos y unos vividores. Cuando eres estudiante algunos te dicen que no te dediques a la música porque no tiene futuro, otros piensan que es algo terriblemente aburrido". En su opinión, estas creencias "parten del desconocimiento que existe sobre el mundo de la música clásica". Cree que "la manera en que se enseña música en los colegios no ayuda". Tampoco ayuda que "el único momento de la semana donde se dan conciertos en la tele sean sábados y domingos a las ocho de la mañana". Para acabar con este "punto elitista", propone una solución que conoce de primera mano: "Me gustaría hacer hincapié en la labor que hacen las bandas en Valencia (aunque no sólo allí). El hecho de que se subvencione prácticamente la totalidad del coste de los estudios elementales y de que se preste el instrumento hace la educación musical accesible a todos". Considera además que lo ideal es acudir a algún concierto y después "acercarse a los músicos y charlar con nosotros, ver que somos gente normal, sólo que tenemos la suerte de poder trabajar en algo que nos apasiona".

Pedro Jorge predica con el ejemplo, y nos cuenta los entresijos de su instrumento, así como sus obras musicales favoritas. Las que hicieron que tras un año compaginando el Grado Superior de Música y una ingeniería técnica industrial dejara esta última. "Toqué por primera vez la Sinfonía Alpina de Richard Strauss y me quedé tan impactado que supe al momento que ninguna profesión me haría sentir tan bien como trabajar tocando en una orquesta". En esta ocasión, sin embargo, se decanta por interpretar la Sinfonía número 3 de Beethoven, HeroicaHeroica. "Fue originalmente dedicada a Napoleón Bonaparte, cuando todavía muchos le consideraban liberador de Europa, pero cuando éste se autoproclamó emperador, Beethoven tachó su dedicatoria original y la sinfonía se publicó en 1806 bajo el título Sinfonía Heroica, compuesta para festejar el recuerdo de un gran hombre". Jorge es un gran admirador del autor alemán: “Fue uno de los primeros compositores independientes de la historia, sin estar al servicio de ningún noble, y en parte a ello se debe la imagen que nos ha llegado de Beethoven como creador rebelde e inconformista". Además, esta era la obra principal del concierto con el que hubieran puesto fin a la temporada “si la pandemia no hubiera truncado todos los planes”.

Sobre su instrumento, relata que empezó con él por casualidad: "En la banda me dieron básicamente lo que tenían disponible. Yo tenía 7 años y quería la trompeta, pero se me pasó pronto el capricho. Una vez empecé con la trompa, me encantó y nunca me he arrepentido de seguir adelante con ella". Disfruta especialmente con los repertorios románticos y posrománticos. "Desde las sinfonías de Anton Bruckner hasta los ballets de Igor Stravinsky pasando por los poemas sinfónicos de Strauss o las óperas de Richard Wagner, la trompa es la piedra angular". Destaca una serie de piezas claves para conocer la trompa: "Más allá del Concierto Número 4 de Mozart y los dos conciertos de Strauss, que son escucha obligatoria, recomendaría la Sinfonía Alpina de Strauss, la Sinfonía Número 5 de Mahler y la Sinfonía Número 4 de Bruckner". Aunque los intereses de Jorge no se quedan ahí. Para el calor estival aconseja, por ejemplo, la "frescura" de la Sinfonía Número 5 de Franz Schubert. Pero no todo es música clásica: Nina Simone o Prince son otras de sus recomendaciones para pasar un verano, por extraño que sea, en el que no falte la música.

"La música me ha ayudado a serenarme y relajarme". Para Eva Martín, la música siempre ha sido un pilar imprescindible, por lo que no podía ser menos durante unos meses de confinamiento que ha pasado "con preocupación y resignación". Martín, solista de viola en la Fundación Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid (ORCAM), ha comprobado de primera mano que "el mundo de la cultura se está viendo especialmente afectado por las normas de seguridad y las restricciones de aforo" derivadas de la crisis sanitaria  provocada por el coronavirus.

Desde su punto de vista, "en otros ámbitos estas restricciones son menos estrictas y a veces casi inexistentes". "Esto debe servir al menos para que el público perciba que se hacen las cosas bien y que no debe de tener temor a acudir a los conciertos, al teatro...", opina. Eso sí, en su opinión "parece que tendremos que olvidarnos de momento de interpretar obras de gran formato que precisen un gran número de intérpretes". "Mientras no exista una vacuna para el covid-19 los conciertos seguirán sufriendo las restricciones de aforo que ya estamos viendo", lamenta.

Pese a las delicadas circunstancias, Martín ha estado muy activa profesionalmente durante este periodo: ha grabado vídeos para la Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid (JORCAM), donde imparte clases de viola; ha colaborado con las redes sociales de ORCAM, con el objetivo de mostrar el trabajo de los músicos "confinados" y, ya de manera presencial, ha participado "junto a otras compañeras de la ORCAM" en los conciertos de reapertura del Museo del Prado y de los Teatros del Canal. En su actividad se aprecia la preocupación de la violista por la capacidad didáctica de la música, algo a lo que da mucho valor: "Creo que es fundamental que la asignatura de música deje de ser menospreciada en el currículo de las escuelas". Considera que "tenemos la oportunidad de cambiar el mundo a través de la cultura, empecemos por darle el valor que tiene a todos los niveles".

Ahora, Martín saca tiempo para mostrarnos su dominio de la viola, un instrumento por el que se decidió desde sus inicios: "Me gustaba su sonido y el papel que representa dentro de la orquesta como nexo entre los violines (con sonidos más agudos) y los violonchelos y contrabajos (con los sonidos más graves)". En la pieza que interpreta para infoLibre, la obra orquestal Don Quijote, de Richard StraussDon Quijote, se aprecia a la perfección esta sinergia con el violonchelo: "Es un poema sinfónico basado en la novela homónima de Miguel de Cervantes. El personaje principal de la obra (Don Quijote) está representado por el violonchelo solista. La viola representa a Sancho Panza". Se ha decantado por Strauss ya que le apasionan "sus poemas sinfónicos: Don Juan, Vida de Héroe, Las alegres travesuras de Till Eulenspiegel, Muerte y Transfiguración o Así habló Zaratustra inspirado en la obra del mismo título de Nietzsche cuya fanfarria inicial (Amanecer) fue utilizada como banda sonora para la película 2001 Una odisea del espacio".

No obstante, según Martín disfruta "tocando cualquier tipo de repertorio". "Me resulta muy emocionante formar parte de la sección de cuerdas de la orquesta cuando interpretamos obras de Tchaikovsky, Rachmaninov, Brahms, Mahler…", explica. También le fascinan la música barroca de Telemann, Purcel o Bach, o la del periodo clásico, "Mozart sobre todo". No se olvida, por supuesto, de "las sinfonías de Beethoven". Y, por último, para los interesados en conocer mejor la viola, recomienda escuchar "grabaciones de Tabea Zimmermann y de Yury Bashmet". Cantilena, de Zimmermann y Javier Perianes, es precisamente una de las recomendaciones de Martín. Unas propuestas eclécticas que refrendan la opinión de la violista contra "la creencia generalizada de que la llamada música clásica es aburrida y que está dirigida a un público de edad avanzada".

El enorme Arturo Toscanini era capaz de dirigir hasta 200 composiciones diferentes sin necesidad de partitura, solo con su memoria. A los 19 años ya había cogido la batuta, y a día de hoy, medio siglo después de su muerte, es considerado uno de los más importantes directores de orquesta de todos los tiempos. Poco cabe achacarle en lo profesional al italiano, a no ser su estilo sumamente autoritario a la hora de capitanear a su equipo, a sus músicos. Si él marcó el modo de hacer en el siglo XX, en esta nueva era aquellas formas –por muchos éxitos que le granjearan- ya no resultan pertinentes. Ni deseables. Y no solo por la evolución natural de las cosas: la crisis, sin ir más lejos, ha supuesto un revulsivo a la hora de relacionarnos y estructurarnos en jerarquías. O, en palabras de Inma Sharia, “a pesar del drama que ha sido y que es, ha facilitado una reorganización, aunque sea inconsciente, que la sociedad estaba pidiendo”.

La directora de orquesta (Amurrio, Álava, 1972), uno de las pocas mujeres del mundo que lo son a alto nivel, recientemente galardonada con el premio a la Excelencia europea por su proyección internacional y su aportación a la música clásica, no dudó en aceptar el reto que le proponía la editorial que hoy publica su libro, La batuta invisible (Conecta). Ese reto, claro, era escribir el propio libro, una historia sobre el liderazgo de lo particular, su caso personal, a lo general. Pero no solo eso: a través de las palabras, en un medio ajeno para una experta en el lenguaje de lo etéreo, debía condensar no solo su manera de ser directora, sino también su particular forma de entender la música, y con ella, sus valores. “Se trata de hacer que, a través del liderazgo, lo intangible se convierta en tangible”, explica la directora, que hasta el 11 de julio se encuentra de gira por diferentes ciudades españolas con la Orquesta Sinfónica Checa. “Vivimos en una sociedad materialista, competitiva, pero se puede liderar bajo los cánones del equilibrio, la autocrítica y, sobre todo, la humildad”.

Delicada y sonriente, también contundente y profunda, extremadamente atenta, Shara parece cumplir a rajatabla sus propios consejos, los que aplica a los trabajadores de su particular empresa. “La música es el nacimiento de la belleza interna del ser humano”, reivindica. “Aun en sus acordes más dolorosos es un mensaje de ilusión, de esperanza o de nostalgia, pero bien entendida. La cultura refuerza a un país, lo dota de herramientas para sobrevivir a estos tiempos tan difíciles, porque ayuda a poner en valor el aspecto cualitativo, no solo el cuantitativo”. De ahí que esté de acuerdo en que, aunque nuestros gobernantes insistan, en materia cultural vamos en el sentido contrario a la buena dirección. “Consumir en cultura es consumir en salud”, defiende la música, que ha dirigido orquestas como la London Philarmonic o la Royal Philarmonic Orchestra, entre otras muchas, además de haber colaborado con destacados solistas. “No tomar la cultura como herramienta de integración social, de compromiso y de esperanza, es un error”. 

Aunque Shara defiende que este modo de ejercer la responsabilidad en armonía, sin despotismos, sirve para cualquier faceta de la vida, lo cierto es que en su ámbito existen peculiaridades, desde enfrentarse a la gestión de equipos multiculturales, a tener que lidiar con los volubles temperamentos artísticos. “En una orquesta confluyen nacionalidades y sensibilidades, por lo que hay que hacer un esfuerzo emocional que es realmente lo que vale la pena, es el mejor premio desde el punto de vista personal”, dice, para asegurar seguidamente no haber encontrado trabas  por su condición de mujer en un área eminentemente masculina. "El arte es una proyección del interior, no es propiedad del género: la suma es la riqueza de sensibilidades, y eso es lo que enriquece al arte”.

Atraída por la música desde niña, llegada a ella a través de la educación en casa y en clase, Shara defiende el poder de toda disciplina artística para dar un sentido más pleno a la vida. Y precisamente por eso, se lamenta de la presencia marginal  de la cultura en la enseñanza. "La música despierta habilidades, capacidades, ayuda a comprender la importancia del trabajo en equipo, establece lazos afectivos". Aunque además de formación, también hace falta sin duda vocación. "Yo tenía cuatro años cuando la música pasó de ser algo inconsciente a ser algo consciente, de ser algo irracional a ser un pensamiento", recuerda, para concluir: "La música puede tomarse como modelo para construir otra sociedad, en la que los afectos y la comunicación humana deberán situarse en un primer plano". 

El director de orquesta Rafael Frühbeck de Burgos ha fallecido este miércoles en Pamplona, donde se encontraba ingresado como consecuencia del cáncer que padecía.

Según ha confirmado a Europa Press el presidente del Instituto Municipal de Cultura (IMC) de Burgos, Fernando Gómez, la desaparición del director ha caído "como un jarro de agua fría" en la ciudad de Burgos, de la que era natural y cuyo nombre incorporó a sus apellidos.

Titular de la Orquesta Sinfónica de Dinamarca y director emérito de la Orquesta Nacional de España (ONE), Frühbeck de Burgos había anunciado este mismo mes su retirada por el cáncer que padecía y después de haber sufrido un desmayo el pasado mes de marzo mientras dirigía en Washington.

"Además de la valía artística y personal demostrada, ha llevado el nombre de la ciudad tanto en sus apellidos como en su trabajo por todo el mundo", ha destacado Gómez antes de lamentar la pérdida de "un gran burgalés".

La ciudad de Burgos "tiene" que rendir homenaje a Rafael Frühbeck, un hombre "magnífico" con su ciudad y a quien ésta rendirá homenaje a lo largo de todo el año, según ha avanzado Fernando Gómez.

Frühbeck de Burgos, Medalla de Oro de las Bellas Artes en 2010, estudió dirección en la Musikhochschule de Múnich con Eichhorn y Lessing y composición con Hindemith y Genzmer.

Fue director titular de la ONE de 1962 a 1978, y ha asumido la titularidad de la Düsseldorfer Symphoniker, la Dresdner Philharmonie, Wiener Symphoniker y director de la Deutsche Oper Berlin y Rundfunk Sinfonieorchester de Berlín, entre otras.

La cultura tomó este domingo las calles de Madrid como protesta por los continuos recortes y privatizaciones que sufre el sector. Un acto que ha unido a miles de ciudadanos, consumidores habituales de cultura, que se acercaron curiosos al Paseo de Recoletos para compartir con los artistas la demanda de una reducción del IVA o la defensa de los espacios culturales públicos. Los organizadores de la movilización se quejan, sobre todo, de la pérdida constante del patrimonio histórico y cultural, que pertenece a todos los ciudadanos, y de la nula participación que tienen los sectores culturales en la elaboración de las leyes que les tocan, como la Ley de Mecenazgo o la Lay de Propiedad Intelectual.

Las actividades se fueron sucediendo para recibir a todos los públicos: los niños dibujaron, jugaron a ser arqueólogos y reporteros de televisión; los padres y madres rieron con los humoristas, bailaron al ritmo del reggae o de la charanga, hasta los abuelos levantaron las manos para seguir las letras de rap de grupos como Pachamama. Ana Isabel Moyano, arqueóloga, enseñó a los niños a hacer mosaicos con recortes de papel. “El patrimonio arqueológico es también una forma de atraer el turismo”, asegura Ana Isabel.

“Si en lugar de tener que dejar parados los yacimientos porque no hay dinero para tocarlos pudiéramos seguir adelante, sería un recurso más de los muchos que tenemos en España para que las cosas vayan mejor", argyumenta. 

A su alrededor actuaban los cantantes, cuyas letras son una queja a la situación que sufre la música. Guitarristas, percusionistas y técnicos de sonido. Al otro lado, los bibliotecarios demandaban una mayor atención a sus centros: “Queremos que las bibliotecas sigan siendo espacios de encuentro de la cultura y un factor de cohesión social”, pedía Carlos Peña, escritor y bibliotecario, que afirma que la gestión de estas dependencias cada vez es más caótica por los recortes.

José María Echauri, profesor, afirma que “la cultura no puede ser un bien de lujo”. Defiende que debe haber una mayor apuesta por una cultura de base en escuelas y barrios. “Creo que las medidas que se están tomando en cultura van en el mismo sentido que todas las demás: crear una sociedad dualizada con una brecha que se puede ir agrandando con el tiempo entre una parte de la sociedad que conserve cierto bienestar y otra cada vez más excluida”, lamenta el profesor.

Muchos de los asistentes a la protesta, llevaron a sus hijos para que disfrutaran de las actividades pero también para inculcarles lo que es la cultura, “para que la vivan”, decía Agustín Huertas, electromecánico, quellevó a sus dos hijas a la concentración.

“Europa también es Quevedo, Góngora, Lope de Vega, Cervantes, Valle-Inclán, Baroja y no solo complicadas y farragosas estadísticas”, clamaban desde una asociación musical. “Nos tienen que dejar que sigamos haciendo cultura para seguir siendo lo que somos”.

También hubo lugar para otras reclamaciones sociales: actores disfrazados de “fuerzas de represión” llevaron como esclavos a inmigrantes que, en fila y atados a una cuerda, eran ninguneados y maltratados ante los gritos de algunos compañeros que les defendían: “¡Papeles para todos o todos sin papeles!”

Tras dos horas y media de actividades a pleno sol, los manifestantes se trasladaron a la Plaza de la Independencia. Allí el presentador del concierto, Juan y Medio, agradeció la masiva asistencia y dio la bienvenida al Coro y la Orquesta de Ciudad Real que acompañaba a dos cantantes con la canción Somos música. Con los pelos de punta, cuatro músicos de distintas edades, entre ellos Miguel Ríos, leyeron el manifiesto de la Plataforma en Defensa de la Cultura para exigir una rectificación de las políticas del Gobierno. “Ha sido una manifestación emocionantísima” afirmó el cantante de rock. “Somos un gremio muy agallinado y deberíamos haber salido a la calle hace mucho tiempo. El ministro de Cultura debería irse a su casa y posiblemente sin paga”.

Al final, cientos de ciudadanos se sumaron a la orquesta como coro popular para poner música y voz a la lucha porque la cultura llegue a todos y sea, como siempre ha sido, un bien de todos los ciudadanos.

El director de orquesta Claudio Abbado, uno de los más conocidos del mundo, murió durante la noche en Bolonia a los 80 años, según ha informado este lunes el Teatro de La Scala.

El maestro italiano, que fue director de la Scala, entre otros teatros, murió tras una larga enfermedad, según la ópera de Milán.

Abaddo había sido nombrado senador de por vida por el presidente de la República, Giorgio Napolitano.

Así lo ha anunciado este martes el director del INAEM, Miguel Angel Recio, en el Auditorio Nacional de Madrid. David Afkham trabajará a partir de ahora junto con Félix Alcaraz, el director técnico de la Orquesta y Coro Nacionales de España desde 2012.

La Orquesta y Coro Nacionales de España, con más de 60 años de historia, está integrado en el Instituto Nacional de Artes Escénicas y la Música (INAEM) del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte y su actividad se desarrolla principalmente en el Auditorio Nacional de Música, en Madrid.

El aclamado director alemán de 30 años, Afkham, ya estuvo "a punto" de firmar con la OCNE a finales de 2011 pero el cambio de Gobierno frustró la iniciativa.

Afkham a los 6 años comenzó a estudiar violín y piano. A los 15 ingresó en la Universidad de Música para completar sus estudios de piano.

Ganó en 2008 el primer premio del Donatella Flick Conducting Competition, y es director adjunto de la London Symphony Orchestra y asistente de Valery Gergiev. Desde 2010 también es adjunto al titular de la Gustav Mahler Youth Orchestra.

Entre sus compromisos más destacados de la temporada 2012-2013 destacan sus debuts con la Filarmónica de Munich, Staatskapelle Dresden, Radio-Sinfonieorchester Stuttgart, Sinfónica de la Radio de Frankfurt, Orquesta Philharmoniay Mostly Mozart New York, entre otros.