Más de cuarenta cineastas y directores de fotografía de primera línea, entre los que se encuentran figuras como Quentin Tarantino, Martin Scorsese, Damien Chazelle, Spike Lee o Roger Deakins han mostrado su rechazo a la decisión de la Academia de Hollywood de entregar cuatro premios Oscar durante la publicidad en una carta abierta remitida al presidente de la institución, John Bailey. Una medida que califican de "insulto a la profesión".

Referentes del séptimo arte, entre los que también se incluyen Emmanuel Lubezki, Rachel Morrison, Ang Lee, Cary Joji Fukunaga o Seth Rogen, han instado a la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de Hollywood (AMPAS, en sus siglas en inglés) a "revocar su decisión" de entregar los Oscar a mejor fotografía, mejor cortometraje de ficción, mejor montaje y mejor maquillaje y peluquería durante las pausas publicitarias de la gala.

La carta afirma que la institución está "sacrificando la integridad de su misión original" al disminuir el reconocimiento de los afectados por esta medida. "Cuando el reconocimiento de los responsables de la creación de un cine sobresaliente se ve reducido por la misma institución, cuyo propósito es protegerlo, dejamos de defender el espíritu de la Academia de celebrar el cine como una forma de arte colaborativo", critica la carta. "La Academia fue fundada en 1927 para reconocer y defender la excelencia del arte cinematográfico, inspirar a la imaginación y ayudar a conectar el mundo con el medio universal de las películas", continúa la carta publicada por The Hollywood Reporter. "Por desgracia, nos hemos alejado de nuestra misión al perseguir el entretenimiento en vez de ensalzar la celebración de nuestra forma de arte y a la gente que está detrás de ella".

Para los firmantes, la relegación de "estos oficios cinematográficos esenciales a un estatus menor [...] no es más que un insulto para aquellos que hemos dedicado nuestra vida y pasión a nuestra profesión elegida". Ante esta ofensiva, la Academia ha salido en su defensa con un comunicado. En él, la organización asegura que no pretende restar protagonismo a las cuatro categorías afectadas e informa que solo se cortará el tiempo dedicado a caminar hacia el escenario y fuera de él. Además, sus discursos sí serán retransmitidos.

La Academia: "Ha habido una cadena de desinformación"

En un intento por zanjar la polémica, los máximos responsables de la Academia han publicado un comunicado en el que aclaran cómo se otorgarán los premios de esas cuatro categorías afectadas en la gala el próximo 24 de febrero. "Ninguna categoría premiada en la 91º ceremonia de los Oscar será presentada como inferior al resto", señalan. Todo se debe, señalan, a un fallo de comunicación. "Por desgracia, como resultado de informes y publicaciones en las redes sociales incorrectos, ha habido una cadena de desinformación que ha molestado, comprensiblemente, a muchos miembros de la Academia", arranca la carta.

"Nos gustaría reiterar y explicar el plan previsto para presentar los premios, tal y como lo aprobó la Junta directiva de la Academia", continua la Academia. Así, la institución insiste en que los 24 premios serán presentados en el escenario del Dolby Theatre y se incluirán en la transmisión. La Academia presidida por John Bailey asegura que los representantes en la Junta de Gobierno de la Academia de las cuatro categorías afectadas aceptaron voluntariamente que sus premios se otorgaran durante la publicidad y su entrega fuera retransmitida más tarde. Es decir, la junta acordó que solo editarían la entrega de esos premios, cortando el tiempo que los premiados dedican a llegar hasta el escenario y volver a su asiento.

Además, la organización reitera que los discursos de los cuatro vencedores se verán por televisión. Cómo lo harán no se ha especificado, pero su objetivo es reducir la gala a tres horas. También, la máxima institución del cine estadounidense vuelve a subrayar que las cuatro o seis categorías que se emitirán durante el parón publicitario rotarán cada año. Es decir, las categorías de este año estarán exentas en 2020 y serán otras cuatro diferentes las afectadas.

Cuando Tony Vallelonga, el italoamericano interpretado por Viggo Mortensen en la película Green book, comienza a trabajar como chófer para el exitoso pianista afroamericano Don Shirley (Mahershala Ali), un empleado de la discográfica le entrega un pequeño librito verde, el Green book. Vallelonga es blanco y vive en Nueva York, por lo que no es extraño que jamás haya oído hablar de la breve guía que guarda en la guantera. En la portada se lee: "Lleva tu Green book contigo. Puedes necesitarlo". El lema de este popular volumen publicado en Estados Unidos entre 1936 y 1966, no era solo un gancho publicitario. Era una advertencia. Dirigido a los "conductores negros" en un país aún segregacionista, el Green book era más un manual de supervivencia que una guía turística. Vallelonga descubrirá pronto en su viaje hacia el sur que el Green book no exagera ni un poco. 

Pese al título del filme, la pequeña guía creada por Victor Hugo Green, un empleado de correos de Harlem, apenas aparece en dos secuencias. Y esa es solo una de las múltiples polémicas que rodean a la película dirigida por Peter Farrelly, algo que sin embargo no le ha impedido hacerse con cinco candidaturas a los Oscar, incluida mejor película, guion original y sendas nominaciones para sus actores principales —elocuentemente, es Mortensen quien opta a mejor actor protagonista—. La familia de Shirley, un virtuoso del piano cuya carrera fue cercenada por el racismo, ha criticado duramente la supuesta falta de rigor de la película, a la que han llegado a calificar de "sinfonía de mentiras". Parte dl equipo de la producción, incluido Mortensen, respondió que la familia nunca fue tan cercana a Shirley como ahora proclama —Shirley era homosexual, y en la película se insinúa que esto motiva el rechazo de sus hermanos—. No han sido pocos los medios que han dedicado artículos a discernir la verdad de la ficción en la obra de Farrelly, coescrita por el hijo de Vallelonga. El New York Times tituló su crítica "Un viaje hacia la amistad y los clichés". 

Pero el escaso protagonismo de la guía en una película que lleva su nombre ha sido quizás uno de los aspectos más discutidos del filme. Tras décadas de olvido, en los últimos años se ha producido, además, un trabajo de recuperación de la guía. Cuatro de sus ediciones anuales se publicaron en 2017 como facsímil, consiguiendo unas ventas y una atención significativas. Dos de esas copias fueron a parar a la exposición Elements of vogue, en el Centro de Arte Dos de Mayo, el museo de la comunidad de Madrid. "Para las comunidades negras es un mito", explica Manuel Segade, director de la institución y uno de los comisarios de la muestra. "A través del Green book, reflejábamos en la exposición todo el horror del sur, pero sin apropiarnos del sufrimiento de los cuerpos negros". Porque eso es hoy el invento de Victor H. Green: un catálogo de las consecuencias prácticas de la segregación, en rincones donde quizás no se las espera. 

"Lo siento, no puedes entrar"

Allá por los cuarenta se inició la edad de oro de la conducción en Estados Unidos. Con unos coches cada vez más baratos y cómodos y una clase media creciente —la red de autovías interestatales se inauguraría en 1956—, las familias se echaban a la carretera para conocer las llanuras americanas. Pero no todos eran igual de libres: en 1962, cuando tiene lugar el viaje de Shirley y Vallelonga, quedaban aún dos años para que la Ley de Derechos Civiles anulara las normativas Jim Crow, el nombre con el que se conoce a las distintas leyes puestas en marcha poco después del final de la guerra civil que continuaban una segregación racial refrendada por el Estado. Se aprobaron desde códigos que regulaban en qué industrias y bajo qué condiciones podían trabajar los nuevos esclavos libres, a normas que exigían colegios segregados, hospitales segregados, salas de espera segregadas, fuentes públicas segregadas o taquillas de cine segregadas. 

A la izquierda, una familia afroamericana en Washington, D.C., en 1955. A la derecha, Victor H. Green en 1956. / WIKIPEDIA/99%INVISIBLE

En los sesenta, en el sur, eran todavía numerosos los restaurantes donde no se daba servicio a los afroamericanos. Los hoteles reservados exclusivamente a los blancos eran mayoría. En algunos pueblos, los sundown towns,sundown towns un toque de queda obligaba a las personas negras a abandonar el municipio por la noche. Las palizas y los asesinatos no eran una rareza. En el programa dedicado al Green book, el podcast estadounidense 99% invisible recogía los recuerdos del fotógrafo y ex senador demócrata Curtis Graves, que creció en Houston, Texas. Graves menciona un viaje en el que iba con dos amigas blancas: "Paramos en un restaurante, y en cuanto llegamos a la puerta nos dijeron: 'Lo siento, no puedes entrar, no servimos a personas negras". Decidieron probar en otro bar, al otro lado de la calle: "Les dije: 'Entrad las dos, coged una mesa y cuando os hayáis sentado y venga a atenderos un camarero, decidle que tenéis un chico que conduce para vosotras y que si puede entrar". Funcionó. "Mientras que fuera su chico, su conductor, podía comer con ellas; pero si era su igual, no podía", señala Graves. 

Y, aunque en el sur las leyes Jim Crow estaban más extendidas y eran más fieras, y aunque allí la seguridad de las personas negras corriera aún más riesgo, la segregación se extendía por todos los Estados Unidos. El documental The Green book chronicles (Las crónicas del Green book), que se encuentra en la última fase de montaje, hace un repaso en un clip animado por las normativas racistas que funcionaban en distintos estados: en Georgia, la ley prohibía a los dueños de los restaurantes servir a las dos razas en el mismo espacio; al norte de Virginia, se exigía a los responsables de cualquier espacio público —consultas médicas, cines...— reservar espacios diferenciados; en Oklahoma, en 1957, la ley impuso a las compañías telefónicas la instalación de cabinas distintas para blancos y negros; en Washington, en los años cincuenta estaba prohibido que ciudadanos negros se instalaran en barrios blancos. 

Una red de asistencia

A miles de kilómetros del sur profundo, Victor H. Green ponía en marcha una particular guía de viajes dedicada a los que, como él, se aventuraban con sus coches más allá de las fronteras del barrio. También la población negra veía aumentar su poder adquisitivo, en parte precisamente gracias a la industria automovilística, un sector en crecimiento en el que estos trabajadores no lo tenían tan difícil para encontrar empleo. El editor se inspiró, como contaba en la edición de 1949, en guías ya existentes que advertían a los judíos de los establecimientos "solo para gentiles". Ese año, escribía: "Si viajas, no tienes que preocuparte por el alojamiento, si en este sitio te dejarán entrar o si este sitio te dará de comer. Eso es si eres blanco y gentil [no judío]. Si no lo eres, tienes que viajar por una cuidadosa ruta, como buscando oasis en el desierto". 

El cartero empieza centrándose en Nueva York y alrededores, donde en los años treinta tampoco era sencillo que las personas negras encontraran alojamiento fuera de los barrios negros. Pero el editor se da cuenta de inmediato de las posibilidades se su idea: la segunda edición es ya nacional, y acabaría siendo internacional. Para recabar información, decide pagar a todo aquel que le envíe recomendaciones sobre lugares donde comer sin ser acosados o moteles, a menudo regidos por otros afroamericanos, donde se les reciba de buen grado. Las comunicaciones, por desgracia, son lentas, el teléfono es caro y el presupuesto no es eterno. 

Green tiene un as en la manga: el empleado de correos recurre a la National Association of Letter Carriers, sindicato de carteros urbanos. Sus compañeros negros investigan aquí y allá, usando sus contactos directos en los distintos barrios para preguntar por las mejores direcciones para los viajeros. Donde los hoteles para afroamericanos son escasísimos, preguntan en ciertas casas si estarían dispuestos a dar alojamiento a los conductores no blancos: serán las tourists homes, uno de los negocios mejor representados en la guía. La guía crece en espesor —de una decena de páginas a unas ochenta— y en compradores. El título se beneficia del boca-oreja, pero también del inusitado apoyo de las gasolineras Esso, la única cadena que permite franquiciarse a afroamericanos, que ofrece la guía en sus expositores. Se acaban tirando unos 15.000 ejemplares al año. 

En 1959, en Montgomery, Alabama, la guía solo recogía un hotel, el Ben Moore, y dos casas de huéspedes. En Los Ángeles, California, aparecen 15 establecimientos donde dormir, y 5 restaurantes. El Amigo Motel & Cafe, en Tucumcari, Nuevo México, se anuncia con una foto de uno de sus dueños para que los viajeros puedan ver que es afroamericano. Lo mismo hace el Mountain Laurel Motel & Cafe, en Warrenville, Carolina del Sur. En Houston, Texas, aparecen tres restaurantes donde Curtis Graves podría haber comido sin subtrefugios. Para ese año, Victor H. Green ya se había jubilado como cartero, y su esposa, Alma D. Green aparece como responsable de la edición. Un año después, el creador del Green book fallecería... Pero no su proyecto: Alma sigue figurando como editora en las siguientes versiones. En la del 1963-1964 se ofrece un listado de las leyes Jim Crow imperantes en cada Estado; este último año llega la Ley de Derechos Civiles; en 1966 deja de publicarse el Green book: los viajeros negros ya no lo necesitan. 

La película Green book dibuja a un Don Shirley alejado de sus raíces negras, distante, por su clase social, de los problemas de su raza. Se llega a segurar que el pianista no conocía a Aretha Franklin o Little Richard, y que se acerca a su música gracias a Vallelonga. Pero Shirley fue un gran amigo de Duke Ellington, entre otros artistas afroamericanos. De la misma manera, critica Segade, el filme "no refleja ningún tipo de colectividad", cuando fue "precisamente la solidaridad y el apoyo público" lo que hizo posible tanto la creación como la difusión de la guía. En los pequeños folletos verdes, Victor H. Green decía ofrecer información y recursos para evitar al viajero negro "dificultades" y "vergüenza". Acabó haciendo algo más que eso: dar un espacio de libertad en medio de una realidad asfixiante. Llevar de vuelta a casa, sanos y salvos, a quienes se aventuraban en territorios hostiles.  

En una entrevista hace ya unos años a una emisora de radio, Alfonso Cuarón (México DF, 1961) describía sus películas como exparejas: estaba agradecido con ellas, pero sin ninguna intención de volver a reconectar. A pesar de que se le ha descrito como un director versátil y completo por su trabajo tan ecléctico, él contesta con un toque de sabihondo que un director completo no es aquel que hace diferentes géneros. “Ser un director completo no está relacionado con que pueda tocar diferentes géneros y que se muestre versátil en las temáticas que abarca. Un director completo, si es que existe ese concepto, es aquel que tiene una visión y la utiliza para hacer una película con honestidad”. Pues eso, que cualquiera que sea honesto en su visión es un director completo, ahí queda.

En sus películas (Y tú mamá también, Hijos de los hombres, Gravity) se pueden detectar preocupaciones recurrentes, como la diferencia de clases y, en el aspecto técnico, la querencia por los travellings, como el maestro Hitchcock. El director mexicano recuerda cuando otro director, al que realmente admira, le dijo que era como un péndulo que tenía que encontrar el centro. Sin embargo, para Cuarón, hacer lo que le gusta, y saltar de género en género, no es una desventaja, sino sencillamente lo que le apetece hacer, a pesar de que, admite, la mayor parte de los directores que más le gustan tienen un hilo conductor común en sus trabajos.

Entre sus maestros favoritos figuran Bresson, Wilder, Coppola o Murnau. El amor al cine le viene desde chico, ya que su familia y, en especial su madre, era una fanática del séptimo arte. Cuarón escribió Gravity junto a su hermano Jonás, que también se dedica a la dirección, por lo que gran parte de su clan está muy implicado en el negocio. Emmanuel Lubezki, conocido como El Chivo, es el director de fotografía que prácticamente siempre trabaja con Cuarón. Son amigos desde que eran quinceañeros. Lubezki recuerda a Cuarón saliendo del cine donde iban a ver películas de Buñuel o Pasolini y estar rodeado de chicas a las que les explicaban el uso que Pasolini hacía del color en sus filmes. “No estoy seguro de si se lo inventaba para impresionar a las chicas o era verdad”, explicaba El Chivo en una entrevista a The New York Times, “lo cierto es que iba al cine unas tres o cuatro veces por semana. Yo conocía una película de Godard, él se las sabía todas”.

A principios de los ochenta acudieron ambos a la mejor escuela de cine del país, pero eran demasiado arrogantes, según reconoce el propio director mexicano. Se les quedó pequeño y decidieron comenzar a trabajar. La verdadera universidad de Cuarón fue hacer cualquier trabajo que surgiera tanto en cine como en televisión. Little princess, su primer film en inglés y su segundo largometraje, llegó a sus manos casi de casualidad. Según Lubezki, Cuarón era en muchos aspectos lo que denominan un late bloomer y aquella película le llegó a mediados de los noventa, en un momento en el que el mexicano casi ya no tenía ganas ni esperanzas de dirigir. Sin embargo, cuando leyó la novela de Frances Hodgson supo que tenía que implicarse en el proyecto.

El acierto de dirigir Harry Potter

Cuarón tiene mucho que agradecer a otro compadre llamado Guillermo del Toro, por convencerle para que dirigiera Harry Potter y el prisionero de Azkaban. Del Toro le llegó a llamar “arrogant bastard” o traducido a la lengua de Cervantes, bastardo arrogante, por dudar en un principio a aceptar el proyecto, ahí lo dejamos. De no ser por el consejo del director de La forma del agua, y tras el fracaso de crítica y público de Great expectations (1998), protagonizada por Gwyneth Paltrow y Ethan Hawke, a lo mejor su carrera hubiera derivado por otros derroteros. No obstante, el destino quiso que siguiera demostrando al mundo sus habilidades como director y le sirvió para obtener el beneplácito de Hollywood para continuar haciendo películas. Una lección de humildad en toda regla que no parece haberle servido de mucho para reducir ese toque de altivez, pero si le ha beneficiado para hacer películas memorables como Gravity, ganadora de siete Oscar de la Academia y con una recaudación en taquilla de 635 millones de euros en todo el mundo.

En esta ocasión vuelve con Roma, uno de sus proyectos más personales. Ha tardado unos cuantos años en volver a sus orígenes, en hacer algo más íntimo y sencillo. “Ha sido un momento en la vida donde se han combinado las posibilidades de hacer esta película desde el punto de vista práctico, pero más importante resultó sentir que tenía las herramientas emocionales para hacerla”.

Tras Gravity, las ofertas le llovieron y, según el director, fueron muy tentadoras, pero para él era importante embarcarse en este proyecto. Roma ganó el León de Oro el en último Festival de VeneciaRoma y las críticas han sido fabulosas. Es su primer filme en español desde Y tú mamá también (2001) con Maribel Verdú, Gael García Bernal y Diego Luna. Sin embargo, al preguntarle cómo ha sido rodar en su idioma materno tras tantos años trabajando en la lengua de Shakespeare, el director contesta que no está acostumbrado a rodar en inglés y que siempre piensa en español. “No me acostumbro a rodar en inglés, siempre he pensado en español y al rodar en inglés, hay un proceso de traducción en mi cabeza de mi lengua materna al inglés. Una de las cosas que me atraía de regresar a trabajar en México era poder hacer un proceso en donde el fluir de mi lenguaje contribuyese en el proceso mismo, en donde mi lengua materna estuviera dictando los ritmos y los tiempos.”

La película se tardó en rodar 108 días y nadie del rodaje, incluyendo el equipo técnico y los actores, tenía acceso al guion. El único además del director con la potestad para leer el libreto era el productor, David Linde, que no habla español. Cuarón no quería que nadie se creara ideas preconcebidas sobre la película, sino que, al contrario, estuvieran constantemente en busca de respuestas. El 90% del filme está basado en sus recuerdos de infancia y eligió a actores que se parecieran a su propia familia. La mayor parte del elenco no tenía experiencia previa delante de las cámaras.

La difícil relación entre clase y raza

De esta manera, el director mexicano se ha marcado un Ken Loach en toda regla y se ha tirado a la piscina contratando a gente de a pie, normal, de andar por casa. Entre ellas está Yalitza Aparicio. Ella da vida una empleada doméstica llamada Cleo, de origen mixteco, que trabaja para una familia de clase media en la Colonia Roma de la Ciudad de México. “Yalitza es definitivamente una de las mejores actrices con las que he trabajado. Me sorprendió en cada momento no solo por su inteligencia y su sensibilidad, sino por el entendimiento que tuvo muy pronto del proceso. Yo no creo que haya una manera de ser actor, de la misma manera que no creo que haya una forma de dirigir actores. Los actores son individuos, son seres humanos y por lo tanto cada uno requiere un acercamiento distinto”.

El filme, disponible en Netflix, narra un año en la vida de una familia de clase media y se desarrolla a principios de los años setenta en medio de las protestas estudiantiles y sus enfrentamientos con la policía. La sociedad está desmembrándose y las mujeres tienen afrontan el peso de la situación. Cuarón ha querido, en cierta forma, homenajear a las mujeres presentes en su infancia. “Es una mirada hacia el viaje de ciertos personajes, así como la observación de un país, como EEUU o cualquier otro, que muestra la perversa relación que existe entre las clases sociales y las razas”, afirma.

El director no parece tener la percepción de que su país natal se haya transformado desde entonces. “México, en muchos sentidos, no ha cambiado en absoluto y, de hecho, los problemas se han agudizado desde que yo era niño. Sin embargo, lo que veo como un símbolo de esperanza es la exuberancia de la nueva juventud. Durante mi infancia y mi juventud en México, era un país muy claustrofóbico y cerrado. La juventud actual es una juventud que está reclamando su derecho como parte de este mundo y yo creo que cualquier cambio, una verdadera transformación del país, se encuentra en las manos de esa nueva juventud”.

No parece excesivamente optimista la visión del cineasta mexicano, quizá su apasionamiento de juventud se haya ido diluyendo con los años. Al parecer, eso mismo le ha pasado con el cine, ya no es el eje de su existencia. “Sigo sintiendo pasión por el cine, pero el entendimiento de la pasión cambia con el tiempo. En mi juventud pensaba que el cine era la vida, ahora tengo muy claro que el cine es parte de la vida, una parte muy importante de mi vida, pero es tan sólo una parte de algo más grande”, concluye.

*Este artículo está publicado en el número de diciembre de 2018 de tintaLibre. Puedes consultar todos los contenidos de la revista haciendo clic aquí. aquí

Madre, de Rodrigo SorogoyenMadre, ha sido nominado como mejor cortometraje en los Premios Oscar 2019 después de hacerse con el Goya en la edición de 2018. La noticia llegaba el martes a las 14.20 con la lectura de los candidatos realizada por los actores Kumail Nanjiani (La gran enfermedad del amor) y Tracee Ellis Ross (Black-ish). El director español, autor de películas como El reino (gran favorita también en los Goya), Que Dios nos perdone o Stockholm, se hacía así un hueco en la carrera por los galardones de la Academia de Hollywood. Será la única representación española, ya que El silencio de otros, que también entró en la terna final, no ha sido destacado finalmente en la categoría de mejor documental.

El equipo de Madre se reunía, minutos después de conocer la nominación, en la Academia de Cine, en Madrid. "Se abre un camino de posibilidades maravillosas, solo por la experiencia", decía Marta Nieto, protagonista del corto, a este periódico. El filme sigue la angustiosa llamada entre una madre y su hijo de seis años, que ha perdido de vista al padre en una playa desconocida, y funciona como un thriller en miniatura. Se estrenó en el Festival de Toronto en 2017, y desde entonces ha pasado por certámenes internacionales y nacionales, incluido el de San Sebastián o el de Málaga. El equipo no ha puesto hasta ahora un pie en Los Ángeles —"¡No ha hecho falta!", celebra la actriz—, pero hacen planes ya de cara a la gala del 24 de febrero. "Ahora diseñaremos una campaña un poco más ambiciosa", dice María del Puy, una de las productoras.

¿Hay posibilidades? "Al menos una de cinco", bromea. "Siempre hay posibilidades, aunque sé que a veces hay productoras muy potentes, que meten mucho dinero en estos procesos… A ver qué apoyos económicos encontramos en España, que es importante para esta fase". El camino hasta aquí tampoco ha sido sencillo: María del Puy explica que, para entrar en la carrera por los premios de Hollywood, la Academia exige haber sido ya destacado en una serie de festivales o premios certificados. "Este año, unos 140 cortos han entrado en la ronda final", explica. Después, un grupo de expertos elige a los 10 finalistas, de los que los académicos eligen cinco. Y ahí ha estado Madre, como estuvo Timecode Timecode(de Juanjo Giménez Peña, en 2016), Aquel no era yo Aquel no era yo(Esteban Crespo, 2013)... y otros cuatro cortos españoles que han acariciado la estatuilla. Ninguno la ganó. 

Marta Nieto señalaba de inmediato otro aspecto de la nominación: no se juegan solo la posibilidad de alcanzar la estatuilla, sino un futuro más brillante aún para la película homónima que terminaron de rodar el pasado noviembre: "Es un punto de comunicación muy importante, le da muchísima visibilidad". Porque Madre también es un largo que se inicia con el cortometraje ahora nominado. "Creo, deseo y espero que sea un empujón para el largo internacionalmente", coincide Del Puy, "la gente de ventas está contentísima. Para la peli es una grandísima noticia". 

Roma contra La favoritaRoma La favorita

Más allá de los logros del cine español, la Academia de Hollywood ha decidido aupar a Roma, dirigida porel mexicano Alfonso Cuarón, y La favorita, del griego Yorgos Lanthimos. Son las dos películas más nominadas de la edición, con 10 candidaturas cada una. Quizás el logro más sorprendente de Roma sea que opta tanto a mejor película como a mejor película de habla no inglesa, una rareza en los galardones que no ocurría desde Amour, en 2013. El filme compite, como se esperaba, en las categorías de mejor dirección y guion, pero también en otras que parecían a priori más difíciles de conquistar, como en las de interpretación. Yalitza Aparicio, que da vida a Cleo, la empleada del hogar en torno a la que gira la historia, y cuyas intervenciones son casi todas en mixteco —una de las lenguas indígenas de México—, es candidata a mejor actriz protagonista. Marina de Tavira, la madre de familia, opta a mejor actriz de reparto. 

Con estas candidaturas, Cuarón ha pasado a la historia como uno de los hombres más nominados a los Oscar por un solo filme, en la estela de Orson Welles con Ciudadano Kane y Warren Beatty con El cielo puede esperar y Rojos. El cineasta les iguala con otras cuatro candidaturas por RomaRoma, en su papel como productor —son ellos quienes son destacados en la categoría de mejor película—, director, guionista y director de fotografía. Bradley Cooper, que aspiraba a seguirle por los diversos roles jugados en Ha nacido una estrella, se queda con tres nominaciones como actor protagonista, productor y guionista. Se le escapó, por tanto, la de mejor dirección, que parecía garantizada. 

La favorita sí está filmada enteramente en inglés y cuenta con producción británica, lo que hasta ahora solía ser una baza en la lucha por el Oscar. Pero el filme tendrá un duro competidor en Roma, con quien se enfrenta en casi todas las categorías: película, dirección, guion original, actriz protagonista —Olivia Colman en este caso—, actriz de reparto —Emma Stone y Rachel Weisz—, fotografía, montaje, producción... La comedia (negra) de época, que dibuja un triángulo amoroso entre la reina Ana y dos damas de la corte, acaba de estrenarse en España. En cines. Y esto ya no es una obviedad, porque el estreno de Roma en pantalla grande ha sido una formalidad tanto en España como en Estados Unidos, donde las grandes cadenas se negaron a ponerla en cartel. Como señala el New York Times en su crónica, el filme producido por Netflix y distribuido en esta plataforma de streaming podría ser la primera película en obtener el Oscar a mejor película habiendo recaudado una cantidad meramente simbólica en la taquilla convencional. El año pasado, Mudbound fue la primera película de ficción de Netflix en entrar en competición, y La balada de Buster Scruggs acompaña a Roma en esta edición. 

¿Nominaciones diversas?

Que los nombres de Lanthimos y Cuarón copen los titulares da una medida de la diversidad —parcial— de esta edición. Tres de los cinco cineastas nominados a mejor dirección —habría que sumar al polaco Pawel Pawlikowski, por Cold War— son extranjeros, y ninguno tiene el inglés como lengua materna. El cuarto es el afroamericano Spike Lee, que recibe al fin su primera nominación en esta categoría 32 años después del estreno de su ópera prima, así que el único estadounidense blanco en la categoría es Adam McKay. Eso sí, entre ellos no hay ninguna mujer. En las categorías de guion, por ejemplo, hay solo dos mujeres, Deborah Davis (coautora con Tony McNamara de La favorita) y Nicole Holofcener (responsable con Jeff Whitty de Can you ever forgive me?). 

Las películas nominadas dan también ejemplo de esta —de nuevo, parcial— diversidad recién incorporada. Entre ellas está Black Panther, la historia de una nación africana jamás ocupada por los colonos, con un casting integrado casi por completo por personas negras, que se convierte en la primera película de superhéroes nominada en la categoría principal. Está Infiltrado en el KkKlan, la historia real de un policía afroamericano que, asistido por un agente blanco y judío, se introduce en el Ku Klux Klan a finales de los setenta. Está Green book, que sigue el viaje del pianista afroamericano Don Shirley y su chófer, el italoamericano Tony Vallelonga, por el sur de los Estados Unidos, aún segregacionista —aunque el filme ha sido criticado por su representación de Shirley y por la reconstrucción histórica de la opresión bajo las leyes Jim Crow—. 

Está Roma, la historia de una empleada del hogar indígena que trabaja para una familia de clase media-alta en la colonia Roma —contada, sin embargo, desde la perspectiva de los hijos, entre los que se encontraría el propio Cuarón—. Está La favorita, que gira alrededor de tres mujeres poderosas en un mundo en el que el poder pertenece casi exclusivamente a los hombres. Está Bohemian Rhapsody, biopic sobre Freddie Mercury, es decir, sobre un hombre que se acostaba con otros hombres y que murió por los efectos del sida —aunque ni uno ni otro hecho tengan un lugar significativo en la cinta—. Está Ha nacido una estrella, revisión de uno de los mitos del Hollywood clásico en el que se narra el ascenso de una mujer hacia la fama —pero también la relación tóxica que la ata a su pareja—. Porque en Hollywood es raro que no haya dobleces. 

A diferencia de la edición de 2018, cuando la supremacía de La forma del agua, de Guillermo del Toro, parecía clara, este año todo son incógnitas. Incluida la gala, porque a un mes de la cita aún no se conoce el nombre del presentador o presentadora, después de que el cómico y actor Kevin Hart, inicialmente elegido, se negara a pedir perdón por haber realizado numerosas bromas y declaraciones homofóbicas a lo largo de su carrera. Dirija quien dirija la gala, este año habrá otro cambio: para mantener la ceremonia por debajo de las tres horas, y después de años con la audiencia en mínimos históricos, la organización ha decidido otorgar ocho de los premios —aún no se conocen cuáles— durante los anuncios, y emitir luego un montaje. El cine español cruza los dedos para que entre ellos no esté el de mejor cortometraje. 

Lista completa de nominados

Película

Black Panther

Ha nacido una estrellaGreen bookLa favoritaInfiltrado en el KkKlanBohemian RhapsodyRomaEl vicio del poderHa nacido una estrella

Green book

La favorita

Infiltrado en el KkKlan

Bohemian Rhapsody

Roma

El vicio del poder

Dirección

Spike Lee, por Infiltrado en el KkKlan

Alfonso Cuarón, por Roma

Pawel Pawlikowski, por Cold War

Yorgos Lanthimos, por La favorita

Adam McKay, por El vicio del poder

Guion original

Alfonso Cuarón, por Roma

Deborah Davis y Tony McNamara, por La favorita

Paul Schrader, por El reverendo

Nick Vallelonga, Brian Currie y Peter Farrely, por Green book

Adam McKay, por El vicio del poder

Guion adaptado

Joel e Ethan Coen, por La balada de Buster Scruggs

Charlie Wachtel, David Rabinowitz, Kevin Willmott y Spike Lee, por Infiltrado en el KkKlan

Barry Jenkins, por El blues de Beale Street

Eric Roth, Bradley Cooper y Will Fetters, por Ha nacido una estrella

Nicole Holofcener y Jeff Whitty, por Can you ever forgive me?

Actor protagonista

Bradley Cooper, por Ha nacido una estrella

Christian Bale, por El vicio del poder

Willem Dafoe, por At eternity's gate

Rami Malek, por Bohemian rhapsody

Vigo Mortensen, por Green book

Actriz protagonista

Lady Gaga, por Ha nacido una estrella

Yalitza Aparicio, por Roma

Glenn Close, por La buena esposa

Olivia Colman, por La favorita

Melissa McCarthy, por Can you ever forgive me?

Actor de reparto

Mahershala Ali, por Green bok

Adam Driver, por Infiltrado en el KkKlan

Sam Elliot, por Ha nacido una estrella

Richard E. Grant, por Can you ever forgive me?

Sam Rockwell, El vicio del poder

Actriz de reparto

Amy Adams, por El vicio del poder

Marina de Tavira, por Roma

Regina King por El blues de Beale Street

Emma Sotone, Por La favorita

Rachel Weisz, por La favorita

Fotografía

RomaCold WarHa nacidoLa favoritaObra sin autor

Montaje

Infiltrado en el KkKlanBohemian RhapsodyLa favoritaGreen bookEl vicio del poder

Diseño de producción

Black PantherLa favoritaFirst ManEl regreso de Mary PoppinsRoma

Diseño de vestuario

La balada de Buster ScruggsBlack PantherLa favoritaEl regreso de Mary PoppinsMaría, reina de Escocia

Maquillaje y peluquería

Border

María, reina de Escocia

El vicio del poder

Banda sonora original

Black PantherInfiltrado en el KkKlanEl blues de Beale StreetIsla de perrosEl regreso de Mary Poppins

Canción original

"All the stars", de Black Panther

"I'll fight", de RBG

"The place where lost things go", de El regreso de Mary Poppins

"Shallow", de Ha nacido una estrella

"When a cowvoy trades his spurs for wings", de La balada de Buster Scruggs

Edición de sonido

Black PantherBohemian RhapsodyFirst ManUn lugar tranquiloRoma

Mezcla de sonido

Black PantherBohemian RhapsodyFirst ManRomaHa nacido una estrella

Efectos especiales

Vengadores: Infinity WarChristopher RobinFirst man

Ready player oneHan Solo: una historia de Star Wars

Película de habla no inglesa

Roma, de Alfonso Cuarón (México)

Cold war, de Pawel Pawlikowski (Polonia)

Cafarnaúm, de Nadine Labaki (Líbano)

Obra sin autor, de Florian Henckel von Donnersmarck (Alemania)

Un asunto de familia, de Kore-eda Hirokazu (Japón)

Película documental

Free solo

Hale county this morning, this evening

Minding the gap

Of fathers and sons

RBG

Película de animación

Los increíbles 2Isla de perrosMiraiRalph rompe InternetSpider-Man: Un nuevo universo

Cortometraje

DetainmentFauveMargueriteMother (Madre)Skin

Cortometraje documental

Black sheepEnd gameLifeboatA night at the gardenPeriod. End of sentence.

Cortometraje de animación

Animal behaviourBaoLate afternoonOne small stepWeekends

Green Book, que se llevó el premio a la mejor comedia del año, al mejor guión y al mejor actor secundario (Mahershala Ali), y Bohemian Rhapsody, que se alzó con dos galardones, mejor drama y mejor actor protagonista (Rami Malek), fueron las grandes triunfadoras en la 76ª edición de los Globos de Oro. Unos premios, los que cada año entrega la Asociación de le Prensa Extranjera de Hollywood, que estuvieron muy repartidos y en los que también brilló Alfonso Cuarón, que con su filme Roma se hizo con el Globo de Oro a la mejor película de habla no inglesa y a mejor director, ha informado Europa Press.

Con la cinta producida por Netflix en la que Cuarón resucita, en blanco y negro, algunos de los recuerdos de su infancia a través de la figura de su niñera, el cineasta mexicano se impuso a Adam McKay (El vicio del poder), Bradley Cooper (Ha nacido una estrella) Peter Farrely (Green Book) y Spike Lee (Infiltrado en el KKKlan) y se alzó con el premio al mejor director de año. Roma también se llevó el premio a la mejor película de habla no inglesaRoma , categoría a la que fue relegada por las normas de los Globos de Oro y en la que se impuso a la libanesa Cafarnaún, Un asunto de familia, del japonés Hirokazu Koreeda, la cinta belga Girl y la alemana Obra sin autor.

Una de las grandes perdedoras de la noche fue El vicio del Poder, el biopic centrado en la figura del exvicepresidente estadounidense Dick Cheney que a pesar de ser la película con más nominaciones —acumulaba hasta seis candidaturas— tan solo se llevó un premio, el de mejor actor protagonista en comedia para Christian Bale. "Gracias Satán por servirme de inspiración para este papel", dijo el actor al recoger el premio.

Otra de las cintas que contaba con más número de nominaciones, cinco en total, era La Favorita de Yorgos Lanthimos, que también tuvo que conformarse con un solo premio, el de mejor actriz comedia para su protagonista Olivia Coman. El Globo de Oro para la mejor actriz protagonista en drama fue para Glen Cloose por su trabajo en La buena esposa y el de mejor actor dramático para Rami Malek por su encarnación de Freddie Mercury en Bohemiam Rhapsody.

El galardón al mejor actor de reparto fue para Mahershala Ali por Green Book, la cinta más premiada de la nocheGreen Book que también se alzó con el Globo de Oro al mejor guión original y mejor película cómica o musical del año. Otras premiadas fueron Spider-Man: Un nuevo universo, que se hizo con el galardón a la mejor película de animación, First Man, que se llevó el premio a la mejor música, o Ha nacido una estrella, el filme dirigido por Bradley Cooper y protagonizado por Lady Gaga que también partía como uno de los favoritos con cinco nominaciones y se tuvo que conformar con el premio a la mejor canción para el tema Shallow.

'El asesinato de Gianni Versace', 'El método Kominsky' y 'The Americans', las series ganadoras

Y en las categorías televisivas, brillaron especialmente dos ficciones: American Crime Story: El asesinato de Gianni Versace, que se llevó el Globo de Oro a la mejor miniserie o telefilme y mejor actor en esta categoría para su protagonista, Darren Criss, y El método Kominsky, la serie de Netflix que logró alzarse también con dos estatuillas, mejor comedia y mejor actor protagonista en comedia para Michael Douglas.

La gala de los premios que entrega anualmente la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood fue también una gran noche para The Americans, que en su despedida se impuso como mejor serie dramática a Homecoming, Killing Eve, Pose y Bodyguard.

En el apartado interpretativo el premio a la mejor actriz de comedia fue para Rachel Brosnahan, que repitió gloria por su trabajo en The Marvelous Mrs. Maisel, el premio a la mejor actriz protagonista en drama fue para Sandra Oh por Killing Eve, mientras que Richard Madden sorprendió alzándose con el premio al mejor actor dramático por Bodyguard.

El premio a la mejor actriz en una miniserie o telefilme fue para Patricia Arquettepor su interpretación en Fuga en Dannemora mientras que Patricia Clarkson se llevó el Globo de Oro a mejor actriz secundaria en esta categoría por Heridas abiertas. Ben Whishaw, por su participación en A very english scandal hizo lo propio en la categoría masculina.

Los dos nominados españoles, Penélope Cruz y Antonio Banderas, se fueron de vacío de la gala que fue conducida por la premiada Sandra Oh y Andy Samberg.

Este es el palmarés completo de la 76ª edición de los Globos de Oro:

Bohemian Rhapsody

Green Book

Alfonso Cuarón (Roma)

Rami Malek (Bohemian Rhapsody)

Glenn Close (La buena esposa)

Christian Bale (El vicio del poder)

Olivia Colman (La favorita)

Mahershala Ali (Green Book)

Regina King (El blues de Beale Street)

Green Book

First Man

Shallow de Ha nacido una estrella

Spider-Man: Un nuevo universo

Roma

The Americans

El método Kominsky

American Crime Story: El asesinato de Gianni Versace

Richard Madden (Bodyguard)

Sandra Oh (Killing Eve)

Rachel Brosnahan (La maravillosa Sra. Maisel)

Michael Douglas (El método Kominsky)

Patricia Arquette (Fuga en Dannemora)

Darren Criss (American Crime Story: El asesinato de Gianni Versace)

Patricia Clarkson (Heridas abiertas)

Ben Wishaw (A Very English Escandal)

Infiltrado en el KKKlan es la historia de un retorno y de una permanencia. 

El retorno es la vuelta a primera línea de Spike Lee después de un largo periodo de indiferencia, o incluso de olvido. Infiltrado en el KKKlan (el 31 en los cines españoles) obtuvo el Gran Premio del Jurado en el último Festival de Cannes. En los Estados Unidos, donde se estrenó a principios de agosto, suscita a la vez entusiasmo y discusión. Ninguna de las empresas del cineasta afroamericano ha atraído una atención semejante desde Plan oculto (2006), bello filme de atracos post 11 de septiembre. 

La permanencia es la del racismo, cuyas formas, pretende mostrar Lee, siguen siendo las mismas. Lo que este racismo era a finales de los años setenta, momento en que se sitúa la acción de Infiltrado en el KKKlan, lo era ya hace un siglo, en la época de los linchamientos y de El nacimiento de una nación, famosa película de D.W. Griffith. Y lo es todavía hoy, más o menos —o más más que menos— en la era de la presidencia de Donald Trump y de la violencia de Charlottesville. 

Infiltrado en el KKKlan presenta por tanto una interesante mezcla entre lo que es siempre igual y lo diferente. 

Siempre igual, el arte de Lee, nacido a finales de los ochenta, para ser a la vez agresivo y coolcool. Querer componer imágenes que choquen tanto que pretendan alcanzar la belleza. Emplearse con el mismo impulso en celebrar la iconografía negra estadounidense y en perforar las ideas preconcebidas y los clichés. En suma, ser inseparablemente político y sexy. Obrar a la vez según los cánones de Hollywood y los de la agit-prop, aún a riesgo de no molestarse siquiera por la sutileza y aunque tenga que inclinarse de vez en cuando hacia la demagogia. 

Diferente también este arte, porque se reanuda con una actualidad tras la que había corrido estos últimos años, y porque se dota hoy tanto de nuevos cuerpos como de nuevas referencias. Es en efecto el joven John D. Washington, hijo de Denzel, quien interpreta al policía negro infiltrado en el seno del KKK. Es el pálido Adam Driver, al que se ve por todas partes desde hace dos o tres años sin que genere hartazgo, quien interpreta a su compañero. Y es uno de los actores emblemáticos de The Wire,Isiah Whitlock Jr., quien abre el baile dándole la bienvenida —por decir algo— al primer miembro afroamericano de la policía de Colorado Springs. 

Siempre igual el racismo, del comienzo del siglo XX hasta nuestros días. Este supremacismo blanco que Infiltrado en el KKKlan denuncia y vuelve ridículo existía antes de la misión real que inspiraría un libro —y luego una película— y siguió existiendo después. Y también de forma distinta: el hijo de la cultura pop que es Spike Lee no hace solo una comedia crítica, según su costumbre, también bebe de distintas fuentes político-artísticas, que van del cine mudo a la serie, pasando por la buddy movie y, más allá, la blaxpoitationblaxpoitation, el movimiento que, a lo largo de los mismos años setenta, proponía fabricar un nuevo heroísmo negro en el seno de las formas del cine de género. 

Podríamos seguir describiendo Infiltrado en el KKKlan a modo de inventario. Figurarían en él tanto el actor y cantante Harry Belafonte, pionero de la lucha por los derechos civiles convertido en un maravilloso anciano que sabe llevar hasta las lágrimas a un auditorio solo con el timbre de una voz sin embargo gastada, como el montaje paralelo cuyos recursos ambiguos Griffith sería el primero en demostrar. Y está claro que este inventario puede entenderse de dos formas. 

Se puede recibir con los brazos abiertos como el capricho de un cineasta para quien el combate político no ha sido nunca incompatible con un gusto por imágenes de todo tipo. Podríamos percibir en él cierto oportunismo que traiciona las vacilaciones de quien, por miedo de que su fábula no sea recibida al cien por cien, prefiere disparar desde todos los ángulos y decir las cosas tres veces, mejor que una. Podríamos admirar la tentativa ambiciosa de abrazar en apenas más de dos horas un siglo de discriminaciones. O leer, al contrario, la incapacidad de anclar lo suficiente su propósito como para que tenga un peso real. 

Ya sea por amplitud de miras y generosidad, ya sea por cálculo, el cineasta siente la necesidad, para no rozar a nadie fuera de las dianas designadas, de equilibrar el drama con comedia, historia con presente, lucha con amor, el posible reproche de radicalidad por guiños cómplices. 

La recepción de Cannes de Infiltrado en el KKKlan, su éxito en Estados Unidos, las reacciones de numerosos espectadores a la salida de las salas hablan, obviamente, a favor de la primera hipótesis: el cineasta tiene razón en mezclar todo, porque es mezclando todo como ha encontrado la manera de hacerse oír. ¿Quiere decir esto que la segunda hipótesis no se tiene en pie? No lo creo. Hay demasiadas cosas en el filme, demasiada voluntad de gustar y de convencer al mismo tiempo. Demasiado miedo a que logrando una cosa se pierda la otra. La generosidad es una cosa, la confusión es otra. Y la primera no exige necesariamente la segunda. 

Es todavía más cierto cuanto que es en favor de otro elemento que Infiltrado en el KKKlan muestra la película que podría haber sido. Menos estruendosa, sin duda. Pero no menos convincente ni fuerte. Me explico. Es poco probable que se le escape a nadie que la diana de Infiltrado en el KKKlan es casi tanto el antisemisitismo como el racismo. 

Flip, el colega interpretado por Driver, es judío, y es a él a quien le toca infiltrarse en persona en el KKK, mientras que Ron Stallworth (Washington) debe conformarse con conversaciones telefónicas —a menudo graciosas—con los cretinos del Klan. Podríamos detenernos aquí en el hecho de que, a este respecto, el título es mentiroso, no siendo el infiltrado el que creemos. Pero hay algo más importante. 

Por una parte está claro que Spike Lee, decididamente preocupado por no ser pillado en falta por ningún sitio, ha querido responder aquí a las acusaciones de antisemitismo de las que ha sido objeto regularmente a lo largo de su carrera. Por otra parte, y de manera más sorprendente, Infiltrado en el KKKlan demuestra en este capítulo una finura por la que no se preocupa, desgraciadamente, en materia de racismo. 

No solo Adam Driver está excelente, como de costumbre, sino que se diría que actúa en otra película: ni muecas ni esos efectos tan numerosos, Flip no ofrece nada de esto a lo largo de las escenas donde debe escuchar los argumentos e insultos del KKK. No es que sea indiferente a lo que dicen. Es más bien que acepta unirse a una investigación por una causa que es la de su compañero y no la suya. Necesitará por lo tanto un cierto tiempo antes de que admita sentirse personalmente concernido. 

Pasa entonces algo curioso. La mejor escena de Infiltrado en el KKKlan es la menos spikiana: se trata de aquella en la que Flip, apenas religioso, confiesa no haber pensado nunca en lo que ser judío significa para él, hasta que debe tratar con hombres que practican tanto el racismo como el antisemitismo. Momento formidable, y que lo es todavía más porque Lee parece ponerlo en escena sin darse cuenta. 

No sé si se debe extraer de golpe una lección de esta escena, pero si hay alguna, se impone. Ese sentimiento de extrañeza —para los otros como para sí mismo—, que pasa a través de Driver, esta mirada sobre un asunto que el cineasta no se apresuraría a reconocer como suyo, es lo que le falta a Infiltrado en el KKKlan.  ____________

Traducción: Clara Morales

Lee el texto en francés: