A finales del siglo XX, España podía reconocer en el mundo con claridad “su” música, desde el pop luminoso de Mecano o la fuerza de Héroes del Silencio a la sensibilidad con toques aflamencados de Alejandro Sanz o el indie que marcó a una generación.

Sin embargo, en 2025 la pregunta ya no es qué define la identidad de la música española, sino si ese concepto sigue teniendo sentido dentro de un ecosistema en el que el español se ha vuelto global, híbrido y profundamente interconectado.

Esta es una de las reflexiones del nuevo informe del Observatorio Nebrija del Español, donde se detecta cómo España ha pasado de exportar voces a formar parte de una red transnacional en la que los acentos se cruzan y los ritmos se comparten.

España ha actuado como uno de los grandes emisores de música en español. Durante los años 80 y 90 se produjo la profesionalización de la industria española, marcada por la concentración del mercado en manos de compañías multinacionales. A diferencia de lo que sucedía en otras naciones europeas, la transformación fue vertiginosa.

Así, si en 1980 siete sellos globales controlaban un 52% del mercado, ya en 1985 solo cinco discográficas aglutinaban el 87%. Este crecimiento se sumó a la confluencia de una explosión creativa y al apoyo de la radio, algunos programas de televisión y las revistas musicales. También las nuevas tecnologías de consumo físico musical –como el CD– interpretaron su papel en la expansión internacional de los grandes referentes del pop español.

Pero a partir de los años 2000, esa fórmula de éxito comenzó a cambiar, primero de una manera tímida y luego de forma estructural. Así, pasamos de lo físico a lo digital impulsados por el auge de una piratería que sumió a la industria en una crisis de ventas que acabó afectando a todo el sistema.

En ese punto de inflexión, en 2005, una colaboración entre la colombiana Shakira y el español Alejandro Sanz reveló que el idioma era un vector más poderoso que cualquier identidad nacional. La canción La Tortura anticipó la explosión de un pop latino-global cuya arquitectura ya no dependía del país de origen del artista sino de su conexión con una comunidad lingüística transcontinental.

Desde entonces, España comenzó a importar sonidos, estilos, productores y narrativas que provenían de América Latina. Los datos son reveladores: cuando analizamos el consumo musical en España de las últimas dos décadas, siete de cada diez canciones se cantan en español. De hecho, el 94% de la música que consume esta audiencia en YouTube se canta en español, al igual que el 87% de lo que escuchan en Spotify. Pero solo una cuarta parte de esas canciones son de intérpretes originarios de España. Es decir, el español que está dominando las listas de éxitos posee muchos acentos.

No obstante, esto no indica una pérdida de relevancia cultural de los artistas españoles, sino un desplazamiento del eje. Podría decirse que la identidad musical está dejando de ser local para convertirse en lingüística y relacional. Así el Spanish sound ya no se entiende como una estética propia y diferenciada de un país sino como parte de un espacio común compartido, el “orgullo latino” que puede surgir desde Medellín, San Juan o Buenos Aires a Ciudad de México, Miami, Cuenca, Terrassa o las islas Canarias.

El auge de la música en español en el escenario global no surge de la nada, ni es simplemente algo que el viento del mercado haya traído consigo. Es más bien el punto de encuentro de corrientes históricas y tecnologías que, en los últimos 20 años, han ido reconfigurando las rutas por las que viaja la cultura en un planeta interconectado.

En los años 90 la música en español funcionaba como un mercado fragmentado, jerarquizado, con flujos unidireccionales (en España ligado al pop y en Estados Unidos, al Spanglish). Hoy, sin embargo, actúa como una comunidad digital, fluida, global y dopada por los algoritmos. Las plataformas que han borrado fronteras también han revelado un dato fundamental: el español es uno de los idiomas más escuchados del mundo en las listas de éxitos.

En este contexto, los artistas españoles navegan entre la idea de preservar ciertas raíces culturales mientras adoptan sonidos y estéticas que conectan con audiencias globales. Se observa un cambio generacional de artistas superventas del pop español como Estopa, Pablo Alborán o Dani Martín para pasar a Juan Magán, Rosalía, Quevedo y RVFV, referentes de propuestas que se integran en un lenguaje musical más amplio.

Otro vector clave que impulsa la música en español es el femenino.

La presencia de Karol G y Rosalía en las listas de éxitos globales, junto a una figura transgeneracional como Shakira –quien constituye un caso singular de reinvención sostenida dentro de la industria latina–, permite observar un cambio de ciclo en la música popular contemporánea.

A ellas se suman intérpretes españolas con fuerte impronta internacional. Así, y según Chartmetric, para Aitana, Bad Gyal y Ana Mena México es su mercado secundario, mientras que Argentina lo es para Lola Índigo. Por tanto, la relevancia de estas artistas no puede entenderse ya como regional o local, sino como parte de un ecosistema cultural crecientemente interconectado que les permite disputar espacios simbólicos históricamente masculinizados.

Su visibilidad y su forma de reinterpretar el género, lejos de ser un fenómeno aislado marca un hito en la historia de la representación femenina. Este empoderamiento femenino y latino que encarnan abre puertas para nuevas generaciones y legitima una diversidad de expresiones que amplían los márgenes en la cultura popular contemporánea desde el español.

Al final, la música en este idioma no es un tema de banderas, sino voces que conquistan. Lo que importa no es el origen del sonido, sino la amplitud de su eco.

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Lourdes Moreno Cazalla es doctora en Comunicación y autora del estudio para el Observatorio Nebrija del Español "El boom de la música urbana latina y la expansión del español a nivel global". Este artículo fue publicado originalmente en The Conversation. Puedes leerlo aquí.

Sí, ese es el título del poema de Luis Pastor que acabó dando nombre a su disco de 2017, Memorias en verso. La reflexión que nos traslada viene de lejos. En duros momentos Luis nos ha recordado ese poema histórico y profético. Recuerdo que se acercaban las elecciones que dieron el triunfo a la derecha en 2011 y lo leyó en el Círculo de Bellas Artes, participando en la presentación de un libro sobre José Saramago, muerto el año anterior. 

Hizo Luis el ejercicio de valorar, juzgar, analizar, qué de bueno y qué de malo hubo en aquella trayectoria de los cantautores españoles que abanderaron nuestros ritmos en la famosa Transición española para ir siendo arrumbados, apartados, conducidos al olvido poco a poco. 

Éramos tan libertarios, casi revolucionarios

Ingenuos como valientes, barbilampiños sonrientes…

Esos chicos que íbamos a ver allí donde podíamos, desde el Gayo Vallecano fundado por el imprescindible Juan Margallo, junto a Fermín Cabral o Luis Matilla, el Ateneo Libertario de Villaverde, o el San Juan Evangelista, entre otros. Luis, Sabina, Aute, Krahe, Pablo Guerrero, Rosa y Julia León, Victor y Ana, Elisa Serna, Sánchez Ferlosio o Hilario Camacho. 

Más en la distancia geográfica, que no afectiva, Marina Rosell, María del Mar Bonet, Serrat, Paco Ibáñez, Luis Llach, Mercedes Sosa, Soledad Bravo, Victor Jara, Silvio, Pablo, Violeta, Viglietti o Raimon. Y muchos más, una relación infinita que alimentaba nuestras ilusiones.

Fuimos sembrando canciones en esta tierra baldía

Y floreció la poesía y llenamos los estadios

Y en muchas fiestas de barrio sonó nuestra melodía.

Qué fue de los cantautores, se pregunta Luis. Pues yo diría, ni más ni menos, que lo que fue de todas y todos nosotros en una sociedad que consiguió transitar hacia la democracia pagando el precio del olvido, en nombre de la reconciliación. Lo uno por lo otro, la penitencia en el pecado, mientras construimos los abusos de la memoria de los que nos hablaba Todorov.

Algunos son diputados, presidentes, concejales, médicos y profesores

O ejerciendo asesoría en la sociedad de autores

Otros están y no cantan, otros cantan y no están

Los hay que se retiraron, algunos que ya murieron

Y otros que están por nacer.

Quienes no claudicaron ni en las formas ni en los fondos terminaron arrumbados, invitados de gratis en homenajes y de balde en fiestas de barrio. Fueron útiles cuando la memoria servía para presionar, dejaron de serlo cuando las puertas del dinero y el poder, de los consejos de administración y de las poltronas de la Administraciones comenzaron a abrirse para nueva sangre fresca y roja.

Algunos sobrevivieron y hasta triunfaron modificando letras, internándose en intimidades, cantando en grupo en amplias y siempre penúltimas giras. Pero preguntad, así a boleo, por algunos de ellos. Desparecieron de la memoria de nuestros jóvenes. Son la desmemoria andante, fantasmal, carcelera intratable.

La democracia es la pera, cantautor a tus trincheras

Con corona de laurel y distintivos de honor

Pero no des más la lata, que tu verso no arrebata

Y tu tiempo ya pasó.

Vaya, les ocurrió lo mismo que a cuantos se empeñaron en hacer realidad la Constitución, derecho a derecho y libertad a libertad. Mientras, otros tantos que parecían de la cuerda, se convertían en diputados, concejales, senadores, directores generales, ministros, profesionales, asesores, conseguidores, emprendedores, trapicheros de todo tipo. Dejaron de dar el cante.

Y, sin embargo, seamos o no cantautores, todos lo somos un poco, sigue teniendo sentido cantar nuestras verdades de ayer que salpican el presente y la mierda pestilente que trepa por nuestros pies. Comienzan a ser asfixiantes esos silencios cómplices, ese seguidismo sin fisuras, esa persistencia en los errores, ese miedo a la verdad, ese chapoteo de los mediocres, en la vida de nuestras instituciones y en organizaciones que fueron creadas para la libertad. 

 Como en mis tiempos mejores dando el cante, que es lo mío

Y aunque en invierno haga frío, me queda la primavera

Un abril para la espera y un Grándola en el corazón.

No tengáis miedo. Son fuertes cuando nos mostramos débiles. Son grandes cuando nos arrodillamos. Cuanto decimos, cuanto escribimos, cuanto expresamos y no nos guardamos por miedo, por inercia, por comodidad, da sentido a nuestras vidas, da sentido a nuestra existencia, nos reconcilia con el mundo, nos invita a seguir creando, haciendo poesía, componiendo música, recuperar los ritmos de la vida.

Y de nuevo son los cantautores los que se regeneran, se renuevan y nos abren nuevos caminos. Los que vienen de lejos abrazados a los nuevos cantautores, sobre todo cantautoras, que se han ido incorporando a nuestras músicas cotidianas, Rozalén, Lourdes Pastor, La María, Valeria Castro, Lucía Socam, sin que falten jóvenes como Pedro Pastor, entro otros muchos.

España, pueblo a pueblo, terruño a terruño, organización a organización, pide a gritos una profunda regeneración democrática. Los cantautores empujaron con fuerza para abrir las grandes alamedas que nos habrían de llevar a la libertad. Han pasado casi 50 años y no basta exaltar las glorias de la Transición porque el camino ha quedado sembrado de avances evidentes y de incumplimientos dolorosos.

Es tiempo de repensarnos, aprovechar los éxitos, corregir errores evidentes, cumplir compromisos constitucionales siempre aplazados, recuperar derechos perdidos, reabrir caminos que fueron sellados, decir verdades que nos hemos censurado, ejercer libertades que hemos olvidado. 

No sé dónde ha estado cada uno, cada una, en todos estos años, pero es hora de abandonar la zona de confort, salir a la calle, reconocernos en lo bueno y lo malo que nos rodea, abrazarnos, movilizarnos, comprometernos, con los derechos y libertades que un día creímos que serían posibles. Porque,

Aquí seguimos, cada uno en su trinchera

Haciendo de la poesía nuestro pan de cada día

Siete vidas tiene el gato

Aunque no cace ratones

Hay cantautor para rato

Cantautor, a tus canciones

Zapatero a tus zapatos.

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Francisco Javier López Martín fue secretario general de CCOO de Madrid entre los años 2000 y 2013.

La Oreja de Van Gogh ha anunciado la vuelta de Amaia Montero como vocalista del grupo y la salida temporal del guitarrista Pablo Benegas, que se retira una temporada "para poder disfrutar de más tiempo junto a su familia y explorar nuevos retos profesionales".

La esperada noticia se ha hecho pública este miércoles en un comunicado, filtrado unos minutos antes en las redes sociales, acompañado de una foto y de un vídeo grabado en un local de ensayo en el que aparece ya cantando Amaia Montero, en compañía de Xabi San Martín (teclados), Álvaro Fuentes (bajo) y Haritz Garde (batería).

La ausencia de Pablo Benegas es patente tanto en la imágenes como en la firma del comunicado en el que el grupo explica que el guitarrista sigue formando parte de la banda, aunque "se retirará una temporada para poder disfrutar de más tiempo junto a su familia y explorar nuevos retos profesionales".

"Después de 30 años en la carretera, ha decidido parar y disfrutar de más tiempo con los suyos. Hasta que volvamos a encontrarnos, le deseamos todo lo mejor", agrega el texto.

De esta manera, el quintento reconvertido ahora en cuarteto volverá a reencontrarse con su público tras haber dedicado estos últimos meses a repasar sus éxitos y también a escribir nuevas historias que pronto se sumarán a su repertorio.

"Volver al local de ensayo, encender el micrófono y sentir viva la magia de nuestras canciones me hizo infinitamente feliz", asegura una Amaia Montero emocionada, que regresa así al grupo en el que permaneció durante doce años.

La confirmación oficial del regreso Amaia se produce justo un año después de la abrupta salida de Leire Martínez, que permaneció 17 años en la banda donostiarra.

El vocalista, guitarrista y líder de la banda Ilegales, Jorge Martínez, ha anunciado que debe someterse a un tratamiento contra el cáncer, lo que ha obligado a la cancelación de todos los conciertos previstos "por tiempo indefinido", ha informado el grupo a través de su página web, informa EFE.

Ilegales había anunciado en los últimos días la cancelación de algunos de sus conciertos por una situación que "se ha complicado más de lo previsto inicialmente", lo que obliga a "detener por completo la actividad en directo de la banda para que Jorge pueda someterse a un tratamiento contra un cáncer".

El grupo, que ha expresado su "gran pesar", ha incidido en que "la decisión, tan difícil como inevitable, responde únicamente a la necesidad de que Jorge dedique todas sus energías a recuperarse".

Ilegales ha transmitido su agradecimiento al público, "siempre fiel, que lleva acompañando a la banda durante más de cuatro décadas de carrera", así como sus "más sinceras disculpas a quienes tenían entradas adquiridas o habían hecho planes para disfrutar de los próximos conciertos".

"Hoy más que nunca es momento de poner la salud por delante de todo. Confiamos en que la fortaleza y el carácter indomable de Jorge le permitan superar esta etapa y esperamos que pronto vuelva a encontrarse con su público sobre los escenarios. Agradecemos de corazón la comprensión, el cariño y el apoyo recibidos en estos momentos tan complicados", ha manifestado la banda, que tenía programados un veintena de conciertos de aquí a final de año.

Rick Davies, cofundador, cantante y compositor de Supertramp ha muerto a los 81 años, informó la banda de rock británica, que precisó que padecía mieloma desde hace cerca de diez años y recoge EFE.

Davies nació en Swindon el 22 de julio de 1944 y falleció este pasado sábado en Long Island (EE.UU.).

El grupo recordó en su página web que su amor por la música comenzó de niño escuchando Drummin' Man de Gene Krupa, tras lo que desarrolló una pasión por el jazz, el blues y el rock'n'roll.

Davies fundó Supertramp en 1969 en Londres junto con Roger Hodgson. Dreamer, Bloody Well Right, Breakfast in America, Goodbye Stranger o Even in The Quietest Moments son algunos de los mayores éxitos del conjunto.

Como coautor, según señaló la banda en su web, fue la voz y pianista detrás de las canciones más icónicas de Supertramp, "dejando una huella imborrable en la historia del rock". "Su voz llena de alma y su inconfundible toque en el Wurlitzer se convirtieron en el latido del sonido del grupo", dijo el comunicado en referencia al piano eléctrico que se convirtió en su sello especialmente en los años setenta y ochenta.

Fuera de los escenarios, según la nota, Davies era conocido "por su calidez, resiliencia y devoción a su esposa, Sue, con quien compartió más de cinco décadas". "Tras enfrentar serios problemas de salud que le impidieron continuar de gira con Supertramp, disfrutaba tocando con sus amigos de toda la vida en la banda Ricky and the Rockets", indicó el grupo, del que Hodgson se fue en 1983 para continuar su carrera en solitario.

"La música y el legado de Rick continúan inspirando a muchos y son prueba de que las grandes canciones nunca mueren, sino que siguen viviendo", concluyó Supertramp en su homenaje a Davies, que en 2015 fue diagnosticado con mieloma, un cáncer en las células plasmáticas.

Nena Daconte ya no se presenta públicamente como Mai Meneses, ahora es María. Ya no es la joven que intentaba ser perfecta, ni la que se bloqueaba por miedo a fallar. La artista se ha convertido en una mujer que, tras superar inseguridades paralizantes como el bloqueo escénico o las opiniones ajenas, logra escapar de un “túnel de 15 años” para continuar desnudándose a través de canciones.  

Hablar con María conlleva asomarse a una sensibilidad desbordante, aunque ya madurada, capaz de identificar sus errores y proponer nuevas rutas para mejorar. Los miedos son los mismos, pero ya viejos conocidos. En su último álbum, La escafandra, la cantante pone sobre la mesa el dilema entre protegerse o entregarse al amor.

En la presentación de tu último disco, La escafandra, explicas que el título está inspirado en La campana de cristal de Sylvia Plath. ¿Qué querías transmitir con esa metáfora?

Pensaba un poco en la idea de que, conforme nos vamos haciendo mayores y aprendemos a manejarnos por la vida, tendemos a protegernos de los demás para que no nos hagan daño. Por un lado, está bien, porque significa poner límites. Pero también es verdad que nos ponemos una coraza que no nos permite disfrutar de la vida. Entonces, en este disco, pienso en lo bonito que sería encontrar a alguien que te rompiera esa escafandra.

Como autora, ¿te identificas con Sylvia Plath de alguna manera? 

Creo que un poco sí, en la parte más sensible. A mí me gusta poetizar la vida y tengo una visión de ella, quizá, un poco alejada de la realidad. 

Tus canciones desprenden muchísima intensidad. ¿Eres así emocionalmente?

Sí, yo he sido una dramas total. Soy muy intensa, y a mí el amor me desborda siempre. Pero bueno, por suerte tengo la música y la composición como una forma de terapia, de canalizar todo ese conflicto que a veces siento. Y luego, lo lanzo y se convierte en la canción de otra persona. 

Volvamos a La escafandra. En el disco planteas el miedo a la vulnerabilidad ¿es algo que hayas sentido en tu vida personal?

Sí, muchísimo, me cuesta confiar plenamente. A veces voy saliendo de la escafandra y otras vuelvo a meterme. Es un proceso constante. A veces no te das cuenta de los traumitas que tienes y que van modificando tu capacidad de entregarte con ilusión a las cosas nuevas.

¿Y crees que se puede amar plenamente dentro de esa coraza? 

No. Yo creo que para amar plenamente tienes que atreverte a ser vulnerable, entregar al otro un poder y confiar en él. 

¿Qué miedo esconde tu escafandra? 

Que te engañen, no en el sentido de ponerte los cuernos y tal, que también… Es difícil ser real con otra persona, ¿sabes? Me da miedo que se ponga sus  propias máscaras.

Y, sobre esa resistencia a exhibirse, ¿sientes que componer sobre tus experiencias personales te hace más fuerte o más vulnerable?

Más fuerte. Es verdad que es contradictorio: me da mucho miedo ser vulnerable para una persona que me está diciendo que me quiere y, sin embargo, puedo abrirme a un montón de personas que no conozco. Con ellas, en el fondo, no me importa tanto. 

En 2022 publicas la autobiografía Tenía tanto que darte, donde expones tu trayectoria profesional y personal desde que diste el salto a la fama. ¿Hay algo que te asustara compartir? 

La separación con mi compañero de grupo. Siempre he intentado ser justa y comprender todas las partes, pero cada uno cuenta la historia desde sus propias gafas. Lo que yo viví es lo que está en el libro.

En él, hablas de una crisis personal que dura 15 años, ¿cómo te das cuenta de que sales de ella? 

Me di cuenta de que había salido del túnel cuando volví a bailar. Yo estuve bloqueada físicamente durante muchos años, y de pronto, hice click. Volví a ser esa chica despreocupada, sin presión por la fama y por el qué dirán. Bailando y liberándome físicamente es como me desbloqueé, el disfraz se me cayó de golpe y me comencé a curar. Y por eso, ahora bailo y dejo que mi cuerpo se mueva como le dé la real gana. Es una conquista personal de mi libertad.

¿Cómo explicarías ese bloqueo físico? 

Como si tuvieras un palo metido por el culo (ríe), como si tu cuerpo no te perteneciera.

¿Qué frenos tuviste a la hora de contar tus vivencias en el libro? 

Bueno, en realidad hay muchos secretos que no he contado todavía. O sea, yo creo que el libro es la punta del iceberg. Cuento que me evadí usando sustancias, alcohol y drogas… Pero no explico por qué me estaba evadiendo. Fue un libro en el que me expuse hasta cierto punto. 

Hablas también sobre tu perfeccionismo ¿Crees que eso te ha afectado aún más, por ser mujer en la industria musical?

Bueno, se nos exige ser jóvenes, guapas y talentosas; además de que nuestros shows tienen que ser mucho más espectaculares que los de los chicos. Eso es un hecho y es real. Entonces, partiendo de eso, nosotras tenemos que luchar mucho más. Un ejemplo es la edad: no se juzga a Leiva por la edad que tiene o por su físico. Pero otra mujer artista, de su misma edad, probablemente sea criticada por engordar más o menos, o por envejecer peor. 

¿Alguna experiencia personal al respecto? 

Pues, siempre que hay chicos alrededor, les preguntan a ellos lo que sea antes que a mí. Aunque sea mi historia. Y también la gente suele atribuir los méritos ingeniosos al productor u otro hombre. Sigue habiendo el prejuicio de que siempre es un chico el que está detrás de algo grande, siempre. 

¿Crees que alguna vez la industria musical ha intentado aprovecharse de ti?

Sí, claro. Al final la música es una industria: en vez de vender coches, vende discos, canciones y ocio. Si pueden sacar dinero de ti por el camino más rápido, sin preocuparse por tu sensibilidad o por si tienes algo más profundo que aportar, lo harán.

¿Has sabido decir que no?

A veces sí, a veces no. A veces me he tragado cosas de frente. Con la experiencia vas aprendiendo, pero muchas veces piensas: “si no paso por aquí, no llegaré allí”. Y hay sacrificios que tienes que hacer.

La escafandra propone la historia de una relación, con planteamiento, nudo y desenlace. ¿Qué mensaje se obtiene de este relato?

Yo estaba contando una historia que inicia en la fase de idealización, cuando te enamoras de una persona, pero sin ser recíproco. Ahí una intenta ver señales donde no las hay. A mitad del disco, cuando aparece la canción Sueño, que es la que canto con Iván Ferreiro, ya sí eres consciente de que no es el amor que tú andabas buscando. Ahí termina la autoestima. Pero de pronto, te levantas con la canción de Discúlpeme señor, que es un tema de empoderamiento. Hay que intentar acabar arriba, que no te destruya lo que hay fuera. 

Ahora el empoderamiento tiene su propio lugar en tus canciones de amor. Sin embargo, cuando comenzaste a publicar música, con temas como Idiota, tratabas este sentimiento desde la dependencia y el dolor. ¿Es una transformación que has experimentado personalmente?

No es que yo haya cambiado mucho, ¿sabes? Belén Rueda decía en una entrevista que, conforme te haces mayor, no es que ya no te pasen cosas ni te dejen de afectar. Simplemente tardas menos tiempo en reponerte y aprendes a ponerles nombre. 

¿En qué estás trabajando ahora?

Pues mira, estoy preparando el disco de los 20 años de carrera, que saldrá el año que viene. A partir de octubre empezaremos a lanzar cosillas, va a ser un disco muy guay. Los arreglos están basados especialmente en el directo, porque son canciones que sigo cantando delante de la gente. Entonces quiero trasladar ese concierto, plasmarlo en el disco y que quede ahí. 

Por último, ¿qué diferencia principalmente a Mai Meneses de María? 

Pues que Mai no bailaba. 

Manuel de la Calva, miembro del Dúo Dinámico, ha fallecido este martes a los 88 años de edad en el Hospital Anderson de Madrid, según ha confirmado a EFE quien fuese su pareja artística, Ramón Arcusa, y recoge EFE.

Este ha explicado que el cantante y compositor sufría una fibrosis pulmonar, diagnosticada después de un incidente en un concierto en Sitges (Barcelona) hace 3 años, en el que se desplomó, aunque durante todo este tiempo él se mantuvo "positivo, dicharachero y peleando hasta hace poco" contra la enfermedad.

"Manolo de la Calva, mi amigo del alma, más que hermano, compañero de cien aventuras y de mil canciones nos ha dejado hoy. No lloréis por él, no le gustaría. Fue el alma de Dúo, siempre alegre, optimista, positivo. Cantad con él en esta despedida. Gracias por tanto, amigo. Ya eres eterno. Cuídate allá donde estés. Te vamos a echar mucho de menos", ha escrito Arcusa en redes sociales a modo de despedida.

De la Calva, como miembro del Dúo Dinámico, atesora un gran número de éxitos desde sus inicios a finales de los años 50, como Perdóname, Amor de verano, Esos ojitos negros o Resistiré, recuperado como himno durante la pandemia de covid-19.

Ambos se conocieron como trabajadores en una fábrica de motores de aviación y se convirtieron en precursores del fenómeno fan en España gracias a una estética identificativa, cuajada en el imaginario colectivo con sus chalecos rojos, y sobre todo a canciones de fuerte componente melódica, algunas versiones de clásicos estadounidenses, pero también temas propios, entre los que en sus primeros tiempos ya aparece Quince años tiene mi amor.

Así comenzaron a acumular uno de los repertorios más sólido y voluminoso, con cortes como Quisiera ser, con el que quedaron segundos en el Festival de Benidorm de 1961, pero también Perdóname, Amor de verano o La la la (la canción con la que Massiel consiguió la victoria española en Eurovisión 1968).

La banda malagueña Efecto Mariposa regresa con un nuevo tema llamado Mágico que refleja a la perfección la esencia y los mensajes que siempre ha querido trasmitir con sus canciones. Mientras se preparan para celebrar 25 años de trayectoria musical, charlamos con Susana Alva (vocalista y guitarrista) y Frasco G. Ridway (bajista) para saber en qué punto se encuentra la formación en el siempre complicado mundo de la música y conocer de primera mano sus planes más inmediatos que pasan —eso ya lo sabemos— por ir desvelando su próximo disco, 219.000 horas de vuelo, que llegará a finales de año con una interesante nómina de colaboraciones de diferentes artistas. Porque 25 años no se cumplen todos los días.

Sois un grupo que ha marcado a toda una generación. ¿Qué sentís cuando miráis atrás y veis todo lo que habéis conseguido?

SUSANA: Nos sentimos contentos y agradecidos de haber podido llegar hasta aquí dedicándonos a lo que más nos gusta, que es nuestra pasión. Es una profesión muy difícil, nunca sabes qué va a pasar, dependes de muchas cosas ajenas. Es como una montaña rusa en la que siempre estamos subidos, así que nos sentimos muy agradecidos.

¿Hay alguna canción a la que le tengáis cierto cariño especial?

S: Por ejemplo, Mágico. Que no es porque coincida que acabamos de adelantarla, pero es una mezcla perfecta de lo que somos nosotros. De nuestras canciones más poperas, más tranquilas, entre comillas, y las más energéticas. El mensaje es muy bonito, además.

FRASCO: Sí, totalmente. Luego, en nuestra carrera ha habido canciones que nos han hecho dar un salto, que subamos varios escalones del tirón. El disco Complejidad (2005), con el single No me crees, es muy importante para nosotros. Nos habíamos quedado sin compañía discográfica y tomamos la decisión de seguir y de hacerlo nosotros solos. Y la sorpresa fue que No me crees tirara de ese disco y que nuestra carrera tuviera esa subida. Todas las canciones son importantes para nosotros. Incluso las que han sido más radiadas no son el reflejo 100% de lo que somos. Hay canapés, como decimos nosotros, de esos discos que emocionalmente incluso nos aportan más y son más como somos.

S: Lo que es cada vez más difícil es hacer el repertorio para el directo. Cada vez se complica más esta labor.

¿Es Mágico la canción que mejor define a Efecto Mariposa en 2025?

S: Mágico está ahí porque nos ha salido del alma y del corazón. No hay nada que nos haga sentir incómodos. Además, desde el primer momento que hablamos de este disco de aniversario con amigos supimos que Marcos Cao era la persona perfecta para cantar esta canción. Hemos tenido la suerte de que nos dijera que sí desde el primer momento. Y el resultado está ahí.

¿Qué diríais que os motiva a seguir componiendo y haciendo giras y conciertos después de tantos años?

F: La pasión que sentimos hacia la música. Nuestra forma de expresarnos es a través de la música. Nuestra evasión de la realidad en la música. Es una filosofía de vida. No estamos metidos en esto a nivel negocio. Lógicamente, es el sustento que tenemos a día de hoy, pero hay una motivación mucho más sentimental y profunda. Puede sonar un poco romántico, pero es una realidad. De hecho, nosotros nos conocimos a través de la música, así que son muchos factores.

¿Cómo habéis vivido vosotros como grupo la transformación de la industria musical mirando a vuestros comienzos?

F: Todo tiene que evolucionar de alguna manera, pero sí que nos ha pillado en cuanto al estilo musical como a los formatos de escucha. Desde 2005 empezó la cosa a coger una carrerilla importante de cambios continuos. A nivel musical, hay un porcentaje elevado en la gente joven que ahora tira de cierto estilo, pero eso se compensa con los que tenemos un poquito más de edad, porque nosotros lo notamos en los conciertos. La música es un idioma universal y los tipos de música están ahí para cualquier público.

¿Qué diferencias notáis con el paso de los años en la relación con el público o a la hora de componer? 

F: En cuanto a componer las canciones, yo creo que es exactamente lo mismo, ya que somos gente a la que nos gusta observar lo que nos rodea. Lógicamente, hay una evolución, una madurez, un aprendizaje, una diversidad. No es lo mismos lo que hacíamos en el primer disco o las últimas canciones que hemos hecho, aunque podrían incorporarse, sí, porque tampoco hemos hecho un cambio drástico. La esencia, lógicamente la voz de Susana, es el nexo común del primer disco al último. Todo eso marca una diferencia y un sello del grupo. Al mismo tiempo, podríamos coger canciones del primer disco, darle un tratamiento un poco más conceptual a nivel de cómo nos sentimos nosotros y cómo nos expresamos ahora y cambiarían bastante. Pero a día de hoy seguimos con la misma ilusión, con el mismo enfoque: lienzo en blanco y a ver qué es lo que sale y el mismo proceso de siempre. 

S: Con la misma energía, incluso más que al principio.

¿Qué opináis de esta nueva forma en la que los músicos urbanos tratan de viralizar o promocionar sus canciones a través de las redes sociales?

S: Es otra ventana, otra forma de promoción. Antes tenías que pasar sí o sí por una compañía, que te llevaba a la radio, a la televisión, pero ahora es diferente. Cada uno tiene el poder de sus redes para expresarse como quiere con esta herramienta que te abre al mundo directamente. Por un lado está bien y por otro lado se pierde lo que teníamos antes, pero yo lo veo bien.

¿Veríais posible en el futuro probar nuevas formas de promoción en las redes sociales igual que hacen los artistas de las nuevas generaciones?

F: Creo que no, porque nosotros vamos de otra forma en todo esto. No pensamos qué hay que hacer para conseguir algo, hacemos nuestras canciones esperando que a la gente le guste y que nos quieran acoger en cada sitio donde vamos a tocar. No vamos intentando provocar nada a nivel de marketing. Incluso el disco que hemos hecho ahora, no tiene ninguna colaboración que hayamos hecho pensado a nivel de marketing para intentar conseguir algo, son todos amigos con los que queríamos cantar. Por ejemplo, lo de hacerse viral en TikTok yo creo que es más porque haya otra persona, un personaje popular, que tire de tu canción. Pues mira, si eso alguien lo quiere hacer, encantadísimo de que alguien que sí se dedique a ese mundo quiera viralizar una canción nuestra. Por supuesto. Pero nosotros estamos en otras cosas, no pensamos en provocar eso.

S: Ocurre que, además, es muy difícil llegar a viralizar una canción. Habrá mil millones de personas intentando hacerlo, y a lo mejor llega una. Es decir, aunque lo intentásemos muy fuerte, no creo que tuviéramos esa suerte de que fuera la nuestra.

¿Creéis que el contexto social y el político puede influir en cómo se perciben o se reciben las canciones?

F: Yo creo que sí, a nivel social, sí, porque como comentaba somos observadores y vemos lo que nos rodea y lo que nos toca directamente. Obviamente, muchas cosas, aunque no hablamos el idioma político. Somos más de observar y de la parte social. De hecho, hay algunas canciones que sutilmente, sin profundizar, porque tampoco queremos levantar el puño, hacen mención a ciertas cosas que nos preocupan y que nos desagradan, pero sin profundizar muchísimo. Las canciones tienen que ser, en nuestro caso, lo que queremos transmitir, que son mensajes de positivismo. No eludir lo que ocurre, pero sin rascar la parte negativa, sino intentando ver la otra parte positiva. Luego están las canciones de amor o desamor, lógicamente. Pero si hay tintes sociales en nuestras canciones, es para darle la vuelta y que salga todo lo positivo. 

¿Qué papel creéis que puede tener la música en tiempos de polarización, de crispación, de crisis social o política?

F: Amansa a las fieras. Directamente. 

S: Es la medicina del alma. Música siempre.

Si tuvierais que definiros en una palabra, ¿cuál sería? 

S: Pues en dos (risas). Constancia y paciencia. 

F: Porque son dos pilares de sujeción muy importantes para tirar para delante  

S: Después hay que rodearse también de gente que te quiera y que confíe en ti, eso es súper importante también. Y ahí tenemos mucha suerte.

¿Nos contáis alguna anécdota curiosa que os haya pasado en directo?

S: Tocamos hace poco en Leganés y justo antes de salir al escenario no me funcionaba uno de mis pinganillos. Cambié el cable a última hora ya justo saliendo con todos los nervios para añadir todavía más presión (risas). Y, vale, parece que funciona, salgo al escenario y directamente, primera canción, no funcionaba. Y si no te oyes es imposible. Quito uno, pongo otro sin querer para el concierto. Al final me quité uno, a este otro le tenía que dar más volumen... en fin, líos de eso casi siempre.

F: En la parte no musical hay un porcentaje muy elevado de lo que es la vivencia de salir a la aventura de un concierto. 

S: Pero es verdad que hasta de eso aprendes mucho. Porque en Sevilla, el año pasado, hacía tantísimo calor que se fueron las pantallas, se fue todo. Pero, ¿qué pasa? Como llevas unos cuantos años...  

F: Y llevas banda (risas).

S: Claro, te hubieras hecho pequeñito y hubieras dicho 'madre mía, que no...' Y al final te haces más fuerte y sales de eso. 'No me oigo', da igual, venga, quito uno y tal. Pero sí, cosas de estas nos pasan casi a diario, en el estudio igual. Vamos a grabar la voz de esto, súbeme, no, es que no puedo, es que justo esto... Mil historias técnicas siempre.

¿Cómo describirías  la química o la conexión musical que tenéis entre vosotros?

S: Total.

F: Es que no hay que hablar. Simplemente es. Con una mirada sabes que eso es como tiene que ser.

S: La música es la que habla.

F: Claro. Yo creo que por separado somos dos personas que ya de antes teníamos eso en la cabeza, que esa música la sentías de una forma tan dentro que cuando nos hemos juntado dos que somos iguales es que todo es como tiene que ser, sabes que es así. No hay muchas dudas. Cuando está la duda es rechazo directamente y quitamos esa posible canción o esa idea.

¿Qué papel consideráis que tenéis cada uno en el grupo?

F: Nos solapamos. Ahí somos uno. Básicamente ella canta, yo no. Esa es la diferencia más notable. Pero a nivel de cómo funciona Efecto Mariposa somos dos que es uno.

¿Cómo afrontáis el proceso creativo? ¿Qué es lo que más disfrutáis? ¿El proceso de componer, salir a tocar en directo...?

F: El proceso, claro. Cada cosa tiene su magia. La meta, como decirlo de alguna forma, es sacar esa canción, que a la gente la guste, y tocarla en directo. Pero a mí me gusta más la parte de crear la canción. La parte mágica. No había nada y de repente está todo eso. Lo otro es una consecuencia, si quieres tocarla o no. El directo es otra aventura. A mí me gusta más construir la pirámide, la base, batería, y ver cómo va evolucionando eso hasta que ya Susana se mete y graba la voz. Una vez grabada la dejamos descansar un tiempo y a los pocos días la escuchamos como si fuéramos un oyente en la radio., y si hay algo que está irregular te salta el chivato y corriges. Si no salta, es que está correcto. Por lo menos es como nuestro sello de aprobación.

¿Qué es lo que más disfrutáis o lo mejor de vuestra trayectoria en general?

S: La respuesta del público, de la gente que está ahí. Somos muy afortunados en la vida.

F: Por desgracia, la mayoría de la gente no tiene esa opción de dedicarse a algo que le gustaría hacer.

S: O ni siquiera sabe lo sabe.

F: Saber lo que te gusta y poder llevarlo a cabo. Eso es el premio de todo esto.

¿Qué consejos le podríais dar a una banda que esté empezando en la música?

F: Temas propios. Tocar instrumentos. Mirar lo que ocurre alrededor, que las letras digan cosas. Y constancia y paciencia.

S: Y rodearse de buenas personas.

Estamos acabando, pero antes... ¿Tenéis algún proyecto que se pueda adelantar a infoLibre?

S: La salida de este disco a final de año, que es en lo que estamos. Deseando poder compartir ya con todo el mundo este trabajo que venimos haciendo desde hace un par de años por lo menos. Tenemos muchísimas ganas ya de compartirlo. 

Casi quince años llevan ya Kitai en su propia lucha de clases: salir al escenario a morir o no salir. Porque si de algo va el rock es de incinerase en vida. Valga un botón como muestra: cuando en 2018en la Sala El Sol de Madrid batieron el récord Guinness al convertirse en la primera banda capaz de tocar durante 24 horas seguidas, todavía sacaron fuerzas para hacer un bis pletórico como colofón final. Esa actitud, ni se compra, ni se vende. Y esa capacidad de superación es la que les ha traído hasta aquí.

Porque en la trastienda de los éxitos es donde ocurren las cosas que verdaderamente nos hacen tambalearnos, y en una banda que siempre había sido una unidad de cuatro tipos, la marcha del vocalista provocó una crisis total, ahora superada 'a lo Linkin Park' con la incorporación de Kenya Saiz como cantante y guitarrista. Un nuevo elemento femenino que abre no pocas puertas para Fabio Yanes (bajista), Deivhook (batería y también voz) y Edu Venturo (guitarra). Como aquella otra vez que dieron un concierto en globo (eso ocurrió, sí), Kitai salta sin red pero con seguridad. 

¿Qué tal está Kitai? Arranca una nueva etapa con Kenya como cantante.

DEIVHOOK: Trabajando mucho de puertas para adentro y subiéndonos por las paredes, porque la gira no empieza hasta octubre.

KENYA: Estamos a finales de julio en Madrid. Con eso lo decimos todo (risas). Currando.

DEIVHOOK: Somos conscientes de que, queramos o no, estamos empezando un poco de cero, aunque con las mismas ganas de siempre. Ahora mismo, el trabajo está en amasar todo lo que hemos hecho de cara a la gira y al disco, que llegará también en otoño.

Después de la presentación en sociedad del pasado marzo y el lanzamiento de un par de singles, ¿qué tal están reaccionando los seguidores ante estos nuevos Kitai?

K: Siempre son complicados los cambios, pero desde dentro tenemos una perspectiva bastante buena. Nos sorprendió bastante la respuesta, porque yo esperaba más críticas negativas o, por lo menos, más reticencias.

¿Igual es un buen momento para las bandas de rock con mujeres cantando?

K: Sí puede ser, pero tampoco hay tantas. Siento que en los dosmiles, cuando yo era adolescente, había más grupos con chicas. Pienso en Paramore o No Doubt. Ahora tampoco tengo tantísimos referentes de mujeres, aparte de Linkin Park, claro, que ha sido algo muy grande y casi a la vez que lo nuestro (risas). 

Es que vaya paso potente ha dado Linkin Park.

K: Ha sido un golpe maestro.

EDUARDO: En nuestro caso, sinceramente, es también algo que nos hemos planteado mucho, porque es un cambio muy drástico. Además, nosotros siempre habíamos tenido una imagen 'muy de los cuatro', de los tíos que se quitan la camiseta, muy de banda de tíos... Era algo a afrontar, y la verdad es que ha sido con una naturalidad brutal por parte del público. La gente nos ha dicho cosas súper bonitas y nos apoya. Y creo, personalmente, que es necesaria una voz como la de Kenya, que son necesarias más voces femeninas en el rock en español. Ojalá podamos ponerla todo lo arriba que se pueda para que ella sea referente de muchas chicas que se quieran también dedicar a cantar rock y no se atreven por equis motivos. 

Habéis dicho que sentís que empezáis de cero. 

D: Por mucho tiempo que llevemos, al final una banda es una familia, o como una relación de pareja, por lo que se empieza de cero por mucha experiencia que tengas. Son muchos mecanismos los que tienen que funcionar y un cantante es muy importante para el engranaje. Kenya quizás viene muy fresca y nosotros a lo mejor venimos más trallados de mucho barro. Ella nos contagia esa energía y desde que la presentamos en marzo hasta ahora estamos empezando a funcionar como banda, desde organizarnos y reunirnos para hablar y ensayar. Todo eso. Para nosotros, es sentirlo como nuevo porque estamos acostumbrados a funcionar de una manera, con una pequeña inercia que arrastramos..

K: Yo creo que todo funciona así en la vida. Todo es cíclico y no es que se empiece de cero como tal, sino que se replantean las cosas y viene la sensación de volver a empujar como al principio. Es un proceso natural.

Kitai siempre ha tenido muy a gala ser unos obreros del rock. ¿Esa es la esencia que mantiene a esta banda siempre en la lucha?

D: Es el leitmotiv que arrastramos del anterior disco, que se ha hecho real ahora introduciendo a una obrera del rock (risas).

K: Tampoco hay otra forma que esa. Ellos llevan catorce años juntos, pero tampoco hay yo lo concibo igual., No hay otra manera de hacerlo en la música. Puedes tener mucha suerte y de repente tirar para arriba, pero es que aunque te vaya muy bien no sé cuánto tiempo, luego van a pasar cinco años y vas a tener que volver a picar piedra. Yo siento que es así, una carrera de fondo.

D: Nos vienen en la sangre los valores de no tirar la toalla y disfrutar del barro. Eso lo demuestra haber tirado para adelante en una situación tan caótica como el abandono de un cantante. Aquí todos obreros, todos remamos y sumamos. De hecho, este proyecto ha podido salir adelante gracias al valor que le hemos dado a ser una banda. Porque hay otras en los que la figura del cantante es súper importante y muy principal, pero en Kitai se ha trabajado como grupo durante años y eso nos ha dado una salida.

K: A veces las crisis provocan una oportunidad. Siempre lo he visto. Lo que sucede, a veces, conviene. 

¿Os sigue haciendo ilusión inspirar a gente más joven para montar una banda de rock, que vean que se puede hacer, en un momento en el que igual eso no es lo que más está de moda?

D: Sí creo que ha habido una tendencia hacia lo analógico en las nuevas generaciones, incluso en el mundo del trap y la música urbana. Es gente acostumbrada a componer con cajas de ritmos y de repente llega un momento que son tan grandes que en un directo echan en falta los elementos vivos, como una batería, como una guitarra, y eso va en favor de las bandas de rock también. 

K: Tampoco es fácil, la gente está ahora en una corriente más individualista en general, y tener un grupo supone un esfuerzo a nivel de muchas cosas, porque son muchas bocas hablando a la vez que se tienen que entender. O aprendes a gestionarlo o te desgasta, por lo que también es normal que la gente tire por ir en solitario.

D: Pero sí que nuestra idea es llevar a los chavales más jóvenes esa idea de que las bandas siguen vivas, que puedes coger una guitarra en tu casa y empezar a jugar con tus compis, y que pueda volver el rock y el pop más analógico. Nuestro nuevo disco tiene un power de guitarra de la hostia, junto a melodías más cantables, siguiendo en nuestra línea energética. A pesar de todos los cambios, sigue sonando a obreros y ahora una obrera del rock, a un grupo de amigos que se juntaron para hacer música. Saber mantener esa esencia pese a los cambios ha sido el mayor logro. 

Esta pregunta es para Kenya: ¿cómo has encajado con estos tres 'heterazos'? Así los llamaste en tu presentación en la sala El Sol.

(Risas). Esta siendo todo un proceso en el que todavía nos faltan muchas cosas por vivir, como una gira, nada más y nada menos. Nos conocíamos desde hace mucho tiempo y he entrado en un momento complicado, que es, por otro lado, cuando más conoces a la gente. No está siendo tan poco facilísimo, pero yo diría que bastante bien para lo diferentes que somos. Creo que funcionamos muy bien. Yo hace tiempo que estaba en solitario y también tengo que aprender a discutir las cosas y las visiones de cada uno. Tengo muchísimas ganas de que salgamos de gira.

La gira que empieza en Valladolid y luego os vais a México.

E: Así es. En México vamos a abrir un par de conciertos de Molotov y estamos buscando algunas cosas propias nuestras. Tenemos unas ganas inmensas.

K: Yo creo que tocando es cuando más disfrutamos los cuatro. El objetivo final es estar encima del escenario, ahí es donde va a arrancar todo.

D: Estoy de acuerdo. Hemos estado un tiempo parados, hemos tenido que dar un pasito para atrás, con mucho orgullo, y ahora regresamos con nueva formación, nuevas canciones y una ilusión tremenda. En Madrid tocaremos en la sala del Movistar Arena, que mola mucho. Sabemos que nos vamos a morir tocando, así que ahora mismo estamos de nuevo en ese proceso de volver a disfrutarlo, de echar los instrumentos a la furgo y salir a la carretera a vivir nuestro sueño, este proyecto que sigue vivo y que es lo más bonito que hemos hecho. Tenemos muchas ganas también de tocar los temas antiguos, de que la gente vea que seguimos siendo Kitai, con el aporte femenino y fresco ahora de Kenya.

K: Yo soy nueva para bien y para mal (risas). 

¿Después de la gira por salas llegará el turno de los festivales en 2026?

D: Este año hemos estado en barbecho de festivales para centrarnos en el disco y nuestra propia gira por salas. Porque lo que más nos gusta es el público y el sudor bien de cerca. En 2026 vendrán muchas otras cosas.

Kitai es una banda que gana en el cuerpo a cuerpo, y eso se pierde en sitios donde la gente va un poco de verbena. ¿En una sala Kitai es el toro, y en un festival el torero?

D: Pues mira, es genial eso (risas). Hace poco nos preguntaron sobre esto, y la verdad es que nosotros hemos tocado en salas de 200 personas donde lo hemos pasado mejor que en festivales de miles de asistentes. Por las vibraciones, el sudor y tener delante de verdad a la gente.

K: El número de personas no define lo bien que te lo pasas en el escenario, normalmente, o la sensación que tienes cuando te bajas de él. Son sensaciones distintas, sencillamente, si bien para nosotros un festival también es un reto para enganchar a gente que no te conoce.

Muchos músicos afirman que salir con la banda en la furgoneta el viernes y volver el domingo es como una excursión del cole. Esa sensación de libertad y diversión que el resto de mortales va perdiendo con los años, pero vosotros conserváis.

K: Es una relación fuerte, porque son muchas horas y no es como un trabajo normal, en una oficina con gente. Esto son muchos viajes y ratos compartidos, por eso es normal que en las giras y en las furgonetas pasen muchas cosas (risas).

E: Lo de la excursión del cole yo siempre lo he comparado con ir de campamento de verano todos los fines de semana (risas).

K: Nos morimos de ganas.

Brian Wilson, cofundador de la banda The Beach Boys, que redefinió el "sueño californiano", falleció a los 82 años, informó su familia a través de la cuenta de Instagram del músico y recoge EFE.

"Estamos devastados por tener que anunciar que nuestro amado padre Brian Wilson ha muerto. Nos faltan las palabras en este momento. Por favor, espeten nuestra intimidad en este momento en que la familia está de duelo", escriben, sin dar detalles de la causa de su muerte.

"Nos damos cuenta de que compartimos nuestro pesar con el mundo. Paz y amor", concluye el mensaje de su familia de siete hijos.

En febrero del año pasado se supo que Wilson, que acababa de perder a su esposa Melinda, sufría de "desórdenes neurocognitivos graves" que le obligan a ser puesto bajo tutela de dos médicos entonces designados por sus familiares.

La familia reconoció entones que Wilson era incapaz de valerse por sí mismo "para su salud física, sus alimentos, su ropa y su alojamiento", según comunicaron entonces sus abogados.

De todas formas, los problemas neurocognitivos de Wilson databan ya de los años noventa, producidos por largas épocas de abusos de drogas cuando estaba en la cresta de la fama, agravados por su relación con el polémico psicólogo Eugene Landy, que trataba de controlar cada aspecto de su vida hasta que la familia le prohibió todo contacto con él, pero eso no sucedió hasta 2006.

Con Rozalén, Amaia, Nathy Peluso y Valeria Castro al frente, han sido las artistas femeninas las que más alto y más veces han hecho oír su voz esta noche en los II Premios de la Academia de la Música de España, en una gala que no ha dejado de reclamar una "Palestina libre". "A veces no sé por qué cuesta reconocer tanto el trabajo y el talento que una tiene detrás", afirmaba sumida en lágrimas y con el público en pie una Rozalén descreída que pensaba que este ya no era su momento, al recoger el premio estrella, el de "mejor artista".

No le ha ido tampoco mal a la compositora del año, Amaia, que ha sacado oro de su Tengo un pensamiento: mejor canción del año, mejor canción pop y mejor arreglo por la viralizada actuación en vivo con dicha canción en el programa La revuelta. "Esta canción salió desde un lugar muy íntimo y personal y me emociona que haya llegado a tanta gente", ha dicho orgullosa. Nathy Peluso ha dado "gracias a la música" por su parte al hacer pleno con sus cuatro nominaciones como reina del ámbito urbano: mejor álbum de esta categoría por Grasa, mejor canción de fusión interpretación urbana por Todo roto, mejor canción urbana por Manhattan junto a Duki y "mejor canción hip-hop/rap" por Aprender a amar.

"¡No quiero caer mal a la gente!", vaticinaba Castro, la más nominada, cuando al principio de la noche empezaba a reincidir en las subidas al escenario. Suyos han sido la mejor canción de BSO por El borde el mundo de la película El 47, la mejor canción de cantautor por La soledad y la mejor canción electrónica por La ceniza junto a su autor principal, Ale Acosta.

Todo ese triunfo femenino ha sonado a necesario propósito de enmienda ya que, como se ha denunciado en esta misma gala, "solo el 30% (del mundo de la música) está integrado por mujeres". "Hay que seguir con el compromiso firme de dar más voz a la mujer en la música", ha pedido Sole Giménez, presidenta de la Academia, en su reivindicativo discurso.

En la porción de premios que han retenido ellos cabe mencionar a Dani Fernández con el álbum del año por La jauría, el del grupo Alcalá Norte como mejor nuevo artista, al grupo Biznaga con el mejor álbum rock y a Leiva con tres premios, entre ellos el de mejor videoclip y mejor canción rock por Gigante, dedicado a su madre, ingresada en estos momentos. Grandes ganadores de la primera edición han vuelto a sonar esta noche, como La Plazuela, que se ha llevado el mejor álbum de música alternativa por La caleta y el mejor tema alternativo por Rumba de los bajos, o el de Antón Álvarez, es decir, C. Tangana, por La guitarra flamenca de Yerai Cortés como mejor vídeo en versión larga.

"Me acuerdo de una de persona que tenía que estar aquí", ha apuntado Pepe de Lucía al recoger el premio al álbum al mejor álbum de flamenco sin su icónico hermano, Paco de Lucía, mientras que Estopa, mejor álbum de pop, han dedicado su otra distinción por la mejor gira de sus 25 años en la música a todo el equipo, hasta "los camioneros y los que limpian el estadio".

El Palacio Municipal IFEMA de Madrid ha vuelto a coger la entrega de estos galardones que recogen el espíritu de los viejos Premios de la Música, esta vez con la conducción de Rodrigo Cuevas y María Peláe. Frente a la desangelada primera edición, esta vez no ha habido ausencias notorias ni de las principales estrellas (salvo por Dani Fernández a causa de un retraso en su vuelo) ni de representación institucional, con la asistencia este año sí del ministro de Cultura, Ernest Urtasun, que ha saludado muy afectuosamente al grupo Estopa en la alfombra roja.

La ceremonia previa en la que se han otorgado la gran mayoría de los 43 galardones ha arrancado con el doblete para Michel Camilo y Tomatito por su nueva colaboración en el disco Spain Forever Again, en un bloque en el que Karmento, ganadora del mejor álbum folclórico, ha rendido tributo "a todos los pueblos de España con menos de 10.000 habitantes, porque tienen mucho que contar". Muy significada ha sido también la dedicatoria de Rozalén por el "mejor álbum de cantautor" a otra de las nominadas, Carmen Boza, que justo este año anunció su retirada por las dificultades del negocio. "Nos hiciste pensar mucho: algo se está haciendo regular si alguien con tanto talento no puede dedicarse a esto", ha dicho la albaceteña.

Precisamente Rozalén, junto a las integrantes de Caamaño & Ameixeiras, han sido las primeras en alzar la voz por una "Palestina Libre". "No normalicemos la barbarie, no es normal lo que estamos viendo y que no nos afecten determinados vídeos", ha reclamado al recoger el premio al "mejor álbum de pop tradicional" en la parte de la ceremonia que no era retransmitida.

A partir de las 22 horas, cuando La 2 sí ha conectado para la ceremonia principal, ha vuelto a hablarse de la ofensiva militar en Gaza, hasta en la voz de la presidenta de la Academia al señalar "el compromiso que todos tenemos con la paz". "No se puede estar en un sitio y olvidar que fuera de aquí hay mucha gente sufriendo por un genocidio que está ocurriendo a pocos kilómetros de aquí, sufriendo por la vanidad de alguna gente y el ver quién impone el poder sobre quién", ha denunciado Miguel Ríos, el encargado de entregar el premio al mejor artista.

Como si no hubiera pasado el tiempo, decenas de fans y medios se apiñan en la primera fila frente a un pequeño escenario del parque madrileño del Retiro. De fondo, la fotografía en blanco y negro de un joven músico Quimi Portet junto al cantante Manolo García, integrantes de la banda de pop-rock española El último de la Fila, que triunfó a finales de los 80 y en la década de los 90. Los dos aparecen entre telones negros, ahora con los rostros marcados por el paso del tiempo, pero la misma esencia de siempre: sencillos, claros, muy cercanos a su público. "Nosotros somos una banda de las muchas que ha habido que, por suerte, han pasado a la memoria popular de nuestro país", se presenta el vocalista del grupo

"El último de la Fila siempre ha estado presente", ha sido la frase que ha utilizado Juan Ochoa, periodista y presentador del evento. De fondo, unas 70 personas asienten ante tal afirmación con sus móviles en la mano, capturando un momento histórico para la música española: el grupo vuelve a la escena musical. "Creemos que va a ser algo muy agradable, bonito, emocionante", comenta García. 

La banda se disolvió en 1998, pero desde entonces ambos artistas han continuado sus carreras en solitario. Ahora, vuelven unidos con 24 canciones nuevas, pero con la misma esencia de siempre. "Vamos a intentar que El Último de la Fila recupere el sonido que tenía", comenta el guitarrista. Y preguntados por si van a intentar adaptarse a los nuevos tiempos, Portet responde claro: "Nos dedicamos a la música popular de la forma que la sentimos, no de la manera que nos exige un mercado o un público concreto".

Si hay algo que caracteriza al grupo, mas allá del sonido, es que no hay El Último de la Fila sin "reivindicación". "Siempre hemos defendido la idea de que la música sea un 100% de calidad musical y un 100% de calidad literaria. Venimos de una época de mucha reivindicación, y es por ello que para nosotros los textos aportan", dice Portet. Y ya no solo con sus letras, con cada acto, con cada gesto, tratan de ser coherentes con sus ideas, también a la hora de poner precios a las entradas, que se podrán adquirir a partir de este 29 de mayo en Ticketmaster.

"Los precios de las entradas los hemos puesto nosotros, irán de 65 a 90 euros y, si suben en la reventa, lo lamentaremos muchísimo", asegura Portet. "Somos un grupo popular, malo sería que predicasemos una cosa y luego hiciéramos otra (...) Podríamos aprovecharnos de la nostalgia, de que hay mucha gente con ganas de nuestra vuelta, pero no sería justo", añade García. "Hay una multitud de personas que lo pasan mal en nuestro país para llegar a final de mes, poner unos precios muy altos sería burlarnos de ellos". 

En total darán nueve conciertos desde abril hasta junio de 2026 en Fuengirola, Barcelona, Roquetas de Mar, Madrid, Bilbao, A Coruña, Avilés, Sevilla y Valencia. Por el momento, no esperan que se surjan nuevas fechas, "aunque nunca se sabe", pero sí aclaran que prefieren que esta se una gira "corta, como una reunión de antiguos amigos en la que haces una paella y te diviertes recordando viejos tiempos". "No queremos ser esclavos del éxito, porque eso nos aleja de nuestras vidas personales", zanja García, que explica así los motivos por los que evitan alargar el tour.

Entre el público surgen entonces preguntas sobre cómo serán los conciertos. "¿Tocaréis alguna canción de las antiguas?", pregunta una periodista. A lo que ambos músicos, como buenos enigmáticos artistas, responden que no pueden "dar muchos detalles" de la actuación, más allá de una pequeña declaración de intenciones de Portet: "Alguna canción caerá de Los Burros", el grupo con el que los artistas comenzaron su andadura.

En los tiempos que corren, pueden cambiar muchas cosas hasta volver a ver a El Último de la Fila en directo. Pero una cosa tienen clara: "Nuestras expectativas son las que son, llegar a los corazones de la gente", asegura Portet. "Eso es", reafirma García.

Spotify retornó en 2024 en España casi 137 millones de euros en concepto de royalties, lo que según las cifras de la compañía sueca supone un 11% más respecto a 2023 y más del doble de lo que se generó en 2019. El dato facilitado a la prensa y recogido por EFE forma parte de su "iniciativa de transparencia" llamada "Loud & Clear", en el segundo año que se aportan datos sobre el retorno de esta empresa a la industria musical española.

No se han ofrecido, sin embargo, apenas datos específicos más allá de porcentajes, por ejemplo, que la cantidad de artistas españoles que generaron más de 10.000, 50.000 o 100.000 euros se ha duplicado desde 2019, pero no el número concreto ni la identidad de los que más han ingresos generaron a lo largo del pasado año.

Como curiosidad, cabe destacar que, mientras que en el contexto global la parte de las multinacionales y la de la industria independiente se reparten en igualdad el pastel de los royalties, en España esta segunda pata absorbió el 60%.

También es reseñable que más del 50% de todos los beneficios obtenidos por canciones de artistas españoles procedieron de oyentes de fuera de España, por lo general de Latinoamérica y normalmente de México y Argentina, aunque cada caso es específico, con figuras nacionales que también tienen mercado en países europeos como Francia o Italia.

Melanie Parejo, jefa de la división de música para el sur y este de Europa, ha situado todos estos datos en un contexto global en el que Spotify, responsable actualmente de una cuarta parte de los ingresos mundiales por música grabada, tuvo en 2024 un "desembolso récord" de cerca de 9.000 millones de euros a nivel global.

Se trata, según se ha defendido, de dos tercios de todo lo que Spotify genera en la parte de música, "que es revertido de vuelta y es más de lo que cualquier servicio de streaming aporta y que cualquier otra compañía en la historia de la música".

Sí se ha detallado en ese marco que casi 1.500 artistas en el mundo generaron más de un millón de dólares en Spotify (unos 900.000 euros) y se ha destacado la importancia creciente de la música en español, que esta vez tuvo un aumento del 16% en los "royalties" respecto a 2023, aunque sin un dato concreto. Desde 2017 se ha triplicado el número de artistas que generan royalties en cada umbral, a la par que ha aumentado aún más el número de personas con al menos una canción en Spotify

Se ha recordado que el dinero que retorna Spotify va a manos de editoriales y distribuidoras y que lo que llega a los artistas depende de los acuerdos concretos que estas tengan con ellos, así como que la compañía no paga una cantidad fija por reproducción, sino que depende de un porcentaje en función de cuánto se ha recaudado.

Respecto a las críticas a la nueva política de Spotify por no retribuir nada a aquellos artistas que generan menos de mil reproducciones, Parejo ha explicado que se trata de "una nueva política para evitar abusos y fraudes y remunerar a los artistas que sí están generando audiencia". Ha añadido que las canciones por debajo de ese umbral "no generan además lo suficiente para que las distribuidoras les paguen dicha cantidad".

Todos podemos equivocarnos. Lo pensaba cuando veía a la actriz Cayetana Guillén Cuervo, muerta de la vergüenza, después de cometer un error del que se acordará toda su vida. Habló más de la cuenta, sin pretenderlo, sobre uno de los temas más polémicos del panorama musical: el regreso de Amaia a La Oreja de Van Gogh.

La escena es la siguiente. Una reportera le pregunta en un photocall qué opina sobre la vuelta de su amiga del alma Amaia Montero a La Oreja de Van Gogh. Una noticia que, aunque todavía no está confirmada por el grupo, es un rumor a gritos tras la salida de Leire Martínez de la formación.

Cayetana responde inocentemente, pero con sorprendente contundencia. “Lo sé desde hace mucho. No se lo dije a nadie, ni en casa, porque Amaia me pidió que, por favor, no se lo dijera a nadie. Cuando me dijo que volvía al grupo me eché a llorar. Está muy bien e ilusionada, lo van a petar”. Boom, noticia confirmada. Revuelo mediático. Cientos de titulares. Y la polémica, servida.

Al día siguiente, Guillén Cuervo emitió un comunicado pidiendo perdón a su amiga y reapareció ante las cámaras, afectada, diciendo que “todo se le había hecho bola”, y admitiendo que había revelado “una conversación entre amigas que no tenía que haber contado”. Incluso, en programas de televisión, se empezó a comentar si ambas se habían enfadado.

Si la estrategia de comunicación de La Oreja de Van Gogh no fuese tan fallida, la actriz nunca se habría ido de la lengua. Desde que anunciaron la marcha de Leire Martínez, el grupo ha optado por el silencio. Ni afirman ni desmienten, no explican nada a su público. Prefieren dejar que los rumores circulen, pero no están siendo conscientes de la crisis que están sufriendo. 

Porque esto no va de culpar a Cayetana por hablar de más sino de transparencia y reputación. Y de la nefasta imagen que está dando La Oreja de Van Gogh a sus seguidores. La de cuatro hombres que hacen y deshacen, que dejan tirada a su vocalista cuando más les interesa, que no la dejan despedirse a su manera, que no la tienen en cuenta después de 17 años como vocalista. 

No sé sabe muy bien a qué están jugando, pero parece que intercambian a las mujeres como piezas perfectamente sustituibles. Así que, después de la confirmación de Guillén Cuervo, urge que den explicaciones, porque si no corren el riesgo de perder el relato y el favor de su público. Y no sé si con ellos, la gente será tan indulgente como con la falta de discreción de la amiga.

“Llevamos aquí desde las 7 de la mañana de ayer”, cuenta a este medio Salma, quien será la primera en entrar al concierto de los Gemeliers, la banda compuesta por dos gemelos que dieron el salto a la fama en 2014 a raíz del programa La voz kids. El evento comenzará a las 21.00 horas de este jueves, por lo que ella y sus amigas habrán pasado en total 38 horas en la calle con un fin: “ser las que están más cerca de ellos”. 

Tras seis años sin actuar, los jóvenes volvieron a la escena musical con su Remember Tour el pasado 10 de abril en el madrileño Teatro Barceló, una sala de eventos y conciertos qye tiene capacidad para unas 1.200 personas. Y este jueves, los artistas repiten lugar (y espectadoras). “Vinimos hace dos semanas, estamos aquí e iremos a los de Sevilla, Granada, Málaga, Alicante…”, cuenta Marina, que también hace cola a las puertas de la sala. 

“Quiero verlos y volver a sentir la emoción que me hacían sentir cuando era una niña”, cuenta Uxue, que también hace cola con su grupo de amigas. Entre estas personas también se encuentra la que probablemente sea una de las primeras fan de los artistas: “los sigo desde que salían en Menuda Noche”. 

 Los hermanos gemelos Jesús Oviedo y Daniel Oviedo debutaron en la televisión andaluza a la edad de cuatro años, en el programa Menuda Noche, presentado por Juan y Medio. Sin embargo, el salto a la fama lo dieron casi 10 años después en La voz kids, que entonces se emitía en Telecinco y ahora forma parte de la parrilla de Antena 3.

“Es conocerlos, empezar a seguirlos una vez tras otra hasta decir: ‘con ellos hasta la muerte, si me tengo que morir en un concierto, lo haré’”, cuenta otra de las jóvenes acampadas a las puertas de la sala. “Tengo hasta un tatuaje de ellos”, dice mientras muestra un diseño del logo del grupo en su brazo.

Preguntadas por si quienes acuden a los conciertos son siempre las mismas, las jóvenes responden con un contundente “sí”. “Aproximadamente el 90% de las que estamos aquí estamos repitiendo”, cuenta Laura, otra joven que hace cola para entrar. Y no son pocas. Los Gemeliers hicieron Sold Out en su inicio de gira y, en esta ocasión lo han vuelto a hacer.  

Algunas incluso recuerdan su primer encuentro con Daniel y Jesús y aseguran que lo repetirían una y mil veces. “Mi primer beso me lo dio Jesús, de los Gemeliers, cuando yo tenía 11 años y él 15”, relata una fan, que añade que “a día de hoy dejaría de lado (su) lesbianismo y le volvería a dar un beso otra vez”. “Su madre le dijo que le diera un beso y ahí fue, se dieron un pico”, aclara su amiga Salma. 

Preguntadas por cómo se organizan, cuentan que hacen "turnos" para no perder su lugar en la fila, aunque esto conlleve "riesgos". "Esta mañana ha habido pelea porque a veces pasa que una sola persona guarda el turno para un grupo de diez o 12 personas", relata Uxua, que añade que "si todas hicieran lo mismo" la cola no tendría sentido.

Hacer cola forma parte del ‘fenómeno fan’, pero también es un acto social. “Lo llevamos bien, ya nos conocemos y, al fin y al cabo, es bonito encontrarse en otros momentos”, cuentan las jóvenes que llevan más de 24 horas acampadas. Y es que las fans de los Gemeliers no entienden de kilómetros. En la fila, de en torno a 60 personas, hay jóvenes de Huelva, País Vasco, Valencia, Guadalajara, Salamanca y Sevilla, entre otras provincias. 

El músico y exteclista de Mägo de Oz Sergio Cisneros, más conocido como Kiskilla, ha fallecido este jueves a los 58 años en el hospital La Paz de Madrid tras "perder la batalla contra una terrible enfermedad respiratoria que lo aquejaba ya de tiempo atrás", ha informado el cantante José Andrëa y ha regogido EFE. Ambos fueron integrantes hasta 2011 del grupo madrileño de rock y heavy metal Magö de Oz, que también ha colgado un mensaje en redes en el que aseguran: "Nuestro querido amigo ha dejado de sufrir y por fin ahora donde está no existe el dolor".

"Estos días en Madrid no para de llover y es que hasta el cielo llora su pérdida", añade el grupo musical en una publicación que se ha llenado de las condolencias de sus seguidores. "Sin duda ya está junto a su gran amigo Fernando Ponce de León allá en la eternidad, más que listos para entonar bellas melodías", ha escrito por su parte Andrëa, en referencia al que también fue flautista de la formación, fallecido en septiembre de 2024.

En los años en los que ambos estaban en Magö de Oz, el grupo realizó álbumes como la trilogía conceptual Gaia, con más importancia de violines, violas, flautas y teclados, una etapa en la que viajaron a Norteamérica para conocer de cerca la cultura indígena. En 2011, el ahora fallecido salió de la formación de Txus di Fellatio junto al boliviano-español, con el que formó la banda José Andrëa y Uróboros y junto a otro ex integrante de Mägo de Oz, Pedro Díaz Peri.

Kendrick Lamar se convirtió de manera inesperada en el artista con más galardones de la 67º edición de los Grammy al recibir cinco reconocimientos por parte de la Academia de la Grabación que otorgaron a Beyoncé su ansiado premio a álbum del año con Cowboy Carter, según informa EFE. El cantante californiano se impuso con su tema Not Like Us en dos de las categorías reinas: grabación del año y canción del año, que se suman a mejor actuación de rap, mejor canción de rap y mejor video musical.

Beyoncé, por su parte, volvió a hacer historia y triunfó en las categorías de mejor álbum country y mejor actuación country de un dueto por II MOST WANTED, junto a Miley Cyrus.

Taylor Swift se fue con las manos vacías pese a las seis nominaciones a las que optaba por su último álbum THE TORTURED POETS DEPARTMENT, al igual que Billie Eilish, quien partía como una de las favoritas de la edición. La británica Charli xcx obtuvo tres gramófonos por brat.

El fenómeno Chappell Roan se coronó como la mejor artista nueva, en una terna que también consideraba a Sabrina Carpenter y la rapera Doechii, y en una poderosa intervención exigió a las discográficas dignificar las condiciones de los artistas emergentes.

La gala recaudó 7 millones de dólares para los damnificados por los devastadores incendios de Los Ángeles y estuvo repleta de muestras de apoyo al personal de socorro que combatió los fuegos por tres semanas. Lamar, oriundo del estado de California, recordó en su discurso los lugares del condado de Los Ángeles como "un verdadero testimonio" de que se va a seguir restaurando la ciudad de manera colectiva.

También Lady Gaga y Bruno Mars honraron a las víctimas al interpretar California dreamin, una oda al Estado Dorado antes de ganar el Grammy a mejor actuación pop en dúo por Die With a Smile.

Gaga aprovechó su altavoz para reivindicar el derecho de las personas trans y el poder de la música para unir a las personas. Alicia Keys, condecorada con el Grammy al impacto global, hizo referencia a la orden ejecutiva que firmó el presidente Donald Trump sobre el reconocimiento único de dos géneros: masculino y femenino, dejando a un lado a la comunidad trans. "La diversidad, equidad e inclusión (DEI) no es una amenaza sino un regalo", mencionó la intérprete de Empire State of Mind.

Por su parte, la colombiana Shakira defendió a la comunidad migrante para hacer frente a las políticas de Trump, quien ha prometido la mayor deportación de la historia de EEUU.

Sabrina Carpenter, que ganó a mejor álbum de pop vocal por Short n' Sweet y a mejor actuación de pop por Espresso, debutó en la gala versionando a jazz este éxito, en un show lleno de humor y con un aire de cabaret y glamour hollywoodense acorde a la estética pin-up que la ha caracterizado.

Doechii acaparó las miradas con una imponente muestra sus temas CATFISH y DENIAL IS A RIVER, y emocionada recogió el premio a mejor álbum de rap, convirtiéndose en la tercera rapera mujer en lograrlo, tal y como ella misma celebró en su discurso. "Sé que hay tantas mujeres negras ahí afuera que me están mirando ahora mismo. Y quiero decirles que pueden hacerlo. Todo es posible, no permitas que nadie proyecte estereotipos sobre ti", reivindicó durante su momento de agradecimiento.

Asimismo, empotrada en un pony rosa gigante Chappell Roan interpretó lo que llamó "su carta de amor para Los Ángeles": Pink Pony Club, con un show de vaqueros y payasos.

Más allá de Shakira, en la gala previa de estos galardones triunfaron en las categorías latinos el rapero puertorriqueño Residente, la banda venezolana Rawayana, el mexicano Carin León, además del director de orquesta Gustavo Dudamel y las cantantes Gloria Estefan, Mimy Succar y Sheila E.

Lachispa, Daniela Blasco, Kuve y Lucas Bun han tocado el cielo este martes en la primera semifinal del cuarto Benidorm Fest, dejando así fuera de su gran final del próximo sábado a K!ngdom, David Afonso, Chica Sobresalto y, pese al favor del público, también a Sonia y Selena.

Como en años anteriores, el Palau d'Esports l'Illa de la ciudad que da nombre a esta preselección para Eurovisión 2025 ha acogido el espectáculo, dedicado a las víctimas de la dana, con actuaciones invitadas de Ginebras y Edurne y conducido por primera vez por tres mujeres: Paula Vázquez, Ruth Lorenzo e Inés Hernand.

Dos novedades más: se ha eliminado el voto demoscópico y se ha sustituido por una app gratuita abierta a todo el mundo. Además, para proteger a los artistas y dar más emoción a la final, se ha mantenido en secreto de momento con qué puntuación total se han clasificado los participantes.

Elevada a los altares del cielo (con un aparente guiño a All The Lovers de Kylie Minogue), la murciana Kuve ha predicado el amor universal con su Loca x ti. Entre teclados etéreos a lo Robert Miles, ella ha sido la primera en actuar, pero los nervios no se han sentido ni en su afinada voz ni en su presencia en el escenario.

Otro con buen desempeño vocal ha sido el canario David Afonso, transportado a una calle del Nueva York puertorriqueño para transmutarse en Marc Anthony e interpretar su tema de salsa Amor barato.

Esa corrección ha venido a romperla Chica Sobresalto, tanto por su error en la letra como por sus peinetas y cortes de manga coreografiados. Con el pop dulce y a la vez "molesto" de Mala feminista, la navarra ha cantado (y clamado) contra las exigencias que se imponen a las mujeres y la disonancia emocional que eso genera a menudo.

Más naif y optimistas, los simpáticos K!ngdom han tonteado entre azules y rojos encarnados por todo el escenario con Me gustas tú, sin embargo la afinación no se ha contado entre las conquistas de este trío con un pie en Valencia y otro en Madrid.

Por contraste con ese hilo de colores y ritmos vivos del que se venía, el barcelonés Lucas Bun ha sabido explotar las bazas de una balada dedicada a su madre fallecida que, siguiendo la estela del Amar pelos dois de Salvador Sobral, ha restado escenografía y revoluciones para enfocar la atención en la emoción desnuda.

Todo lo contrario ha sido la actuación de sus paisanas Sonia y Selena, de rosa y verde a lo Wicked y fieles a lo que se podía esperar de las artífices del Yo quiero bailar. Reunidas más de 20 años después, al menos de momento, han desplegado ventiladores, acrobacias y neones del cementerio de Las Vegas para ensalzar a leyendas que aún pueden vivir gloriosas noches de verano y tacón.

En penumbra, ante espejos deformantes y Hartita de llorar, la gaditana Lachispa ha cantado sobre la depresión que sufría cuando se compuso su tema, uno de los más atípicos y arriesgados con su transición de nana dulce a flamenco asalvajado (desbocado a ratos) sobre una marcha de Semana Santa y elementos de trap.

La mallorquina Daniela Blasco ha sido la última en batir el escenario con Uh Nana, encomendándose a Beyoncé y Chanel para ofrecer una actuación de r&b y hip hop "dosmilera" con una compleja coreografía como elemento esencial y, por contra, abuso de voces pregrabadas.

A falta de conocer qué suma han dado los puntos de cada una de las partes, en el tramo final se ha revelado que los cuatro candidatos que más puntos han obtenido por parte del jurado han sido Kuve, Lachispa, Daniela Blasco y Lucas Bun.

En el caso del público, los más votados han sido Lachispa, Daniela Blasco, Kuve y Sonia y Selena, un apoyo este que se ha mostrado insuficiente para lograr el pase.

Morad, Bad Gyal, C. Tangana, Judeline... muchos de los artistas que copan las listas de éxitos de Spotify empezaron de forma independiente, autofinanciándose y organizándose sus propios bolos. Como muchos de estos cantantes tan conocidos, hay miles de artistas independientes intentado hacer despegar su carrera. Pero, ¿cuán rentable es? ¿Existen oportunidades de lograr el éxito sin el respaldo de una gran masa de seguidores en las redes o de una discográfica? ¿Cuáles son las funciones de estas? Para averiguarlo, hemos hablado con managers, cantantes y productores con la intención comprender cómo funciona la industria musical.

Jackson Meylor (nombre artístico de Jackson Mateo) es un ejemplo de artista 100% independiente. Este cantante de música urbana compone, graba en un estudio que ha montado en su casa y hace sus propias mezclas, aunque reconoce que tiene también varios productores de confianza a los que paga para que le afinen los samples antes de distribuir sus canciones. "Obviamente, el beneficio económico dependerá de si, como artista, tú sabes hacer tus mezclas, masterizar tus canciones, o de si grabas en un estudio o en tu casa", señala cuando es preguntado por infoLibre por las ganancias que le genera su actividad musical.

Esto es algo en lo que coincide Sélpide, cantautora que asegura tener la "suerte" de ser graduada en Comunicación Audiovisual y de llevar "muchos años creando contenido en internet", así que su estrategia consiste en abaratar costes ejerciendo al mismo tiempo ocho roles distintos: dibuja los storyboards, hace el diseño de producción, elabora dosieres de vestuario, maquillaje y arte, entalona los brutos, se encarga de la edición y del montaje, programa un calendario de publicaciones en redes sociales para conseguir que nuevos oyentes lleguen a la canción, escribe guiones, graba, edita y subtitula los vídeos promocionales en TikTok. Asegura que solo así puede permitirse ahorrar lo suficiente como para alquilar material de rodaje (iluminación y fotografía sobre todo, focos, lentes…) o pagar cantidades anecdóticas a sus amigos, que llevan años ofreciéndose a ayudarla en su proyecto "por amor al arte".

Meylor señala que la mejor herramienta de autopromoción es sin duda alguna TikTok, dado que el alcance es ilimitado. Es por ello que Sélpide también eligió esta aplicación para promocionarse y ganar votos para entrar en el Mad Cool Festival.

"Más que grabar un videoclip, es mucho más importante grabar contenido de calidad y vistoso a través de TikTok, hacer reels...", coincide MALICI4 –nombre artístico de Francisco Herrera–, productor independiente. "Además, sin discográfica, tienes que encontrar una empresa que haga la distribución. Pero la promoción y la creación de contenido, que es lo más importante, lo puede hacer uno mismo sin ayuda", destaca.

"Los artistas que están dentro de una discográfica no se tienen que preocupar de la promoción, ya que estas se preocupan de poner tu música en todas las playlists famosas en Spotify, Apple Music, Tidal... Así ellos te aseguran la exposición mediática", continúa Meylor. "También, si el artista tiene una gran masa de seguidores en Instagram, por ejemplo, puede redirigir su audiencia a sus otras redes y a su música", apostilla.

Según detalla en su web, cuando una canción se reproduce en Spotify, los titulares de los derechos reciben regalías. Da igual que el oyente sea usuario Premium o un cliente que recibe publicidad. Sin embargo, el pago de cada reproducción depende de donde proceda la escucha: para la plataforma sueca no vale igual una reproducción desde Estados Unidos que desde Asia.

En el caso de pagos por visualizaciones en YouTube, la plataforma paga entre 0,003 y 0,005 dólares por cada una. Cabe destacar que YouTube no retribuye a los creadores solo por las visualizaciones de sus vídeos, sino también por ver los anuncios en los canales. Por ese motivo, todos aquellos artistas que emplacen publicidad en sus videoclips logran ingresos extras en función de los clics que reciban los anuncios.

El pago de estas plataformas supone para muchos artistas la única fuente de ingresos, como le ocurre a Meylor, quien afirma que "tienes que llegar a tener unos 20.000, 30.000 reproducciones para que te llegue algo significativo, es decir, unos 200, 300 euros". En cuanto a las ganancias que ha podido tener en base a sus streams, que rondan los 1.000, afirma que son de uno o dos dólares", aunque destaca que la mejor forma de ganar dinero son los conciertos porque "pagan mejor".

Respecto a esto, Sélpide nos comenta que sus únicos ingresos derivan de las escuchas en plataformas y las ventas digitales de singles y EPs, cuyas ganancias la distribuidora se encarga de recopilar y hacer llegar a los artistas. Sin embargo, el beneficio económico para ella ha sido escaso. "En 2024 hice poco más de 30 euros", comenta.

Como adelantaba Meylor, para el grupo de rock Brava los bolos y conciertos suponen la principal fuente de ingresos, que reinvierten en la propia banda. "Si alquilas tú la sala normalmente la entrada suele ser íntegra para ti. Las nuestras, cuando somos nosotrxs los que ponemos el precio, están entre 8 y 15 euros. Dependiendo también si compartimos la sala con otras bandas o no. Los ingresos también dependen mucho de las condiciones del lugar, o del festival, muchas veces te contratan por un caché y no ves nada de la entrada, o ves un porcentaje que varía en función de la sala. A veces, te contratan ayuntamientos o ciclos en los que la entrada es gratuita", explica la cantante, Nerea Santotomás. Pero en cuanto a beneficio real, lo que el grupo se lleva a casa "después de pagarlo todo y reinvertir es cero". "A veces nos da para reinvertir y otras veces tenemos que tirar de nuestra propia pasta", añade.

"Las discográficas más grandes suelen invertir sus recursos en optimizar el rendimiento de artistas que ya funcionan, es decir, en conseguir que estos artistas funcionen todavía mejor. Por eso, es raro que se fijen en proyectos emergentes que todavía no arrastran una cantidad de oyentes reseñable, independientemente de su calidad sonora o lo interesante que pueda resultar su planteamiento", continúa Sélpide.

Para Claudia Orellana, mánager de Arde Bogotá y Carmesí, su papel al trabajar con un artista en desarrollo es "luchar para que pasen cosas", pero una vez que el artista crece, el trabajo para su equipo (si lo tiene) crece con él: "Como mánager, gestiono el enlace con la compañía si la hubiera, los lanzamientos, la agenda, la comunicación y promoción, el booking, ya sea propio o externo, etcétera". Si el artista todavía no tiene equipo ni recursos, todo ese trabajo extra se añade a la parte artística.

María Martí, que forma parte de Alternativa Sonora, que trabaja con artistas emergentes como Anouck The Band y Patricia Lint, coincide con Orellana, reiterando que "a día de hoy, un artista emergente se hace todo". "Es su propio mánager, community manager, su departamento de márketing, de comunicación…", enumera, y recalca que las compañías están ahí "para quitarles ese peso y que puedan centrarse en la música", lo cual es un "privilegio" para muchos artistas.

En cuanto a los beneficios, Martí es clara: "Un artista no debería endeudarse para poder tener un equipo de trabajo" además de asegurar que "el porcentaje que se lleva una oficina por los conciertos es muy mínimo, ya que el artista tiene que tener sus ganancias, además de pagar a los músicos que le acompañan si es así. O pagar a todos los miembros en el caso de ser una banda". Además, confirma lo señalado por otros artistas entrevistados: "Siempre hay un dinero que acaba invirtiéndose en el propio proyecto: producción, márketing, promoción, sesiones de fotos…"

Así, para sacar adelante un proyecto musical, hace falta "dinero, conocimientos técnicos y mucho tiempo", además de "un talento inhumano para la organización", en palabras Sélpide. Para los integrantes de Brava, lo primero para sacar adelante, por ejemplo, un videoclip, es tener el dinero para contratar un equipo que lo grabe, "o tener tu propio equipo y grabártelo tú". Pero la inversión no se acaba ahí. Tras esto, "mínimo hay que hacer una sesión de fotos, un dossier, notas de prensa para los singles y el álbum, al menos un videoclip para poder promocionar, una distribuidora que te suba las canciones y los videoclips a las plataformas, un/a diseñador/a gráfico/a que te haga un logo o una tipografía, una portada, contraportada, el libreto, registrar los temas…". Un trabajo, indudablemente, inmenso.

A pesar del increíble esfuerzo que supone seguir por cuenta propia, Sélpide rechazó la oferta de trabajar con una discográfica surcoreana, en un tiempo en que ella estuvo viviendo en Seúl. Explica que para poder firmar con ellos tendría que haberse quedado en el país un mínimo de cinco años, lo que le hizo declinar la propuesta, sobre todo teniendo en cuenta que "es (todavía más) difícil hacer carrera como extranjero, porque cada mercado tiende a potenciar sus productos locales".

Pese al coste económico y el desgaste que supone para los artistas no tener ayuda en la gestión de su carrera, todos ellos, así como los mánagers, coinciden en que el camino también tiene su parte bonita y gratificante: "Es una maravilla la ilusión y la disposición de los artistas cuando decides apostar por ellos", comenta Orella. Para Martí, "lo más bonito es ver crecer a un cantante hasta que llegan a tener un nombre de peso y empiezan a ser reconocidos". En cuanto a los artistas entrevistados, todos coinciden en que la mayor y principal ventaja es clara: ser tu propio jefe. Además de, por supuesto, "el feedback de la gente a la que le gusta lo que haces, y que incluso te lo agradecen", termina MALICI4.

La cantante Amaia Montero, exvocalista del grupo La Oreja de Van Gogh, ha anunciado que volverá a la música en 2025. "Desde esta ventana te puedo ver, ya casi estás aquí. Trátame bien por favor, porque tus predecesores han sido muy duros conmigo. Cuídame y ayúdame porque va a ser bajo tu manto cuando vuelva a lo que más he echado de menos en estos años robados. Este 2025 vuelvo a la MÚSICA", ha escrito en su cuenta de la red social Instagram.

Montero anunció en 2022 que tenía un nuevo disco en ciernes, una publicación que nunca se llegó a concretar, pues a finales de ese año volvió a apartarse del foco público para cuidar su salud.

Su reaparición musical se produjo este pasado verano como inesperada invitada en uno de los cuatro conciertos estelares con los que Karol G culminó su gira mundial en el estadio Santiago Bernabéu de Madrid.

Las reacciones positivas de medios y público a aquella actuación en la que ambas interpretaron la canción Rosas del repertorio de La Oreja de Van Gogh iniciaron las especulaciones sobre el momento en el que Montero volvería a la actividad e, incluso, si volvería a cantar junto a su exbanda.

Ella misma llegó a comentar que este tipo de comentarios le estaban empezando a afectar, especialmente tras la igualmente inesperada salida de quien fue su sucesora en La Oreja de Van Gogh, Leire Martínez, por motivos aún no aclarados. Martínez dijo el pasado octubre que abandonaba esta formación musical "después de mucho tiempo de reflexión y profundas conversaciones" en las que no se ha conseguido "acercar diferentes maneras de vivir el grupo".