Leer durante la infancia a Emilio Salgari es, más o menos, tan imprescindible y peligroso como leer a Julio Verne. Imprescindible por cómo abre los ojos prepúberes a la posibilidad de un mundo inabarcable de maravillas por desentrañar, exótico y cercano a un tiempo. Y peligroso porque esta experiencia de lo sublime —de la aventura sublime, del escapismo primigenio— está condenada en mayor o menor medida a anticipar una decepción. Difícilmente quienes leen a Salgari y a Verne se expondrán en algún momento a peripecias parecidas en el mundo real. Es probable que las olviden incluso, y es probable que sea mejor así: de este modo se podrá ahuyentar la melancolía.

Es complicado que la madurez de cualquiera de nosotros se asemeje al romanticismo trágico de Emilio de Roccanera, también conocido como el Corsario Negro. Aún más que alumbre la energía y heroísmo de un Sandokán: aquel Tigre de Malasia en cuyas aventuras marítimas, aunque entonces no lo detectáramos, el italianísimo Salgari había querido introducir un sorprendente sentimiento anticolonial. Una rebeldía conjurada contra amenazas abstractas —la crueldad, la avaricia, la autoridad— que se irían concretando con el paso de los años, resultando ser aún más peligrosas de lo que parecía. Sandokán y el Corsario Negro, a poca distancia del Capitán Nemo o Phileas Fogg, habitan un paraíso edénico cuya desarticulación debiera ser peaje para ingresar en el cuerpo social. 

De no serlo, es posible que haya mediado algún tipo de engaño. A los Tigres del film homónimo de Alberto Rodríguez les conocemos en pleno edén: una grabación casera donde un padre anima a sus dos pequeños hijos a sumergirse en busca de su reloj. Más tarde, sabremos que Los Tigres le deben el apodo a Los tigres de Mompracem, novela debut de Sandokán, confirmado oportunamente en una conversación con unas niñas. Antonio (Antonio de la Torre), junto a su hermana Estrella (Bárbara Lennie), le explica a sus hijas cómo el abuelo espoleó ferozmente su imaginación infantil. Lo que venía a ser lo mismo que animarles a participar en el “negocio familiar”.

Años después en efecto Antonio es un buzo de Huelva muy respetado por el sector, y Estrella es su fiel asistente. Cualquiera pensaría que lo han logrado y han seguido viviendo en aquel espacio edénico. El problema es que el padre ha muerto, que la carrera como buzo de Estrella quedó truncada prematuramente al quedarse sorda, y que esas hijas con las que se han reunido en la playa están bajo custodia compartida de Antonio con su expareja. Las inclemencias de la adultez les rodean. La rememoración de Sandokán solo es una anécdota, una forma ansiosa de proyectarse a tiempos más felices. Tiempos en los que Antonio, además, no era un hombre tan perdido e irresponsable como para ser capaz de poner en peligro a su familia.

La delicada relación entre ambos personajes —centro absoluto del guion que, como siempre, Rodríguez firma con Rafael Cobos— depende de que ambos sigan creyendo, pese a todo, en esa aventura. No solo el pasado común ha convertido a Antonio y Estrella en compañeros de trabajo, sino también la pulsión de aferrarse a él para seguir vislumbrando un sentido. Como tantos otros adultos, Antonio y Estrella necesitan la nostalgia, y de esa nostalgia ha brotado progresivamente la codependencia: el retrato de Lennie es particularmente triste por cómo los recuerdos mal macerados parecen haberle atado por siempre a su hermano. Condenándola una y otra vez a esperar sobre la lancha a que vuelva a la superficie, y a temer que un día cercano nunca llegue a hacerlo.

Hacía mucho que el cine de Rodríguez no se preocupaba hasta este punto de los personajes que lo poblaban. Podríamos remontarnos a 7 vírgenes o a After, hace ya más de 15 años, cuando recién inaugurada su colaboración con Cobos pusieron en pie retratos urgentes y, al igual que en el caso de Antonio y Estrella, atravesados por un pasado sangrante. Luego llegó Grupo 7, claro, y Rodríguez se convirtió en uno de los realizadores más reputados de nuestra cinematografía, gracias entre otras cosas a darle preponderancia al escenario y la ambientación temporal. 

Estos dos elementos confluyeron en el viraje de Rodríguez al thriller y, en particular, al cine de vocación histórica, interesado en abrazar un punto específico en la memoria del Estado español para que fuera este —en lugar de un pasado ficticio— lo que definiera a los personajes. La documentación le disputó el espacio a la narración, y el cine de Rodríguez —imperfecto y lleno de nervio antes de concluir la primera década de los 2000— se abismó en la solvencia académica. Que podía ser muy satisfactoria, sobre todo en la medida de garantizar las principales nominaciones al Goya de cada año, pero estaba claro que algo habíamos perdido por el camino. 

La isla mínima, El hombre de las mil caras, Modelo 77… todas preferían el tiempo histórico al tiempo dramático. El espacio-tiempo, las particularidades de un escenario estudiadas con plena profesionalidad, asfixiaron la rabia de unas criaturas que seguían estando confusas, solo que esa confusión ya no les pertenecía a ellas solas. 

Era la confusión de nuestra memoria democrática, imponiendo su relato sobre el sujeto, y en ese sentido es curioso que 2025 vaya a alternar las dos caras de Rodríguez —muchas menos que las de Francisco Paesa, aunque asumimos que ambas son honestas—, estrenando su adaptación de Anatomía de un instante poco después de Los Tigres. Siendo la primera el enésimo artefacto de la Cultura de la Transición. Siendo Los Tigres, quizá, la película más lograda de Rodríguez hasta hoy.

Todo gracias a fundir sus puntos fuertes como cineasta. Estando la relación de Estrella y Antonio soberbiamente escrita —y estando obviamente estupendos ambos intérpretes—, el aparataje que Rodríguez y Cobos han orquestado alrededor se parece lo suficiente a sus propuestas de mayor pábulo crítico como para quedarse con los elementos más virtuosos. Con lo que, sí, la cotidianidad de esos buzos, su entorno y sus acentos —resulta enternecedor el incansable compromiso de Rodríguez por reflejar la realidad lingüística y anímica de su Andalucía natal—, enmarcan orgánicamente los avatares de los protagonistas. Los definen tanto como su infancia común.

Aparte, lo que era de esperar. El aparato visual de Rodríguez es modélico, ocupado en la búsqueda de nuevos retos que ahora han de pasar por la acción submarina. La visualización de los espacios acuáticos deja en ridículo lo visto en una película reciente como Sin oxígeno al no conformarse con tejer una atmósfera, prefiriendo parapetarse en ella para coreografiar un movimiento tan preciso y tenso como las mejores secuencias de acción terrestre del cine de Rodríguez. Una en particular, que tiene que ver con la primera extracción de cierto cargamento sospechoso, juega con los nervios del público de una forma admirable, invocando una claustrofobia que puede mirar frente a frente lo logrado por la set pièce central de la última Misión imposible.

No es ninguna sorpresa. El cine de Rodríguez ya lleva años siendo garantía de buen hacer, con un músculo escénico tal que se agradece que hayan sido otros cineastas, igual de pirotécnicos pero con muchas menos inquietudes —caso de Bayona o Amenábar en sus buenos tiempos—, quienes han sido reclamados por Hollywood. Rodríguez ha preferido por su parte mantener el apego a su tierra, y blindar un modelo de hacer cine —una plantilla, por qué no— que, si bien posibilita grandes cosas en Los Tigres, también pugna en ocasiones por sofocar sus posibilidades expresivas.

La caracterización de los hermanos, su profesión y el influjo de Salgari no aboca a que Los Tigres sea una película de aventuras. No exactamente. El concienzudo trabajo con la relación de Estrella y Antonio tampoco implica que nos hallemos ante un drama de personajes. Porque en realidad Los Tigres es, en fin, otro thriller: Un exponente más de ese género al que lleva ya tantos años encaramada la comercialidad del cine español. Un thriller con su ritmo particular, con una reconocible administración del impacto y la violencia, que Rodríguez mide muy bien para nunca dejar de ser generoso con el espectador. Pero claro, con los personajes es otro cantar.

En otra clase de película, Estrella y Antonio compartirían sueños frustrados, o compararían verbalmente lo que hacen hoy con lo que soñaban de niños. En Los Tigres no tienen mucho tiempo de hacer eso —bastante es que saquen algo para contar batallitas en la playa—, porque se interponen enfermedades, métodos poco afortunados de conseguir dinero fácil, drogas y chantajes mafiosos. Todo muy precipitado, pisoteando matices y acelerando catarsis, y en resumidas cuentas limando la grandeza que podría haber alcanzado la película de querer extraer aventura y poesía en lugar de solo el familiar shock comercial, con el montaje cortante y los diálogos elípticos marca de la casa.

Aún así Los Tigres es una película a celebrar. Todo un logro artesanal, un reencuentro con lo mejor de un cineasta que parecía haberse acomodado, y ahora quiere explorar de nuevo lo que le había hecho una firma tan estimulante en primer lugar. Un cineasta que se aparta de la Historia —esa que el régimen del 78 escribe en mayúsculas— para volver a preocuparse de las historias. Esas que anudan el vigor de Sandokán con la derrota de la adultez a través de un hilo de aventura crepuscular. El tipo de aventura con el que solemos lidiar ahora, y que también puede ser en sí misma grandiosa.

Si hay una actriz española que no ha parado de trabajar en las últimas temporadas, y en proyectos muy diferentes, pero todos seductores, esa ha sido Bárbara Lennie (Madrid, 1984). Este año llega a Cannes con dos títulos, Todos lo saben, el filme del iraní Asghar Farhadi que abrió el festival, y Petra, de Jaime Rosales, presentada en la Quincena de Realizadores. Pero también estuvo en Berlín con La enfermedad del domingoLa enfermedad del domingo y antes de acabar el año algún otro certamen internacional estrenará El reino, de Rodrigo Sorogoyen.

Pregunta. Pocos actores o actrices pueden hacer doblete como usted en Cannes.

Respuesta. Estoy feliz de estar aquí y con estos dos proyectos de los que me siento tan orgullosa. Es mi primera vez en este festival y la verdad es que me ha parecido una presentación importante. Lo estoy disfrutando y aprovechando desde que puse un pie en el aeropuerto de Niza.

P. ¡Menudo año el suyo! Dos películas aquí en Cannes, una en Berlín y seguro que otra en Venecia, Toronto o San Sebastián... ¿Es este su mejor momento?

R. Sí, El Reino irá seguramente a San Sebastián. Bueno, es un momento dulce que tiene que ver con años previos de trabajo, y hay veces que hay suerte y las cosas salen bien. Es recoger frutos de todo eso, de años de esfuerzo que han sido bastante intensos. Además, he estado todo este tiempo trabajando con directores que de alguna manera unos han ido llamando a los otros. Y ahora me siento en un momento en el que tengo la suerte de poder decidir lo que quiero hacer, me puedo plantear si quiero trabajar y dónde. De alguna manera sí es un momento importante en mi carrera.

P. ¿Cree que el trabajo con Farhadi en Todos lo saben puede abrirle más puertas internacionales? ¿Le interesaría? ¿Piensa en Hollywood? Todos lo saben

R. Me encantaría. No lo tengo como objetivo, ni es mi sueño por encima de todo. Yo vivo en España, donde hay una cinematografía maravillosa con directores igual de maravillosos, pero no es como Francia. Es mucho más complicado acceder a la industria europea o americana, por lo cual una película como la de Asghar, que se va a ver por el mundo, con estrellas como Penélope [Cruz], Javier [Bardem], [Ricardo] Darín... Soy consciente de que es una ventana para acceder a otras cinematografías que de otra manera serían inaccesibles.

P. ¿A pesar de la diferencia de idiomas?

R. Ya he trabajado para Pascal Rambert en francés [en La clausura del amor]. Pero aunque no hable tu idioma, se percibe de alguna manera. Con Asghar teníamos siempre un traductor. Él habla inglés, pero se cansa. Así que es curioso cómo alguien que está tan lejos de tu idiosincrasia es capaz de darte notas cuidando tanto todos los detalles. Ha hecho un trabajo increíble. Han sido cinco años con este proyecto. Cada mañana venía con todo el texto aprendido. Lo escuchaba en español y si le parecía te cambiaba alguna palabra. Es uno de los directores mas obsesivos con los que he trabajado nunca, con lo cual, aunque no hablaba español, era como si lo supiera. Ha sido impresionante trabajar con alguien tan talentoso.

P. Jaime Rosales también explico que para rodar Petra hizo un trabajo exhaustivo.Petra

R. Sí. Son locos. [Risas.] Jaime también es un obsesivo compulsivo, como casi todos los directores buenos. Creo que ser director conlleva a obsesionarte con tu propia obra y pasar por encima de casi todo para conseguir lo que quieres, siendo respetuosos. Con Jaime estuvimos trabajando varias semanas, sentados en la mesa, leyendo e improvisando, acercándonos al guion de una manera muy minuciosa, y después, en el rodaje, tratando de olvidar todo lo que habíamos hecho para que en cada secuencia hubiese algo nuevo e imprevisto. En el rodaje no estaba permitido el guion. No nos dejaba pronunciar la frase como estaba escrita, porque a él le gusta improvisar en cada toma. Coge tus palabras y las hace suyas, y las pone en su propio lenguaje.

P. Qué coincidencia estar en Cannes con dos películas tan diferentes pero que hablan de los mismos temas: la familia, los secretos, la culpa, el dolor...

R. Sí, ambas hablan de las dificultades y también de las cosas maravillosas que tiene la familia, por concepto. Y el peso de los secretos y de la identidad. La figura de las madres, presentes o ausentes, igual que los padres. Son temas universales que han estado desde el inicio de las narrativas y que nos siguen interesando. Como material dramático es inagotable.

P. ¿En qué se basó para componer el personaje de Petra, que es tan poderoso que carga con el peso de la película?R.

Petra lo que tiene es una inquietud vital que no la deja vivir tranquila y que tiene que ver con su origen, por no saber de dónde viene exactamente. Yo vengo de una familia argentina, tengo una tía desaparecida, mis padres son exiliados políticos, con lo cual el tema de la identidad y de mantener secretos para intentar sobrevivir me ha acompañado bastante. Es algo que conozco de cerca, y después me he basado mucho en lo que era el guion como tal. Estaba muy bien escrito. Y cuando es así, te da casi todo lo que necesitas.

P. La película tiene estructura de tragedia griega, pero Petra le pone toques de humor...R.

Está bien que veas a Petra como un aire fresco, porque es un personaje que quiere arrojar luz después de tanta oscuridad, y con tantas personas que están a su alrededor, que están muy metidas en la mentira y el horror. Es una familia pudiente, famosa,son artistas... pero están podridos. Y ella entra allí para buscar una verdad.

P. ¿Se identifica con Petra?

R. Seguramente en algunas cosas sí. Es un personaje muy coherente con lo que quiere, se va proponiendo cosas y las cumple. Es coherente con lo que siente. Decide dejar de pintar y no pinta más. Y en eso me siento muy identificada. Escucho bastante mis instintos. En ese sentido soy bastante kamikaze, a veces para bien, otras para mal, como Petra.

P. Se habla mucho sobre la distinta óptica de las mujeres haciendo cine. Sin embargo, últimamente, usted ha hecho varias películas de directores hombres, como Petra o antes Una especie de familia y La enfermedad del domingo, con fuertes personajes femeninos. ¿Cree que una mujer directora entiende mejor esos personajes?R.Petra Una especie de familiaLa enfermedad del domingo

En mi carrera solo he trabajado con una mujer en María y los demás y sí que se nota la diferencia, pero es porque somos diferentes. La manera de estar en un set, la posición de poder que tiene el director, sus vínculos, todo es muy diferente. Pero también he tenido la suerte de trabajar con directores que han sido muy cómplices.

P. En Petra la cámara se desplaza entre los personajes dejando vacío, como si el entorno fuera un personaje más. ¿Eso estaba en el guión?Petra

R. Fue una locura. A veces tardábamos cinco y seis horas hasta que Jaime encontrara cómo se iba a rodar la secuencia. Esto hacia que a veces la dinámica del rodaje fuera muy pesada, porque eran tiempos eternos y estar esperando es lo mas agotador que hay. Pero luego lo bonito era que hasta cuando él decía “corte”, tu eras la dueña de la acción. Cuando tenían que pasar ciertas cosas tu sabías que tenías que ir por esos lugares y, de alguna manera, ser un poco actriz y directora, porque también te deja más capacidad para decidir cómo va a ser la secuencia. Tienes una continuidad emocional y de tiempo, que por lo general en el cine se ve afectada.

P. ¿Cómo ve la situación del cine en España?R.

En España es muy complicado hacer películas. Hay como una dicotomía entre el talento y los medios de producción, de distribución de las películas, el apoyo que hay por parte del Gobierno. Es muy evidente la diferencia. Pero creo que estamos viviendo un momento de transformación donde cada vez las películas van más enfocadas a las plataformas digitales.

P. También le interesa el teatro. No sé si le queda tiempo...

R. Sí, de hecho acabo de hacer una obra teatro que terminó hace un mes [El tratamiento, de Pablo Remón] y espero tener un proyecto muy grande para fines de año, pero todavía no está cerrado. Llevo dos años sin descansar, por lo que me voy a tomar ahora un poco de respiro para luego ver dónde mirar, porque uno a veces entra en una dinámica de trabajo que es agotadora.

P. ¿Le gustaría participar en alguna serie televisiva de las que ahora están tan en auge?

R. Sí, me encantaría. Hay mucha gente talentosa trabajando en ellas. Además te permite viajar por el mundo, son muy bien distribuidas. También me gustaría ponerme detrás de la cámara y lo vengo diciendo desde hace mucho. Pero necesito el tiempo para pensar en ello y ponerme a escribir. Por ahora quiero dedicarme este año a aprender idiomas, viajar y conocer gente de otros lugares del mundo.

© Daniela Creamer (Cannes)—NOTICINE.com

Con 12 nominaciones, el drama fantástico de J.A. Bayona, Un monstruo viene a verme, partía como una de las favoritas en la 31ª gala de los premios Goya. Ha conseguido llevarse nueve, entre ellos, el tercer Goya para Bayona. Le seguían con 11 candidaturas el thriller de Alberto Rodríguez, El hombre de las mil caras, y el debut como director de Raúl Arévalo, Tarde para la ira, que ha conseguido el galardón a mejor película y dirección novel. A lo largo de la ceremonia que se ha celebrado en el Marriott Auditorium de Madrid se han repartido 29 estatuillas, entre las que se encuentra el Goya de Honor a la actriz y cantante Ana Belén. En la categoría de mejor película también competían Julieta, de Pedro Almodóvar (siete nominaciones); y Que Dios nos perdone, de Rodrigo Sorogoyen (seis nominaciones). No obstante, la ópera prima de Salvador Calvo, 1898. Los últimos de Filipinas, era la cuarta película más nominada, compitiendo en nueve categorías.

Por tercer año consecutivo el actor Dani Rovira se ha puesto  al frente de la gala dirigida por Juan Luis Iborra. Éstos han sido, además, los primeros Goya de la figurinista Yvonne  Blake como presidenta de la Academia, tras la dimisión de Antonio Resines en julio de 2016. Como más “austera”, pero “elegante” y con “encanto” definió Blake su propuesta para la gala cuando presentó su candidatura a presidir la Academia de Cine.

00:55 Finalmente, Tarde para la ira consigue alzarse con el Goya a mejor película. Sube al escenario Beatriz Bodegas, una de las pocas mujeres que se dedican a la producción en España. Arévalo le entregó el guion del filme cuando protagonizaba La vida inesperada, de Jorge Toregrossa.

00:45 Los actores Geraldine Chaplin y José Coronado entregan el Goya a la mejor dirección a Bayona. A finales de febrero el director comenzará el rodaje de Jurassic World 2. Es su tercer cabezón. En 2007 lo consiguió con El orfanato y en 2012 con Lo imposible.

00:36 Roberto Álamo recibe su segundo Goya por Que Dios nos perdone. Su primer galardón fue por su papel en La gran familia española (interpretación masculina de reparto). Poco después, Emma Suárez ha subido de nuevo al escenario para recoger el premio por Julieta, de manos del director, Pedro Almodóvar. Su primer cabezón fue gracias a El perro del hortelano en 1996.

00:23 Octavo premio para Un monstruo viene a verme por el montaje. Alberto Rodríguez y Rafael Cobos recogen el Goya por el guion de El hombre de las mil caras, una adaptación del libro del periodista Manuel Cerdán. Y el mejor guion original se lo llevan Raúl Arévalo y David Pulido, éste último psicólogo de profesión. Durante ocho años construyeron esta película sobre la violencia que surgió en la mente del actor de Gordos o La gran familia española.

00:15 Emma Suárez recibe el Goya a actriz de reparto por La próxima piel. Está también nominada en como protagonista por Julieta. Mejor película iberoamericana es para El ciudadano ilustre (Argentina). Cuenta la historia de un Nobel de Literatura que regresa a su pueblo natal. Argentina es el país con más Goyas, éste sería el número 17.

0:00 Frágil equilibrio gana en la categoría de documental. El director dedica el premio a Pepe Mujica, hilo conductor de esta cinta. Puedes consultar aquí el artículo sobre la película.

23:49 Primer premio para el debut cinematográfico de Salvador Calvo, 1989. Los últimos de Filipinas, en la categoría de vestuario. Natalia de Molina, Daniel Guzmán y Miguel Herrán entregan el galardón de mejor actor de reparto a Manolo Solo por Tarde para la ira. Con un brevísimo papel, Solo hace una espectacular interpretación. Posteriomente, Cabezas habladoras Cabezas habladorasrecibe el Goya a mejor corto documental.

23:37 Era una de las favoritas, pero el largometraje de J. A. Bayona está arrasando hasta el momento. Mejor música original para Fernando Velázquez. En esta categoría estaba nominado junto al compositor Alberto Iglesias (por Julieta), con 10 premios Goya y tres nominaciones a los Oscar. Poco después, entregan el sexto Goya para la película de Bayona por mejores efectos especiales. Continúa la gala con los galardones técnicos, y mejor sonido recae también en la taquillera Un monstruo viene a verme.

23:18 Es el momento de entregar el Goya de Honor a la actriz y cantante Ana Belén. Ha agradecido a todas las personas que le ayudaron en su carrera, en la que ha participado en más de 50 producciones. Ha recordado a algunos de los directores con los que ha trabajado como Mario Camus, Manuel Gutiérrez Aragón, Fernando Colomo o Pilar Miró.

23:09 Un monstruo viene a verme recibe el Goya a mejor dirección de producción, cuarto galardón para el filme de Bayona. El premio a mejor actriz revelación recae en Anna Castillo, por El Olivo, de Iciar Bollaín. Ha aprovechado para dedicárselo a Belén Cuesta, compañera de nominación y de reparto en la serie Paquita Salas. Minutos después, entregaban el Goya a mejor película europea a Paul Verhoeven por Elle.

22:57 Dani Rovira, con zapatos de tacón rojos ha aprovechado para denunciar la desigualdad a la que se enfrentan las mujeres en el cine, en todas las facetas. Este año no hay ninguna mujer nominada en la categoría de dirección y sólo Nely Reguera era candidata a mejor dirección novel, galardón que se ha llevado Raul Arévalo. Consulta aquí en artículo publicado sobre la falta de igualdad en los Goya 2017. Minutos después, Silvia Pérez Cruz ha recogido el Goya a mejor canción. La cantante e intérprete también está nominada en la categoría de actriz revelación, por Cerca de tu casa, una cinta sobre los desahucios.

22:45 El premio a mejor actor revelación es para Carlos Santos por El hombre de las mil caras, en la que encarna al exdirector de la Guardia Civil Luis Roldán. Santos es un actor conocido por sus papeles de televisión, como Los hombres de Paco. Minutos después se han subido al escenario la directora de la Academia de Cine, Yvonne Blake, y el vicepresidente, Mariano Barroso. "Dedicamos esta gala a los espectadores que van a ver cine español a las salas", han destacado ambos en un discurso conjunto. "Sería de agradecer una nueva actitud de las autoridades hacia nuestra cinematografía", ha subrayado Barroso que ha aprovechado para demandar un pacto de Estado para el cine.

22:40 Mejor película de animación recae en Psiconautas los niños olvidados, los galardonados han destacado la importancia de levantar proyectos "desde la periferia". Mejor corto de ficción para Decorado, de Alberto Vázquez.

22: 31 Recibe el premio a mejor cortometraje de ficción Juanjo Giménez Peña por Timecode, Timecodecandidata también a los Oscar. Y llega el segundo Goya para Un monstruo viene a verme en la categoría de maquillaje y peluquería. David Martí ha destacado la dificultad de su trabajo, que requería plasmar la decadencia de un cáncer. Asimismo, la película de J. A. Bayona se lleva un tercer galardón para en mejor dirección artística.

22:25 Primer Goya para Raúl Arévalo y Tarde para la ira, por mejor dirección novel. En un breve discurso ha agradecido el premio, entre otras, personas a la productora Beatriz Bodegas, clave para que su proyecto viese la luz. El siguiente galardón ha recaído en Óscar Faura a mejor dirección de fotografía por Un monstruo viene a verme.

22:05 horas Comienza la 31ª edición de la gala de los premios Goya con la Film Symphony Orchestra, dirigida por Constantino Martínez-Orts. "Más de cien millones de espectadores"  ha tenido el cine español este año, ha comenzado el actor Dani Rovira, que se pone al frente de la gala por tercer año consecutivo. "Donald [Trump], si nos estás escuchando que sepas que la palabra cine se escribe con 'i' latina", ha continuado el cómico, "sólo decirles a los políticos que han tenido a bien acompañarnos que esta noche les vamos a dedicar el tiempo proporcional que habéis dedicado a la Cultura en sus programas y debates". Entre los políticos que han asistido este año están el ministro de Educación, Cultura y Deporte, Íñigo Méndez de Vigo; la alcaldesa de Madrid, Manuela Carmena; y los líderes de Ciudadanos (Albert Rivera), Podemos (Pablo Iglesias) e Izquierda Unido (Alberto Garzón). "Tarde para la ira, lo que en España conocemos como Sálvame", ha bromeado Rovira sobre la ópera prima de Raúl Arévalo y una de las favoritas. También ha aprovechado para felicitar a Pedro Almodóvar, que será el primer español en presidir el jurado del festival de Cannes.