Cuando el Kodak Theatre aplaudió el pasado domingo el Oscar a la mejor película extranjera para El viajante, de Asghar FarhadiEl viajante, el cineasta no estaba allí para recogerlo. Anousheh Ansari, ingeniera iraní y primera turista espacial, leyó sus palabras: "Mi decisión viene del respeto a la gente de mi país y a la del resto de los otros seis países a los que falta al respeto la ley inhumana que prohibe la entrada de inmigrantes a los Estados Unidos". Esta decisión, previamente anunciada, había llamado la atención sobre su filme —la historia de una pareja cuya cotidianidad se ve rota por un acto anónimo de violencia—, que finalmente se impuso a la alemana Toni Erdmann.

Con este segundo Oscar, después del de Nader y Simin. Una separación en 2012,Farhadi entraba en el club de directores extranjeros en ganar más de una estatuilla, integrado por otros cinco artistas entre los que se cuentan Fellini o Bergman. La pretensión del presidente Donald Trump de eliminar al otro de la cultura y la vida estadounidense no ha hecho sino iluminarlo. Con la victoria de El viajante (desde el viernes en los cines españoles) pierde tanto el gobierno autoritario de Teherán como la racista y xenófoba administración Trump. Y con El viajante gana también la empatía. De nuevo, palabras de Farhadi leídas en su ausencia el domingo: "Los cineastas pueden hacer que sus cámaras capturen las cualidades humanas comunes y romper estereotipos sobre las distintas nacionalidades y religiones. Crean empatía entre nosotros y ellos,nosotrosellos una empatía que necesitamos más que nunca".

La misma empatía que proclama en su filme y que falta a varios de sus personajes. Como en las anteriores películas del director iraní, Nader y Simin. Una separación (que también ganó el Oscar en 2012) o El pasado, la sutileza y ambigüedad de su filmografía hacen difícil delimitar sus temas centrales, no ya deducir una tesis central. Pero ahí están, como siempre, la relación entre la tradición perpetuada artificialmente por el régimen y la modernidad que traen las jóvenes clases medias, así como la hipocresía de la moral biempensante. Y también, con un peso específico en este largometraje, la opresión de la mujer y su soledad en un mundo gobernado por hombres. 

Vayamos al argumento: Emad y Rana son una pareja de jóvenes que trabaja "en la cultura" —o al menos así se presentan, aunque él se gane la vida como profesor y ella sea ama de casa— y forman parte de una compañía de teatro semiprofesional metida en la producción de Muerte de un viajanteMuerte de un viajante. Esa obra de ficción será el misterioso background de la trama —el espectador quiere encontrar el paralelismo entre ambos, sin mucho éxito—, y su clase social les hace ser parte de una minoría que se considera moralmente superior al resto de la población, aunque se esfuerce en no demostrarlo... y que quizás finalmente no lo sea. El filme comienza con un secuencia enervante: el agradable hogar que han construido Emad y Rana se resquebraja por las excavaciones en un solar cercano. La pareja tiene que salir de casa a toda prisa, y un compañero de elenco les encuentra un piso. Allí vivía, se nos dice, una mujer "que recibía muchas visitas". Una noche, Rana abre el portero automático creyendo que quien llama es su marido... pero no lo es. Emad la encuentra en urgencias, donde es atendida tras el ataque. El hogar, ciertamente, se resquebraja. 

La policía no aparece en el hospital, nadie la llama. "No quiero explicarlo delante de todo el mundo", dice Rana. Tampoco lo harán más tarde. Una vecina señala que en un juicio le preguntarían por qué abrió la puerta, "y todo el mundo contaría historias". Otro vecino aprueba su decisión de dejarlo pasar: "Hacen bien, no serviría de nada". Tampoco a parecen en el filme jueces, ni abogados —sí lo hacían, y mucho, en Una separación—, ni cualquier otra representación de un Estado protector... o negligente. Recordemos que las obras de Farhadi deben pasar la censura para ser emitidas en su país, donde goza de mucha popularidad. El cineasta ha comparado varias veces a el arte y la censura con "el agua en la superficie de una piedra": "Cuando pones un obstáculo como una roca en la trayectoria del agua, el agua encuentra una manera de rodearlo". La autoridad ni siquiera se muestra en el largometraje, pero esa ausencia es muy reveladora. Tanto de la propia autoridad como de la sociedad timorata y represiva que esta crea. 

Sí se nombre, sin embargo, la censura, utilizando el mecanismo metaficcional del teatro. Farhadi nos muestra los ensayos de una escena de Muerte de un viajante en la que la amante de Willy Loman (o la prostituta a la que pagará con unas medias nuevas). "No puedo salir desnuda [a la calle]", entona la actriz que la interpreta. El intérprete que encarna a Biff, hijo de Willy, estalla en risas. "¡Si está vestida!". Efectivamente, la actriz luce una gabardina, cuello alto y sombrero. La censura —la obra tiene "tres puntos dudosos", según el director— es con frecuencia ridícula. Pero Biff se ríe también de la actitud de la actriz-prostituta, como un niño pequeño delante de una imagen que considera bochornosa o sorprendente. El espectador se pregunta cómo viviría la antigua inquilina, aquella de la que los vecinos dicen que llevaba "una vida salvaje", a la que todos querían fuera del edificio y con la que no eran, se intuye, tan amables como con Emad y Rana. Sus pertenencias siguen en la casa. Todavía se ven los dibujos que su niño hizo en la pared.  

Rana se encuentra débil, le aterra quedarse sola en esa casa en la que fue asaltada y rechaza, a la vez, la cercanía de su marido. Trata de evitar que la gente sepa lo que le ha ocurrido e intenta seguir adelante, pero estalla en sollozos en mitad de la obra. Ni siquiera se atreve a entrar sola en el baño en el que fue atacada y llega a hacer que su marido la acompañe a ducharse el antiguo piso, siempre a punto de derrumbarse. ¿Pero fue atacada? Farhadi no lo aclara, y las hipótesis van desde que se cayó del susto a que fue violada. Lo que sí se percibe es el dolor de ella y la incomprensión de él, que no entiende ni su negativa a denunciar ni su incapacidad de olvidar el suceso. La figura de Rana y su dolor se difumina cuando Emad entra en una espiral de sospechas y deseos de venganza que le lleva a tomar la justicia por su cuenta en una trasnochada empresa para restituir el honor de su mujer... y, sobre todo, el suyo propio. 

La identidad del atacante articula gran parte del filme, que en momentos de verdadera tensión se transforma en una especie de thriller realistathriller. Pero es, en realidad, un pretexto. Farhadi utiliza el asalto para poner a sus personajes a prueba. ¿Cómo actúa el hombre joven, caballeroso y culto? ¿Y la mujer, repentinamente despojada de su identidad y convertida en víctima? ¿Cómo se imagina al espectador al asaltante, cuáles pueden ser sus motivaciones? ¿Cuál es la responsabilidad de la sociedad en un suceso que parece especialmente íntimo? Y, ya que nos ponemos, ¿qué es lo que resquebraja verdaderamente el hogar de Emad y Rana? "Esta ciudad está tan mal hecha que habría que tirarla y hacerla de nuevo", dice él en un momento dado. Una frase que puede aplicarse a la pareja, pero también a la sociedad entera. 

Sobre todo esto flota la sombra de La muerte de un viajante, mientras el espectador trata desesperadamente de establecer un paralelismo entre sus protagonistas, Willy y Linda, y los de la película. Pero la empatía es capaz de redirigir la mirada más allá de uno mismo: ¿y si los verdaderos protagonistas fueran esos otrosotros cuya vida y cuyas razones ni siquiera estamos dispuestos a contemplar?

El histórico errorpor la que pasará a la historia la gala de los Oscar 2017 no fue la única polémica de la noche. Mientras todo el mundo hablaba de la victoria de Moonlight tras proclamar primero a La La Land como mejor película, en Irán celebraban la inesperada victoria de Asghar Farhadi en la categoría de mejor película de habla no inglesa por El viajante. 

Aunque la favorita hasta hace algo más de un mes era la alemana Toni Erdmann, el director iraní —que en 2011 ya se alzó con este mismo galardón por Nader y Simin, una separación— se hizo con la estatuilla. Sin embargo, el cineasta no estaba en el patio de butacas del Teatro Dolby en señal de protesta por las medidas antimigratorias del presidente Donald Trump. Irán es uno de los afectados por la retirada de los visados a siete países de mayoría musulmana.

Sin embargo, la polémica con este galardón se producía en una televisión iraní. En el momento en el que subían al escenario Charlize Theron y Shirley McLaine, encargadas de entregar el Oscar a mejor película de hablar no inglesa, la Agencia de Noticias del Trabajo Iraní (ILNA) decidía tapar el escote y los brazos de la ganadora del Oscar por Monster.

Esta televisión iraní cubrió primero con unas sombras negras el escote y los brazos de Charlize Theron. A posteriori, ya pasaron a pixelar toda la parte superior del torso y el vestido dorado de la actriz. 

En declaraciones a The New York Times, Masih Alinejad, de Women in the World y una de las voces que luchan contra las leyes que obligan a llevar el hijab en Irán, explicó cómo la emisora estatal llega a estos extremos tan "absurdos" para mantener el cuerpo de la mujer cubierto. "Se trata de la República Islámica de Irán, lo que obliga a niñas a partir de los siete años a cubrirse", explicó en este medio y añadió que "mientras que muchos de nosotros estamos expresando nuestra oposición a la prohibición musulmana de Trump, también tenemos que ser más fuertes y claros sobre nuestra condena a la República Islámica de Irán por su prohibición a las mujeres de no poder entrar en Irán sin hiyab".

Charlize Theron y Shirley McLaine

La película protagonizada por Ryan Gosling y Emma Stone partía como favorita en esta categoría –después de recoger, además, 6 premios de los 14 a los que optaba, incluyendo mejor dirección–, pero la sorpresa fue doble. No solo resultó ganadora una película independiente, de solo 1,5 millones de dólares de presupuesto, sino que lo hizo en medio de un caos histórico que ensombreció el resto de la 89ª edición de los Oscar, conducida por Jimmy Kimmel. Por encima de las no muy abundantes críticas a Trump e incluso de la victoria de los artistas afroamericanos, que por primera vez copaban seis nominaciones en las categorías de interpretación, queda un final inédito, rocambolesco y algo bochornoso.

Fue Beatty, protagonista junto a Dunaway de la legendaria Bonnie and Clyde, el encargado de explicar el error. Al parecer, en la tarjeta que le habían entregado se leía "Emma Stone, por La La Land"La La Land. En las redes sociales comenzaron de inmediato a circular imágenes en las que se leía claramente, en el dorso del sobre, "Actriz protagonista". La confusión podría haber venido de que los sobres que contienen el nombre de los ganadores están duplicados, y un notario los va entregando a cada lado del escenario. Así, a Beatty le habría sido entregado, erróneamente y por segunda vez, el sobre correspondiente a la categoría que acababa de ganar Emma Stone por su participación en el musical de Chazelle.

La La Land, que había hecho historia con sus nominaciones a 14 candidaturas, tantas como Titanic y Eva al desnudo, y que acababa de coronar a su director como el cineasta más joven en alcanzar el Oscar, con solo 32 años, terminaba la noche con un sabor amargo en los labios. Dulcísimo, sin embargo, para Barry Jenkins, el director de Moonlight, que subía al escenario, en mitad del alboroto organizativo y la estupefacción de los asistentes, con un optimista: "Ni en mis mejores sueños podría haber sido real. Pero al infierno los sueños. Es real".

Ningún corredor de apuestas habría considerado caballo ganador al filme de Jenkins, ambientado en el suburbio de Miami del que proceden tanto el director como el dramaturgo Tarrel Alvin McCraney, autor de la obra de teatro original, y que cuenta la historia de un chicho afroamericano y homosexual a lo largo de tres instantes de su vida. Ambos autores habían recogido ya el Oscar a mejor guión adaptado, y el intérprete Mahershala Ali, que da vida a un paternal traficante de drogas, había ganado el galardón a mejor actor de reparto. La La Land, por su parte, se llevó seis galardones. La La LandCuatro de ellos eran una apuesta segura: el de mejor director, actriz protagonista, mejor banda sonora y mejor canción original por el tema City of Stars. A ellos se sumaron mejor fotografía para Linus Sandgren y mejor diseño de producción para David Wasco y Sandy Reynolds-Wasco.

Stone, gran favorita, se impuso a Isabelle Huppert (Elle), Ruth Negga (Loving), Natalie Portman (Jackie) y Meryl Streep (Florence Foster Jenkins). También lo hizo Casey Affleck, que se alzó con el premio al mejor actor protagonista por su trabajo en el drama Manchester frente al marvenciendo a Andrew Garfield (Hasta el último hombre), Ryan Gosling (La La Land), Viggo Mortensen (Captain Fantastic) y Denzel Washington (Fences). Affleck era el favorito en esta candidatura pese al escándalo que ha acompañado la promoción del filme: cuando comenzó a sonar su nombre como candidato al Oscar saltó a los medios que hace siete años fue acusado por dos compañeras de acoso sexual, denuncias que finalmente se saldaron con un acuerdo económico. Fueron acusaciones similares las que hundieron la carrera al Oscar de Nate Parker –llamado a ser en su debut una de las nuevas figuras del cine afroamericano– por El nacimiento de una nación, pero en este caso no han parecido tener consecuencias.

No hubo sorpresa tampoco en cuanto a los secundarios. La favorita Viola Davis se llevó el premio a la mejor actriz de reparto por su trabajo en Fences –ya había ganado el Tony por el mismo papel cuando lo interpretaba en Broadway–, y Mahershala Ali se llevó el premio homónimo por Moonlight. "Somos la única profesión que celebra la vida", afirmó entre lágrimas Davis en un afectado discurso en el que dedicó el premio al autor de Fences, el ya fallecido dramaturgo August Wilson, y a su capitán Denzel Washington. No fueron pocos los espectadores que señalaron, a través de redes sociales, cómo las categorías protagonistas premiaban a actores blancos y las secundarias, a actores negros.

El premio al mejor guión original fue para Kenneth Lonergan por el libreto de Manchester frente al mar, y el resto de galardones se repartieron en una gala excepcionalmente diversa. Hasta el último hombre, dirigida por Mel Gibson, se hizo con dos estatuillas (montaje y mezcla de sonido); Arrival se llevó edición de sonido; El libro de la selva se hizo con efectos especiales; Animales fantásticos y dónde encontrarlos, con vestuario; y Escuadrón suicida, con maquillaje y peluquería.

El Oscar a la mejor película de habla no inglesa dio otro sobresalto. No fue para la alemana Toni Erdmann, favorita hasta hace algo más de un mes, sino para El viajante, del iraní Asghar FarhadiEl viajante —que en 2011 ya se alzó con este mismo galardón por Nader y Simin, una separación—, pero el cineasta no acudió a la gala en señal de protesta por las medidas antimigratorias del presidente Donald Trump. Su país es uno de los afectados por la retirada de los visados a siete países de mayoría musulmana. El Oscar a la mejor película de animación fue para Zootrópolis de Disney, y el premio al mejor documental fue para la miniserie de ocho capítulos --el galardón suele ir a parar a un filme de formato convencional-- O.J. Made in América. La única baza española, Timecode, corto nominado al mejor cortometraje de ficción se quedó sin premio frente al húngaro Mindenki (Canta).

Después de una temporada de premios cinematográficos muy acalorada, con el emblema de Meryl Streep hablando contra la victoria de Trump en los Globos de Oro, se esperaba que los Oscar fueran un fortín de reivindicaciones. Aunque sí hubo referencias abiertas o soterradas al nuevo presidente –"¿Recordáis el año pasado, cuando parecía que los Oscar eran racistas?", soltó el presentador en su discurso inaugural–, la principal reivindicación política estuvo en los ganadores. Davis y Ali, en las categorías de interpretación, representaban a los actores negros largamente ignorados. La aparición en escena de Katherine Johnson, una de las mujeres afroamericanas que participaron en la carrera espacial y que son homenajeadas en Figuras ocultas, fue uno de los momentos más emotivos de la noche. Por último, tanto Alessando Bertolazzi, el italiano ganador del Oscar a mejor maquillaje por Escuadrón suicida, que dedicó el premio a "todos los inmigrantes", como la ausencia de Farhadi, señalaron a uno de los colectivos más atacados de los Estados Unidos en la actualidad.

Fue Davis quien unió más claramente en su discurso la política y el arte, recordando que el trabajo de un actor es "contar las historias de la gente que tuvo grandes sueños y que nunca vio esos sueños dar fruto". Con la inesperada elección de Moonlight como ganadora del Oscar a mejor película, Hollywood les rendía homenaje.

Cientos de millones de personas en 225 países. Es la audiencia estimada de la gala de los Premios Oscar, según la propia Academia de Hollywood, que desempolva ya la alfombra roja para la celebración que tendrá lugar en la madrugada del domingo al lunes. Esto convierte el show en uno de los mayores eventos televisados del mundo, además de una demostración de fuerza de la industria cultural más potente del planeta. Es un momento de celebración del cine estadounidense, pero también una construcción del canon en vivo y en directo: los Oscar deciden qué es relevante y qué no, qué merece reconocimiento y qué queda al margen. Este año es de nuevo todo eso, pero lo es por primera vez en la era Trump. Una presidencia que ha puesto en estado de alerta a buena parte de Estados Unidos (y del mundo), y que parece demandar una respuesta de la —liberal— industria del cine. La tensa relación entre los artistas y la administración del 45º presidente parece presagiar una ceremonia incluso más política que cinematográfica. 

El discurso de la actriz Meryl Streep en la ceremonia de los Globos de Oro, donde recogía el premio Cecil B. DeMille a toda su carrera, sienta las bases del tono de la noche. Entonces, la intérprete recordó que Hollywood es "un montón de gente de otros sitios", desde Amy Adams hasta Dev Patel pasando por Natalie Portman o Ruth Negga. Y también encontró tiempo para atacar al presidente y su burla de un periodista con discapacidad: "Cuando los poderosos usan su posición para acosar a otros, todos perdemos". Por último, recordaba a sus compañeros "el privilegio y la responsabilidad" de su trabajo, que incluye los discursos de agradecimiento. El actor Lin-Manuel Miranda, creador del musical Hamilton y nominado a mejor canción por su trabajo en Vaiana, hizo su apuesta hace unos días: "Es un momento político, así que me imagino que los Oscar van a ser exactamente como nuestros muros de Twitter o Facebook. ¿Por qué deberíamos ignorar durante tres horas lo que comentamos 24 horas al día?". 

La clara oposición a Trump de la industria cinematográfica —y, en general, de la cultura: el presidente tuvo problemas para encontrar a músicos que tocaran en su ceremonia de nombramiento— ha antagonizado a parte del electorado. El empresario dijo no sentirse "sorprendido" por el discurso de Streep en enero, a quien situó entre la "gente liberal del cine" y a quien acusó de ser una actriz "sobrevalorada". Las referencias más bien displicentes que la intérprete hizo entonces al fútbol y a las artes marciales le valieron la acusación de "elitista" por parte sobre todo de los defensores de Trump. El resultado es que el 69% de los votantes de Trump muestran rechazo ante los discursos de aceptación que tocan temas políticos, el 42% de ellos considera los discursos en general como la sección que menos disfrutan de los premios y el 44% de ellos los considera "demasiado políticos", según una encuesta de The Hollywood Reporter. 

El encargado de lidiar con una ceremonia peliaguda es el presentador de televisión Jimmy Kimmel, que tiene su propio late-night en la cadena ABC. A preguntas de The New York Times sobre cómo afrontaba el carácter político de la gala y si consideraba que había un punto en que los discursos políticos resultan "demasiado", respondió: "Definitivamente, hay un punto en que ya son demasiado. También hay un punto en que son demasiado poco. Encontrar un equilibrio es, para mí, lo más difícil cuando se trata de televisión". También aseguró que "el 50%" de los monólogos en su programa son sobre Trump porque es "de lo que está hablando la gente". Habrá que esperar al domingo para saber si es también de lo que están hablando los creadores de Hollywood. 

Una cuestión de raza

Pero la presidencia de Trump no es el único tema manifiestamente político de la noche. El racismo, el machismo y la migración —ya sea de refugiados sirios o empleados mexicanos— son otros asuntos pendientes de Hollywood, y por tanto de su gran noche. Aunque, indudablemente, el hecho de que el presidente sea abiertamente misógino, esté apoyado por supremacistas blancos y tenga una política de inmigración xenófoba aumenta la inquietud por esos temas. 

La acusación de #OscarsSoWhite (literalmente, #OscarTanBlancos) por parte de varios artistas afroamericanos, que desde 2014 critican con fuerza la infrarrepresentación de su comunidad en los premios de la Academia, parece haber tenido respuesta en esta edición. Han sido seis los actores negros nominados —Denzel Washington y Viola Davis por Fences, Mahershala Ali y Naomie Harris por Moonlight, Ruth Negga por Lovingy Octavia Spencer por Figuras ocultas—, un récord. No es el único. 

Bradford Young ha sido, además, el primer afroamericano nominado a mejor fotografía por La llegada —el británico Remi Adefarasin fue la primera persona negra nominada, con Elizabeth en 1988—; y Joi McMillon, la primera mujer negra en optar a la categoría de mejor montaje por Moonlight —Hugh A. Robertson fue el primer hombre, en 1969, con Cowboy de medianoche—. Barry Jenkins ha pasado a formar parte de la cortísima nómina de candidatos a mejor dirección, tras Steve McQueen, Lee Daniels y John Singleton —ninguno se llevó la estatuilla—. En mejor película hay tres productores negros nominados (otro récord); y en la categoría documental hay cinco personas negras nominadas, como directoras o productoras, por cuatro largometrajes (otro más). En guion, son tres los autores negros candidatos (y otro). 

El problema es que es probable que la gran cantidad de nominaciones no redunden en las ansiadas estatuillas. La película favorita del año es el musical La La Land, en la que casi todos los personajes y los principales creadores son blancos, aunque Figuras ocultas, que ha logrado hacer más taquilla —145,4 millones de dólares, 10 más—, le sigue de cerca. Las quinielas de unos y otros medios indican que el largometraje de Damien Chazelle, que cuenta con 14 nominaciones, va con ventaja en las categorías de mejor película, dirección y actriz protagonista —aunque Emma Stone podría vérselas con Natalie Portman e Isabelle Huppert—, además de mejor banda sonora, canción y vestuario, como mínimo. Es probable que Denzel Washington tenga que ver a Casey Affleck recoger la estatuilla por la blanquísima Manchester frente al mar, aunque es más probable aún que su compañera de reparto, Viola Davis, recoja la suya por Fences. Harris, Negga y Spencer tienen pocas opciones en sus categorías, pero Mahershala Ali es el favorito en la suya. Si no, podría llevarse la estatuilla a mejor actor de reparto Dev Patel, británico de origen indio y otro rostro del Hollywood diverso. 

La Academia ha aceptado abrirse a la comunidad artística afroamericana, en parte porque las historias creadas y protagonizadas por artistas negros han parecido multiplicarse. Pero, ¿qué imagen daría si aceptara nominarlos, pero no premiarlos? Será una de las preguntas que Hollywood tendrá que responder el lunes. 

Mujeres y migrantes contra Trump

Cuando el feminismo acaba de mostrase como uno de los movimientos sociales más activo de los Estados Unidos gracias a la Marcha de las Mujeres del pasado enero, la Academia sigue teniendo una cuenta pendiente con las mujeres. Dejando de lado las categorías interpretativas —que son obligatoriamente paritarias—, las creadoras solo suponen el 20% de los nominados, dos puntos menos que el año pasado, según el estudio del Women's Media Center. Es el séptimo año consecutivo en el que no hay mujeres cineastas compitiendo por la mejor dirección —la última fue Kathryn Bigelow por En tierra hostil, que se convirtió en la primera cineasta premiada—, solo hay una mujer nominada en las categorías de guion —que es doble y por lo tanto incluye a ocho contendientes—, y la sección de fotografía sigue estando totalmente masculinizada. En sus 89 años de historia, ninguna mujer ha sido nominada. 

El discurso de Streep durante los Globos de Oro señalaba los orígenes diversos del star system que forma Hollywood. Con la crisis de los refugiados en Europa y el proceso político estadounidense, que ha versado en gran medida sobre la xenofobia del finalmente ganador, la migración se ha abierto un hueco en los premios de la Academia. La mitad de los documentales, en corto o largo formato, tratan este tema, desde la ruta recorrida por los migrantes en Fuego en el mar, de Gianfranco Rosi, hasta los cortos The white helmets y Watani: My homelandThe white helmetsWatani: My homeland, que reflejan la guerra siria tanto dentro como fuera de las fronteras del país.

La prohibición de entrada al país a los originarios de siete países musulmanes firmada por Trump ha hecho incluso que cambien las favoritas a la mejor película. La iraní El viajante, de Asghar FarhadiEl viajante, director de Nader y Simin. Una separación, recorta distancias con la alemana Toni Erdmann. Como si se tratara de ejemplificar las consecuencias de la medida del Gobierno republicano, Farhadi no podrá acudir a la entrega de premios. Su país es uno de los siete afectados. 

Si el actor Hugh Laurie decía en los Globos de Oro que la prensa extranjera de Hollywood formaba parte de las tres categorías más odiadas por Trump —prensa, extranjeros, Hollywood—, unos Oscar tomados por discursos sobre la raza, la migración, el género y la crítica a un Gobierno risible y feroz pueden convertirse en una pesadilla para el presidente. Que así sea. 

Hollywood parece haber decidido que La La Land, el largometraje de Damien Chazelle en el que Ryan Gosling y Emma Stone interpretan a dos tortolitos que deben elegir entre el amor y el éxito, es la película del año. Ha igualado las 14 nominaciones a los Oscar logradas por Titanic y tiene todas las papeletas para ganar la estatuilla a mejor filme. Justo detrás de ella en las apuestas está Moonlight, dirigida por Barry Jenkins y única —aunque improbable— competidora del musical: ganó el Globo de Oro a mejor película dramática (La La Land lo hizo en la de comedia) y también el galardón entregado por los críticos cinematográficos de Los Ángeles. La lucha desigual de las dos películas es particularmente reveladora. Si La La Land es una apuesta por la evasión y la magia del cine —aunque también un relato ambiguo sobre la ambición—, Moonlight (este viernes en los cines españoles) es un relato comprometido en los márgenes del imaginario de Hollywood. 

Moonlight sigue a Chiron, un niño afroamericano nacido en un barrio pobre de Miami, a lo largo de tres momentos de su vida. Pero esa descripción aséptica no roza si quiera el núcleo de un trabajo que es, para gran parte de la crítica, la película estadounidense del año. La adaptación de una obra teatral del dramaturgo Tarell Alvin McCraney llamada A la luz de la luna los chicos negros son azules habla, por supuesto, de raza. Pero también, porque ocurre en las calles degradadas de Liberty City, de pobreza y drogas. Y, porque Chiron tendrá que enfrentarse a su homosexualidad, de homofobia y violencia. Esos elementos hacen del filme un testimonio social muy poderoso. Pero la delicadeza del texto original, el buen hacer de la dirección y la fotografía alegre y cruda de James Laxton la convierten también en una narración sutil sobre la masculinidad —y la masculinidad afroamericana—, el peso de la intimidad, las máscaras que se adoptan por supervivencia y la búsqueda de la propia identidad. 

La ciudad de Los Ángeles retratada por Damien Chazelle y la de Miami capturada por Jenkins comparten una cosa: las palmeras. En la primera, cimbrean suavemente por encima de las pool parties en las que ilustres desconocidos buscan desesperadamente convertirse en estrellas. En la segunda, suavizan los rasgos angulosos de un barrio ya pobre en sus inicios que fue arrasado luego por una pésima política urbanística, las revueltas provocadas por la brutalidad policial y la epidemia de crack de los ochenta. La primera está protagonizada por un grupo de jóvenes apuestos de clase media cuya dificultad para llegar a fin de mes es un divertido rasgo de personaje y que son mayoritariamente blancos —hay músicos de jazz negros, afortunadamente, pero siempre en segundo plano—. El elenco de Moonlight está compuesto íntegramente de actores negros —todavía una rareza para Hollywood— que dan vida a personas para las que la pobreza está muy lejos de ser bohemia y que se enfrentan cada día con la posibilidad real de la cárcel y la muerte.

Cuando se comparan ambos filmes nos asalta la inquietante sensación de que las palmeras de Liberty City podrían ser un reverso tenebroso de las de Hollywood Boulevard. Que para que cierta clase media pueda soñar con el glamour y el éxito ese mismo sueño tiene que ser prohibido a muchos otros. Así lo defiende el escritor y periodista afroamericano Ta-Nehisi Coates en Entre el mundo y yo, un libro sobre la raza en Estados Unidos escrito en forma carta a su hijo adolescente. En él que habla de un país perdido en "el Sueño", un sueño dirigido exclusivamente a la gente blanca y que reside en "casas perfectas con bonitas vallas blancas". Un sueño "conjurado por los historiadores" y fortificado por Hollywood. Los personajes de La La Land viven el Sueño, los de Moonlight lo sufren. 

Que La La Land y Moonlight son dos caras del mismo Hollywood se ve también en los detalles de la producción. ​​​Sabiendo que ninguna de las dos está entre las películas estadounidenses más caras del año, hay una diferencia sustancial de presupuesto: Chazelle ha contado con 30 millones de dólares (y recogido 268 millones) y Jenkins con 5 (y recaudado 20). Esto se debe, en parte, a que el primero arrastra el éxito —y los tres Oscar— de su anterior filme, Whiplash, mientras que el anterior largometraje de Jenkins, su opera prima Medicine for melancholy, solo tuvo eco en los Independent Spirit Awards. La La Land tiene como protagonistas a un actor que lleva siendo una estrella desde su entrada en el Mickey Mouse Club en 1993 y una actriz que a sus 29 años acumula dos nominaciones a los Oscar, tres a los Globos de Oro y dos películas con Woody Allen. Dos de los tres actores que interpretan a Chiron en Moonlight —los niños Alex Hibbert y Ashton Sanders— graban aquí su primer filme, y el tercero, Trevante Rhodes, acumula apenas un par de papeles. 

Las trayectorias de sus creadores son también completamente opuestas. Chazelle es hijo de dos profesores universitarios (su padre, en Princeton) y estudió en Princeton High School y en Harvard. Tanto Jenkins como McCraney crecieron en Liberty City, las madres de ambos les tuvieron siendo adolescentes, consumían crack y contrajeron el VIHcrack y  —la del dramaturgo murió cuando él tenía 23 años—, y ellos fueron criados por un amplio grupo de tutores que se iban sucediendo en el tiempo. El cineasta estudió en una universidad pública. El dramaturgo consiguió graduarse en Yale, donde acaba de ser contratado para dirigir la cátedra de teatro. 

La fuerza de La La Land está, sin duda, en la maestría de su construcción como producto de entretenimiento, no en la originalidad de la propuesta. Pero son, precisamente, su autorreferencialidad buscada y sus guiños continuos al cine clásico los que le acercan a los Oscar. Son varios los críticos que han señalado que los filmes que hablan de Hollywood, como Birdman, The Artist o Fargo, están más cerca de las estatuillas doradas. La élite de la industria tiende a votarse a sí misma. La mayor parte de los académicos puede identificarse con la lucha por el triunfo de Gosling y Stone, al tiempo que el público mayoritario puede encontrar un espejo en la diatriba entre el amor y la carrera en un mundo laboral que dificulta cada vez más la relación entre vida y trabajo. Pero ese espacio común para gran parte de los espectadores se puede convertir también en una experiencia alienante para muchos otros, expulsados continuamente de los discursos en favor de una universalidad que no es tal. 

El caso de Moonlight es completamente opuesto. Su realismo lírico no sigue los clichés cinematográficos, sino que los contradice y desafía. Chiron no es un pequeño delincuente, aunque acabe en un centro de menores. Juan, el traficante de drogas que acabará siendo su figura paterna, no tiene ninguna intención de ofrecerle un puesto en el negocio, y sí de enseñarle a nadar y alimentarle. Es también quien le dice que "maricón" es una palabra con la que se ataca a los homosexuales y quien le hace saber desde bien pequeño que no habría nada malo en el caso de que él fuera gay. Cuando Chiron acaba convirtiéndose en una versión más del matón que vende droga, luce una funda dental de oro y teme por su vida, hay en sus ojos un brillo que humaniza a todos los otros matones. O, más bien, que recuerda —como dice A. J. Scott, crítico de cine del New Yok Times— "que nunca han sido otra cosa más que humanos". 

Es cierto que el largometraje de Jenkins refleja una realidad muy concreta, con una geografía muy precisa incluso y a priori ajena no solo a los académicos, sino también a la mayor parte de los espectadores. Hay que citar ahora a A. J. Scott: "Insistir en que las historias de los pobres, de los oprimidos o de los grupos marginales por cualquier otro motivo son realmente sobre cualquier persona es negar su especificidad. (...) [Jenkins] no generaliza. Empatiza. Cada momento está imbuido con lo que el poeta Hart Crane llama 'infinita consanguineidad', ese misterioso lazo que nos une a todos y que solo una imaginación artística atenta y sensible puede hacer visible". 

La La Land, con su renuncia a la realidad, y Moonlight, con su aproximación a ella por otros caminos, son reversos del mismo arte y de la misma industria. Los Oscar, que se celebran en la madrugada del 26 de febrero, tendrán que elegir una de las dos caras. 

La actriz iraní Taraneh Alidoosti, una de las protagonistas de la película El viajante, nominada al Oscar, ha anunciado que no acudirá a la ceremonia en protesta por la propuesta del presidente estadounidense, Donald Trump, de no entregar visados a ciudadanos que procedan de Irán, entre otros países, ha informado Europa Press.

"La prohibición de visados de Trump a iraníes y otras personas es una decisión racista e inaceptable", ha indicado a través de su cuenta en la red social Instagram.

"Incluya o no un evento cultural, no acudiré a la gala de los Oscar 2017 en protestaOscar 2017", ha agregado en su mensaje, publicado con pequeñas modificaciones también a través de Twitter.

Trump baraja prohibir la entrega de visados y entrada de inmigrantes procedentes de países que "patrocinen el terrorismo", como Irak, Irán, Siria, Yemen, Sudán, Somalia o Libia.

La película, nominada al premio a la Mejor película de habla no inglesa, está dirigida por Ashgar Farhadi -ganador del Oscar en esta misma categoría en 2011 por Nader y Simín, una separación-.

El viajante, que ha ganado ya dos premios en el Festival de Cannes 2016, es una coproducción entre Irán y Francia basada en la obra de teatro Muerte de un viajante, de Arthur Miller.

La La Landreina en unos Oscar que han dejado de ser completamente blancos. Con 14 nominaciones, el musical de Damien Chazelle se confirma como favorito para la 89ª ceremonia de entrega de los Premios Oscar, cuyas nominaciones ha dado a conocer la Academia de Hollywood a las dos de la tarde del martes, hora española. Pese a que este largometraje sobre el show businnes protagonizado por Ryan Gosling y Emma Stone está lejos de representar la diversidad, los académicos han reconocido también películas protagonizadas por actores negros y que reflejan la vida y la historia de los afroamericanos, como Moonlight —gran competidora de La La Land—, Fences o Figuras ocultas. Las dudas sobre si los Oscar siguen siendo tan blancos como criticaban creadores y activistas se resolverán en la noche del 26 al 27 de febrero.

La La Land compite en todas las grandes categorías e iguala el récord de nominaciones que tenían Eva al desnudo, que acabó haciéndose con seis Oscar de catorce en 1959, y Titanic, que en 1997 se hizo con 11 premios. La llegada, el acercamiento de Denis Villeneuve a la ciencia-ficción, opta a nueve estatuillas y es especialmente fuerte en las categorías técnicas. Moonlight, destacada entre las películas del año en Estados Unidos, cuenta con ocho nominaciones, incluyendo mejor película, dirección, guion adaptado y actriz y actor de reparto. Tanto Manchester frente al mar —drama sobre el duelo y la memoria— y Lion —el viaje de un chico adoptado que busca sus orígenes— cuentan con seis candidaturas.

Otras cuatro cintas compiten por el premio a mejor película: Hasta el último hombre, una historia de heroísmo militar en la II Guerra Mundial; Comanchería, western de ladrones moderno; Fences, la vida de un hombre negro en los cincuenta;y Figuras ocultas, que cuenta la participación de mujeres norteamericanas en la carrera espacial. Las normas de la Academia permiten que haya entre cinco y diez nominadas en la principal categoría, dependiendo del reparto de papeletas de los votantes. El año pasado fueron ocho, y en 2017 una más. 

El éxito de Moonlight, Fences, Figuras ocultas y, en menor medida, Loving, ha hecho que esta edición acumule más nominados no blancos que nunca. Está el cineasta Barry Jenkins, nominado por Moonlight tanto a mejor dirección como mejor guion —junto al dramaturgo también afroamericano Tarell Alvin McCraney, responsable de la historia—, está Denzel Washington como mejor actor por Fences y la recién llegada Ruth Negga como mejor actriz por Loving. En las categorías de intérpretes de reparto el cambio es aún más evidente, con la irrupción de Mahershala Ali (Moonlight), Dev Patel (Lion), Viola Davis (Fences), Naomie Harris (Moonlight) y Octavia Spencer (Figuras ocultas). Con una temporada cargada de películas de creadores afroamericanos que además han triunfado en taquilla, la Academia no tenía excusas para no reflejarlo en sus galardones. Otra cosa es que finalmente las premie. 

El anuncio de las nominaciones ha dejado alguna otra sorpresa. Amy Adams, protagonista de La llegada, no ha estado entre las candidatas al Oscar a mejor actriz, pese a ser una de las favoritas, y en su lugar ha entrado en la cuenta Ruth Negga, nacida en Etiopía de madre irlandesa y padre etíope, primeriza en los fastos de Hollywood pese a su participación en series como Misfits y Agents of S.H.I.E.L.D. Entre los candidatos a mejor dirección sí se encontraba Mel Gibson, ignorado por la Academia durante años por sus declaraciones antisemitas, racistas y homófobas. Compite con Denis Villeneuve (La llegada), Kenneth Lonergan (Manchester frente al mar), Chazelle y Jenkins. En esta edición tampoco hay mujeres nominadas a mejor dirección. La guionista Allison Schroeder es la única candidata en esas categorías por su trabajo en Figuras ocultas. 

Lion se estrena en España el 27 de enero; Moonlight, el 10 de febrero; Manchester frente al mar, el 3 de febrero; Fences, el 24 de febrero. La 89ª ceremonia de entrega de los Premios Oscar se celebrará la noche del 26 al 27 de febrero en el Dolby Theatre de Los Ángeles. El presentador y humorista Jimmy Kimmel, que debuta como maestro de ceremonias, será el encargado de conducir la gala que en España emitirá en directo Movistar+.

Mejor película

La llegadaFencesHasta el último hombreComancheríaFiguras ocultasLa La LandLionManchester frente al marMoonlight

Mejor dirección

Denis Villeneuve por La llegada

Kenneth Lonergan por Manchester frente al mar

Mel Gibson por Hasta el último hombre

Damien Chazelle por La La Land

Barry Jenkins de Moonlight

Mejor actor protagonista

Casey Affleck por Manchester frente al mar

Ryan Gosling por La La Land

Andrew Garfield por Hacksaw Ridge

Viggo mortensen por Captain Fantastic 

Denzel Washington por Fences

Mejor actriz protagonista

Isabelle Huppert por Elle

Ruth Negga por Loving

Natalie Portman por Jackie

Emma Stone por La La Land

Meryl Streep por Florence Foster Jenkins

Mejor actor de reparto

Mahershala Ali por Moonlight

Jeff Bridges por Comanchería

Dev Patel por Lion

Michael Shannon por Animales Nocturnos

Lucas Hedges por Manchester frente al mar

Mejor actriz de reparto

Michelle Williams por Manchester frente al mar

Viola Davis por Fences

Nicole Kidman por Lion

Naomie Harris por Moonlight

Octavia Spencer por Figuras ocultas

Mejor guion adaptado

Eric Heisserer por La llegada

Luke Davies por Lion

Barry Jenkins y Tarell Alvin McCraney por Moonlight

August Wilson por Fences

Allison Schroeder y Theodore Melfi por Figuras ocultas

Mejor guion original

Damien Chazelle por La La Land

Kenneth Lonergan por Manchester frente al mar

Yorgos Lanthimos y Efthimis Filippou por Langosta

Taylor Sheridan por Comanchería

Mike Mills por 20th Century Women

Mejor fotografía

Bradford Young por La llegada

Linus Sandgren por La La Land

Greig Fraser por Lion

James Laxton por Moonlight

Rodrigo Prieto por Silencio

Mejor diseño de vestuario

Joanna Johnston por Aliados

Colleen Atwood por Animales fantásticos y dónde encontrarlos

Consolata Boyle por Florence Foster Jenkins

Madeline Fontaine por Jackie

Mary Zophres por La La Land

Mejor montaje

Joe Walker por La llegada

John Gilbert por Hasta el último hombre

Jake Roberts por Comanchería

Tom Cross por La La Land

Nat Sanders y Joi McMillon por Moonlight

Mejor maquillaje y peluquería

Eva von Bahr y Love Larson por A man called Ove

Joel Harlow y Richard Alonzo por Star Trek: Más allá

Alesandro Bertolazzi, Giorgio Gregorini y Christopher Nelson por Escuadrón suicida

Mejor banda sonora

Mica Levi por Jackie

Justin Hurwitz por La La Land

Dustin O'Halloran y Hauschka por Lion

Nicholas Britell por Moonlight

Thomas Newman por Passengers

Mejor canción

"Audition (the fools who dream)", de La La Land

"City of Stars", de La La Land

"Can't stop the feeling", de Trolls

"The empty chair", de Jim

"How far I'll go", de Vaiana

Mejor diseño de producción

Patrice Vermette y Paul Hotte por La llegada

Stuart Craig y Anna Pinnock por Animales fantásticos y dónde encontrarlos

Jess Gonchor y Nancy Haigh por ¡Ave, César!

David Wasco y Sandy Reynolds-Wasco por La La Land

Guy Hendrix Dyas y Gene Serdena por Passengers

Mejor edición de sonido

Sylvain Bellemare por La llegada

Wylie Stateman y Renée Tondelli por Deepwater Horizon

Robert Mackenzie y Andy Wright por Hasta el último hombre

Ai-Ling Lee y Mildred Iatrou Morgan por La La Land

Alan Robert Murray y Bub Asman por Sully

Mejor mezcla de sonido

Greg P. Russell, Gary Summers, Jeffrey J. Haboush y Mac Ruth por 13 horas: Los soldados secretos de Bengasi

Bernard Gariépy Strobl y Claude La Haye por La llegada

David Parker, Christopher Scarabosio y Stuart Wilson por Rogue One

Andy Nelson, Ai-Ling Lee y Steve A. Morrow por La La Land

Efectos especiales

Craig Hammack, Jason Snell, Jason Billington y Burt Dalton por Deepwater Horizon

Stephane Ceretti, Richard Bluff, Vincent Cirelli y Paul Corbould por Doctor Strange

Robert Legato, Adam Valdez, Andrew R. Jones y Dan Lemmon por El libro de la selva

Steve Emerson, Oliver Jones, Brian McLean y Brad Schiff por Kubo y las dos cuerdas mágicas

John Knoll, Mohen Leo, Hal Hickel y Neil Corbould por Rogue One

Mejor película de habla no inglesa

Toni Erdmann (Alemania)

Land of Mine (Dinamarca)

Tanna (Australia)

A man called Ove (Suecia)

The salesman (Irán)

Mejor película de animación

Kubo y las dos cuerdas mágicasVaianaLa vida de CalabacínLa tortuga rojaZootrópolis

Mejor documental

Fuego en el marI am not your negroLife, animatedO.J.: Made in America13th

Mejor corto de ficción

Ennemis intérieursLa femme et le TGVSilent nightsSingTimecode

Mejor corto documental

Joe's violionThe white helmetsWatani: My homelandExtremis4.1 Miles

Mejor corto de animación

Pear cider and cigarrettesPearlBorrowed timePiperBlind Vaysha

El cortometraje español Timecode, de Juanjo Giménez, ha sido nominado en la 89 edición de los Oscar de Hollywood, según ha anunciado este martes 24 de enero la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Estados Unidos.

A esta categoría también aspiraba Graffiti, de Lluís Quilez. En la categoría de mejor película de habla no inglesa, en cambio, este año no figura ninguna película española y tampoco ninguna cinta en español.

Estos galardones se entregarán el próximo 26 de febrero en el Dolby Theatre de Los Ángeles.

Juanjo Giménez ganó por este cortometraje la Palma de Oro en la 69º edición del Festival de Cannes (Francia). De 53 años y natural de Barcelona, el cineasta se convirtió en el primer director español en lograr ese galardón en la categoría de cortometrajes, y en el segundo en conseguir este premio tras Luis Buñuel, que fue premiado en 1961 con el máximo galardón del prestigioso festival por su película Viridiana'.

El cortometraje Timecode está protagonizado por Lali Ayguadé y Nicolas Ricchini, con guión del propio Giménez.