Es altamente probable que Kamala Harris se pueda convertir en breve no sólo en la primera presidenta indoafroamericana de la historia de los EEUU, sino en la inquilina de la Casa Blanca de gustos musicales más sofisticados. No he visto nunca en redes un momento más cool (Camilo Sesto lo hubiese llamado un momento que mola mazo) que cuando la vicepresidenta fue entrevistada por un pequeño grupo de reporteros, a la salida de una tienda de discos vintage en Washington DC. Ocurrió el 3 de mayo de 2023, pero el pequeño vídeo, que ella misma se encargó de colgar en su cuenta de Instagram (@kamalaharris), se ha hecho viral ahora que sabemos que va a disputarle la presidencia al energúmeno de Donald Trump. La vice había salido a hacer shopping con motivo de la Small Business Week y eligió una tienda de discos, Home Rule Records (HMR para los melómanos), regentada exclusivamente por afroamericanos y especializada en vinilos de jazz, funk, soul y producciones independientes.

–¿Vicepresidenta, qué ha comprado? – le pregunta a la salida una reportera.

Y aquí llega la primera sobrada de la vice. Kamala le hace un gesto como diciendo no sé si quiero perder el tiempo contigo, gesto que acompaña con una pregunta:

–¿Sabes de música?

El subtexto es muy claro: los discos que acabo de comprar son para connaisseurs, apreciarlos requiere tantos conocimientos de música que solo los empleados friquis de la tienda de vinilos de John Cusack en la inolvidable película Alta Fidelidad serían capaces de entender por qué los he elegido.

La periodista titubea un poco, es como si Kamala la fuera a someter a un examen, pero la curiosidad puede sobre el miedo:

–¡Lo intentaré! – dice, acojonada.

La veep (así llaman en EEUU a todos los vicepresidentes) saca entonces tres vinilos de la bolsa de papel en que se los han envuelto y los va comentando uno a uno. Todos tienen carpetas muy chulas, de un tiempo en que los discos te entraban también por los ojos.

–Lo primero de todo, Charlie Mingus.

Kamala lo llama Charlie, no Charles, que es el nombre con el que firmaba sus trabajos. Está exhibiendo su cercanía y familiaridad con el legendario contrabajista y compositor. Si a Mingus lo llamas Charles es como si a Satchmo lo llamas Louis Armstrong o no sabes que a Charlie Parker hay que llamarlo Bird. Estás fuera de onda. El vinilo que ha comprado la vice es Let my children hear music, pero ella no llega a decir el título, porque considera suficiente el mostrar la mítica carpeta de un álbum del que Mingus dijo siempre que era su obra maestra.

Esto es jazz para entendidos, del que ponía Juan Claudio Cifuentes, Cifu, en Jazz entre amigos. Con cualquiera de las piezas del disco puedes vaciar una discoteca en medio minuto, porque es música sesuda, experimental, jazz para escuchar, como el bebop, no para bailar, como el swing.

¿Estamos asistiendo a una sesión de postureo kamaliano? La pregunta es legítima ya que mucha gente escucha jazz, aunque no le guste, porque le han dicho que es de izquierdas y se niega a ir a la ópera, aunque le guste, porque muchos dicen que es la música de la derechona. Yo mismo, en el Festival de Jazz de Vitoria, al que en tiempos iba todos los años, tuve que aguantar que en un recital de Chick Corea, la novieta que me acompañaba me mirara con odio por haberla arrastrado al concierto y que ante mi negativa a evacuarla del Polideportivo de Mendirrotza y devolverla de urgencia al hotel, no parara de decirme:

–¡No hagas como que te gusta, porque no te estás enterando de nada!

Confieso que sus reproches tuvieron tal fuerza, que aún a día de hoy no sé si me quedé al concierto porque estaba disfrutando o para que los buenos aficionados no pudieran decir al día siguiente:

–¿Pradera? ¡Un cateto! ¡Se salió anoche del concierto de Chick Corea!

Pero lo de Kamala os aseguro que no es postureo, porque en su hogar se respira jazz de la mañana a la noche. Quiero decir jazz de verdad, no tipo Kenny G., como el que tocó Bill Clinton al saxo en el show de Arsenio Hall (una actuación que dicen que le valió la victoria en las elecciones de 1992). El marido de Kamala, el abogado Doug Emhoff, second gentleman de los EEUU, es un auténtico jazz nerd. Tanto es así que a los hijos que tuvo con su primera mujer, Kerstin, (de la que se separó tras ponerle los cuernos con una de las profesoras del colegio de sus retoños) les puso Cole y Ella, en homenaje a John Coltrane y a Ella Fitzgerald. Por cierto que Coltrane también es el músico favorito de Obama, que suele citar A love supreme como su álbum de referencia. Pero lo de Emhoff (que conoció a Kamala en una cita a ciegas), es –como diría el Saza de Amanece que no es poco– auténtica devoción.

–El jazz es la banda sonora de mi vida – confesó en una entrevista a The Atlantic en junio de este año.

Heredó la pasión por el jazz de su padre, un real aficionado (para distinguirlo de los que compran jazz por postureo), en cuya discoteca descubrió desde el Giant Steps de John Coltrane al Kind of Blue de Miles Davis.

–Si hubiera tenido más hijos –le dijo al periodista– probablemente los habría llamado Miles, Chet (por Chet Baker) y Betty (por Betty Carter).

Pero volvamos al momento cool de la salida de Kamala de la tienda de vinilos.

–Realmente, uno de los más grandes intérpretes de jazz de todos los tiempos – remata la vice.

La conexión emocional de Kamala con Mingus no es tanto con ese disco en concreto, sino con el propio Charlie.

Porque podría haber añadido:

–Charlie es, además, un mestizo, como yo.

Recordemos que Donald Trump se burló de ella a primeros de agosto, más o menos en estos términos:

–¿Es india o es negra? Porque hace un tiempo iba de india, y ahora resulta que es negra.

Charlie Mingus era un afroamericano de piel más bien clara, como su padre, pero no lo suficientemente clara para pasar por blanco entre los blancos ni lo suficientemente oscura para pasar por negro entre los negros. Aunque su padre (que incluso tenía ojos azules) siempre le advertía de que no se mezclara con esos pequeños negratas ignorantes, Mingus se enteró por las malas de que era más negro que blanco cuando una pandilla de mexicanos del gueto de Los Ángeles donde vivía le dio una tunda y lo llamó nigger, que en los EEUU resulta tan ofensivo que incluso cuando se discute el término en público se habla de “esa palabra que empieza con n” (the N-word).

Por si la conexión de Kamala con Charlie vía mestizaje no fuera suficiente, hay que decir que Mingus, en los últimos años de su vida, probablemente para aplacar sus demonios internos, se refugió en el hinduismo. Tanto es así que su viuda, Sue, cumpliendo sus últimas voluntades, esparció sus cenizas en las aguas del río Ganges. No hace falta recordar que la madre de Harris era de Tamil Nadu, el estado más sureño de la India.

Mingus fue conocido como el hombre enfadado del jazz por ser tan colérico en sus modales como genial en sus composiciones. Si hablabas demasiado en un club durante una de sus actuaciones, no solo te increpaba, sino que te perseguía hasta la calle. Si él mismo no estaba a la altura en una actuación, podía cargarse, por rabia, su propio contrabajo. Y si eras un músico de su banda y tenías una mala noche, te daba un puñetazo en la boca, como le hizo a su trombonista de toda la vida, el pobre Jimmy Knepper, que perdió un diente como consecuencia del mingazo y con él, toda una octava de su tesitura.

Los otros dos vinilos que nuestra gran esperanza negra muestra a la reportera son bastante más luminosos que el de la tenebrosa carpeta de Charlie, y los acompaña con estos comentarios:

–Uno de mis álbumes favoritos de todos los tiempos –dice blandiendo la mítica carpeta amarilla de Everybody loves the sunshine, del no menos mítico vibrafonista Roy Ayers–. ¿Lo conoces? ¡Es tan bueno! ¡Es un clásico!

No hay contraplano de la reportera, pero la imaginamos más aliviada, porque la música es mucho más accesible.

–Por último – termina Kamala–, Porgy & Bess. Y esta es una versión muy bonita, con Ella Fitzgerald y Louis Armstrong.

Un periodista irreverente como yo, de haber estado ahí ese día de reportero, le habría dicho a Kamala:

–¡Eh, un momento, conozco ese disco y no es la ópera completa, sólo es un best of de las canciones! ¿Intentando ir a lo fácil, no, vicepresidenta?

Ahora hablando en serio: ¿por qué es tan prometedor que a la futura presidenta de los EEUU –¡quién puede perder si te respaldan Oprah o Beyoncé!– le fascine una música tan sofisticada como el jazz?

Muy sencillo: los gustos musicales de Kamala apuntan a una mente compleja. Y si para mí hay un cáncer en el mundo de la posverdad que estamos viviendo es el del populismo: vender soluciones sencillas a problemas complejos.

¡Suerte, Kamala!

El día a día está plagado de melodías. En verano, al igual que en cualquier otra estación, esto no cambia, y Mertixell Batet (Barcelona, 1973) lo sabe bien. “Os quiero hacer una recomendación musical para este verano”, dice la actual presidenta del Congreso de los Diputados. “Últimamente he recuperado un disco que me encanta y que se ha convertido en una grata compañía en estos días”, confiesa la miembro del PSC para recomendar Voice (2011) de Hiromi Uehara. Una artista a la que Batet define como “una virtuosa pianista y compositora japonesa” en la sección La cultura te hará libre, donde políticos, politólogos y periodistas dejan sus recomendaciones culturales para el verano.

“Con un estilo original y muy personal, fusiona piezas clásicas, música de películas, jazz, blues y otros estilos”, dice la presidenta del Congreso sobre la pianista que amenizó el evento de inauguración de los Juegos Olímpicos 2020 en Tokio con sus mejores temas.

Voice (2011), el LP que acompaña en sus días a Batet, es un álbum de estudio de la formación musical The Trio Project, formada por el bajista Anthony Jackson, el baterista Simon Phillips y la famosa pianista, la cual ya se había embarcado anteriormente en proyectos como este. El jazz, género donde Hiromi Uehara destaca, inunda las nueve pistas que componen el disco. “Una música llena de emoción y un sonido impresionante”, comenta.

Hiromi Uehara llegó al gran público con tan solo 17 años cuando el máximo exponente del género, Chick Corea, quien falleció en febrero de este 2021 tras haber ganado 20 premios Grammy en su trayectoria, la invitó a participar en uno de sus conciertos. Así, la joven artista consiguió un contrato discográfico mientras estudiaba y, a día de hoy, se posiciona como un auténtico fenómeno musical. “Comenzó a tocar el piano a los seis años”, dice la exprofesora de Derecho Constitucional para corroborar el talento de la compositora. La artista también es conocida por trabajos como Brain (2004),  Spiral (2005), Spark  (2016) y SprectrumSprectrum (2019).

En algunas de sus entrevistas más personales, Batet ha hecho referencia a su pasión por la danza clásica y contemporánea, dos disciplinas que estudió durante algunos años de su vida. Ante esto, quizá no sorprende su gusto musical por esta reconocida artista, caracterizada por su seguridad frente al piano, su capacidad para componer y su notable talento.

Ell pianista, teclista y compositor estadounidense de jazz Armando Anthony Corea, conocido como Chick Corea, ha muerto este jueves a los 79 años como consecuencia de un cáncer poco común que le detectaron recientemente. "A lo largo de su vida y su carrera, Chick disfrutó de la libertad y de la diversión que se tenía en crear algo nuevo, y en jugar a los juegos que hacen los artistas. Fue un amado esposo, padre y abuelo, y un gran mentor y amigo para muchos. A través de su cuerpo de trabajo y las décadas que pasó recorriendo el mundo, tocó e inspiró la vida de millones de personas", ha señalado en un comunicado la página oficial del artista en Facebook donde se confirma la muerte recogido por Europa Press.

"Quiero agradecer a todos aquellos a lo largo de mi viaje que han ayudado a mantener los incendios musicales brillando. Tengo la esperanza de que aquellos que tienen un tintero para jugar, escribir, actuar o de otra manera, lo hagan. Si no es por ti mismo, entonces por el resto de nosotros. No es solo que el mundo necesita más artistas, sino que también es solo mucha diversión. Y a mis increíbles amigos músicos que han sido como familia para mí desde que os conozco: Ha sido una bendición y un honor aprender y tocar con todos vosotros. Mi misión siempre ha sido traer la alegría de crear donde pudiera, y haberlo hecho con todos los artistas que admiro tan caro-esto ha sido la riqueza de mi vida'", dejó escrito el artista.

Nacido en Chelsea, Massachusetts (Estados Unidos), el 12 de junio de 1941, Chick Corea es un maestro de NEA Jazz y Famoso de DownBeat. Ganador de 23 premios Grammy y virtuoso del teclado, Chick Corea ha alcanzado el estatus de leyenda del jazz después de cinco décadas de trabajo. Es el cuarto artista más nominado en la historia de los Grammy, con 65 nominaciones. También ha ganado 3 premios Latin Grammy, la mayor cantidad de cualquier artista en la categoría de Mejor Álbum Instrumental.

Chick Corea ha tocado un asombroso número de bases musicales en su carrera, desde canciones para niños a música de cámara, desde bebop a fusión, desde straight ahead hasta avant-garde, junto con algunas incursiones en obras sinfónicas, y se hizo conocido por su trabajo durante la década de 1970 en el género de jazz fusión.

En los años 60, participó en el nacimiento de esta corriente como miembro de la banda de Miles Davis, y posteriormente creó el grupo Return to Forever, formando equipo con otros virtuosos instrumentistas, mientras que en la década de los 80, con su grupo Elektric Band, utilizó nuevas técnicas de mezclas para conseguir una original combinación de piano con teclados electrónicos.

En las dos últimas décadas del siglo llegarían Chick Corea & Origin, Chick Corea's Akoustic Band y Five Peace Band, así como The Vigil, esta última con el saxofonista Tim Garland, el bajista Hadrien Feraud, el baterista Marcus Gilmore y el guitarrista Charles Altura. Chick Corea, que artísticamente recuerda a Herbie Hancock en algunos aspectos, es compositor de varios estándares del jazz como Spain, 500 miles high, Armando's rhumba, La Fiesta y Windows.

El saxofonista, clarinetista y compositor navarro Pedro Iturralde ha fallecido este domingo a los 91 años de edad, según ha informado Radio 5 y recoge Europa Press. Iturralde fue profesor del Conservatorio de Madrid y colaborador de la Orquesta Sinfónica de RTVE. En 1992 recibió el premio a la Creación Musical, Literaria y Plástica de la Comunidad de Madrid. El músico, considerado una de las grandes figuras del jazz español, alternó a lo largo de su vida las tareas pedagógicas con la interpretación del jazz.

En 1965, Iturralde grabó el disco Jazz Flamenco, en el que colaboró con el guitarrista Paco de Lucía; y en 1968 colaboró con el pianista Hawpton Hawes para grabar, junto a su cuarteto, Pedro Iturralde Quartet Featuring Hawpton Hawes. En 1972 se trasladó a Estados Unidos para estudiar en el Berklee College of Music, de Boston, por el que fue becado.

En ese mismo año le fue concedido el primer premio en un concurso de composición, en la ciudad de Mónaco, con la pieza Like Coltrane. En 1978 ganó de nuevo un premio, esta vez el segundo premio de composición, en el Festival de Mónaco, con la composición Toy.

Iturralde colaboró con la Orquesta Nacional de España y con la Orquesta Sinfónica de RTVE, así como con la Orquesta de Cámara de Víctor Martín, al margen de sus actuaciones clásicas, a dúo, con el pianista Agustín Serrano.

Asimismo, destacaron sus apariciones junto al Cuarteto de Saxofones, con el que grabó el disco Sax a Pel, en 1994; o junto al L'Ensemble de Saxofones de Lyon. También cabe resaltar su labor como compositor de bandas sonoras de películas, entre las cuales podemos reseñar su dirección musical y composición en la película El viaje a ninguna parte, de Fernando Fernán Gómez.

La comunidad del jazz llora la muerte del saxofonista

El festival JazzMadrid, organizado por el Área de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid, ha lamentado en un comunicado la muerte de Iturralde "para muchos, el intérprete coltrainiano mayor de nuestra tierra, el decano del saxofonismo y del jazzismo en nuestra música". El músico tenía previsto un concierto el 23 de noviembre en la madrileña sala Galileo, dentro de la programación de JazzMadrid. 

"Músico a vida completa, intérprete y compositor, llevaba siete décadas suministrando contenidos a los enciclopedistas del jazz, pero, a los 91 años de edad, todavía subía a los escenarios para continuar haciendo historia", aseguran en una nota. 

El emblemático pianista de jazz y uno de los patriarcas de Nueva Orleans, Ellis Marsalis, ha muerto a los 85 años después de haber sido hospitalizado con síntomas de Covid-19.

Nacido en Nueva Orleans, Marsalis empezó tocando el saxo antes de pasarse al piano durante la adolesencia. Durante los cincuenta y los sesenta tocó con Ed Blackwell, Cannonball y Nat Adderley y Al Hirt, entre otros.

Grabó docenas de discos tanto con otros Durante su carrera grabó más de veinte discos en solitario y con otros artistas, si bien también es muy reconocido su legado como maestro y divulgador.

Así, en los setenta fue profesor en Xavier University y Loyola University, así como en el New Orleans Center for the Creative Arts. Ya en los ochenta, pasó a la Virginia Commonwealth University y ayudó a establecer los estudios de jazz en la Universidad de Nueva Orleans.

A través de esta labor didáctica fue mentor de grandes pianistas como Harry Conick Jr, Terence Blanchard, Charlie Dennard, Irvin Mayfield, Jesse Davis, Marlon Jordan o Paul Longstretch. También enseñó a sus tres hijos: Branford, Wynton y Delfeayo.

I am an observer of life,

a non-participant who takes no sides.

I am in the regimented society, but not of it.

Moondog, 19641

Cuando más me gustan las tiendas de discos es cuando están vacías. En la época en la que viví en Nueva York iba siempre a la que está en la calle Carmine. La regentaban dos hombres de mediana edad con pañuelos en la frente a lo Sons of Anarchy —siempre vestidos con camisetas de Led Zepellin o Frank Zappa, aparentando ser dueños de un bar de carretera más que de una tienda de música—, y una señora latina que tenía toda la simpatía que a ellos les faltaba.

A esta tienda me gustaba ir cuando no había gente: al ser muy pequeña, sólo así se podía realmente bucear en ella y descubrir rarezas que ninguna otra tienda tenía. No había suficientes estanterías para guardar todos los vinilos, y los encargados tenían que buscar otros sitios para colocarlos, que solían significar cajas de cartón amontonadas formando columnas kilométricas e imposibles. Así que, cuando querías ver de cerca esa reliquia de Hendrix o de Dylan que se encontraba casi tocando el techo, tenías que ir a pedirle al motero que por favor te lo rescatara con unas escaleras, no sin antes comerte su mirada de «más te vale que me hayas hecho sacar al bueno de Jimi porque tienes unos buenos billetes en la cartera».

Me acordé de esta tienda cuando hace unos días paseaba por el centro madrileño. Entré en una tienda —aprovechando que estaba vacía, claro—, y tras un buen rato mirando aquí y allá, me di cuenta de que lo que estaba sonando en la tienda me encantaba, pero no era capaz de reconocerlo. Es difícil explicar a qué sonaba aquello: digamos que era una base de percusión tribal mezclada con violines que chocaban con varios instrumentos de viento, y voces momentáneas de un hombre cantando. Quizás sobre papel no suene muy prometedor. Pero doy mi palabra: era original y diferente. Me acerqué a la caja y le pregunté al encargado qué era lo que estaba sonando. Me sonrió con un «Me alegra que me hagas esa pregunta» dibujado en su cara, y respondió: «Es Moondog. ¿No le conoces? Este tío era la leche. Vivió durante treinta años en las calles de Nueva York, y siempre se ponía en el mismo sitio a pedir limosna, en la Calle 54 con la Sexta. Iba vestido como un loco, le llamaban «el vikingo de la Sexta Avenida». Dicen que tocaba con instrumentos construidos por él mismo e iba vestido con ropa fabricada por él también. Compuso más de 15 discos en su vida. Ah, y era ciego».

Para rematar la historia, en ese momento empezó a sonar Bird’s Lament, un tema que yo había oído infinidad de veces, pero sin asociarlo a nadie en particular, o asumiendo que sería de Parker, de Davis, quizás Hancock. «Pero, ¿esta canción es suya?», le dije. «Sí, claro. Es una pena, muy poca gente le conoce.». Después de «soltar los billetes», como mis amigos neoyorquinos habrían dicho, salí de la tienda pensando en este curioso personaje.

Rápidamente descubrí que, a pesar de nunca haber escuchado nada sobre él, tenía una página web que contaba con todo detalle su vida, así como biografías escritas sobre su vida. Louis Thomas Hardin (también llamado Moondog) nació en Kansas (Estados Unidos) hace 101 años, en 1916. Mostró interés por la música y la percusión desde muy temprana edad, construyendo su primera batería a partir de una caja de cartón con tan solo cinco años. Se mudó con su familia a Wyoming cuando tenía 6 años y estuvo en varios colegios en distintas ciudades, hasta que a los 16 sufrió un accidente con un cartucho de pólvora y se quedó ciego.

Después del accidente, convencido de su pasión por la música, se inscribió en la escuela de ciegos de Iowa para estudiar en el conservatorio. No obstante, aprendió casi todas sus bases musicales de manera autodidacta a través de su oído y leyendo con libros en braille. Tras obtener una beca y estudiar durante un tiempo en Memphis, decidió mudarse a Nueva York para estar más cerca de la escena musical clásica del siglo XX y del jazz. Dejó a su primera mujer (el artista tendría varias historias de amor a lo largo de su vida) y puso rumbo a la gran metrópoli: llegó como muchos llegan a la gran manzana, con una mano delante y otra detrás. Y ahí, comenzó la leyenda de Moondog.

El nombre lo sacó de cuando vivió en Missouri más joven y junto a su perro «ladraba a la luna». No fue siempre vagabundo, como me dijo mi amigo de la tienda, pero casi. Hubo varios momentos en los que consiguió mantener el alquiler de algún apartamento en distintas zonas de la ciudad con el dinero que sacaba de algunas copias de poemas que vendía en la calle. El resto, vivió callejeando las calles de Nueva York y pasó la mayor parte del tiempo en su esquina de la 54 con la Sexta, tocando música con instrumentos construidos por él mismo y recitando poemas a diestro y siniestro.

Su apariencia era sin duda llamativa. Él mismo se construía los largos ropajes con los que vestía, acompañados de una larga barba blanca, un casco con cuernos y un escudo de vikingo. Moondog siempre fue seguidor de la mitología nórdica, de ahí su manera de vestir. Era estrafalario, extravagante y, sobre todo, asocial, no solo con otras personas sino también con otros músicos; casi nunca escuchaba música de los demás, decía, porque «estaba llena de errores».

A principios de los años 50, la presencia de un «loco con cuernos en la Sexta con la 54» tocando música se fue haciendo eco en la ciudad y no tardó en llegar a los oídos adecuados. Fuese o no voluntario, la localización que eligió nuestro protagonista para vagabundear estaba a escasas manzanas del Carnegie Hall, uno de los emplazamientos para conciertos de música clásica más míticos de Manhattan. Por este motivo, músicos que iban de camino al trabajo le vieron tocar y convencieron a Arthur Rodzinski —por entonces maestro de orquesta de la New York Philharmonic— para que le dejara acceder a sus ensayos y conocerle. Moondog comenzó entonces a asistir a los ensayos de Rodzinski y otros grandes maestros de orquesta, como Leonard Bernstein o Arturo Toscaninio Arturo Toscanini, donde aprendió valiosas lecciones en el arte de dirigir y componer música clásica. Tiempo después, se acordaría de Rodzinski dedicándole su Sinfonía Nº 50.

Pero a Louis no solo le interesaba la música clásica; fuera de las grandes salas también pudo sumergirse en el mundo del jazz. Su constante devenir por las calles del centro le permitió conocer a grandes nombres como Benny Goodman y Charlie Parker. Este último quedó tan sorprendido por el talento de Moondog que le sugirió grabar un disco juntos, pero desafortunadamente su temprana muerte les impidió llevar a cabo este proyecto. Bird's Lament es un tributo a Parker, también llamado Bird.Bird

Moondog se fue haciendo cada vez más conocido en la escena musical de Nueva York y, un día, fue a parar a la esquina Moondog (ese fue el nombre que se le dio al lugar que ocupaba) un productor musical que ofreció al aspirante a músico grabar unos singles. Esto dio lugar a la creación de su primer disco, Moondog on the Streets of New York, que incluso salió anunciado en el New York Times de la época.

Durante los siguientes años, malviviendo en las ajetreadas y tumultuosas calles de Manhattan, grabó varios discos en importantes sellos discográficos, como Mars, CBS y Prestige. La beat generation de los sesenta le recibió con los brazos abiertos e hizo recitales con escritores de la talla de Allen Ginsberg o Lenny Bruce. Compuso bandas sonoras también, para películas como Drive. She Said con Jack Nicholson como protagonista. Estos pequeños trabajos le aportaron lo suficiente para comprarse una pequeña casa en el campo, al norte del estado de Nueva York, donde a veces, se retiraría para leer, componer y escribir. Aún así, la mayor parte del tiempo siguió viviendo en la calle. Nadie, ninguno de los ejecutivos de traje y corbata que pasaban por la Sexta Avenida, ninguna de las elegantes mujeres que pasaban por allí para ir a trabajar o hacer sus tareas, imaginaba que ese loco que parecía sacado de una película era un genio de la música.

Treinta años después de su llegada a la gran manzana, le ofrecieron hacer una gira por Alemania por un par de meses, que finalmente se convertirían en años. Solo una vez más volvió a Nueva York en su vida, y fue para dirigir a la Brooklyn Philharmonic Orchestra. Mucha gente, al no verle ya en las calles de Midtown, pensó que había muerto. De hecho, Paul Simon le rindió luto en su programa de televisión, teniendo que retractarse después, ya que Moondog no estaba muerto, sino ofreciendo conciertos en Alemania ―labor que le mantendría ocupado hasta su muerte, causada por un fallo en el corazón en el año 1999―. Fue en Alemania donde su capacidad creativa se vio más impulsada: contrató a una asistente, Iona Sommer, que después se convertiría en su agente, para que plasmara sobre papel todas sus composiciones y poemas.

Izquierda: Portada del álbum 'Moondog, the German Years'. Derecha: Moondog con Iona Sommer en 1976.

Desde las calles de Nueva York hasta el resto del mundo, Moondog se creó una notable figura y una interesante leyenda. Muchos contemporáneos le reconocieron su talento y genialidad: el vikingo vivió en casa de Philip Glass durante un año, trabajando con él y componiendo música, única y exclusivamente dedicándose a eso. Se podría decir que Moondog hizo un voto interno secreto de pobreza y una promesa de vivir para la música sin obtener nada a cambio. El famoso compositor minimalista relata en este artículo que cuando el vikingo llegó el primer día a la casa, le ofreció la habitación más grande, pero Moondog la rechazó educadamente diciendo que quería ir a la más pequeña, «para poder estirar los brazos y sentir las paredes y los techos». Su carrera fue única y diversificada: compartió escenario con artistas como Ravi Shankar, grabó un álbum para niños con la niñera más famosa de todos los tiempos, Julie Andrews, e incluso Salvador Dalí le invitó a un happening en Carnegie Hall.

Moondog respiraba arte. Un icono de lo absurdo y lo mágico, que fue pobre la mayor parte de su vida y vivió sin ningún apego a pertenencias físicas o materiales. Pero fue, ante todo, honesto ante la vida, como pocos de sus compañeros de profesión podían serlo. Su meta fue crear, desde versos hasta instrumentos, composiciones clásicas o más vanguardistas. Es difícil no coger cariño a este loco individuo e incluso tenerle envidia. Escogió vivir la vida según sus propios términos y fue dueño de lo más importante, una libertad de vivir que pocos consiguen.

Hace unos pocos años, un grupo de artistas hizo un crowdfunding para grabar un documental sobre este simpático y excéntrico personaje. En 2014 consiguieron su objetivo económico para poder empezar a producirlo. En la actualidad, el filme se está realizando y se espera que podamos verlo en nuestras pantallas a finales de este año. El trailer que servía de teaser para apoyar el proyecto abría con una entrevista al actor Jeff Bridges, en la que se le preguntaba cuál es el rol que siempre le ha gustado interpretar y nunca ha conseguido. Él contestaba «Moondog». En su discografía hay más de 1.500 composiciones, desde jazz hasta música clásica, pasando por música tribal o sonidos más experimentales. Y músicos de todo el mundo han reproducido su trabajo, como Janis Joplin o la Filarmónica de Londres. Moondog consiguió componer grandes obras en su vida que han pasado a la posteridad y que, afortunadamente, yo pude escuchar en una tienda de discos del centro de Madrid un sábado cualquiera. Menos mal que estaba vacía.

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1. «Soy un observador de la vida, no tomo partido y no soy partícipe, estoy en la sociedad reglamentada, pero no formo parte de ella», Moondog, 1964.

*Iratxe Cadenato Palacio es economista y escribe sobre música.

Lee este artículo en La Grieta

El cantante de jazz Al Jarreau falleció este domingo en Los Ángeles a los 76 años de edad. El artista había anunciado recientemente su retirada de los escenarios por sus problemas de salud. El mánager del cantante, Joe Gordon, anunció el fallecimiento en una nota de prensa: "Al Jarreau falleció este mañana a las 5.30 de la mañana hora de Los Ángeles. Estaba hospitalizado, acompañado de Ryan (hijo), Susan (esposa) y amigos y familia".

Al Jarrreau nació en Milwaukee (Wisconsin) y su estilo único le aupó rápidamente en el mundo del jazz. En 1977,  ganó el primero de sus siete premios Grammy por el álbum Look to the Rainbow.

A los largo de sus deciséis ábumes fraguó su propio estilo para convertirse en una leyenda del jazz, tanto en el estudio como en los escenarios.

"Hay un pájaro triste que lleva muchos años intentando escapar de la garganta de Ella Fitzgerald”, decía la crónica del concierto que la gran dama del jazz estadounidense ofreció junto al pianista Duke Ellington y una enorme Big Band en el Monumental de Madrid. Era el año 1966 y en España hacia varias décadas que en algunas salas y antros arrabaleros se podían escuchar los ensortijados ritmos del género musical surgido en las comunidades afroamericanas del sur de Estados Unidos. Exactamente, las primeras referencias directas datan de 1919 y se sitúan en Madrid y Barcelona. En pleno periodo de entreguerras, España todavía paladeaba los réditos de haberse mantenido neutral durante el conflicto (especialmente las industrias textiles catalanas) y los europeos empezaban a escuchar con embeleso las nuevas influencias musicales que habían traído consigo los soldados yanquis. El viejo continente se adentraba en los felices años veinte en los que la algarabía y el relajado consumo de drogas era el mejor caldo de cultivo para que germinasen los ritmos jazzísticos.

Escuchar jazz durante esa época se entendía un símbolo de libertinaje y cosmpolitismo. Y ciudades portuarias como Barcelona eran la entrada de nuevas modas y gentes sin complejos que bailaban los desenfadados foxtrot, cakewalk y charlestón. En ese contexto comenzaría a desarrollarse tímidamente una escena de jazz en España, aunque sin la importancia ni la trascendencia de las de París, Londres o Berlín, mucho más amplias y vitales. Como dice acertadamente la entrada de Wikipedia dedicada al “jazz en España”, la península Ibérica siempre se ha caracterizado por la escasa presencia del género. No obstante, hubo intención: en 1930 la estrella del jazz Josephine Baker llegó a Madrid para actuar en el Gran Metropolitano, teatro y cine en la avenida de la Reina Victoria. En los sesenta, Ella Fiztgerald y Duke Ellington ofrecieron un par de conciertos; y en los setenta se puede comenzar a hablar de una etapa dorada. Es entonces cuando aparecen bares, publicaciones específicas y músicos españoles que abordan el jazz de manera más purista y personal. “La introducción del género en nuestro país se produjo con bastante inocencia, mucho ánimo por lo exótico y mucha confusión, combinándose con estilos como el charlestón, la rumba, la zarzuela o la revista”, cuenta Pablo Sanz, crítico musical y gestor cultural del Centro de Cultura Conde Duque de Madrid.

Con motivo del Festival Internacional de Jazz de Madrid (cuya programación se extiende hasta el 30 de noviembre), Sanz investigó en los archivos del diario Abc en busca de testimonios sobre los inicios y el paso del jazz por nuestro país. No encontró demasiado material, pues hasta bien avanzado el siglo XX la afición a este género fue prácticamente anecdótica. Sin embargo, las crónicas, cuentos, informaciones y anuncios sobre el tema son lo suficientemente llamativos como para haber elaborado una pequeña muestra que se puede ver en la entrada del Conde Duque. “El jazz entró como una cosa de moda”, comenta, “se animaba a las señoras a asistir a los conciertos para ver los últimos diseños de París”. Prueba de ello es el cartel en el que se anuncia el concierto de Baker en el Casablanca con este reclamo para señoras y señoritas. El anuncio da cuenta del desconocimiento sobre el género que tenían hasta las propias salas que programaban los conciertos, ya que precisamente la atrevida Venus de ébano, una mujer audaz y pionera en muchos aspectos, siempre se caracterizó por subir al escenario ligera de ropa, cuando no parcialmente desnuda. La crónica del evento, por cierto, destacaba de ella que bailaba “como nosotros nos imaginamos que deben bailar los salvajes”.

Al desconocimiento se unió también la falta de cantera, ya que en las primeras décadas del siglo XX las escuelas de formación musical eran una rara avis y los músicos que se animaron con el género provenían de orquestas con una tradición musical más castiza. Lo cual explica la fusión con la zarzuela o la rumba. Pero el gran frenazo vino con la Guerra Civil y la dictadura franquista, que “entendió el jazz como algo subversivo y rebelde”. Demasiada lentejuela y libertad creativa para el orden moral que se implantó con mano dura. Según recoge la revista Yorokubo en un artículo, en 1943 la Delegación Nacional de Propaganda se explicaba en estos términos: “España es un pueblo eminentemente musical, enérgico y limpio en sus sentimientos colectivos y no ha de dejarse ganar, ni transitoriamente, por la desconcertada algarabía de un jazz sin justificación artística alguna, ni tampoco por el insinuante reptar de unas melodías que en su ondulante dejadez parecen no tener otra finalidad que la de remover ocultos pozos del subcociente, secos en nosotros, gracias a Dios, por el luminoso Sol meridional y latino, que, para la eternidad cristiana, ha forjado a la luz y al fuego, nuestra alma” (sic).

Las cosas empiezan a cambiar a mediados de los sesenta, cuando dos de las estrellas más destacadas del género, Ella Fitzgerald y Duke Ellington, hicieron una parada en Madrid y Barcelona durante su gira europea. El cronista de Abc se preguntaba de dónde habían salido “tantos cientos de apasionados del jazz”. Añadía, también: “Llegó el jazz a Madrid, nunca es tarde”. No obstante, entre el público se encontraba un devoto fan llamado José Fernández Amaral que escribió una carta al director del periódico criticando el desconocimiento del periodista. Residente en Las Palmas, había asistido a ambos conciertos y se sorprendió cuando leyó en el diario cierto malestar del autor respecto al alto grado de interacción entre el público y los músicos, siendo este aspecto, según él, fundamental para subir el ánimo del intérprete. “En Madrid no entienden de jazz”, concluía indignado.

La pequeña muestra elaborada por Pablo Sanz, que también ha ofrecido una conferencia sobre el tema en el marco del festival, termina en la década de los setenta. Entonces, cuenta Sanz, comienza una etapa de esplendor para un jazz, ya por fin, eminentemente español. “Triunfan Pedro Iturralde y Tete Montoliu dos músicos con corazón jazzístico que dejan de ser espejo para ser imagen, creando un jazz con personalidad propia”. Montoliu (Barcelona, 1933-1997) fue “el primer músico español capaz de hacer propia una música tan ajena a los españoles como lo era, por entonces, el jazz”. El pianista catalán desarrolló el grueso de su carrera fuera de nuestras fronteras acompañando a grandes artistas como Dexter Gordon, Ben Webster o Don Byas. Iturralde (Falces, Navarra, 1929), por otro lado, puede presumir de haber introducido “el flamenco en el lenguaje del jazz, luego definido por músicos como Chano Domínguez y Jorge Pardo”.

Para la expansión y asentamiento del género en nuestro país también ayudó la presencia de militares estadounidenses en la base aérea de Torrejón de Ardoz, que trajeron discos y promovieron la actuación de grandes artistas como la cantante Donna Hightower. Ella terminaría por mudarse a Madrid tras iniciar una relación con Danny Daniel, célebre compositor de canciones como El vals de las mariposas o Por el amor de una mujer. Juntos componen el This world today is a mess, un hit absoluto interpretado por Hightower.

El affaire entre una dama del jazz como Hightower y una estrella de la canción melódica como Danny Daniel sirve para explicar la evolución del jazz en España: desde un género anecdótico a comienzo del siglo XX (pero que despertaba interés) a una música popular. Nacerían, para ayudar en su consolidación, festivales tan relevantes como el de San Sebastián (1966) o Vitoria (1977), y otros más recientes como el de Madrid, que este año celebra su tercer aniversario. Además de icónicas salas como el Bourbon Street o el Whisky Jazz. El pájaro triste que el cronista de Abc sitúa en la garganta de Ella Fitzgerald no estaba intentando salir, sino que se lo acababa de tragar: era la España de la eternidad cristiana para la que la música jazz, según la dictadura, era demasiado “negroide, salvaje y primitiva”.

*Este artículo ha sido publicado en el número de noviembre de la revista tintaLibre, de venta en quioscos. Puedes consultarla aquí. 

Veinte años después de dejar la presidencia del Gobierno, Felipe González sigue moviendo los hilos del PSOE y de la política española, como se ha demostrado en la crisis socialista. Gonzalo López Alba, Nativel Preciado, Javier Valenzuela y Antonio Lucas repasan en tintaLibre de noviembre la trayectoria y la actualidad de un expresidente que se resiste a perder su influencia política.

En el dossier dedicado a Felipe González, el periodista y escritor Gonzalo López Alba, uno de los más acreditados expertos en la información sobre el PSOE, traza un recorrido por las dos últimas décadas de los socialistas en su crónica La interminable sombra del dios Felipe; mientras la también periodista y escritora Nativel Preciado describe al personaje en un perfil público y privado en su artículo El expresidente que no supo retirarse a tiempo. El perfil viene ilustrado por una caricatura de Leandro Barea. Por su parte, Javier Valenzuela aborda las relaciones y alianzas entre el expresidente del Gobierno y el empresario Juan Luis Cebrián, presidente del grupo Prisa, editor de El País, en su reportaje Dos caimanes. El dossier se completa con un artículo de Antonio Lucas, Felipe aún sabe bailar, donde refleja cómo ven a González las nuevas generaciones.

Como reportaje político la revista publica La calle se calla, donde Aníbal Malvar explica las razones del descenso en España de la protesta social en los últimos años. En clave de memoria histórica, José Antequera recuerda en Atentados contra Franco: las siete vidas del dictador episodios poco conocidos del franquismo. En esa línea el escritor Luis García Montero entrevista a la poeta, traductora y actriz Angelina Gatell, donde repasa su intensa vida en la resistencia antifranquista. Dos reportajes de periodismo narrativo se incluyen también en tintaLibre: Los invisibles del mar de plástico, sobre los inmigrantes que trabajan y malviven en el campo almeriense, a cargo de Antonio Trives, y Odio 2.0 en las redes sociales, una crónica de Carlos Carabaña.

En el bloque cultural, la revista mensual en papel de infoLibre presenta un reportaje sobre el auge de las escuelas de letras titulado Aprender a escribir, entre el talento y el oficio, firmado por Ruth Zauner; una crónica cultural en el 20º aniversario de la generación Kronen con el título de Los jóvenes Kronen se han hecho mayores, a cargo de Alberto G. Palomo; y una evocación fotográfica y literaria de un estilo de música en El jazz que nació del charlestón y la zarzuela, escrito por Saila Marcos. El relato a cuatro manos de Los Diablos Azules, el suplemento literario de infoLibre, está firmado por José Manuel Fajardo, Santiago Gamboa, Cristina Fallarás y Almudena Grandes. Como final de la revista, tintaLibre incluye una entrevista en cómic con Juan Carlos Monedero, fundador de Podemos, a cargo de Francisco Zárate y Fernando Calvi.

La entrevista de la contraportada de Karmentxu Marín está dedicada a la directora teatral Carme Portaceli. Los versos de Joaquín Sabina se titulan Dos sonetos electorales y un brindis. En este número la firma invitada en la Página Abierta es la escritora y traductora Pilar Adón con una columna titulada La erótica del saber.

La revista tintaLibre está a la venta a partir del 4 de noviembre en quioscos y librerías de toda España. También estará disponible para su descarga en teléfonos y tabletas de Apple y Android. Si eres socio de infoLibre ya puedes leer tintaLibre de noviembre y todos los números anteriores en la sección especial de la revista aquí.

Fue en noviembre de 2011 cuando la Unesco, por recomendación del pianista Herbie Hancock, decidió implantar la fecha del 30 de abril como Día Internacional del Jazz bajo las premisas de que es una música que rompe barreras y crea oportunidades para el entendimiento y la tolerancia. El jazz es creación e improvisación, es libertad de expresión y un símbolo de unidad y paz. En un comunicado reciente y de cara a la celebración de este año, tanto Hancock como Wayne Shorter aseguraban que “el jazz reduce tensiones entre individuos, grupos y comunidades, que refuerza el papel de la juventud para el cambio social, que fomenta la innovación artística, la improvisación, nuevas formas de expresión, que fomenta el diálogo intercultural”. Maravilloso catálogo de intenciones que quedan en simples enunciados cuando vemos la realidad de nuestro país.

El jazz, música maravillosa para muchos e ignorada por la mayoría, ha sido siempre objeto de definiciones tópicas. El público, el que dice no conocerla y no entenderla aun cuando la oye, la tararea evocando el acompañamiento musical de multitud de películas o de anuncios comerciales. Los medios, muchas veces por desconocimiento, han hecho más una labor de enredo que de sana y simple divulgación. Salvo pocas y muy honrosas excepciones, aquí se habla del jazz en un par de ocasiones al año que vienen a coincidir con los grandes festivales. Tres si le añadimos la celebración de este Día Internacional. Es fácil comprender que resulta insuficiente cuando goza hoy de muy buena salud a nivel creativo en nuestro entorno. Sus creadores e intérpretes, artistas en definitiva, han logrado, tras varias generaciones y mucho trabajo, fijar un legado que requiere respeto. Es una pena que su repercusión en medios apenas exista, salvo cuando nos informan del fallecimiento de alguna de las pocas “leyendas” que quedan.

Es verdad que el boom que se produjo en España en la década de los años 80 desbordó todas las previsiones. Sólo en aquel momento de ambiciosas ganas de probar de todo se podían llenar recintos con seis o siete mil personas. También es verdad que eso lo conseguían genios de reconocimiento internacional como Miles Davis, un renacido Sonny Rollins o un provocador Art Ensemble of Chicago. Aquello fue un paréntesis, poco a poco el jazz se reubicó en su medida y contexto. Actualmente, y con independencia de los aforos que se ofrecen generalmente en los muchos festivales internacionales, se hacen indispensables lugares de encuentro entre los músicos y el público, que el jazz no quede reducido a esa etiqueta de música para minorías porque no lo es. Tras aquél ya mencionado boom, que contó con beneplácito y dinero institucional, la escena de jazz nacional fue pasando al más insólito de los olvidos. Más propio sería decir a una ignorancia premeditada y culpable que ha venido a derivar en la existencia de un colectivo de artistas que trabaja de forma precaria y en una escena donde el apoyo discográfico ha sido mínimo, sólo algunos han apostado por la novedad y más por pasión que por rédito económico. Lo mismo sucede con los programadores: los grandes festivales dan preferencia en sus carteles a nombres internacionales aunque hay que matizar que, con honrosas excepciones y poco a poco, algunos directores artísticos van dando entrada en sus listas a músicos del país.

La cultura ha sufrido en los últimos años un abandono imposible de clasificar. Todos los sectores culturales han visto cómo sus posibilidades mermaban según pasaba el tiempo, el trabajo de la industria cultural se despreciaba, se descalificaba, se cuestionaba incluso la remuneración por el trabajo para la cultura. Con independencia de la crisis que todos [casi] hemos padecido, los últimos gobiernos se han cebado en este sector con una saña propia solo de quienes quieren ciudadanos sometidos y de poquito pensar. El jazz es una música etiquetada como “intelectual” y eso conlleva para algunos el peligro y la dificultad de no saber qué hacer con ella. Si bien en su raíz se considera música popular, es mucho mejor calificarla como música de minorías. Así crece sola, se produce por simpatía, no necesita apoyo para su desarrollo e implantación, y quienes tengan el atrevimiento de acercarse a ella ya saben lo que arriesgan. El jazz sigue siendo una música díscola e incontrolable para aquellos que deciden cómo debe ser la cultura (no sucede así con la clásica, por ejemplo). Cuando nos referimos al jazz, no solo hablamos de aquél que surgió en los EEUU hace más de un siglo en entornos populares, sino del que hoy se desarrolla en cualquier parte del mundo y llega a ser lo que es porque cada artista aporta su propia experiencia y las influencias de su cultura y su entorno. Y en el nuestro, el jazz ha crecido al igual que en el resto.

España es el país de Europa donde menos se ha apoyado al jazz desde las instituciones. Esto no es una denuncia al aire, es un hecho constatado y real. Al músico de jazz poco se le ha ayudado para que pudiese exportar su música y aún hoy, y pese a que muchos de ellos reciben invitaciones de festivales para presentar trabajos en otros países, les resulta muy difícil salir y ser embajadores de nuestra escena. No estamos hablando de una música subvencionada completamente, pero sí es conveniente estudiar cómo y en qué forma fomentar no sólo la creación sino su entorno; su llegada al público o el intercambio de ideas entre artistas.

Pero de nada serviría la creatividad sin la participación del público. Un público que necesita ser formado para poder disfrutar de propuestas innovadoras. Sólo arriesgando en la escucha, apartándose de la opinión general, lejos de ideas preconcebidas, etiquetas o prejuicios, generaremos ciudadanía con ambición y ganas de cultura. Ciudadanos que no seamos pensados, dirigidos en nuestros gustos y aficiones, que seamos capaces de arriesgar sin negarnos a nosotros mismos aquello que nos haga más libres en un entorno cultural diverso.

Las gentes del jazz hemos sobrevivido a muchos ataques perpetrados desde la ignorancia y el desprecio; sin apenas programas de radio –hoy muchos en internet, alguno de ellos muy buenos-, nada en televisión, ninguna revista especializada y contadas apariciones en periódicos generalistas ¿qué podemos celebrar en el Día Internacional del Jazz? Podemos celebrar una escena voluntariosa formada por los músicos, los clubes –que aguantan la presión económica y legal como pueden-, los pequeños programadores, las escuelas, los representantes de artistas, los técnicos de sonido, etc. Muchas personas y espacios implicados y que debemos alzar nuestra voz para ser reconocidos.

Hay mucho por hacer en el sector. Cuando alguien por fin se decida, pregunten primero a los afectados.

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José Sánchez Sanz es compositor y director de orquesta, y responsable de Música en el Área de Cultura de PodemosMaría Antonia García es directora de Cuadernos de Jazz y miembro de Círculo de Cultura de Podemos

María Antonia García

A Miles Davis no le falló el ojo. Por supuesto que no. Cuando descubrió a Marcus Miller, éste sólo tenía 25 años. Su intuición le dijo: “Este prodigio instrumental es mucho más que un bajista”. Y así sucedió, como pudimos comprobar aquel 26 de julio de 1984 en el Velódromo Anoeta de San Sebastián.

En pleno Jazzaldia donostiarra, hasta el público más rockero se dio cita. Y Marcus Miller nos asombró a todos con su magistral forma de tocar el bajo, pues daba la sensación de que las cuerdas se multiplicaban.

Ahora el músico neoyorquino regresa a sus 56 años con el excelente álbum Afrodeezia, una de las más finas apuestas jazzísticas de Universal este año a través de su acuerdo de distribución con el legendario sello Blue Note.

A estas alturas, Miller ya no tiene nada que demostrar, pero por si acaso incluye una versión del clásico Papa was a rolling stone de los Temptations para quitarse el sombrero. Naturalmente, sólo un bajista excepcional puede salir indemne de semejante reto. Y él lo consigue.

La lista de colaboradores ilustres presenta nombres tan fastuosos y rabiosamente contemporáneos como el rapero Chuck D, el trompetista Ambrose Akinmusire o el teclista Robert Glasper. Nada extraño, por tanto, que el resultado final nos transporte con facilidad a los tiempos de Tutu, aquel seminal disco de Miles Davis que marcó época e hizo que los puristas se rasgasen las vestiduras con su propuesta de fusión.

El jazz y el funk se daban la mano entonces, igual que hoy en Afrodeezia, heredero de aquellos postulados, hoy llevados a un mestizaje con raíces africanas.

El propio Marcus confiesa en declaraciones a la web de Blue Note: “El poder de la música no tiene límites. A través del jazz, los espirituales y el soul, éramos capaces de preservar nuestra historia porque todo lo demás había sido borrado. Lo que yo deseaba, principalmente, era volver a la fuente de los ritmos que hacen tan rica nuestra herencia musical, siguiéndolos como si fueran huellas desde sus comienzos en África hasta su expansión por los Estados Unidos. Ese viaje nos llevó de Mali a París y de Nueva Orleans a Sao Paulo, cruzando el Caribe”.

Y añade: “Este proyecto es un tributo al largo viaje de mis antepasados africanos para convertirse en ciudadanos afroamericanos. Los ritmos y melodías que ellos trajeron de África explotaron en un torrente de géneros y estilos que cambió para siempre el mundo de la música”.

Próximamente, Marcus Miller regresará a España para ofrecer dos conciertos: el 6 de octubre en Barcelona y al día siguiente en Ciudadela (Menorca).

El poder de evasión que destilan los conciertos se intensifica, si cabe, cuando se celebran en una noche de verano. “En este momento mi lugar ideal para el verano es un concierto que ofreció el contrabajista de jazz Avishai Cohen en Madrid hace cosa de un mes”, confiesa el dramaturgo Eduardo Vasco, “todavía estoy ahí”.

Avishai Cohen es de esos músicos de película. De origen israelí, se traslada a Nueva York siendo joven para tomar contacto con los músicos del momento. Tras tocar en el metro, en calles y pequeños clubs, Cohen comienza a llamar la atención de músicos como Chick Corea, junto a quien permanece hasta que en 2003 decide dar rienda suelta a su propia banda. Con una quincena de discos a sus espaldas, Cohen ha conseguido alzarse como uno de los contrabajistas más importantes en el panorama del jazz. “Quizá mi lugar ideal sea estar en el escenario con esa pedazo de banda”, explica Eduardo Vasco. “Tocar con ellos, aunque fuese una nota, podría ser mi mejor refugio".

Vasco se pierde para dejarse atrapar por la intensidad envolvente de las cuerdas, graves, rotundas, de un contrabajo siempre acompañado por la sutileza del piano y el vigor de la batería, que llenan de jazz los recintos madrileños y las escapadas estivales. El dramaturgo recuerda el “maravilloso disco que es Gently disturbed”, y temas como Lo Baiom Velo Balyla para prolongar aquel concierto y revivirlo a su antojo.

“Me transportaría de nuevo a uno de los momentos más bellos del año: cuando la organización cortó la luz y tocaron sin amplificación Alfonsina y el mar para un público devoto que se acercó lentamente al escenario, en silencio”, relata Vasco. El dramaturgo reconstruye aquel momento íntimo y a la vez compartido con un público que “entendió que la música es, definitivamente, lo más cerca que nunca estaremos del paraíso”, concluye.

Y en la vida real…

Eduardo Vasco asegura estar “ocupado en mi compañía Noviembre, con la gira de Hedda Dabler, de Ibsen, preparando la entrada en el Las Naves del Español de El mercader de Venecia, de Shakespeare, y montando una versión teatral, interpretada por Arturo Querejeta de La ruta de don QuijoteLa ruta de don Quijote, de Azorín”, explica el dramaturgo. Además, asegura que también está escribiendo “un libro sobre actores de principios de siglo, haciendo música y disfrutando de la vida”.

El dramaturgo dirige en la actualidad la compañía de teatro Noviembre, actividad que interrumpió durante siete años al ser nombrado director de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, entre el 2004 y el 2011. Ha dirigido obras como Otelo o Noche de Reyes, y ha trabajado con actores de la talla de Daniel Albaladejo o Cayetana Guillén Cuervo.

Impresiona oír de los labios de Melody Gardot que la música hizo que volviese a nacer. Fue hace unos años, pero vuelve a ser recordado ahora con su álbum Currency of man fresco y su reciente gira europea, con escalas en España y Portugal. 

La cantante norteamericana de 30 años, que oscila entre los ecos de Nina Simone y Joni Mitchell, sufrió hace 11 un terrible accidente, antes de que comenzara su flamante carrera. Ella iba montada en una bicicleta por una calle de Filadelfia, la ciudad a la europea que, como Boston, constituía el perfecto escenario para las novelas de Henry James.

Un todoterreno pasó de largo en un semáforo, sin hacer caso de la luz roja. Y la arrolló. Las consecuencias fueron terribles. De hecho, tardó varios meses en volver a aprender a hablar. Su vida dio un giro de 180 grados. Un antes y un después que sólo la terapia musical y el aterciopelado jazz vocal que practica consiguió redimir. Su flamante disco, el cuarto en su coherente trayectoria, confirma que la terapia ha dado sus frutos, que su voz transmite una emoción especial.

También las atmósferas cool representan otra de las especialidades de esta mujer, que encaja por igual en un club jazzístico que en una velada chill outchill out. Su anterior grabación, The absence (2012), reflejó su conexión brasileña y portuguesaThe absence. Sus melodías envolventes, compuestas por ella misma, se fusionan a la perfección con la saudade que recorre la bossa nova y el fado.

Ahora Currency of man se afianza como uno de los álbumes del año con sus apelaciones añadidas al compromiso social, surgido por la conmoción que le produjeron el atentado terrorista contra el semanario francés Charlie Hebdo y los disturbios raciales de Baltimore.

Con anterioridad, Worrisome heart y My one and only thrillWorrisome heartMy one and only thrill ya nos la proyectaron como una diva que, en realidad, no lo es. Una mujer tranquila, entregada a la causa de la música con clase desde sus postulados macrobióticos y budistas.

Sus composiciones, como Preacherman o Same to youPreacherman Same to you, revelan una gran sensibilidad. Las secuelas del accidente se van diluyendo. Si la música fue la terapia a la que se entregaron Melissa Etheridge y Luz Casal para superar el cáncer, en este caso la misión se cumple por igual.

Pues no. B. B. King no ha podido llegar a su 90 cumpleaños. La cita del 16 de septiembre quedará para siempre como un horizonte inalcanzable.

Las deshidrataciones a causa de la diabetes del tipo 2 que sufría (desde hace 20 años) nos privan de un guitarrista tan excepcional como influyente. Su inseparable Lucille será la que más le eche de menos, por supuesto.

Decíamos aquí mismo, hace poco más de un mes, que el destino quiso que ingresara en un hospital de Las Vegas justo cuando se cumplía el centenario del nacimiento de Billie Holiday. Feeling a partes iguales.

Tampoco podrá acercarse a los 60 años su inmensa trayectoria. Los más de 50 álbumes que grabó nos sirven de consuelo en forma de Three o'clock blues, Thrill is gone, Please love meThree o'clock bluesThrill is gone Please love me y You don't love me. O en forma de sentidas declaraciones de intenciones: Everyday I have the blues o Why I sign the blues.

Lo decían sus punteos, deudores de sus días bajo la penuria en aquel 1947, cuando se instaló en la esquina de Second Street, en Memphis, para obtener unas monedas de los transeúntes a cambio de sus incipientes sonidos.

Se va el tercero de los tres reyes

Su primo Bukka White le ayudó a pasar el mal trago, hasta que la esencia de Mississippi que habitaba en sus venas salió a flote en toda su intensidad para sobrecogernos en las innumerables visitas que, afortunadamente, realizó a España.

Los festivales de jazz de Vitoria y San Sebastián no lo dudarán ni un instante a la hora de rendir tributo a quien tanta magia nos ha proporcionado en Mendizorrotza o a orillas de la Concha.

Tampoco se nos van de la mente sus colaboraciones con U2, el portugués Rui Veloso o nuestro Raimundo Amador, quien no hablaba ni una palabra de inglés pero cumplió su sueño de protagonizar un estremedor duelo de guitarras con el maestro.

Se nos ha ido el tercero de los tres reyes: Albert King, Freddie King y él. Pero no, en realidad, nunca se irá. Su sabiduría sobre un escenario nos hizo reverenciarle cuando le veíamos en directo. Y ahora, en la eternidad, nuestro homenaje no tendrá fin.

En la jornada de este martes, en que se ha sabido de su fallecimiento, Radio Clásica, de RNE le está rindiendo ininterrumpido homenaje, que dignifica a esta emisora pública. en ella presentaba "Jazz porque sí" desde 1998, pero el programa se llevaba emitiendo, en distintas emisoras, desde hace 44 años; toda una vida, la vida profesional de Cifu, su amor apasionado por esa música sin la que, para él (y para muchos), no se podía entender nada de lo es el rock en todas sus vertientes.

A Juan Claudio Cifuentes, Cifu, le han dado todos los premios que se puedan obtener por ese trabajo: desde un Ondas, a el del Cub de Música y Jazz del San Juan Evangelista –ese templo permanente del Jazz en Madrid durante cincuenta años–; el último, este mismo año, la Medalla de Oro en las Bellas Artes. Cuenta Chema García Martínez (otro enamorado de esa música, y admirador confeso de Cifu) en El País que el premiado "tenía previsto no acudir a recogerlo, por disconformidad con la política del Ministro de Educación, José Ignacio Wert. Lo que se dice, genio y figura". Tan solo puedo añadir: Gracias por todo, Cifu.

Esta es la historia de dos músicos israelíes de jazz que comparten exquisita sensibilidad, se llaman exactamente igual y hasta coinciden actuando en España este mes. Pero los dos Avishai Cohen no tienen nada que ver entre sí.

La confusión está servida. Mejor dicho, el dilema se resuelve en un momento: disfrutar de ambos. El trompetista desembarca este martes en la madrileña sala Clamores, el día 4 en Huesca y el 5 en Barcelona.

¿Y el otro? Pues el contrabajista, que graba para el sello Blue Note, nos visita el 28 de marzo en el Auditorio Nacional.

Damos fe de que, al menos al primero, no le gusta nada que le interroguen por el segundo. Se lo preguntamos y no responde ni que sí ni que no, sino todo lo contrario.

Tal vez este discípulo de Miles Davis está harto del tema. No importa. Su álbum Dark nights habla por él, con un clima cálido que envuelve la estancia más gélida y un 'karma' espiritual en el que su trompeta sobresale por encima de una trama instrumental envolvente, incluida una especie de sutil cama electrónica.

“Me preocupaba crear una cierta atmósfera y tocar de una manera honesta y sencilla”, dice a infoLibre el trompetista Avishai Cohen, residente en Nueva York y líder de una sólida formación llamada Triveni. “Pretendía que sonara de forma muy auténtica, sin nada que ver con toda la basura innecesaria que nos rodea”, añade antes de proseguir: “Intentar ser auténtico conlleva diversas cuestiones: ¿quién eres realmente?, ¿quién es la persona que trata de ser tú? Es como un juego entre observador y observado”.

“Por supuesto que Miles Davis es uno de los músicos que más me han influido. También Clark Terry (recientemente fallecido), Dizzy Gillespie, Clifford Brown, Lee Morgan, Chet Baker, Don Cherry, Art Farmer, Kenny Dorn, Fat Jones, Roy Eldridge… Y, cómo no, Louis Armstrong”, confiesa mientras apunta en otras direcciones, es decir, no sólo trompetistas: Herbie Hancock, Wayne Shorter, John Coltrane, Bill Evans, Bud Powell, Dexter Gordon, Coleman Hawkins, Billie Holiday, Ella Fitzgerald, Oscar Peterson.

Por su parte, el contrabajista Avishai Cohen se ha labrado un bagaje de músico alejado de la frivolidad, también preocupado por construir ambientes, pero con una sonoridad distinta.

El contrabajista Avishai Cohen

Sus grabaciones, antes distribuidas por EMI y ahora por Warner, alcanzan momentos tan culminantes como Seven seas o Almam, repletos de capas instrumentales basadas en la complejidad, sin prejuicios para beber del mejor jazz clásico pero dispuesto a fusionarlo con actitudes contemporáneas.

Curiosamente, hasta el título de su flamante álbum se parece al de su homónimo, pues las noches oscuras del anterior se convierten aquí en From darkness, desde la oscuridad.

Por tanto, regreso al intimismo por parte de este jazzista, como comprobaremos antes de Semana Santa en la Sala de Cámara del AN, cada vez más presto a ser feudo de conciertos del género.

Blue Note es, por supuesto, sinónimo de jazz deluxe. El sello discográfico más legendario del espectro afroamericano cierra el año de su 75 aniversario renovando sus apuestas por la exquisitez y… mirando atrás con orgullo para que nos rindamos ante su impresionante catálogo, ahora rememorado con cuidadas reediciones y dejando claro que no sólo activa la nostalgia: la fábrica de talentos no cesa, como evidencia Gregory Porter.

El olfato de su fundador alemán, Alfred Lion, revolucionó la historia de la música. Su imperio del buen gusto nos ha permitido disfrutar de Art Blakey, Thelonius Monk, John Coltrane, Miles Davis, Sonny Rollins, Horace Silver, Jimmy Smith, Dexter Gordon, Bud Powell, J. J. Johnson, Herbie Nichols, Kenny Burrell, Lou Donaldson, Hank Mobley, Thad Jones o Paul Chambers.

También de Bud Powell, Jackie McLean, Duke Pearson, Donald Byrd, Stanley Turrentine, Freddie Hubbard, Herbie Hancock, Kenny Drew, Grant Green, Joe Henderson, Andrew Hill, Don Cherry, Ornette Coleman, McCoy Turner, Cecil Taylor, Bobby Hutcherson, Wayne Shorter, Elvin Jones y un larguísimo etcétera de fastuosos trompetistas, saxofonistas, pianistas… Y cantantes, cómo no, que nos vienen a la mente Dianne Reeves, Cassandra Wilson, Eliane Elias, Norah Jones o US 3 (qué grande su versión del clásico Cantaloop).

El legado de Blue Note nos sumerge en las profundidades de la música de altos quilates. Es connotativo, ecléctico, influyente… Definitivo. Y todo se fraguó en el cerebro de Alfred Lion, marcado (afortunadamente) de por vida al haber venido al mundo muy cerca de la casa natal de Marlene Dietrich en Berlín.

Su muerte a finales de los 80 parecía un escollo insalvable para la difusión de semejante compendio de melodías eternas, pero él ya había dejado el relevo atado cuando vendió la marca, revitalizada primero por EMI y hoy por Universal.

Los sucesivos presidentes de Blue Note en las dos últimas décadas mantienen intacto el espíritu original, fusionado ahora con los coqueteos electrónicos. Bruce Lundvall no tardó en mostrarse como un cazatalentos extraordinario. Y hoy es Don Was (ex componente del dúo Was Not Was y también productor, como el propio Lion) quien toma las riendas desde hace sólo dos años.

Sobre el mito de Alfred Lion, declaró Lundvall: “Le conocí en 1985, cuando él relanzaba el entonces inactivo sello. Estaba retirado y enfermo, pero seguía supervisando todo. Recuerdo que le fascinaba la música de Prince”.

Los prejuicios nunca han hecho su aparición en la casa. Mucho menos desde que se autorizaron remezclas firmadas por Dr. Dre o Tribe Called Quest.

Se acaba de publicar el libro conmemorativo Blue Note: Uncompromising expression y París ha consagrado el Blue Note Xperia Lounge Festival a subrayar la proyección de Robert Glasper, Ambrose Akinmusire, Derrick Hodge o Kendrick Scott.

La música clásica y el jazz son sus estilos preferidos. Unos estilos que, tal y como relata, trata de aplicar a la música electrónica.

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