Se mete en los papeles tan a fondo que para hacer de José Mujica, al que él llama el Pepe, en La noche de 12 años, de Álvaro Brechner, viajó en cuatro ocasiones a Uruguay. En su versión del político corrupto de El reino se entrevistó con varias personas relacionadas con el sector. El guion de la película, de Rodrigo Sorogoyen, pasó por las manos de Cristina Cifuentes.

Dos películas, una en cartel y la otra a punto de estrenar. En una es un político corrupto; en la segunda, José Mujica, el expresidente uruguayo, extupamaro, torturado por la dictadura militar, encarcelado y en aislamiento durante 12 años. ¿De quién se siente más cerca?

Me gustaría sentirme más cerca de Mujica, pero en conciencia igual estoy más cerca del político corrupto.

Vaya.

Tengo una teoría: todos hemos tenido un autoengañómetro que, si existiera, sería una maquinita que mediría la diferencia entre quienes creemos que somos y quienes somos en realidad. Entre cero, quien eres, y 10, quien te crees que eres, pienso que pocos aprobaríamos. Y no sé si yo tampoco.

Entonces verá a su personaje de El reino cada vez que se mira al espejo.El reino

Sobre todo yo diría que este Manuel López Vidal [el personaje] es uno de los nuestros. Mujica reflexiona mucho sobre la importancia de tener cultura para vivir de otra manera. Él ponía el ejemplo de Fukushima. Cuando pasó lo de la radiación, los jubilados japoneses se ofrecieron para limpiar los restos radiactivos. Y me decía: “Mira qué mentalidad, ellos pensando que ya les había llegado el momento”. Eso es una construcción cultural. Y yo no sé si España o la sociedad occidental tienen esa capacidad. Es lo que decía el Pepe: “¿El hombre es socialista y el capitalismo fue una construcción cultural o es al revés?”

Si fue capaz de engordar 33 kilos para su papel en Gordos, de Sánchez Arévalo, qué no se habrá llevado a Suiza para poder hacer bien de político chorizo.Gordos

Jajaja, según esa teoría, imagínese cuando hice Caníbal, con Martín Cuenca... Creo que no se puede contar lo que no se conoce. Y para acercarte a la cabeza o al alma de alguien tienes que entender cómo funciona. Me vi con gente de la política y con personas inculpadas en procesos por presunta corrupción, y traté de entender cómo piensan.

Y para hacer de Mujica adelgazó 16 kilos. Tendrá loco a su endocrino.

Es verdad, sí. También es cierto que lo requería el personaje. Pero mi adelgazamiento fue una cosa light al lado de lo que pasaron él y sus compañeros. Fueron nueve rehenes, aunque la película se centra en tres. A uno de ellos, Henry Engler, lo conocí en Uruguay y tiene un documental sobre su experiencia que se llama El círculo. Hubo una época en la que se llegó a alimentar con leche en polvo y una galleta al día. Mide un metro ochentaytantos y llegó a pesar 40 kilos. Qué verdad es eso de que dios no me mande todas las penas que sea capaz de soportar.

“Gracias en nombre de los compañeros anónimos que se quedaron en el camino”. A Mujica debió de gustarle la película.

Es una frase muy típica de él. Me llamó la atención su carencia absoluta de vanidad. Fue muy gracioso. Cuando le contó Brechner que yo iba a hacer de él, el Pepe me miró y dijo: “Bueno, alguien tiene que hacerlo”.

Igual pensó que usted era tan austero y falto de pompa como él. ¿Le cuadra?

Ni de coña, qué más quisiera yo. Ser coherente es muy difícil. Uno intenta ser mejor persona y enseñar viviendo. En mi corta experiencia como padre así lo creo, se educa viviendo.

Dice el expresidente uruguayo: “De las mayores penas se pueden hacer mieles”. ¿Quién cree que necesita ahora un tarrito de miel?

No sé por dónde empezar. ¿Por los 800 millones de personas que aún pasan hambre en el mundo, por ejemplo? Me gusta la frase de que no solo hay que liberar a los oprimidos, sino también a los opresores. Miel también para ellos. Somos una especie social, una especie que se desarrolla en comunidad. Estoy de acuerdo con el Pepe en que los grandes avances de la historia se han hecho de forma colectiva.

Se licenció en Periodismo, pero trabaja de actor. ¿Es una evolución inevitable?

Pienso que las dos profesiones tienen en común la función de contar un relato. Y en mi caso hay una obsesión casi enfermiza por retratar la realidad. Será una boutade, pero para mí tiene algo de dogma: solo las películas que hablan del mundo en que vivimos merecen ser contadas. El periodista cuenta un relato en tercera persona y el actor lo hace en primera. Brechner, un hombre muy inteligente, reflexiona mucho, como el mismo Pepe Mujica, acerca de que la realidad es muchas veces un punto de vista. Y de hecho, cuando la contamos, la memoria distorsiona ese relato. De las primeras cosas que aprendí en la Facultad, en la Complu, es que la objetividad no existe, que es como el horizonte: algo a lo que intentas tender, pero que nunca vas a conseguir.

Tras interpretar a Mujica y conocer lo que él pasó en esos 12 años bajo la dictadura militar, ¿qué siente cuando oye a algunos decir que en España hay presos políticos?

Lo que sí hay son políticos presos. Pero pienso que la situación con Cataluña tiene que ser política y dialogada; y creo que para dialogar tendrían que estar fuera de la cárcel. Dialogar, y que luego ellos también respetaran los acuerdos, claro.

Si se sigue mimetizando tanto con los personajes, ¿en quién se entrena actualmente?

Tengo un poco apartada una película sobre el fútbol, sobre Juanito, ya fallecido. La primera entrevista que hice en la Facultad fue a él. Un personaje al que se veía muy cariñoso con los niños…

No me diga más: por si la retoma, se pasa día y noche dando patadas a un balón.

Qué va, qué va. Además, no me gustaría que me pasara como a Michael Caine en Evasión o victoria, que aparece jugando al fútbol, pero juega al fútbol igual que yo he estado en la Luna. _____

Esta entrevista está publicada en el número de octubre de 2018 de tintaLibre. Puedes consultar todos los contenidos de la revista aquí. aquí

Durante el proceso de investigación y documentación para La noche de 12 años, José Mujica confesó al director y guionista Álvaro Brechner Álvaro Brechnerun sueño recurrente que aún le visita algunas noches hoy en día. “En él se despertaba y todavía estaba en el calabozo. Confundido se preguntaba: ¿Tanto tiempo pasé? Y entonces llama al joven centinela que guarda la celda: ‘¿Vos no habías nacido siquiera cuando yo entré? ¡No te das cuenta que se han olvidado de nosotros!”, recuerda el cineasta. Pero el expresidente de Uruguay, junto con sus compañeros en el movimiento guerrillero Tupamaros Mauricio Rosencof, escritor y poeta, y Eleuterio Fernández Huidobro, exministro de Defensa, abandonaron el cautiverio al que fueron sometidos durante 12 años en 1985. “Como no pudimos matarles, vamos a volverlos locos”, era la orden que los altos cargos militares de la dictadura emitieron en septiembre de 1973. Sin embargo, la historia no acabó así. Fue una operación secreta a la que fueron sometidos nueve presos Tupamaros, entre ellos los tres protagonistas del film, como un procedimiento macabro que trataba de llevar al límite su resistencia.

“Se encontraron de pronto como cobayas de un experimento en el que todo aquello que conocían del mundo no les servía para nada. En la soledad más íntima del cautiverio, debieron reinventarse para poder resistir a uno de los experimentos más siniestros imaginables. Una tortura física y mental para llevarlos a la locura, cuyo objetivo último era aniquilar la última resistencia del yo más íntimo. Por fuera de los acontecimientos políticos, históricos y sociales, [la película] narra la lucha existencial de tres hombres que, en su hora más oscura, se aferran a su espíritu para mantener su humanidad y esperanza. Cómo abordar un relato cuyo gran protagonista es el silencio, la incomunicación más absoluta, el deterioro y la renuncia de todo aquello que consideramos que constituye la condición humana”, asegura en sus notas previas el director del film que se presentó en el Festival de Venecia, ha pasado por el de San Sebastián en la sección Perlas y llegará a la cartelera española el próximo 23 de noviembre. La película trata de responder a una cuestión esencial: ¿Qué queda de un hombre cuando le han quitado todo? Pero alrededor de sus imágenes se va cosiendo una interesante tesis sobre la necesidad de mantener viva la memoria; sobre la obligación de construir un relato fiel y objetivo de los hechos para que estos no vuelvan a repetirse; y, sobre todo, habla de la capacidad de los presos para crear un mecanismo de resistencia insobornable frente a la tortura y la soledad.

Al final del metraje, la respuesta parece ser solo una: lo único que no le pueden arrebatar a un ser humano en cautiverio y torturado es la imaginación. La imaginación como válvula de escape. Como Huidobro y Rosencof jugando a un ajedrez, sin tablero, a través del código Morse. Y la imaginación en forma de recuerdos, en los que Mujica, por ejemplo, parece reencontrarse con su madre, aunque tenga prohibidas las visitas. De su voz escucha: “Los únicos derrotados son los que bajan los brazos”. La memoria, otra vez, como hilo conductor de la historia de los guerrilleros privados de libertad y, al final, también de la misma humanidad. En La noche de 12 años, Brechner juega de manera muy lúcida con la imaginación, precisamente para suplir esos huecos que en el relato están repletos de silencios (los tres presos tienen prohibida hasta la comunicación verbal), mientras que ellos se van “reinventando” como seres humanos para convertirse en los personajes públicos que luego acabaron siendo. En el caso de Mujica, en un referente en cuanto a la resilencia y la lucha.

El amigo uruguayo

A través del rostro y del trabajo físico del actor español Antonio de la Torre, espectacular en su transformación -al igual que Chino Darín y Alfonso Tort en los papeles de sus compañeros, Rosencof y Huidobro, respectivamente- se puede ir tejiendo una cartografía de su huida hacia el futuro. Sin apenas palabras, porque no se pueden pronunciar y tampoco son necesarias para entender lo que se está viendo. Porque todo se reduce a batalla interior que consiste en sobrevivir cuando uno está privado oficialmente de sus derechos y también de sus sentidos.

Este viaje hacia la noche oscura del alma -narrado con una caligrafía cinematográfica tan sutil como combativa en favor de los derechos humanos- encuentra su reflejo en un juego de espejos con El Pepe, una vida suprema. El trabajo documental de Emir Kusturica, que también se presentó mundialmente en el Festival de Venecia y que aún no tiene fecha de estreno en las salas de nuestro país. Si en la película de Brechner encontramos la reconstrucción de la memoria a partir de los hechos reales y documentados del pasado, aquí encontramos los testimonios de los supervivientes de aquella dictadura a partir de sus propias voces y de las imágenes de Estado de sitio (1972), el film de Costa-Gavras. El director griego ha sido un agitador esencial de las conciencias políticas e impulsor de un cine de denuncia con vocación de compromiso en las décadas de los setenta y ochenta. Entre imágenes de ficción y el relato de los protagonistas, se establece un interesante diálogo que sirve para reconstruir la historia. “Para mantenernos vivos tuvimos que pensar y repensar mucho. Le debemos mucho a esos años que estuvimos en soledad (….). Puede resultar cruel, pero para mí, el hombre aprende mucho más del dolor y de la adversidad que de los triunfos y las cosas básicas”, confiesa Mujica en el documental sobre los años que de prisión en prisión (y de tortura en tortura) pasaron él y sus dos compañeros Tupamaros.

El cineasta, ganador de dos Palmas de Oro en Cannes, plantea un relato que se acerca la figura del político como si fuera un primer plano continuando y, al mismo tiempo, se muestra ciertamente entrañable cuando trata de dibujar el semblante más íntimo del ser humano. Entre esas dos latitudes, el narrador opta por desaparecer y solo cobra protagonismo cuando se sienta frente a Mujica, le mira a los ojos y ambos comparten sorbos de mate. “Si no hubiera vivido aquellos años de soledad sería más triunfador, más embebido de mí mismo...”, le confiesa el uruguayo al director serbio en uno de los momentos de intimidad que retrata de forma pausada el film. La memoria se puede recobrar, pero el destino siempre es una incógnita. Es algo que deja claro la cita del texto En la colonia penitenciaria, de Franz Kafka, que abre La noche de 12 años: “El hombre miró al condenado y preguntó al oficial: ¿Conoce el preso su sentencia’. No -dijo el oficial-. Ya la sabrá en carne propia”.

*Este artículo está publicado en el número de octubre de 2018 de tintaLibre. Puedes consultar todos los contenidos de la revista haciendo clic aquí. aquí

En una entrevista hace ya unos años a una emisora de radio, Alfonso Cuarón (México DF, 1961) describía sus películas como exparejas: estaba agradecido con ellas, pero sin ninguna intención de volver a reconectar. A pesar de que se le ha descrito como un director versátil y completo por su trabajo tan ecléctico, él contesta con un toque de sabihondo que un director completo no es aquel que hace diferentes géneros. “Ser un director completo no está relacionado con que pueda tocar diferentes géneros y que se muestre versátil en las temáticas que abarca. Un director completo, si es que existe ese concepto, es aquel que tiene una visión y la utiliza para hacer una película con honestidad”. Pues eso, que cualquiera que sea honesto en su visión es un director completo, ahí queda.

En sus películas (Y tú mamá también, Hijos de los hombres, Gravity) se pueden detectar preocupaciones recurrentes, como la diferencia de clases y, en el aspecto técnico, la querencia por los travellings, como el maestro Hitchcock. El director mexicano recuerda cuando otro director, al que realmente admira, le dijo que era como un péndulo que tenía que encontrar el centro. Sin embargo, para Cuarón, hacer lo que le gusta, y saltar de género en género, no es una desventaja, sino sencillamente lo que le apetece hacer, a pesar de que, admite, la mayor parte de los directores que más le gustan tienen un hilo conductor común en sus trabajos.

Entre sus maestros favoritos figuran Bresson, Wilder, Coppola o Murnau. El amor al cine le viene desde chico, ya que su familia y, en especial su madre, era una fanática del séptimo arte. Cuarón escribió Gravity junto a su hermano Jonás, que también se dedica a la dirección, por lo que gran parte de su clan está muy implicado en el negocio. Emmanuel Lubezki, conocido como El Chivo, es el director de fotografía que prácticamente siempre trabaja con Cuarón. Son amigos desde que eran quinceañeros. Lubezki recuerda a Cuarón saliendo del cine donde iban a ver películas de Buñuel o Pasolini y estar rodeado de chicas a las que les explicaban el uso que Pasolini hacía del color en sus filmes. “No estoy seguro de si se lo inventaba para impresionar a las chicas o era verdad”, explicaba El Chivo en una entrevista a The New York Times, “lo cierto es que iba al cine unas tres o cuatro veces por semana. Yo conocía una película de Godard, él se las sabía todas”.

A principios de los ochenta acudieron ambos a la mejor escuela de cine del país, pero eran demasiado arrogantes, según reconoce el propio director mexicano. Se les quedó pequeño y decidieron comenzar a trabajar. La verdadera universidad de Cuarón fue hacer cualquier trabajo que surgiera tanto en cine como en televisión. Little princess, su primer film en inglés y su segundo largometraje, llegó a sus manos casi de casualidad. Según Lubezki, Cuarón era en muchos aspectos lo que denominan un late bloomer y aquella película le llegó a mediados de los noventa, en un momento en el que el mexicano casi ya no tenía ganas ni esperanzas de dirigir. Sin embargo, cuando leyó la novela de Frances Hodgson supo que tenía que implicarse en el proyecto.

El acierto de dirigir Harry Potter

Cuarón tiene mucho que agradecer a otro compadre llamado Guillermo del Toro, por convencerle para que dirigiera Harry Potter y el prisionero de Azkaban. Del Toro le llegó a llamar “arrogant bastard” o traducido a la lengua de Cervantes, bastardo arrogante, por dudar en un principio a aceptar el proyecto, ahí lo dejamos. De no ser por el consejo del director de La forma del agua, y tras el fracaso de crítica y público de Great expectations (1998), protagonizada por Gwyneth Paltrow y Ethan Hawke, a lo mejor su carrera hubiera derivado por otros derroteros. No obstante, el destino quiso que siguiera demostrando al mundo sus habilidades como director y le sirvió para obtener el beneplácito de Hollywood para continuar haciendo películas. Una lección de humildad en toda regla que no parece haberle servido de mucho para reducir ese toque de altivez, pero si le ha beneficiado para hacer películas memorables como Gravity, ganadora de siete Oscar de la Academia y con una recaudación en taquilla de 635 millones de euros en todo el mundo.

En esta ocasión vuelve con Roma, uno de sus proyectos más personales. Ha tardado unos cuantos años en volver a sus orígenes, en hacer algo más íntimo y sencillo. “Ha sido un momento en la vida donde se han combinado las posibilidades de hacer esta película desde el punto de vista práctico, pero más importante resultó sentir que tenía las herramientas emocionales para hacerla”.

Tras Gravity, las ofertas le llovieron y, según el director, fueron muy tentadoras, pero para él era importante embarcarse en este proyecto. Roma ganó el León de Oro el en último Festival de VeneciaRoma y las críticas han sido fabulosas. Es su primer filme en español desde Y tú mamá también (2001) con Maribel Verdú, Gael García Bernal y Diego Luna. Sin embargo, al preguntarle cómo ha sido rodar en su idioma materno tras tantos años trabajando en la lengua de Shakespeare, el director contesta que no está acostumbrado a rodar en inglés y que siempre piensa en español. “No me acostumbro a rodar en inglés, siempre he pensado en español y al rodar en inglés, hay un proceso de traducción en mi cabeza de mi lengua materna al inglés. Una de las cosas que me atraía de regresar a trabajar en México era poder hacer un proceso en donde el fluir de mi lenguaje contribuyese en el proceso mismo, en donde mi lengua materna estuviera dictando los ritmos y los tiempos.”

La película se tardó en rodar 108 días y nadie del rodaje, incluyendo el equipo técnico y los actores, tenía acceso al guion. El único además del director con la potestad para leer el libreto era el productor, David Linde, que no habla español. Cuarón no quería que nadie se creara ideas preconcebidas sobre la película, sino que, al contrario, estuvieran constantemente en busca de respuestas. El 90% del filme está basado en sus recuerdos de infancia y eligió a actores que se parecieran a su propia familia. La mayor parte del elenco no tenía experiencia previa delante de las cámaras.

La difícil relación entre clase y raza

De esta manera, el director mexicano se ha marcado un Ken Loach en toda regla y se ha tirado a la piscina contratando a gente de a pie, normal, de andar por casa. Entre ellas está Yalitza Aparicio. Ella da vida una empleada doméstica llamada Cleo, de origen mixteco, que trabaja para una familia de clase media en la Colonia Roma de la Ciudad de México. “Yalitza es definitivamente una de las mejores actrices con las que he trabajado. Me sorprendió en cada momento no solo por su inteligencia y su sensibilidad, sino por el entendimiento que tuvo muy pronto del proceso. Yo no creo que haya una manera de ser actor, de la misma manera que no creo que haya una forma de dirigir actores. Los actores son individuos, son seres humanos y por lo tanto cada uno requiere un acercamiento distinto”.

El filme, disponible en Netflix, narra un año en la vida de una familia de clase media y se desarrolla a principios de los años setenta en medio de las protestas estudiantiles y sus enfrentamientos con la policía. La sociedad está desmembrándose y las mujeres tienen afrontan el peso de la situación. Cuarón ha querido, en cierta forma, homenajear a las mujeres presentes en su infancia. “Es una mirada hacia el viaje de ciertos personajes, así como la observación de un país, como EEUU o cualquier otro, que muestra la perversa relación que existe entre las clases sociales y las razas”, afirma.

El director no parece tener la percepción de que su país natal se haya transformado desde entonces. “México, en muchos sentidos, no ha cambiado en absoluto y, de hecho, los problemas se han agudizado desde que yo era niño. Sin embargo, lo que veo como un símbolo de esperanza es la exuberancia de la nueva juventud. Durante mi infancia y mi juventud en México, era un país muy claustrofóbico y cerrado. La juventud actual es una juventud que está reclamando su derecho como parte de este mundo y yo creo que cualquier cambio, una verdadera transformación del país, se encuentra en las manos de esa nueva juventud”.

No parece excesivamente optimista la visión del cineasta mexicano, quizá su apasionamiento de juventud se haya ido diluyendo con los años. Al parecer, eso mismo le ha pasado con el cine, ya no es el eje de su existencia. “Sigo sintiendo pasión por el cine, pero el entendimiento de la pasión cambia con el tiempo. En mi juventud pensaba que el cine era la vida, ahora tengo muy claro que el cine es parte de la vida, una parte muy importante de mi vida, pero es tan sólo una parte de algo más grande”, concluye.

*Este artículo está publicado en el número de diciembre de 2018 de tintaLibre. Puedes consultar todos los contenidos de la revista haciendo clic aquí. aquí

Los Premios Feroz, los galardones otorgados por la periodistas de cine, nacieron con la vocación de "señalar a otras películas que quizás no elijan los académicos" en los Goya. Eso aseguraba poco antes de la pasada edición Fer de Luis-Orueta, entonces vicepresidente de la Asociación de Informadores Cinematográficos de España, la entidad que los organiza. Pero a juzgar por las películas protagonistas de la gala de entrega celebrada el pasado sábado en el Bilbao Arena, en Bilbao —y emitida a través de Youtube—, quizás habría que replantearse ese espíritu inicial.

El filme más premiado fue para El reino, de Rodrigo Sorogoyen, con cinco estatuillas —incluidas mejor película dramática y dirección—, cuando es precisamente el trabajo más nominado en los Goya, que celebran su gala de entrega el próximo 2 de febrero. En la categoría de mejor comedia —los Feroz, siguiendo la estela de los Globos de Oro hollywoodienses, dan especial protagonismo al género desdoblando el mayor premio de la noche— tampoco hubo sorpresa: la ganadora fue Campeones, de Javier Fesser, segunda más nominada a los Goya. 

En el apartado de series —también esto se imita de los Globos de Oro— los 235 votantes se inclinaron por dos opciones claras. En comedia, Arde Madrid, de Paco León y Anna R. Costa, que también se llevó los galardones a interpretación femenina —Inma Cuesta como protagonista, Anna Castillo como de reparto—. En drama, Fariña, que se hacía con los premios a interpretación masculina —protagonista para Javier Rey y de reparto para el veterano actor gallego Antonio Durán, Morris—. Esta división se dio ya en la edición de 2018, cuando se repartieron méritos La zona y Vergüenza, pero no deja de ser representativa de unos premios que corren el riesgo de perder diversidad. 

Una gala youtuberyoutuber

Los galardones, eso sí, mantuvieron el tono con el que fueron creados en 2014: un guion mucho más ácido que el de los Goya y que no duda en tirar pullas a la profesión, y un ritmo que transforma el bajo presupuesto en una gala desenfadada y —al menos en la teoría— ligera. El sábado, la organización había apostado por la actriz Ingrid García-Jonsson, que además de ser una joven promesa del cine español —con Hermosa juventud o Ana de día— se ha construido una pequeña base de fans a golpe de exhibir desparpajo y lengua afilada en La resistencia, el programa de David Broncano.

Y la noche empezaba fuerte: "Cumplo el principal requisito para que una actriz trabaje en el cine español, ¡no estoy embarazada! Leti, tengo ahí atrás el predictor por si luego quieres hacerme un casting", le soltaba a la cineasta Leticia Dolera en referencia a la polémica en torno al despido de la actriz Aina Clotet. Presentadora y arranque parecían pensar en una audiencia que vería la gala por primera vez a través de Youtube, que, en palabras de García-Jonsson, "es la manera más bonita de decir que no nos ha querido ninguna cadena". Pero la mordiente del guion se iba disipando a lo largo de la noche y los espectadores no pasaban de los 7.000.

En pantalla, el punto canalla lo aportaban unos ganadores que, conforme avanzaba la noche —y la cena, en esto también se imita a los Globos de Oro—, dejaban ver los efectos del Ribera del Duero, uno de los patrocinadores del evento. Patrocinadores, parece ser, más que necesarios: si los Feroz han abandonado Madrid por primera vez es por la falta de apoyos económicos. Y lo mismo ha sucedido con los Goya, que este año partirán hacia Sevilla. El ajustado presupuesto se veía quizás en unos fallos de sonido frecuentes y en errores de realización que ensombrecieron la marcha de la gala. En esos momentos —y en los discursos improvisados de algunos ganadores— la celebración se iba de lo desenfadado a lo amateur. 

Las "otras películas"

La única concesión a esa voluntad de compensación de la que hablaba De Luis-Orueta se veía en la película Quién te cantará, de Carlos Vermut, que cuenta con siete candidaturas en los Goya pero que no figura en mejor película, dirección ni guion. En los Feroz optaba a ocho estatuillas, y se lleva cuatro. Pero no era esta la redención que podría esperar un director que con Magical Girl, su anterior filme, se ganó el favor de la prensa, y que había tenido de su lado a gran parte de la profesión frente al olvido de la Academia de Cine.

Es verdad que una de las ganadoras de la noche fue Eva Llorach, coprotagonista del filme junto a Najwa Nimri que se hizo con el premio a mejor actriz protagonista como ya hizo en los Forqué, los galardones de los productores. La carrera de Llorach hasta el Goya parece, ahora, todavía más sencilla. Pero los otros tres premios pueden ser considerados menores en comparación con las grandes categorías conquistadas por El reino: mejor música para Alberto Iglesias —otra de las apuestas de cara a los Goya—, mejor tráiler y mejor cartel, diseñado por el propio Vermut. Cuatro premios que sabían a palmada en la espalda, pero no a restitución. 

Poco sorpresivo era también el premio a Antonio de la Torre como actor protagonista por su papel en El reino. No es solo que sea también favorito en los Goya, es que ha estado nominado a los Feroz en todas sus ediciones y tiene ya una estatuilla por su labor en Caníbal. El premio a Anna Castillo como mejor actriz de reparto en Viaje al cuarto de una madre, de Celia Rico, daba visibilidad a esta opera prima de bajo presupuesto, que no volvió a ver su nombre por ninguna parte. Sí subiría de nuevo al escenario —y no poco sorprendida— la propia actriz, que hacía doblete sumando el recibido por su papel en Arde Madrid. 

Ni Carmen y Lola, una de las películas revelación del año, ni El silencio de otros, documental sobre la recuperación de la memoria histórica, tenían un hueco en el palmarés. Sí se hacía un —pequeño— espacio Entre dos aguas, de Isaki Lacuesta, ganadora del Premio Especial, una categoría reservada a los filmes normalmente independientes que no estaban entre los nominados pero que la organización destaca por su valía artística. Pero la efectividad de esta estatuilla, que puede servir para reconocer películas que quedan fuera del radar, se ve desactivada este año: Entre dos aguas sí tiene un papel importante en los Goya, donde opta a mejor película y dirección. 

En 2018, los premios de interpretación en los Feroz fueron calcados a los que llegarían en los Goya. Sí hubo dos diferencias: Verano 1993 se llevó mejor película y dirección, reconocimientos que la Academia dio a Isabel Coixet y La librería. En la edición de 2017, coincidieron en Tarde para la ira, considerada mejor película en ambas galas, y en los premios de interpretación masculina y guion. El panorama, en fin, parece haber cambiado desde que en 2016 los Feroz optaron por aupar a La novia, de Paula Ortiz, una película ignorada luego por la Academia. Los Feroz quieren ser, sí, antesala de los Goya, pero quizás no les sea beneficioso seguir la senda que marca la Academia. 

Lista completa de ganadores

(Los ganadores aparecen subrayados)

CINE

Mejor película dramática

Carmen y LolaPetraQuién te cantaráEl reinoTodos lo sabenViaje al cuarto de una madre

El reino

Mejor comedia

CampeonesCasi 40Mi querida cofradíaSuperlópezTiempo despuésCampeones

Mejor dirección

Arantxa Echevarria, por Carmen y Lola

Javier Fesser, por Campeones

Ramón Salazar, por La enfermedad del domingo

Rodrigo Sorogoyen, por El reino

Carlos Vermut, por Quién te cantará

Mejor actriz protagonista

Penélope Cruz, por Todos lo saben

Lola Dueñas, por Viaje al cuarto de una madre

Eva Llorach, por Quién te cantará

Bárbara Lennie, por Petra

Alexandra Jiménez, por Las distancias

Mejor actor protagonista

Javier Bardem, por Todos lo saben

Jose Coronado, por Tu hijo

Javier Rey, por Sin fin

Antonio de la Torre, por El reino

Javier Gutiérrez, por Campeones

Mejor actriz de reparto

Anna Castillo, por Viaje al cuarto de una madre

Bárbara Lennie, por Todos lo saben

Natalia de Molina, por Quién te cantará

Marisa Paredes, por Petra

Ana Wagener, por El reino

Mejor actor de reparto

Joan Borey, por Petra

Eduard Fernández, por Todos lo saben

Ignacio Mateo, por Animales sin collar

José María Pou, por El reino

Luis Zahera, por El reino

Mejor guion

Carmen y Lola, de Arantxa Echevarría

Petra, de Jaime Rosales, Michel Gaztambide y Clara Roquet

Quién te cantará, de Carlos Vermut

El reino, de Rodrigo Sorogoyen e Isabel PeñaEl reino

Viaje al cuarto de una madre, de Celia Rico

Mejor música original

Lucas Vidal, por El árbol de la sangre

Nico Casal, por La enfemedad del domingo

Alberto Iglesias, por Quién te cantará

Oliver Asrson, por El reino

Alberto Iglesias, por Yuli

Mejor tráiler

CampeonesCarmen y LolaQuién te cantaráEl reinoTodos lo saben

Quién te cantará

Mejor cartel

Ana de díaLas distanciasLa enfermedad del domingoQuién te cantaráEl reino

Quién te cantará

SERIES

Mejor serie dramática

El día de mañanaÉliteFariñaGigantesLa Peste

Fariña

Mejor serie de comedia

Arde MadridPaquita SalasVergüenzaArde Madrid

Mejor actriz protagonista de televisión

Malena Alterio, por Vergüenza

Inma Cuesta, por Arde Madrid

Aura Garrido, por El día de mañana

Najwa Nimri, por Vis a vis

Eva Ugarte, por Mira lo que has hecho

Mejor actor protagonista de televisión

Brays Efe, por Paquita Salas

Javier Gutiérrez, por Vergüenza

Paco León, por Arde Madrid

Oriol Pla, por El día de mañana

Javier Rey, por Fariña

Mejor actriz de reparto de televisión

Anna Castillo, por Arde Madrid

Belén Cuesta, por Paquita Salas

Fabiana García, por Arde Madrid

Debbie Mazard, por Arde Madrid

Lidia San José, por Paquita Salas

Mejor actor de reparto de televisión

Jesús Carroza, por El día de mañana

Antonio Durán Morris

Karra Elejalde, por El día de mañana

Miguel Rellán, por Vergüenza

Manolo Solo, por La peste

Julián Villagrán, por Arde Madrid

Que en las nominaciones a los Goya nunca llueve a gusto de todos es una evidencia que se repite año tras año. Con el anuncio de la candidatura para la 33ª edición de los premios de la Academia de Cine, la historia ha vuelto a repetirse. La lectura de nominados que tuvo lugar el miércoles por la mañana se distinguió de otras anteriores por la participación de la actriz Rossy de Palma y del actor y director Paco León, que convirtieron la formalidad en un pequeño sketch. Hasta ahí las risas. Porque parte de la prensa y del mundo del cine pasó luego a las críticas.

Entre las favoritas, destacan El reino, de Rodrigo Sorogoyen, con 13 nominaciones; Campeones, de Javier Fesser, con 11; Carmen y Lola, de la debutante Arantxa Echevarría, y Todos lo saben, del oscarizado director iraní Asghar Farhadi, con 8. Entre las olvidadas, Petra, de Jaime Rosales, y Las distancias, de Elena Trapé. Y entre las que se han percibido como injustamente tratadas, Quién te cantará, de Carlos Vermut, que logra 7 nominaciones pero no compite en mejor película, dirección o guion; La enfermedad del domingo, de Ramón Salazar, con una sola nominación para Susi Sánchez; y Entre dos aguas, de Isaki Lacuesta, que por el contrario solo figura en mejor película y dirección. 

Más allá de los aciertos o no de los académicos, y de los disgustos o no de los que se quedan fuera de los cabezones, los Goya sirven para tomar el pulso a un año de cine español. Hasta que conozcamos los premiados en la gala de entrega, que se celebrará por primera vez en Sevilla el próximo 2 de febrero, estas son algunas de las claves de los galardones. 

  El regreso del thrillerthriller

Tarde para la ira, el thriller que supuso el debut de Raúl Arévalo, arrasó en los Goya de 2017. El filme competía con El hombre de las mil caras, de Alberto Rodríguez, y Que Dios nos perdone, de Rodrigo Sorogoyen, ambas del mismo género. Antes de eso, en la edición de 2015, La isla mínima, de Alberto Rodríguez, se hizo con algunos de los principales premios, compitiendo con El niño, de Daniel Monzón, también thriller. Por eso las nominaciones del año pasado se leyeron como una apertura del cine español a nuevos estilos y un alejamiento del género que había tirado de la industria en los últimos años. Verano 1993, fenómeno revelación de la temporada, proponía un nuevo realismo de escuela catalana. Handia era una película de histórica de gran presupuesto rodada en euskera. Verónica, el filme de terror de Paco Plaza, optaba a mejor película, y La llamada, un musical de aire adolescente, se hacía también un hueco en las nominaciones. 

¿Cómo debería leerse la elección de los académicos de este año? Primero, como una confirmación de que el thriller tiene todavía su huecothriller no solo en la taquilla, sino en la estima de la industria. El reino forma parte del género, en el que se desenvuelve especialmente bien Sorogoyen, aunque verse sobre la corrupción; Dani de la Torre se enmarca también en él con La sombra de la ley, y Farhadi se apoya en la estructura del thriller aunque parta de una historia familiar y un amor de juventud en un pueblo castellano. Pero, además, no hay rastro de géneros considerados minoritarios en esta edición. El realismo costumbrista, muy representado históricamente en los premios, tiene su espacio en Carmen y Lola y Viaje al cuarto de una madre (4 nominaciones), un estilo que Entre dos aguas ensancha con una voluntad más transgresora. Y se podría destacar quizás que Campeones es una comedia (dramática), a las que se suele conceder menos prestigio, y que La sombra de la ley (6 nominaciones) y El fotógrafo de Mauthausen (4 nominaciones) están ambientadas respectivamente en el Madrid de los años veinte y en el campo de concentración nazi. Pero la apertura de la pasada edición no queda tan clara en esta lista. 

  Premios para la taquilla

No sucede a menudo que académicos y espectadores coincidan en elegir favoritos. En este caso, Campeones, el segundo filme más nominado, ha sido la película española más taquillera del año, con más de 19 millones de euros recaudados. Y ha sido también la película seleccionada para representar a España en los Oscar. Ahí se acaba el matrimonio, porque El reino está en el puesto 18El reino, con 1,4 millones de euros, y solo Superlópez (puesto 7, 4,7 millones) y Todos lo saben (puesto 10, 3,1 millones) superan esa cifra. Pero es que en años anteriores el divorcio era más evidente: en 2017 La librería estaba en el puesto 13 con 2,2 millones de euros, y Handia en el 27 con algo más de 500.000 euros. Las obras con más recaudación —Perfectos desconocidos, Es por tu bien, Señor, dame paciencia...— no estuvieron ni mínimamente cerca de los Goya, aunque El secreto de Marrowbone sí fue nominada a dirección novel. El único acuerdo estuvo en animación: Tadeo Jones 2: El secreto del Rey Midas, que fue la película más taquillera del año, se llevó un premio cantado en esta categoría.

  ¿Dónde está la clase media?

En las nominadas a mejor película, los premios Goya evidencian un fenómeno denunciado desde hace años por ciertas voces de la industria: las grandes producciones con apoyo de televisiones privadas se comen el pastel, tanto de la producción como de la taquilla, cuyas migajas son rebañadas por películas de bajo presupuesto y altas aspiraciones artísticas. La clase media, las películas que superan el millón y medio de euros de presupuesto, van desapareciendo. Lo mismo sucede en estas nominaciones, como señalaba el periodista Noel Ceballos en GQ tras la lectura. Campeones (Movistar+ y TVE)y El reino (Atresmedia) superan el presupuesto medio de la industria, con 4,5 y 4 millones de euros respectivamente, mientras Todos lo saben supera los 10 millones con sus hechuras de producción internacional. Del otro lado, Entre dos aguas y Carmen y Lola cuentan con 850.000 y 750.000 euros respectivamente, quedando por debajo de la media. 

"¿Dónde queda esa clase media, el cine que renuncia a la voluntad explícita de arrasar en taquilla, pero tampoco puede encuadrarse en el arte y ensayo o el neorrealismo de bajo presupuesto?", se pregunta Ceballos. Habla de filmes como Petra, con 1,8 millones de presupuesto; La enfermedad del domingo, con la misma cifra; o Quién te cantará, con 2 millones de presupuesto. Sucede, además, que estos filmes sí han sido señalados en otros galardones. Quién te cantará es la segunda más nominada a los Premios Feroz, otorgados por la prensa cinematográfica emulando a los Globos de Oro. Estos galardones también otorgan tres nominaciones a La enfermedad del domingo, y señalan a Bárbara Lennie como una de las mejores actrices del año por su papel en Petra, cosa que también hacen los European Film Awards. Las distancias, de Elena Trapé, es otra de las películas que se quedan fuera de los Goya, aunque resultó vencedora en el Festival de Málaga. 

  Desde los márgenes

Hay dos películas que este año dan aire fresco tanto a los premios como al panorama del cine español. Por una parte, Carmen y Lola, un fenómeno que comercialmente ha funcionado de forma similar a Verano 1993 en 2017: el debut de una directora se extiende gracias al boca-oreja más allá de la vida en pantallas que le correspondería. Salvando las distancias, claro, porque el filme de Echevarría no llega a los 326.000 euros, mientras el de Carla Simón por estas fechas había superado ya el millón de euros. Carmen y Lola ha conseguido también que una directora novel coloque su ópera prima entre las nominadas a mejor película, algo que no solía ser nada frecuente pero que han logrado también en los últimos años Carla Simón y Raúl Arévalo. Otro debut, Viaje al cuarto de una madre, se ha colado también con cuatro nominaciones, para su pareja de actrices protagonistas (Lola Dueñas y Anna Castillo), la cineasta Celia Rico (nominada a dirección novel por esta ópera prima) y el montajista Fernando Franco. 

  el año Tras "el año de las mujeres"

En 2017, Carla Simón lo tenía claro: "No es el año de las mujeres, solo estamos dos nominadas". Pese a la doble nominación de la debutante, que optaba a dirección novel y guion original, y de Isabel Coixet, que competía en dirección y guion adaptado, este periódico analizaba cómo esa edición de los premios no era la más avanzada de la última década ni en el número de nominadas ni en el de categorías paritarias. Ahora los académicos dan una de cal y una de arena a quienes reclaman más reconocimiento para las creadoras: vuelve a no haber ninguna directora entre los mejores según la Academia, pero se mantiene la presencia de escritoras cinematográficas en las categorías de guion original (Isabel Peña por El reino, que firma con Sorogoyen, y Echevarría) y adaptado (Marta Sofía Martins por El jefe, junto a Natxo López) y aumenta la de directoras noveles, con Andrea Jaurrieta (Ana de día) además de las ya mencionadas. 

Si se miran las cifras generales, son mejores que las del año pasado e incluso ligeramente mejores que algunos de los años más beneficiosos para las creadoras. En esta edición hay 37 mujeres candidatas, 23 de ellas en candidaturas mixtas, frente a las 18 del año pasado. Hay cinco categorías mixtas en las que no compite ninguna mujer (fotografía, producción, canción original, música original y dirección), frente a las ocho de la pasada edición. Igualmente, seis categorías mixtas cuentan con una presencia paritaria de mujeres, esto es, de al menos un 40% de nominadas (vestuario, maquillaje y peluquería, cortometraje de ficción y documental, además de dirección novel y guion original), muy cerca de las siete alcanzadas en 2009, la mejor cosecha en este sentido. Pero no hay que echar las campanas al vuelo: los datos de la última década no evidencian una mejoría constante en este aspecto. 

  puertas abiertas y veteranos inamovibles

La presencia de Carmen y Lola, una película sobre el amor entre dos mujeres gitanas, ha permitido la entrada al reparto de actores que a priori tendrían más difícil el acceso a la primera fila del cine español. Tanto Carolina Yuste (reparto) como Rosy Rodríguez, Zaira Romero y Moreno Borja (revelación) optan a un cabezón. Y Yuste es la única paya del reparto, en un momento en que la comunidad gitana sigue infrarrepresentada en el cine, igual que en otros ámbitos de la cultura. Campeones, por su parte, ha abierto la puerta a otro colectivo discriminado. De esta historia sobre un equipo de baloncesto integrado por personas con discapacidad intelectual, la Academia ha destacado el trabajo de Gloria Ramos, una debutante de 25 años que se ha convertido en la primera actriz con discapacidad intelectual en ser candidata al Goya, en este caso al de actriz revelación. Jesús Vidal, nominado también a mejor actor revelación, es invidente y ha afrontado el reto de interpretar a un personaje con discapacidad intelectual. 

Todo lo contrario ocurre en la categoría de actor protagonista, en la que repiten tres de los cuatro actores nominados el año pasado. Antonio de la Torre, nominado por El reino, compitió en la pasada edición con Abracadabra; Javier Gutiérrez, candidato por Campeones, lo fue por El autor; y Javier Bardem, nominado por Todos lo saben, lo estuvo por Loving Pablo. Solo entra José Coronado, por Tu hijo, que completa su cuarta nominación a los galardones después de ganar el cabezón como protagonista de No habrá paz para los malvados en 2012. En el caso de Antonio de la Torre, además, hace doblete con su candidatura a actor de reparto por la hispanouruguaya La noche de 12 años (también nominada a mejor película iberoamericana). Lo mismo sucedió en la pasada edición, cuando fue nominado también por El autor. El intérprete se mantiene así como el actor más nominado a los premios, con 13 candidaturas, de las que por ahora solo ha ganado una, por AzulOscuroCasiNegro, en 2007. 

  LA LISTA COMPLETA DE NOMINADOS

Película

CampeonesCarmen y LolaEl reinoEntre dos aguasTodos lo saben

Dirección

Javier Fesser, por Campeones

Rodrigo Sorogoyen, por El reino

Isaki Lacuesta, por Entre dos aguas

Asghar Farhadi, por Todos lo saben

Guion original

David Marqués y Javier Fesser, por Campeones

Arantxa Echevarría, por Carmen y Lola

Isabel Peña y Rodrigo Sorogoyen, por El reino

Asghar Farhadi, por Todos lo saben

Guion adaptado

Marta Sofía Martins y Natxo López, por Jefe

Álvaro Brechner, por La noche de 12 años

Borja Cobeaga y Diego San José, por Superlópez

Paul Laverty, por Yuli

Actriz protagonista

Susi Sánchez, por La enfermedad del domingo

Najwa Nimri, por Quién te cantará

Penélope Cruz, por Todos lo saben

Lola Dueñas, por Viaje al cuarto de una madre

Actor protagonista

Antonio De la Torre, por El reino

Javier Gutiérrez, por Campeones

Javier Bardem, por Todos lo saben

José Coronado, por Tu hijo

Actriz de reparto

Carolina Yuste, por Carmen y Lola

Ana Wagener, por El reino

Natalia de Molina, por Quién te cantará

Anna Castillo, por Viaje al cuarto de una madre

Actor de reparto

Juan Margallo, por Campeones

Luis Zahera, por El reino

Antonio de la Torre, por La noche de 12 años

Eduard Fernández, por Todos lo saben

Dirección novel

Andrea Jaurrieta, por Ana de día

Arantxa Echevarría, por Carmen y Lola

César Esteban Alenda y José Esteban Alenda, por Sin fin

Celia Rico, por Viaje al cuarto de una madre

Actriz revelación

Gloria Ramos, por Campeones

Rosy Rodríguez, por Carmen y Lola

Zaira Romero, por Carmen y Lola

Eva Llorach, por Quién te cantará

Actor revelación

Jesús Vidal, por Campeones

Moreno Borja, por Carmen y Lola

Francisco Reyes, por El reino

Carlos Acosta, por Yuli

Música original

Olivier Arson, por El reino

Iván Palomares, por En las estrellas

Manuel Riveiro y Xavi Font, por La sombra de la ley

Alberto Iglesias, por Yuli

Canción original

"Una de esas noches sin final", de Javier Limón, por Todos lo saben

"Este es el momento", de Coque Malla, por Campeones

"Me vas a extrañar", de Paco de la Rosa, por Carmen y Lola

"Tarde azul de abril", de Roque Bañoz y Teddy Díez Martín, por El hombre que mató a don Quijote

Montaje

Javier Fesser, por Campeones

Alberto del Campo, por El reino

Hayedeh Safiyari, por Todos lo saben

Fernando Franco, por Viaje al cuarto de una madre

Dirección de producción

Luis Fernández Lago, por Campeones

Eduard Vallès y Hanga Kuruez, por El fotógrafo de Mauthausen

Yousaf Bokhari, por El hombre que mató a don Quijote

Iñaki Ros, por El reino

Fotografía

Alejandro de Pablo, por El reino

Josu Incháustegui, por La sombra de la ley

Eduard Grau, por Quién te cantará

Álex Catalán, por Yuli

Dirección artística

Rosa Ros, por El fotógrafo de Mauthausen

Benjamín Fernández, por El hombre que mató a don Quijote

Juan Pedro de Gaspar, por La sombra de la ley

Balter Gallart, por Superlópez

Maquillaje y peluquería

Caitlin Acheson, Jesús Martos, Pablo Perona, de El hombre que mató a Don Quijote

Sylvie Imbert, Amparo Sánchez y Pablo Perona, por La sombra de la ley

Raquel Fidalgo, Noé Montes y Alberto Hortas, por Quién te cantará

Rafael Mora y Anabel Beato, por El fotógrafo de Mauthausen

Diseño de vestuario

Mercè Paloma, por El hombre que mató a don Quijote

Lena Mossum, por La sombra de la ley

Clara Bilbao, por Quién te cantará

Ana López Cobos, por El fotógrafo de Mauthausen

Sonido

Arman Ciudad, Charly Schmukler y Alfonso Raposo, por Campeones

Roberto Fernández y Alfonso Raposo, por El reino

Daniel de Zayas, Eduardo Castro y Mario González, por Quién te cantará

Eva Valiño, Pelayo Gutiérrez y Alberto Ovejero, por Yuli

Efectos especiales

Óscar Abades y Helmuth Barnert, por El reino

Jon Serrano y David Heras, por Errementari. El herrero y el diablo

Lluís Rivera y Félix Bergés, por La sombra de la ley

Lluís Rivera y Laura Pedro, por Superlópez

Película documental

Apuntes para una película de atracos, de Elías León Siminiani

Camarón: flamenco y revolución, de Alexis Morante

Desenterrando Sad Hill, de Guillermo de Oliveira

El silencio de otros, de Almudena Carracedo y Robert Bahar

Película de animación

Azahar, de Rafael Ruiz Ávila

Memorias de un hombre en pijama, de Manuel J. García

Un día más con vida, de Carlos Fernández de Vigo

Bikes The Movie, de Damian Nenow y Raúl de la Fuente

Película hispanoamericana

El ángel (Argentina), de Luis Ortega

La noche de 12 años (Uruguay), de Álvaro Brechner

Los perros (Chile), de Marcela Said

Roma (México), de Alfonso Cuarón

Película europea

Cold War (Reino Unido), de Pawel Pawlikowsky

El hilo invisible (Reino Unido), de Paul Thomas Anderson

Girl (Bélgica), de Lukas Dhont

The party (Reino Unido), de Sally Potter

Cortometraje de ficción

Nueve pasos, de Marisa Crespo y Moisés Romera

Bailaora, de Rubin Stein

Cerdita, de Carlota Pereda

El niño que quería volar, de Jorge Muriel

Matria, de Álvaro Gago

Cortometraje documental

El tesoro, de Marisa Lafuente y Néstor Del Castillo

Gaza, de Carles Bover Martínez y Julio Pérez del Campo

Kyoko, de Joan Bover, Marcos Cabotá

Wan Xia. La última luz del atardecer, de Silvia Rey Canudo

Cortometraje de animación

Cazatalentos, de José Herrera

El olvido, de Cristina Vaello y Xenia Grey

I wish..., de Víctor L. Pinel

Soy una tumba, de Khris Cembe

Goya de honor

Narciso Ibáñez Serrador

El reino, de Rodrigo Sorogoyen, y Campeones, de Javier Fesser, lideran las nominaciones a los próximos Premios Goya. El thriller sobre corrupción protagonizado por Antonio de la Torre se ha hecho con 13 nominaciones, mientras el filme sobre un equipo de baloncesto formado por personas con discapacidad intelectual, representante de España en los Oscar, cuenta con 11 candidaturas. Ambos filmes figuran en la categoría de mejor película, donde también compiten Carmen y Lola, deArantxa Echevarría, Entre dos aguas, de Isaki Lacuesta, y Todos lo saben, del director iraní Asghar Farhadi. 

A las dos favoritas le siguen Carmen y Lolay Todos lo saben, con 8 nominaciones; Quién te cantará, de Carlos Vermut, con 7; La sombra de la ley, de Dani de la Torre, con 6; El hombre que mató a don Quijote, de Terry Gilliam, y Yuli, de Icíar Bollaín, con cinco; Viaje al cuarto de una madre, de Celia Rico, y El fotógrafo de Mauthausen, de Mar Targarona, con cuatro. 

En las categorías de interpretación vuelven a sonar algunos nombres habituales de los premios. En la de mejor actor protagonista están Antonio De la Torre (nominado por El reino),Javier Gutiérrez (por Campeones) y Javier Bardem (por Todos lo saben): los tres estuvieron nominados en la anterior edición. A ellos se une José Coronado, candidato por Tu hijo. Las nominadas a mejor actriz protagonista son Penélope Cruz, por Todos lo saben (también nominada en los Goya 2018);Susi Sánchez, por La enfermedad del domingo; Najwa Nimri, por Quién te cantará yLola Dueñas, por Viaje al cuarto de una madre.

Antonio de la Torre vuelve a hacer doblete: además de su nominación como protagonista, figura también como actor de reparto por La noche de 12 años, filme uruguayo que opta a mejor película iberoamericana. En las nominaciones del pasado año ya ocurrió lo mismo, cuando fue reconocido por Abracadabra y por El autor. Junto a él, en reparto, están viejos conocidos como Luis Zahera, por El reino; Eduard Fernández, por Todos lo saben, yel veterano Juan Margallo, por Campeones. En la categoría femenina compiten Ana Wagener, por El reino; Natalia de Molina, por Quién te cantará; Anna Castillo, por Viaje al cuarto de una madre, y Carolina Yuste, por Carmen y Lola. 

Entre los nuevos nombres descatados por las categorías novel tiene especial protagonismo precisamente Carmen y Lola. Sus intérpretes Rosy Rodríguez y Zaira Romero compiten por el Goya a la mejor actriz revelación, mientras Borja Moreno hace lo mismo en la categoría masculina y la propia cineasta opta a mejor dirección novel. Entre los nuevos cineastas destacados está también Celia Rico, directora de Viaje al cuarto de una madre; Andrea Jaurrieta, por Ana de día y los hermanosCésar y José Esteban Alenda, por Sin fin. Estas dos últimas películas solo cuentan con esa candidatura. Las categorías de interpretación revelación destacan también los trabajos de Gloria Ramos, por Campeones; Eva Llorach, por Quién te cantará (a quien ya se pudo ver en Magical Girl y Diamond flash, también de Vermut); Jesús Vidal, por Campeones; Francisco Reyes, por El reino, yCarlos Acosta, protagonista de Yuli.

Las películas candidatas a los galardones de la Academia de Cine han sido anunciadas este miércoles por la actriz Rossy de Palma y el actor y director Paco León. La gala se celebrará este año en Sevilla, en el Palacio de Congresos y Exposiciones FIBES, el próximo 2 de febrero, y estará presentada por Andreu Buenafuente y Silvia Abril. A esta 33ª edición de los Premios Goya se han presentado 151 películas.

  CONSULTA LA LISTA COMPLETA DE NOMINADOS:

Película

CampeonesCarmen y LolaEl reinoEntre dos aguasTodos lo saben

Dirección

Javier Fesser, por Campeones

Rodrigo Sorogoyen, por El reino

Isaki Lacuesta, por Entre dos aguas

Asghar Farhadi, por Todos lo saben

Guion original

David Marqués y Javier Fesser, por Campeones

Arantxa Echevarría, por Carmen y Lola

Isabel Peña y Rodrigo Sorogoyen, por El reino

Asghar Farhadi, por Todos lo saben

Guion adaptado

Marta Sofía Martins y Natxo López, por Jefe

Álvaro Brechner, por La noche de 12 años

Borja Cobeaga y Diego San José, por Superlópez

Paul Laverty, por Yuli

Actriz protagonista

Susi Sánchez, por La enfermedad del domingo

Najwa Nimri, por Quién te cantará

Penélope Cruz, por Todos lo saben

Lola Dueñas, por Viaje al cuarto de una madre

Actor protagonista

Antonio De la Torre, por El reino

Javier Gutiérrez, por Campeones

Javier Bardem, por Todos lo saben

José Coronado, por Tu hijo

Actriz de reparto

Carolina Yuste, por Carmen y Lola

Ana Wagener, por El reino

Natalia de Molina, por Quién te cantará

Anna Castillo, por Viaje al cuarto de una madre

Actor de reparto

Juan Margallo, por Campeones

Luis Zahera, por El reino

Antonio de la Torre, por La noche de 12 años

Eduard Fernández, por Todos lo saben

Dirección novel

Andrea Jaurrieta, por Ana de día

Arantxa Echevarría, por Carmen y Lola

César Esteban Alenda y José Esteban Alenda, por Sin fin

Celia Rico, por Viaje al cuarto de una madre

Actriz revelación

Gloria Ramos, por Campeones

Rosy Rodríguez, por Carmen y Lola

Zaira Romero, por Carmen y Lola

Eva Llorach, por Quién te cantará

Actor revelación

Jesús Vidal, por Campeones

Moreno Borja, por Carmen y Lola

Francisco Reyes, por El reino 

Carlos Acosta, por Yuli

Música original

Olivier Arson, por El reino

Iván Palomares, por En las estrellas

Manuel Riveiro y Xavi Font, por La sombra de la ley

Alberto Iglesias, por Yuli

Canción original

"Una de esas noches sin final", de Javier Limón, por Todos lo saben

"Este es el momento", de Coque Malla, por Campeones

"Me vas a extrañar", de Paco de la Rosa, por Carmen y Lola

"Tarde azul de abril", de Roque Bañoz y Teddy Díez Martín, por El hombre que mató a don Quijote

Montaje

Javier Fesser, por Campeones

Alberto del Campo, por El reino

Hayedeh Safiyari, por Todos lo saben

Fernando Franco, por Viaje al cuarto de una madre

Dirección de producción

Luis Fernández Lago, por Campeones

Eduard Vallès y Hanga Kuruez, por El fotógrafo de Mauthausen

Yousaf Bokhari, por El hombre que mató a don Quijote

Iñaki Ros, por El reino

Fotografía

Alejandro de Pablo, por El reino

Josu Incháustegui, por La sombra de la ley

Eduard Grau, por Quién te cantará

Álex Catalán, por Yuli

Dirección artística

Rosa Ros, por El fotógrafo de Mauthausen

Benjamín Fernández, por El hombre que mató a Don Quijote

Juan Pedro de Gaspar, por La sombra de la ley

Balter Gallart, por Superlópez

Maquillaje y peluquería

Caitlin Acheson, Jesús Martos, Pablo Perona, de El hombre que mató a Don Quijote

Sylvie Imbert, Amparo Sánchez y Pablo Perona, por La sombra de la ley

Raquel Fidalgo, Noé Montes y Alberto Hortas, por Quién te cantará

Rafael Mora y Anabel Beato, por El fotógrafo de Mauthausen

Diseño de vestuario

Mercè Paloma, por El hombre que mató a Don Quijote

Lena Mossum, por La sombra de la ley

Clara Bilbao, por Quién te cantará

Ana López Cobos, por El fotógrafo de Mauthausen

Sonido

Arman Ciudad, Charly Schmukler y Alfonso Raposo, por Campeones

Roberto Fernández y Alfonso Raposo, por El reino

Daniel de Zayas, Eduardo Castro y Mario González, por Quién te cantará

Eva Valiño, Pelayo Gutiérrez y Alberto Ovejero, por Yuli

Efectos especiales

Óscar Abades y Helmuth Barnert, por El reino

Jon Serrano y David Heras, por Errementari. El herrero y el diablo

Lluís Rivera y Félix Bergés, por La sombra de la ley

Lluís Rivera y Laura Pedro, por Superlópez

Película documental

Apuntes para una película de atracos, de Elías León SiminianiCamarón: flamenco y revolución,

de Alexis Morante

Desenterrando Sad Hill, de Guillermo de Oliveira

El silencio de otros, deAlmudena Carracedo y Robert Bahar

Película de animación

Azahar, deRafael Ruiz Ávila

Memorias de un hombre en pijama, de Manuel J. García

Un día más con vida, de Carlos Fernández de Vigo

Bikes The Movie, deDamian Nenow y Raúl de la Fuente

Película hispanoamericana

El ángel (Argentina), de Luis Ortega

La noche de 12 años (Uruguay), de Álvaro Brechner

Los perros (Chile), de Marcela Said

Roma (México), de Alfonso Cuarón

Película europea

Cold War (Reino Unido), de Pawel Pawlikowsky

El hilo invisible (Reino Unido), de Paul Thomas Anderson

Girl (Bélgica), de Lukas Dhont

The party (Reino Unido), de Sally Potter

Cortometraje de ficción

Nueve pasos, de Marisa Crespo y Moisés Romera

Bailaora, de Rubin Stein

Cerdita, de Carlota Pereda

El niño que quería volar, de Jorge Muriel

Matria, de Álvaro Gago

Cortometraje documental

El tesoro, de Marisa Lafuente y Néstor Del Castillo

Gaza, de Carles Bover Martínez y Julio Pérez del Campo

Kyoko, deJoan Bover, Marcos Cabotá

Wan Xia. La última luz del atardecer, de Silvia Rey Canudo

Cortometraje de animación

Cazatalentos, de José Herrera

El olvido, deCristina Vaello y Xenia Grey

I wish..., de Víctor L. Pinel

Soy una tumba, de Khris Cembe

Goya de honor

Narciso Ibáñez Serrador

Francesc Boix. Es un nombre de héroe, aunque no mucha gente lo sepa. Es un nombre de joven fotógrafo, de militante comunista, de combatiente en el bando republicano durante la Guerra Civil, de exiliado a Francia, de deportado al campo de concentración de Mauthausen, de fotógrafo de las atrocidades del campo, de superviviente, de testigo en los Juicios de Núremberg. Y ahora es también nombre de personaje de película, interpretado por Mario Casas en El fotógrafo de MauthausenEl fotógrafo de Mauthausen, película de la directora Mar Targarona que se estrena el próximo viernes en cines. 

El propósito del filme, cuenta la directora, es devolver a la memoria colectiva un episodio olvidado: la suerte de los más de 7.000 españoles que fueron deportados a Mauthausen, 10.000 si se tienen en cuenta todos los campos nazis. "La historia de Francesc me llegó por los guionistas", admite la cineasta, hablando de Alfred Pérez-Fargas y Roger Danès. "Yo no sabía que había habido prisioneros españoles en Mauthausen ni en ningún campo de concentración". Y de hecho es posible que ni eso ni muchas otras verdades de la vida en ese lager austriaco, instalado a solo unos kilómetros de Linz, nos hubieran llegado de no ser por el trabajo de Boix. 

El catalán, nacido en Barcelona en 1920, llegó a Mauthausen en enero de 1941. Allí se le asignó, como a todos, un número de prisionero (5.185) y se le cosió en el pecho el triángulo azul de los apátridas —el Gobierno de Franco se desentendió de sus ciudadanos— coronado con la letra S. Gracias a su afición a la fotografía, este hijo de un sastre de Poble Sec fue destinado pronto al Servicio de Identificación del campo, dirigido por el oficial de las SS Paul Ricken. Convencido de su solidez, el "imperio de los mil años" no tenía ningún afán de ocultar sus actividades, ni siquiera la de los trabajos inhumanos o los asesinatos masivos. Al contrario: esta oficina registraba compulsivamente desde las entradas y salidas de los deportados hasta las actividades cotidianas. Y los cadáveres amontonados, y las visitas de los jerarcas nazis. Tras la derrota alemana en Stalingrado frente al ejército de la URSS, la estrategia cambia y el Reich ordena destruir los archivos. Boix se propone entonces guardar pruebas de la masacre evacuando negativos a través de una peligrosa red clandestina. 

"Hemos visto muchas películas del Holocausto, de presos americanos en campos de prisioneros…", admite Targarona, que atiende a los periodistas en la macroexposición Auschwitz, con la que coincide el filme en su estreno en Madrid. La directora, productora de filmes como El orfanato o Los ojos de Julia, retoma: "Pero yo no sabía que había habido españoles, igual que yo no sabía que había prostíbulo en el campo, o que se hacía teatro. Hemos querido centrarlo en el mundo de los republicanos y de lo que ellos vivieron, a partir de los testimonios de los propios deportados". Porque, si el cine y la memoria colectiva han olvidado a Francesc Boix y sus compañeros, ni la vida del fotógrafo ni el sufrimiento de los rotspanier —así apodaban los dirigentes alemanes a los españoles rojos— son desconocidos para la historiografía. 

El historiador Benito Bermejo, autor de Francisco Boix: El fotógrafo de Mauthausen (RBA, 2002) y El fotógrafo del horror (RBA, 2015), ha colaborado como asesor para el filme. Pero Targarona nombra también a la histórica periodista Montserrat Roig, autora del pionero Los catalanes en los campos nazis, publicado en 1977 y reeditado el pasado año por Península. Ella registra ya los testimonios sobre El rajá de Rajaloya (recordado también como El rajá de Rajameloya, nomenclatura que utiliza la película), la revista que representaron los españoles en su barracón en 1943. Y también hablaba ella de Carles Greykey, barcelonés que sufrió las peores humillaciones en el campo por ser negro, y que también hace su aparición en el filme. Han sumado también testimonios lejanos a la península, como el de Siegfried Ziereis, hijo de Franz Ziereis, comandante del campo: tras la liberación, confesó que por su cumpleaños su padre le enseñó a disparar a objetivos en movimiento obligándole a disparar a 40 prisioneros. 

Pero ha habido también, en los últimos años, obras de otras disciplinas que han tratado de devolver su hueco en la historia a los rotspanier. Está la obra teatral El triángulo azul, de Laila Ripoll y Mariano Llorente, producida por el Centro Dramático Nacional, que ganó el Premio Nacional de Literatura Dramática en 2015 y estuvo girando hasta 2016. "No llegué a verla", se lamenta Targarona, aunque ambas obras comparten más de un episodio: la revista, el cortejo musical que acompañaba a los ajusticiamientos, el prostíbulo del campo, el trabajo de Boix con los negativos... El equipo de El fotógrafo de Mauthausen se ha fijado también en la obra del periodista Carlos Hernández, sobrino nieto de Antonio Hernández Marín, el prisionero número 4.443. Suyo es el libro Los últimos españoles de Mauthausen (Ediciones B, 2015), pero también se basa en su relato el cómic Deportado 4443. 

La llegada al cine de la historia son palabras mayores. El proyecto ha tardado cuatro años en realizarse, con un presupuesto "por debajo de 4 o 5 millones de euros" y apoyo de TVE, TV3 y Netflix. Una suma ajustada para la envergadura del filme, rodado entre Terassa y Budapest, que tuvo que construir parte del decorado que reproduce el campo, como su gigantesca puerta de entrada. La misma sobre la que, para recibir a los triunfantes aliados, los republicanos colgaron su famosa pancarta: "Los españoles antifascistas saludan a las fuerzas liberadoras". 

Es una de las instantáneas que se reproducen al final del filme, en los títulos de crédito, recordando que muchas de sus escenas nacen de ese registro documental. La película se cierra con la consagración de Boix como héroe nacional. El fotógrafo fue el único español en declarar en Núremberg, el proceso judicial en entre 1945 y 1946 juzgó los crímenes nazis, y allí se mostraron también los clichés que él rescató, esenciales para demostrar, por ejemplo, la participación de altos jerarcas de las SS en los crímenes de los campos de concentración. 

El fotógrafo de Mauthausen acaba ahí, con Boix poniéndose de pie y señalando, victorioso, a los verdugos. Pero la vida de Boix no tiene ese final heroico. Podría parecer que Boix tuvo suerte: no fue uno de los 4.672 españoles que murieron en Mauthausen, y jamás pisó Gusen, el anexo terrorífico en el que serían asesinados casi 4.000 de ellos. El reportero sobrevive y se muda a París, donde trabaja para distintas publicaciones cercanas al Partido Comunista. No por mucho tiempo: arrastrando achaques por las condiciones extremas sufridas primero durante la Guerra Civil y el exilio y luego en Mauthausen, Boix enferma y muere en 1951, a los 30 años (dos menos, por cierto, de los que cumple Mario Casas). Un final poco heroico. Al estreno del filme llegarán, sin embargo, familiares de los deportados: una posdata algo más luminosa para una historia de olvido. 

Engancharse a una serie para la hora de la siesta. Los montones de ropa limpia, planchada y doblada. Un "cómo vas a salir, con el frío que hace". O un "te he comprado jamón". Ese eterno "Escribiendo..." en Whatsapp para que al final brille un escueto "Besos". El personaje de la madre es casi un arquetipo, y ser madre se parece mucho a interpretar un papel. Por eso la cineasta Celia RicoCelia Rico (Sevilla, 1982) le daba vueltas a la misma idea: "Me encantaría abrir un agujerito en la pared de la habitación de mi madre y poder asomarme y verla cuando no está haciendo de madre".

Lo ha hecho con la ópera prima Viaje al cuarto de una madre, una película íntima, rodada entre las cuatro paredes de una casa familiar, que explora la relación entre una madre (Lola Dueñas) y una hija (Anna Castillo). El filme se estrena este viernes en los cines después de acumular buenas críticas en el Festival de San Sebastián. Y eso que este no es un filme de grandes dramas, sino de pequeños detalles. Los que tejen el amor maternofilial y sus trampas, las pequeñas revoluciones que se desencadenan cuando la no tan pequeña Leonor decide dejar el nido para marcharse a Londres a trabajar de au pair. Su marcha, unida a la reciente muerte de su marido, hará temblar los cimientos de la vida de Estrella. 

El filme se sitúa en Constantina, el pueblo de poco más de 6.000 habitantes en el que creció la directora. Y ella habla, inevitablemente, de su madre, Gloria, que ha tenido un peso crucial en el proyecto: "Claro, cuando yo voy a verla ella hace todos los cuidados, como si fuera una niña pequeña, y eso no me permite nunca descubrir quién es mi madre cuando no es madre". Y asegura que esto es algo universal. Un cierto egoísmo de los hijos les dificulta ponerse en el papel de esa persona que tanto (demasiado, a veces) les ama. Y las madres no pueden dejar de ver a sus niños como polluelos desvalidos.

Rico, que no tiene hijos, está más cerca del primer grupo. Pero eso no le dio miedo: "Aunque no puedo contar la experiencia de la maternidad desde el lugar de mi madre, sí puedo mirarla desde esa curiosidad y tratar de dignificar lo que hay tras el papel de la madre", asegura. De hecho, el abandono de la posición de hija se ve formalmente en la película, que empieza siendo narrada desde el punto de vista de Leonor para bascular, a la mitad, hacia el punto de vista de la madre, Estrella. "Me daba más miedo la hija", confiesa la directora, que trabaja como docente en Barcelona. "Porque escribo lo que recuerdo del momento de marchar de casa, pero ya hace años, no los quiero ni contar, y la generación de los 18 o 20 años me queda un poco lejos. Tenía miedo de no saber reflejar el sentir de una generación". Una generación a la que la falta de trabajo ha dificultado aún más el abandono del hogar y que ha acabado emigrando tras la promesa de la experiencia y el aprendizaje, para encontrarse una vez más con empleos precarios y mal pagados. 

Pero volvamos a Estrella. Quien habla ahora es Lola Dueñas, de nuevo parlanchina y brillante después de meses de vivir en la piel de una mujer encerrada en su casa, callada, "pegada a la tierra", como dice la actriz. "Me ha flipado el amor este incondicional", dice, porque tampoco ella ha vivido la maternidad desde ese lado. "Aunque a mí me asfixia. Una dedicación tan bestial… También me parece admirable, ¿eh?". No es una exageración eso de vivir meses con Estrella. La actriz se desplazó a Constantina dos meses y medio antes del rodaje para aprender costura, la ocupación del personaje, con la mismísima madre de la directora. Recuerda su llegada ya desde una cafetería del ruidoso Madrid: "Dejé la maleta en el apartamento, ni la deshice ni nada, porque me dice Celia: no, vamos a ir a cenar a casa de mis padres. Y lo primero fue andar de noche por el pueblo. Luego, la mesa camilla, ver a su madre… Dije: 'Hemos llegado".

La costura se convirtió en una obsesión. Lo dice la propia intérprete, que pasaba mañanas y tardes pegada a la máquina bajo la mirada atenta de Gloria. "Llegué a detestar la costura", confiesa. "Me da pena cuando lo digo, por ella. Tenía la ilusión de que siguiese cosiendo, y cuando le dije que no he vuelto a coser un botón y que no voy a coser más en toda mi vida…". Cuando Estrella cose, realiza la labor que mejor conoce en el mundo, en la que realmente brilla. Dueñas no quería parecer una aficionada. Y, bueno, su método de interpretación es intenso: "Me acuerdo de… Qué vergüenza", dice, bajando la vista. "Yo solo paraba para comer. Dejaba que la madre de Celia se echara la siesta, que allí es sagrado. Y me llama Celia un día, con la delicadeza que tiene: 'Mira, Lola, es que a mi madre le gustaría descansar los domingos…'. Y ahí ya me di cuenta". 

La actriz asegura que en Viaje al cuarto de una madre se han unido vida y cine. De eso se trataba, dice Celia Rico: "Tuve claro que el rodaje tenía que ser allí. Me lo planteé como abrir las puertas de mi casa, levantar las faldas de la camilla e invitarles, no solo a ella sino a todo el equipo. Y pensé: como es una película sobre cuidar y querer al otro, ¿en qué lugar puedo hacer que las actrices y el equipo tengan esa sensación de protección? Pues en mi pueblo, donde mi familia las va a acoger con mucho cariño, donde la gente del pueblo que me conoce y me quiere van a hacer todo para ayudar…". La casa en la que viven Estrella y Leonor es la de un familiar, tan pequeña como se intuye en pantalla. Había algo importante en ella: los cuartos de la hija y la madre están enfrentados a ambos lados del mismo pasillo, que se convierte en espejo. Un hogar dividido en dos. 

El peso del pueblo era especialmente relevante. En él, Celia ve un reflejo de esa mesa camilla —esas mesas con brasero en torno a las que se reúne la familia en la mitad sur de la Península— que tiene tanto peso en el filme. "El pueblo es un lugar en el que podrías quedarte toda la vida y no salir", sentencia. Y eso puede ser, claro, tan positivo como negativo. Nada cambia en esa jaula más que conocida. Pero, cuando algo va mal, toda la red que a veces parece demasiado estrecha, demasiado vigilante, se pone en marcha. Las mismas actrices acabaron asumiendo este aspecto de la vida rural. "Anna salía huyendo, la pobre. Tenía dos días libres y se iba pitando", recuerda Dueñas. "Y yo no podía salir del pueblo, me dio una especie de síndrome de Estocolmo, me fui a ver una casa para comprar allí en el campo. Se me fue un poco la olla". 

Y luego estaba la mesa camilla, con el brasero encendido durante el rodaje, que apenas les dejaba levantarse del sofá, unidas en lo que Celia Rico llama un "espacio uterino" que es inevitable y necesario romper. Y sin embargo, al salir de la película, muchos correrán a llamar a sus madres. 

Los reyes cambian, los reinos permanecen. Es la idea que reside tras El reino, la película dirigida por Rodrigo Sorogoyen que ha ocupado buena parte de la conversación en el último Festival de Cine de San Sebastián. Y va para rato, porque su estreno el pasado viernes —y el pase previo en Madrid poblado por políticos y periodistas— sigue alimentando el debate. Está claro que lo que hay tras El reino es... el reino. Este reino. La monarquía parlamentaria asolada por la corrupción que el espectador conoce tan bien como los hacedores del filme. Pero los guionistas, Isabel Peña y el propio Sorogoyen, y el actor Antonio de la Torre, protagonista y parte del proyecto desde el inicio, han querido hacerlo aún más evidente plantando referencias a casos reales aquí y allá y entrevistándose con periodistas, políticos, juristas y empresarios. 

"Todo el equipo se ha documentado una barbaridad, han pasado por mucha gente, desde Álvaro Pérez [El Bigotes] a jueces". Y lo dice una de las consultadas, la periodista Ana Pastor, que figura entre la nómina de asesores de Sorogoyen y Peña en la escritura del guion. Aunque la directora de El Objetivo protesta: "Lo de asesora parece como muy importante". Tampoco De la Torre sabe cómo nombrarlos: "Colaboradores, asesores, amigos...". Cada uno lo suyo, porque además de Pastor, a quien conoce desde hace años, o Antonio García Ferreras, están Cristina Cifuentes, Eduardo Madina, Alfredo Pérez Rubalcaba... y también empresarios como David Marjaliza, uno de los pilares de la trama Púnica, o Álvaro Pérez El BigotesEl Bigotes, uno de los rostros más reconocibles de la Gürtel. 

Ha sido en gran medida gracias a la "insistencia" de Antonio de la Torre, según la llama Ana Pastor. La cabezonería le viene, explica él, de su vida anterior como periodista. "Él mismo ha tejido esa red espectacular", insiste Pastor. Él se explica: "Yo me tomo los trabajos como actor, y más si son de películas tan pegadas a la realidad, casi como una investigación periodística". Así que Pastor y Ferreras sirvieron, no solo como consejeros, sino como lazos: a través de ellos y de alguna visita al juzgado el intérprete consiguió que el "gran arrepentido", Marjaliza, y quien intercambiaba te quieros con Francisco Camps, Pérez, le concedieran una reunión. Era importante para el proyecto: Manuel López-Vidal, su personaje, es un político corrupto al que el partido decide dejar caer. 

"Fue Ferreras quien me puso en contacto con Marjaliza", cuenta De la Torre, "y lo de El Bigotes… Aunque no le quiero llamar El Bigotes, mejor Álvaro Pérez. Fuimos a un juicio. Y el momento en que le vimos tenía mucha necesidad de contar su relato, de que le escucharan. La Gürtel es muy larga y empecé a hablar con unos y otros, y Álvaro Pérez me dio su teléfono. Su abogado estaba muy receloso, pero le expliqué que no tenía un afán policial, ni siquiera periodístico, aunque tenga curiosidad, sino que quería acercarme a él para saber cómo piensa, para entenderlo". El intérprete tiene que insistir en que la corrupción le parece "terrorífica" y en que no la justifica antes de hablar de su experiencia con estos asesores. "La primera noticia que tienes de ellos es una imagen muy potente, o para muchos incluso insultante. Pero [Álvaro Pérez] se sentía un chivo expiatorio. Y Marjaliza nos dijo, que es algo que creo que él ha dicho al juez, que quiere ver crecer a sus hijos y que él no pensaba que hubiera hecho nada malo, que las cosas se hacían así y ya está".

¿A qué partido pertenece este vicesecretario autonómico dispuesto a dal el salto a la primera fila? La respuesta no es explícita. El reino no da nombres de organizaciones ni habla de su orientación política. Pero sucede en una ciudad costera sembrada de naranjos que difícilmente podría no ser Valencia y algún detalle aquí y allá remite al partido conservador. La película reproduce con asombroso parecido el vídeo grabado por Álvaro Pérez en el yate de Francisco Correa, donde aparecen también Alejandro Agag, Ana Aznar (hija del expresidente), y Alberto López Viejo, entonces concejal del PP en Madrid. El papel de Antonio de la Torre, en la escena, se corresponde con este último. Las anotaciones sobre las cuentas del partido que cobran importancia en otra sección de la película recuerdan a los papeles de Bárcenas. Hay incluso una vaga referencia al comisario Villarejo: uno de los personajes, un letrado que se excede con mucho en sus funciones, comparte su característico estilismo de barba, gafas y gorra calada. Pero hay vida más allá del PP, y otro personaje describe en una escena uno de los métodos usados por los Pujol para llevar dinero a Andorra: el helicóptero.

Hay al menos otro elemento, en el extremo opuesto, que conectará al espectador con el mundo real. Bárbara Lennie da vida a una periodista de televisión con fama de rigurosa y cortante que dirige y presenta un programa de entrevistas nocturno. Un momento, ¿eso es el plató de El ObjetivoEl Objetivo? Pues sí, y Ana Pastor quedó a comer en una ocasión con la actriz. Si esta aseguraba en una entrevista que "no quería hacer una imitación" y que buscaba en ella vías de trabajo más sutiles como "cómo se desenvuelve en su trabajo, cómo piensa, si pide vino en la comida o no...", lo cierto es que el parecido es más que razonable. "No creo que ella se inspire tanto en mí como en lo que hacemos los periodistas", dice Pastor quitándose importancia y alabando el trabajo de la actriz. Atresmedia, el grupo tras su programa y el de Ferreras, coproduce también El reino. 

¿Y del lado de la política? Madina, que les abrió la puerta al PSOE, Alfredo Pérez Rubalcaba, que les dio indicaciones prolijas, un político cuyo nombre no puede revelar De la Torre —y que le dijo: "Yo no sé por qué dicen que me he corrompido"—, Cristina Cifuentes... "De Cifuentes tengo la sensación que se portó mejor con el Partido Popular que muchos dirigentes del partido Popular con ella", lanza el actor. "Porque en seguida dijo: ‘Yo esto lo veo un poco exagerado, esa reunión en el partido… Yo lo veo demasiado’. Había en ella un afán de intentar disipar lo que tuviera aroma a casos del corrupción del PP". En algún momento salió la idea del fontanero, una figura en el partido que hace de chapuzas, arreglando entuertos aquí y allá de forma no siempre limpia. Esto se incorporó al guion. En la parte de la judicatura, un juez cuyo nombre tampoco dice pero que es "conocido" y "ha tratado casos de estos". 

"Con todo, hemos metido gambas que a mí me joden en el alma", dice con rabia Antonio de la Torre. Andrea Levy, vicesecretaria de Estudios y Programas del PP, les afeó tras el preestreno que los políticos no van en el asiento de atrás, sino junto al chófer. Un bufete de abogados les comentó por Twitter que, en una escena de un registro domiciliario, alguien debería haber informado al interesado de que podía contar con la presencia de su abogado. Para el intérprete no son minucias, sino algo parecido a que le pidan una rectificación en un reportaje. Aunque El reino es ficción. O casi. 

La película Entre dos aguas, dirigida por Isaki Lacuesta, ha sido galardonada con la Concha de Oro de la 66 edición del Festival de San Sebastián, que ha entregado el presidente del jurado, Alexander Payne, este sábado 29 de septiembre durante la gala de clausura, celebrada en el Kursaal de la capital guipuzcoana.

Lacuesta ha llevado a todo el equipo al escenario y ha querido compartir con ellos este premio. Además de leer un mensaje de su actor Cheíto agradeciendo el premio, también ha dado paso a Israel, que, emocionado, ha celebrado el galardón. "Espero que los directores de este país le exploten –en el buen sentido– y no haya que esperar doce años a otra película mía: es un actor maravilloso", ha añadido el cineasta.

La cinta del director cuenta de nuevo con Isra y Cheíto –al igual que en su película de 2006 La leyenda del tiempo– como protagonistas, que ya han abandonado la adolescencia y afrontan problemas de la madurez. Sobre todo Isra, que acaba de salir de la cárcel –una de las partes de ficción de la cinta– y encuentra dificultades tanto para recuperar su vida familiar como el encontrar un trabajo estable.

"Es una película que tiene la premisa de ser realista, una ficción hiperrealista, pero es verdad que hay confusiones porque yo he hecho varios trabajos documentales", señaló en la rueda de prensa Lacuesta, quien ya ganó la Concha de Oro en el año 2011 por Los pasos dobles.

Pese a alabar la labor "portentosa y extremadamente agradecida" de sus actores –no profesionales–, reconoce que esta situación de realismo es "complicada de explicar", incluso para el equipo. Como ejemplo, puso dos escenas realistas, una de ellas incluso rodada antes de saber si saldría el proyecto: un parto y un tatuaje. En el apartado musical, Lacuesta ha contado con la colaboración de Kiko Veneno y Raúl Refree.

Benjamin Naishtat ha sido galardonado con la Concha de Plata a la Mejor dirección por la película Rojo.

En esta película, ambientada en la época de mediados de los 70 en el momento previo a un Golpe de Estado en Argentina, Darío Grandinetti es Claudio Morán, un abogado reputado que lleva una vida tranquila con su familia, hasta que un extraño suceso viene a alterarla.

El director ha admitido que, al escuchar anteriores discursos, ha sentido "un gran peso de causas políticas" y ha sentido que "de alguna manera el mundo va un poco mal". "A mi me toca hablar de la situación de la cultura en Argentina, hace poco cerró el Ministerio de Cultura y esa es una de las muchas cosas que estamos sufriendo de los improvisados que manejan la política: la cultura dignifica y la dignidad no se negocia", ha concluido.

Pia Tjelta ha sido galardonada con la Concha de Plata a Mejor actriz por la película Blind spot', dirigida por Tuva Novotny.

La intérprete se mete en la piel de una madre que vivirá una situación angustiosa debido a su hija, con la atracción de que la cámara de Novotny sigue todo este suceso prácticamente en tiempo real. "Gracias por mirar a Noruega y traernos aquí, os amaremos siempre", ha señalado la actriz, quien también ha recordado la importancia de "utilizar la calidez y aguzar la mirada" entre los seres humanos. "Tenemos que mirarnos los unos a los otros", ha apuntado.

Darío Grandinetti ha sido galardonado con la Concha de Plata al Mejor actor por la película Rojo, dirigida por Benjamín Naishtat. Grandinetti ha dedicado este premio a la gente que "potencia, celebra y hace sentir esta fiesta caminando por las calles unos momentos inolvidables".

El actor ha aludido al "momento especial" para Argentina del que habla la película. "Fue una tragedia para mi país y para muchos países vecinos. Esta película es un trabajo de memoria y puede advertir sobre cualquier cosa que se puede preparar, sobre todo en estos momentos en que parece que la derecha y el fascismo ha vuelto a crecer en el mundo", ha señalado.

Palmarés de la 66 edición del Festival de San Sebastián:

–Concha de Oro: Entre dos aguas, dirigida por Isaki Lacuesta.

–Concha de Plata al Mejor director: Benjamín Naishtat, por Rojo.

–Concha de Plata a la Mejor actriz: Pia Tjelta (Blind spot, de Tuva Novotny).

–Concha de Plata al Mejor actor: Darío Grandinetti (Rojo de Benjamín Naishtat).

–Premio del Jurado a la Mejor fotografía: Pedro Sotero, por Rojo.

–Premio del Jurado al Mejor guión: Louis Garrel y Jean-Claude Carrière, por Un hombre fiel, ex aequo con Paul Laverty, por Yuli.

–Premio Especial del Jurado: Brillante Mendoza, por Alpha, The Right To Kill'.

–Premio Kutxabank-Nuev@s Director@s: Jesús, de Hiroshi Okuyama, con mención especial a Viaje al cuarto de una madre, de Celia Rico Clavelino.

–Premios Horizontes Latinos: Familia sumergida de María Alché, con Mencion especial a El motoarrebatador, de Agustín Toscano.

–Premio Zabaltegi-Tabakalera: Song for the jungle, de Jean-Gabriel Périot. Mención especial a Los que desean, de Elena López Riera.

–Premio del Público Ciudad de Donostia: Un día más con vida, de Raúl de la Fuente y Damian Nenow.

–Premio del Público a la Mejor película europea: Girl, de Lukas Dhont.

–Premio Irízar al Cine Vasco: Oreina (Ciervo), de Koldo Almandoz.

–Premio de la Juventud: Viaje al cuarto de una madre, de Celia Rico Clavellino.

–Premio de la Industria Cine en Construcción: Los tiburones, de Lucía Garibaldi.

–Premio TVE- Otra Mirada: The third wife, de Ash Mayfair.

–Premio Cooperación Española: Los silencios, de Beatriz Seigner.

–Premio Glocal in Progress: Nematoma / Invisible, de Ignas Jonynas.

El cineasta Rodrigo Sorogoyen, que participa con la película El Reino en la sección oficial del Festival de Cine de San Sebastián, cree que en España "no hay un debate sano ni democrático" sobre la corrupción política, aunque "ahora se está empezando". "Hay mucha autocensura sobre este tema, aunque ahora empieza a haber debate. Si no hubiéramos sido nosotros, otros habrían sido los primeros en hacer un 'thriller' sobre esto. Pero ya sabemos también cómo es la industria cinematográfica: para qué se va a poner dinero en esto si se puede poner en una comedia", ha ironizado en una entrevista con Europa Press el cineasta.

Escrita de nuevo junto a Isabel Peña –guionista también de Stockholm o Que Dios nos perdone– y con Antonio de la Torre en el papel principal, Sorogoyen juega en El Reino a emular la realidad con algunas escenas muy similares a las vistas en las noticias sobre corrupción. "Nos parecía divertido y, al final, todo lo que sea referencial es una ventaja", ha comentado.

De hecho, el director admite que varios de los personajes están inspirados en personas clave de la política española "y son reconocibles", aunque prefiere no desvelar a quién se parecen. Peña y Sorogoyen prepararon esta cinta con numerosa documentación –en especial, a través de libros sobre corrupción– y llegaron incluso a reunirse con jueces, cargos políticos y empresarios para trazar sus personajes.

La película tiene "un toque cañí" y la música que aparece en varias escenas, "maquinera", le sirve al autor para retratar los 'bajos fondos' de la política española. "La música maquinera me hacía gracia por el contraste con ese mundo y también porque está asociado a una tradición de hace años en la costa. El resultado es el de que los personajes parecen estar en una constante fiesta incómoda", ha apuntado.

El director ha explicado que esta cinta continúa con la línea de sus anteriores trabajos al "mostrar la parte negativa del ser humano". "Nos fascina esa parte oscura, pero en El Reino no hablamos de la maldad, sino de la naturaleza humanaEl Reino y lo fácil que es corromperse. Es algo que le pasa a mucha gente y nos interesa", ha añadido Peña. Para Sorogoyen, "si alguien tiene un mínimo de poder ya puede ser corrupto, aunque sea solo coger algo de dinero de una caja registradora". Peña cree que eso es así, pero entiende que su película se fija "en el poder de decisión" de las personas cuando tienen la opción de ser corruptos.

El director ha explicado en la rueda de prensa tras la proyección en San Sebastián que optaron por no asociar la película a ningún partido político en concreto porque "hubiera sido injusto, deshonesto y poco acertado". "Decidimos no poner siglas, podríamos haber hablado del PP que tiene sus escándalos y su corrupción, pero habría acabado siendo la película del PP y nuestra intención era no hablar de un partido sino de la gente que puebla los partidos", ha explicado.

Un sector con "etiqueta ideológica"

En esta misma línea, Antonio de la Torre ha reiterado "la importancia de que no pareciera que se señalaba a un partido concreto". "Somos un sector al que se nos ha colocado una etiqueta ideológica y hay que ir mucho mas allá, porque seria un error mayúsculo. Tenía claro que había que hacer una película de personas", ha añadido el actor, quien además ha explicado que ha preparado su personaje reuniéndose con políticos "que incluso han estado en procesos judiciales".

Para De la Torre, por ejemplo, que caiga un Gobierno por corrupción es "una buena noticia" en sociedades democráticas. "Los actos tienen consecuencias en una sociedad adulta y sana, pero los cambios reales son más profundos y llevarán generaciones. Cuando haya una sociedad más global, la corrupción será menos comprensible", ha aseverado.

Mientras, el actor Josep María Pou, que encarna a uno de los altos cargos del partido en El Reino, ha lamentado que haya una generación de políticos que "han visto que entrar en política era un camino para labrarse una carrera profesional en un campo en el que no tenían demasiadas posibilidades". "De todas formas, sabemos que vivimos en un sistema lleno de problemas, pero juro que conozco políticos honestos que se están dejando la piel y están asqueados de estas ultimas semanas. Debemos evitar lo fácil de la generalización", ha concluido.

“¿Sabes por qué nos gusta tanto la infancia? Porque en la infancia no hay pasado, por eso nos sentimos libres. El pasado nos agarra y no nos deja seguir”. Sabe de lo que habla el director iraní Ashgar Farhadi (Khomeini Shahr, 1972), ganador de dos premios Oscar y experto creador de personajes cautivos de su pasado. En él quedó grabada también una imagen que durante 15 años no pudo sacarse de la cabeza: los carteles de una niña desaparecida pegados por todo un pueblo del sur de España en el que veraneaba con su familia. Este viernes se estrena Todos lo saben, la película que ha trasladado a la pantalla aquella emoción que nunca ha podido olvidar.

El creador de la fantástica Nader y Simin, una separación (con la que se llevó su primer Oscar y el Oso de Oro, entre otros prestigiosos galardones), ha contado para este proyecto con la aristocracia de la interpretación española. El elenco suma dos Oscar, varios Goya y un buen puñado de nominaciones: Penélope Cruz, Javier Bardem, Ricardo Darín, Eduard Fernández, Inma Cuesta, Bárbara Lennie, Elvira Mínguez y Ramón Barea. Todos ellos componen un fresco familiar en el que los viejos rencores y las envidias siguen latiendo bajo una aparente cordialidad. 

En su habitual mezcla de drama y thrillerthriller, Farhadi narra el regreso de Laura (Cruz) desde Argentina a su pueblo natal para asistir a la boda de su hermana (Inma Cuesta). Un suceso inesperado trastocará todos sus planes, haciendo que las rencillas florezcan en el momento más innecesario. Como hiciera en A propósito de Elly, el director divide la obra en dos escenarios claramente diferenciados: el jolgorio inicial da paso a una asfixiante angustia que pondrá a prueba a todos los personajes. Al igual que en aquel trabajo, el iraní también concede a todos los personajes la posibilidad de justificarse frente al espectador. “Yo creo en el personaje gris, pero eso no quiere decir que lo malo y lo bueno estén al mismo nivel. Puede hacer algo que no compartimos, pero al menos le damos la oportunidad de que explique por qué lo hace”, ha explicado el cineasta en la charla que ha ofrecido este jueves en la Academia de Cine. Todos lo saben inauguró la última edición del festival de Cannes con críticas para todos los gustos.

Pese al reto que le supone hacer cine fuera de su país (en 2013 rodó en Francia El pasadoEl pasado), Farhadi ha reconocido muchas de las costumbres de su país en España. Antes de iniciar el rodaje, se pegó a un traductor y se instaló durante un año en Madrid para tratar de captar y entender todos los detalles de idiosincrasia española. “Las diferencias no son tantas como pensamos”, asegura quien destaca por saber transmitir a través de su cine sentimientos universales. Tampoco le supuso ningún obstáculo desconocer el idioma. “Los directores, para transmitir algo, hablan mucho y eso también puede dar lugar a malentendidos con los actores. Sin embargo, cuando no sabes un idioma, dices directamente lo que quieres”, ha confesado. “Eduard Fernández me contó que su padre pintaba y que, para imaginar los cuadros, cerraba los ojos. Es algo parecido a trabajar con actores con los que no compartes una lengua”.

No obstante, antes de meterse en faena, Farhadi habló mucho con sus actores y, sobre todo, les ofreció una “llave” en la que pudieran apoyarse a lo largo del rodaje. “Por ejemplo, Darín me preguntó por qué su personaje podía tener tanta fe en dios y, a la vez, tantas dudas. Así que le expliqué que estaba basado en el Hamlet, de Shakespeare, alguien que no puede decidir y al final se sacrifica. Él era Hamlet en un pueblo español”. La consigna para Bardem fue que entendiese a su personaje como un niño de 45 años; mientras que Cruz tenía que acercarse a Laura a través de la imagen de una loba que pierde a su cría: hace todo lo que pueda para encontrarla, pero no de manera pasiva, sino que también puede llegar a  morder.

Construir una historia a partir de una imagen

Estos flashes definen muy bien la forma de trabajar del iraní, que además del cine también dirige teatro. “En Nadir y Simin tenía la imagen de alguien lavando a su padre anciano y, en un momento, comienza a llorar y apoya la cabeza en el hombro de su padre. Quería convertir esa imagen en película y me empecé a preguntar por qué estaba solo ese hombre. Las respuestas a esa y otras preguntas me hicieron crear la historia”, ha utilizado de ejemplo. Tras el esbozo, Farhadi comienza a podar, a eliminar la información innecesaria, hasta encontrar el mensaje que quiere transmitir con esa historia. Es ahí donde aparece ese pasado que mantiene cautivas a las personas; pero también la amistad, el respeto al otro, el pudoroso rencor hacia quien se va del pueblo y prospera, la altivez sutil de quien vuelve al pueblo después de prosperar. 

Sobre otros aspectos de la industria, como la aparición y gran auge de plataformas como Netflix (Alfonso Cuarón acaba de ganar en el festival de Venecia con Roma, película producida por Netflix), Farhadi se ha mostrado bastante pesimista. Él, al igual que los responsables del festival de Cannes, considera imprescindible el paso previo por las salas de cine, debate clave en este asunto. Tampoco está muy satisfecho con el tipo de consumo de fomentan las series, pese a reconocer su calidad. “En las series todo es demasiado rápido, en cada minuto ocurre un suceso. Eso no permite que el espectador reflexione y, cuando te acostumbras, sólo disfruta al estar todo el rato emocionado y el cine le parece lento". Y advierte sobre ese necesario espacio para la reflexión: "Esto es peligroso. Las series están cambiando el gusto del espectador”.

El cineasta uruguayo Álvaro Brechner narra en La noche de 12 años la historia real de Pepe Mujica y sus compañeros en los largos años en los que la dictadura uruguaya les sometió a un aislamiento carcelario extremo para doblegar su cordura. La película, presentada esta semana en la sección Orizzonti de la Mostra de Venecia, es una coproducción hispano-uruguaya protagonizada por el español Antonio de la Torre (Mujica), el uruguayo Alfonso Tort y el argentino Ricardo Darín. Noticine.com habló en exclusiva con Brechner sobre su presencia en el Lido.

PREGUNTA. ¿Cómo definiría su película?

RESPUESTA. Básicamente es la historia de un viaje, casi descenso a los infiernos, donde tres personajes son sometidos durante la dictadura uruguaya, del 73 al 85, en un grupo de nueve rehenes de la cárcel Libertad, a calabozos de aislamiento, que duró 12 años. El objetivo era que como no podían matarlos, volverlos locos. La película sigue la lucha de esos tres personajes por sobrevivir a la locura en aislamiento. Es un viaje dentro de ellos mismos para mantenerse como seres humanos.

P. ¿Qué le atrajo de este hecho real?

R. El espíritu, la lucha de seres humanos que son sometidos a las peores circunstancias, el que todo aquello que consideramos dentro de la condición humana nos lo arrebatan. Creo que el espíritu humano nunca debe ser subestimado.

P. ¿Cuáles serían los efectos que desea reciba el espectador al verla?

R. Más que nada, tengo mucho respeto por los espectadores. Soy un cinéfilo y me gusta que el cine hable de diversas formas y cada espectador experimente la película de su lado. Pero creo que esta no es una película de turismo, de ir a ver lo que pasa, es una película de viaje. Nuestro objetivo fue que fuera experiencial, que el espectador profundice en ese viaje interno que se realiza dentro del individuo en circunstancias tan extremas.

P. ¿Qué significa esta selección para la Mostra?

R. En la cinematografía uruguaya todos sabemos que por ser un país con solo tres millones de habitantes salen pequeños hitos, películas que se hacen con gran dificultad, por lo que es un gran orgullo ser invitado a Venecia a presentarla. Es una oportunidad muy importante. Creo que un festival así es un escaparate grande, para vehiculizar una historia de por sí compleja y para mí es un inmenso orgullo.

P. ¿Y recibir un premio resultaría un gran apoyo?

R. El premio es haber hecho esta película... Nada más.

P. Una película tan intensa como La noche de 12 años, con su significación histórica, imagino que requirió un casting fuera de lo común...

R. El trabajo con los actores fue una de las cosas más importantes, el desafío más grande que había, porque eran actores muy particulares, con una fuerza de voluntad tremenda, y tener ese grado de fragilidad, para que pudieran experimentar su mundo interno, qué les pasaba dentro de la cabeza. Tuve la suerte de disponer de actores maravillosos, como Antonio de la Torre, Alfonso Tort, "Chino" Darín... y los tres fueron sometidos a un proceso tremendo, adelgazando casi 15 kilos cada uno, pero también de un proceso psicológico de aislamiento. Tuvimos asesores tanto del terreno de la psicología como de psicomotricidad. Qué implica cuando un individuo está en una celda de 2 metros por metro y medio todo el día durante años. Yo estuve apenas 30 minutos y me pareció espeluznante. Al cabo de un año se pierde la noción de si es de día o de noche, porque los calabozos eran cerrados. Solo se puede intuir si es verano porque te mueres de calor o invierno y te mueres de frío. Cada uno de los actores propusieron cosas distintas y su trabajo, su capacidad de saltar al vacío. Por ejemplo, con Antonio de la Torre, el primer día lo que hicimos fue tirar el guión, y ya veríamos... Queríamos dejar que lo impredecible nos mantuviera en vilo. El único objetivo real era estar presente constantemente.

P.  ¿Qué resultó más complicado en la filmación?

R. Fue un rodaje bastante extremo, porque la película lo requería, y había circunstancias como la temperatura bajo cero. Nosotros íbamos abrigados, pero los actores aparte de estar muy delgados y apenas consumir calorías, estaban helados. Para mí en gran parte del rodaje, la forma de filmar en sí era recrear primero la realidad y luego filmarla, que la cámara fuera un objeto privilegiado al filmar una recreación de la realidad. Muchas veces esa realidad se impuso. El momento más difícil no fue la recreación histórica, sino la escena que más me sorprendió no fue por su dificultad de filmación, y eso que tuvimos tiroteos, escenas de época, situaciones extremas de rodar en calabozos enanos, sino la de la salida de presos en el regreso de la democracia al Uruguay, que fue un día en que yo, después de rodar el día anterior, me fui a cenar y a tratar de descansar y no podía dormir. Eran la una, las dos de la mañana... y me puse a llamar a gente que había estado en aquella liberación. Había muy poca documentación audiovisual y era historia de tu país, era una responsabilidad inmensa. El día del rodaje simplemente abracé a los actores, y estaban los familiares y acabamos todos llorando, con los pelos de punta y la piel de gallina. Hasta me olvidé de decir: "¡Corten!", y la gente empezó a gritar, por sí sola, sin instrucciones: "¡Nunca más!". La gente se emocionó como si fuera un hecho real.

P. ¿Se puede decir que La noche de 12 años es su película más personal?

R. Tendemos a creer que las películas son un resultado de quiénes somos, y muchas veces las propias películas, como son un viaje, acaban afectándonos a nosotros en quiénes somos. Es muy temprano para valorar todo esto.

Si tuviera que cumplirse la leyenda que ha acompañado a El hombre que mató a don Quijote desde que el cineasta y Monty Python empezara a trabajar en ella en 1989, todos los cines del mundo desaparecerían antes de este viernes, todas las pantallas arderían en llamas o la única copia del filme se perdería irremisiblemente. Porque el 1 de junio se estrena en salas el filme que ha perseguido al director británico como un mal sueño, cuando se cumplen 20 años del comienzo de la primera (de muchas) preproducciones. Si todo va bien. 

No es que esta etapa final haya sido un camino de rosas. Aunque la película estaba programada para cerrar el último festival de Cannes, a punto estuvo de no poder presentarse en La Croisette. El productor lusofrancés Paulo Branco, que se sumó al proyecto en 2016 y lo abandonó antes del rodaje, había llevado a los tribunales a Gilliam alegando que su empresa, Alfama Films, era quien tenía los derechos del filme, y que por tanto el director de Miedo y asco en Las Vegas o Doce monos no tenía la potestad de estrenarla sin su permiso. Aunque el proceso sigue abierto, los tribunales franceses dictaminaron que la película podía proyectarse en Cannes. El propio Gilliam llegó de milagro al festival francés, tras ser hospitalizado días antes de su inauguración. 

Pese a la larga espera, o precisamente por ella, la película llega a las salas con algún que otro elogio... y un buen puñado de malas críticas. "El hombre que mató a Don Quijote es un fracaso, no solo en relación a su leyenda acumulada, sino en general", escribe Yago García en Cinemanía. "El film pretende ser una exaltación de la fantasía y de la imaginación, pero acaba dibujando el desolador retrato de un cineasta de rutinaria puesta en escena", dice Carlos F. Heredero en Caimán. "El hombre que mató a don Quijote tiene ideas interesantes sobre el arte e ideas horribles sobre las mujeres", titulaba la revista estadounidense Vulture. (No es la única publicación que ha señalado el patinazo en este asunto de un filme en el que los personajes femeninos son únicamente damiselas en apuros, o intereses amorosos del protagonista, que no dudan en tratarse a sí mismas, y literalmente, de "putas".)

El propio Gilliam ha insistido, durante las últimas semanas de promoción, en que no le importan las críticas. Y por una vez quizás sea verdad: tras casi 30 años de trabajo, la opinión de los medios y del público parece quedar casi en segundo plano. "Estamos nerviosos, claro, pero lo importante es haber participado en que la película finalmente se estrene", dice a este periódico Mariela Besuievsky, de Tornasol Films, la productora española tras la película. 

Perdidos en La Mancha

El proyecto de Gilliam habría sido uno de tantos que quedan en el limbo de las películas nunca estrenadas si no hubiera sido por el documental Lost in La Mancha, que retrató la locura que supuso el rodaje de la anterior versión de este Quijote, en septiembre del año 2000. Jean Rochefort era entonces el hidalgo, y Johnny Depp su Sancho, un ejecutivo que viajaba en el tiempo hasta encontrarse al costado del caballero. La historia es conocida: el ruido de los aviones que surcan el aire hasta la vecina base de la OTAN hacen imposible grabar el sonido, una tormenta inunda el set y Rochefort debe retirarse tras sufrir lo que resulta ser una hernia discal. El documental, que debía ser un making off, acaba siendo la única película que nace de aquel intento frustrado. 

El hombre que mató a don Quijote resucita y muere varias veces desde entonces. Por la nómina de actores que podrían haber encarnado a unos u otros personajes pasan Robert Duvall, Ewan McGregor, Jack O’Connell, o John Hurt. El dinero aparece y desaparece. En 2008 parece cuajar una nueva versión, que finalmente se desmorona. Mientras, Gilliam y su coguionista, Tony Grisoni (con quien había trabajado en Miedo y asco en Las Vegas) alteran la trama. Eliminan el viaje en el tiempo (aunque se mantiene en forma de confusas ensoñaciones en la versión final) y convierten la película en lo que parece, finalmente, ser: una reflexión sobre la creación y los efectos de la ficción cinematográfica sobre la realidad. El nuevo Sancho Panza es un director entregado al capital que busca sus raíces en su primera película, una adaptación del Quijote con la que acaba absolutamente obsesionado.  

La "historia de una obsesión"

La llegada de Mariela Besuievsky y Gerardo Herrero, a principios de 2016, sería finalmente lo que lo salvaría del último (o penúltimo) desaguisado. "Entramos para hacer el scouting [la localización de escenarios de rodaje]", precisa Besuievsky, que añade, entre risas: "Claramente la película ya estaba escrita". Les invitó a hacerlo Branco, a quien la productora no menciona por su nombre en toda la conversación. El casting anunciado entonces: Michael Palin como don Quijote (sustituido luego por Jonathan Pryce), Adam Driver como Toby, un director convertido en Sancho Panza. La película debía rodarse en otoño, entre España y Portugal. Branco tenía meses para conseguir 16 millones de euros, el presupuesto mínimo exigido por Gilliam. El periódico francés Le Monde publicó extractos de correos electrónicos entre director y productor, una ristra de negociaciones y acusaciones que llevan finalmente a la ruptura.

"Él [Branco] no pudo encontrar la financiación. No lo pudo hacer y directamente hubo un día en que frenó la preproducción, estábamos a ocho semanas del rodaje y lo paró todo", recuerda Besuievsky. Estamos en septiembre de 2016. Parecía que acababa de pasar el último tren del Quijote de Gilliam, que el cineasta tendría que aceptar el fracaso definitivo de su proyecto. Pero ahí entró Tornasol: "Intentamos levantar la financiación que hacía falta, se recuperaron algunos de los contratos que se habían perdido…  Y la película se hizo". Besuievsky habla con orgullo: han roto la maldición. Solo que las maldiciones no existen: "Las cosas tienen solución o no tienen solución".

La productora disipa cualquier misticismo en torno al proyecto: la dificultad para sacar adelante el filme tiene solo que ver, en su opinión, con un presupuesto elevado, unas exigencias notables en la duración del rodaje (12 semanas) y en el campo de los efectos especiales (aunque relativamente poco usados en el metraje final) y una industria que quizás no viera con buenos ojos las experiencias anteriores de Gilliam. "Los directores consiguen dinero en el mercado según sus películas, y si has tenido una o dos que no han sido blockbusters, ya bajas", dice la productora. En su opinión, toda la mitología en torno al proyecto reposa sobre el documental de 2003. "Películas que no salen, como esta, hay muchísimas". Pero Gilliam insistió. "Es la historia de una obsesión. Cualquier otro director hubiera dicho: ok, hagamos otra cosa", concede Besuievsky. Ahora Gilliam podrá dormir tranquilo. Los productores, quizás no tanto. 

Muy elogiada por la prensa cinematográfica, Carmen y Lola, la ópera prima de la cineasta vasca Arantxa Echevarría, ha hecho un ruido importante en la Semana de la Crítica de Cannes, sección que para algunos ha tenido este año un nivel como mínimo equiparable en calidad al de la Sección Oficial, donde no hay ninguna realización de cineastas iberoamericanos. Echevarría comparte en esta entrevista exclusiva con Noticine.com las dificultades a las que se tuvo que enfrentar para narrar un amor lésbico en el marco de la conservadora y machista sociedad gitana, empezando por la búsqueda de sus protagonistas, Rosy Rodríguez y Zaira Romero, uno de los puntos fuertes del filme.

Pregunta. ¿Qué cuenta en Carmen y Lola?Carmen y Lola

Respuesta. Habla del primer amor. Ese que hemos sentido todos cuando estás en un momento de tu vida en el que cambia tu cuerpo. De pronto te sale pelo en sitios donde no te esperas, empiezas a sentir que tu voz cambia, y no sabes cómo reaccionar ante ciertas cosas mientras buscas tu individualidad. Sobre todo buscas tu lugar en el mundo, y justo en ese momento en el que eres tan vulnerable, vas y te enamoras. Y encima eres la chica gitana y te enamoras de otra chica gitana. Para mí es un canto al amor, es una película que habla del amor puro y de lo difícil que es el primer amor.

P. Pocos cineastas tienen la suerte de debutar en el primer festival del mundo, Cannes. ¿Cómo ha vivido esta experiencia?

R. Estoy emocionada, soy más feliz que una perdiz. Para mí es un sueño. Imagínate, ser director de cine implica un trabajo súper arduo de labrarte una carrera, trabajar mucho... Además, financiar una película de este tipo no ha sido nada fácil, porque no es un tema muy cariñoso para las televisiones. "Hola, vengo a venderte una película sobre dos chicas gitanas que se enamoran". Y es como: "¿Perdona? Esto no sé si va a tener algún tipo de vena comercial". Entonces, de pronto que el festival de Cannes vea la película, le guste, y encima la vea para la Quincena... A mí me hace especialmente ilusión estar en la Quincena, porque sabes que surgió como una contraprogramación de la Sección Oficial en mayo del 68, y para mí implica muchísimas cosas positivas. Mi película hubiera podido tranquilamente pasar desapercibida, y que la viera relativamente poca gente. Pero de pronto viene a Cannes y se coloca en el panorama mundial. Y estáis vosotros, los medios, recogiendo mis palabras, dándole visibilidad a una película que necesita mucha visibilidad, porque creo que es un tema que hay que tocar... Todo esto a mí me hace muy dichosa, por la película y por mí, vamos... ¡Soy feliz!

P. ¿Cómo se le ocurrió precisamente contar una historia que en principio parece ajena a usted?

R. La idea surgió porque siempre he pensado que la gente diferente es importante en la sociedad. Todos los que hemos sido diferentes... Yo fui diferente desde pequeña. Todos los diferentes creamos cosas, movemos lo establecido y hacemos que la gente se plantee las ideas, los conceptos y lo que llevamos años y años arrastrando. Entonces pensé qué puede ser tan interesante como ver a alguien diferente en una sociedad en la que esa diferencia no está bien vista. Y en la comunidad gitana la homosexualidad es un tema tabú, es pecado, es algo que puede crear unos problemas muy graves a las chicas, o chicos, o a cualquier persona que quiera salir de un patrón. Ellos viven como en una especie de campana de cristal donde tienen toda su cultura que es súper rica, todo su bagaje. Pero la sociedad paya a ellos no les llega. La ley española del matrimonio homosexual, para ellos es una ley paya. A mí me parecía muy interesante ver qué situación había en una sociedad en la que esto es un tabú muy grande y en la que las mujeres tienen que tener una lucha constante para conseguir su puesto. La mujer gitana es súper poderosa, es muy curranta, pero necesita estar todo el día trabajando por ello. Me parecía que me conquistaba el alma hablar de la persona que tengo aquí al lado debajo de la puerta de mi casa, en la puerta del mercado que la veo todos los días y que no conozco, y que es la base de mi cultura. Llevan 500 años con nosotros y yo me llamo Echevarría, que sabes que tiene origen gitano, y seguro que el 90% de la gente que nos está viendo son nómadas, se han movido por todas partes... Por qué el desconocimiento tan grande hacia una cultura tan potente, ¿no? Por ahí empecé.

P. En el seno de esa sociedad ancestral y renuente a los cambios, imagino que no debió ser fácil encontrar actrices gitanas capaces no solo de interpretar sino también de interpretar escenas lésbicas...

R. Como no hay actores gitanos profesionales, sobre todo de esas edades —estaba buscando adolescentes—, nos tiramos a la calle. En los mercadillos, empapelé todos los barrios... Me iba a los sitios de roneo, que es donde ellos ligan, entonces yo me acercaba a las chicas y les decía: "Estoy buscando una protagonista para una película", "¡Ay, sí, yo, yo!", "Bueno, pero es de temática gay". Entonces salían corriendo. Una cosa que hice en el casting para hacer un poco la criba era: "¿te importaría salir fumando en la película?". "¡Tú estás loca, que me ven fumando y me matan!". Está muy mal visto que una mujer gitana fume en Madrid, que el gitano en muchos sitios es muy diferente en las costumbres. Pues imagínate, ya no te voy a preguntar si te importa salir besándote con otra chica, imposible. Pones en entredicho su reputación... Además, necesitaba una edad en la que habitualmente son mocitas. Todavía no han conocido chico, y, claro, no son capaces a veces de distinguir la realidad de un trabajo de interpretación. Se iban a marcar para toda la vida. No es que fuera difícil, fue medio imposible.

Todavía doy gracias al cielo por haber conseguido encontrar a Zai y a Rosy. Zai fue la octava... Claro, me llené de energía y confianza, porque venía a acompañar a una amiga y yo le vi y dije "ven, pa' ca", y le hice la prueba, y era una maravilla. Estuve con ella trabajando, hasta que al final me dijo: "Venga va, lo hago, le echo un par de ovarios". Pero no encontraba a Carmen. ¿Y tú sabes lo que es ver a 875 personas...? Hubo un momento en que dije: "Pues no voy a poder hacer la película". Con la financiación, con todo el casting medio hecho, pero faltaba Carmen... Intenté con actores payos, pero aquello era un absurdo, la verdad, la energía de Zai con una chica que no sabía ni por dónde arrancar... Entonces apareció Carmen. "¿Tú te atreverías...?", y me dijo: "Pero cuéntame más". La estuve convenciendo. Hablé con sus padres, yo nunca mentía, cuando venían a los castings les decía: "Esto va sobre una relación romántica de dos chicas". La mitad se iban, pero los que se quedaban, se quedaban. Hablé con los padres y les dije: "Mira, esto la va a exponer, en el mundo gitano la va a marcar". Y me decían que ella quería hacerlo, le hace ilusión, quiere ser actriz, le hace muchísima ilusión y me ha dicho que le dices que lo hace muy bien... Y claro, es una chica que no tenía ninguna profesión de futuro y de pronto es como "puedo ser algo, puedo ser actriz". Suerte, mucha suerte tuve, y paciencia.

P. Creo que quedó por tanto muy satisfecha del resultado...

R. Yo siempre soy muy técnica, yo llevo mi story board... El guion es palabra por palabra lo que escribí en su día, está muy meditado todo y yo quería darle un toque documental. Quizás me hubiera gustado un poco más tener aún más parte documental, dejarles fluir más. Pero claro, es que son actores no profesionales. "Bueno haz lo que quieras", "¿Y qué hago?". Tenían que estar todo el rato buscando el apoyo por mi parte. La película es exactamente como la imaginé. El trabajo previo es importantísimo, y yo cuando escribo mis guiones los visualizo, y me imagino todo punto por punto y ya con las posiciones de cámara. Para mí ha sido una satisfacción ver que he conseguido reproducir lo que tenía en la cabeza, e incluso a veces sí que me sobrepasa. Por ejemplo, un momento en la fiesta cuando se piden la mano, les dije: "Haced lo que vosotros haríais". "Pues nosotros comeríamos unos pollos, aquí habría una fiesta...". "Hacedlo". Cogí dos cámaras corriendo: "Quiero eso, mira, mira, esa mirada, esto...". Me sobrepasa, porque me la imaginaba, pero es que es mejor, la realidad gitana, la energía, la calidez que tienen es mucho más real de la que yo me podía imaginar.

P. ¿Y qué me dice de la acogida que la película ha tenido aquí en Cannes?

R. Pues muy bien, la gente habla muy bien de la película... Estamos muy emocionados y creo que es diferente. Creo que como todo el mundo se ha enamorado alguna vez, todo el mundo siente la película por eso mismo, y creo que la acogida está siendo muy positiva. Estoy muy contenta.

Una producción española, protagonizada por astros iberoamericanos –Penélope Cruz, Javier Bardem, Ricardo Darín, Bárbara Lennie, Eduard Fernández...– y dirigida –en castellano– por el maestro iraní Asghar Farhadi, doble ganador del Oscar extranjero, ha sido este martes la encargada de abrir la 71ª edición del Festival de Cine de Cannes. Todos lo saben logra así un honor hasta ahora reservado sólo una vez a otro filme español, La mala educación, de Pedro Almodóvar, en 2004. Ese ha sido todo el balance inaugural en siete décadas del certamen número uno del mundo, generalmente refractario no sólo al cine ibérico, sino iberoamericano en general.

Sin embargo, este año, el responsable supremo de la programación, Thierry Frémaux, con la inestimable ayuda de unas cuantas casualidades –cineastas extranjeros dirigiendo producciones españolas– no solo ha incluido en su escaleta un número inusualmente alto de producciones latinoamericanas, españolas y portuguesas, casi una decena y media, sino que incluso un segundo filme español, El hombre que mató a Don Quijote, de Terry Gilliam, clausurará el festival el próximo día 19, salvo que un tribunal parisino dé la razón a su frustrado coproductor francoportugués, Paulo Branco, quien quiere impedirlo alegando –pese a no haber aportado el dinero que prometió– que posee un contrato que le garantiza los derechos de la película.

Sobre Todos lo saben no habrá críticas hasta este miércoles, ya que Frémaux decidió convertirse en pionero de la marginación de la prensa, eliminando los pases previos para periodistas y cambiándolos por sesiones o bien simultáneas a última hora de la tarde, a la vez que las galas, o al día siguiente, trastocando todo el esquema de trabajo de informadores y críticos, cimentado desde que Mussolini creó en Venecia el primer festival de cine en 1932. En Madrid ha habido, que se sepa, un pase al que acudieron algunos periodistas que iban a viajar a Cannes, pero se comprometieron a no decir –profesionalmente– palabra hasta la mañana de este miércoles. Sí podemos decir que la opinión generalizada es que se trata de una buena película, aunque parece que no entre las mejores del cineasta persa.

Aparte de Todos lo saben, que, a diferencia de Almodóvar en su día, sí concursa por la Palma de Oro, no habrá más cintas iberoamericanas en la Sección Oficial, pero sí en otros apartados. Entre ellas, destaca –aparte de la maldita cinta de Gilliam, fuera de concurso– la colombiana Pájaros de verano, que a su vez inaugurará la Quincena de los Realizadores este miércoles, nueva película del candidato al Oscar Ciro Guerra, ahora compartiendo realización con su mujer, Cristina Gallego, sobre el inicio del negocio colombiano del narcotráfico, en la Guajira. También, por parte española, está la nueva película de un cineasta devoto de los festivales internacionales, Jaime Rosales, con Petra, también en la Quincena, y un insólito filme animado sobre la experiencia del periodista polaco Ryszard Kapuscinski en la guerra de Angola, Un día más con vida, de Raúl de la Fuente y Damian Nenow.

México estará representada por Cómprame un revólver, de Julio Hernández Cordón, en la Quincena, y de la selección argentina sobresalen la coproducción con España El ángel, de Luis Ortega, sobre un real asesino en serie juvenil (en la sección Un certain regard); el drama social El motoarrebatador, de Agustín Toscano (Quincena), y la terrorífica Muere, monstruo, muere, de Alejandro Fadel (Un certain regard).

A ellas hay que añadir el más reciente trabajo del veterano cineasta brasileño Carlos Cacá Diegues Cacá, O Grande Circo Místico (Proyecciones Especiales); la coproducción entre ese país y Colombia Los silencios, de Beatriz Seigner (Quincena), y la opera prima española Carmen y Lola, de Arantxa Echevarría.

La representación iberoamericana se cierra con otros dos títulos de Portugal y Brasil, Chuva e cantoria na aldeia dos mortos, de João Salaviza y Renée Nader Messora, y Diamantino, de Gabriel Abrantes & Daniel Schmidt.

© Carolina G. Guerrero (Cannes)—NOTICINE.com