Madrid espera engalanada al papa León XIV y, justo por eso, sería un punto genial que, entre tanto cartel y tanta pancarta en su honor, los caminos inescrutables de esta capital al borde del colapso terminaran poniendo al pontífice, aunque fuera de pasada, ante uno de los anuncios promocionales de La luz. “¿Eso qué es?”, imaginemos que preguntaría. 

Pues, sin rodeos: una película escrita y dirigida por Fernando Franco que se estrena este viernes y cuenta la historia de Manuel (Alberto San Juan), un párroco muy apreciado en su parroquia que, ante la amenaza de que su pasado salga a la luz, confiesa públicamente ser un pederasta arrepentido y pone en jaque los cimientos de la propia institución que lo protegió. “Vaya”, respondería el santo padre. 

Lo suyo sería que se quedara contrariado y dándole vueltas al asunto, pues ese es en esencia el objetivo de la cinta. "Queremos hablar de un tema que nos parece importante, relevante y grave: la gestión de los abusos dentro de la Iglesia Católica", apunta a infoLibre el cineasta, que aclara: "No es una película de abusos, ni sobre abusos, sino acerca de la mala praxis en cómo se está gestionando eso en el seno de una institución tan poderosa como la Iglesia Católica".

Nunca sabremos si esta explicación sería suficiente para León XIV o querría, por el contrario, saber algo más. Sea como fuere, toma la palabra San Juan para hacerse escuchar a través de infoLibre: "El hecho de que el papa no vaya a tener un encuentro público con las víctimas de pederastia en el seno de la Iglesia en España, con la dimensión que tiene este problema en este país, y que, de tenerlo, vaya a ser en privado, me parece revictimizar, volver a hacerles sufrir a aquellos que tanto sufrieron y siguen sufriendo con esas heridas de muy difícil reparación".

"¿Cómo considera que algo tan grave no ha de ser un tema prioritario?", se pregunta el actor, sabedor de que no va a encontrar respuesta en quien debería darla. Y, entre enfadado y resignado, se responde a sí mismo para no dejar el interrogante en el aire: "Ese es el primer encuentro que debería tener,  no dar una misa en Cibeles o lo que sea. Debería reunirse en público con las víctimas y que escuchemos todos qué les dicen. Y que no se quede en palabras, sino que podamos comprobar en qué se traduce luego".

Le vendría bien al papa ir al cine a ver La luz, como tampoco le haría ningún mal a cualquier obispo, cura, sacristán, monaguillo o feligrés en general. La jerarquía da absolutamente igual, pues cualquiera con un mínimo de humanidad puede comprender y debería empatizar con las víctimas de pederastia, sea en el entorno que sea. "No ha cambiado usted de colonia. ¡Qué asco me da cada vez que la huelo!", le espeta uno de los abusados, ya adulto, al padre interpretado por San Juan.

Un párroco capaz de ponerse de rodillas ante los clientes de un bar para implorar un perdón en realidad imposible, y cuya culpa insoportable le lleva hasta un punto de no retorno en el que la confesión pública es la única huida hacia adelante posible. Y así lo hace a pesar de que sus propios superiores le aconsejan calma, le recuerdan que los delitos podrían haber prescrito si hubiera tenido paciencia. El silencio, ya se sabe, es mucho más efectivo que la mentira para ocultar el delito (que no pecado, como se empeña en decir todo el rato el cura, incapaz de diferenciarlo).

Contra el silencio y en favor de la verdad actúa Manuel, y eso es,  precisamente, lo que llama la atención del espectador, que no puede evitar considerar semejante confesión no ya un tanto inverosímil, sino directamente utópica. Y esa es, para el director, una “paradoja”, pues en realidad lo que está haciendo es ser “completamente fiel a la fe que profesa y a los evangelios que sigue”, a pesar de lo cual “eso nos parece más raro” que la existencia de “una estructura. que encubre o protege”. “De alguna manera, estamos apelando a que estamos tan habituados a que se produzca este daño, y de forma continuada, que nos parece raro que alguien dé un paso así”, subraya.

Coincide San Juan, para quien, tratando de comprender de alguna manera su proceder,  su personaje llega a un extremo en el que, “tras conocer plenamente las consecuencias del daño que provocó”, le resulta “insoportable” enfrentar “el mal” que ha hecho en la vida, sobre todo al ser “tan extremo como haber herido a un niño, ahora ya adulto, en lo más íntimo del ser humano, en su sexualidad”. 

“Él sobrevive porque, creo yo, encuentra algo que hacer frente a la carga de haber destrozado esas vidas. Y ese algo es iniciar una cruzada contra los abusos dando el primer paso y diciendo: ‘Eso yo lo hice, sé que muchos lo han hecho, que se sigue haciendo y que, además, se encubre. Demos un paso al frente todos’. Pero nadie más lo hace”, afirma el intérprete, antes de poner el foco en la clave de la historia: “Tan protagonista como yo es el arzobispo Tamarco, que interpreta Miguel Rellán, porque la cuestión de fondo es que, si no existiera ese sistema de encubrimiento de los abusos cometidos, sería muy difícil que hubiera tantos abusos y que continuaran sucediendo”. Es por ello que ve como única solución posible que, de verdad, desde la propia Iglesia "se previnieran, denunciaran inmediatamente y persiguieran" estos delitos.

A lo largo de todo este proceso, que incluye insultos, pintadas contra el párroco en las paredes de su parroquia e incluso entrevistas en televisión, llega el espectador a preguntarse si acaso es posible la redención a través del arrepentimiento más profundamente sincero (y la inmolación pública). Un asunto espinoso que puede resumirse en la frase que pronuncia la madre del cura, interpretada por María Galiana: “Nunca entenderemos lo que hiciste pero entendemos lo que estás haciendo”.

Para Franco, el “perdón como tal solo lo puede obtener de la víctima, si bien es verdad que luego cada cual tendrá su propio juicio ético o moral”. Por eso, apunta, “en la periferia del personaje hay gente que no lo perdona,  incluidas las propias víctimas”, mientras que en el caso de su madre es “un perdón a futuro, pero no al pasado”.  Y tercia San Juan: “Es que la redención es algo muy complicado. Como dice Fernando [Franco], solo puede perdonar quien ha sufrido el daño directamente, y creo que no hay reparación posible mientras la Iglesia no abra realmente las puertas y deje ver lo que hay”.

La luz, en definitiva, habla de la gestión que se está haciendo desde dentro de los “miles de niños y niñas crucificados por obispos, arzobispos, etcétera”, insiste el cineasta, quien señala que este es su filme con más diálogos como respuesta a la “necesidad de que se dijeran cosas que no se podían quedar a la libre interpretación”. “La película bebe de una documentación real muy dramática, de la que yo me he impregnado, y hay cosas que hay que decirlas porque, si no se dicen, igual la gente no las sabe”, comenta, antes de rematar: “El proceso de investigación ha sido duro, he tenido que confrontar un montón de datos e historias muy dramáticas. Pero creo que, de alguna manera, una película de ficción tiene la capacidad de trasvasar cosas al imaginario colectivo, por lo que había una responsabilidad de que esas cosas estuvieran ahí”.

¿Le comentará alguien al papa León XIV que su visita a Madrid, Barcelona y Canarias coincide con el estreno en los cines de una película que denuncia el encubrimiento de la pederastia en el seno de la Iglesia Católica española? A tenor de las prácticas de ocultamiento que muestra La luz, es poco probable… Pero no imposible, pues esta es la cinta de la que está hablando todo el mundo justo en el preciso momento de su advenimiento. Confiemos y dejemos que la providencia, por justicia divina y poética, haga el resto.

La actriz Carmen Machi (Madrid, 1963), protagonista de series como Aída y Siete Vidas y ganadora del Goya por Ocho apellidos vascos, ha sido distinguida con el Premio Nacional de Cinematografía 2026, ha informado este jueves el Ministerio de Cultura en un comunicado.

El jurado ha elegido por unanimidad a esta "trabajadora incansable en cine, teatro y televisión" para el premio, que anualmente concede el Ministerio de Cultura y está dotado con 30.000 euros, por ser "una de las actrices de comedia más importantes de la historia del cine español".

Remarcan asimismo que Machi ha destacado también "en todo tipo de géneros" y que "ha sabido conectar con el público masivamente, no afectándole su enorme popularidad para acercarse a proyectos más autorales".

"Ha participado en más de un centenar de producciones. Representa los valores de una mujer actual, fuerte e independiente", añade el fallo del jurado sobre esta actriz, que este mismo año ha protagonizado películas como Amarga Navidad (Pedro Almodóvar), 53 domingos (Cesc Gay), Aída y vuelta, el largometraje dirigido por Paco León sobre la famosa serie, o el drama judicial Los justos.

El galardón, que el ministro de Cultura entrega habitualmente en el marco del Festival de Cine de San Sebastián, reconoció en su pasada edición a Eduard Fernández, y Machi se une a una amplia lista de personalidades de la cinematografía española, entre quienes se encuentran Penélope Cruz, José Sacristán, Isabel Coixet, Antonio Banderas, Fernando Trueba o Carla Simón, entre otros.

María del Carmen Machi Arroyo (Carmen Machi) nació en Madrid el 7 de enero de 1963. Desde pequeña supo que quería ser actriz, formándose en la escuela de teatro Taormina de Getafe y en la compañía-escuela de José Luis Gómez, La Abadía.

Tuvo su primer papel sobre las tablas como novia en Bodas de sangre, de Lorca. En 1994, Machi entró en la compañía del Teatro de La Abadía, donde trabajó en obras como María Sarmiento, Retablo de la avaricia, la lujuria y la muerte o 5mujeres.com.

La fama le llegó cuando fue descubierta en televisión por el director de casting Luis San Narciso, que en 2000 contó con ella para la serie Siete vidas (Telecinco), su pase a la popularidad por su locuacidad, ironía y humor corrosivo. Fue premio Unión de Actores a mejor actriz de reparto.

Trabajó con igual o más éxito en la serie hecha a su medida Aída (Telecinco, 2006-2008 y 2011), donde obtuvo el Fotogramas de plata y el Ondas.

Aunque su carrera en televisión ha estado enfocada en la comedia, su carrera en teatro ha estado más enmarcada en el drama, y se la considera una de las grandes damas dramáticas de la escena española, con papeles en obras como Falstaff, El caballero de Olmedo, ¿Quién teme a Virginia Woolf? o Antígona.

Otros reconocimientos en su prolífica carrera han sido el Max a mejor actriz y a mejor secundaria, mejor actriz en el Festival Internacional de Cine de Comedia de Montecarlo, premios de Teatro Valle Inclán y Ercilla, Platino a la mejor secundaria por la serie La Mesías (Los Javis) o la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes en 2024.

En cine, ha participado en películas como Hable con ella de Pedro Almodóvar, Torremolinos 73 de Pablo Berger, Mi gran noche de Álex de la Iglesia, Cerdita de Carlota Pereda u Ocho apellidos vascos de Emilio Martínez-Lázaro, por la que ganó el Goya a la mejor interpretación femenina de reparto en 2014.

Comparte su vida desde hace más de 20 años con su pareja, Vicente, ajeno al mundo de la interpretación. Algunos datos curiosos que ha contado sobre su vida incluyen la revelación de su gran empatía con el tenista Rafa Nadal, comentando que cuando tenía una lesión ni comía ni dormía. También ha contado que de adolescente se escribía cartas de amor a sí misma firmadas por el cantante Leif Garret.

El Premio Nacional de Cinematografía recompensa la aportación más sobresaliente en el ámbito cinematográfico español, puesta de manifiesto preferentemente a través de una obra hecha pública o una labor profesional desarrollada durante el año 2025, o, en casos excepcionales debidamente motivados, se otorga como reconocimiento a una trayectoria profesional.

Podrán gustar más o menos al cinéfilo de turno, pero Los Javis —Javier Ambrossi y Javier Calvo— se han ganado ya por derecho un lugar destacado en la historia del cine español, refrendado este fin de semana con el Premio a Mejor Dirección en el Festival de Cannes (ex aequo con Pawel Pawlikowski, por Fatherland) con su nueva película, La bola negra, que se estrenará el próximo 2 de octubre. Un triunfo en toda regla en el certamen cinematográfico más elitista y respetado del planeta, en el que también competían las nuevas obras de Pedro Almodóvar y Rodrigo Sorogoyen.

El éxito de La bola negra, cinta que parte de una obra inacabada de Federico García Lorca, incorpora a Los Javis a la mejor tradición de directores de cine españoles laureados en Cannes, con Luis Buñuel a la cabeza como el único que ha conquistado la Palma de Oro, en 1961 por Viridiana, y que justo una década antes ya había ganado el Premio a la Mejor Dirección por Los olvidados. 

Otros nombres españoles premiados en tierras francesas fueron Luis García Berlanga (Premio Internacional del Buen Humor en 1953 por Bienvenido Mr. Marshall), Edgar Neville (Premio Homenaje también en 1953 por Flamenco), Carlos Saura (Premio Especial del Jurado con Cría cuervos en 1976), Víctor Erice (Premio del Jurado en 1992 por el documental El sol del membrillo), Pedro Almodóvar (Premio del Jurado y de Dirección con Todo sobre mi madre en 1999, y de nuevo en 2006 como Mejor Guion por Volver) y Oliver Laxe (Premio Fipresci en 2010 por Todos vós sodes capitáns, Premio de la Semana de la Crítica en 2016 por Mimosas, Premio del Jurado Un certain Regard en 2019 por Lo que arde y Premio del Jurado en 2025 por Sirat).

Un selecto club, como vemos, pues son muy poquitos nombres en 79 ediciones. "Como pasa a menudo, necesitamos la validación externa para creernos que lo nuestro es así de bueno", apunta a infoLibre el director y guionista Jorge Arenillas, que recuerda como ejemplo las mofas en torno al "éxito en otros países de Héroes del Silencio, como si fuera una invención de marketing". “Y ahí tienes a Bunbury, llenando estadios por todo el continente americano tres décadas después", apunta.

"Hasta que la élite del cine no lo ha certificado con un premio en Cannes, no sabíamos bien si Los Javis eran, en su corazón, los de La Mesías o los de Mask Singer. Y lo cierto es que, en 2026, ya no hay conflicto: puedes ser ambos. Pero bueno, seguirán negándolos porque hay quien se empeña en no ver la realidad, como aún ocurre con Javier Bardem o Penélope Cruz", destaca el realizador, quien pone así el dedo en la llaga de las envidias, las fobias y las manías variadas que levantan Ambrossi y Calvo allá por donde pasan y que mantienen, inexorablemente, a crítica y público divididos.

"Tienen un gran talento y conectan muy bien con todo lo que está pasando a cierto nivel", afirma a infoLibre el profesor de Estudios Cinematográficos en la Universidad Oxford Brookes, Alberto Mira. "También creo que, dado que el mundo va como va, esa conexión con ciertas corrientes despierta una profunda animosidad en el otro lado. En Cannes creo que la estrategia ha estado basada en eso y ya vemos lo que se ha montado. Tenemos a media España que no piensa ir a ver esa ‘mierda woke' y a otra media que cree que Lorca fue un mártir gay a reivindicar. Esto no es culpa de Los Javis, que al fin y al cabo tienen que vender la película, pero nos da la medida de dónde estamos", añade.

Para la periodista María Guerra, una de las claves principales del éxito de Los Javis es que "han sabido leer el siglo XXI en la comunicación, se han saltado a los medios tradicionales y se han puesto en contacto directamente con su generación utilizando su lenguaje y sus intereses, a través de Instagram, por ejemplo". Y recuerda, asimismo, que cuando ya eran populares se apuntaron a ser jurados en programas de televisión como Operación Triunfo o Drag Race, lo cual encaja con su manera "desenfadada de contarse", que es la propia de su generación.

Otro punto destacable, según señala Guerra a infoLibre, es que "se han atrevido a reinterpretar la religión católica", en obras como La llamada o La Mesías. "No solo a través del marco represivo en el que estaba encajada la izquierda tradicional, sino también para criticarla con la libertad más total" y reflexionar sobre "cómo la Iglesia católica les ha afectado como generación" con una mirada distinta. "Ellos hablan a su generación e interpretan el pasado, fundamentalmente del colectivo LGTBIQ+. Y ahora hacen una relectura del gran mito gay de la Guerra Civil, que es Lorca", señala.

Y prosigue: "Tienen una gran ambición, por eso son autores y productores desde el minuto uno. Con el poderío de la producción, no quieren que La bola negra sea una obra gay pequeña e intimista. Así consiguen conectar, reinterpretar la historia de España a través de la Guerra Civil y al mito gay para la nueva generación. Estando en los márgenes, han sacado de ellos a lo LGTBIQ+ para su generación, y su condición de hombres les ha facilitado la credibilidad y la entrada en la industria, en la producción o en lugares como Cannes, en los que todavía las mujeres y el cine hecho por mujeres no tienen la misma credibilidad, ni en lo industrial ni en lo artístico".

En la misma dirección apunta Mira, para quien la carrera de Los Javis se fundamenta en una "gran originalidad basada en mitos pop", por lo que, en su opinión, la recurrente comparación con Almodóvar "no es irrelevante, aunque los mitos pop de 1980 no sean los de 2026". "Lo que hacen me fascina —continúa—, pero creo que me fascina más de lo que me gusta. Su conexión total con las nuevas mitologías, motivos y referentes (incluso técnicas de puesta en escena) hace que nos sintamos un poco distantes quienes estamos en otra frecuencia. Pero en el fondo hay una gran admiración: mucha gente es joven, pero solo ellos hacen lo que hacen", argumenta.

Asimismo, se pregunta el profesor "qué hay de estrategia y qué hay de sinceridad" en todos los grandes movimientos que hacen Ambrossi y Calvo, y que provocan siempre una gran repercusión a todos los niveles mediáticos. "No me es posible decidirlo", reconoce. Y añade: "Se les reprocha que todo sea un montaje, pero no sé. En el Hollywood clásico todo era montaje. Yo creo que incluso en Godard todo era montaje. Ser artista es entrar en montajes. Nos puede llegar más o menos, pero el caso es que no hay nadie como ellos en términos de contenido y creatividad".

Figuras como los actores Javier Bardem y Mark Ruffalo o el realizador británico Ken Loach sumaron sus firmas a las de unos 3.500 profesionales del cine que han suscrito ya un manifiesto expresando su preocupación por el avance del millonario de extrema derecha Vincent Bolloré en el sector de la cultura en Francia.

Además de estos nombres, también se han añadido a la misiva el realizador griego Yorgos Lanthimos, el finlandés Aki Kaurismaki o el brasileño Walter Salles, según informó este viernes el medio especializado en cine Screen.

La carta, publicada en la antesala de la inauguración del Festival de Cannes en el diario Libération, con unas 600 firmas, ha ido sumando apoyos, en especial a raíz de la polémica que desató Maxime Saada, el presidente del Grupo Canal+ (que es el mayor financiador del cine francés y está controlado por Bolloré), al amenazar con dejar de trabajar con los firmantes.

El texto -que entre esos apoyos iniciales contaba con figuras como las actrices Juliette Binoche o Adèle Haenel- alertaba sobre una supuesta amenaza para la diversidad en el sector del cine.

Eso tras conocerse que, para 2028, este controvertido magnate -que controla también medios de comunicación y la editorial Louis Hachette Group/Lagardère, una de las más grandes del mundo- va a hacerse previsiblemente con el 100% de la cadena de cines UGC.

Tras las declaraciones de Saada, en el festival diversas figuras manifestaron su preocupación en las ruedas de prensa oficiales, como Jeanne Herry, directora de 'Garance', una de las cintas en competición por la Palma de Oro.

"Entiendo de dónde viene esta tribuna, nace del miedo, de la ansiedad. Está claro que cuando se oye hablar de listas negras y de amenazas, eso no hace más que alimentar esa ansiedad", manifestó la realizadora el lunes pasado, un día después de las amenazas del presidente de Canal+.

En las salas de proyección de Cannes también se ha crispado el ambiente y al aparecer en los créditos el logotipo de Canal+ ha sido habitual escuchar abucheos.

Javier Ambrossi y Javier Calvo, los Javis, quisieron reivindicar este viernes en Cannes la identidad sexual de Federico García Lorca. "Nunca se ha hablado de su sexualidad" y "negarle, estudiarle sin esos sentimientos, ha sido homofobia".

"Hay que reivindicarle en su totalidad, en su identidad política, en a quien amaba", afirmó Calvo, que recordó que "cuando se publicaron por primera vez 'Los sonetos oscuros', que son unos sonetos de amor gay de lo más bello que se puede leer, se eliminó la palabra oscuro. Nosotros estamos aquí para traer a la luz esa oscuridad".

Eso es lo que buscan con 'La bola negra', la película que presentaron este jueves en la competición de Cannes, donde ha tenido una espectacular recepción, tanto que muchos medios la sitúan entre los títulos que se llevarán premio de esta 79 edición del festival.

'La bola negra' parte de la obra homónima inacabada de Lorca para realizar un retrato de la homosexualidad en tres épocas diferentes: 1932, 1935 y 2017.

"La comunidad LGTBIQ+ necesita referentes", afirmó Ambrossi. "Si ocultas esa parte de su sexualidad, nos está robando un referente, para mí hubiera tenido una importancia muchísimo más grande" si hubiera conocido bien esa parte de su vida, agregó el director.

Es como cuando a un gay le dicen que puede ser libre en su casa pero sin mostrarlo fuera. Lo que están diciendo en realidad es que les "da asco".

Por eso, la película también trata de la imposibilidad de tomar decisiones. Para los personajes del filme "no es una posibilidad decidir", apuntó Ambrossi.

En 1932, Carlos (Milfo Quiles) es un joven que no puede vivir abiertamente su homosexualidad, es la historia reconstruida de la obra inacabada de Lorca; en 1936, Sebastián (Guitarricadelafuente) es un soldado fascista que sufre el mismo problema y en 2017, Alberto (un destacado Carlos González) es un historiador a la búsqueda de su historia. Los tres se ven forzados a tomar decisiones con las que no están de acuerdo.

Por eso ellos querían hacer una película sobre derechos universales, que fuera "expresiva, enorme, poética, salvaje", con "tres personajes gais en el centro, interpretados por tres actores gais y dos directores gais".

"Es también sobre todas las veces que nos han negado", apuntó Calvo, mientras Ambrossi señalaba que es una película hecha para los jóvenes, para que entiendan mejor lo que ha ocurrido a lo largo de la historia.

Porque hay ahora una juventud "que siente nostalgia que en realidad es ignorancia". "Los pensamientos radicales no llevan a ninguna parte", dijo Ambrossi, que expresó su confianza en que la película "sea una ventana de empatía para ver al ser humano como lo que es".

Al respecto, Penélope Cruz, que tiene un pequeño papel en el filme, aseguró que siempre tiene una "reacción muy fuerte" cuando ve algo que le parece injusto. "Cuando veo a gente luchando por derechos que no deberían haber sido nunca cuestionados, me provoca una gran reacción que tengo que poner en alguna parte", y lo hace a través de su trabajo.

"He tenido la suerte de trabajar en siete películas con Almodóvar, que ha hecho tanto en este tema. Ha sido mi maestro de muchas maneras. Recuerdo cuando le conocí, que me pregunté: '¿por qué no es nuestro presidente?' Es una gran referencia para los jóvenes", explicó.

Y también explicó cómo su personaje en 'La bola negra', que es una cupletista, representa la libertad frente a la imposibilidad de los protagonistas, que no pueden expresarse sin ser odiados, juzgados o asesinados.

Una película de cuyo rodaje todo el equipo guarda un gran recuerdo.

Para González fue una gran experiencia "sentirse dirigido por ellos dos, con esas cabezas y ese corazón tan grande", mientras que el músico Guitarricadelafuente se mostró encantado con su primea experiencia como actor: "Hacerlo de esta manera y junto a vosotros ha sido un regalo caído del cielo".

Y Miguel Bernardeau deseó que "todo actor y actriz" pueda trabajar alguna vez con los Javis,

En la víspera de que se anuncie el palmarés de Cannes, Ambrossi reconoció que prefiere no enterarse de la repercusión del filme o de las reacciones, algo que consigue porque ni siquiera tiene redes sociales. "Me quedo con la sensación que tuve ayer, que la película llega, que transmite lo que quiere contar", dijo sobre la proyección en la sesión de gala, que se cerró con más de 15 minutos de aplausos.

Esta ovación se convierte en la segunda más larga de la historia del festival solo por detrás de la que recibió en 2006 'El laberinto del fauno', la cinta de Guillermo del Toro, que tuvo al público en pie y aplaudiendo 22 minutos, según Deadline.

En su día a nadie le gustó demasiado Pret-a-porter de Robert Altman. En comparación a otras películas corales que había firmado el director estadounidense (Nashville sobre la industria de la música folk, El juego de Hollywood sobre la industria del cine), esta inmersión en el mundo de la moda parecía un poco superficial. Aun cuando, vista hoy, no deje de contar con secuencias valiosas. Julia Roberts y Tim Robbins redescubriéndose como amantes una vez que, tras pasar días en una habitación de hotel desnudos o únicamente ataviados con un albornoz, se visten arrebatadoramente para salir a la calle. O toda la parte final, en la Semana de la Moda de París.

Es cuando la diseñadora Simone Lo (Anouk Aimée), como protesta a la traicionera venta de su sello, se marca una performance de antología poniendo a desfilar a todas sus modelos completamente desnudas. Desatando una hilarante reacción en la periodista que interpreta Kim Basinger y retransmite el evento: “¿De qué demonios estoy hablando?, ¿qué está pasando en este planeta?, ¿es esto moda?, ¿qué es todo esto?”, se derrumba tras unos breves momentos en que ha intentado racionalizar artísticamente el circo de la pasarela. Pese a todo, una crítica habitual a Pret-a-porter fue que el mundo de la moda era tan chiflado que Altman se había quedado corto.

Desde luego parece difícil de satirizar sin una abierta absurdez —caso de Zoolander en 2001, habitualmente considerada la mejor película que ha tocado el tema—, si se opta por un enfoque más intelectual. Hace poco tuvo lugar la Met Gala de 2026 y su código de vestimenta era “Fashion is art”. “La moda es arte”. Una indicación lo bastante ambigua como para que fluyera la misma extravagancia de cada año, apenas mesurada por ese tibio intento de recabar dignidad. El mundo de la moda es tan autoconsciente que absorbe cualquier crítica. Ni cuando reclama algo de seriedad —como se supone que habría hecho la Met Gala este año— parece hacerlo realmente en serio. 

Y sin embargo, que este evento se haya celebrado entre medias de los estrenos de El diablo viste de Prada 2 y Couture (Alta costura) permite expandir los apuntes que Altman, mejor que peor, lanzó en los años 90. Planteando la moda desde un difícil equilibrio entre el vacío y la identidad, siempre amenazado por una maquinaria corporativa presta a banalizarlo todo.

Otro motivo para reivindicar Pret-a-porter estriba en su ambición aglutinante: analizar el mundo de la moda desde diversas capas y gremios, en lugar de ceñirse a un único punto de vista. Es lo que habría hecho el díptico de El diablo viste de Prada en cuanto al periodismo de moda como parte intrínseca de esta maquinaria, amparándose en una tradición que supera con mucho a Altman y la burla que entonces realizara de Vogue, Elle y Harper’s Bazaar. La icónica Miranda Priestly de Meryl Streep se refleja entonces en Anna Wintour como jefaza histórica de Vogue, claro, pero también en Maggie Prescott, que interpretaba Kay Thompson en el musical de los 50 Funny Face.

Maggie Prescott, como Miranda Priestly, era una prescriptora estética. La primera al frente de Quality, la segunda al frente de Runway: dos mujeres temibles que configuran desde su cabecera las sensibilidades de toda una sociedad. El número introductorio de Funny Face no necesita entonces que aparezcan los protagonistas (Audrey Hepburn y Fred Astaire) para ser preventivamente icónico, representando con su Think pink (“Piensa en rosa”) el poder de Prescott: ha decidido que ahora se lleva el rosa. Lo que nos lleva directamente a la escena más famosa de El diablo viste de Prada, en tanto a la lección que le da Streep al escéptico personaje de Anne Hathaway: por mucho que asegure estar al margen de la moda, lleva ese jersey azul cerúleo por una razón.

Estos elementos no implican, por otra parte, que Funny Face y El diablo viste de Prada puedan en sí mismas trazar una coartada legitimadora de la moda como arte. A la larga, son películas de atractivo tan inmediato y estrambótico como cualquier foto que llegue de la Met Gala: su profundidad es escasa, y no dejan de asumir la moda dentro de una arbitraria torre de marfil. Una carencia que por cierto ha exacerbado la secuela de El diablo viste de Prada recién llegada a cines, al probar a alinear su retrato de la moda con un vistazo al declive de la prensa escrita. 

El diablo viste de Prada 2 defiende el periodismo tradicional frente a la digitalización y la precarización. Y difícilmente alguien estaría en desacuerdo con esa defensa: el problema es que lo hace sin plantear a quién se dirigiría dicho periodismo —una constante en estas películas sobre moda es su carácter de burbuja, el público destinatario convertido en una dócil abstracción—, y que la clave para salvarlo está en tejemanejes de millonarios. La moda solo puede sobrevivir, sostiene El diablo viste de Prada 2, si los mecenas se quedan con nosotros. Socios capitalistas que compren redacciones enteras porque, queremos pensar, todo esto les importa genuinamente.

Así pues, y volviendo a los lamentos de Basinger en Pret-a-porter, ¿es esto moda? ¿Es lo único que puede ser? ¿Un imaginario modulado únicamente por personas con mucho dinero y tiempo libre, visualizado a través de cuerpos normativos y diseños carísimos? Aceptando esa premisa, no deja de ser lógico que el cine haya acostumbrado a tratar la moda entre el cinismo de El diablo viste de Prada y el regodeo visual de Funny Face. Y justo por eso se antoja tan fresca Couture: una película muy seria y emocional, que ni siquiera tiene una fotografía con la que el vestuario luzca bien.

Couture (Alta costura) es la nueva película de la francesa Alice Winocour. Al igual que Pret-a-porter, Funny Face y El diablo viste de Prada, su acercamiento al tema que nos ocupa gira alrededor de la Semana de la Moda de París. A diferencia de esos títulos, sin embargo, lo hace con un afán de realismo exhaustivo. Winocour presume de haber podido rodar en el verdadero interior de una casa de moda, rodeándose de trabajadoras reales atendiendo a un interés central que ya rastreábamos en Proxima, su film previo. Este vendría a ser examinar el trabajo y la conciliación, por mucho que los oropeles del mundo que los enmarca nos puedan distraer.

Proxima tenía nada menos que a una astronauta de protagonista, Couture se centra en varias mujeres relacionadas de una forma u otra con esta Semana de la Moda. Es un film coral, de historias entrelazadas. Está Angelina Jolie como una directora de cine a la que le han encargado un fashion film para inaugurar el evento. También una maquilladora (Ella Rumpf) que sueña con ser una escritora como su ídola Marguerite Duras, una joven modelo ante la mayor oportunidad de su carrera (Anyier Anei) y una costurera que no sale del taller (Garance Marillier).

La prioridad que ostentan estas historias en el conjunto de Couture es bastante desigual. De hecho ahí tenemos el gran defecto del film de Winocour: hay una absoluta descompensación entre unas y otras. Las peripecias que acaparan el guion son las del personaje de Jolie, según el descubrimiento de que tiene cáncer de mama y la reevaluación que entonces debe hacer de su vida (recordando al drama que hace poco planteaba Isabel Coixet en Tres adioses). Lo de Jolie dispersa la atención y relega otras perspectivas más interesantes, quizá por propia injerencia de la estrella, o simplemente porque Winocour (que también tiene experiencia con el cáncer) así lo ha dispuesto.

Sea como sea, de Couture cabe lamentar su desequilibrio y un desarrollo argumental moroso, que parece no saber cuándo enfatizar emocionalmente algo o cuándo dejarlo correr. No es suficiente, por otro lado, para descartar sus méritos. Algo que sí logra Winocour holgadamente es llegar a las tripas de un mundo que parecía inseparable de la superficialidad, y lo logra desde dos instancias muy diferenciadas.

Por un lado, planteando que los significantes de la moda son omnipresentes en nuestra vida: que en efecto vestimos el azul cerúleo (o el rosa) por una razón, y no solo porque así lo haya prescrito una editora carismática. Lo hacemos porque lo necesitamos, porque nuestra identidad al dialogar dentro de una sociedad precisa un discurso estético, y Couture acierta a expresarlo desde ángulos tan variados como las rimas entre el manejo de Jolie de su enfermedad y el diseño del vestuario, o la pulsión de la maquilladora por, asimismo, “maquillar” lo que escribe para atisbar una verdad más profunda. Todo está conectado, y es lo que lleva al otro ángulo desde el que Couture puede prosperar pese a sus notables problemas: el mundo de la moda como un entrelazado de esfuerzos y apoyos. 

Couture enfatiza la sororidad, a través de varias mujeres que se apoyan entre sí y se ofrecen mutuamente una guía —una escena poderosamente bella nos muestra a Jolie ayudando por teléfono a su hija a orientarse por la ciudad—, reclamando que ahí está la clave por la que la moda, como mundo fundamentalmente feminizado, es tan relevante. Como ese cúmulo de experiencias generosas y abiertas, que cala en el mundo y nunca deja de comunicar. La moda, asegura Couture, no tiene que disfrazarse de arte para asegurar relevancia. Quién necesita arte si tenemos cultura.

"Es un cuento siniestro infantil, una historia de brujas modernas". Así presenta el cineasta argentino Cristian Bernard su nueva película, Bajo tus pies, un thriller psicológico que llega este viernes a los cines ambientado en un elegante e histórico edificio del centro de Bilbao, al que se muda una madre (Maribel Verdú) con sus dos hijos (Sofía Otero e Ibai Atanes). "Gente de bien": eso lo que, con esas palabras exactas, busca un casero que ofrece a cambio un alquiler sospechosamente asequible.

Es así como arranca esta trama, que propone una historia inquietante y de atmósfera opresiva en torno a una familia de tres atrapada en un nuevo hogar, en la que el espacio doméstico se va transformando poco a poco en territorio de amenaza. ¿El detonante? Los gritos nocturnos de tres vecinas ancianas, que se cuelan por los conductos de la calefacción hasta perturbar por completo la vida diaria de los nuevos inquilinos.

"No hay lugar de contención ni de protección. Desde sus inicios, el ser humano necesitaba la cueva para protegerse de los rayos, de la lluvia, de las tempestades. Y acá las tempestades están abajo, y el mal te habla a través de los conductos de calefacción", apunta a infoLibre Bernard, quien se ha inspirado en lo padecido por su propia familia en una situación que les "perturbó absolutamente" cuando él era niño: "Yo escuchaba los gritos a través de los conductos de la calefacción, que funcionaban casi como parlantes".

Estos aullidos nocturnos van poco a poco minando la moral y la salud del trío, principalmente de la madre, que paulatinamente se degrada psicológica y espiritualmente. "Es que dormir poco o mal te condiciona todo el día", señala a infoLibre Otero —que es, inciso, la persona más joven en ganar el Oso de Plata a la mejor interpretación protagonista en la Berlinale, en 2023 y con tan solo nueve años, por 20.000 especies de abejas—, mientras Verdú alerta de los peligros de que "te roben el sueño" hasta el punto de sentirte agredida en tu propio hogar.

"Hasta el punto de que realmente sea tu máxima pesadilla ese lugar donde te tienes que sentir protegida, a gusto, que te tiene que abrazar cuando llegas después del trabajo o de lo que sea y dices: 'guau, ya llego a mi lugar seguro, a mi casa'. Estas pelis siempre son en casas, o en hoteles, que es donde realmente te sientes segura, por eso son las que más miedo dan", plantea Verdú, y diferencia entre los casos en los que esa pesadilla "convive contigo" y en los que está, como en esta cinta, "en los vecinos de alrededor".

Y continúa relatando a infoLibre: "¡Cuantísima gente tiene tan mala suerte con los vecinos que le han tocado! Yo viví una historia hace años también con unos vecinos, con esa gente que convive en una comunidad y en sociedad, pero debería vivir sola en la selva, porque no tienen la educación, ni la ética, ni nada, para saber que cuando convives con otros tienes que tener unas bases, unos principios y un saber estar que muy poca gente tiene".

Porque todos tenemos o hemos tenido vecinos que nos han sacado de quicio. Quizás incluso nosotros hayamos interpretado ese papel para disgusto del resto, en alguna ocasión, pero desde luego no (esperemos) para llegar a los extremos de esta madre, que "va perdiendo la cabeza" hasta el punto de que se terminan invirtiendo los roles y son sus hijos los que tienen que dar un paso al frente para intentar que vuelva a ser la de siempre.

Es ahí donde se cruzan las dos películas que conviven en Bajo tus pies, tal y como explica el director: "Está la película de terror más cercana a Polanski, que trabaja la descomposición psicológica del personaje, y, al mismo tiempo, el cuento infantil que se ve sobre todo en el último acto, casi de Spielberg". Los pequeños se convierten así en los héroes, en definitiva, de manera que esta historia transita con naturalidad, por qué no, de El resplandor a Los Goonies. "Es que los niños no tienen miedo porque todavía no les han pasado las suficientes cosas. Los niños nunca tienen frío en el mar ni en las piscinas, y pasa lo mismo en la vida", apostilla divertida Verdú.

Defiende en este punto Bernard la labor social del cine de terror, al llevar al espectador a experimentar una "catarsis" en la que "la gente, de alguna manera, descarga" el peso de la vida diaria con estas historias de "la luz contra la oscuridad". Eso sí, tras asegurar que esta es "una película de las de antes, de las que ya no se hacen", da una clave para comprender el alcance que puede llegar a tener este género más allá del efectismo de los sustos, que en esta cinta escasean: "Lo más aterrador de una película de terror es cuando ves a la gente feliz, cuando todavía no se enfrentaron al monstruo, pero vos sabés que va a venir por toda esa felicidad".

Llegados a este punto, confiesa Verdú, para terminar, que no es nada seguidora de este género porque "hay tantas cosas que te dan miedo en el cine, que sabes que existen y ya bastante te asustan en la vida real, como para, encima, ver pelis de miedo". "Después de 42 años de hacer películas, esta es la primera vez que hago una de miedo y lo volvería a hacer. Pero a mí no me lleves a ver pelis de miedo", destaca, ante la atenta mirada de Otero, que no duda en rematar sonriente: "Pues a mí me gustan un montón".

El resplandor, La semilla del diablo o La leyenda de la casa del infierno. Estos clásicos del cine cita el cineasta Miguel Ángel Lamata cuando habla de su nueva película, La ahorcada, un thriller sobrenatural protagonizado por Amaia Salamanca y Eduardo Noriega, que es a su vez una historia de amor tóxico, obsesivo y hasta letalmente destructivo, narrada en clave de terror psicológico y basada en la novela del mismo título de Mayte Navales (que ejerce aquí como guionista).

Una montaña rusa de emociones, giros argumentales y no pocas prospecciones en lo más profundo de la condición humana, pero no un "festival de sustos", tal y como aclara a infoLibre el director, pues más allá de eso, el cine de terror ayuda a "explorar" muchos sentimientos desde una perspectiva diferente, sin olvidar que "hay algo intrínsecamente divertido" en el género: "El miedo en la vida real no mola absolutamente nada, pero en la ficción es muy divertido".

"El susto tiene que ser parte de una peli de terror. Pero el susto por sí solo sería algo vacío y dejaría de tener interés", tercia Noriega, para quien lo importante en este film es que crea una "atmósfera" en la que el espectador se "sugestiona". "Es un desafío a la percepción de la realidad, porque al final estamos hablando del alma humana y de cómo un amor tóxico puede convertirse en algo muy destructivo", plantea el actor a infoLibre.

Lo que vemos en la pantalla, en mayor o menor medida, nos interpela a todos como humanos, pues retrata "miedos internos, no solo externos", según Noriega, mientras Lamata considera que "el miedo te define como individuo y nos define como sociedad". "Muchas veces es miedo a algo que no tiene por qué suceder. La sociedad está muy anclada en la ansiedad, nos dicen que pueden pasar un montón de cosas horribles que con frecuencia no suceden y, a veces, el cine de terror te vacuna un poco contra esto", reflexiona.

Vuelve a tomar la palabra Noriega para asegurar que el terror es un vehículo "fabuloso" para hablar de otros asuntos más terrenales y humanos que nos atañen a todos", mientras Salamanca asiente y añade a infoLibre que, en películas como La ahorcada, el valor de este género se engrandece al abordar "sentimientos universales" con los que se puede identificar cualquiera.

"El miedo te prepara, es un aliado del ser humano, es lo que hace que estés más alerta, que te prepares para enfrentarte a un peligro. Y como ahora no hay tantos peligros como otros tiempos pasados del ser humano, porque no todos los días tenemos miedo, el cine aparta algo en el acto de meterse en una sala y disfrutar de ese miedo", reflexiona el intérprete, al tiempo que apunta que esta cinta, más que el terror a perder la vida, muestra lo que se siente al "perder el amor o la vida soñada que los protagonistas se han construido".

Es ahí donde, precisamente, entra en acción la energía destructiva del amor tóxico, que según Salamanca comienza en realidad "con ese sentimiento universal del amor recíproco y esa obsesión que tienes cuando alguien no te lo devuelve". "Entonces, el enamoramiento acaba en venganza", resalta, antes de que Lamata apostille que es en ese enturbiamiento del amor cuando "el orgullo provoca un mecanismo de autodefensa que hace que no solamente odies a la persona que te rechaza, sino, a lo mejor, a ti mismo por haberte enamorado de ella". "En La ahorcada hablamos de ese modelo de relación, examinado a través del prisma de las claves del género del terror", resume.

Una de esas claves se encuentra también en la propia casa, convertida casi en un personaje más por su poder evocador y onírico en la creación de una ambientación tan desasosegante como necesaria para desarrollar todo lo anterior. "Es que las películas de casas encantadas, o directamente malditas, son mis favoritas dentro de los diferentes subgéneros del terror", confiesa el director. 

"La presencia de la casa ahí como eje energético de cosas inesperadas es muy inquietante", continúa, citando al "gran maestro Stephen King" cuando dice que "las casas están vivas", porque "si escuchas con atención puedes oírlas respirar, susurrar". "Una casa encantada es una puerta a otras áreas no estrictamente reales que va a tener sus posesiones, presencias y fenómenos psicológicos", agrega, antes de admitir entre risas que le encantaría vivir en un lugar así: "He vivido en una un poco encantada, pero solo un poco".

Es en este punto por donde se cuelan esas fuerzas sobrenaturales "que supuestamente no tienen una forma física, pero no por ello son menos reales o temibles", lanza el cineasta, para quien "lo que nos causa más miedo es precisamente lo que define lo que somos". "Tuve que hablar bastante con Lamata, porque él sí es muy creyente en este tipo de cosas, pero yo en absoluto", admite una Salamanca totalmente alejada de su personaje, tan "esotérico" y "espiritual". 

Y entra entonces Noriega: "La primera vez que me enfrenté a una peli de fantasmas fue con El espinazo del diablo, de Guillermo del Toro. Él no es que creyera, es que me contaba cómo vio a un fantasma... Pero lo que sí me convenció fue la definición que me dio de lo que era un fantasma: una emoción atrapada en el tiempo o en un lugar. Por eso, si entras en un sitio donde ha habido mucho dolor, lo puedes sentir, esa energía sigue ahí. Y, sin que nadie te cuente nada, puedes percibir algo extraño que a lo mejor no identificas, ni eres capaz de descifrar. También creo que hay gente con una capacidad, con una intuición, más dotada para descifrar este tipo de energías".

Ese tipo de personas, no siempre, pero sí recurrentemente y, en este caso, a través de una estupenda Cosette Silguero, suelen ser niños o niñas. "Porque no están maleados y son bastante puros y se enfrentan a lo bueno y lo malo con cierta clarividencia al no estar todavía enturbiados por esto de vivir", afirma Lamata, quien tiene clarísima su aportación al género: "Una película de terror con niños es mejor que una sin niños".

"Los niños están más libres y están más abiertos a percibirlo. La gente que controla de esto, o los médiums, te dicen que de niños todos tenemos unas capacidades que vamos perdiendo a medida que nos vamos haciendo adultos, tenemos otras responsabilidades y buscamos causas racionales a todo lo que nos sucede", indica Noriega, dejando que Salamanca remate: "De ahí la conexión que en la película tengo con la hija pequeña, que es la llave para que yo pueda acceder a la casa".

Cuenta Manuel Vicent que lo que más odia en el mundo es la tuna y, después, Auschwitz. Lo tercero sería la tuna tocando en Auschwitz, lo cual, en un giro inesperado de los acontecimientos, le lleva a comparar semejante atrocidad con La Madrugá de la Semana Santa en Sevilla. Con esta reflexión arranca Mañana seré feliz, la película-conversación protagonizada por el escritor y periodista, bajo dirección de los cineastas Luis Alegre y David Trueba, que acaba de llegar a los cines y este 23 de abril se estrena en Movistar Plus+.

Una peculiar cinta que, siguiendo a su manera la estructura de La silla de Fernando (2006), que era básicamente una charla con Fernando Fernán Gómez igualmente guiada por estos dos directores, se centra en las reflexiones de Vicent sobre su propia vida como vehículo para contarnos a nosotros mismos como país a lo largo de los últimos 90 años. Desde el clima moral de su infancia de posguerra hasta las tertulias del Café Gijón, pasando por el amor, la pareja, los hijos, la amistad, el sexo, la religión, los curas, el éxito, el fracaso, el paso del tiempo, la vejez, la muerte o los misterios de la naturaleza humana.

Así es como cuenta también, entre otras muchas cosas, que en su juventud llegó a convencerse de que cada vez que se masturbaba en día de partido terminaba perdiendo el Valencia de sus amores (y como eso lo escribió en su popular novela Tranvía a la Malvarrosa, de 1994, los aficionados del club con los que se cruzaba terminaron pidiéndole que no se tocara a sí mismo si había jornada futbolera). Puede parecer una anécdota banal, pero marca el tono con el que Vicent mira atrás sin ira, ahora que todavía, no sin esfuerzos cada vez mayores, puede ponerse sus propios calcetines (cuando no pueda hacer solo este ejercicio cotidiano, confiesa, adiós).

Mañana seré feliz nace de la fascinación que a los directores les producía y les produce estar con el escritor y periodista, compartiendo "muchas horas de conversación en comidas, cenas y reuniones", tal y como resume a infoLibre Alegre: "Nos quedábamos tan deslumbrados por cómo hablaba, cómo se contaba a sí mismo y las cosas de la vida,que llegó un momento en que nos preguntamos si podríamos inmortalizar eso de alguna manera para que cualquiera que no sea su amigo, en cualquier momento, pueda disfrutarlo. El origen de esta película está en la necesidad de compartir con todo el mundo algo de lo que nos sentíamos completamente privilegiados".

Por eso es una "película-conversación", insiste el realizador, pues no es un documental al uso al no haber testimonios de otros ni seguir una estructura convencional del género. "No nos atrevemos a llamarlo documental, por eso nos inventamos este mini género donde fundamentalmente se retrata la magia de una persona súper dotada para la conversación y que tiene una manera de ver y de contar la vida muy seductora, llena de encanto, de sabiduría, de gracia y de lucidez. Nos enamora y embruja su manera de hablar, las cosas que cuenta y el tono y el estilo con el que lo hace", destaca.

El hilo conductor de Mañana seré feliz es Manuel Vicent sentado en una silla. Esa imagen se arropa y se enriquece con una banda sonora original—música de jazz compuesta por el ilustre pianista Ignasi Terraza— y con una selección de imágenes, incluidas fotografías del archivo personal del autor, fragmentos del NO-DO, películas y programas de televisión. Es casi como poner la cámara a grabar y dejar que Manuel Vicent fluya con total naturalidad, como fluimos todos en la intimidad. Solo que, en su caso, lo hace desde la perspectiva de alguien que ha exprimido la vida desde 1936 hasta el día de hoy. Y ya vamos por 2026.

"Este tipo de películas son mejores cuanta más edad tiene el protagonista, siempre que mantenga la lucidez. Porque cuanto mayor se hace alguien, sobre todo con esa inteligencia y sabiduría, menos filtros le quedan. Esto lo hicimos con Fernán Gómez con 80 y tantos y con Manuel con cerca de 90, y creo que si lo hubiéramos hecho en ambos casos 20 años antes no hubiera sido lo mismo, no tendría tanta fuerza lo que dicen, porque a esta edad están en paz consigo mismos y cuentan lo que de verdad tienen en la cabeza".

Partiendo de sus propias vivencias, nos cuenta el periodista y escritor a nosotros mismos. A todos. Se convierte así en un vehículo de memoria emocional colectiva que propicia que nos sintamos reconocidos en multitud de vivencias. "Depende de la edad de cada cual, puedes reconocer a la España de tus padres o tus abuelos", resume Alegre, quien todavía añade algo más concreto: "Cuando cuenta su infancia o la relación con sus padres, por ejemplo, dibuja ese clima moral y afectivo donde era tan complicado expresar los sentimientos o dar un beso a un hijo. Eso marcó a varias generaciones de españoles, las que vivieron la Guerra Civil y la posguerra, con ese marco religioso tan asfixiante". 

"También retrata de una manera maravillosa el carácter valenciano, o el mundo de las tertulias literarias, de la noche y del juego. Igual pasa con sus opiniones de temas como los toros, su manera de entender el amor, los sentimientos, la amistad, la relación con las mujeres, su idea de lo que se supone que es ser inmortal, de los síntomas de la vejez o lo que significa perder a un hijo. La película está llena de claves que retratan a las personas, a un país, a varias generaciones y distintos ambientes sociales y culturales. Él relata con mucho encanto y finura intelectual los enigmas de la condición humana. Y no lo hace de forma solemne, ni siquiera cuando habla de los grandes temas, lo cual le da mucha genialidad a lo que cuenta", apunta el director.

Y es que, en definitiva, Mañana seré feliz nos pone ante "alguien que sabe de lo que va la vida", resume Alegre. "Y no lo cuenta desde un lugar de superioridad intelectual o moral, sino desde una especie de transparencia, pero al mismo tiempo de profundidad, de dar en el clavo", apostilla. Un tipo que sabe que lo más importante en esta vida es tener swing, algo que se tiene o no se tiene, porque ni se compra ni se aprende. "Manuel es el colmo del swing. Una cosa que no es fácil de concretar, pero que se entiende. Una especie de elegancia natural que uno lleva incorporada, porque no hay nada de artificio ahí, ni de querer ser elegante, sino que está dentro de ti. Manuel tiene swing y, de hecho, le sobra", comenta divertido.

Hasta el título de esta cinta salió de modo natural, pues los directores barajaban varios que no terminaban de convencerles especialmente. "Pero un día le pedimos que se autorretratara, que se definiera a sí mismo, y llegó un momento en el que dijo 'siempre pienso que mañana seré feliz’. Una expresión tan potente, ambigua, poderosa y sugerente... porque claro, es la definición, por un lado, de esperanza y de ilusión, pero al mismo tiempo encubre un gran pesimismo, porque entiende que mañana será feliz, pero nunca hoy", explica Alegre, antes de rematar: "Nos parecía un título que retrata muy bien al propio Manuel".

Se convierte así este film en una reivindicación en sí misma de la conversación cara a cara como arte a defender en tiempos de intercambio constante de mensajes por escrito. Mucha conectividad, pero también demasiada soledad. "A David y a mí nos encanta conversar, nos encanta escuchar a gente que admiramos, esa manera de vivir a través de la palabra, de disfrutar intercambiando impresiones. Ahora, de alguna forma, el móvil y las redes sociales trituran o difuminan ese arte, y también hay en los medios de comunicación muchas tertulias, por supuesto no todas, de discusiones y gritos que son lo contrario a lo que nosotros admiramos, que tiene que ver más con el humor inteligente", termina.

“Volví a su habitación y me desnudé como lo haría una mujer al adentrarse en una pira. Cien manos de fantasmas me sostenían las piernas y la espalda, y evitaba que las dudas me aflojasen los miembros; todas las mujeres del mundo me contemplaban”. Todas las mujeres se titula justamente el último capítulo de La mala costumbre, novela que Alana S. Portero publicó a mediados de 2023 desde su convencimiento de las posibilidades expansivas de la autoficción. Estaba narrando su vida individual como mujer trans, desde luego, pero no existe tal cosa como una vida sin otras vidas dentro, y su historia era trascendida por toda una comunidad de sentimientos y lazos.

El poder de esta novela —la razón por la que resulta tan conmovedora— radica en su carácter de crisol, a partir del cual ni siquiera cabría erigir a Portero como portavoz de una identidad, un colectivo o lo que sea. Portero, según sus diversas particularidades, constituye una energía dinámica y dialéctica que comunica con muchas otras —generacionales, de género, de clase— para finalmente apuntalar una estética adaptable. Muchas otras mujeres obreras —en definitiva, todas las mujeres— encuentran un espacio en ella. Pueden reconocerse en ella, en La mala costumbre. Incluida una mujer intersexual, como es la que protagoniza Mi querida señorita.

Mi querida señorita es el primer guion de Portero para cines y lo declama como protagonista Elisabeth Martínez. A Martínez le pasó lo que a Adela: nació con rasgos sexuales biológicos que no encajaban con un cuerpo convencionalmente femenino o masculino. Sus circunstancias difieren, obvio, de la condición trans de Portero. Y aún así parece adecuado que sea Portero la principal voz creativa del film, acudiendo a actualizar una película de hace 54 años que fue un éxito en taquilla sin que por ello el término intersex llegara a ser interiorizado entonces por la población española. Sin que esa historia, la historia de Adela, pudiera aspirar a ser la de alguien más.

Los artífices de esta película —que llegará al catálogo de Netflix el 1 de mayo previo paso por cines desde el 17 de abril— aseguran que esa es la principal motivación tras el remake de Mi querida señorita: llamar a las cosas por su nombre. Concretar el vínculo de su personaje con el colectivo queer y hacerlo con una actriz propiamente intersex, luego de que en 1972 José Luis López Vázquez hubiera sido el intérprete de Adela. Y lo hubiera sido con temores comprensibles: Vázquez era una estrella de la comedia tardofranquista, y pensaba que al público se le iba a escapar la risa floja frente a su personaje. Al fin y al cabo, aparecía disfrazado de mujer. 

Los guionistas de Mi querida señorita eran Jaime de Armiñán (también encargado de dirigir) y José Luis Borau, poco antes de consagrarse ante la crítica con el estreno de Furtivos en 1975. Mi querida señorita planteaba los dilemas de una mujer de mediana edad a la que de pronto le aseguraban que siempre había sido un hombre. La descripción actual de este film dentro del catálogo de Netflix sostiene que el médico le revela que “es intersexual”, lo que es falso y únicamente se adecua a la inminente pertenencia a ese mismo catálogo del remake. El médico le dice a Adela que es un hombre, y Adela asume que ha de empezar a vivir como tal.

De ahí viene el conflicto del personaje y una bienintencionada reflexión sobre el carácter más allá de las asignaciones sociales, que pudo esquivar la censura franquista gracias a su falta de interés (o de conocimiento) en explicitar ciertas cuestiones. Y no solo la esquivó, sino que Mi querida señorita fue la película más taquillera en España durante su año, llegando incluso a ser nominada al Oscar a Mejor película de habla no inglesa. El premio se lo arrebató un compatriota, Luis Buñuel, tras haber producido en Francia El discreto encanto de la burguesía.

El legado de Mi querida señorita es complicado de cifrar. Sin duda existe un valor en la sensibilidad con la que narra la historia y este valor no precisa de detalles nominales o teóricos para calar: tal y como está configurado es suficiente para atender a la asimetría de géneros en la España de la época —las dificultades de Adela al intentar vivir como un hombre—, o desarrollar un poderoso romance (el de López Vázquez con Julieta Serrano) que desmantela cualquier binarismo. Al mismo tiempo es una película inmensamente tosca, de formas relamidas —la cursi banda sonora de Rafael Ferro, la ruidosa pulsión melodramática—, que fuerza a justificar su permanencia en la conversación contemporánea más por una cuestión de intenciones que de resultados.

Que se haya regresado a una película así —tan extravagante y solemne que ni siquiera encuentra afinidad con el camp o unas formas pre-almodovarianas— en 2026 obedece a una industria deseosa de releer iconos. Suma Content lleva haciendo algo parecido desde su fundación a manos de los Javis la década pasada. La huella de sus productores se deja notar en la voluntad de Mi querida señorita de explicar y contextualizar las oclusiones de la versión de los 70, y de hacerlo con un talante pop. Tan melodramático, a su modo, como el de Armiñán, aunque este sea reemplazado por un artífice de taquillazos patrios y fenómenos adolescentes estilo Tres metros sobre el cielo.

Nos referimos a Fernando González Molina, el director. Y aún así no hay que engañarse. Si hay una voz creativa central en esta nueva versión de Mi querida señorita —mucho más que la de Borau o Armiñán y mucho más que la entonada por la escuela de los Javis— esta es la de Portero. La autora de La mala costumbre se ha adueñado de Mi querida señorita, y con tal fiereza como para que las virtudes y defectos del film sean prácticamente de su responsabilidad exclusiva.

La película producida por Netflix realiza un par de guiños a la original setentera. La visualización de la traumática huida de Adela a Madrid, un par de planos donde aparece atusándose distraída un bigote remitente a López Vázquez. En ese sentido no despacha su parentesco como una mera propiedad intelectual y la estructura narrativa es en buena parte la misma, manteniendo personajes centrales como el pretendiente de Adela (de Antonio Ferrandis a Eneko Sagardoy) o la chica cuyo amor sobrevive a la traumática revelación del médico (de Julieta Serrano a Anna Castillo).

Es a fin de cuentas un remake puro y duro. Y lo es en una medida oportuna y trabajada desde el mero ejercicio divulgativo, que resulta ejemplar. La odisea de esta nueva Adela, que trabaja como catequista y dependiente de una tienda de antigüedades en Pamplona, está enfocada desde una mirada tan tierna y comprensiva como la quisiera plantear originalmente Armiñán, sin que desentonen las explicaciones extra alrededor de la identidad de la protagonista. Siendo evidentemente una adecuación a la época y un trasvase de significados, la propuesta está ejecutada con cuidado y empatía, seguramente desde una documentación muy asesorada. 

Sin embargo Mi querida señorita no es la misma película que la de 1972, y esta diferencia no se fundamenta únicamente en la aclaración de su personaje como sujeto intersexual. Pues este personaje está rodeado de otras circunstancias clave: una ambientación temporal —finales de los 90, a caballo del norte y el centro de España—, la presencia de la religión católica —entre la fe de Adela y su apoyo en el cura gay que interpreta Paco León— y sobre todo la progresiva edificación de una comunidad, con la que Adela se topa al llegar a la capital. Otros sujetos queer, algunos tan confusos como el de ella, en cuya compañía se reconoce y se funde. 

Este planteamiento, naturalmente, recuerda mucho al de La mala costumbre y al propio recorrido vital de Portero —que llega a hacer un cameo en una escena de la película—, confirmando a Mi querida señorita más como una expansión de los postulados de su novela que como una revisión contemporánea de un ¿olvidado? film de los 70. Lo que, en la medida que Portero escribe diálogos como escribió situaciones y arcos en su libro, depara varios problemas. Mi querida señorita transcurre entre personajes que, con las emociones a flor de piel, ansían compartir reflexiones y enseñanzas como taglines que no solo iluminen a Adela, sino a todo el futuro del colectivo queer.

Se trata de una metralla emocional que llega a extremos ridículos y estomagantes, y que en su reiteración —a la que no ayuda nada las formas asépticas del estándar Netflix— llega a enfangar el desarrollo narrativo del film. En otras ocasiones, sin embargo, la visceralidad de Portero y las interpretaciones de todo el elenco logran imponerse a estos histrionismos, y se abraza una verdad emocional que resuena y eleva a Mi querida señorita por encima del precedente setentero. 

No demasiado, claro. Hablamos de buenas intenciones, aciertos dispersos, que al final no han terminado de modular ninguna versión realmente memorable de la historia de Adela. Sí han pulido, a cambio, un imaginario que por suerte va haciéndose más y más grande. Donde caben todas las mujeres, todos los cuerpos, todas las personas que solo se entienden junto a otras personas.

Roma celebrará del 6 al 10 de mayo la 19º edición de 'La Nueva Ola - Festival de Cine Español y Latinoamericano', según informó este martes la Embajada de España en Italia en un comunicado.

El certamen, definido por sus directores como una "cita de referencia" para el cine iberoamericano en el país, tendrá su sede central en el Cinema Barberini de la capital italiana.

La inauguración correrá a cargo de la cinta Sorda (2026), ópera prima de la directora española Eva Libertad, calificada por la organización como la "revelación" del año tras su éxito en los Premios Goya.

Entre los títulos españoles destacados en la programación figuran Maspalomas (2025) de José Mari Goenaga y Aitor Arregi, y La Casa (2024), de Álex Montoya.

En el apartado latinoamericano, participan la argentina Las Corrientes (2025), de Milagros Mumenthaler; la chilena Cuerpo celeste (2025), de Nayra Ilic; la boliviana La hija cóndor (2025), de Álvaro Olmos Torrico, y la mexicana La reserva (2024), de Pablo Pérez Lombardini.

También se presentará la coproducción italo-venezolana Pasta negra (2025), de Jorge Thielen Armand, y el documental peruano Runa simi (2025), de Augusto Zegarra.

Uno de los eventos centrales será el encuentro con el cineasta español Julio Medem para conmemorar el 25º aniversario de su película Lucía y el sexo (2001).

Asimismo, el certamen rendirá homenaje a la trayectoria del argentino Pino Solanas y recordará la cinta de terror del director español Narciso Ibáñez Serrador ¿Quién puede matar a un niño? (1976), con motivo de su 50 aniversario.

La muestra cuenta con el respaldo del Ministerio de Asuntos Exteriores de España, a través de la Embajada y el Instituto Cervantes, y tiene previstas proyecciones en Génova (norte), Nápoles y Messina (sur) durante los próximos meses.

Sorda logró este martes el Premio del Público LUX 2026 que otorga anualmente el Parlamento Europeo en reconocimiento a filmes que fomenten el debate sobre cuestiones sociales que reflejan los valores comunes europeos.

Se trata de la primera vez que una película española se lleva este premio que desde 2007 concede el Parlamento Europeo junto a la Academia del Cine Europeo y en colaboración con la Comisión Europea y la red Europa Cinemas.

Sorda se ha alzado con el premio gracias a los votos de los 719 eurodiputados y de los ciudadanos europeos que se pronunciaron en la página web del premio, al que también optaban Valor Sentimental (Joachim Trier), Love Me Tender (Anna Cazenave Cambet), Un simple accidente (Jafar Panahi) y Christy (Brendan Canty).

Sorda, que se estrenó en España el 4 de abril de 2025, cuenta la historia de Ángela (Miriam Garlo), una mujer sorda que va a tener un bebé con Héctor, interpretado por Álvaro Cervantes. Durante el embarazo surgen dudas sobre cómo podrá comunicarse con su hija, cuya llegada genera una crisis en la pareja.

La película se hizo con el Goya a mejor dirección novel para Eva Libertad, el de mejor actor de reparto para Álvaro Cervantes y el de actriz revelación para Garlo, hermana de la directora y primera actriz sorda en lograr este galardón en España.

El filme también obtuvo la Biznaga de Oro a la mejor película española en el Festival de Cine de Málaga y, además, en su estreno mundial en el 75 Festival Internacional de Cine de Berlín recibió el Premio del Público de la sección Panorama y el premio independiente CICAE Art Cinema Award.

Esta edición del premio LUX es la primera en la que las cinco películas nominadas se han ofrecido con subtítulos adaptados para personas sordas o con dificultades auditivas, además de los ya habituales subtítulos en las 24 lenguas oficiales de la UE.

Es una anomalía en los tiempos que corren, pero todavía hay películas que, ajenas a las grandes campañas de marketing, encuentran su forma de supervivencia en el boca a boca. Pequeños milagros que se instalan en la conversación pública a pesar de no contar con una potente distribución comercial y que encuentran su hueco entre los espectadores porque rebosan verdad, generan debate y nos ponen como sociedad ante el espejo. Cintas que marcan sus propios tiempos con cada valiosa conquista y que se mantienen en los cines en una carrera de fondo a la que no le importan tanto las cifras de taquilla como las conciencias removidas.

Todo eso lo lleva dentro La invasión de los bárbaros, producción valenciana que aborda la memoria histórica con una mirada directa, realista y cruda, sin concesiones, ni artificios, pero sí con honestidad y compromiso. Así, haciendo ruido pase a pase, acaba de llegar a la cartelera madrileña después de su estreno (en versión original) el pasado noviembre en salas del País Valenciano y Cataluña, donde acumula más de 40.000 espectadores (a los que hay que sumar los que la han visto en centros culturales, institutos o auditorios públicos).

"Esta película motiva a la gente a hablar y contar sus experiencias, por eso las salas, a las que agradezco que hagan el esfuerzo de intentar colocarla una vez que han visto que funciona, la están manteniendo", apunta a infoLibre su director, Vicent Monsonís. Aunque añade: "Todavía hay mucha gente que no se ha enterado de su existencia porque nos falta promoción. Como siempre digo, la película es un estreno para la persona que la ve por primera vez, así que hay todavía muchos estrenos pendientes por hacer de La invasión de los bárbaros".

Monsonís explica: "Todas las distribuidoras nos dijeron que no iba a gustar al público por ser una temática que se había tocado mucho, que la gente estaba cansada de ver películas sobre memoria histórica, sobre la guerra. Nos dijeron que las películas polémicas no gustan. Cuando conseguimos estrenarla nos dimos cuenta de que ocurría exactamente lo contrario. Es cierto que hay muchas películas que han tocado el tema, pero de una manera tangencial. La nuestra trata la memoria histórica de manera directa, cruda, descarnada, absolutamente abierta, sin complejos. Por eso, se ha convertido en un fenómeno, porque todo el mundo se siente interpelado por ella. Y lo curioso es que no solamente los que están a favor de la memoria, sino también los que están en contra, notan que esta película les habla. Además, está de plena vigencia porque trata el tema desde un punto de vista actual".

La trama de este film —adaptación de la obra teatral del mismo título estrenada en 2020 por Chema Cardeña— nos sitúa en Valencia en 1939. Allí conocemos a Esperanza, conservadora de arte y responsable (además de miliciana republicana) de las obras del Museo del Prado trasladadas a la ciudad durante la guerra para protegerlas de los bombardeos fascistas. Acabada la guerra, es detenida e interrogada por un teniente franquista sobre un cuadro de la colección de la pinacoteca que no aparece: La invasión de los bárbaros. Ochenta años después, Aurora intenta obtener permiso para abrir una fosa del franquismo, pero tropieza con la oposición de un alcalde conservador que no quiere abrir viejas heridas.

Es por eso que la historia que vemos en la pantalla indigna y conmueve a la vez. Porque "las heridas abiertas entonces siguen abiertas hoy en día", destaca Monsonís, que ha contado con la ayuda de integrantes de colectivos memorialistas durante todo el proceso: "Ellos se sienten muy identificados con lo que cuenta la película porque estas entrevistas con alcaldes que les niegan la posibilidad de recuperar los restos son reales. Lo alucinante es que mucha de esta gente podría reclamar no solamente la reparación por sus familiares asesinados impunemente, sino también una reparación económica y patrimonial, porque a muchos de ellos no solamente les mataron al abuelo, sino que les robaron la casa, las tierras, los negocios. Pero no están en eso. Ellos ya hicieron el esfuerzo de reconciliarse y, al menos, aspiran a recuperar la memoria y la dignidad, para que su familiar asesinado no sea visto como un delincuente solo por haber defendido a la República".  

"¿Cómo puede ser que hoy en día haya gobiernos que todavía estén negando a las víctimas de la represión y de la guerra esa reparación?", se pregunta el director, antes de responderse a sí mismo recalcando que es debido a que "el fascismo sigue vivo, no murió con Franco, sino que se adaptó y tuteló el cambio de estructura del Estado, y ha estado tutelándolo desde la sombra hasta que ha empezado a escaparse por las costuras". Precisamente por eso, la película es un "acto de resistencia antifascista".

De hecho, cuando en algún coloquio alguien comenta que esta es una película "de buenos y malos", Monsonís responde que en realidad es no ya de progresistas y conservadores, sino "de demócratas y fascistas". "Porque dentro de la democracia cabemos las derechas y las izquierdas, cabe el debate y votar para ver qué quiere la mayoría, pero lo que no cabe es el fascismo. Por eso, esta es una película que habla de democracia y de fascismo, que se posiciona abiertamente en contra de esa deriva autoritaria e intenta que la gente se dé cuenta de que no es una opción ni ahora ni nunca", destaca.

Su llegada a los cines después de cinco años de trabajo no puede ser más oportuna, pues se ha estrenado en un momento de auge de la ultraderecha, otorgándole a su mensaje aún más fuerza si cabe. Así lo ve Monsonís al conceder que las circunstancias han hecho que la película se vea como un "símbolo de resistencia y lucha antifascista". "Estoy súper orgulloso de que sea así, ya que la cultura no puede ser neutral", remarca, y añade que ese boca a boca que está llevando tan lejos a esta cinta ha llegado también al sistema educativo, donde sin duda puede tener un recorrido kilométrico.

"Muchos profesores de secundaria veían la película y nos decían 'esto lo tienen que ver mis alumnos' porque, según ellos, en dos horas les estábamos ahorrando dos semanas de clases. Por eso, a través de las salas de cine comercial en Valencia, en Castellón, en Alicante y en más sitios hemos organizado matinales porque nos interesa que los estudiantes vean nuestra película como lo que es, una obra grande y profesional, no llevarla para pasarla en un proyector con un DVD. Queremos también que se den cuenta de que nosotros podemos y debemos hacer cine al mismo nivel que se hace en Europa, en América y en todas partes, y demostrar que nuestra cultura y que nuestra historia tiene la suficiente entidad para verse en pantalla grande", explica. Desde su estreno, más de 5.000 los estudiantes han podido ver La invasión de los bárbaros solo en la Comunidad Valenciana.

Esta es otra vía que el equipo de la película quiere transitar en el resto del Estado, para lo cual incluso ha elaborado un cuaderno didáctico con los contenidos de la cinta, gracias también a la financiación conseguida del Ministerio de Política Territorial y Memoria Democrática dentro de los actos y proyectos por los cincuenta años de democracia en España tras la muerte de Franco. "Pensamos que la película ayuda a mostrar el tema de la memoria, tanto en el presente como en el pasado, así como el de la represión franquista desde un punto de vista distinto a lo que se ha visto hasta ahora", apunta.

La película tiene otro objetivo importante que el director destaca: "Ser un homenaje a la generación de mis abuelos, la que luchó por la República y luego tuvo que sobrevivir durante la dictadura". Porque, mientras la obra teatral se centra en el expolio del patrimonio histórico, Monsonís vio la oportunidad de llevar a la gran pantalla un "fresco sobre la represión" que siguió al fin oficial de la guerra. 

"Me recordó a todas aquellas historias que me habían contado mis abuelos cuando era pequeño sobre el hambre y el miedo que pasaron, cómo su dinero de la noche a la mañana dejó de valer, cómo no podían confiar en los vecinos porque igual eran denunciantes, cómo hablar en valenciano en público les podía llevar a la cárcel", subraya. "Pensando sobre todo en mi abuela, quería homenajear con la película a esa generación de la que ella formaba parte, la que luchó por la democracia y creyó en la República. Creo que eso es lo que más valora la gente cuando la ve, ese intento de explicar las circunstancias que tuvo que vivir aquella generación en la inmediata posguerra, en qué se convirtió su vida a partir de los hechos cotidianos marcados por el miedo, la represión sanguinaria y la impunidad con que los vencedores hicieron y deshicieron", remata.

Es una realidad. En los últimos años, la asistencia al cine ha ido bajando paulatinamente mientras las plataformas de streaming ganan cuota de pantalla, lo que ha supuesto el cierre obligado de varias salas. Según el último informe de Comscore, una empresa que se dedica a medir las audiencias, en 2024 la asistencia ya había descendido un 5% con respecto al año anterior. Datos que no mejoraron en 2025, cuando la cifra volvió a caer un 8%. La asistencia a salas de cine en 2025 registró un total de 65 millones de espectadores, mientras que la taquilla alcanzó la cifra de 453 millones de euros. 40 millones menos que, por ejemplo, en 2023.

Las cifras no son esperanzadoras, así que la pregunta parece obligada: ¿está todo perdido? No. Hay un grupo social que está reanimando la taquilla con su regreso a las salas de cine: los jóvenes. Muchos han encontrado en el cine el perfecto remedio contra el uso compulsivo de las pantallas, el multitasking y el síndrome de la doble pantalla. Sergio es un ejemplo de ello. Este estudiante de 25 años acude asiduamente a la Cineteca de Madrid porque, reconoce, “en casa es casi imposible ver una película sin mirar el móvil”.

Según un estudio de Cinema United, el porcentaje de miembros de la Generación Z que acuden al menos 6 veces al año al cine ha incrementado de un 31% en 2022 a un 41% en 2025.

Cada vez parece más evidente que somos incapaces de ver una película en casa sin echar un vistazo al móvil. Esta tendencia cada vez más habitual se conoce como el síndrome de la doble (o segunda) pantalla. Aunque todavía no está reconocido médicamente, es una práctica real y muy extendida, sobre todo, entre el público más joven. Así lo refleja el último Barómetro de OTT Cine, elaborado por la consultora audiovisual GECA. 

Los jóvenes de entre 18 y 34 años son los que en mayor medida afirman utilizar el teléfono mientras ven películas, con más del 50% declarando usarlo gran parte del tiempo o de forma intermitente. Una práctica muy relacionada con el uso abusivo de las pantallas, una situación en la que, según un estudio de Cáritas, se encuentran el 36% de los jóvenes españoles. 

Sergio cuenta que suele tener el móvil al lado cada vez que ve una película en casa: “En casa me gustaría dejarlo más lejos para evitar la tentación, sin embargo en el cine nunca siento la necesidad de mirarlo”. Algo similar a lo que le ocurre a Alonso, estudiante de 22 años de Biología y asiduo a los cines de su barrio: “Cuando veo películas en casa intento siempre dejar el móvil fuera de la habitación porque si no, lo miro aunque no busque nada en concreto. En el cine directamente lo dejo en el bolsillo del abrigo para no tenerlo ni cerca”

Ni que decir tiene que de todo esto son conscientes las grandes plataformas como Netflix. El actor Matt Damon, protagonista de algunas de las películas más importantes de Hollywood, sorprendió con unas declaraciones en las que aseguraba que "Netflix quiere que la trama de una película se repita tres o cuatro veces en los diálogos porque la gente está con sus teléfonos móviles mientras la ve". Pese a que la productora norteamericana ha desmentido esto, parece que la lógica que explica el actor es muy plausible en los tiempos que corren.

Jorge Ramiro Pérez Suárez, experto en Espacios Digitales en la Universidad Europea, subraya que se ha producido un “profundo cambio sociocultural en el que las tecnologías se han incorporado a todos los ámbitos de la vida desde una edad muy temprana”. Reconoce que hemos de admitir que la tecnología no es políticamente neutra: “tiene un claro sesgo marcado por las plataformas tecnofeudalistas y por el capitalismo digital”.

“La mayor parte de nuestras interacciones vienen mediadas por la tecnología”, por eso en muchos casos, cuenta, “es casi imposible desaprender estas acciones que ya hemos naturalizado”. Pérez Suárez subraya que en los estudios de su grupo en Conocimiento e Investigación en Problemáticas Sociales, se ha identificado que los jóvenes prefieren interacciones “mucho más sencillas, visuales y dicotómicas”. 

“Esto hace que se pierda muchísimo contexto y profundidad, la idea de tiempo libre o aburrimiento resulta abisal y sobre todo tiene un impacto muy profundo en la concentración, la manera de retener y enfrentarse al conocimiento o incluso de expresarse”, añade.

¿Qué es lo primero y lo último que haces al despertarte o al irte a dormir? Reducir los tiempos de uso del móvil se ha colado de lleno en las listas de objetivos de año nuevo de gran parte de la población, desde los más jóvenes a los más adultos. 

Según la última encuesta online de RTVE de finales de 2025, “el 71% de los encuestados cree que debería reducir el tiempo que pasa en el móvil, en particular, de aplicaciones como Instagram o TikTok, conocidas por favorecer el scrolling sin control”. Un sentimiento que es especialmente fuerte en la franja de edad de 25 a 34 años. Los datos de la encuesta exponen que los usuarios de la Generación Z pasan más de cuatro horas diarias frente a la pantalla. 

Pero, ¿qué opinan los protagonistas? Sergio subraya que querría “reducir su uso y dependencia del móvil”, que ronda entre las cinco y seis horas al día. Natalia, estudiante de 24 años, coge el móvil más de lo que le gustaría pese a que no se siente orgullosa de ello. “Muchas veces entro en TikTok cuando me he metido hace 2 minutos. Sé que no voy a ver nada nuevo que me interese, pero siento la necesidad de entrar en la aplicación”, cuenta a infoLibre. 

Sergio encuentra el cine como "un refugio en el que no existen distracciones”. El cine siempre ha sido un lugar para evadirse, conectar con la película y, a la vez, desconectar del ajetreo de los días. Es, a su vez y a diferencia de casa, un sitio de reunión, de comunidad a donde acuden personas con un interés genuino en la obra que se va a proyectar.

El experto en Espacios Digitales cuenta que, por una parte, “existe un reclamo de un pasado analógico como una suerte de nostalgia ochentera y noventera que, de otro modo, también resulta en una máscara ideológica”, pero que, por otra, “va a haber elementos que se conviertan en productos gourmet: aquellas ilustraciones, películas o libros que no usen la IA y que vuelvan a la autenticidad y a la artesanía”. 

“El cine es una poderosísima herramienta política y cultural que puede convertirse como remedio contra muchísimas cosas. De hecho me parece que es la mejor ventana que existe a la experiencia humana”, sostiene. “Es lógico que los jóvenes miren al cine como un lugar que se salga de la norma y que encuentren en él un refugio colectivo donde evadirse y desarrollar comunidad”, concluye.

La última película que Natalia disfrutó en el cine fue Marty Supreme y cuenta que le encantó tanto que aunque durase casi 3 horas ni se le pasó por la cabeza mirar el móvil. Aunque a Noelia, lo que más le gusta del cine, cuenta, “es el concepto de compartir con la gente”. “En el cine no hay vecinos tocapelotas o molestias inesperadas, solo sois unos cuantos que os habéis reunido en un sitio porque os morís de ganas por ver esa película”.

Sergio, por ejemplo, disfrutó tanto de La estrella azul de Javier Macipe que no se despegó de la pantalla hasta los créditos: “Me negaba a que se acabase, me la habría vuelto a ver otra vez seguida”. Alonso vuelve al cine cada semana por lo que hace sentir apagar el móvil. “Siento un enorme alivio cuando lo apago, como si el ruido se cortara”. “El cine siempre será algo especial contra lo que las plataformas no podrán competir, tiene algo de sagrado, como un lugar de culto”, concluye.

"Esta es una película sobre contradicciones y miserias humanas, atravesada por un conflicto de clases, de querer formar parte de algo a lo que no se pertenece, con la excusa de unos niños y la educación". Muy pocas veces alguien resume y presenta una película con la precisión de la que hace gala la actriz Natalia Reyes. Tanto es así, que su compañero Juan Diego Botto apostilla: "No sé si puedo mejorar esto, pero diré que es la historia de unos padres que quieren sacar a su hijo de un colegio público para meterlo en uno privado, con todas las aventuras y desventuras que van a vivir en el proceso. Es una comedia muy irónica, muy ácida, sobre intentar ascender de clase social y sobre esas miserias que muchos tenemos y no queremos reconocer".

Ambos atienden a infoLibre con motivo del estreno este viernes en cines de Altas capacidades, una película dirigida por Víctor García León —quien también firma el guion con Borja Cobeaga— que, con una corrosiva mirada sobre la sociedad y sobre nosotros mismos, cuenta la historia de Alicia y Gonzalo, una pareja de clase media que se enfrenta al dilema de matricular a su hijo en un colegio de élite, lo que les podría abrir a ellos la puerta a un ascenso social a costa de renunciar a sus propias convicciones morales. Este dilema da lugar, en palabras de su director, a una "comedia ácida, una tragedia grotesca, un drama ridículo", es decir, la vida misma.

Esta pareja de padres, interpretada por Marián Álvarez e Israel Elejalde, ya tenía la curiosidad de cómo sería su vida si cambiaran a un colegio privado, pero pierden definitivamente los papeles cuando escuchan las palabras mágicas: "Altas capacidades". Ahí empieza el "autoengaño", según García León, quien comparte acto seguido otra reflexión con infoLibre: "Vas cumpliendo años, la vida no te gusta tanto como esperabas, y coges a tu hijo como ariete para intentar entrar en otros sitios. Todos lo hemos hecho, yo lo he hecho: llegas a un parque de bolas y dices 'mi hijo es que es un genio, toca el piano que es una maravilla, pero yo no le empujo, lo hace él solo, y escribe cuentos, habla chino...' yo qué sé, lo que cada uno quiera. En eso hay algo de decir 'pobrecitos de nosotros, si hacemos lo que podemos'".

En medio de esta confusión vital surgen las comparaciones, las aspiraciones, las envidias y los celos. No ya entre los niños, no, qué va, sino entre los padres. De manera que, cuando se abre una puerta, de repente "todo el mundo quiere formar parte de una élite y ser especial", destaca Cobeaga a este diario, recordando que "el problema es que cuando todo el mundo es especial te conviertes en normal". Y añade: "Creo que está en todos, ya seas de derechas y de izquierdas, esa aspiración de ir a más, de ser más querido, aceptado, de pertenecer a un grupo más elitista. A lo mejor no tienes ese chaletazo a las afueras de Madrid que tienen los ricos pijos de esta historia, pero sí un piso increíble en Lavapiés".

En ese intento de medrar socialmente, los padres protagonistas de Altas capacidades "utilizan al niño como moneda de cambio, como objeto para ellos", aunque de "manera inconsciente", destaca a infoLibre Marián Álvarez, para quien de alguna manera "la sociedad te lleva hasta ese punto" a base de compararnos a los demás: "Como vivimos en este mundo que es todo un escaparate a través de las redes sociales, igual lo puedes ver incluso fácil de conseguir, porque ves a gente normal en algunas vacaciones que te cagas, viajando en barcos con una ropa increíble. Hasta que llega el punto que lo ves tan al alcance de tu mano que te dices '¿por qué yo no?'"

Además, según la actriz, lo que pasa en última instancia es que "quizá también queremos que nuestros hijos nos representen", como de alguna manera nos representa "nuestro coche o donde vivimos". De este modo, plantea Elejalde, uno como padre intenta hacer "lo mejor para el niño pero, claro, a la vez estás pensando en hacer lo mejor para ti". "Por ejemplo, en la elección de un colegio tú no solo estás eligiendo la mejor educación para tu hijo, sino que también estás proyectándote en qué tipo de amistades quieres que tenga tu hijo más adelante y, de alguna forma también tú a través de él", argumenta.

En esta lucha de clases, aspiraciones y debacles, no falta en Altas capacidades la contraposición entre la escuela pública y la privada, personificada en un profesor veterano, ya cansado, pero que es el único que trata de aportar un poquito de cordura a padres y alumnos. "Es que en los colegios públicos hay profesores estupendos, igual que en la privada, donde, eso sí, además hay comerciales", plantea el director, todavía profundizando: "Lo que no tiene la pública son comerciales que te digan que todo es increíble y maravilloso en su cole y que, además, solo queda una última plaza, de manera que si no corres y pagas ahora mismo un dineral, eso se pierde y tu hijo será devorado por los tiburones".

Esto lleva a García León a defender que más allá de que haya proyectos educativos privados "estupendos", en última instancia "la educación no debería ser un negocio", pues entonces "se convierte en una máquina perfecta de segregar". Una idea que desarrolla aún más Cobeaga avanzando "la crítica directa que hay en esta peli a esos colegios que son mezcla de Montessori y capitalismo salvaje", tal y como ellos mismos han comprobado visitando centros para documentarse: "Intentan mezclar una educación como muy inclusiva y todo eso con un emprendimiento salvaje y cierta selección natural, que son conceptos que deberían ser antagónicos".

Coincide Natalia Reyes con estos planteamientos y destaca que "en el momento en el que, igual que pasa con la salud, la educación se privatiza y se vuelve un negocio, arranca esta dinámica del capitalismo que no tiene fin" y la gente comienza a "fantasear con la cantidad de extracurriculares, idiomas, bienestar, meditación, yoga o pilates que le pueden dar a la primera infancia". "Eso no tiene fin", insiste, para acto seguido aclarar que en esa rueda que no cesa "tampoco hay posibilidad de ascenso real al estar en una sociedad en la que siempre va a haber alguien más rico que tú". "Nunca va a ser suficiente y lo único que surge ante este panorama es la ansiedad y la frustración".

Abriendo otra línea de diálogo, Botto, que interpreta a uno de los padres que manejan el cotarro en el colegio privado, concede que en todo este proceso de cambio "hay un punto desde el que se puede empezar de forma genuina por el niño, pero luego es evidente que los padres ven la oportunidad de entrar en un mundo de dinero y privilegios que les era ajeno", por lo que es justo ahí cuando el pequeño "se convierte en un instrumento, en esa llave que les va a permitir abrir esa puerta maravillosa". Así que, de alguna forma, la pregunta sería, según el actor: "¿Cuánto estamos dispuestos a negociar con nuestros principios y afectos? Porque de por medio también está engañar a suegros para pedirles dinero, padres, amistades... Hay una negociación con el afecto importante también. ¿Cuánto estamos dispuestos a negociar por ascender de clase social?"

Todo por cambiar de clase —que no de aula—, en definitiva, como bien resume el juego de palabras de estas Altas capacidades en las que cualquiera, quien se atreva, puede verse reflejado sin filtros, ni trampa, ni cartón. "En realidad, el tema central de la película es cómo proyectas tus frustraciones y miserias en tus hijos", subraya Cobeaga. "Al final, esta historia es un todo para el pueblo pero sin el pueblo, es decir, todo para el niño, pero sin el niño. Porque se supone que están haciendo esto por el chaval, pero es al único al que no le prestan atención. Además, todas las naves afectivas, personales y económicas que estos padres queman en este viaje les terminan convirtiendo en unas personas que están muy lejos de la felicidad. Porque parece que tenemos que luchar obligadamente por una felicidad que siempre está en otro sitio y nunca es lo que tenemos", termina Botto.

El cineasta neozelandés Peter Jackson anunció este miércoles el desarrollo de una nueva cinta de la saga El señor de los anillos (The Lord of the Rings) en la que el guión estará a cargo del presentador estadounidense Stephen Colbert y de uno de los hijos de este, Peter McGee, según informa EFE.

La nueva cinta, The Lord of the Rings: Shadows of the Past, seguirá a otra que ya está en marcha, The Hunt for Gollum, que estará dirigida por Andy Serkis y prevista para 2027. 

En un vídeo difundido este miércoles en las redes por la productora Warner Bros., Colbert señaló que se ha basado en seis de los capítulos iniciales de la novela La comunidad del anillo (The Fellowship of the Ring), del británico J.R.R. Tolkien, que no formaron parte del primer filme de la saga.

"Pensé: 'Espera, quizá eso podría ser una historia independiente que encaje dentro de la historia principal. ¿Podríamos hacer algo que fuera totalmente fiel a los libros y, al mismo tiempo, respetara por completo las películas que ya se han hecho?'", señala el presentador de The Late Show with Stephen Colbert, cuyo programa dejará de emitirse este próximo mayo.

La trama adelantada por el medio especializado Variety señala que 14 años después de la muerte de Frodo, Sam, Merry y Pippin se embarcan en un viaje para revivir los primeros pasos de su aventura. Mientras, la hija de Sam, Elanor, ha descubierto un secreto que había permanecido oculto durante mucho tiempo y está decidida a averiguar por qué la Guerra del Anillo estuvo a punto de perderse antes incluso de empezar. 

Variety recuerda que no es la primera vez que Jackson y Colbert trabajarán juntos. 

Colbert tuvo un pequeño papel en El hobbit: La desolación de Smaug (The Hobbit: The Desolation of Smaug) de 2013, y dirigió además a Jackson y a tres estrellas de esa saga - Ian McKellen, Viggo Mortensen y Elijah Wood- en el cortometraje Darrylgorn (2019), situado en la Tierra Media imaginada por Tolkien.

Las películas de El señor de los anillos (The Lord of the Rings) le han valido a Jackson 17 premios Óscar. Once de ellos, incluido el de mejor película y mejor director, fueron por El señor de los anillos: El retorno del rey (The Lord of the Rings: The Return of the King), de 2003.

Regresa radiante Carmen Maura (Madrid, 1945) a la gran pantalla con un papelón escrito a su medida y que nos da no pocas lecciones sobre temas tan variopintos como el arraigo, la memoria, la falta de comunicación en las familias, las relaciones maternofiliales, la multiculturalidad e incluso no ya el amor, sino el deseo en la tercera edad. Todo eso y todavía más encuentra el espectador en Calle Málaga, película de la cineasta hispano-marroquí Maryam Touzani que llega a los cines el próximo miércoles 1 de abril convertido ya en uno de los estrenos más esperados de la temporada.

Una cinta que incluye, por si fuera poco, el primer desnudo en la extensa carrera de la actriz, algo que, ya de por sí, genera cierta sorpresa entre el público, aunque ella le quita toda la importancia. "Maryam solo me dijo dos cosas: 'Trabajas todos los días en todas las secuencias y te tienes que desnudar'. Y me dio igual. A lo mejor siendo más joven me habría importado más, pero en este momento dije 'bueno, pues vale'. No tengo ningún problema", relata, puntualizando que más difícil le resultó a su compañero, Ahmed Boulane, que estaba "nerviosísimo el pobrecito, porque es árabe y para ellos es más grave". 

"Yo estuve cuidándole y, desde luego, súper relajada. No podíamos estar los dos nerviosos, eso no tenía ningún sentido", continúa, en un encuentro con una terna de medios, entre ellos infoLibre, reivindicando además el derecho a enamorarse a cualquier edad, por mucho que de alguna manera sea algo socialmente invisibilizado en la vejez. "Puede pasar en cualquier momento. Incluso de mayor es mejor, ya que estás más tranquila. Yo, por ejemplo, nunca me pondría a vivir juntos, cada uno vivirá en su casa y tendrá su negocio", apunta tajante y sonriente, refiriéndose al futuro hipotético de los personajes de Calle Málaga: "Nunca me pondría a vivir con él, ni hablar".

Esta película, rodada en Tánger en lengua española, cuenta la historia de María Ángeles (Carmen Maura), una española de 79 años que vive sola en la ciudad, en el norte de Marruecos, donde disfruta de su vida diaria en comunidad hasta que todo da un giro inesperado cuando su hija Clara (Marta Etura) llega desde Madrid para vender el céntrico piso en el que siempre ha vivido. Decidida a quedarse en el lugar que la vio crecer, hará todo lo posible para mantener su hogar y recuperar los objetos de toda una vida. Es durante esa batalla cuando, contra todo pronóstico, redescubre el amor y el deseo.

"Es que nuestro cuerpo va envejeciendo, pero en nuestra alma tú te enamoras cuando te enamoras, y sientes deseo cuando lo sientes, no es algo lícito a los 20 e ilícito a los 80, porque el amor forma parte de nuestra esencia", señala Etura, quien lamenta que vivamos en una "sociedad que nos da la espalda a nosotros mismos, porque todos nos vamos a hacer mayores". "Esta película habla también de la independencia, de que no hay que tratar a las señoras mayores como si fueran niñas pequeñas", sentencia Maura. "En general, hay muchas familias que tratan a la abuela como si fuera una niña pequeña. Mis hijos, afortunadamente, tienen las cosas muy claras. porque yo no puedo perder el tiempo explicando lo que es una señora mayor, así que no se les ocurre decirme lo que tengo que hacer. Y, si se les ocurre, paro. Yo voy a hacer lo que me dé la gana".

No lo tiene tan claro su hija en la ficción, que le comunica con frialdad unilateral su decisión de vender el piso donde vive para así solucionar sus problemas económicos como madre separada. "Es un personaje antipático, cae mal, es feo", concede sin rodeos Etura, consciente en todo momento, además, de que el espectador se va a "enamorar" de su madre, a la que Maura le otorga un "magnetismo y una picardía" ante la que ella no tenía nada que hacer para hacerse querer en semejantes circunstancias. 

"Pero mi trabajo es defender y entender a mi personaje, así que pensé en esa pobre chavala que se ha separado, no tiene dinero para pagar el piso y tiene que sacar adelante a sus hijos. Por eso, llega con un dolor muy fuerte, con mucha desesperación, en un estado de supervivencia. Y cuando uno está en sobrevivir, no ve al otro, solo ve lo suyo", plantea Etura, antes de que Maura le eche un capote: "Cuando se tienen niños, todo vale".

La incomunicación es total entre ambas, no ya por la distancia kilométrica entre Madrid y Tánger, pues eso se puede salvar de muchas maneras, sino por estar en momentos tan distintos de sus respectivas vidas. "Una de las lecturas de esta película es la mala comunicación, la falta de escucha. Yo llego con mi problema y ni la veo ni la escucho", indica Etura, mientras Maura admite: "Si al llegar me hubieras dicho 'mamá, me tienes que ayudar, yo te ayudo a encontrar dinero donde sea". "A lo mejor tenía que haber ido y a Madrid más a verte a ti y a los niños, pero es que siempre me venía mal", apostilla con humor, defendiendo así esa libertad que parecemos empeñados en negarles a los abuelos, como si siempre tuvieran que estar a nuestra disposición.

Calle Málaga ofrece también una mirada cotidiana de Marruecos, algo que en muy pocas ocasiones se ve en pantalla grande en España. Un mensaje de fraternidad especialmente necesario en estos tiempos que corren y que Maura resume con su habitual contundencia: "El ambiente en la ciudad es cojonudo". Una vez dejado esto claro, a partir de su experiencia de varios meses en la Tánger agrega que allí "no tienes ninguna sensación de peligro", pues "son súper simpáticos, se come muy bien y hay tiendas divertidísimas". "Y es muy barato vivir allí", apostilla.

Una vez comentados diversos aspectos de Calle Málaga, asegura Maura que ni espera ni desea ningún premio por su papel, ya que lo que quiere es que "la gente vaya al cine" y este film "sea negocio". "Que se vendan entradas me gusta más que cualquier crítica o cualquier premio. Me importa un bledo las nominaciones de los Goya y de nada, tengo premios de sobra", afirma, para luego comentar que el Goya de Honor se lo darán "algún día, porque cuando eres mayor ya te dan todos" esos premios a toda una trayectoria: "Otro problema es que te llaman de todos los festivales, porque cuando ya tienes esta edad, todos piensan 'vamos a darle el premio de honor antes de que la palme'".

Y todavía prosigue: "Tengo premios preciosos, pero es que no me gustan esas estatuas, las tengo en un armario. No es que las tenga manía, pero es que como tengo tantas cosas absurdas en casa que me he comprado en los viajes... El único premio que tengo fuera es un premio de los escritores o los directores, no recuerdo, que es como una sillita de cine y me sirve para sentar a una Barbie. En general, las estatuas de premios no son la típica cosa que me gusta ver por casa, ni tengo carteles de películas ni nada de eso. Me gusta mi vida de persona normal y cada vez más".

Gracias a esa vida normal, asegura que solo tiene que salir a la calle para saber si la película ha gustado o no. "Conmigo la gente no se corta un pelo, me dicen cualquier cosa, me hablan mucho. Si quiero enterarme de algo, la calle me lo comunica enseguida. Me enteraré así de si esta película gusta en general o no. Y me enteraré de la película de Almodóvar —Amarga Navidad—, porque también me hablarán de ella, aunque no la he visto aposta. Porque iba a ir verla, siempre me da mucha curiosidad, pero pensé que si la veía luego me iban a preguntar. Yo la quiero ver, porque las veo todas, aunque normalmente no hablo de ellas. Muchas veces la he visto y he dicho que no, pero esta vez no la he visto. porque me ha pillado muy cerca. Iba a ir a verla el fin de semana, pero luego pensé 'ah, no, que tengo prensa. Mejor no, por si me lío'".

Muy cacareada es la relación entre la actriz y el cineasta, que entró en conflicto durante el rodaje de Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988), provocando una ruptura que no se reparó hasta que volvieron a trabajar juntos en Volver (2006). Desde entonces, sus caminos no han vuelto a cruzarse, a pesar de lo cual ambos parecen destinados a que el imaginario popular les relacione eternamente: "La imagen que tengo de Pedro es la de cuando éramos pequeños, que no tiene nada que ver con el Pedro de hoy. Era tan fácil trabajar con él... y ahora es complicadísimo... creo. Cuando me preguntan si me apetece, yo digo que no nos apetece a ninguno de los dos".

Reconoce, asimismo, que la Carmen de los 80 no es tampoco la misma persona que ahora, pero no duda al afirmar que sí es igual "como actriz". "La diferencia es que el Pedro que conocí me decía 'haz esto' y yo lo hacía, no había más vueltas. Era otra cosa, así que prefiero acordarme de aquel Pedro que no tiene nada que ver con el de hoy. Fue una época maravillosa en la que aprendí muchísimo".

Para terminar, asegura Maura que no tiene un interés especial en trabajar con más mujeres directoras, pues ya lo hizo con, entre otras, Pilar Miró o Josefina Molina. "Ahora me encanta que hay montones de tías que están muy bien y han hecho películas estupendas, pero no veo diferencia [con los hombres], porque hay tontas y tontos y listas y listos. Pero está muy bien que ahora se las defienda mucho más", subraya, para acto seguido reflexionar: "Es más, a veces me dan un poco de lástima los chicos que empiezan, porque una directora que empieza tiene muchas más ayudas que uno que empieza, entre otras cosas porque tiene más subvenciones y tal. Está muy bien lo que está pasando ahora en todos los terrenos, porque yo siempre he pensado que las mujeres éramos más listas y superiores en muchas cosas, pero me dan ternura los directores de cine que empiezan, porque lo tienen crudo".

El actor Chuck Norris falleció el jueves por la mañana a los 86 años, tras sufrir una emergencia médica repentina. El maestro en artes marciales había compartido días antes, con motivo de su cumpleaños el 10 de marzo, un mensaje que reflejaba su característico sentido del humor: "Yo no envejezco, subo de nivel".

De su legendaria pelea con Bruce Lee a su papel como héroe justiciero en 'Walker, Texas Ranger' y su transformación en fenómeno viral, Chuck Norris se consolidó como una figura icónica del cine de acción y la cultura popular.

Nacido en 1940 en Ray, Oklahoma (EEUU) como Carlos Ray Norris, inició su formación en la Fuerza Aérea a finales de la década de 1950. Fue allí donde recibió el apodo de 'Chuck' y comenzó su entrenamiento en artes marciales durante su destino en Corea del Sur.

A su regreso, Norris se formó en boxeo y karate mientras trabajaba en la empresa aeronáutica Northrop Corporation. Más tarde abrió su propia escuela y fue campeón mundial en 1968. Un título que obtuvo en varias ocasiones hasta su retiro en 1974.

El triunfo de 1968 en el karate profesional impulsó a Norris a iniciar su carrera en el cine, cuando el productor de 'The Wrecking Crew' lo invitó a participar como guardaespaldas en la película, en la que compartió pantalla con Dean Martin en una intensa escena de confrontación, y que le permitió obtener su carnet del Sindicato de Actores de Hollywood (SAG).

Las escuelas de artes marciales de Norris se expandieron por California y entre sus alumnos se contaban estrellas como Priscilla Presley, Bob Barker, Donnie y Marie Osmond, y Steve McQueen. Fue este último quien lo motivó a tomar clases de actuación, reconociendo su potencial y alentándolo a seguir una carrera en el cine.

Durante esta etapa desarrolló su propio sistema de combate, el Chun Kuk Do.

Fue en 1972 que el éxito cinematográfico llegó cuando participó en 'The Way of the Dragon' ('El furor del Dragón', en España), la película protagonizada, escrita y dirigida por Bruce Lee.

En su escena más recordada, Norris se enfrenta a Lee en un intenso combate en el Coliseo de Roma, una pelea que combina técnica, fuerza y estrategia, y que se convirtió en un clásico del cine de artes marciales por su realismo y espectacular coreografía.

A esta cinta le siguieron a varias más como 'Breaker! Breaker!' (1977), 'The Octagon' (1980), 'Lone Wolf McQuade' (1983), 'Missing in Action' (1984), 'The Delta Force' (1986), entre otras.

En 1993, el actor consolidó su carrera como estrella de acción y figura de la cultura pop con la serie de televisión 'Walker, Texas Ranger', en la que interpretó a Cordell Walker, un ranger de Texas que lucha contra el crimen con su estilo de combate y código moral firme.

La serie tuvo un éxito mundial y se extendió hasta 2001 proyectándose ante el mundo como un héroe implacable pero justo, que posteriormente alimentaría su estatus de icono de internet.

Los 'Chuck Norris Facts' fueron frases satíricas y humorísticas que se popularizaron en internet entre 2005 y 2006 exagerando sus capacidades hasta lo imposible: "Chuck Norris no hace flexiones, empuja la Tierra hacia abajo", "Chuck Norris contó hasta el infinito dos veces" o "Chuck Norris no lee libros: los mira fijamente hasta que le explican todo", son algunos ejemplos.

Tras varios años alejado de las producciones, regresó en 2024 con la película 'Agent Recon'.

Norris fue un reconocido simpatizante del Partido Republicano y manifestó públicamente su apoyo a diversas figuras conservadoras a lo largo de los años, entre ellas Ronald Reagan y Donald Trump.

El actor respaldó oficialmente a Trump en las elecciones de 2016 y continuó mostrando su apoyo en las elecciones posteriores.

A lo largo de su vida Norris recibió varios reconocimientos. En 1989 consiguió su estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood y en 1999 fue incorporado al Salón de la Fama de las Artes Marciales. En 2007 fue nombrado marine honorario de Estados Unidos.

En 2004 publicó su libro autobiográfico 'Against All Odds: My Story'.

De alguna manera parecía que iban los Oscar de este año de blues del Misisipi y raves en el desierto africano, pero nos estábamos olvidando de la que ha resultado ser la gran triunfadora. La cosa es que finalmente ha sido Una batalla tras otra la que algo así como a la chita callando queda como gran vencedora de los 98 Oscar de la Academia, por encima de Sinners (Los pecadores), la película más disparatadamente nominada de la historia con 16 posibles (para tanto no era, pues, o quizás sí, eso ya cada cual). Y Sirat, la nuestra, la española, se ha quedado con las ganas de las dos opciones que tenía.

Vayamos por partes. Se refrenda en esta velada de alguna manera el 'blockbuster de autor' de Paul Thomas Anderson, que ha ganado nada menos que seis premios de trece posibles: Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guion Adaptado, Mejor Actor de Reparto para Sean Penn —que no estaba en la gala, tenía cosas más importantes que hacer el perpetuo chico malo—, Mejor Montaje y Mejor Casting —categoría presente por vez primera—. La locura enorme de las 16 nominaciones con las que llegaba Sinners, convertida así en la película de antemano más reconocida de la historia (que se dice pronto semejante logro), nos tenía a todos convencidos de por donde irían los tiros del blues de los vampiros, pero no.

Seis de trece para Una batalla tras otra, entonces. Y cuatro de 16 para Sinners, que se queda definitivamente con Mejor Actor (MIchael B. Jordan), Mejor Guion Original, Mejor Fotografía y Mejor Banda Sonora. No está nada mal, pero las expectativas eran tan altas que hay cierta sensación de derrota en el ambiente de las colinas de Hollywood —ahora se les pasa de fiesta en fiesta, que esto, al final, como tantas otras cosas de la vida, así también se soluciona—. En medio de este reparto de galardones entre las dos grandes cintas del año, Jessie Buckley se ha llevado el de Mejor Actriz por Hamnet y Amy Madigan el de Mejor Actriz de Reparto por Weapons.

Nuestra peli, Sirat, que es nuestra como representante española, llegaba del brazo de Óliver Laxe —quien lució en la alfombra roja un pin en forma de sandía, en solidaridad con el pueblo palestino— con aspiraciones razonables y la furgoneta derrapando a por dos galardones, pero la rave se quedó gripada en la última curva a punto de llegar al escenario del Teatro Dolby, para desde allí ver cómo se cumplían las previsiones de los mentideros y la noruega Valor sentimental se convertía en la Mejor Película de Habla no inglesa. No pudo ser tampoco el Oscar a Mejor Sonido, que acabó quemando rueda de manera un tanto previsible gracias a la espectacularidad de F1: La película.

Si algo marcó esta 98 edición de los Premios Óscar fue el amplio dispositivo de seguridad. En pleno conflicto de Estados Unidos contra Irán, la Academia quiso proteger el evento ante posibles ataques. El clima no era en Los Ángeles, convengamos, el más propicio para una velada de grandes proclamas, fueran del tipo que fueran. Es por ello que la gala no fue ni especialmente reivindicativa y mantuvo un silencio generalizado.

Un acuerdo tácito en realidad, roto por nuestro Javier Bardem, quien justo antes de anunciar los nominados y entregar el galardón a Mejor Película de habla no inglesa (no resultó su elección ser un guiño a Sirat), lanzó un "No a la guerra" y "Palestina libre'. Ya antes, en la alfombra roja, el actor español, integrante del reparto de F1: La película, no se cortó para nada al asegurar que había que hablar de las "cosas que importan", para acto seguido calificar de "guerra ilegal" el ataque de Estados Unidos contra Irán. 

"Hay que celebrar el cine, pero también hay que aprovechar este altavoz para las cosas que han creado tanto dolor en el mundo", dijo Bardem a EFE en la alfombra roja del Teatro Dolby de Los Ángeles. El intérprete, que portaba este domingo la misma pegatina de 'No a la guerra' que usó en 2003 por la guerra de Irak, dijo que el actual conflicto en Oriente Medio es ilegal porque está "basado en mentiras". Y fue de los pocos, por no decir el único, que aprovechó su altavoz para denunciar la política bélica de la administración Trump.

Nos queda en este repaso de ganadores mencionar al Frankenstein de Guillermo del Toro (y el actor español Jacob Elordi), que se vuelve para casa con tres distinciones técnicas en Mejor diseño de vestuario, Mejor maquillaje y peluquería y Mejor dirección de producción. Mención aparte para Las guerreras K-pop, refrendada esta noche (porque cualquiera con pequeños en casa ya lo intuía, aunque sea solo por la turra) como Mejor película de animación y Mejor canción.

La gala de este año, comandada por el cómico Conan O'Brien, fluyó con naturalidad sin salirse de los raíles, perfectamente controlada dentro de la normalidad. Sin momentos altisonantes, era cuestión de dejar que las cosas sencillamente fueran ocurriendo. No pasará a la historia la ceremonia, por tanto, lo cual no es ni bueno ni malo, pero también más bueno que malo, pues deja así suficiente espacio para que sean las películas premiadas las que copen los titulares y, a partir de este lunes, las conversaciones desde primera hora en los desayunos en los bares.

"El domingo por la mañana de los Oscar no puedes acercarte ni a una milla y media del Teatro Dolby, no lo puedes ver ni de lejos, no te dejan. Los tres días anteriores sí, pero el sábado ya lo cierran. Bueno, yo ahora voy para allá, en teoría deberían dejarme al menos estar alrededor", comenta a infoLibre la periodista cinematográfica María Estévez, mientras conduce el viernes por la tarde hacia el epicentro de Hollywood para hacer un directo por televisión.

Casi puede sentirse a través del teléfono la resistencia al avance que interpone el plomizo tráfico de Los Ángeles en las horas previas a la 98 edición de los Premios Oscar, epicentro del cine interestelar, que afronta la inminente gala de esta madrugada del domingo al lunes con la curiosidad de comprobar si Sinners (Los pecadores), que ya es la película más nominada de la historia con un total de 16 categorías, es capaz de convertirse a su vez en la más premiada. ¿Para tanto es? No lo saben ni los que la hicieron. ¿Y qué pasará con la española Sirat, aspirante a Mejor Película de Habla no Inglesa y Mejor Sonido? Pronto lo sabremos.

"El día de los Oscar hay muchísimas fiestas alrededor, muchísimos sitios donde hacen visionados. Es como si jugara la final de la Copa Europa el Real Madrid contra otro gran equipo de Madrid. Todos los bares ponen algo especial. Eso pasa aquí también porque hay mucha industria alrededor y mucha gente que, aunque no esté nominada, ha trabajado alrededor de las películas nominadas. El día anterior también hay charlas de agentes, directores de producción...", continúa Estévez, insistiendo con humor en que, eso sí, si ese día no tienes que hacer nada, "mejor quédate en tu casa porque conducir por la ciudad es de veras un horror". "La mitad de las calles están cortadas y hay mucha policía. Además, este año la seguridad va estar especialmente atada en corto", explica.

En cualquier caso, no duda al afirmar que "es muy divertido" vivir en Hollywood los días previos "si sabes dónde ir". Y a fe que ella sabe, pues no en vano lleva ya treinta años trabajando en Los Ángeles para medios como, entre otros, Vogue, Glamour, Metro World News, La Sexta, GQ, Condé Nast Traveler o Colpisa, lo que la convierte en la corresponsal española que mejor conoce el suelo que pisan las estrellas: "Si esta semana alguien quiere disfrutar de lo que pasa en la ciudad, que vaya a tomar un brunch, un lunch o una copa al Hotel Beverly Hills, donde por ejemplo ayer estaban Jessie Buckley, nominada al Oscar por Hamnet, o Robert Pattinson. Si vas en época de Oscar, siempre te encuentras alguna celebrity ahí".

Conocedora del cartón piedra de día y los más rutilantes focos de noche, Estévez plasma sus recuerdos, vivencias y reflexiones en Esto es Hollywood (Roca Editorial, 2026), una crónica en primera persona que se adentra en el corazón de la industria cinematográfica más influyente del mundo, un lugar real pero al mismo tiempo irreal, profundamente contradictorio, donde el glamour convive con la precariedad, el poder con la vulnerabilidad y el éxito con la soledad.

A través de entrevistas, rodajes, festivales y conversaciones en primera persona, la autora recorre décadas de experiencia profesional como corresponsal en Los Ángeles combinando periodismo narrativo, memoria personal y análisis cultural para mostrar cómo se construyen los mitos, cómo se gestiona la fama y qué sucede cuando las luces se apagan. Un relato articulado a través de encuentros variopintos con Tom Hanks, Harrison Ford, Tom Cruise, Jennifer Aniston, Angelina Jolie, Ryan Gosling, Bo Derek, Katie Holmes, Dwayne Johnson... y así podemos seguir hasta el firmamento y más allá.

"Hollywood ha ido cambiando, pero en realidad sigue siendo una fábrica de sueños. Digamos que es una ventana a las emociones, a todo lo que queremos y no podemos ser, a todo lo que nos da miedo o todo lo que nos hace reír. Es una forma de cuestionarnos a nosotros mismos viendo las historias de otras personas", plantea la autora, todavía citando unas palabras que en una ocasión le dijo Antonio Banderas: "Él me contó una cosa muy cierta, y es que Hollywood ha dejado de ser esa fábrica maravillosa que nos convencía a todos para convertirse en un brand, en una marca. Antes eso no era así, porque Hollywood era mucho más".

"Hollywood ha perdido la identidad de cada actriz y cada actor, que era un mundo en sí mismo", le dijo en una ocasión Lauren Bacall, dando en la diana años antes de que todo esto de las redes sociales y la dictadura del like nos estallara a todos en la cara. "Vivimos con la ansiedad de recibir los likes, y Hollywood es una industria que se ha creado en base al rechazo en tantos y tantos castings. A mí me llama mucho la atención que los actores en sus redes busquen tanto el 'me gusta', cuando en realidad ellos saben perfectamente que no tiene ningún valor", lanza Estévez.

Las actrices y los actores, en cualquier caso, siguen siendo la base que sustenta a toda la industria. Y pueden ser muy diferentes delante o detrás de la cámara, motivo por el que "despiertan muchísima curiosidad, porque se esconden detrás de los personajes y tú no sabes qué es lo bonito de no conocerles". "Cuando los has entrevistado, la versión que yo tengo es, digamos, la mejor, la más sencilla, la que ellos quieren presentarme", señala.

Y todavía continúa: "Julia Roberts tiene la sonrisa, pero la utiliza cuando tiene que utilizarla de cara al público. Yo creo que no le gusta dar entrevistas, ni hacer promoción, no le gusta compartir esa parte de la industria que es necesaria y que por contrato tienen que hacer. No diría que ella es una persona generosa a la hora de hacer prensa. De hecho, es bastante ruda y antipática, y lo sabe y le gusta serlo. Por su parte, George Clooney o Keanu Reaves son generosos y no les importa compartir, con lo cual se agradece que sean tan profesionales. Con Penélope Cruz tienes la sensación de que nunca te dice nada con sustancia porque no quiere, algo que también se le respeta porque ella decide cómo da las entrevistas".

A través de sus conversaciones con tantas actrices, aborda la periodista también la situación del feminismo en Hollywood después de un Me Too que "ha venido a dar voz a muchas mujeres". "Pero si no vamos al cine a ver las películas de las directoras, no vamos a conseguir que sea un cambio real. Es importante que las nuevas generaciones entiendan que no es solamente hacer el cambio, sino también responder a ese cambio", argumenta, recordando en este punto la "injusticia" de que Demi Moore no ganara el Oscar por La sustancia porque, "normalmente, se acaba premiando al más joven".

Al mismo tiempo, remarca que no solo las mujeres sufren los estragos de la edad, pues "aunque a los actores se les permita estar más tiempo, por ejemplo porque sus personajes están capacitados para estar con una mujer más joven, también los usan y los tiran". "No creas que se sustituye a los actores. Tarda a lo mejor una década más, pero acaba pasando, todos pasan por la trituradora, porque Hollywood es una trituradora de actores y actrices, de personas, que tiene una serie de arquetipos que rellenar. Y una vez eres el galán, pero cuando se te pasa el arroz ya hay otro que viene detrás", subraya.

Estévez llegó a Los Ángeles en los años noventa, cuando Antonio Banderas ya había rodado Los reyes del mambo (1992) y Desperado (1995) y se estaba convirtiendo "en el galán hispano que Hollywood necesitaba". Un punto de inflexión para nuestro país refrendado en el cambio de siglo con el Oscar a Pedro Almodóvar por Todo sobre mi madre (2000) y la llegada de otros posteriormente oscarizados como Penélope Cruz y Javier Bardem: "No sé si somos conscientes en España de lo que significan ellos en Hollywood, pero aquí tú dices Antonio, Pedro, Javier y Penélope y todos los conocen, incluso las nuevas generaciones. Y no solo aquí, sino también en lugares remotos donde es difícil que un europeo triunfe como Corea, China o Singapur. Eso es hacer marca España". 

La presencia de Óliver Laxe con Sirat este domingo en el Teatro Dolby también es hacer marca España, gane las dos estatuillas a las que aspira, una, o ninguna. "Creo realmente que tiene muchas posibilidades de llevarse el Oscar de Sonido. El de Mejor Película de Habla no inglesa no sabría decir, pero mi impresión es que este año va a ganar la brasileña El agente secreto. Pero si todo el mundo vota a Sirat como la segunda mejor película, que es algo que puede pasar, entonces ahí tiene una gran posibilidad, porque puede ser la mejor segunda película y eso hacer que sea la mejor primera", vaticina. "En cualquier caso, EGEDA —los productores españoles— va a hacer una gran fiesta el domingo para todo el cine iberoamericano, con lo cual se van a celebrar Sirat y El agente secreto al mismo tiempo. Eso es lo importante, que todo el cine que no es norteamericano se celebre junto", termina.

'Yo no moriré de amor', la ópera prima de Marta Matute sobre el dramático impacto de la demencia, se ha alzado este sábado con la Biznaga de Oro al mejor largometraje español en un Festival de Málaga que se ha decantado en sus premios sobre todo por películas iberoamericanas.

Esta dramática y naturalista película de la directora madrileña basada en su propia experiencia con su madre ha sido además distinguida con los premios a mejor actriz para Júlia Mascort y actor de reparto para Tomás del Estal por un jurado presidido por la cineasta Jaione Camborda ('O corno').

Además, 'Iván & Hadoum', primera película del director andaluz Ian de la Rosa, ha conseguido el premio especial del jurado y la Biznaga a mejor guion, mientras que su protagonista, el actor trans Silver Chicón, ha ganado una mención especial del jurado a mejor interpretación masculina. Esta historia de amores difíciles y conflictos sindicales en un invernadero almeriense venía ya con un premio de la Berlinale.

El resto de las Biznagas han premiado trabajos iberoamericanos. Eran diez títulos de los que el jurado ha elegido como mejor película a la mexicana 'El jardín que soñamos', un drama sobre inmigración y tala de árboles dirigido por Joaquín del Paso, también laureado a la mejor dirección y a la mejor fotografía, para Gökhan Tiryaki.

El premio a la mejor interpretación masculina del Festival ha sido para el chileno Nicolás Zárate por 'Hangar rojo', película de Juan Pablo Sallato sobre la represión a militares tras el golpe de Pinochet.

Esta cinta también se ha alzado con el premio al mejor montaje, para Valeria Hernández y Sebastián Brahm, el premio de la crítica y uno de los premios del público (el otro ha sido para la española 'Pioneras. Solo querían jugar', de Marta Díaz de Lope Díaz).

Hay una mención especial del jurado a la mejor interpretación femenina para la joven actriz Ángeles Pradal por su papel en 'Ángeles' (México y Argentina), una película de Paula Markovitch.

Además, la mejor interpretación femenina de reparto ha sido para María Magdalena Sanizo, una actriz quechua que interpreta un papel en la coproducción de Bolivia, Perú y Uruguay 'La hija cóndor', de Álvaro Olmos Torrico. Esta película se ha llevado también la Biznaga a mejor música, por el trabajo de Cergio Prudencio y Marcelo Guerrero.

De todos estos premios, las Biznagas de Oro a mejor película española e iberoamericana tienen una dotación económica de 8.000 euros cada una.

El Festival ha anunciado este palmarés de la sección oficial a concurso de su vigésimo novena edición, en la que han competido doce largometrajes españoles y diez iberoamericanos, tras nueve días de cine en español que comenzaron el pasado 6 de marzo, y esta tarde entregará sus Biznagas en la gala de clausura.

Jaione Camborda ha estado acompañada en el jurado por la directora del Festival Internacional de Cine de Morelia, Daniela Michel; el escritor y guionista Santiago Roncagliolo; la actriz Loreto Mauleón; la directora Belén Funes; el actor y director Gastón Pauls, y la escritora Rosa Montero

En la sección oficial de largometrajes fuera de concurso, el premio del público ha sido para 'Dos días', de Gonzaga Manso, protagonizada por el mítico actor Saturnino García, que a sus 91 años recibió uno de los homenajes del Festival.

Por su parte, el concurso de documentales ha premiado con una Biznaga de plata la coproducción hispano-uruguaya 'El mapa para tocarte', un trabajo sobre la maternidad de Mercedes Afonso.

El Festival también ha concedido una mención especial a la española 'Sucia', de la actriz y creadora Bàrbara Mestanza sobre el proceso personal, artístico y judicial que emprendió tras sufrir una agresión sexual. También ha ganado el premio del público.

La mejor dirección ha sido para Maria Molina Peiró por 'Como todo mortal' -coproducción de Países Bajos y España- y el premio especial del jurado ha sido para 'A voz de Deus' (Brasil y España) de Miguel Antunes Ramos.