El discurso de aceptación del Goya de Honor 2015 por parte del actor Antonio Banderas se convirtió en uno de los momentos estelares del acto de entrega de galardones. Este es el texto íntegro:

"Todo lo que tengo se lo debo a mi profesión, a la que preferiría denominar vocación, pero mucho más importante que esto, lo que realmente le debo no es tanto lo que tengo, sino lo que soy.La vida como una aventura y quizás como un juego. Siempre me ha gustado la palabra jugar, incluso para definir mi tarea como actor, o director, o productor... Esto debe servir para revelar la verdadera naturaleza de quien ahora les habla. Decía mi paisano más ilustre don Pablo Picasso que ¨venía de lejos, pero era niño¨...pues eso, niño.Si desde una de esas butacas pudiese observar a ese otro yo llamado Antonio Banderas, premio en mano, habría de reconocer, que el que está aquí subido no solo me pertenece a mi, sino a mucha gente, a todos esos que le fueron añadiendo trozos de vida, piezas de un puzzle de distintos colores, y formas. Todos esos ojos que me marcaron un camino, esas bocas que hablaron palabras sabias, esas almas que me acompañaron hasta donde hoy estoy, hasta este mismo escenario. Todos ellos son yo, y de alguna manera yo tambien soy ellos. Si miro hacia atrás me veo viejo, pero si echo la vista hacia adelante me veo muy joven. En la propia naturaleza del galardón que hoy recibo, no por un trabajo en concreto sino por una trayectoria, va implícita una reflexión que se bifurca en dos direcciones, una hacia el pasado y otra hacia el futuro.De esa mirada al pasado surgen nombres propios, Gigantes del cine y la farándula, con los que tuve la suerte, el honor y el privilegio de compartir la pantalla, en ese plató llamado vida, a un lado y otro del Atlántico. personas que dejan huella en los que como yo fuimos afortunados de cruzarnos en su camino. Entre esos nombres, muchos conocidos, reconocidos, admirados y celebrados, pero también entre esos que en algún momento fueron parte de mi vida hay personas a los que el publico no conoce, personas que nunca estarán nominadas, a los que nadie pedirá un autógrafo, que no caminan sobre las alfombras rojas, ni son deslumbrados por los flashes de las cámaras y que sin embargo son parte de la gran familia del cine. Carpinteros, pintores, electricistas, conductores, especialistas, compañeros, amigos con los que compartí y quiero seguir compartiendo muchas horas, muchas historias, muchos recuerdos,en esas vidas en miniatura que son los rodajes.Todavía con la mirada en el pasado me veo obligado a recordar y rendir tributo a la figura de dos personas a las que vi hacerse cada vez más pequeñas desde la ventana de un tren Costa del Sol, a las seis de la tarde de un 3 de agosto de 1980. Eran mis padres que asustados de que su hijo hubiese sido víctima de un ataque de insensatez, lo despedían esperanzados de que la razón se impusiese finalmente en la mente de ese niño que fui, y que sigo siendo. Pero la razón perdió la batalla, porque no era la mente sino el corazón lo que me guiaba. Una mision y una determinacion viajaban conmigo en ese tren. La misión: convertirme en aquello que admiraba, en esos seres mágicos que desafían al tiempo, y al espacio. esos que me habían hecho viajar a la vez, en una extraordinaria pirueta artística, tanto a los lugares más lejanos, como a los mas recónditos de mi alma, los actores.La determinación: nunca, nunca volvería a mi Málaga con las manos vacías.Ahora con este Goya en las manos alguien debe pensar que mis objetivos se cumplieron, y efectivamente es así, pero solo de forma parcial. La aventura continúa y la ruta se hace más complicada y por lo tanto mas apasionante, especialmente ahora, en tiempos de crisis, pero, esta profesión siempre ha vivido en crisis. Estamos acostumbrados, somos un colectivo de supervivientes. A veces me he preguntado si el confort y la tranquilidad de lo que es estable, y permanente me permitiría acceder a los complicados entresijos de una vida en el arte. No, la crisis es nuestro estado natural, debe de serlo, hemos de asumir y abrazar la inseguridad de nuestra profesión. Es el caos el mejor aliado de cualquier artista, debemos disfrutar con las manos sucias en el barro que debemos moldear y con el aliento de la incertidumbre que proporciona tanto el éxito como el fracaso tras el cuello. En ello hemos de obligatoriamente vivir.Hoy, con la figura de don Francisco de Goya en las manos se que son nuestros artistas, nuestros intelectuales, y nuestra cultura la mejor manera de saber lo que somos, y de cómo hemos llegado hasta aquí, y observando algunos de los paisajes que se ven a través de esa ventana brillante que todos tenemos en nuestras casas y darnos cuenta de que la mediocridad se ha convertido en el mayor negocio de nuestro tiempo, hemos de volver a mirar con los ojos bien abiertos para tratar de desentrañar cual es la advertencia que se esconde tras las obras de Goya, o de Picasso, para maravillarnos de cómo fueron capaces Falla, Tárrega, Albéniz o Granados para encajar a España en una partitura, o Cervantes, Unamuno, Valle Inclán, Lorca, Machado, Cernuda, Albornoz o Ayala tatuando sobre papel las miserias y grandezas de nuestro pueblo, también expresado, por supuesto, por Buñuel, Berlanga, Saura, Erice, mi queridísimo y admiradísimo Pedro Almodóvar, así como tantos otros.No sé si este premio me llega cuando me tenía que llegar, o si lo merezco, pero creo haber sabido sobrevivir con dignidad y constancia entre los bosques de las subjetividades, las mermeladas del éxito, los páramos desiertos del fracaso y las luces de gas. Pero si algo me hace sentir este galardón es un impulso a apresurarme,a deshacerme de aquello que me ha servido hasta ahora pero que ya no quiero seguir usando. Sé que este reconocimiento establece casi como si de un pistoletazo de salida se tratase una carrera contra el tiempo para no dejar lo realmente importante en el tintero, para entregarme en cuerpo y alma a encontrar los caminos que me quedan por recorrer, y que, espero me lo perdonen por expresarlo de esta manera, creo, deseo, y sé, que serán los definitivos, aquellos en los que más se me reconozca, porque ahora me he dado cuenta de algo que en mis inicios estaba oculto, o quizas no completamente identificado. Ahora se de forma clara que elegí este camino, y opté por subirme a aquel tren porque de forma inconsciente sabía que la cultura y el arte era la mejor manera de entender el mundo en el que me había tocado vivir.No importa lo lejos que me llevo mi propia trayectoria como actor, y el agradecimiento que siento por el mundo de Hollywood, que es mucho por lo bien que allí se me ha tratado, y se me ha considerado. O el respeto que siento por mis hermanos hispanoamericanos. Tienen ustedes que creerme cuando les digo que cada vez que terminaba un plano, una secuencia, una película, mi mente estaba puesta en España, no en Arizona, en Cleveland o en Ohio, no, no, para mi lo importante era saber cómo se vería este trabajo en mi tierra, y para ser más específicos en Málaga, y para ahondar aún más, en mi barrio.Termino ya haciendo una alusión directa al futuro. No en el mío, sino en el de nuestro cine, pues aquí, esta noche se concentra un número importante de gente joven que aparte de tener gran talento han sabido rápidamente adquirir un compromiso y una responsabilidad para con ustedes, el público, del que reclaman un espíritu critico que los haga ser mejores, un entendimiento claro de los parametros en los que se mueve el cine español que los acerque a la realidad de nuestra situación precaria en relación a otras cinematografías, y sobre todo yo les reclamo para ellos, para esas nuevas generaciones de actores, directores, y profesionales del cine, el cariño, y el apoyo que les haga sentir y saber que su esfuerzo y su sacrificio no cae en saco roto, que merece la pena esforzarse para representar a nuestra cinematografía tanto dentro como fuera de nuestras fronteras.Creo que todo premio debe de ser dedicado, y yo mandaré esta dedicatoria a quien quizás haya sufrido más mi pasion por el cine, mis ausencias prolongadas, mis compromisos profesionales. Es la persona de la que me perdí los mejores planos, las mejores secuencias, y que sin embargo ha sido mi mejor producción. Te dedico este premio pidiéndote perdón, a ti Stella del Carmen, a ti hija mía.Me voy, pues acaba de comenzar la segunda parte del partido de mi vida.Gracias".vocación

quizás como un juego.

Si miro hacia atrás me veo viejo, pero si echo la vista hacia adelante me veo muy joven.

esas vidas en miniatura que son los rodajes.

Eran mis padres que asustados de que su hijo hubiese sido víctima de un ataque de insensatez,

nunca, nunca volvería a mi Málaga con las manos vacías.

la crisis es nuestro estado natural, debe de serlo, hemos de asumir y abrazar la inseguridad de nuestra profesión.

darnos cuenta de que la mediocridad se ha convertido en el mayor negocio de nuestro tiempo,

creo haber sabido sobrevivir con dignidad y constancia entre los bosques de las subjetividades, las mermeladas del éxito, los páramos desiertos del fracaso y las luces de gas.

lo importante era saber cómo se vería este trabajo en mi tierra,

merece la pena esforzarse para representar a nuestra cinematografía tanto dentro como fuera de nuestras fronteras.

la persona de la que me perdí los mejores planos,

la segunda parte del partido de mi vida.

En el momento central de la Gala de los Goya del pasado sábado, Antonio Banderas, para agradecer su premio honorífico, sacó del bolsillo de la chaqueta un papel, se puso las gafas de ver de cerca, y leyó con la pericia del actor que es (los buenos discursos son casi siempre leídos), un texto repleto de metáforas y personajes, de arquetipos y moralejas. Como suelen hacer los grandes, el actor no necesitó apelar a sus éxitos, sino lo contrario: la grandeza casa bien con la humildad.

Se definió a sí mismo como un simple “chavea de Málaga”, que recordaba la imagen cada vez más empequeñecida de su padre y de su madre despidiéndole en un andén de Málaga al emprender su viaje a Madrid. “No era la mente sino el corazón lo que me guiaba en aquel tren”, contaba, para luego alabar la resolución, la constancia y el trabajo duro: “Nunca volvería a Málaga con las manos vacías”, afirmó.

Y por si aún no le creíamos, nos pidió un definitivo acto de fe, con un tono que en un mismo párrafo combinaba sus vivencias como celebridad mundial, con el respeto encantadoramente paleto por la raíz más local. “Tienen ustedes que creerme cuando les digo que cada vez que terminaba un plano, una secuencia, una película, mi mente estaba puesta en España. No en Arizona, no en Cleveland, no en Ohio… En España, en Málaga, en mi barrio”.

Hay que ser un actor como Banderas, y de su edad, para que la argucia tenga efecto, por supuesto: para que tus vivencias personales emocionen a millones. Pero el orador supo bien cómo hacerlo. "Si miro hacia atrás, me veo viejo. Pero si echo la vista hacia adelante, me siento joven". Una antítesis sencilla que arrancó el primer aplauso del discurso. Hace falta ser una estrella de Hollywood como él para que suene convincente el agradecimiento por "la suerte, el honor y el privilegio" (hubo varias triadas como ésta en el texto) de haber compartido pantalla "en el plató que llamamos vida".

Pero acaso esa referencia a los actores y directores mundiales que le acompañaron hacía más vívida y creíble la referencia inmediata a las "personas que nunca serán nominadas", como "los carpinteros, los conductores, los pintores y los electricistas" con los que el actor compartió "esas vidas en miniatura que llamamos rodajes" (segundo aplauso).

Para subir la cuesta de la montaña rusa que un buen discurso debe ser, Banderas se refirió a Goya y a Picasso, y a quienes como Tárrega, Falla o Albéniz supieron "encajar España en una partitura". También a Lorca, Machado, Unamuno o Cervantes, que "tatuaron nuestras miserias y nuestras grandezas sobre papel". Habiendo subido tan alto, la bajada a la referencia más prosaica –su propia hija– resultó aún más emocionante. Fue cuando, para terminar, dedicó el premio a "su mejor producción", "a quien ha sufrido más mi pasión por el cine, mis ausencias prolongadas, mis compromisos profesionales". La despedida marcó a fuego la importancia de lo que nos había contado: "Empieza la segunda parte del partido de mi vida".

Y el auditorio se puso en pie para regalar el mayor aplauso de la noche. Banderas había logrado eso tan difícil en un discurso: envolver al público con las palabras y guiarlo con ellas. 

Los desencuentros políticos o los problemas económicos no habían sido invitados este año a la gala de los Goya que, por una noche, quería centrarse solamente en lo positivo. La mejor taquilla de la historia del cine español, un 25,5%, y una lista de candidatas que representan los géneros más variados eran para el director de la Academia, Enrique González Macho, razones suficientes para guardar las armas y sacar la serpentina en la gran fiesta del cine español. Ya lo avisó antes: no quería resultar “cansino”, así que prefirió optar por sacar junto al resto de los invitados y protagonistas su mejor sonrisa de cine, que se abrió más que en nadie en la boca de Alberto Rodríguez y los suyos, que se llevaron a casa diez premios por La isla mínima, La isla mínimaentre ellos Mejor película, director y actor para Javier Gutiérrez.

No pensaron lo mismo que el presidente de la Academia los diferentes colectivos que se congregaron a modo de protesta en torno a la alfombra roja desplegada a las puertas del Hotel Auditorium de Madrid. Algunos, como los trabajadores de Coca-Cola o el colectivo de figurantes repetían estrategia, sabedores que la gala de los Goya, con sus millones de espectadores, supone una plataforma excepcional para hacer de altavoz para sus reivindicaciones. A ellos se unieron en esta gélida noche del sábado grupos como los afectados por la Hepatitis C o los trabajadores de TVE, en pie de guerra por la creciente pérdida de independencia del ente público, que era el encargado, como siempre, de retransmitir la gala por televisión.

“Este año el cine ha aportado a los orcos –uy, las arcas- del Estado”

Comenzada la ceremonia con una cerrada ovación, Dani Rovira, el presentador de esta 29ª edición –que cogía el relevo a Manel Fuentes-, desoyó a su jefe González Macho, y se dirigió a Wert invitándole a no marcharse después de la ceremonia y participar de la fiesta posterior, “que está todo pagado”. También quiso recordar el humorista los 130 millones de euros recaudados por el cine español en 2014, que han conllevado miles de puesto de trabajo y 27 millones de euros en impuestos. “Este año no ha sido el Estado el que ha aportado al cine, sino que ha sido el cine el que ha aportado a los orcos –uy, a las arcas” del Estado”.

El recién estrenado intérprete, que además de conducir la gala se llevó el premio al que estaba nominado, el de Mejor actor revelación por su papel protagonista en Ocho apellidos vascos (filme que también se llevó los dos premios a los intérpretes de reparto, Karra Elejalde y Carmen Machi), puso de relevancia la ausencia de su cinta -el gran taquillazo del año y, como tal, responsable en buena parte de las cifras de la alegría- entre las candidatas a Mejor película, algo que podría entenderse como una desavenencia entre la Academia y el público. “Hay cinco nominadas – no ocho, ocho era muchas”, dijo con sorna, eso sí, antes de recoger emocionado su cabezón, que dedicó entre otros a Clara Lago, su compañera de rodaje y sentimental, la única de los protagonistas del filme de Emilio Martínez-Lázaro que no aspiraba a un galardón.

También arranco su discurso el propio jefe, aun a riesgo de contradecirse, con una contundente reivindicación, “la del maldito IVA”. “Ya es hora de que nos bajen el IVA”, subrayó González Macho, quien saludó a los embajadores estadounidense y francés, presentes entre el público y representantes de países “que hacen de su cinematografía una cuestión de Estado”. También hizo el presidente un llamamiento en solicitud de apoyo a las “televisiones privadas: Atresmedia, Mediaset, Canal Plus”, así como a TVE, a la que instó a construir la “televisión pública que nos merecemos”. “Nuestro cine viaja a los sitios más importantes del mundo. Nuestro cine no es solo local", agregó en referencia a la capacidad de este arte de transmitir ideas y cultura a través de las fronteras, para finalizar instando a los profesionales de la industria a “caminar hacia delante con honor y orgullo, porque la vergüenza y los fallos se quedan atrás”.

“Señor Wert, usted no está incluido”

Al borde de las lágrimas, el Goya de Honor más joven de la historia, Antonio Banderas, subió al escenario invitado por uno de sus mentores, Pedro Almodóvar, con quien ha compartido rodaje en diversas ocasiones, en películas como Mujeres al borde de un ataque de nervios o Átame. El actor, director y productor, empeñado en ampliar el catálogo de géneros del cine español con filmes de animación o de ciencia ficción como el reciente Autómata, que optaba a cuatro Goyas técnicos, afirmó que su mayor preocupación ha sido siempre ver cómo su trabajo era recibido en su tierra, en España y sobre todo en su Málaga natal, y más aún “en mi barrio”.

"Este reconocimiento establece una carrera contra el tiempo para no dejar lo verdaderamente importante en el tintero”, dijo Banderas, actor de Hollywood a quien arropaba en la gala otra española internacional, Penélope Cruz, ausente los últimos tres años y presentadora del Goya a la Mejor película. “Ahora sé que elegí este camino y me subí a aquel tren porque sabía que la cultura era la mejor manera de entender el mundo en que me ha tocado vivir".

Si los galardonados siguieron más o menos fielmente la consigna dictada por la Academia de mucha celebración y poca protesta, quien se la saltó a la torera fue el igualmente internacional Pedro Almodóvar, que antes de invitar a Banderas a recoger su Goya soltó la que sería la gran pulla de la noche, que empezó con un “amigos de la cultura y el cine español” que él coronó con “señor Wert, usted no está incluido en esto último”. Más política, en ausencia, se desprendió de la no-invitación que la Academia extendió a Podemos, el único partido que fue excluido de la ceremonia que, por lo demás, se desarrolló a buen –y previsible- ritmo aunque terminó alargándose casi una hora más de lo previsto.

La isla máxima

Si el guion de la velada de estos Goya de 2015 discurrió sin demasiadas sorpresas, más de lo mismo se podría decir del palmarés, que coronó –según dictaban todas las quinielas- a La isla mínima de Alberto Rodríguez. El policiaco, rodado en las marismas del Guadalquivir en un tono profundo y desasosegante, se alzó con nada menos que diez cabezones, incluido el de Mejor actor (que se disputaban los dos protagonistas del filme, Raúl Arévalo y Javier Gutiérrez, y que acabó en manos de este último); Mejor director y Mejor película. Con todo, no pudo emular esta cinta los 14 premios de Mar adentro, de Alejandro Amenábar, Mar adentro,que continúa a la fecha en el primer puesto de la lista de las más premiadas de los Goya.

Relegadas quedaron El niño, de Daniel Monzón, un thriller de impecable factura que se quedó con cuatro estatuillas técnicas de las 16 a las que aspiraba; la oscura e inquietante Magical Girl, del casi principiante Carlos Vermut, que sí fue reconocida en el Festival de San Sebastián y que perdió en estos Goya la que parecía su mejor baza, la de Mejor guion original; y la intimista Loreak, primera candidata de la historia en euskera.

Relatos Salvajes, la excelente comedia de Damián Szifrón y quinta aspirante al Olimpo del cine español, tuvo que conformarse, como también era de imaginar, con el galardón a la Mejor película iberoamericana, al tratarse de una coproducción hispanoargentina. Cayetana Guillén Cuervo y Ernesto Alterio, quienes presentaron este premio, no dejaron pasar por alto otra cuestión vestida de reclamación aunque no por ello inoportuna: que en 2014 se coprodujeron con América Latina solo 8 películas frente a las 57 de años anteriores. Otra resolución de futuro para que quizá, el próximo año, se pueda hacer jolgorio de esta media sonrisa.

Todos los ganadores

• Mejor película europea: Ida (Polonia).

• Mejor diseño de vestuario: Fernando García por La isla mínima.

• Mejor maquillaje y peluquería: Carmen Veinat y José Quetglas por Musarañas.

• Mejor actriz revelación: Nerea Barros por La isla mínima.

• Mejor montaje: José M. G. Moyano por La isla mínima.

• Mejor dirección artística: Pepe Domínguez por La isla mínima.

• Mejor sonido: Marc Orts, Oriol Tarrago y Sergio Bürrman por El niño.

• Mejor dirección de fotografía: Alex Catalán por La isla mínima.

• Mejor cortometraje de animación: Juan y la nube.

• Mejor cortometraje documental: Walls (Si estas paredes hablasen).

• Mejor cortometraje de ficción: Café para llevar.

• Mejor interpretación masculina de reparto: Karra Elejalde por Ocho apellidos vascos.

• Mejor dirección novel: Carlos Marqués-Marcet por 10.000 kilómetros.

• Mejores efectos especiales: Guillermo Orbe y Raúl Romanillos por El niño.

• Mejor actriz de reparto: Carmen Machi por Ocho apellidos vascos.

• Mejor música original: Julio de la Rosa por La isla mínima.

• Mejor canción original: Niño sin miedo por El niño.

• Mejor actor revelación: Dani Rovira por Ocho apellidos vascos.

• Mejor guion adaptado: Clare García, Cristóbal Ruiz y Javier Fesser por Mortadelo y Filemón contra Jimmy el cachondo

• Mejor guion original: Alberto Rodríguez y Javier Cobo por La isla mínima

• Mejor película de animación: Mortadelo y Filemón contra Jimmy el cachondo

• Mejor dirección de producción: Edmon Roch y Toni Novella por El niño

• Mejor película iberoamericana: Relatos salvajes

• Mejor documental: Paco de Lucía: la búsqueda

• Mejor actor protagonista: Javier Gutiérrez por La isla mínima 

• Mejor actriz protagonista: Bárbara Lennie por Magical Girl

• Mejor dirección: Alberto Rodríguez por La isla mínima

• Mejor película: La isla mínima

En la pasada edición de los Goya, la actriz Candela Peña aprovechó su discurso de agradecimiento para pedir trabajo. Recogía su tercer Goya, esta vez, como actriz de reparto en Una pistola en cada mano. Llevaba tres años sin rodar nada y sabía, después de haber ganado ya dos premios y estar nominada en tres ocasiones, que el efecto Goya puede dar una segunda vida a una película o reactivar la carrera de un actor relegado al olvido. efecto Goya Un año después, ha pasado por cinco proyectos, pero como ha señalado en una entrevista, su efecto Goya ha sido bastante precario desde el punto de vista económico, menos en El tiempo de los monstruos, ha cobrado “un tercio de lo que pagaban antes o nada”.

“Existe una leyenda negra que dice que si ganas un Goya tu caché sube y vas a ser más caro”, explica Fernando Franco (Sevilla, 1976) que el año pasado se llevó una estatuilla en la categoría de mejor director novel por La herida. A pesar de que ya tenía cierta reputación como director de cortos y montador de películas (Alacrán enamorado, Blancanieves o Bon appetit, entre otras) dice que el Goya le ha dado sobre todo “visibilidad” y “reconocimiento” a su trabajo. “Pero esto es algo extensible a todos los premios, no sólo al Goya, todos te colocan un poco más en el radar”, opina. Y es que antes de recalar en los premios de la Academia, La herida ya había recibido el premio especial del jurado en el festival de San Sebastián y la Concha de Plata por la interpretación de Marian Álvarez.

Lo mismo le pasó a Stockholm, la gran sorpresa indie de la pasada edición. Su director, Rodrigo Sorogoyen (Madrid, 1981) está a punto de rematar el guión de su tercer largometraje que probablemente empezará a rodar en verano. “Lo de esta nueva película vino por el festival de Málaga, donde un productor la vio y contactó conmigo”, cuenta. Una gran noticia para el realizador ya que el ajustado presupuesto de Stockholm, 215.000 euros, se había financiado en parte a través de crowdfunding. Tras anunciarse la lista de nominaciones de los Goya, las visualizaciones en Filmin empezaron a subir como la espuma, pero fue después de que Javier Pereira recogiese el 'cabezón' cuando la película se reestrenó, discretamente, en dos salas de Madrid. “Con que hubiese un ligero incremento ya lo habríamos notado”, bromea Sorogoyen.

Aumentar la recaudación con el impulso del Goya

La herida también tuvo una segunda vida tras el efecto Goya. La recaudación en taquilla pasó de los 116.000 euros antes de la gala a algo más de 140.000. Una segunda vida, en todo caso, “limitada” y que, según Fernando Franco, no hizo mutar la esencia de la cinta. “No es una película masiva, está más en el circuito de cine de autor. No es como Vivir es fácil con los ojos cerrados, que tuvo un proceso de exhibición bastante raro y después de los Goya todo el mundo quería tenerla”, apunta, haciendo referencia a la negativa de Cinesa de estrenar el filme de David Trueba por un desacuerdo económico con la distribuidora.

Durante este tiempo, Franco ha seguido trabajando como montador y con su productora Ferdyduke ha formado parte del equipo de la película uruguaya El apóstata. También está escribiendo el que será su próximo largometraje y confía en que el “aval” que supone haber recibido un Goya les ayude a financiarlo. Y no, su efecto Goya no se tradujo en decenas de productores para trabajar en su proyecto ni tampoco le ha llamado nadie para ver en qué estaba trabajando.

Roberto Álamo en un fotograma de 'La gran familia española'.

La tarde anterior a recibir el Goya al mejor actor de reparto por La gran familia española, a Roberto Álamo (Madrid, 1970) le llegó un correo donde le anunciaban que la serie en la que estaba trabajando, Bienvenidos al Lolita, se caía de la programación de Antena 3. “Me quedé en paro y estuve 10 meses sin currar”, cuenta. Desde entonces, sólo ha hecho una película, Incidencias, el último proyecto de José Corbacho y Juan Cruz, y hasta hace poco estuvo en los Teatros del Canal de Madrid con la obra Lluvia constante. Dice haber tenido “exactamente” la misma experiencia que Candela Peña en temas de retribución, con la diferencia de que tras La gran familia española ha cobrado “cuatro o cinco veces menos” de lo que ganaba antes.

También hay quien hace un balance totalmente positivo de su paso por el palmarés de los Goya. Natalia de Molina (Linares, Jaén, 1990) dice que su premio como actriz revelación le ha servido para conseguir “una visibilidad que antes no tenía”. En este año ha rodado cuatro películas, Techo y comida, Cómo sobrevivir a una despedida, Pozoamargo, Sólo química y la serie de televisión Bajo sospecha, todas pendientes de estreno. En cuanto a la parte económica, achaca los sueldos bajos a que el cine español “no se encuentra en su mejor momento”. “Cuesta mucho levantar una película, la mayoría cuentan con un presupuesto menor al de hace años y todo el mundo sufre las consecuencias. Tampoco sé muy bien qué decir porque no llevo en esto lo suficiente como para poder comparar. Me ha tocado vivir esta situación, no he conocido otra”, explica.

El trampolín de los Goya parece dejar sensaciones agridulces, e incluso para algunos, como Roberto Álamo, un actor con una amplia trayectoria en el teatro, ni tan siquiera deja sensación alguna: “El Goya no me ha servido para nada”, dice sin acritud. De todas formas, es innegable que ofrece una promoción extra a proyectos que antes no lo habían tenido, además de ayudar a maquillar cifras de recaudación poco boyantes. Vivir es fácil… pasó de cosechar 600.000 euros a más de un millón tras conseguir seis estatuillas, y en 2011 Pa negre alcanzó también el millón de euros al pasar de exhibirse en 75 salas a 109. Todo este baile de cifras, que en su equivalente hollywoodiense y salvando las distancias, se denomina Oscarnomics, no quita nada, según opina Álamo, aunque no dé frutos.

Antiguamente, cuando entrabas en un videoclub (y digo antiguamente porque los videoclubs son más cosa ya del siglo pasado) veías cómo se agrupaban las películas en los distintos anaqueles según géneros: drama, comedia, aventuras, western, románticas, terror, ciencia-ficción, cine español… En efecto, Cine español estaba considerado un género en sí mismo.Cine español El cartelito que el encargado del videoclub había plastificado e impreso con un tipo de letra tirando a patética daba una pista clara del sentir general: el cine español era percibido como un ente homogéneo de características comunes y definidas que, para más inri, solía estar relegado a la última y mostosa estantería del local, detrás de una columna, o junto al cuartito con cortina en el que aguardaba otro género, este sí muy definido y visitado por los clientes adultos.

En aquellas estanterías del Cine Español se reunían en curiosa convivencia comedias de Pajares y Esteso, películas de Paul Naschy, títulos míticos de Eloy de la Iglesia y del género de pandilleros, musicales de Sara Montiel, Raphael, Joselito o Marisol, adaptaciones literarias como Los santos inocentes, La colmena o La plaza del diamante, estrenos del momento tan dispares como Muertos de risa, Abre los ojos o Juana la loca y clásicos de siempre como Bienvenido Mr. Marshall o Atraco a las tres. ¿Qué tenían que ver todos ellos entre sí? Evidentemente, su nacionalidad. Y nada más.

Desde siempre, desde que Segundo de Chomón dirigiera en 1908 El hotel eléctrico, Luis Buñuel en 1932 Las Hurdes, o Edgar Neville en 1944 La Torre de los Siete jorobados, por citar tres obras históricas de envergadura que me vienen primero a la cabeza, el cine hecho en España ha sido tan variado, arriesgado e interesante como lo es ahora. La lista de directores y títulos gloriosos es muy larga, al igual que la disparidad de géneros, intenciones y sensibilidades. El cine hecho en España es de una riqueza de propuestas casi obscena, no se puede reducir a un tópico, es del todo inclasificable.

Y sin embargo, durante las últimas décadas, en el ánimo del espectador natural del cine español, que no es otro que el nacido en España, la idea fija de que su cine sólo consistía en películas sobre la Guerra Civil o de destape ha prevalecido inquebrantable destapea pesar de que todos los años aparecía un nutrido conjunto de películas bien conocidas y queridas que demostraba exactamente todo lo contrario: Mujeres al borde de un ataque nervios, El viaje a ninguna parte, El día de la bestia, Tesis, Airbag, La buena estrella, Torrente, La niña de tus ojos, El milagro de P. Tinto, Solas, El otro lado de la cama, Siete vírgenes, La comunidad, La caja 507, Volver, El orfanato, El Bola, Los otros, Te doy mis ojos, El laberinto del fauno, REC, y decenas y decenas de títulos demostraban que el tópico era injusto y puede que hasta malintencionado, pero florecía gracias al abono de nuestro carácter desapegado y a la extraña falta de aprecio por lo propio que muchas veces nos define y arrastra.

El pasado 2014 parece que público y medios de comunicación se han puesto de acuerdo en sentir que algo ha empezado a cambiar en el cine hecho en España, que la eterna letanía de españolada empieza a sucumbir españolada gracias a una serie de películas que han gustado y recuperado a los espectadores. Yo echo la vista atrás y no me parece que sea algo que haya surgido de repente por arte de magia en un año que significa un borrón y cuenta nueva. Esa renovación de la que se habla viene pergeñándose desde hace mucho tiempo, la constante inventiva de nuestro cine diría yo que viene de los tiempos de… Segundo de Chomón, Luis Buñuel o Edgar Neville.

El otro día fui a mandar un paquete a correos y la chica encargada de la oficina me reconoció y me dijo que le encantaba el cine español, que estaba harta de las películas americanas, todas iguales… Varios de los que había en la cola se sumaron al comentario y decían que se lo habían pasado en grande este año con distintas películas españolas. Uno dijo que antes se hablaba de españoladas pero que lo que le resultaba insoportable eran las americanadas… Hoy, los pocos videoclubs que quedan clasifican las películas de otra manera. Y en el ánimo del público natural del cine hecho en España parece que algo también ha cambiado. Y yo me alegro.

Daniel Monzón es director y guionista. Su última película, El Niño, ha conseguido 16 nominaciones a los Goya

Cuatro películas premiadas con el Oscar a la mejor película en lengua no inglesa (Volver a empezar, de José Luis Garci; Belle epoque, de Fernando Trueba; Todo sobre mi madre; de Pedro Almodóvar; y Mar adentro, de Alejandro Amenábar); un actor (Javier Bardem) y una actriz (Penélope Cruz) que han logrado la estatuilla en Hollywood; un galardón como mejor guionista para Pedro Almodóvar; y un tercer puesto en el ránking de países que han optado alguna vez a la categoría de mejor filme extranjero; no parecen una mala cosecha histórica para una cinematografía que desprecian algunos críticos eruditos o bastantes espectadores.

En su siglo largo de historia, desde El hotel eléctrico, de Segundo de Chomón (1908) por citar un título significativo, el cine español ha sido premiado también en multitud de ocasiones en los festivales de Cannes, Berlín o Venecia por jurados procedentes de muchos países. Pocos directores míticos de la cinematografía nacional han envejecido o llegado al cementerio sin haber recibido el respaldo de los mejores críticos del mundo o de sus colegas más prestigiosos de otros países. En ocasiones no han sido del todo profetas en su tierra, pero nombres como Luis Buñuel, Juan Antonio Bardem, Luis García Berlanga, Carlos Saura, Pedro Almodóvar, Fernando Trueba, José Luis Garci, Alejandro Amenábar, Montxo Armendáriz, Juan Antonio Bayona o Javier Fesser han visto sus creaciones aclamadas por la crítica especializada y sancionadas por el público en las taquillas. Todo ello sin mencionar el prestigio internacional de responsables de fotografía, como Néstor Almendros; o de directores artísticos, como Gil Parrondo. Un breve paseo por la historia permite, por tanto, comprobar que el talento de los creadores e intérpretes españoles no ha faltado a lo largo de las décadas. Tal vez hayan fallado una industria con muchas limitaciones, un tacaño apoyo de las instituciones públicas y una interesada política de las televisiones. Y este diagnóstico servía tiempo atrás y sigue siendo válido en este año 2014 que ha registrado una cuota de pantalla récord (25%).

Enrique González Macho, presidente de la Academia de Cine, ha declarado esta semana en unas jornadas culturales en la Universidad de Valencia que “la gente del cine de 2014 es la misma de los años anteriores y la misma, salvo algunas incorporaciones, que seguirá haciendo cine en los próximos años”. “El talento de directores como Daniel Monzón, Alberto Rodríguez o Emilio Martínez Lázaro”, ha señalado González Macho, “ha estado ahí. La única diferencia radica en que, en el pasado ejercicio, se han dado una serie de circunstancias de azar que han propiciado un año récord. Hay que recordar siempre que el cine responde a unos factores imprevisibles que lo convierten en un arte y una industria apasionantes. El exitazo de una película como Ocho apellidos vascos, dirigida por un veterano como Martínez Lázaro, ha tirado de la taquilla y se ha visto acompañado de títulos como La isla mínima, El Niño, Torrente o Relatos salvajes”. Las reivindicaciones que, una vez más, planteará el sector en la gala de los Goya el próximo sábado, ante millones de espectadores, se referirán al escaso apoyo de las televisiones, a un IVA intolerable del 21% o bien apuntarán a la dictadura de precios que imponen las majors norteamericanas y que impiden un abaratamiento de las entradas en taquilla.

A estas alturas ya está fuera de toda duda el papel de hegemonía cultural que representa el cine a la hora de marcar tendencias, imponer modas o plasmar estilos de vida. Una evidencia que han tenido y tienen muy presente en un país como Francia que practica una política de excepción cultural que protege su cine, más allá del Gobierno que se siente en El Elíseo. Este empeño francés por defender su cine, una voluntad que respalda una sociedad entera, explica la pujanza de la cinematografía de nuestros vecinos, que son capaces de organizar una semana de cine francés en la mismísima Corea del Norte, como ha ocurrido recientemente, con tal de mostrar sus películas. Nada más lejos de la política cultural de nuestro Gobierno que se llena la boca con la Marca España mientras subleva a todo un sectorMarca España que no sólo se dedica a una creación artística clave, sino que mantiene miles de puestos de trabajo en la industria. Algunos de los cineastas más relevantes de nuestro país se desgañitan estos días al proclamar, como Daniel Monzón en las páginas de tintaLibre, que “el cine hecho en España ha sido tan variado, arriesgado e interesante como lo es ahora”. “La lista de directores y títulos gloriosos es muy larga”, señala el realizador de El Niño y de Celda 211, “al igual que la disparidad de géneros, intenciones y sensibilidades. El cine hecho en España es de una riqueza de propuestas casi obscena, no se puede reducir a un tópico, es del todo inclasificable”.

La lista de nominados a los Goya 2015 certifica estas afirmaciones de Monzón e incluye, entre otros, filmes policiacos con trasfondo social (La isla mínima, El Niño), tragedias de humor negro (Relatos salvajes), comedias costumbristas (Ocho apellidos vascos), películas de animación (Mortadelo y Filemón), una obra original y vanguardista (Magical girl) o una producción vasca rodada en euskera (Loreak). Todas estas películas y, en realidad, la mayoría de nominadas para los Goya se hallan muy lejos del estereotipo de españolada, acuñado en pleno franquismo para definir aquellas comedias casposas y reaccionarias, y que ha pervivido en un cierto imaginario colectivo a pesar de una multitud de filmes nacionales que, contra viento y marea, con mucha ilusión y bajos presupuestos, año tras año, logran entrar en los codiciados olimpos de los grandes festivales o de Hollywood. Como la hispano-argentina Relatos salvajes, sin ir más lejos, que opta a finales del mes de febrero al Oscar a la mejor película en lengua no inglesa.

Chincheto, que cuenta a sus seguidores por miles en Youtube, iba encabezando el ranking hasta que se percató de que alguien estaba votando fraudulentamente. Este es el vídeo en el que el protagonista lo explica con todo lujo de detalles:

Ante las acusaciones de fraude, ¿qué ha sucedido? Que la Academia de Cine ha decidido declarar desierto el premio y... los fans de Chincheto han comenzado una campaña en Twitter para conseguir que el susodicho pise la alfombra roja:

Casi casi, podría calificársele de visionario. En 2007, con la crisis incipiente, aún alejada de los altares del imaginario popular, él ya escribía el guion de una película, Cinco metros cuadrados, que hablaba de la compulsión inmobiliaria y las consecuentes estafas a las que esa actitud de compraventa desaforada podía dar y daba lugar. Ante los vertiginosos cambios que se fueron produciendo en el lapso hasta el estreno, en 2011, “íbamos notando que la realidad se iba acelerando, hasta el punto que para entonces el tema ya estaba casi superado”. Antes incluso, el madrileño Pablo Remón ya daba forma al texto de Casual Day (2007), un filme versado en “el ecosistema capitalista de una gran empresa”, con sus envidias, sus tejemanejes y sus abusos morales.

De ahí que no extrañe que su corto Todo un futuro juntos, protagonizado por Julián Villagrán y Luis Bermejo, además de nominado a los Goya que se entregarán este próximo 7 de febrero, trate sobre otro de los grandes ámbitos de esta poco menos que monotématica contemporaneidad: las preferentes. Apostados en la barra de un bar, un directivo de un banco y su subordinado discuten sobre los escraches que sufre el primero, una vez destapado el que probablemente haya sido uno de los más tóxicos y repugnantes pasteles que ha tenido que tragar la ciudadanía en estos últimos años.

La conversación, poco a poco, casi imperceptiblemente, va tomando un viso entre lunático y romántico, planteando una improbable historia de amor entre el banquero y una activista que protesta a las puertas de su casa. Sin nada más que las palabras y dos potentes actuaciones, la película evoca impactantes imágenes e historias implícitas aunque no contadas. “A un nivel, creo que estas personas son culpables, ellos son los verdugos”, dice el guionista. “Pero a la hora de ficcionarlo, lo interesante siempre está en los matices, por eso yo busco lo que tengo en común con esa gente. Se trata de acercarme, que no justificarles; ponerme en su piel, pero no exculparles”.

Esa cualidad de toda su obra, la de tomar la palabra como absoluto epicentro de lo que se cuenta, es precisamente la que cree el autor que define su producción. “Pienso que esto tiene dos registros”, explica Remón, que suele trabajar mano a mano con su hermano Daniel. “Por un lado, todo se convierte en narración, pero a la vez esa narración puede ser mentira, lo que implica que esta siempre tiene algo de fabulación, porque se le añade el filtro del personaje que lo está contando. Por el otro, permite que las imágenes se creen en la cabeza del espectador, lo que hace que se involucre más”.

Filmado en blanco y negro, Todo un futuro juntos encuentra además una suerte de espejo en otro corto previo, este en color: Circus. También escrita por Remón, aquella historia de 2011 ponía otra vez a dos ejecutivos cara a cara. Solo que en aquel entonces, sobre lo que discutían no eran las participaciones bancarias de muy dudosa calidad, sino sobre sus propios infortunios. “Ambos cortos comparten cosas formalmente, en cierta manera son simétricos. En Circus, los dos protagonistas han sido recién despedidos de una gran empresa en Nueva York, y aparecen con sus cajas de cartón con sus plantas y demás objetos personales: ahí, lo que me interesaba era saber de qué hablaban esas dos personas en ese momento”.

Dirigir y contar, todo es empezar

Temáticas aparte, otra cualidad crucial que comparten los dos cortometrajes de Remón (Madrid, 1977) es que ambos han marcado su salto a la dirección. Una pirueta que, en un nuevo giro, le ha llevado a salir de las fronteras del cine para adentrarse en el campo de la escena, aún más fundamentada en esa palabra que él se dedica esmeradamente a modelar. “Yo me considero un guionista, y la idea de dirigir fue surgiendo de manera lógica”, argumenta. “Llega un momento en que quieres probar con otras formas de escritura, y eso te lo da la dirección”.

Tal aspiración se ha materializado en la función La abducción de Luis Guzmán, de la que también realizó la dramaturgia, y que ya se estrenó en el Festival Fringe, en las Naves del Español en Matadero, desde donde pasó en al Teatro Lara de Madrid el pasado 2014. La obra sube nuevamente a las tablas este 6 de febrero (y hasta el 1 de marzo), nuevamente en el Lara y con los mismos intérpretes: Ana Alonso, Francisco Reyes y Emilio Tomé. “Es una obra muy castellana, con muchas referencias visuales al paisaje o a pintores de la zona, etc.”, adelanta. “Es la España negra, opresiva, oscura, aún con restos del franquismo”.

En esos parajes llanos y áridos sitúa a dos hermanos con casi solo un atributo en común: “que ambos quieren escapar de allí”. Por lo demás, ambos son tan opuestos como las dicotomías que plantea el texto: las que marcan los silencios y las voces, las ausencias y las presencias o el espacio cerrado en el que se enmarca la representación, que se enfrenta al espacio exterior que obsesiona a uno de ellos, que en su diminuto pueblo conduce un programa de radio sobre ovnis, abducciones y demás fenómenos paranormales. Del otro lado, su hermano es un estudiante en Londres, lo que significa que ha podido salir de su sofocante rutina, aunque al tiempo se haya visto abocado “a no pertenecer más a ese mundo, a ser un intruso”.

Laureado por la crítica en ambas vertientes de su trabajo, la cinematográfica y la teatral, Remón se encamina hacia un febrero movido, primero con el reestreno de la obra el día 6 y después con la entrega de los Goya al día siguiente. Aunque agradece y resulta para él una "alegría" haber sido seleccionado para el mayor premio del cine español, piensa que, gane o no, el resultado no se reflejará de manera excesivamente trascendente en su carrera. “Con la industria tan pequeña que tenemos, no estoy seguro de que ganar el premio al corto de ficción te vaya a cambiar la vida”. 

La suya, pase lo que pase, seguirá por la misma senda de letras, con dos nuevos proyectos ya en marcha: una película que retomará a los personajes de su Abducción teatral, y otra obra con los mismos actores que esta pieza (además de Fernanda Orazi) que se estrenará en el Festival de Otoño a Primavera. Volver a esos campos de Castilla que, en el fondo , le hacen las veces de metáfora de los personajes que los habitan es algo que a él, que enraíza allí sus orígenes, se le presenta especialmente interesante. "Además", concluye, "así puedo devolver a los personajes al mundo donde los imaginé". 

El guionista y director Pablo Remón. | FLORA GONZÁLEZ VILLANUEVA

El ministro de Educación, Cultura y Deporte, José Ignacio Wert, ha afirmado este miércoles que si nada se lo impide asistirá a la gala de los Premios Goya, a la que ha sido invitado, y a la que el pasado año no acudió por motivos de agenda, tal y como indicó.

En declaraciones a TVE, recogidas por Europa Press, Wert ha dicho que no se puede "reconciliar" con quien no se había "peleado" y ha destacado que esta es "una fiesta de celebración y lo importante es que esa gala va a celebrar el mejor resultado de la historia del cine español".

El ministro cree que su ausencia el pasado año en los galardones más importantes del cine que se realiza en el país "se sacó absolutamente de quicio". "Si mi madre viera que la presencia de su hijo en una gala es noticia de portada en los medios le daría algo", ha recalcado.

Además, el ministro ha recordado que ha asistido a dos de las tres galas de los Goya desde que es ministro y no asistió en la pasada edición debido a la entrevista que tenía concertada en Londres con el ministro de las universidades del Gobierno británico.

La isla mínima no para de cosechar méritos. Primero, en San Sebastián, donde la actuación de Javier Gutiérrez se llevó la Concha de plata y Álex Catalán el premio a la mejor fotografía. Después vino el galardón como mejor película en los Forqué, la decena de candidaturas a los Feroz y, por último, las 17 nominaciones para los Goya. El sexto largometraje de Alberto Rodríguez (Sevilla, 1971), el cuarto que hace con Rafael Cobos como coguionista, parece haber satisfecho las expectativas de la crítica, los académicos y del público.

La isla mínima repite el éxito de Grupo 7, la anterior película del dúo Rodríguez-Cobos, que en 2013 sumó 16 candidaturas. Y repite, también, con el thriller como género y en los ochenta como la época de ambientación. thriller Sorprende que no haya sido una de las tres de las propuestas por la Academia de Cine para optar a mejor película de habla no inglesa en los Oscar, como en su día fue Grupo 7. “Bueno, la Academia es soberana. Y luego también está que la película se estrenó el 26 de septiembre [las candidatas se anunciaron el día anterior] y quizás parte de los académicos no pudieron verla y no pudieron votarla”, justifica.

La película cuenta la historia de dos policías de homicidios que son enviados a un pequeño pueblo de las marismas del bajo Guadalquivir para investigar la desaparición y el asesinato de dos adolescentes durante las fiestas patronales. Una trama que se fue construyendo poco a poco con retales de exposiciones de fotografías, documentales sobre la Transición y documentación real de crímenes cometidos durante esa época.

Hace varios años, Alberto Rodríguez visitó junto a Álex Catalán una exposición del fotógrafo Atín Aya que había retratado durante varias décadas el día a día de las marismas. “La exposición era básicamente de paisajes y retratos, y lo que había reflejado era una forma de vida, como una especie de western crepuscular. Desde el primer momento salí convencido de que había una película estupenda, ambientada en ese sitio. Lo que no sabíamos era cuál sería la película”, explica el director. De ahí, de que primero fuese el escenario y después la historia, que se establezca cierta interdependencia entre lo dramático de la trama y la crudeza del paisaje. Un aspecto que ha provocado comparaciones, salvando las distancias, con la serie norteamericana True detective, donde una pareja de detectives recorre el sur de Louisiana, entre pantanos y ásperos paisajes, investigando un macabro crimen.

Raúl Arévalo y Javier Gutiérrez en un fotograma de la película.

Aunque en ese momento la idea no estaba definida, Cobos y Rodríguez ya habían trabajado en una historia de un asesino en serie y un policía, que les sirvió para cimentar La isla mínima. Establecido el escenario y las líneas maestras de la narración, lo que les faltaba era una época en la que ambientar la película. Fue en 2012, tras ver dos documentales sobre la Transición Atado y bien atado y No se os puede dejar solos, Atado y bien atadoNo se os puede dejar solosambos de los hermanos Cecilia y José Juan Bartolomé, cuando la narración quedó definitivamente ligada al año 1980.

“Esos dos documentales son muy interesantes porque hablan de la Transición, pero están editados durante la Transición, o sea, no tienen el filtro de la historia oficial”, apunta Alberto Rodríguez. De uno de los documentales retomaron la historia de un policía que fue expedientado y apartado de su puesto tras haber escrito una carta al periódico El País criticando a los militares golpistas, y la incorporaron al personaje de Pedro (Raúl Arévalo).

Pero lo que más les llamó la atención en esos trabajos fueron los temas que abordaban y que parecían estar repitiéndose en el momento en el que La isla mínima estaba tomando su forma definitiva. “En 1980 en las calles había una crisis económica importante, problemas con la territorialidad, la ley del aborto en ese momento también estaba empezando… Y cuando nosotros estábamos escribiendo se estaba poniendo en cuestión de nuevo. Nos daba la sensación de que habíamos movido cosas estos años, pero que había otras que se habían quedado en el mismo sitio”, critica Rodríguez.

A pesar de que hace hincapié en que el filme es una ficción de principio a fin, el director sevillano sí reconoce que hay muchos aspectos que tomaron de la realidad para redondear el carácter de los personajes y la verosimilitud de la trama. Al igual que la historia del policía crítico con los vestigios la dictadura en el cuerpo, el crimen de las dos jóvenes de La isla mínima mezcla elementos de varios asesinatos de la época. “En las películas que hemos rodado trabajamos con elementos reales. Nos gusta estar muy bien documentados a la hora de rodar. El hecho de que se movieran las pruebas, que pasa en este crimen, había ocurrido también, supuestamente, en el crimen de las niñas de Alcàsser y en el de los Galindo”, puntualiza Rodríguez, y añade que en ningún momento tuvieron la pretensión de recrearlos.

El año del cine español

La isla mínima forma parte de ese puñado de películas que han conseguido que la cuota de pantalla del cine español este año supere el 25%. Un hito histórico que no se repetía desde hace 37 años y que se debe fundamentalmente, según Rodríguez, “al increíble fenómeno que ha supuesto Ocho apellidos vascos”.Ocho apellidos vascos Aunque matiza que también se puede achacar a un cierto reencuentro entre el cine español y el público. “Una de las cosas más bonitas que nos ha pasado a nosotros con La isla mínima es que hay mucha gente que ha dicho que se siente orgullosa de que se hagan películas como esta en España. Para mí hay un público que está quitándole la razón a los que dicen que el cine español es malo. Eso es fantástico”, dice.

Se ha dado también la coincidencia de que detrás de las películas más vistas del 2014 han estado las grandes corporaciones mediáticas. Telecinco Cinema participó en Ocho apellidos vascos, El niño y Carmina y amén; Atresmedia Cine lo hizo en Torrente 5: Operación Eurovegas y La isla mínima; y Televisión Española, por su parte, estaba en el equipo de producción de Mortadelo y Filemón contra Jimmy el Cachondo.

Rodríguez considera que la implicación de las cadenas de televisión en la industria cinematográfica es muy importante, sobre todo, a la hora de promocionar la película. De todas formas, se muestra bastante crítico con el papel de Televisión Española (que formó parte de la producción de Grupo 7) a la hora de publicitar sus producciones. “Creo que debería hacer un esfuerzo por promocionar sus productos y reconsiderar que promocionar sus películas significa que luego van a llegar a un público, que para que eso las hacemos”, sentencia.

El niño y La isla mínima son las películas que acumulan más nominaciones a los premios Goya 2015, que se celebrarán el próximo 7 de febrero, sábado, en el Centro de Congresos Príncipe Felipe del Hotel Auditorium de Madrid. Con 17 nominaciones La isla mínima y 16, El niño, La isla mínimaEl niño los filmes dirigidos por Alberto Rodríguez y Daniel Monzón estarán presentes en las categorías de mejor película, mejor director, actor protagonista (donde Javier Gutiérrez y Raúl Arévalo comparten nominación por La isla mínima La isla mínima) y mejor actor de reparto, entre otros.

Relatos salvajes, una coproducción hispano-argentina en la que participa 'El Deseo' de los hermanos Pedro y Agustín Almodóvar, suma nueve nominaciones, optando también a mejor película, mejor director (Damián Szifrón), mejor actor protagonista (Ricardo Darín) y mejor dirección de producción. Magical girl ha sido nominada en siete categoríasMagical girl. El filme dirigido por Carlos Vermut es candidato a mejor película y dirección. Las interpretaciones de Luis Bermejo, Bárbara Lennie, José Sacristán e Israel Elejalde también optan por hacerse con una estatuilla en la 29ª edición de los Goya.

Las actrices Marian Álvarez, ganadora de un Goya por La herida, y Blanca Suárez, junto al realizador Kike Maíllo, han sido los encargados de desvelar los nombres de los candidatos. Estuvieron acompañados del presidente de la Academia de Cine, Enrique González Macho, y de la notaria Eva Sanz.

La gala que se celebrará el próximo 7 de febrero estará presentada por Dani Rovira (candidato a actor revelación por Ocho apellidos vascos) y dirigida por Juan Luis Iborra. Antonio Banderas recibirá el Goya de honor, según acordó por unanimidad la junta directiva de la Academia. El actor, productor y director estuvo en cuatro ocasiones nominado a mejor actor, pero nunca se ha llevado la estatuilla.

La Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España ha hecho entrega este lunes en la Zarzuela de un Goya especial a los reyes, en reconocimiento a su afición al cine español. Felipe VI ha sostenido el Goya junto a Letizia, para posar después con sus invitados ante los medios gráficos en el Salón de Audiencias. La Academia ha invitado al matrimonio a presidir la próxima gala de entrega de estos premios, que se celebrará el sábado 7 de febrero en el Hotel Auditorium de Madrid.

Felipe presidió cuando era príncipe la gala de los Premios Goya del 2000 en Barcelona, el día de su cumpleaños, el 30 de enero, circunstancia que recordó desde el escenario el director Pedro Almodóvar antes de corear el Cumpleaños feliz. Su padre, el rey Juan Carlos, fue obsequiado con un Goya especial en 1987, con ocasión de la primera edición de los premios, y, junto a doña Sofía, recibió otra estatuilla en la Zarzuela en 2009 de manos del entonces presidente de la Academia, Álex de la Iglesia, durante una audiencia que concedieron los reyes el 23 de noviembre de aquel año a los integrantes de la junta directiva de esta institución.

Nacer en guerra y vivir continuamente en ella. Así son las vidas de los niños palestinos y así las retrata el argentino Hernán Zin en su último documental, Nacido en Gaza, que se estrena este viernes, y que ha sido producido por el periodista Jon Sistiaga y la cantante Bebe. La película fue rodada durante la ofensiva de Israel en la franja de Gaza en el verano de este año, la operación Margen Protector. Un ataque que, como recuerda el filme, dejó 506 niños muertos y otros 3.598 heridos. 

Hernán Zin conoce bien la realidad de enfrentamientos como el que existe entre Palestina e Israel. "He trabajado en muchos de los conflictos del último siglo: Somalia, Sudán, Congo... Pero como Gaza no hay ningún otro. Se trata de una ocupación de tintes coloniales que en pleno siglo XXI es impensable. Es una guerra de ocupación ilegal. Israel nunca ha respetado la hoja de ruta de la legalidad internacional", señala Zin. "Gaza es un gran gueto en donde se prueban todas las armas y técnicas de combate que después se usan en otros sitios, es un laboratorio. He visto muchas técnicas, Israel desarrolla muchas de ellas en lugares como Gaza".

Lo que llevó a Zin a volver a Gaza fue la muerte de cuatro niños en una playa a causa de los disparos del ejército israelí. "Estaba rodando en México cuando mis amigos en Gaza me contaron lo que estaba sucediendo. "Cuando supe lo de los niños que mataron en la playa, me dije: 'Tengo que estar allí'".

El documental se centra en diez menores palestinos, en su día a día bajo las bombas. Uno de ellos, Mohamed, ha dejado el colegio para ayudar a su familia. Todos los días coge su carretilla y vagabundea por los vertederos de la ciudad –de lo que queda de ella– en busca de plásticos para luego venderlos. “Con el dinero que saco ayudo a mis padres y a mi familia” ¿Y qué es lo que saca? Cinco shekel al día, lo que equivale un euro. Mohamed cuenta que mientras trabaja se encuentra bombas entre los escombros.

La película muestra lo conscientes que son los niños, a tan temprana edad, de lo que significa una guerra y de la situación tan complicada en la que está sumergido su país, incapaz de lograr salir a flote, pues, como bien dicen algunos de los ciudadanos que aparecen en la película, cada cierto tiempo vuelven a caer bombas israelíes sobre sus casas.

El director comenta que para los niños palestinos, "Israel es una entidad supraterrenal y todopoderosa que los castiga, los condena y los bombardea". "La relación palestino-israelí se ha roto, ahora están los muros. Israel quiere que los palestinos desparezcan de Palestina", señala Zin, quien apunta que su trabajo y el de sus compañeros ha sido "contar la visión de los niños".

Las calles de la ciudad de Gaza muestran edificios derruidos y chiquillos que juegan entre los restos de lo que antes eran sus casas. Algunos miran a cámara, otros la ignoran. Miradas que no reflejan más que desaliento, una temprana y forzada madurez, señal de que han sido víctimas de vivencias demasiado duras, demasiado reales para unos inocentes niños. Tienen miradas rotas.

"Vi cómo mataban a mi hermano"

Udai cuenta que su padre tenía una fábrica de refrescos. Fue bombardeada con gente en el interior. Su hermano Mohamed, de 22 años, murió durante otro ataque con bombas: “Vi cómo lo mataban. Estaba repartiendo refrescos en su carro y lo alcanzaron. “Mi hermano me quería mucho, me llevaba siempre con él”, recuerda entre lágrimas. Udai tiene pesadillas, dice que ve a su hermano.

Mahmud relata cómo los soldados israelíes destruyen todo a su paso. Sus padres son dueños de una granja situada a 1,5 kilómetros de la frontera con Israel. “Las excavadoras han destruido 11 veces nuestra granja entre 2001 y 2014. Arrasaron nuestra tierra sin motivo alguno. Nosotros somos agricultores pacíficos”, dice. Tras el último ataque israelí, Mahmud se considera “afortunado”: “Esta vez hemos sido afortunados, porque no se murió nadie de la familia o de los vecinos”.

Los niños de Gaza tienen sueños, quieren ser ingenieros agrónomos, médicos o profesores, y poder ir al colegio sin tener que pasar miedo, “igual que la gente normal, sin bombas”, dice uno. Otra niña dice que se siente “agradecida” porque “hay niños que han muerto y otros que están mucho peor” que ella. Más de 400.000 niños necesitan ayuda psicológica.

Tres meses después, en octubre, el equipo de rodaje volvió a la franja para documentar los cambios tras el fin de la ofensiva. "La cosa seguía igual de mal. Israel no deja entrar ayuda humanitaria, no pueden salir a pescar. He acompañado a niños a la frontera para operarse y no les dejaban salir de Palestina", recuerda Zin. Todos los niños tienen un mismo temor: que vuelva la guerra.

El cine español ha alcanzado en 2014 la mejor taquilla de su historia en términos absolutos, con 123 millones de euros recaudados sin terminar el año, frente a los 119,8 millones de 2012 (que era la más alta hasta ahora), según datos de la Confederación de Productores Audiovisuales Españoles (FAPAE).

Además, el cine español, a 7 de diciembre, según datos de Rentrak, ha alcanzado el 25,5% de la taquilla en España, lo que supone el mejor dato de los últimos 37 años. Según FAPAE, estas cifras suponen que el cine español lleva recaudados un 75,3% más que en 2013 y los espectadores han aumentado un 89%, con 20,8 millones de euros en 2014.

Los productores han atribuido estos resultados a diversos títulos españoles, siendo cuatro las producciones españolas que han superado el millón de espectadores en 2014. Entre ellas, han destacado 8 apellidos vascos (LaZona Films, Kowalski Films, Snow Films AIE, Telecinco Cinema), que alcanzó los 56 millones de euros y los 9,5 millones de espectadores.

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En el ranking de las películas españolas más vistas del año, en segunda posición se encuentra El Niño El Niño(Ikiru Films, Vaca Films, El Niño la Película AIE, Maestranza Films, Telecinco Cinema, La Ferme! Productions), que ha llegado a 16,2 millones de euros, mientras que Torrente 5: Operación Eurovegas Torrente 5: Operación Eurovegas(Amiguetes Entertainment, Telefónica Studios) es la tercera película española más vista con 10,7 millones de euros.

En cuarto lugar está La isla mínima (Atípica Films, Sacromonte Films, Antena 3 Films), todavía en cartel y que ya supera los 6 millones de euros. La quinta película es la coproducción con Argentina Relatos salvajes (El Deseo, K&S Films), también en cines actualmente y que ya ha alcanzado los 4 millones de euros.

Otros éxitos españoles del año han sido Mortadelo y Filemón contra Jimmy el Cachondo (Zeta Cinema, J. Cohen Productions AIE), con 2,6 millones de euros acumulados en su segundo fin de semana de exhibición; Pancho, el perro millonario (Four Luck Banana, Antena 3 Films), con 2,5 millones de euros de recaudación; Perdona si te llamo amor (Perdona si te llamo amor AIE), 2,1 millones de euros o Carmina y amén (Andy Joke, Telecinco Cinema), con casi 2 millones de euros.

Hitos en 2014

En cualquier caso, dos películas españolas han sido las más vistas del año: por un lado, '8 apellidos vascos', que se ha convertido "en todo un fenómeno social que superó todos los récords". "No solo es la película más taquillera de 2014, sino que se ha convertido en el largometraje español con mayor recaudación de todos los tiempos y en el segundo en términos generales, solo por detrás de Avatar'Avatar", ha señalado FAPAE. inicio video embed

fin video embed Por su parte, 'El Niño' ha sido la segunda película más vista en España este año, toda vez que a lo largo de 2014 se han conseguido otros datos "excelentes". Así, el cine español logró el 70% de la recaudación en el fin de semana del 4 de octubre, con tres películas: Torrente 5, La Isla Mínima y El Niño'

Apoyo de las cadenas de televisión

"Los productores están contentos por haber conseguido conectar con el público a través del cine destinado al gran público así como el denominado cine de autor, dando lugar a una amplio catálogo de películas, con el objetivo de satisfacer los diferentes gustos de los espectadores", ha indicado el presidente de FAPAE, Ramon Colom.

"Estas cifras justifican la necesidad de seguir apoyando a nuestro cine como ejemplo de una industria sólida y con muchas posibilidades", ha subrayado. La Confederación FAPAE, que aglutina a las productoras que han conseguido estos éxitos, ha felicitado también a los productores y creativos que han intervenido en las mismas.

En este sentido, ha reiterado que las cadenas de televisión "tienen un papel fundamental" en el éxito de las producciones y, especialmente, con la promoción que pueden ofrecer. "Las producciones que este año han contado con participación televisiva han sido muy rentables, lo que demuestra que la industria cinematográfica española es rentable", ha concluido.

El actor Antonio Banderas será galardonado con el Goya de Honor en la gala de los Goya del próximo mes de febrero, según anunció este lunes la Academia de Cine en un comunicado.

La Junta Directiva acordó por unanimidad premiar al actor, director y productor por su "fulgurante carrera a ambos lados del Atlántico, en la que ha desarrollado una versátil trayectoria como intérprete, ha mostrado su punto de vista como realizador y se ha inmerso en el terreno de la producción para apoyar valores nacionales".

Según destaca la Academia, desde su estreno en la película Laberinto de pasiones (1982), la primera de sus colaboraciones con Pedro Almodóvar, su incursión en la ciencia-ficción, más de 90 películas "acreditan" a este profesional que también ha triunfado en Hollywood, se ha sentado en la silla de director con Locos en Alabama y El camino de los ingleses y ha triunfado en Broadway con Nine.

Banderas ha sido nominado en cuatro ocasiones al Goya (Matador, ¡Átame!, Two Much y La piel que habito) y ha sido galardonado con la Medalla de Oro de la Academia en 2004. A sus cinco trabajos con Almódovar se suman también Réquiem por un campesino español, La corte del faraón, Bajarse al moro o ¡Dispara!, entre otros títulos.

Otros de los reconocimientos que ha recibido son el Premio Donostia y Premio de Honor del Festival de Cine Fantástico y de Terror de Sitges, a los que suma la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes y varios títulos de doctor Honoris Causa por el Dickinson College, la Universidad de Pennsylvania y la Universidad de Málaga.

El actor Dani Rovira será la persona encargada de conducir la 29 edición de los Premios Goya, que se celebrará el próximo 8 de febrero de 2015, según ha anunciado este martes la Academia de Cine.

En el acto han estado presentes también el presidente de la Academia, Enrique González Macho, el director del área de cine y ficción de TVE, Fernando López Puig, y el director de contenidos y antena de la televisión pública, Francisco Antonio Díaz Ujados.

La pasada edición fue conducida por el periodista y cómico Manel Fuentes, mientras que las dos anteriores fueron presentadas por Eva Hache, la quinta mujer en la historia de los premios que asumió la presentación en solitario. Antes fueron presentadores también José Corbacho (2007 y 2008), Carmen Machi (2009) y Andreu Buenafuente (2010 y 2011).

Seis historias. Un número indeterminado de muertes, una bomba, un intento de suplantación de identidad, una doble traición amorosa. Violencia, pánico, intriga y… sobre todo, montones de risas. A base de agregar elementos –algunos en apariencia incasables, aunque ya se sabe aquello de los opuestos-, la película argentina Relatos Salvajes ha conseguido la mayor suma jamás alcanzada en su país de origen: la que da como resultado la mayor recaudación de la historia desde que se estrenara hace algo más de dos meses, y el mayor número de espectadores, tres millones.

Dirigida y escrita por Damián Szifrón (Tiempo de valientes, El fondo del mar), la cinta compone una suerte de colcha antiestrés tejida con media docena de retales. El hilo que une esos fragmentos, cada una de las historias independientes que componen el filme, es la idea de detonación. El elemento, el gesto, la situación o la palabra que hace que uno pierda definitiva e irreversiblemente la paciencia, y con ella la cabeza, ante lo que considera injusto o inaceptable. Y estalle. Algo que, seguramente, no resultará una idea ajena en esta España de los escándalos diarios.

Actores como Leonardo Sbaraglia o Ricardo Darín se sitúan a la cabeza de un excelente reparto coral, capaz de dar vida propia a unos cuentos cargados de ese no-se-sabe-qué que, casi subrepticiamente, desapercibido, hace que todo cuadre y funcione. Las agudas carcajadas en la sala, amén de las cifras cosechadas, servirían de prueba suficiente. Pero hay más reconocimientos. Allá, al otro lado del charco, han confiado en ella para representarles en los Oscar como mejor película de habla no inglesa. Y acá, en España, está nominada también a los Goya, a la mejor película iberoamericana.

Muy joven, de rostro casi ingenuo, claro; perfectamente agradable y tan centrado como distendido, Szifrón (Buenos Aires, 1975) recibe a infoLibre en la sede madrileña de El Deseo, su productora. La de Pedro y Agustín Almodóvar, que demuestran nuevamente un fino olfato por la calidad. Y le preguntamos por el boom de Relatos salvajes, de estreno en España este viernes 17. 

Quería empezar por preguntarte sobre el título de la película: cuando lo escuché por primera vez, pensé: 'No tengo ni idea de qué puede ir esta película'. Sin embargo, después de verla, lo que pensé fue que no podía haber mejor título. Efectivamente, son relatos y son muy, pero que muy salvajes.

La verdad que pasé mucho tiempo buscando un título, y cuando apareció ese, me di cuenta de que era el más adecuado y de que no podía haber otro superior. De hecho, el título le dio vida al proyecto, porque hasta ese momento tenía distintas historias y cuando elegí este conjunto de todas las que tenía escritas pensé cuál era el denominador común que las atravesaba. Entonces, eran relatos breves y la palabra fue salvajes. Y sentí, sí, que esa era la palabra correcta, y que además me parece que conecta con un deseo de la especie, que es darle lugar a eso que también tenemos: también somos animales, también tenemos instinto, y no se puede reprimir diariamente por siempre. Como que hay algo ahí que está tratando de salir: la palabra conectaba todas las historias y generaba ese deseo de liberación en el espectador, y que era un deseo que yo también tenía como escritor, y que de repente había atravesado todo el proceso.

Todas son historias de algo así como 'la gota que colma el vaso'…

Ese podría haber sido otro título, sí: la gota que colma el vaso.

¿Y lo que te inspira es la realidad de Argentina, o la vida en general?

De hecho, la película se está proyectando en un número enorme de lugares, y las audiencias siempre responden de una forma muy efusiva, es decir, se ríen a carcajadas en cualquier país. Entonces, yo pienso que de alguna manera toca una temática que nos es común en este momento, y no necesariamente la circunscribiría a Argentina. Obviamente, yo soy de allá y la escribí allá y estoy influenciado por los estímulos que recibo en la calle todos los días. Pero luego lo que la película me parece que hace es agarrar todos esos elementos de la cotidianeidad y transportarlos al mundo de la fantasía y al reino de la imaginación y jugar desprejuiciadamente con esos conflictos convirtiendo la experiencia de ver la película en algo más parecido a Cuentos asombrosos, Al filo de la realidad, La dimensión desconocida, o las viejas series tipo Alfred Hitchcock presenta… Todos mundos que a mí me resultaban muy atractivos de chico. Y de hecho, ahora estamos yendo a Sitges, que es un festival de cine fantástico, y la película no tiene ningún elemento sobrenatural, pero se la percibe adecuada para ese festival, así que bueno, creo que convive eso: la cotidianeidad y la fantasía, la realidad y lo fantástico.

Desde la perspectiva de España está desde luego más del lado de la realidad que de la ficción, porque aquí hay más de uno muy a punto de explotar. Creo que aquí, más que en ningún otro sitio, se va a entender muy bien.

Puede ser, y por la experiencia que tuve hasta ahora, que fue la de San Sebastián y la de proyecciones privadas que se hicieron acá en Madrid, la repercusión que está teniendo es buenísima, y creo que se va a entender muy bien acá en España.

Porque también hablas de cuestiones muy candentes, como la corrupción.

Yo creo que a veces la corrupción tiene un efecto curioso, y es que nos hace pensar que es el único problema del sistema en que vivimos. O sea, tapa otras cosas, la corrupción. Tapa un sistema perverso que tiene toda la ideología de la sociedad contemporánea, digamos. Aun sin corrupción a mí me parece terrible, y creo que todos, de una forma u otra, intuimos que las reglas, las leyes, los deseos que nos inculcan en relación al consumo, la exigencia impositiva… Creo que todos entendemos que ese conjunto de elementos no está diseñado en función de nuestro beneficio, sino del beneficio de un grupo increíblemente reducido de personas. Y aun así lo toleramos porque lo intuimos muy difícil de cambiar, pero cada tanto alguno explota. Creo que nos deprime a todos y detona a algunos, y esta es una película que habla de los que estallan. Y de alguna manera, en la sala todos entendemos por qué estallan los que estallan, todos podemos establecer esa conexión, y es mejor ver que estallar otro que no estallar uno, porque tiene consecuencias.

¿Esto lo querías plantear más a modo de moraleja, o simplemente de comentario?

Te soy muy sincero: primero, en proyectos que hice antes, yo pensaba la estructura de la totalidad de una película, o de una historia, y sabía cómo terminaba antes de empezar a dialogarla. Digamos que había un abordaje que en algún momento podía ser un poco más racional. En el caso de Relatos salvajes, aparecieron los conflictos, aparecieron las ideas disparadoras de cada relato y me abandoné a esas situaciones como si yo fuera el personaje, e iba andando de la mano del personaje. Y con la audiencia, te diría, porque también la tenía muy presente a la hora de escribir, íbamos progresando en la evolución de cada relato. Y el final de una historia es el que, en todo caso, puede dejar o no una moraleja. Yo lo desconocía, y no fue fruto de una voluntad externa que quería expresar algo, sino de un intercambio de diálogos y de acciones entre personajes que se expresaban libremente –dentro de la imaginación, digamos- y me iban llevando hacia esos desenlaces. Así es que no tenía la intención de expresar una idea moral, pero soy consciente de que por ahí se expresa igual. Es un resultado, más que un objetivo.

La película ha sido un enorme éxito en Argentina…

Demencial, sigue primera allá, hace más de dos meses que se estrenó y está primera en recaudación, es un récord histórico total.

Y está también preseleccionada para los Oscar. ¿Te imaginas una comedia así ganando el Oscar?

Y para los Goya.

Ah, ¿sí? Porque no se suelen premiar comedias así…

No, no, no… y también fue elegida para Cannes, por ejemplo, y de pronto esta película estuvo en competencia en el Festival de Cannes. Está pasando algo extraño con la película, evidentemente, que ni remotamente estaba previsto. Tiene vida propia, es muy orgánica, y va avanzando casi sin que la empujemos de atrás, se va abriendo camino sola. A la hora de pensar en esos premios, la verdad es que yo ya estoy en un punto donde no le pido nada más a la película. Siguen apareciendo estas cosas y estas posibilidades que obviamente te generan un entusiasmo, pero sobre todo la sensación que tengo es de gratitud, para con la película misma y para los que estuvieron involucrados y me ayudaron a ponerla de pie.

El caso es que ahora te estaba preguntando por una 'comedia así', pero leí en una entrevista que tú no la calificarías de comedia. ¿Cómo la calificarías entonces?

Bueno, en algún momento algún productor mencionó la idea de 'comedia catástrofe'. No es solo una comedia, no digo que no sea una comedia. Creo que tiene mucho humor, pero al mismo tiempo no está actuada en tono de comedia, y creo que el espectador no tiene la seguridad que las comedias producen, y que es que vos sabes que van a terminar bien. Como cuando estás viendo una película de Buster Keaton, o una película protagonizada por Ben Stiller o por Jim Carrey, sabes que al final el personaje va a alcanzar su objetivo, y los peligros van a desparecer, y de hecho te reís de los peligros porque intuís que la cosa va a salir bien. En el caso de Relatos Salvajes, me parece que hay algo de imprevisibilidad y de terror que también está operando, y que es que vos te identificas con los personajes pero no tienes ni la menor idea de hacia donde se está dirigiendo. Y yo no la tenía mientras lo estaba escribiendo. Creo que operan las dos cosas.

Recuerdo que tuve una sensación bastante cabal dirigiendo el episodio de Leonardo Sbaraglia, que es además el último que rodé, el de la disputa en la ruta, y es que me di cuenta de que estaba dirigiendo a los actores como si fuera una película de Haneke, y era muy dramático lo que estaba ocurriendo, pero la cámara, la fotografía y el resto de los elementos de la puesta en escena los estaba pensando más bien como el Coyote y el Correcaminos. Estaba ese contrapunto operando casi en cada momento. Entonces, siento que la película tiene un tono así: por una parte es muy dramática y presenta altas cotas de violencia, pero de pronto la gente también se ríe a carcajadas. Entonces, se combinan los dos elementos de una forma saludable. A veces está la intención, y es muy riesgoso, digamos, ese tono, pero en este caso creo que, juzgando la repercusión que tiene, lo hicimos bien.

Damián Szifrón, a la izquierda, junto a uno de los actores de 'Relatos salvajes'.

En estos tiempos parece, además, que triunfan las comedias. ¿Puede ser porque el humor es una buena vía para hablar de las cosas serias?

El humor es un recurso natural de la especie humana, que debe ser de las únicas, si dejamos de lado las hienas, que lo usamos. Y es fruto de la memoria, de poder recordar y de imaginar un escenario futuro y definitivamente también es un mecanismo de defensa, de protección y de conexión con los otros. Por ejemplo, en el cine, una carcajada frente a un mismo estímulo nos vuelve conscientes de que compartimos muchas fantasías y muchos temores. Nos sentimos solos a diario, pero en un cine, cuando todos se ríen al mismo tiempo, dices, ¡ah, nos pasa a todos, esto! Entonces, es muy saludable, es muy catártica la experiencia del humor. Pero la verdad es que yo lo tengo en la vida cotidiana también, probablemente sea algo familiar, medio que no concibo ninguna relación casi sin el humor, me cuesta. Y de hecho, cuando conoces a alguien que no tiene mucho sentido del humor, un poco siento que no sé de qué hablar, entonces, bueno, es un elemento que está ahí, quiera o no quiera se presenta de alguna forma, porque además en la vida diaria, aún en las situaciones trágicas o dramáticas, está presente.

Y, ¿qué hay de Pedro Almodóvar? ¿Cómo se ha metido en el proyecto?

Tuve la enorme suerte de que Pedro y Agustín (Almodóvar, ambos productores de la película) vieron Tiempo de valientes acá (en España), una película que estrené en 2005, y les encantó. Y que un director de esa envergadura, y con esa trayectoria, que de pronto me hayan convocado para producir o coproducir el próximo proyecto que hiciera, desde ya que me generó mucha seguridad, mucha confianza, y bueno, fueron extraordinarios productores. Toda la gente de El Deseo, Pedro y Agustín, y Esther García, que está por ahí fuera (la entrevista se celebró en la sede de la productora de los Almodóvar, El Deseo), que es una productora legendaria, que ha estado desde las primeras películas de Pedro. Estuvo mucho en Buenos Aires, en el rodaje, y la verdad que pusieron todas sus conexiones, todos sus contactos, todo su conocimiento en función de que nosotros hiciéramos el mejor trabajo posible. Habla de gente muy sana que cuando encuentran un guion valioso lo quieren apoyar, y bueno, tienen la posibilidad de conectar a nuevos directores con un público que ya los sigue y los respeta, y no todos tienen la generosidad de establecer esa conexión, y ellos las tienen.

Entre aquella película, Tiempo de valientes, y ahora, has estado haciendo mucha televisión. No sé si tiene algo que ver con tu cine la televisión que haces. Tiempo de valientes

En realidad no. Yo hice dos series y dos películas antes de relatos salvajes. Las series fueron Los simuladores y Hermanos y Detectives, que tuvieron versiones acá en España, pero obviamente yo hice las originales, y después hice El fondo del mar y Tiempo de valientes. Y todo eso lo hice en un lapso de cinco años, entre el 2001 y el 2006 ocurrió todo eso. Y después ahí paré. Me vi un poco acostumbrado, probablemente por los tiempos televisivos, a rodar un episodio mientras escribo el que voy a rodar la semana que viene, y mientras compagino el que rodé dos semanas atrás. Y eso, que era una herramienta, de pronto sentí que era un defecto y me podía volver una persona demasiado práctica, que no diera lo mejor de sí misma frente a cada aventura que para mí debe implicar un nuevo proyecto cinematográfico.

Los proyectos son distintos y a cada uno hay que prestarle una atención particular, no trabajar con las herramientas que ya tienes, sino en el mejor de los casos, encontrar herramientas nuevas, exclusivas para ese proyecto. Y ese tiempo no lo tenía, así que decidí dedicarme solo a escribir, y desarrollé muchos proyectos: una trilogía de ciencia ficción, que se llama El extranjero, una película de amor, que se llama La pareja perfecta, y un western hablado en inglés. Y, por otro lado, Relatos salvajes. Y luego, cuando empezara a dirigir, quería dedicarme solo a dirigir. Entonces, cuando dirigí Relatos Salvajes estuve dedicado solamente a eso.

Así que hice mucha televisión, es posible que eso me haya dado herramientas. Pienso que la televisión está claramente demostrando que puede ser un espacio muy frondoso para la libertad creativa, la calidad, y bueno, es vox pópuli que las mejores cosas de por ejemplo EEUU han aparecido en televisión más que en el cine, las cosas más sorprendentes, más disruptivas, así que bueno, nunca tuve ese pudor en relacionar la televisión o esa sensación de que era un medio menor. Sí sentía que iba a tardar en dar lo mejor de sí misma, pero como le ocurrió al cine, que se le consideró un espectáculo circense durante una gran porción de tiempo, y se suponía que lo serio era el teatro y no el cine. Y cuando apareció la fotografía, el mundo de la pintura también reaccionó de una manera muy hostil contra los primeros experimentos, nadie le veía valor artístico hasta que bueno, hoy tenemos los grandes fotógrafos que tenemos.

Pero Relatos salvajes me parece que encuentra su fuente de inspiración, más que en la televisión, por la idea de distintos capítulos, me parece que tiene que ver más con las antologías de cuentos de la literatura. Los primeros libros que yo leí, apenas aprendía a escribir, despuñes de los manuales de la infancia, fueron unos volúmenes que compiló un catalán, que se llamaba Relatos maestros del misterio, Relatos maestros policíacos y Relatos maestros del terror. Eran tres libros de cuentos, que ya las carátulas me parecían tremendamente enigmáticas, y leer el índice, sobre todo, y ver los títulos, muy diversos y muy atractivos, y que cada historia durara diez o doce páginas, me parecía algo fascinante. Y después bueno todas las series que mencionamos antes: Cuentos asombrosos, Cuentos de la cripta… Una película que me impactó mucho fue esa de Historias de Nueva York, con un episodio de Scorsese, de Coppola y de Woody Allen, como modelo de película, me parecía muy convocante. Cuando este tipo de películas están bien hechas, a mí me suenan que son muy atractivas de ver.

Todos están muertos: nuestros grandes ídolos del pasado, aquellos seres queridos a los que echamos de menos y que nunca volverán. Y están muertos también los que se quedan aquí, en algún limbo, alejados del mundo, encerrados en su propio universo y en su propia desgracia, durante años y años. Beatriz Sanchís se estrena como directora con esta película, que llega a los cines el 30 de mayo, tras conseguir cuatro premios en el Festival de Málaga. Dos elementos clave acompañan esta peculiar historia que utiliza la muerte para hablar de la vida: amor y música, mucha música. 

El filme cuenta la historia de Lupe (Elena Anaya), su hijo Pancho (Cristian Bernal) y su madre Paquita (Angélica Aragón). Una familia rota desde que, catorce años atrás, el hermano de Lupe (Nahuel Pérez Biscayart) muriera en un accidente de tráfico. Lupe no ha podido superar esta pérdida y lleva todo ese tiempo sin salir de su casa, entre tutoriales de inglés y tartas de manzana para no pensar mucho en sí misma, renunciando a su pasado y a cualquier posibilidad de futuro. La difícil historia de Lupe contrasta con la versión del inocente narrador, su hijo, que no sabe cómo hablar con la “loca” de su madre (en otro tiempo estrella del rock) y que logrará hacerlo gracias a Víctor, su amigo más melómano (Patrick Criado). 

Finalizada después de tres años de trabajo, Sanchís cuenta que decidió hacer un casting por los colegios de Madrid para encontrar “al chico perfecto” que interpretara a Pancho. “Cristian Bernal es un chaval que no ha hecho nunca nada, es su primer contacto con la interpretación y, la verdad, lo cogí porque me enamoré de él cuando le vi: su mirada, su esencia, su alma… vi que era la persona perfecta para encargarle este personaje”.

"Hay que probar cosas nuevas"

La directora se lanzó a dirigir su primera película tras años trabajando en el sector y confiesa que no le faltaron comentarios recordándole el momento tan difícil que vive el cine español, pero ella se mantuvo en sus trece: “Tenemos que ser optimistas y no podemos dejarnos llevar por el momento sino por las ganas de hacer cosas”.

“Hay muchos factores que están haciendo que cada vez se ponga más complicado ir al cine y que cada vez tengamos menos espectadores en las salas”, comenta Sanchís, que sabe que el sector se enfrenta a grandes problemas (la elevada tasa del IVA, la piratería, la crisis que afecta a los bolsillos de productores y espectadores). “Estamos en un momento en el que tenemos que probar y experimentar cosas nuevas y canales de difusión, de distribución, formas de conectar con los espectadores... Hay una cosa que está clara, todo el mundo ve películas y todo el mundo quiere seguir viendo películas, lo que pasa es que tenemos que encauzar la manera de hacerlo para que la industria pueda seguir viva. Si seguimos así la industria morirá”.

Su película es un homenaje a esas tres cuestiones que marcaron su vida: la muerte (un íntimo amigo suyo falleció siendo muy joven, lo que le llevó años superar), la música (se confiesa una auténtica melómana) y el amor. "Son estos tres elementos los que rompen la familia y los que al final acabarán volviéndola a recomponer”.

Todos están muertos se llevó la Biznaga de Plata a la Mejor Banda Sonora Original, creada por Akrobats. De hecho, la canción principal del filme, Corazón Automático, interpretada por Nahuel Pérez y Elena Anaya, tiene videoclip propio y lleva semanas difundiéndose a través de redes sociales.

No es la única sorpresa de la película: todo el elenco ha hecho su aportación musical de una forma o de otra, cantando o, como Patrick Criado, tocando la guitarra. “Muchas veces digo que mi película es como un bombón relleno de licor: ves el chocolate, es bonito; lo chupas y sabe a chocolate, es dulce; pero conforme lo vas chupando hay un momento en el que sale todo el licor que lleva dentro. Tienes un momento de desconcierto, pero esos dos sabores al final conviven”.

Personajes inspirados en la música

Algunos de los protagonistas acudieron el pasado 22 de mayo a la Universidad Complutense de Madrid para presentar la película ante los estudiantes. Allí estuvieron Elena Anaya y Patrick Criado (la ganadora del Goya, Macarena García, otra de las intérpretes, no pudo acudir finalmente), contando sus propias experiencias.

Anaya revela que fue la primera en conocer el proyecto Sanchís, quien le enseñó los primeros bocetos del guión para saber su opinión. “Me gusta muchísimo, es la bomba”, le respondió Anaya. Un año después, cuando ya estaba terminado, Sanchís le dijo que el personaje de Lupe era para ella, que lo había escrito para ella. “Me hizo una ilusión increíble”.

El joven Patrick Criado ya cuenta con un nutrido currículum (Águila Roja, La Gran Familia Española…), y directora y protagonista coinciden en que trabajar con él es muy fácil. Él, por su parte, dio algunos truquitos sobre la preparación de su personaje, reconociendo que se pasó horas y horas viendo documentales sobre Kurt Cobain, tratando de imitar sus maneras, sus miradas e incluso su forma de coger la guitarra. “Bea [Sanchís] me dijo que quería que el personaje fuera un rockero del año 96 y qué mejor que que se pareciera a Kurt Cobain”.

Entrar en la piel de un personaje tan controvertido como el de Lupe fue algo más difícil para Elena Anaya. “Para tratar de entender a Lupe me pasé mucho tiempo en casa sin querer salir viendo qué era eso, a mí me gusta la calle más que nada. Quería saber qué sensación tiene uno cuando se levanta, abre las ventanas, corre un poco por el pasillo y vuelve a cerrar y dices 'eso es todo el aire fresco que vas a tener cada día'”. Aunque fue una casualidad, Anaya buscó referentes en el panorama de la Movida y lo encontró en Ana Curra, conocida teclista de Parálisis Permanente. De ella tomó el peinado y muchos gestos al piano para enterarse tiempo después que la historia que vivió la cantante en la vida real es parecida a la que narra la película. “Fue pura casualidad”.

La actriz confiesa que es muy selectiva con los proyectos que le llegan y que solo acepta los papeles que le parecen verdaderamente interesantes. “No hay tan buenos proyectos. Me gusta mucho mi trabajo y lo hago con mucha dedicación, pero cuando elijo un proyecto lo hago porque me apetece que el público vaya al cine y disfrute de una buena historia. Cuando me llegan historias que no me aportan mucho, prefiero no hacerlas”.

Arranca la “semana grande de Carmina”. Lo anunció ayer el pregonero oficial del reino de la comunidad de vecinos, el muñidor de la fiesta de la comedia surrealista-costumbrista, Paco León. Junto a su madre, Carmina Barrios, y su hermana, María León, sus dos musas y protagonistas, el sevillano presentó ante los medios su segundo largometraje como director, Carmina y amén. Antes del estreno este miércoles 30 de la secuela de la aclamada Carmina o revienta (y punto final de la saga), los fastos se inician hoy, martes 29, con barra libre: la película se podrá ver en más de cien salas de toda España gratuitamente, una iniciativa pionera que quiere, explicó el cineasta, “continuar el espíritu experimental” de su primera incursión tras las cámaras.

“Nunca he tenido una intención mesiánica”, apuntó en rueda de prensa el también actor, que para su anterior filme concibió un novedoso estreno multiplataforma simultáneo en cines, DVD e Internet. “Aquello salió bien porque se daban las condiciones, porque era una película extremadamente barata. Ahora hemos querido buscar una manera diferente y legal, que también sirviera de percha de comunicación, que ayudara en la promoción”. “Esto es una demostración de la fe ciega que tenemos en la película”, añadió Ghislain Barrois, consejero delegado de Telecinco Cinema, la productora. “Estamos convencidos de que el boca-oreja (que se genere el día del estreno gratuito) va a tener resultados, y pensamos que la película tiene potencial para aguantar esta explotación tan original”.

Muerte en la comunidad de vecinos

Mientras que en la primera película eran las apreturas económicas las que marcaban el ritmo de los pasos de Carmina, en esta ocasión es otro tema de calado universal –la muerte- el que guía el sentido de la trama, teñida con un toque de humor negro y con alguna que otra referencia cultural. Aunque dijo Paco León que estas "no forman parte del método", lo cierto es que -más allá del costumbrismo de halo almodovariano que impregna el filme- los guiños se dejan entrever en frases como "Yo no miento nunca, lo que digo se convierte en verdad", pronunciada en la película por Carmina y en la vida real por Lola Flores, o en alusiones jocosas a la actualidad como el nombre del pájaro enjaulado de la protagonista, Bárcenas. 

Como al padre no se le ocurre otra cosa que morirse en sábado, y justo dos días antes de cobrar la paga extraordinaria, la matriarca toma la resolución de dejarle en casa de cuerpo presente hasta que llegue la fecha de cobro. Y ahí, claro, empiezan las desventuras. Como actriz, la protagonista explicó que, si bien mantiene su carácter, en esta ocasión ha tirado menos de la improvisación. “Sigo siendo la misma, aunque ahora hay mucha ficción, hay guion”, apuntó la intérprete, a quien acompaña un elenco que mezcla actores profesionales y amateur en el que destacan nombres como el de Paco Casaus (el padre) o Yolanda Ramos. “Tenía miedo de que se hubiera resabiado, de que hubiera perdido la naturalidad, pero no ha sido así: ha aprendido lo bueno de la técnica, pero ya”, alabó su hijo, que explicó que la ha dirigido "a través de todos los géneros, del terror a la intriga, la acción y el melodrama". 

A pesar de lo repentino de su fama, Barrios –que también ha interpretado un papel en ¿Quién mató a Bambi? y que aseguró seguir recibiendo ofertas- insistió en que su vida sigue como siempre. “Ella es famosa desde antes”, intervino Paco León, que contó que le han llegado a parar en la calle para hacerse fotos con su madre, en vez de con él. “En Sevilla yo siempre he sido el mayor de la Carmina, y ahora he vuelto a ser lo que era en origen”. Quien sí ha evolucionado, al menos en la pantalla, es el personaje interpretado por María, que -dijo esta- “antes era una adolescente inconsciente, una niñata, pero ahora ya ha crecido, es más madre y es también una mujer empresaria. Está aprendiendo a no juzgar, a entender una manera de amar que es la de Carmina”.

En paralelo a su novedosa “superpremière”, el cineasta tiene preparada alguna que otra sorpresa más, como “un buen arsenal de extras”, un corto en blanco y negro y con textos de Shakespeare grabado durante el rodaje y un “Paco on tour”, una gira por varias ciudades elegidas por concurso online para presentar la película que, dijo, espera que no sea su último trabajo como director. “Me he engolosinado con esto, pero en principio no hay ningún proyecto ni idea, y no me quiero quitar la nariz de payaso, lo principal es la interpretación”, señaló León, para explicar que se ha “radicalizado” a la hora de abordar su labor detrás de la cámara, en la que ha incluido elementos de la Comedia del arte, “en la que el actor es el que escribe, y yo he aplicado esos contenidos”. “Lo que no quiero es hiperresponsabilizarme con una carrera”, agregó. “Lo que quiero es disfrutar”.

Medio país anda revolucionado buscándole explicación al que ha sido el fenómeno de lo que va de año: Ocho apellidos vascos. Que si se trata de un caso de rotundo éxito promocional, que si se debe al buen hacer de los actores, que si por fin se han desmontado los estereotipos regionales… La respuesta, sea cual sea, desemboca en el mismo mar: la película de Emilio Martínez-Lázaro es la más vista de la historia de España, con 6,6 millones de espectadores y una recaudación de cerca de 40 millones de euros (Lo imposible, de J. A. Bayona, todavía sigue siendo la ganadora en este terreno, con algo más de 42 millones, aunque se quedó con 6,1 millones de espectadores). Para el director (Madrid, 1945), la solución a los enigmas de esta comedia sobre un chaval sevillano que, prendado de una vasca, marcha a su tierra para conquistarla haciéndose pasar –enredos mediante- por autóctono del norte, se ramifica en varias explicaciones.

La primera y fundamental: “que hemos tenido un guion que era gracioso pero no solo gracioso, hay entre líneas un poco más. Y también es una comedia romántica, es las dos cosas, y una cosa siempre ayuda a la otra”. “Además de eso, había que conseguir unos actores que fueran competentes y que tuviera vis cómica, y que pudieran hacer la película en un terreno que no fuera la astracanada, que no fuera demasiado exagerado”, explica el cineasta a infoLibre. “Entonces tuvimos la enorme suerte, que eso sí que ha sido suerte, de encontrar a Dani Rovira, que hasta entonces no había hecho ningún papel, era un actor de monólogos, y resulta que ha sido un descubrimiento impresionante, ha resultado ser un actor fantástico. Para mí el rodaje ha sido una maravilla con estos cuatro actores (junto a Rovira, completan el elenco Clara Lago, Carmen Machi y Karra Elejalde), y el resultado es que ha habido una explosión de la gente, que se ha vuelto loca con la película y la está viendo media España”.

Regodearse en el tópico regional –en este caso, vascos frente a andaluces, o viceversa– no es, desde luego, una aportación novedosa a la comedia española. Desde los clásicos chistes de Lepe a aquellas películas del franquismo que, como recuerda Martínez-Lázaro, protagonizaban “el baturro, que era Paco Martínez Soria, o el chulo madrileño, que era Tony Leblanc…”, los clichés sobre las muchas y variopintas idiosincrasias locales han plagado tradicionalmente los espacios culturales para la mofa. La diferencia fundamental, dice el cineasta, es que en aquellos ejemplos el cachondeo llegaba desde una perspectiva contraria a la que ellos proponen. “Aquello era al revés: en lugar de hacer como hemos hecho nosotros, que es quitarle hierro al asunto y hacer ver lo ridículo que es que esas cosas puedan enfrentar a alguien con otro de otra comunidad con otra manera de ser, lo que hemos hecho es ser amables y mostrar que en realidad son tonterías, y reírnos de eso y hacer que el público se ría con nosotros de estas cosas, que no son nada más que lugares comunes y maneras de ser que están condenadas a dejar de existir”.

Haber contado con dos expertos en la chufla hacia y para los vascos, los guionistas Borja Cobeaga y Diego San José, artífices de muchos de los hilarantes sketches del programa de la ETB ¡Vaya semanita!, ha supuesto, dice Martínez-Lázaro, una de las claves a la hora de encontrar el tono y la forma de retratar el carácter de Euskadi. Del lado andaluz, fueron Alfonso Sánchez y Alberto López, creadores de la película El mundo es nuestro –y que en Ocho apellidos... hacen de amigos del protagonista– quienes aportaron el toque que ha hecho funcionar el filme desde ambos puntos de vista. Y tanto ha funcionado, que seguro habrá segunda parte aunque, por el momento, no se sabe sobre qué comunidad recaerá esta vez la broma. "Se va a hacer porque hay una voluntad de hacerla, puesto que ha ido muy bien la primera, y sería una tontería perder este éxito", confirma el director, que califica de "bobada" la jugada que se ha marcado el "pirata" José Frade, que ha registrado las marcas Ocho apellidos catalanes y Ocho apellidos madrileños, que no se usarán. "Pero aún no se sabe nada de lo que va a tratar porque todavía estamos en la fase de hacer contratos, de ver quién la va a hacer, si todos los actores van a ser los mismos, o si los guionistas y el director van a ser los mismos…".

Aunque de tópicos va la cosa, con el que definitivamente no ha cumplido Ocho apellidos vascos es con aquel que dice que los españoles no quieren ir al cine. "Ha sido sorprendente, porque ha ido gente que no iba desde hace treinta años, que hasta preguntaban cómo se hacía para entrar a la sala", reconoce el director, realizador de otras comedias de éxito como El otro lado de la cama y su secuela, Los 2 lados de la cama, además de otros títulos dramáticos como Las trece rosas o Carreteras secundarias". Luego, otra cosa que ha sucedido es que en esta película ha habido muy poca piratería, cosa que a mí me ha dejado sorprendidísimo, porque siendo una película de este éxito, sin embargo es muy difícil encontrarla en Internet, y eso en sí no me lo explico, me resulta incomprensible, pero es cierto, ha pasado también. En esta película han pasado cosas muy raras, y todas buenas".