Por mucho que se haya popularizado el libro de Sun Tzu, la guerra no es un arte. Es una atroz carnicería. Por eso, pocas cosas están más alejadas de la exploración artística performativa que la agresiva política expansionista de Israel. Desde el pasado 19 de enero, cuando entró en vigor el supuesto alto el fuego en Gaza, más de 680 gazatíes han muerto a manos del ejército israelí. En ese mismo tiempo, militares y colonos han asesinado a más de un centenar de palestinos en Cisjordania. Y la borrachera de sangre no cesa. La actual ofensiva ordenada por Benjamin Netanyahu y Donald Trump en la región deja hasta la fecha un saldo de más de 3.000 de muertos en Irán y otro millar en el Líbano, donde Israel se vanagloria de imponer su modelo de exterminio ejecutado en Gaza. En total, Israel ha provocado en los últimos meses más de 5.000 muertos, incluyendo más de un centenar de sanitarios. Y más de medio millar de niños asesinados.

Frente a esta dantesca realidad, miles de voces se han levantado por todo el mundo contra el genocidio del pueblo palestino. También para denunciar los intentos del Estado sionista de blanquear sus políticas belicistas y expansionista tratando de normalizar su presencia internacional en eventos deportivos o culturales. Por este motivo, cientos de creadores se están sumado estos días a la campaña de boicot a la participación de Israel en una de las citas más prestigiosas del panorama de las artes plásticas internacional, la Bienal de Venecia, que tiene previsto abrir sus puertas el próximo 9 de mayo.

La campaña está siendo promovida por el colectivo Art Not Genocide Alliance (ANGA), una organización que ya protagonizó una fuerte movilización en Venecia en 2024 que, si bien no consiguió la exclusión oficial de Israel, forzó a que su pabellón permaneciera cerrado. Ahora, los activistas de ANGA redoblan su presión con una carta para exigir la expulsión del que denominan como “pabellón del genocidio”. En su escrito, remitido al presidente de la Bienal, Pietrangelo Buttafuoco, se reafirman en su “negativa colectiva a permitir que se le dé visibilidad al Estado israelí mientras comete genocidio”. En este sentido, los firmantes destacan que “la complicidad de la Bienal de Venecia con el intento de destrucción de la vida palestina debe terminar. Ningún artista ni trabajador cultural debería compartir plataforma con este Estado genocida. Mientras Israel exista mediante el genocidio, la limpieza étnica y el apartheid, no debe estar representado en la Bienal de Venecia”.

La carta de ANGA ha sido firmada hasta ahora por unos 200 artistas, curadores y trabajadores de los pabellones de más de 30 países que participarán en esta edición de la Bienal. Entre estos apoyos se encuentran destacadas figuras internacionales del arte, como el chileno Alejandro Jaar, la artista franco-marroquí Yto Barrada o la creadora multidisciplinar Carolina Caycedo. También se han sumado a ella Oriol Vilanova, artista que representará al pabellón de España, y Carles Guerra, comisario responsable de esta exposición; así como Claudia Pagès Rabal, artista visual, performer, escritora y una de las figuras más destacadas del panorama emergente actual. 

Pagès ultima estos días su proyecto Papers Tears, que mostrará en los Eventi Collaterali de la Bienal tras ser seleccionado por el Institut Ramon Llul para representar a la cultura catalana en Venecia. “Se trata de una videoinstalación muy escultórica, pensada casi como una obra de teatro donde el público podrá ver cómo una serie de bufones desgranan un archivo de marcas de agua del siglo XV. La elección de este siglo no es naíf, es un siglo de violencia en la Península y nos da juego para hablar de las angustias actuales”, comenta. Sobre su apoyo al boicot al pabellón de Israel, la artista catalana rechaza que esta campaña se presente como una polémica: “En la historia de la Bienal hay casos precedentes en los que se hizo boicot, como el que se promovió contra Sudáfrica durante el apartheid, o en los últimos años con Rusia. Los pabellones de la Bienal son representaciones estatales de países, unos juegos olímpicos del arte, unas pequeñas embajadas mezcladas con cultura. Por eso lo único polémico es que la Bienal siga enseñando y promoviendo la cultura de un Estado genocida”.

La indignación por la presencia israelí se ha visto acrecentada por el hecho de que su pabellón permanente, ubicado en el área de los Giardini, está siendo reformado, lo que ha obligado a los responsables de la Bienal a buscar un espacio alternativo en el complejo del Arsenale para garantizar su presencia. Este cambio de ubicación ha sido recibido con satisfacción por el artista que representará a Israel en la cita veneciana, el escultor de origen rumano afincado en Haifa, Belu-Simion Fainaru. En la práctica, la reubicación “normalizará” a Israel al permitirle compartir espacio con países musulmanes como Emiratos Árabes Unidos, Arabia Saudita o Turquía, mientras sus tropas bombardean Palestina, Líbano e Irán. Para ANGA, esta colaboración activa de la Bienal con Israel es inaceptable e implica “un respaldo institucional explícito en un momento de escalada de violencia”.

Al boicot contra Israel se le suman otras controversias que están afectando a esta nueva edición de la Bienal de Venecia. Una de las que ha tenido mayor resonancia es el regreso a la prestigiosa cita artística de Rusia, pese a la invasión de Ucrania. La presencia rusa ha desatado una fuerte polémica política después de que la Unión Europea amenazase con retirar sus fondos a la Bienal y el ministro de Cultura italiano, Alessandro Giuli, reclamase públicamente la dimisión de la representante del Gobierno en el consejo que dirige el evento. Por lo pronto, las Pussy Riot y otros representantes de la cultura disidente rusa han anunciado su intención de promover acciones contra el pabellón ruso. 

A ello se une, además, el malestar provocado por la decisión de Sudáfrica de cancelar su presencia en la Bienal, después de que su ministro de Arte y Cultura, Gayton McKenzie, considerara inapropiado el proyecto Elegy que la artista Gabrielle Goliath había preparado para representar al país. La propuesta de Goliath denunciaba el feminicidio y la violencia contra las personas LGBTQI+, aunque el principal motivo para su cancelación era el homenaje que incluía a la poeta palestina Hiba Abu Nada, muerta durante los bombardeos en la Franja de Gaza

Frente a las críticas y controversias, los organizadores del evento argumentan la imposibilidad de la Bienal de rechazar la participación de ningún país que tenga representación diplomática en Italia. Al mismo tiempo, su director se escuda en la supuesta neutralidad del arte. “Nadie está aquí para plantear cuestiones geopolíticas; estamos aquí para garantizar un espacio libre para el arte”, afirmaba en unas declaraciones recogidas por la agencia de noticias Ansa.

En cualquier caso, las crecientes presiones han obligado a la Bienal a poner en marcha alguna iniciativa que contrarreste las críticas. En este sentido, Buttafouco ha adelantado que se está trabajado para incluir en la edición de este año una conmemoración del cincuenta aniversario de la Biennale del Dissenso, que en 1977 dio voz a los artistas disidentes de la Unión Soviética y el bloque del Este. Para ello, el presidente de la Bienal ha anunciado la preparación de un evento en el que participarán cinco personalidades contemporáneas consideradas non gratas por sus respectivos Gobiernos de Estados Unidos, Israel, China, Rusia e, incluso, la Unión Europea.

Al cine estadounidense de los últimos años le interesa bastante la “familia encontrada”. Por lo menos es algo que sobrevuela desde hace tiempo sus películas más centradas en el público masivo, que acude a consumir blockbusters sin ánimo de profundizar en las ramificaciones filosóficas del asunto. Cuando Vin Diesel dice en Fast & Furious que “no tiene amigos, tiene familia” no cabe darle muchas vueltas. Es simplemente una exaltación de la amistad y la camaradería: sentimientos que ya marcaban el entretenimiento de Hollywood antes de que la pandilla de Tom Cruise en Misión imposible o los marginados de James Gunn quisieran reclamarlos.

La cuestión es que esta “familia encontrada”, que se aleja de los vínculos sanguíneos y las estructuras consolidadas dentro de nuestras sociedades, conecta con la gente. Es una retórica exitosa, capaz de aumentar el atractivo de los sentimientos que suelen guiar el espectáculo. Quizá, porque se nutre de una especie de nostalgia. Cuando la familia tradicional empezaba a ser la base del sistema capitalista y todos sus miembros confiaban en que era la plataforma más adecuada para tener una vida satisfactoria, Hollywood carecía de motivos para esbozar una alternativa. Todo iba bien, todo era tan sencillo como quedarte en un lugar y aprender a vivirlo.

Dicha armonía ha sido sometida a tantos desafíos posteriores como para que esta familia encontrada ofrezca una opción. Conservando la palabra sagrada, a la vez que favorece las particularidades de quienes están llamados al exilio, se logra un desplazamiento orgánico. Se cambia de familia, se cambia de miembros y procedencias, pero no de estructura. El individuo permanece atado a andamiajes reconocibles que acaso se ajusten más a su carácter y preferencias. Ahogando en lo posible cualquier fricción y siendo esta fricción, por otro lado, la palabra clave. Dentro de las familias encontradas del cine, las fricciones solo existen para alumbrar chistes o gestos heroicos. Apenas se preocupan de expresar una convivencia, o la mera aceptación del paso del tiempo.

A Father Mother Sister Brother no le interesan las familias encontradas pues quiere explorar la fricción. Por eso es tan encantador que se estrene en fechas navideñas: si hay algo que abunda en estas son las tensiones, las frustraciones, las apariencias. En estas fechas una parte considerable de la gente podrá alternar si tiene suerte la familia encontrada con la familia a secas. Nada debería obligarnos a atravesar situaciones así pero, si lo que nos obliga es simplemente la Navidad, parece más difícil. No es más que un ritual, un gesto simbólico que asegura nuestra pertenencia a un lugar. Podremos tragar saliva e irlo soportando una vez al año, año tras año, ¿verdad?

Las hermanas del segundo de los cortos que integran la película de Jim Jarmusch —son tres, ‘Father’, ‘Mother’ y ‘Sister Brother’— hacen algo parecido, aunque no necesitan que coincida con la Navidad. Se han montado una tradición propia con su madre consistente en quedar una vez al año para tomar el té. Una tradición que respetan, que quieren prolongar, y que sin embargo no tienen por qué disfrutar. A los personajes de Cate Blanchett y Vicky Krieps solo les preocupa mantener la ilusión de una unión con su madre (Charlotte Rampling). Saben que únicamente es su presencia lo que se requiere. Pues los rituales, normalmente, se limitan a la relación de unos cuerpos con otros. Lo que pase por nuestras cabezas, o lo que sintamos, suele ser irrelevante.

Y estos cuerpos se sienten raros, resoplan con malestar. Hay fricciones entre ellos porque la mayoría de cosas que tienen en común se conjuga en pasado. No sabemos si esto pasaría también dentro de una familia encontrada made in Hollywood pero a Jarmusch, en cualquier caso, poco le importa. El azar sobrevuela el cine de este director, y no está por la labor de que sus personajes lidien con unas circunstancias “a la carta”. Father Mother Sister Brother remite fácilmente, en ese sentido, a otra película episódica de Jarmusch estrenada en 1991, Noche en la Tierra. Cuyos planteamientos eran tan azarosos como quién se montaba en un taxi, junto a quién, y en qué ciudad.

No podemos elegir a nuestra familia biológica. Podemos renegar de la institucionalidad a la que se ha visto ligada históricamente, podemos alejarnos, buscar otra, podemos hacer cualquier cosa… salvo elegirla. Este poder está vedado, le pertenece al cosmos. Que es justo el lugar por el que suele merodear Jarmusch. Él ha tardado lo suyo en adentrarse en las complejidades familiares —ganando un León de Oro por ello en el último Festival de Venecia—, y no deja de sorprender por la admirable coherencia que este gesto acoge frente al resto de su filmografía. 

Father Mother Sister Brother —cuyo título, decía el crítico Manu Yáñez, “debe recitarse como un poema”— es un film plenamente inserto en el estilo de su autor. Con su ritmo plácido, con sus intérpretes serenos, con un esquinado sentido del humor que durante las dos primeras historias brilla a lo grande. A través de las dos visitas familiares que centran estos episodios —ambas integradas por hermanos que se reencuentran con sus progenitores, “Father” y “Mother”—, Jarmusch coreografía la incomodidad inherente a seres cuyo nexo emocional es de lo más errático. Pueden tener buenas intenciones, incluso habrá honestidad en su intento de acercarse al otro, pero al fin y al cabo hablamos de familias. ¿Qué hay más extraño que eso?

Esta incomodidad no llega a ser desagradable —no hablamos, en modo alguno, de una comedia negra— gracias justamente al estilo de Jarmusch. El modo en que todo está orquestado, desde las puntualizaciones musicales hasta esas evocadoras transiciones entre capítulos, transmite una calma muy particular. La confusión de los personajes produce ternura en lugar de distancia, mientras que las rimas colocadas entre los capítulos —skaters a cámara lenta, brindis torpes, coincidencias de vestuario— invocan una feroz universalidad. Como si todas las familias del mundo se parecieran a las que vemos, y las pequeñas bromas privadas no lo fueran tanto.

La cinta podría ser la exploración definitiva de la familia (esa que no elegimos) en el cine, si los postulados de Jarmusch fueran un poco menos humildes. Lo que marca estos capítulos es la ligereza y la serenidad. No hay grandes opiniones sobre el hecho familiar, no hay discursos que expliciten el anclaje de estos personajes en dinámicas tan desconcertantes. Solo hay intuición, junto a un talento prodigioso, para presentar este momento en las vidas de sus personajes. Que tampoco es un momento especialmente definitorio. Solo son un par de visitas de cortesía. 

Contando únicamente con estos dos segmentos, “Father” y “Mother”, ya hablaríamos de una obra extraordinaria. Pero, de la misma forma que un haiku necesita un tercer verso para que sus sentidos se expandan del todo, existe una tercera historia en Father Mother Sister Brother que atina a colocarla entre lo más logrado de la filmografía de Jarmusch. La correspondiente a la hermana y el hermano, que altera bruscamente la lógica seguida hasta entonces. No porque los personajes interpretados por Indya Moore y Luka Sabbat estén argumentalmente próximos a los anteriores —Father Mother Sister Mother se mantiene cómoda alejando a sus grupos de personajes entre sí para acercarlos a nosotros—, sino por acudir directamente a una tonalidad melodramática.

De haber supuesto este corto la integridad de la película, constituiría una experiencia más confortable para quienes creen con voluntarismo que hay que decirle continuamente a nuestros familiares lo mucho que les queremos. Porque es lo que hacen una y otra vez estos dos personajes, expresar su amor. Verbal y físicamente. Su unión está más afianzada que la de los hermanos previos porque aquí hablamos de mellizos, aunque este no es el factor diferencial. Lo que distingue a Sister Brother de los dos primeros segmentos es la ausencia. No hay madre ni padre a la vista.

Así que Jarmusch puede lanzar las grandes preguntas. Puede hacer cundir, sonriente, la sospecha de si los personajes que hemos conocido —que tan torpemente se manejaban con sus progenitores— se comportarían exactamente igual que Moore y Sabbat en una situación así. Si lograrían quitarse de encima los silencios y las irritaciones terrenales ante el giro más devastador de todos, ese que ha convertido la presencia en ausencia durante los minutos finales de Father Mother Sister Brother. Porque lo que define a la familia no es ni más ni menos que eso, su presencia. Una presencia tan poderosa como para resistir la desaparición. Como para, incluso, hacerse grande en ella.

Father Mother Sister Brother es una película que se preocupa por todos esos cuerpos que han sido unidos por la inercia y el azar. Consciente de que en la fricción resultante, en la obligación más o menos aceptada de que esos cuerpos se relacionen, han surgido claves realmente vitales y significativas sobre nuestra naturaleza. Quizá solo seamos cuerpos, sí. Pero estos cuerpos, cuando les rodean otros cuerpos, son capaces de generar poesía. Y a veces el cine es capaz de captarla. 

El cineasta Pedro Almodóvar llamó este lunes desde el Festival de Venecia a manifestarse contra los "discursos del odio" y tachó de "delirante" y "profundamente estúpido" presentar a los menores inmigrantes como invasores.

"Mi película es la respuesta a los discursos del odio que estamos oyendo cada día, al menos en España y yo creo en todo el mundo. Es exactamente lo opuesto a estos discursos", dijo el director español en la rueda de prensa de presentación de su primer largometraje en inglés, The room next door (La habitación de al lado), que compite por el León de Oro.

Su cinta, la historia de una mujer que acompaña a una amiga en su decisión de morir, encarnadas por Julianne Moore y Tila Swinton, habla sobre la "empatía, la generosidad y la amistad", explicó. Por ello, el cineasta lanzó un mensaje contra los discursos de la ultraderecha en temas como la inmigración o la crisis climática.

"Todos tenemos, no solo en Europa, Francia o España, problemas con la inmigración, y desde la película, aunque hablamos de un caso personal y particular, yo quiero mandar un mensaje (...) a todos esos niños sin acompañamiento que luchan por llegar a nuestras fronteras y que según la ultraderecha española, al menos, lo que pretenden es que el Gobierno mande a la Marina para impedirles que entren", denunció el realizador. Y agregó: "Convertirlos en invasores es algo tan delirante, tan profundamente estúpido y tan injusto que lo que propongo es lo contrario".

Almódovar animó a la gente a actuar ante "un mundo tan complejo y tan lleno de peligros" como el cambio climático: "No es una broma, no sé cuántas demostraciones necesitamos para estar seguros de que es real", avisó.

"La película habla de una mujer que agoniza en un mundo que probablemente también está agonizando. Yo creo que la única solución, tal vez peque de pretencioso, es que cada uno, desde su lugar, yo desde aquí y vosotros en vuestras casas y pueblos, se manifieste en contra de todo este negacionismo y debe hacerlo en los ámbitos que les son propios, la casa, el trabajo o la calle", dijo. Y añadió: "Tenemos que parar este tipo de manifestaciones negacionistas porque el planeta está en peligro y pude estar en un peligro mucho mayor".

Almódovar también defendió la eutanasia y animó "urgentemente" a los países a regularla. 

Venecia ha empezado a cobrar una tasa de 5 euros a los turistas para acceder a su centro histórico desde este jueves 25 de abril, como medida en su particular lucha contra el turismo de masas, según ha informado el Ayuntamiento y recoge Europa Press. En concreto, la tarifa se empieza a aplicar en un primer bloque desde este jueves hasta el 5 de mayo, para después continuar con su implementación los sábados y domingos en mayo, junio y julio hasta el 14 del séptimo mes.

Para conseguir el código de acceso QR es necesario registrarse en la plataforma correspondiente habilitada para ello, que ya se encuentra disponible, mientras que el pago solo está habilitado para el horario comprendido entre las 8.30 y las 16.00 horas.

La contribución se incluye únicamente en la zona llamada Ciudad Antigua en los días y horarios definidos. Al contrario, no se paga para quienes pasen por Piazzale Roma, Tronchetto o la Estación Marítima, sin acceder a la Ciudad Antigua y para quienes deben llegar al muelle de San Giobbe si pasan desde Piazzaleque. Asimismo, para este 2024 tampoco se cobrará el pago en los accesos a las islas más pequeñas, incluido el Lido de Venecia (Alberoni y Malamocco), Pellestrina, Murano, Burano, Torcello, Sant'Erasmo, Mazzorbo, Mazzorbetto, Vignole, S.Andrea, la Certosa, San Servolo, S. Clemente, Poveglia.

Entre las personas exentas del pago se encuentran los nacidos y residentes de Venecia, menores de 14 años y personal de policía y de las fuerzas armadas. Por su parte, los trabajadores, estudiantes y familiares no pagarán pero deberán pedir la exención.

El pasado enero, el Ayuntamiento de Venecia comunicó su decisión de reducir el número de personas de los grupos acompañados por guías turísticos a 25 miembros, es decir, la mitad de los pasajeros de un bus turístico, para la visita al centro histórico de la ciudad y a las islas de Murano, Burano y Torcello, según una nota de prensa.

Además, se prohibirá a los profesionales turísticos el uso de altavoces que puedan causar "confusión y molestias". También se sancionará la ocupación de calles estrechas, puentes o lugares de paso. Las medidas, que tendrán que pasar por el Ayuntamiento, una vez aprobadas entrarán en vigor el próximo día 1 de junio de 2024.

Un total de 283 personas han dado positivo a las pruebas de COVID-19 en Italia, siete han fallecido y una persona se ha curado, según ha señalado este martes el jefe del departamento de protección civil del país, Angelo Borrelli en una rueda de prensa en la que ha actualizado los datos de contagio que ya se extiende por siete regiones.

Los datos presentados han constatado que el contagio del virus se ha extendido a otras dos regiones (Toscana y Sicilia) además de la presencia ya relevada en Lombardía, Véneto, Emilia Romaña, Piamonte y Lazio y ha habido 54 personas infectadas más respecto al último parte.

En total, hay 212 casos positivos en Lombardia con un incremento de 40 personas infectadas y seis muertos; 38, en Véneto con 5 personas más infectadas y un muerto; 23, en Emilia Romaña, con cinco contagiados más; 3, en Piamonte y 3 en el Lazio.

La séptima víctima es un hombre de 62 años que estaba en diálisis porque padecía diversas patologías y dio positivo la semana pasada, según ha informado el diario local La Repubblica. De las siete muertes que se han producido en Italia, seis han tenido lugar en la región de Lombardía y una en Véneto.

"Nuestro servicio sanitario está a la altura de la situación y la respuesta que estamos dando es rápida y eficaz como ha afirmado la comisaria europea, Stella Kyriakides, con quien estoy en continuo contacto", ha destacado el ministro de Sanidad italiano, Roberto Speranza, en declaraciones a la prensa tras una reunión de la célula de crisis creada para afrontar el brote.

"He pedido a Walter Ricciardi, miembro italiano del comité ejecutivo de la OMS, que coordine nuestras relaciones con los organismos sanitarios internacionales. Debemos afrontar con un método coherente y basado en evidencias científicas un desafío que debe tener unido a todo el país", ha indicado.

El ministro de Sanidad italiano ha considerado "indispensable" que haya "un solo centro de coordinación para la gestión de la emergencia" que afronta Italia. "Así está funcionando, como demuestran las ordenanzas firmadas en la jornada de ayer. Las decisiones unilaterales para un solo territorio no sirven", ha advertido.

Medidas de contingencia

El primer ministro de Italia, Giuseppe Conte, anunció este sábado la adopción de un decreto legal para la contención de epidemias que restringirá la entrada y la salida en Véneto y Lombardo, tras una reunión mantenida con Borrelli.

Los eventos deportivos en las regiones de Lombardía y Véneto han sido cancelados, incluidos los tres partidos de fútbol de la Serie A, la primera categoría italiana, entre Inter-Sampdoria, Atalanta-Sassuolo y Verona-Cagliari. A partir de este lunes, todas las universidades de ambas regiones permanecerán cerradas durante una semana.

La Scala también se ha visto afectada por el coronavirus. En una breve nota, el insigne teatro milanés informa que "en relación con la evolución de la propagación del coronavirus, las actuaciones en el teatro se suspenden como medida de precaución a la espera de las disposiciones de las autoridades competentes".

Igualmente la catedral de Milán permanecerá cerrada a los turistas lunes y martes debido a la emergencia. La zona dedicada a la oración permanecerá abierta según la práctica habitual, pero las misas están suspendidas salvo la de las 20.00 horas que se retransmitirá en directo en Chiesa TV (Iglesia TV) y a través de Internet.

Asimismo, todas las localidades donde vivan más de 50.000 personas se han convertido en "zonas rojas", bajo cuarentena. Allí, "el acceso a servicios públicos esenciales y negocios para la compra de necesidades básicas está sujeto al uso de equipo de protección personal".

Además, a todos aquellas personas que hayan mantenido "contactos cercanos con casos confirmados" se les deberá aplicar la "medida de cuarentena con vigilancia activa", según el decreto.

Como nota adicional, los 274 migrantes desembarcados este domingo en Pozzallo (Sicilia) tras ser rescatados por Médicos sin Fronteras y SOS Mediterranée no han arrojado casos positivos pero serán sometidos a un cordón sanitario", según el alcalde de la ciudad de Ragusa, Roberto Ammatuna, "a través de una cuarentena de dos semanas".

Primer caso confirmado de coronavirus en el sur de Italia

Las autoridades de Italia han informado este martes el primer caso confirmado del brote del nuevo coronavirus en el sur del país, concretamente en la ciudad de Palermo, en la isla de Sicilia, ha informado la agencia de noticias Adnkronos.

 El presidente de la región de Sicilia, Nello Musumeci, ha confirmado que el primer caso registrado en la isla corresponde a una mujer que ha llegado desde Bérgamo en un viaje turístico.

"Tenemos un caso sospechoso que ha dado positivo por el resultado del examen de la muestra de la garganta. Se trata de una mujer de Bérgamo, que está en Sicilia con una comitiva turística y que llegó a Palermo al inicio de la emergencia en Lombardía", ha explicado.

El presidente de Sicilia ha dicho que se han activado los protocolos sanitarios previstos y que la persona contagiada ha sido puesta en cuarentena junto a su marido y que, tras el resultado positivo de la prueba, se ha ampliado la cuarentena al resto de personas que han tenido contacto con la pareja.

Suspendido el rodaje de Misión Imposible 7 en Italia por el coronavirus

Paramount Pictures ya ha puesto en marcha Misión Imposible 7 pero la producción tendrá que cambiar sus planes. Estaba previsto que el equipo rodara tres semanas en Venecia, Italia, algo que no será posible debido al brote de coronavirus.

El estudio emitió un comunicado en el que, atendiendo a las indicaciones de las autoridades venecianas para suspender las reuniones y eventos públicos. Italia tiene más de 200 casos confirmados de la enfermedad y siete personas fallecidas.

"Debido a una gran precaución por la seguridad y el bienestar de nuestro elenco y equipo, y los esfuerzos del gobierno veneciano local para suspender las reuniones públicas en respuesta a la amenaza del coronavirus, vamos a cambiar el plan de producción para nuestro rodaje de tres semanas en Venecia, la primera etapa programada de una producción extensa para Misión Imposible 7", dijo Paramount.

"Durante este paréntesis queremos tener en cuenta las preocupaciones del equipo y les estamos permitiendo regresar a casa hasta que comience la producción. Seguiremos la situación y trabajando junto a los funcionarios de salud y del gobierno a medida que evoluciona", añadió.

Cruise retomará el papel de Ethan Hunt en dos películas más de la saga de acción. Paramount ya ha puesto fecha de estreno para la séptima película: 23 de julio de 2021. La octava entrega se lanzará el 5 de agosto de 2022. Christopher McQuarrie dirigirá ambas películas, tras encargarse anteriormente de Nación secreta y Fallout.

Paramount también ha anunciado su decisión de retrasar el lanzamiento de Sonic, la película en ChinaSonic, la película debido al coronavirus. "Esperamos llevarla a la gran pantalla en China cuando sea apropiado", dijo la compañía en un comunicado en el que destaca que espera anunciar la nueva fecha de la lanzamiento, que estaba previsto para el viernes 28 de febrero, en breve.

El arquitecto Santiago Calatrava ha sido condenado por el Tribunal de Cuentas de Venecia, en apelación tras la absolución en primera instancia, a pagar 78.000 euros por "perjuicios fiscales" al aumentar los costes de la construcción del Puente de la Constitución sobre el Gran Canal de Venecia, informa Europa Press.

La sanción tiene en cuenta el coste final del puente —un total de 11,6 millones de euros frente a los 7 millones presupuestados— y considera que se produjo una "negligencia grave" en la estimación inicial de costes, según recoge Europa Press de medios italianos.

Entre estos sobre costes, se encuentran los que afectan al tamaño de algunas tuberías o al cálculo de los tiempos de desgaste de los escalones de vidrio. En este caso, estaba previsto que durasen al menos 20 años, pero desde su inauguración se tuvo que recurrir a "reemplazos y parches costosos" que aún continúan hoy.

La sentencia añade que la negligencia es "aún más grave y digna de ser estigmatizada porque proviene de un reconocido profesional de renombre mundial de muy alta competencia, con una larga y probada experiencia en la construcción de puentes".

Las regiones italianas de Lombardía y Véneto han votado este domingo de forma aplastante a favor de una mayor autonomía dentro del ámbito italiano, una votación no vinculante y legal impulsada para demandar un nuevo reparto fiscal a Roma.

Según los resultado preliminares, la votación se ha saldado con un 98 % a favor del "sí" en el Véneto y un 95 % favorable a esta opción en el caso de Lombardía, con una participación cercana al 60 % en ambos casos.

El gobernador del Véneto, Luca Zaia, ha subrayado que la provincia "está preparada para el diálogo con el Gobierno y para ser un laboratorio de autonomía", reclamando además el 90 % de los ingresos por impuestos.

Por su parte, el gobernador de Lombardía, Roberto Maroni, ha indicado que la votación abre la puerta a "la batalla del siglo", destacando también su disposición a dialogar con el Ejecutivo.

En este sentido, el vicesecretario para Asuntos Regionales de Italia, Gianclaudio Bressa, ha indicado que "el Gobierno está preparado para iniciar una negociación", tal y como ha recogido el diario local La Repubblica.

Tanto Lombardía como el Véneto -motores económicos transalpinos- están gobernadas por la Liga Norte, una organización otrora secesionista y con veleidades neofascistas que aspira con la consulta obtener una herramienta para sentarse a negociar con el Gobierno central.

Lombardía, con capital en Milán, supone el 20% del PIB italiano y el Véneto, con capital en Venecia, supone otro 10 % de la riqueza del país.

La Liga Norte se creó en la década de 1990 para reivindicar un estado independiente, Padania, que incluiría toda la franja norte de Italia, desde Lombardía al Véneto. La formación ya no defiende la independencia, pero argumenta que los impuestos que se recaudan en el norte son dilapidados por una ineficaz burocracia centralista.

Aunque los resultados de la consulta no sean vinculantes, la Constitución italiana permite a las regiones negociar con el Gobierno central en cualquier momento la descentralización de competencias.

Maroni defendió antes de la votación que una victoria del "sí" a una mayor autonomía le habilitaría para negociar con más medios en Roma. "Es evidente que cuanto mayor poder de negociación tenga, más dinero podré traer de vuelta a casa", argumentó. El objetivo es que la región gestione 27.000 millones de euros más de sus propios impuestos.

Sin embargo, los analistas no creen que Roma ceda gran cantidad de dinero a las regiones del norte, ya que ello supondría recortar la inversión en el sur, mucho menos boyante económicamente.

En cambio, historiadores como Giovanni Orsina, de la Universidad LUISS Guido Carli de Roma advierten de que un sí muy claro profundizaría la tradicional división norte-sur de Italia.sí "Si abres el melón de lo que pagan las regiones del norte, tendrá consecuencias en el sur de Italia", ha apuntado.

Una película no puede sostenerse sólo por ambiciones, un ambiente inquietante, buenas interpretaciones y algunos sustos. Hace falta una historia, algo que de coherencia a lo que ocurre en la pantalla. Darren Aronofosky no lo ha logrado con Mother!, el thriller de terror que este martes ha presentado en el concurso de la Mostra de Venecia, con la presencia de sus seductores protagonistas, Jennifer Lawrence y el español Javier Bardem. "Pesadilla", "Delirio" son algunas de las palabras que se repiten en sus primeras críticas.

Lo evidente es que Mother!, la historia de una pareja (Lawrence y Bardem) que vive aislada en el campo y cuya casa -en obras- recibe la visita de una extraña pareja (Ed Harris y Michelle Pfeiffer) y luego poco a poco de otros personajes inquietantes. El autor de Noé maneja con habilidad el estilo visual y el ritmo, pero exige demasiado al espectador, porque no siempre esas imágenes tienen mucho sentido. Parece cómo si se conformara con brindar una experiencia sensorial, provocar miedo (lo que sin duda logra), profundizando en los fantasmas de la mente, que -por personales- son siempre difíciles de escrutar.

"Claro que va a haber gente que no querrá este tipo de experiencia, y eso está bien", dijo Aronofsky a los periodistas. "He estado dejando claro que esto es una montaña rusa: vengan sólo si están preparados para dar un giro completo sobre sí mismos varias veces", agregó con ironía el cineasta estadounidense.

Los críticos han sido bastante menos benévolos, y muchos coinciden en que estamos ante una cinta vacía en sí misma, a la que le faltan cimientos y explicaciones, una explicación a la cascada de imágenes inquietantes que escupe la pantalla. El neoyorquino es amante de generar estas polémicas con algunas de sus películas más personales, como The Fountain. Sin duda, de Mother!, que enseguida llegará a Venecia, queda aún mucho por leer y escuchar.

La otra película en la carrera por el León de Oro, este martes, ha sido la japonesa El tercer asesinato, de Hirokazu Kore-eda,El tercer asesinatoHirokazu Kore-eda sobre un trabajador en una empresa alimentaria, que -tras ser despedido- asesina a sangre fría a su jefe, para después quemar su cuerpo. El otro protagonista de este thriller judicial es un abogado, que le aconseja se declare culpable para evitar la pena capital, pero que intentará desentrañar las circunstancias familiares que han llevado a este cruel desenlace, a lo largo del proceso judicial.

Compleja, como un puzzle cuya imagen final sólo se conocerá tras colocar todas sus piezas, El tercer asesinato tiene más sustancia que Mother!, pero coincide con ella en dejar un tanto perplejo al espectador, porque al final acaba sin el desenlace del proceso judicial, sin saber si realmente cometió el crimen y por qué, algo que lógicamente no genera demasiadas simpatías.

La fiscal general de Venezuela, Luisa Ortega Díaz, ha acusado al Gobierno de Nicolás Maduro de estar tomando "decisiones que no están de acuerdo con la ley" en una entrevista concedida al diario The Wall Street Journal.

La fiscal general, Luisa Ortega Díaz, ha asegurado que la Carta Magna, definida como "la Constitución de (el fallecido presidente Hugo) Chávez", es "inderrotable".

Horas antes, el presidente, Nicolás Maduro, entregó al Consejo Nacional Electoral (CNE) su hoja de ruta para convocar una asamblea constituyente ciudadana.

Esta hoja de ruta es una propuesta con la que el presidente busca derrotar el supuesto "golpe de Estado" con el que la oposición y sus aliados regionales pretenden, en su opinión, hacer caer su Gobierno.

Maduro ha entregado la notificación formal a la presidenta del CNE, Tibisay Lucena, quien ha leído los artículos de la Cara Magna sobre la Asamblea Constituyente --del 347 al 350-- para defender la legitimidad de dicha convocatoria.

También ha creado una comisión presidencial con la tarea de "elaborar una propuesta para las bases comiciales, territoriales y sectoriales, así como para los principales aspectos que servirán de fundamento a la conformación y funcionamiento de la asamblea constituyente, previa consulta a los más amplios sectores del país, garantizando el principio de participación directa".

El jefe de Estado solo ha detallado que la asamblea constituyente estará formada por 500 "ciudadanos" que "serán elegidos libremente a través del voto universal directo y secreto" en las próximas semanas. La mitad, 250, serán elegidos de entre sectores de marcado corte oficialista.

La oposición ha interpretado la apertura del proceso de la asamblea constituyente como una consumación del "autogolpe" y ha llamado a sus seguidores a continuar en las calles. La coalición opositora no ha dejado de manifestarse desde el 4 de abril por los fallos del TSJ que privaron al Parlamento de sus poderes y a los diputados de su inmunidad.

El director de la Mostra de Venecia, Alberto Barbera, se reservaba su mejor cohete para la traca final. Lleva por título Ang babaeng humayo (La mujer que dejó), la dirige el filipino Lav Díaz y ha seducido con sus casi cuatro horas de metraje a los críticos más sesudos del certamen italiano. Este drama sobre una mujer que acaba de salir de la cárcel tras tres décadas condenada por un delito que no cometió se enfrenta a una dura vida cotidiana y a la posibilidad de revancha. Casi tanto como la paciencia exigida por el serbo-bosnio Emir Kusturica para la otra cinta del día final en la competencia del Lido, Na mlijecnom putu (En la vía lactea), que con razón fue descartada por Cannes. Por otro lado, el debutante colombiano Juan Sebastián Mesa ha ganado el premio de la Semana de la Crítica.

Ang babaeng humayo puede hacer realidad el dicho bíblico de que los últimos serán los primeros. Este drama contemplativo, filmado en blanco y negro, como varias otras de las cintas vistas en esta 73 Mostra veneciana, nos aproxima (de la mano de una gran interpretación de Charo Santos-Concio) a Horacia, una exprofesora que se ve en la calle tras 30 años en prisión, para enfrentarse a un mundo, el de 1997, sacudido por la muerte en accidente de Lady Di y la de la madre Teresa de Calcuta, mientras en Filipinas se impone la miseria, la violencia y el miedo a los secuestros.

La realidad con la que se encuentra Horacia es muy distinta a la que dejó. Su marido ha muerto, su hija se ha ido a vivir a otra ciudad y de su otro hijo no se sabe nada. Entonces decide ir tras el hombre que provocó su falsa acusación, convertido ahora en cabeza de un poderoso clan.

El cineasta, ha dicho que le inspiró una obra no tan conocida del ruso León Tolstoi, Dios ve la verdad pero no la diceDios ve la verdad pero no la dice, que fue mero punto de partida, pues había olvidado gran parte de los detalles, quedándose con el tono y el concepto de que muchos de nosotros no entendemos la vida y lo que nos depara, que nos convertimos en víctimas de todo lo aleatorio que puede ser el destino.

Díaz logra en un in crescendo que se prolonga de principio a fin de su melodrama-río la empatía del público ante esta mujer sóla y maltratada por la existencia, inerme, que duda entre la el perdón o la venganza. Obviamente en casi cuatro horas le da tiempo a detallar la cotidianidad de los personajes, sin por ello aburrir. No es Ang babaeng humayo la película que llenará las salas más próximas a nuestra casa, pero sí de las que gana festivalesAng babaeng humayo, y bien podríamos ver al filipino, que este mismo año presentó en Berlín Hele Sa Hiwagang Hapis, también en blanco y negro y con ¡8 horas! de duración, ganando el Premio Alfred Bauer, este sábado en el escenario del Palazzo del Cinema sosteniendo un león alado.

Improbable será reencontrarnos en esa gala con Emir Kusturica, últimamente dedicado a los documentales y otros asuntos, quien regresa tras nueve años a la ficción con Na mlijecnom putu (En la vía lactea), que él mismo protagoniza junto a Monica Bellucci. Ni siquiera la siempre magnética presencia de la diva italiana justifica las dos horas de su film, en el que un lechero que ha mantenido en pie su negocio en medio de la guerra civil interétnica de la antigua Yugoslavia vive una historia de amor con una madura mujer italiana que le ha buscado una amiga y protectora.

Dispersa, grandilocuente, barroca hasta la extenuación y sin fuerza dramática, la nueva cinta del autor de clásicos del cine europeo como Papá está en viaje de negocios, El tiempo de los gitanos o Underground, fue al parecer presentada a Cannes, que no la seleccionó el pasado mayo, y ahora prueba suerte, sin lograrla, en el Lido.

El Festival se cierra este sábado con el decepcionante remake de Los siete magníficosLos siete magníficos a cargo de Antoine Fuqua, y además de Díaz entre las favoritas está la cinta inaugural, la musical La La Land, y dos obras de cineastas latinoamericanos, Jackie, del chileno Pablo Larraín, y El ciudadano ilustre, de los argentinos Gastón Duprat y Mariano Cohn.

Mientras, como suele ser habitual en casi todos los festivales, la víspera del palmarés oficial se conocen los de los apartados paralelos, y hay buenas noticias para el cine iberoamericano, ya que la colombiana "Los nadie", de Juan Sebastian Mesa, ha ganado el premio de la Semana de la Crítica, con el mérito añadido de que se trata de un galardón elegido no por un jurado sino por los propios espectadores de la sección.

Casi todo el pescado (el poco que debe quedar entre la laguna veneciana y las costas del Adriático) está vendido. A estas alturas sólo quedan las dos últimas películas a concurso, que se proyectarán este viernes, y sus dos predecesoras, las vistas el jueves, no han levantado pasiones. Italia, país anfitrión, se despide de la competencia con un drama de madurez, protagonizado por cuatro amigas adolescentes de viaje a Serbia, Questi Giorni, de Guiseppe Piccioni, no mejor que las dos otras mediocres obras vistas en días pasados, el documental Spira Mirabilis y la comedia (también de adolescentes) Piuma. Con él, compitió un mucho más reputado maestro, el ruso Andrei Konchalovsky (hermano de Nikita Mijalkov), que insiste en el tema del holocausto nazi con Paradise sin aportar novedades relevantes.Paradise

Konchalovsky, quien en la etapa final de la Unión Soviética decidió probar suerte en Hollywood con una etapa tan diversa en géneros como irregular en resultados, ha vuelto últimamente al cine de sus principios, en su país y con la colaboración de otros productores europeos. Su nuevo trabajo, pocos años después de El cartero de las noches blancas, premiada en Venecia, plantea una historia más en torno a la II Guerra Mundial, el exterminio y los nazis, desde una triple óptica, la de una exaristócrata rusa detenida por apoyar a la resistencia francesa, un policía colaboracionista que intenta sacar provecho de la ocupación, y un oficial de las SS, también de clase alta, idealista del nazismo, que se ha creído la idea del "paraíso" (de ahí el título) nacional-socialista, y tiene responsabilidad en un campo de exterminio.

La época la hemos visto retratada por muchísimas cámaras y en registros de lo más diversos. Hablar del holocausto probablemente siga siendo necesario. Lo difícil es alcanzar lo que por ejemplo logró el año pasado el húngaro László Nemes con la ganadora del Oscar El hijo de Saúl, aportar una mirada novedosa. Konchalovsky no lo logra. Al contrario, la suya es una narración autoral anticuada, cuya nota de originalidad se limita a poner a sus tres personajes a ratos ante la cámara a contar sus motivaciones a no se sabe quién, al estilo de los personajes de Modern Family. La fotografía es en blanco y negro, otra obviedad que ya hemos visto en esta misma competencia de la Mostra para decir al espectador que es un pasado y muy triste. En resumidas cuentas, Paradise es otro de los títulos prescindibles de la Mostra 2016.

Como el que le acompañó sin ir más lejos en esta jornada antepenúltima del certamen italiano, Questi Giorni. En una crisis creativa notable desde hace décadas incluso (salvo escasas excepciones) el cine italiano se esfuerza en llegar a su público, y el público, lo sabemos, son los adolescentes, así que hay que contar sus cuitas. En este caso son chicas, cuatro amigas que desde una ciudad de provincias van de viaje (es una road movie) hasta Belgrado, donde una de ellas tiene un trabajo y algún otro asunto pendiente. No hay tampoco nada novedoso en esta historia metafórica sobre el viaje de la infancia a la madurez. Las historias paralelas de sus personajes (las malas relaciones con los padres, el amor prohibido con un profesor...) nos resultan más que familiares en este tipo de películas. Tampoco la parte emocional es especialmente impactante. Lo dicho, prescindible, ésta y la otra.

Pablo Larraín y Terrence Malick, dos cineastas de visiones tan distantes que hasta casi podrían parecer a ratos antagónicas, han animado este inicio de la recta final de la Mostra de VeneciaMostra de Venecia, que se cerrará el sábado, elevando el nivel de la competencia. Sobre todo con el chileno habría que contar directa o indirectamente para el palmarés, en el que bien podría estar su estrella protagonista, Natalie Portman, quien es Jackie, la viuda de Kennedy, en su efímero laberinto de la Casa Blanca. Dicen que es el mejor papel de su vida. Esteta donde los haya, el texano Terrence Malick ha llegado a dónde quizás siempre quiso estar, el documental, con un Voyage of Time: Life's Journey que refuerza sus virtudes pero también desvela sus defectos.

Al igual que ha hecho en Neruda, con la que al menos en algunos países podría concidir en cartelera, Pablo Larraín no pretende hacer en Jackie una biopic al uso de la que fuera mujer del presidente J.F.K., sino el dibujo creativo de una personalidad y una época, los revolucionarios años 60, usando el lapiz de la interpretación de los hechos. El primer film en inglés del autor de No y El club es un semi-encargo. El guion por primera vez no es suyo, sino de Noah Oppenheim (El corredor del laberinto / The Maze), pero como coproductor, el chileno ha debido de contar con una amplio margen de maniobra y poder de decisión artística para que pueda hablarse con propiedad de un film de Pablo Larraín, que lleva su impronta.

Un elenco brillante, encabezado por Natalie Portman, un tanto desnortada en el pasado reciente, que en buenas manos aquí emerge como la gran actriz que puede ser. Un crítico de renombre ha dicho sin remilgos que el de Jackie Kennedy es el mejor papel de su vida, y no hay motivos para discrepar. Encontrarnos con ella de nuevo el sábado en el palmarés no sería una sorpresa. Puestos a elucubrar, haría una excelente pareja en las Copas Volpi (los premios de interpretación venecianos) con el argentino Oscar Martínez de El ciudadano ilustre.

Al lado de Portman, en la Casa Blanca nos encontramos con Peter Sarsgaard, Greta Gerwig, John Hurt y Billy Crudup, quienes interpretan a otros personajes reales de este relato sobre las entretelas de la transición entre el reinado onmipotente de los glamourosos Kennedys y el heredero vía Dallas, Lyndon B. Johnson. Pero todo en "Jackie", como el título indica, pivota sobre la figura de la viuda, esa mujer que enamoró a América abriendo la Casa Blanca a los medios, y recibió como pago la infidelidad de su marido, sin por ello ser realmente una víctima. El retrato de Oppenheim y Larraín es sutil, inteligente, efectivo y emocionante. Natalie Portman lo transmite con maestría.

Posiblemente oigamos más de esta película y sus profesionales implicados en los próximos meses, hasta la cita del Dolby Theatre de Los Angeles.

El desafío para el chileno Larraín era trabajar con Hollywood sin abandonar su esencia, y lo ha logrado. Ahora tendrá las puertas abiertas. Ojalá ello no signifique perderlo para el cine iberomericano como ha ocurrido con Cuarón, Iñarritu o Del Toro.

Por su parte, el esteta Terrence Malick, que para sus detractores siempre ha cuidado mucho más la forma que el fondo de sus películas, se mete de lleno en el origen del universo y la vida en Voyage of Time: Life's Journey, un encargo que ha tardado una década en hacer realidad, hasta que los financieros con los que tenía contrato lo demandaron hace tres años para que se pusiera a ello y lo terminara.

Estamos ante un ambicioso y a ratos realmente bello espectáculo visual, desde las galaxias al surgimiento de la vida, en el que el autor de El arbol de la vida / The Tree of Life combina imágenes reales con efectos visuales tradicionales y otros digitales. Su documental es esencialmente eso, un placer para la vista, aunque su más o menos mitigado sentido filosófico-religioso puede levantar ciertas susceptibilidades, y los insertos de algunas demostraciones del quehacer humano y su peligrosa aportación a la marcha de este mundo lo hagan cojear por momentos.

De hecho, Malick, que si está en Venecia, se mantiene oculto (ya sabemos que desde siempre ha sido refractorio a los focos, la prensa y hasta al público) ha hecho dos versiones. Una (posiblemente la mejor) de 45 minutos, que se estrenará en salas IMAX, narrada por Brad Pitt, y otra, de 90 minutos, la aquí vista, locutada por Cate Blanchett, con un texto divergente. Podríamos volver a la controversia de si documentales y películas de ficción deben enfrentarse por un premio, pero es una cuestión de gustos y aquí el que vale es el de los espectadores / críticos y el jurado. Los primeros están bastante divididos. De los segundos, no sabremos nada hasta el sábado.

Son siete ya los días de festival y el cansancio se deja notar. La cosa sería diferente con films más excitantes, pero no es el caso. Lo pretende, y mucho, el pastiche postmoderno de la británico-estadounidense de familia iraní Ana Lily Amirpour The Bad Batch, que es casi tan delirante como un discurso de Trump, pero al revés, y el melodrama francés de Stéphane Brizé Une vie, completamente diferente en todos los sentidos, tampoco ha sido capaz de generar simpatías.

La alusión a Donald Trump no es valadí porque seguramente algo habrá inspirado a la autora de Una chica vuelve a casa sola de noche, que levantó bastante polvareda en Sundance hace un par de años, el discurso xenófobo del republicano que quiere levantar un muro para impedir la llegada de inmigrantes. En su segundo largo, The Bad Batch, cocktail de géneros y referencias multiples, que van del espagueti-western a Mad Max, la protagonista, que no es precisamente hispana, sino la exmodelo británica Suki Waterhouse, heroína que pese a su aspecto muy anglosajón es enviada al desierto, fuera del muro que separa a los verdaderos estadounidenses de la gente de mal vivir y peor origen, en Texas.

Ese distópico mundo bastante familiar será donde su personaje se mueva con mucha resolución y alta capacidad de supervivencia, a pesar de estar dominado por todo tipo de individuos poco recomendables, empezando por un caníbal (Jason Momoa). Etica y esteticamente, estamos que nos quemamos con el universo de Mad Max, al que la pelicula intenta imitar.

Pero George Miller sólo hay uno. La cinta, a la que se ha apuntado con estusiasmo también Keanu Reeves y –en un cameo– el mismísimo Jim Carrey, naufraga por su falta de coherencia y de un guión consistente.

Si la descendiente de iranís se suelta la melena con su delirante historia que considera "romántica", el francés Brizé, hasta ahora bastante pegado a la realidad de su tiempo (su último film, La ley del mercado, que el año pasado le valió a Vincent Lindon el premio al mejor actor en Cannes, es el mejor ejemplo) se traslada al siglo XIX para adaptar la novelaUne vie, de Guy de Maupassant. Utilizando el formato televisivo de antes del HD y abusando de los primeros planos, el cineasta francés sigue la vida de Jeanne (Judith Chemla), hija de una familia burguesa de Normandía que al poco de salir de su estricta educación religiosa, siendo aún adolescente, se casa con Julien, descendiente de una familia noble caída en desgracia.

Al principio todo parece maravilloso. Él le hace conocer el amor real, pero al poco, cuando ella está esperando un bebé, se dibuja la verdadera personalidad de su marido, egoísta, violento y sobre todo dispuesto a acostarse con toda falda que se mueve. Aunque le llegará su castigo, a la protagonista las cosas le siguen yendo bastante más mal que bien, y a cada momento de esperanza le sucede una desgracia.

El estilo documental siempre le ha ido a Brizé, pero en este caso no es quizás el más recomendable para un melodrama decimonónico que requería algo más de implicación y pasión. Une vie no tiene suficiente emoción, y sin ella queda como un film bien interpretado y ambientado, pero no correctamente rodado ni disfrutable dramaticamente.

El cine de Amat Escalante, ya lo sabíamos, no deja indiferente a nadie. Siempre ha resultado impactante, y aún lo es más La región salvajeLa región salvaje, en la que –sólo en parte– abandona su habitual realismo para plantear una parábola en la que el sexo y la violencia vienen de este y de otro mundo. Al mexicano le ha tocado competir este lunes en la Mostra de Venecia con una comedia ligera italiana que hace honor a su título, Piuma (Pluma), de Roan Johnson, sobre una pareja de adolescentes que se enfrentar prematuramente a la paternidad.

¿Una película de ciencia ficción, con un monstruo cefalópodo extraterrestre, generado por computadora, capaz de producir placer y muerte a la vez? Así de entrada no diríamos que tiene demasiado que ver con la previa filmografía del mexicano nacido en España Amat Escalante, autor de crudos y realistas retratos como Heli o Los bastardos. Sin embargo, confeso amante del género de terror y fantasía, como su compatriota –y más coherente en este aspecto– Guillermo del Toro, el realizador se ha atrevido a dejar correr su imaginación sin por ello despegar demasiado los pies del suelo.

En La región salvaje, la desconocida joven Verónica (Simone Bucio) irrumpe sorpresivamente en la vida de una pareja que oculta sus propios secretos. La joven es "amante" de una criatura llegada en un meteorito de otro mundo, capaz de amplificar el deseo sexual de quienes la frecuentan, y brindar placer pero también resultar muy peligrosa. Todo ello sucede en una pequeña ciudad mexicana donde el clasismo, la homofobia y el abuso a las mujeres son el pan nuestro de cada día.

De esta manera, la atrevida propuesta del cineasta mexicano deviene una peculiar mezcla de géneros que resulta a ratos fascinante pero roza el naufragio en otras ocasiones. No apta para estómagos delicados y moralidades estrechas, La región salvaje marca la primera infidelidad de Escalante a Cannes, festival en cuyo pecho se crió, y en el que parecía lógico ver este film, finalmente estrenado mundialmente en Venecia antes de volar a Toronto.

No extrañaría que se convirtiera en un morboso artículo de culto, fruto de su atrevimiento y originalidad, y en este sentido tiene mucho más lógica su presencia en la competencia de la Mostra que la otra cinta del día, Piuma, de Roan Johnson, un intento de resucitar las viejas comedias costumbristas italianas de hace más de medio siglo, a partir de la historia de una joven pareja de compañeros de clase, en sus 18 primaveras, que esperan un bebé fruto de su amor. La película, con la que es difícil no simpatizar, carece de la profundidad o el riesgo que se supone a una selección festivalera, pero Alberto Barbera tiene gustos bastante particulares y como estamos viendo este año, profundamente contradictorios.

La historia la hemos visto muchas veces contada en otros sitios (Juno, por ejemplo, o en España, bastante antes, en la popular Adiós, cigüeña, adiós, de Manolo Summers), y Johnson aparte de filmar en largos planos secuencia y con mucha, mucha, palabra, no aporta nada especialmente original. Pero es divertida...

Una de las películas favoritas del poco discreto director del festival, Alberto Barbera, El cristo ciego, del chileno Christopher Murray, ha coincidido en la tercera jornada competitiva de la Mostra de Venecia con el regreso del diseñador de moda devenido cineasta Tom Ford, Nocturnal Animals, que ha complacido bastante más a las audiencias del Lido.

De "Pasoliniana" calificaba Barbera a El cristo ciego, segunda cinta del chileno Murray, un complejo drama social y místico que se desarrolla en el Chile menos desarrollado, lejos de Santiago y del siglo XXI. La historia protagonizada por Michael Silva (el único actor profesional del elenco) se centra en un mecánico del pueblo de La Tirana que, luego de una experiencia de su niñez, se reconoce a sí mismo como Cristo. A los 33 años, tras enterarse de que su inseparable amigo de infancia se encuentra en una situación difícil, abandona la casa que comparte con su padre para buscar a su compañero y practicar en él su primer milagro.

"Haber recibido esta invitación de un festival como Venecia -decía el joven cineasta a la prensa chilena- es algo que me hace sentir muy agradecido y emocionado. No porque sienta que los festivales validan las películas, sino que porque son espacio para compartir un trabajo que fue hecho por muchas personas, con mucho esfuerzo, uno sólo puede sentir gratitud al respecto. Apenas imaginé la noticia, recordé las semanas en el desierto, y es emocionante compartirlo en una tribuna así. Lo tomo con serenidad, con calma".

Su metafórica película, primera de las cuatro iberoamericanas en competir por el León de Oro, es una profunda reflexión sobre el Chile olvidado, que se refugia en la fe religiosa como quien en pleno naufragio se agarra al primer tronco flotante. La Pampa como océano seco y abandonado es el escenario donde la pausada acción se enriquece con historias reales que Murray extrajo del día a día de sus sufridos habitantes.

A modo de parábolas contadas por ese nuevo Cristo de dudosa fe, estas vivencias aportan credibilidad a un film que tendrá difícil, si nos fiamos de la no muy calurosa acogida, figurar en el palmarés final.

"Yo no soy una persona religiosa -ha dicho Murray-, pero sí me fascina el tema porque detrás de la religión hay condiciones humanas, realidades humanas. Siempre he tenido la pregunta de dónde surgen los mitos. Muchas veces uno se da cuenta de que lo que uno ha vivido surge de las carencias. A veces tienen que ver con problemáticas locales, malas políticas públicas. Soy un convencido de que las historias y los relatos son para dar sentido a realidades que no lo tienen. Esta película busca entender eso".

La mucho más cara y sofisticada cinta hollywoodiense de Tom Ford, revelado para el cine hace siete años aquí mismo, en el Lido, con el estilizado drama gay A Single Man, generó bastante más interés y aplausos a su paso por el festival italiano. El diseñador estadounidense, en este largo lapso de tiempo, ha madurado en muchos aspectos. Sin abandonar la estética, que como el valor en los militares, se le supone, adapta una novela de Austin Wright (el guión es del propio director), que critica con dureza la vacuidad de ese mundo que Ford conoce tan bien, el de las falsas apariencias, el lujo y la superficialidad.

Este thriller psicológico enfrenta a una rica y sofisticada propietaria de una galería de arte en Los Ángeles (Amy Adams, igual de brillante que en su otra película en la Mostra, La llegada), deprimida por un matrimonio infeliz, con su pasado, cuando un ex al que abandonó (Jake Gyllenhaal) le remite el texto de una novela que ha escrito y cuyos personajes le resultan trágicamente familiares.

Ford narra así, de manera paralela, la historia de Susan y Tony, de la realidad y la ficción, en un tono que oscila entre la provocación y el buen gusto, en un muy elaborado film que tiene tanto de hitchcockiano como de melodrama clásico, elegante y profundofilm. Aquí sí pensar en el palmarés no es para nada descabellado.

La segunda jornada competitiva de la 73 Mostra de Venecia trajo al Lido tres películas plenas de ambiciones, respaldadas por tres cineastas familiares al circuito festivalero, el alemán Wim Wenders, responsable de Los bellos días de Aranjuez; el canadiense Denis Villeneuve, con la ciencia ficción de autor La llegada, y el estadounidense Derek Cianfrance y su melodrama romántico en el fin del mundo The Light Between Oceans, tres películas diferentes que coincidieron en no provocar entusiasmos, a pesar de sus parciales aciertos.

El tema de la llegada de vecinos de otras galaxias no es nuevo para el cine, y resulta inevitable encontrar referencias que van desde Encuentros en la tercera fase a Independence Day, pasando por el 2001 de Kubrick, en el nuevo trabajo del ecléctico canadiense Denis Villeneuve, empeñado en no encasillarse en un género determinado, algo nada fácil para quien ahora trabaja en Hollywood.

Lo primero a anotar respecto de La llegada, que parte de un guión de Eric Heisserer basado en un relato de Ted Chiang, es que su director ha huído conscientemente de la espectacularidad, tanto estética como de contenido. Sus naves no son enormes platillos luminosos que se posan por encima de las capitales del mundo, sino una especie de negros balones de rugby partidos verticalmente por la mitad, ciertamente amenazantes pero mucho más sobrios.

La protagonista de la historia es una experta lingüista, la doctora Louise Banks (Amy Adams), que pasa por el calvario personal de una reciente pérdida irreparable, a la que acompaña el matemático Ian Donneley (Jeremy Renner), bajo la vigilancia no muy lejana –lógicamente– de los militares. Y es que el gran desafío y el corazón mismo de la historia no es hacer frente a estos visitantes inesperados, que no se muestran agresivos, sino llegar a entender a qué han venido, comunicarse con ellos, cuyo lenguaje nada tiene que ver con los nuestros.

De esta manera, La llegada es más una metáfora sobre la comunicación y la incomunicación que una cinta de ciencia-ficción que se contempla comiendo palomitas de maiz. Estamos ante una fantasía filosófica y existencialista que en distintos planos plantea una doble inutil incompresión, la de los humanos con los extraterrestres y las de los diferentes países de la Tierra entre sí.

El ya veterano Win Wenders vuelve a Venecia, un festival que en su día ganó pero al que no ha sido especialmente fiel sobre todo si lo comparamos con Cannes, para traer su primera cinta integramente filmada en Francia, en la lengua de Molière, pese al origen germánico de la historia, una obra del austríaco Peter Handke, fuente inspiradora de varios previos trabajos del autor de París, Texas.

En Los bellos días de Aranjuez, que no se desarrolla en esa ciudad histórica al sur de Madrid sino en una villa campestre en las proximidades de París (se rodó en una casa que perteneció a la gran Sarah Bernhardt), una pareja de mediana edad, hombre y mujer (Reda Kateb y Sophie Semin), dialogan bajo la lejana mirada de un escritor que intenta imaginar sus palabras. Todo lo filma Wenders en 3D, acompañado por el sonido del viento, en una luminosa jornada estival con el fondo de la música de Lou Reed, Peggy Presley y Nick Cave.

Los personajes hablan del pasado, desde la infancia hasta sus experiencias sexuales, en una reflexión compartida sobre las diferentes maneras de contemplar la vida entre hombres y mujeres, una guerra de sexos irremediable. Lastrada por su origen teatral, como la mayor parte de las adaptaciones de ese arte al cinematográfico, Los bellos días de Aranjuez exige mucho del espectador, tal vez demasiado, empezando por la paciencia. No es cine para el gran público, aunque contenga elementos que pueden resultar ocasionalmente fascinantes.

La tercera película de la jornada, La luz entre los océanos, de Derek Cianfrance, también tiene como protagonistas a un hombre y una mujer. Inspirada en los tiempos posteriores a la Primera Guerra Mundial, el guardián de un faro en la Costa Oeste de Australia y su mujer deciden criar un bebé que rescatan de un bote salvavidas que estaba a la deriva.

Esta adaptación de la novela de M.L. Stedman a cargo del propio Cianfrance nos sumerge en la confrontación entre la ilusión, el sueño y la aspiración comprensible a hacerlo realidad, y la propia dinámica de la vida, que acaba desbarantándolo todo. Tom Sherbourne (Michael Fassbender), callado pero cordial, arrastra traumas del pasado, de la guerra en la que luchó y de una oscura infancia. Su mujer, Isabel Graysmark (Alicia Vikander, pareja real de Fassbender) lidia con la amargura de no poder ser madre, hasta que se presenta la oportunidad que tantas veces había soñado, en la figura de un bebé superviviente de un naufragio.

Cianfrance, autor de Cruce de caminos y Blue Valantine, sigue su experimentación en torno a la pareja confrontada a las circunstancias y a sí misma. Acompañado por una bella fotografía en un paisaje de naturaleza, a veces bella y otras desaforada, y por la música de Alexandre Desplat, este melodrama romántico deja un cierto regusto amargo por su narración pausada y a ratos previsible, –en definitiva– por lo que pudo ser y no es.

El palmarés de la Mostra de Venecia 2015 ha sido una muy buena lección para el director del certamen, Alberto Barbera, quien en este su actual mandato del certamen italiano ha tardado cuatro años en programar películas iberoamericanas en el apartado oficial. Cuando por fin lo ha hecho, con dos títulos, éstos han ganado los dos premios más importantes, así de sencillo. Desde allá, opera prima del venezolano Lorenzo Vigas, coescrita con Guillermo Arriaga y coproducida por éste y su compatriota mexicano Michel Franco, ha conseguido el León de Oro, mientras el de Plata, Premio al Mejor Director, ha correspondido a Pablo Trapero, por la coproducción argentino-española El clan. En el segundo apartado en importancia, Orizzonti, la coproducción brasileño-uruguaya Boi neon, de Gabriel Mascaro, obtuvo por su parte el Premio Especial del Jurado.

Habrá quien quiera interpretar que la presidencia del jurado a cargo del mexicano Alfonso Cuarón ha podido ser determinante, pero sería una explicación tan discutible como indemostrable. El resto del grupo estaba conformado por importantes profesionales como Elizabeth Banks, Nuri Bilge Ceylan, Hou Hsiao-hsien, Diane Kruger, Pawel Pawlikowski, Francesco Munzi, Emmanuel Carrère, y Lynne Ramsey. Lo cierto es que -lo decíamos la víspera- el cine iberoamericano estuvo entre lo poco bueno de esta edición de la Mostra, tuvo muy buenas acogida y críticas, y merecía premios. La suerte ha dictado que hayan sido los dos más importantes.

Es especialmente meritorio el León de Oro para el venezolano Vigas con su primera película, protagonizada magistralmente por el chileno Alfredo Castro (El club), en el papel de un protésico dental caraqueño de tortuoso pasado que busca en las calles a chicos jóvenes con los que calmar –siempre en la distancia y sin contacto físico– sus íntimas pulsiones. Cuando un día contacta con el líder de una banda de delincuentes juveniles y le paga por acompañarle a su casa, la vida cambiará para ambos.

Por su parte, en la ya estrenada con enorme éxito en Argentina (dos millones largos de espectadores) El clan, Pablo Trapero disecciona la actividad criminal de los Puccio, una familia burguesa con negocios aparentemente normales... y uno secreto: secuestrar, conseguir rescates y asesinar a jóvenes hijos de familias ricas, a los que tienen ocultos en su propia casa. Guillermo Francella interpreta al patriarca Arquímedes Puccio y Peter Lanzani a su hijo primogénito.

El tercer galardón en importancia de esta 72 Mostra ha correspondido a una de las cintas más originales de la seleccion, la estadounidense Anomalisa, drama con muñecos animados fotograma a fotograma en torno a la soledad y el éxito profesional, inspirada por una antigua obra teatral exclusivamente sonora del popular guionista Charlie Kaufman (Adoration), que logró el Gran Premio del Jurado.

Los galardones interpretativos –Copas Volpi– fueron para europeos, el francés Fabrice Luchini, por el drama sentimental y judicial L'hermine (El armiño), de Christian Vincent, y la italiana Valeria Golino, por el melodrama sobre la maltratada mujer de un mafioso Per amor vostro (Por vuestro amor), de Giuseppe M. Gaudino, única recompensa para la mediocre presencia del país anfitrión en este festival.

Palmarés de la 72 Mostra de Cine de Venecia:

Mostra de Cine de Venecia

León de Oro, a la mejor película

Desde Allá

de Lorenzo Vigas (Venezuela, México)

León de Plata al mejor director

Pablo Trapero, por El Clan (Argentina-España)

Gran Premio del Jurado

Anomalisa, de Charlie Kaufman y Duke Johnson (EEUU)

Copa Volpi al mejor actor

Fabrice Luchini, por L'Hermine (El armiño), de Christian Vincent (Francia)

Copa Volpi a la mejor actriz

Valeria Golino, por Per amor vostro, de Giuseppe M. Gaudino (Italia)

Premio Marcello Mastroianni a un joven ínterprete

Abraham Attah, por Beats of no nation, de Cary Fukunaga (EEUU)

Premio al mejor guión

Christian Vincent, por L'Hermine (Francia)

León del Futuro - Premio a la mejor opera prima Luigi de Laurentiis

The childhood of a leader, de Brady Corbett (G.Bretaña / Hungría)

Premio Especial del Jurado

Abluka (Locura), de Emin Alper (Turquía)

Premio Orizzonti (al mejor film de la sección del mismo nombre)

Free in deed, de Jake Mahaffi (EEUU-Nueva Zelanda)

Premio Orizzonti al mejor director

Brady Corbet, por The childhood of a leader (G.Bretaña / Hungría)

Premio Especial del Jurado de Orizzonti

Boi Neon, de Gabriel Mascaro (Brasil-Uruguay)

Premio Orizzonti a la mejor interpretación

Dominique Leborne, por Templete, de Samuel Collardey (Francia)

© E.E.-NOTICINE.com

La Mostra de Venecia enfila su gran canal hacia el palmarés, añadiendo este martes tres títulos inclasificables, entre el realismo y la imaginación más desbordada, con el guionista (y aquí codirector) Charlie Kaufman como más rompedor protagonista. Su "Anomalisa", en la que trabajó juto al animador de muñecos en stop-motion Duke Johnson ha superado al díptico del veterano italiano Marco Bellocchio "Sangue del mio sangue", y al pesimista drama turco "Abluka", de Emin Alper.

Tras el fracaso de su opera prima como director, "Synecdoche, New York" (2008), el popular e impredecible guionista Charlie Kaufman (¡Olvídate de mí! / Eterno resplandor de una mente sin recuerdos / Eternal Sunshine of the Spotless Mind", "Adaptation / El ladrón de orquídeas"...) aceptó la propuesta del animador Duke Johnson para convertir en película una obra suya puramente "oral" (era declamada por actores sin interpretar a los personajes). Los últimos trabajos de Kaufman no han dado dinero y en consecuencia no es el cineasta más popular de Hollywood, así que tuvieron que recurrir al crowdfunding para recaudar el escaso presupuesto de esta peculiar cinta melancólica a cuyos muñecos pusieron voz David Thewlis, Jennifer Jason Leigh, y Tom Noonan, antes intérpretes en Los Angeles de la versión teatral.

El principal protagonista es un escritor de populares libros sobre atención al cliente (Thewlis), que de viaje a Cincinati para dar una conferencia intenta salir del hastío llamando a una antigua conocida para no dormir solo, pero acaba conociendo a una lectora de sus obras que le va a cambiar la vida, cuando la intuye como distinta a todos los demás. Es sin duda original la propuesta de Kaufman y Johnson, refrescante y atrevida (incluidas escenas explicitas de sexo... entre muñecos). "Anomalisa", vista unas horas antes en el estadounidense festival de Telluride, puede dar nuevas opciones al inclasificable guionista, que hace poco no tuvo suerte con el piloto de una serie, "How and Why", que el canal FX desestimó.

El tan veterano como irregular Marco Bellocchio cuenta dos historias en una, cuyo principal elemento en común es el escenario, y poco más, de ahí la inicial inquietud. La primera se desarrolla en la Edad Media, cuando un joven oficial es requerido por su madre para que intervenga en el proceso contra una monja que sedujo a su hermano gemelo, sacerdote, desviándole del camino de la fe. Como es de suponer por los encantos de la joven él mismo corre el riesgo de sucumbir a las tentaciones, aunque al final logra que el proceso por brujería contra ella, siga adelante con una condena a ser emparedada. Años más tarde, el ahora cardenal volverá a visitarla en el antiguo convento de Bobbio, ahora prisión.

En la segunda historia, que se desarrolla en el momento presente, un agente fiscal acompaña a un millonario ruso a visitar ese mismo edificio cargado de historia, que se ha puesto a la venta. El inconveniente es que en su interior, en sus profundas mazmorras, hay un peculiar "okupa", un vampiro. Bellocchio no tiene muy claro qué quiere contarnos y por qué junta estas dos historias, y el paso por la competencia de "Sangue del mio sangue" se ha saldado con un breve y minoritario aplauso de compromiso.

Finalmente, la voz crítica del turco Emin Alper se dejó oir en "Abluka" (Locura), una gris, lenta y depresiva historia sobre dos hermanos que se reencuentran, convertidos ambos en servidores del sistema autoritario y represor. Kadir ha pasado casi dos décadas en prisión y es excarcelado con el compromiso de convertirse en informante policial para delatar a opositores. Por su parte, su hermano menor Ahmet, abandonado por su mujer, sobrevive exterminando a tiros a perros abandonados. Alper, conocido por la más sólida "Tepenin ardi / Beyond the Hill", se vuelve errático, agrega una parte onírica a esta desazonadora crónica de la oscura realidad, y llena inutilmente dos horas de metraje con este nada optimista retrato de la sociedad y el régimen turcos.

Comienza la Mostra veneciana su segunda semana con dos nuevos títulos que se incorporan a la carrera por el León de Oro, la surafricana The Endless River, de Oliver Hermanus y la israelí Rabin, the Last Day, de Amos Gitai, dramas sobre un mundo convulso y descarrilado por todas sus esquinas. Considerando sus acogidas no deberían significar premios, pero ya sabemos que los jurados fallan.

Francia es el gran estudio de Europa, con unos productores omnipresentes en buena parte del continente y del mundo. Este lunes, por ejemplo, las dos películas eran coproducciones con Francia, pese a tener directores de Suráfrica e Israel. En el primer caso, además, metieron a un actor (al que le costaba expresarse en inglés) y personaje para justificar la inversión. Aunque ello no deje de ser un capricho dramático difícil de tragar: un francés instalado como granjero en Suráfrica. Hablamos de The Endless River, mezcla de thriller y melodrama existencialista sobre dos almas perdidas que podrían tener mucho en común, a pesar de sus diferentes orígenes, pero tampoco llegan juntas a ninguna parte. Y ello porque para empezar Oliver Hermanus parece brindarnos la primera parte de un díptico o trilogía o serie, ya que el abrupto final no resuelve convincentemente nada, y el espectador queda con ganas de que le aclaren demasiadas cosas... o le den más.

Por un lado, tenemos a una mujer (Crystal-Dawn Roberts), con una madre posesiva y omnipresente, y un marido que acaba de salir de la cárcel de purgar una pena menor, pero que vuelve a juntarse con amistades peligrosas. Trabaja la chica, que es negra, en un restaurante de gasolinera en una remota zona rural de Suráfrica. Él se llama Gilles (Nicolas Duvauchelle) y es un francés instalado en una granja con su mujer y sus dos hijos, hasta que aparece un grupo de hombres que abusan de ella y matan a los tres. La película es confusa a ratos y ha interesado menos que las dos conocidas anteriores experiencias de Hermanus, Beauty y Shirley Adams. Demasiados cabos sueltos y una desorientación que incluso parece buscada desde los títulos de crédito, que nos remiten a los clásicos de hace más de medio siglo.

Por su parte, Amos Gitai sigue su muy diversa búsqueda de las raíces, la realidad y las soluciones del problema de Israel en la tierra que ocupó el siglo pasado con los antiguos propietarios palestinos. Esta vez, el prolífico cineasta, que ha vivido muchos años en Europa, se acerca con voluntad documental a uno de los hechos que más influyeron en la prolongación en bucle del enfrentamiento palestino-israelí por Gaza, el asesinato del que fuera primer ministro Ytzhak Rabin en pleno proceso de paz, un crimen político espoleado desde los sectores más integristas del sionismo.

Rabin, the Last Day se acerca al hecho en sí del atentado mortal con Gitai como responsable de la autopsia, diseccionando detalles, en busca de un informe final que compartir con el espectador. No duda en usar escenas reconstruidas con otras reales grabadas por las cámaras de los informativos, aunque ambas son bastante reconocibles de manera que –como no hizo en su momento Oliver Stone– podamos distinguir lo verdadero de su reconstrucción. Y lo hace sin ceder a criterios comerciales, sobre todo fuera de su país, donde se supone que el tema pudiera no interesar tanto. Porque su película dura más de dos horas y media, demasiado probablemente para una historia que sabemos cómo acaba y a la que el israelí no aporta nada novedoso.

Es lunes, y al iniciar su segunda y última semana de proyecciones, la 71 Mostra de Venecia ha decidido tomarse un respiro –aunque sólo en la competición–, programando un único título, local, en la carrera por el León de Oro. La biopic del poeta romántico italiano Giacomo Leopardi, Il giovane favoloso (El joven fabuloso), de Mario Martone, ha compartido la atención del día con la actriz estadounidense Frances McDormand, a la que se le ha rendido tributo con la proyección fuera de concurso de una miniserie por ella protagonizada, Olive Kitteridge, de Lisa Cholodenko.

No muy conocido fuera del país transalpino, Giacomo Leopardi, uno de los poetas más importantes del período romántico, prematuramente fallecido tras una vida de débil salud y penurias de todo tipo, a pesar de su noble linaje, y famoso por su tono melancólico y profundamente pesimista, ofrecía serías dificultades como protagonista de una biopic. Sin embargo, Martone, con la ayuda de su coguionista y esposa Ippolita Di Majo, ha logrado interesar al público de la Mostra, en buena parte italiano y más familiarizado que el resto con la personalidad del escritor, hasta conseguir su aplauso.

Elio Germano tiene buena parte del mérito por su medida interpretación de este hombre contrahecho, víctima de diferentes enfermedades que le acompañaron en sus 38 años de vida, desde su nacimiento en la noble casa familiar de Recanati, en la misma costa Adriática donde se encuentra Venecia, hasta su fallecimiento en Nápoles. Su erudición, su sentido trágico de la vida y sus amores imposibles, podrían haber dado lugar a una película oscura, espesa y difícil de ver, pero Martone y Di Majo han conseguido revestirlo de una humanidad e ironía capaz de seducir al espectador.

Preguntado por las posibilidades de que un autor poco conocido fuera sea capaz de atraer a públicos foráneos, Martone ha dicho: "No es necesario conocer la obra de Leopardi para seguir la historia del viaje de este hombre, una historia de emancipación, huída, y de ruptura de todas las jaulas en las que la vida misma nos coloca". El autor de Noi credevamo y L'odore del sangue explica que su fuente inspiradora han sido sobre todo "Los escritos de Leopardi y la totalidad de su correspondencia. El interés no estaba en la anécdota: la vida de Leopardi está volcada en su escritura, en sus versos. No hay una sóla línea que no sea autobiográfica. Abordar la vida de Leopardi significa mostrar a un hombre libre de pensamiento, irónico y socialmente comprometido, un rebelde, que no sólo vivió angustiado y triste porque estaba enfermo".