No podía saber Bruce Springsteen, cuando se preparaba para salir al escenario del Palacio Municipal de Deportes de Montjuic el 21 de abril de 1981, que terminaría dando 59 conciertos en España a lo largo de los siguientes 45 años. Más de dos millones largos de entradas vendidas en nuestro país después, los dos últimos fueron los de junio de 2025 en el estadio de Anoeta de San Sebastián, incluyendo el segundo de ellos un parón por un tormentón de verano torrencial que lo convirtió de facto en leyenda (otra más) del rocanrol.

Pero volvamos al principio. En 1981, Barcelona era una ciudad obrera y gris, en plena efervescencia social, que ansiaba salir de la dictadura. Marcada por la crisis industrial y herida por los estragos de la heroína en toda una generación de jóvenes (aunque lo peor estaba por llegar), se encontraba en plena batalla de unos movimientos vecinales que reclamaban con fuerza equipamientos públicos y mejores condiciones de vida en los barrios periféricos de clase trabajadora. Un hervidero de movilizaciones urbanas agrupadas bajo el lema “Llibertat, Amnistia i Estatut d'Autonomia”, en el que el feminismo jugó un papel determinante y donde se organizó en junio de 1977 en Las Ramblas la primera manifestación del Orgullo Gay de la historia del país.

La guinda de este ecosistema en ebullición la puso una intensa agenda musical que dejó para la posteridad las primeras visitas a España —algunas exclusivas, otras compartidas con Madrid y/o San Sebastián— de Queen (13 de diciembre de 1974 en el Palacio de Deportes), Lou Reed (18 de marzo de 1975 en el Palacio Municipal de Deportes), Rolling Stones (11 de junio de 1976 en la plaza de toros Monumental), The Police (11 de abril de 1980 en el Pabellón del Club Joventut de Badalona), Ramones (19 de septiembre de 1980 en la Festa del Treball del PSUC), AC/DC (15 de enero de 1981 en el Palacio Municipal de Deportes) o The Clash (27 de abril de 1981 en el Pabellón del Club Joventut de Badalona).

Este último show de la emblemática banda punk comandada por Joe Strummer tuvo lugar tan solo seis días después de la primera ocasión en que el público español pudo comprobar, cara a cara, hasta qué punto era real y veraz la mitología que ya entonces (y hasta hoy) rodeaba a Bruce Springsteen & The E Street Band. No es baladí el uso del término mitología, pues esta es, recordemos, el conjunto de mitos, relatos y creencias tradicionales de un pueblo o cultura que explican el origen del mundo, los fenómenos de la naturaleza y los valores humanos a través de los dioses, héroes y seres sobrenaturales. Y el rockero de New Jersey era ya el héroe de la clase trabajadora y sus conciertos el origen mismo del nuevo mundo para los conversos.

La cuestión es que, a los 31 años, a Bruce Springsteen le precedían antes de esta primera cita española sus sobresalientes discos —los de su época dorada: Born to run (1975), Darkness on the edge of town (1978) y The river (1980)— y su buenísima prensa, pero nadie había podido comprobar por estos lares cuánto tenía de ser sobrenatural, con sus cacareados shows de tres horas y media. Después de tantas grabaciones piratas adquiridas por correo postal —la música no estaba entonces a un clic de distancia, había que currárselo— y de tanto texto entregado a la causa en las publicaciones musicales especializadas, había llegado el momento de pasar de los relatos y las creencias a las certezas de los fenómenos de la naturaleza.

Aunque la perspectiva que da el paso del tiempo ha demostrado que atravesaba su mejor momento creativo y andaba por el mundo presentando su célebre quinto disco, The river, huelga recordar que, con entradas a 900 pesetas (5,41 euros), no hubo lleno el 21 de abril de 1981 en el Palacio de Deportes de Barcelona. Por poco, pero la asistencia se quedó en 7.000 frente a un aforo total de 8.000, lo cual demuestra que su popularidad en España andaba todavía algún peldaño por debajo de los países anglosajones. Y, por contextualizar un poco más: era un secreto a voces en el rock, pero aún habría que esperar tres años más para que se convirtiera en rutilante estrella mundial del pop con Born in the USA (1984), el álbum que propiciaría su paso de los pabellones a los estadios enormes.

Alrededor de 7.000 asistentes, decíamos, que intuían lo que habían escuchado en grabaciones no oficiales de dudosa calidad, o lo que habían imaginado leyendo apasionados textos de cronistas desbordados por los adjetivos calificativos, y que se llevaron a casa exactamente lo que esperaban: 26 canciones durante más de tres horas, en una ceremonia en dos actos (con descanso de media hora) del rock n’ roll más auténtico, ese capaz de oscilar de la más oscura intensidad a la desenfrenada festividad. 

En la primera parte del concierto sonaron Factory, Prove it all night, Out in the street, The ties that bind, Darkness on the edge of town, Independence day, Who'll stop the rain (versión de la Creedence Clearwater Revival), Two hearts, The promised land, This land is your land (versión de Woody Guthrie), The river, Badlands y Thunder road. Un repertorio con el que ya hubiera valido entonces y que valdría ahora, pero con Bruce siempre hay más. No en vano, sigue tocando durante tres horas a sus 76 veranos; así ha sido en su gira de este año contra su archienemigo Donald Trump, con lo cual aquello de ser sobrenatural y valores humanos que decíamos antes tiene bastante sentido.

La segunda parte, el despiporre total: Cadillac Ranch, Sherry Darling, Hungry heart, Because the night (el himno que regaló a Patti Smith poco antes, tal era su estado de gracia, pero ha seguido tocando también él mismo), You can look (but you better not touch), Point blank, Racing in the street, Backstreets, Ramrod y Rosalita (come out tonight). Pero, como decía aquel, no se marchen todavía, que aún hay más y tiempo para un bis final con Born to run, Detroit medley y Rockin’ all over the world (versión de John Fogerty).

En un mundo sin internet, en un tiempo en el que la sorpresa en el rock en vivo era la pauta, quienes asistían a conciertos no sabían realmente qué esperar. Acudían a la llamada de la selva con unas expectativas creadas en su mente y que no sabían si cuadrarían con la realidad. Comprar una entrada era un acto de fe que, en las buenas ocasiones, como esta, obtenía una sabrosa recompensa. El público se llevó lo suyo y, según los cronistas de la época, el rockero de New Jersey juró no olvidar jamás aquella primera noche y volver a actuar en la ciudad más pronto que tarde. Cuatro décadas después, su amor por Barcelona ha quedado refrendado en multitud de veladas de gloria: 23 veces más siguieron a la primera, hasta un total de 24 a día de hoy.

La hemeroteca nunca miente, y un rápido repaso lo deja bien claro: “El mejor concierto del año” (El Diario de Barcelona), “Bruce Springsteen logra un gran éxito en Barcelona” (El Periódico), “Debut triunfal en Barcelona” (La Vanguardia), “El Boss sacudió Barcelona” (El Correo Español), “El gran ejemplo del mejor rock” (El noticiero universal), “La emoción y la verdad del rock” (El País), “Bruce Springsteen fue la vida” (El Alcázar), “El retorno de los héroes” (ABC), “El concierto del siglo” (El Gran Musical), “Una noche para el recuerdo” (revista Disco Actualidad), “Inolvidable” (revista Vibraciones), “El río salido de madre” (diario Ya) o “Sensacional Bruce Springsteen” (Marca).

Con Bruce siempre es como la primera vez, pero quienes asistieron a esta cita barcelonesa en abril de 1981 son los que pueden decir con todo el orgullo eso de “yo lo vi primero”. Entre todos ellos está Loquillo, quien ha reiterado en multitud de ocasiones que aquel ritual iniciático de puro rocanrol le cambió la vida, hasta el punto de escribir (junto a Gabriel Sopeña) la canción 21 de abril de 1981 como recuerdo de lo que sintió, con música inspirada por el estilo de Springsteen y versos como este: “Quiero que tu vida sea, ojalá que sea, como aquel 21 de abril”. Ojalá.

Resulta imposible saber qué estaría pasando por la cabeza de Paul McCartney mientras 15.600 personas cantaban a pleno pulmón el coro de Hey Jude en su última visita a Madrid en diciembre de 2024. Puede que estuviera pensando en irse al hotel, en la lista de la compra o, por qué no, en la primera vez que visitó España (la capital y Barcelona) en el verano de 1965, todavía tres años antes de la publicación de este himno inmortal y atemporal que incluso ha vuelto a ser cantado por miles de personas en el reciente Mundial del Fútbol con las victorias de Inglaterra.

Como un flashback trepidante de esos de las pelis, concedamos que rebobina el Beatle casi 60 años atrás en el tiempo y mientras toda esa multitud corea en bucle su "naaa naaaa nananaaa nananaaa hey Jude" (perdón de antemano por haber fijado esto para largo rato en la mente del lector), el ahora octogenario ve, como si acaso no fuera él mismo, a un jovencísimo Paul en la escalinata del avión en el aeropuerto de Barajas saludando junto a George Harrison, Ringo Starr y John Lennon.

Los cuatro pisando territorio español el 1 de julio de 1965, en pleno desarrollismo del régimen franquista, que, por supuesto, hizo lo que pudo para que esos "melenudos" no vinieran a tocar su terrible música pop y a poner un poquito de color a una España que para la posteridad quedó registrada en blanco y negro porque realmente carecía de diversidad cromática. Apenas tres minutos nos quedaron para la posteridad gracias al NO-DO (que aprovecha para afirmar que el recibimiento "no es apoteósico", aunque sí hay "curiosos"), que fueron ampliados en 1995 con el estreno del documental de Pedro Costa ¡Qué vienen los Beatles! (que puede verse aquí), con más imágenes inéditas junto a testimonios de periodistas y protagonistas varios de aquella visita.

"La actuación está anunciada en la Plaza de Toros [de Las Ventas], donde salta a la vista que no hay un lleno", prosigue el NO-DO con sus pullitas nada veladas, no sea que la juventud española de la época se le desmadre a Franco más de lo oportuno. Las palabras del locutor son un poema que, escuchadas desde el hoy, pueden provocar risa y sonrojo, pero no podemos olvidar que en absoluto eran inocentes, con perlitas como esta: "Por fin salen los melenudos al tablado. Alguno lleva sombrero ancho, en una concesión al ambiente". Y, de remate, el colofón: "Los Beatles pasaron por Madrid sin demasiada pena y sin demasiada gloria".

Diga lo que diga el aparato propagandístico franquista, el concierto de los Beatles el 2 de julio de 1965 en Las Ventas, así como el del día 3 en la Plaza de Toros Monumental de la Ciudad Condal, son historia de la música del siglo XX, historia de España y dos importantes hitos de la cultura contemporánea por lo que también tuvieron de político. No porque el grupo hiciera gesto alguno —aunque ya de por sí eran sinónimo de subversión, modernidad y libertad—, pero sí por lo que significaron para un régimen deseoso de aparentar normalidad de cara al exterior (por eso cedieron las autoridades) y, en cierta forma, de grieta abierta por la cultura en el puño cerrado de la dictadura. Un salto al color retransmitido en blanco y negro por el NO-DO.

La inclusión de España en su gira europea fue posible gracias a las gestiones del promotor Francisco Bermúdez, representante también de Raphael (quien supuestamente ayudó también poniendo dinero) y responsable de otras visitas ilustres como la de Marlene Dietrich. Eso sí, una vez alcanzado el acuerdo con el mánager del grupo, Brian Epstein, Bermúdez tuvo que pelearse con el ministro de Gobernación, Camilo Alonso Vega, quien no estaba en absoluto por la labor, aunque a última hora cedió por intermediación del gobernador civil de Barcelona, Antonio Ibáñez Freire, gracias a un argumento consistente: la reina Isabel II acababa de nombrar a los cuatro músicos miembros de la Orden del Imperio Británico, por lo que para evitar un hipotético conflicto diplomático era mejor dejarles tocar que una noticia internacional en la que se contara que España prohibía al grupo más famoso del mundo.

No acabaron aquí los tejemanejes, pues había que solventar también el asunto del caché. Los Beatles cobraron 5.000 libras esterlinas (unas 900.000 pesetas de la época al cambio) por estos dos únicos shows, aunque el coste total estimado final que pagó el promotor ascendió a unos tres millones de pesetas con otros gastos e impuestos. Los precios de las entradas oscilaron entre 75 y 450 pesetas (con el salario mínimo en 1.800 pesetas al mes). A Madrid asistieron 10.000 personas (según la Agencia EFE, pues otros investigadores rebajan ese aforo a 6.000) que no llenaron una plaza con aforo de hasta 20.000, mientras que en Barcelona se congregaron entre 18.000 y 25.000 (de nuevo, aunque parezca increíble, discordia en la cantidad, pero eran otros tiempos y el sector no estaba tan profesionalizado como hoy en día). Los teloneros fueron Los Pekenikes (Madrid) y Los Sírex (Barcelona), y el presentador de ambas veladas del año fue Torrebruno.

"Lo que recuerdo de Madrid, donde tocamos en una plaza de toros, es que la policía se mostraba muy violenta. Fue la primera vez que vi realmente a la policía golpeando a jóvenes", rememora sobre el ambiente el baterista, Ringo Starr, en el libro The Beatles Anthology, donde añade: "Asistí a una corrida allí y fue lo más triste que he visto jamás. Resultaba desolador ver cómo el toro se iba debilitando cada vez más. Y luego, cuando por fin matan al pobre animal, le atan una cadena a la pata, traen un par de caballos de tiro y arrastran el cadáver. Siempre me pareció un final lamentable. Fue la única corrida a la que he asistido y nunca he tenido interés en volver a ver otra".

Y ahora toma la palabra Paul McCartney, en el mismo mencionado título antológico: "Recuerdo haber actuado en una gran plaza de toros de Barcelona, donde el alcalde y toda la gente adinerada ocupaban los mejores asientos, mientras que los jóvenes —nuestro verdadero público— se quedaban fuera. Aquello nos molestaba: "¿Por qué tocamos para todos estos malditos funcionarios? Deberíamos tocar para la gente de fuera. ¡Dejadlos entrar! Pero, claro, no lo permitían".

Estos lejanos recuerdos de Paul nos llevan de vuelta al presente, al Palacio de los Deportes de Madrid el 9 de diciembre de 2024, con 15.600 personas cantando a pleno pulmón el coro de Hey Jude después de haber pagado entradas a precio de oro (no han cambiado tanto las cosas como quería el joven McCartney). No sabemos, como decíamos, si en esta última visita se acordaría el músico de la primera, pero, desde luego, mucha gente se acuerda, incluso aunque no estuviera.

Y esto lo decimos porque medio año después, en julio de 2025, ​​la Universidad de Barcelona (UB) recuperaba una filmación inédita en color de la actuación de los Beatles en la Ciudad Condal. El proyecto, a cargo del profesor de la Facultad de Geografía e Historia y director del Centro de Investigaciones Film-Historia de la Universidad de Barcelona, ​​Magí Crusells, muestra una grabación amateur de dos minutos y medio de la actuación que el grupo británico realizó el 3 de julio de 1965. Según la universidad, se trata del documento visual más valioso que se conserva de aquella noche, grabado por un espectador anónimo que asistió al concierto desde la pista.

Este asistente no lo sabía, pero con su cámara de vídeo que podía grabar en color —algo muy poco común entonces— estaba documentando el momento exacto en el que España dejaba atrás el blanco y negro con John, Paul, George y Ringo en una noche de verano para la historia. Este es el salto al color que los Beatles propiciaron y del que ahora, por fin, tenemos pruebas y constancia.

Tal es la relevancia que la familia propietaria del vídeo, que quiere mantener el anonimato, ha depositado la filmación en la Filmoteca de Catalunya por razones de conservación. Es, en definitiva, una cuestión de memoria pop.

“Si existe la música es para agitar sentimientos. Punto”, dice Carolina Sarmiento en su nuevo libro Las fronteras, y eso es lo que ocurre siempre que escuchamos música en buenas condiciones: se nos abre o se nos cierra una herida; se despiertan recuerdos que creíamos dormidos para siempre; se olvidan penas que impedían respirar; se libera la garganta de las piedras que no permitían hablar y una suerte de aire cálido envuelve el entorno.

Desgraciadamente el consumo de música en directo ha cambiado mucho en los últimos tiempos. Los conciertos ya no están diseñados para ti ni para gente que podría considerarse normal —sea eso lo que sea—. Alrededor de los conciertos hay especulación y grandes beneficios para unos cuantos que se constituyen en monopolios.

Detrás de las imágenes de estadios repletos, récords de recaudación y colas virtuales de millones de personas para ver a las superestrellas globales, se está produciendo una transformación silenciosa del negocio de la música en directo. Los conciertos nunca habían sido tan rentables ni tan populares, pero tampoco había sido tan difícil para el público acceder a las entradas en condiciones justas.

La experiencia se repite de manera constante. Las localidades se agotan en cuestión de minutos. Miles de usuarios denuncian errores en las plataformas, posiciones imposibles en las colas virtuales o incrementos inesperados e injustificados del precio durante el proceso de compra. Horas después, las mismas entradas reaparecen en plataformas de reventa a precios que multiplican varias veces su valor original. Y para el asombro general, las entradas se venden.

El responsable de este fenómeno es un ecosistema complejo en el que intervienen bots capaces de realizar compras masivas en segundos, revendedores profesionales que gestionan grandes volúmenes de entradas, intermediarios tecnológicos especializados y plataformas digitales que controlan buena parte de la distribución. La combinación de estos actores ha convertido la venta de entradas en un mercado altamente sofisticado donde la tecnología suele jugar a favor de quienes buscan maximizar beneficios y no necesariamente de los aficionados ni de los músicos que están fuera del circuito terrenal.

Ya, ya. Siempre ha habido reventa, sí, es cierto. Pero no a esta escala. Las herramientas automatizadas permiten monitorizar lanzamientos, saltarse limitaciones impuestas a los usuarios corrientes y adquirir cientos de entradas antes de que la mayoría de los compradores consiga acceder a la plataforma. Posteriormente, esas entradas se redistribuyen en mercados secundarios donde la escasez artificial dispara los precios.

A esta dinámica se suma la creciente concentración empresarial del sector. Un número reducido de compañías controla la organización de conciertos, la gestión de recintos y la venta de entradas en numerosos mercados. Esta integración vertical ha generado críticas por la falta de competencia y por la opacidad de determinados mecanismos de fijación de precios.

Y mientras tanto, las figuras más influyentes de la industria musical baten récords de asistencia y facturación; las plataformas, insaciables, incrementan sus ingresos por comisiones y los revendedores encuentran nuevos nichos de negocio. El gran perjudicado suele ser el aficionado, que se encuentra precios cada vez más elevados, es sometido a procesos de compra frustrantes y a una sensación creciente de que asistir a un concierto se ha convertido en un privilegio más que en una experiencia cultural accesible. Ansiedad incontrolable.

Pero volvamos al principio: a ese aire cálido que envuelve la música en vivo cuando nos alejamos de los gigantes materiales y nos rodeamos de titanes morales. Es el caso de los pequeños festivales, humildes, hechos con el corazón y desde el amor. El amor a la música, a la comunidad y a las personas. Como el LipeRock, que el 27 de junio celebrará la vida en Villaviciosa (Asturias) rindiendo homenaje a las personas queridas que ya no están físicamente pero que seguirán siempre a nuestro lado mientras las recordemos y honremos.

La maliaya Asociación Cultural Dakefalar, de reciente creación, ha sido la generadora de esta iniciativa en honor a Felipe Miravalles, Lipe, y rápidamente se han unido varias personas para ampliar el tributo a otros amigos y amigas que se han ido recientemente: Ñete, Xavi, Rosina, Paxa, Merino, El Tigre, Oscarín, El Leji…

Los organizadores han conseguido reunir a los mejores del rock astur, que emplearán el día entero para que este recuerdo quede engarzado en oro.

La jornada comenzará con una sesión vermú a cargo del rock underground de Jorge Explosión en el Café del Sol; por la tarde podremos disfrutar del genuino rock & roll de Robbie Savoy y sus "Rocking Robins" en el Rice; después, a partir de las siete, en el Parque del Pelambre, Pin Carter ofrecerá su pop eléctrico; le seguirá Pablo Und Destruktion presentando su último disco, Te quiere todo el mundo. Tras él, ROZA, la banda liderada por Kike Suárez y que cuenta además con Ramón G. Morán, Kike Planelles, Kiki Dee y para cerrar la noche el escenario será de Rafa Kas, figura imprescindible del panorama nacional.

Tinta Artificial, Dmasd Soluciones Electrotécnicas, Bypower y el ayuntamiento de Villaviciosa son algunos de los patrocinadores que apoyan este homenaje para el que no hay que comprar entradas, aunque sí se puede colaborar comprando papeletas para una rifa de las de toda la vida, porque, recordemos, se trata de celebrar la vida, algo que nos viene muy bien a todos y a todas.

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Asun Gómez Bueno es periodista y vicepresidenta del Comité de Informativos de la Unión Europea de Radiodifusión.

No me lo negarán: pocas cosas tan seductoras como un gran evento. El "yo estuve allí", muesquita en el revólver, marchamo en el pasaporte de la aristocracia sociocultural. El galardón, conste, lo dan en todos los gremios: la tarde en que se retiró Morante, el día que Los Javis triunfaron en Francia o la noche en que Kaufmann biseó en Viena; usted escoja.

También, en cualquiera de los 27 conciertos históricos que lleva Rosalía esta temporada. Aunque su música no me interese, sigo sus progresos con verdadera devoción. Si no fuera tan maravillosa, me digo, no tendríamos una crónica de cada estornudo. Recuerdo los titulares. "Deslumbra", "resucita", "apabulla"; "El público entró en trance", "sus fans levitan". Créanme: con lo complicadísimo que es encontrar hueco en las páginas de Cultura, tiene mérito lograr que los grandes diarios te envíen corresponsales cada noche a ver si varías una corchea.

No me atreveré a cuestionar la pertinencia informativa del asunto (lo ignoro todo en esa materia), pero me interesa en el estilo de los textos resultantes. Crónicas inflamadas, relatos sobreactuados y excelentes ejemplos de esa termita que devora a la prensa cultural: el emotivismo. Menciono la gira de Lux por paradigmática, pero de ejemplos vamos sobrados. El otro día, los guasones de El Mundo Today resumían concisamente el estado de la cuestión: "Un avión lleno de críticos de cine aterriza en Cannes y el piloto recibe dos horas de aplausos". Con Bad Bunny a punto de aterrizar, tiéntese las ropas.

Entiendo la fascinación. En un oficio cada vez más irrelevante, y en muchas ocasiones tedioso, ¿quién no querría participar de los grandes acontecimientos de su tiempo? Ya que el jornal no da para pagar facturas, al menos que nos componga una biografía envidiable. Tiene lógica: en vez de tragarme la enésima novelucha de la subsección "realismo mágico", comprenderán que prefiera las pruebas de imprenta del próximo Ulises. Dicho así, no hay quien ponga un pero. Ir, ver y contar, labor periodística de manual. La cosa, sin embargo, se tuerce cuando a uno ya no le envían (o no va) a juzgar tal artefacto cultural, sino a participar en ese sucedáneo de lo religioso y lo turístico que llamamos "experiencia", denominador común de todos los productos de la industria cultural y sustituto de lo que hasta hace nada conocíamos como "obra de arte".

Clavadito en la memoria: "Oscar para Joaquin Phoenix, Joaquin Phoenix es Dios". Entre los oropeles y las lisonjas de un festival veneciano, ¿quién no se dejaría anonadar por el entusiasmo? ¡Pues los críticos, que para eso se les paga! Lo contrario sabemos a qué conduce: a ser incorporados en los mecanismos promocionales de una industria a la que no le interesan espectadores cualificados y autónomos, sino prescriptores embelesados indistinguibles de un influencer. Un sujeto que "reaccione" a las películas, a los conciertos o a los libros con el mismo desparpajo que un youtuber: con grandes exclamaciones y consignas inflamadas destinadas a excitar la pulsión consumista de su parroquia en cualquiera de sus formas.

Puede que sea un agorero, pero sospecho que todos esos artículos que titulan sobre la serie del año, la película de la semana, lo descomunal, devastador, inmenso, soberbio que está tal o cual artista en su último bolo no hacen más que clavetear el bien sellado ataúd de la prensa cultural y de la independencia crítica. Mire adonde mire, solo veo anuncios.

Verán, uno de los argumentos que suelen usarse para detectar el conflicto de intereses es el de la direccionalidad. Si sobre tal fulano solo puedes escribir a favor (por amiguismo) o a la contra (por rencores), entonces es mejor que no escribas en ninguno de los sentidos. Propongo añadir una nueva clausula a este procedimiento: si tras asistir a un evento regresas con el culo hecho pesicola, mejor aléjate del teclado.

La Audiencia Provincial de Madrid ha resuelto que Real Madrid Estadio SLU y el director general del club, José Ángel Sánchez, no son responsables de ningún delito por exceso de ruido en los conciertos en el estadio Santiago Bernabéu y que son las promotoras de estos las que no deben sobrepasar los límites de la ordenanza municipal.

La sección tercera de la Audiencia ha estimado íntegramente los recursos del club y de su director general, a los que se adhirió el Ministerio Fiscal, para el sobreseimiento libre de las actuaciones y poner fin al proceso penal que llevaba a cabo el Juzgado de Instrucción número 53 de Madrid.

El auto, fechado el 12 de mayo y al que ha tenido acceso EFE, revoca la decisión previa del juzgado de Instrucción, que había acordado continuar el procedimiento abreviado por un posible delito medioambiental, tras la denuncia de la Asociación Vecinal de Perjudicados por el Bernabéu (AVPB).

Para la Audiencia Provincial, la acción cometida por Real Madrid Estadio SLU y su director general se limita a la cesión del estadio Bernabéu a cada promotor de un espectáculo musical, a cambio de un precio o alquiler, pero no promueven, ni organizan, ni desarrollan cada evento musical.

El auto afirma que son las empresas promotoras las que generan el ruido y es suya la responsabilidad de no sobrepasar los límites de decibelios, de acuerdo a la ordenanza municipal de protección contra la contaminación acústica y térmica de 25 de febrero de 2011, según establece la legislación autonómica.

También precisa que si el Bernabéu carece aislamiento suficiente para impedir que el elevado volumen de la música genere en sus alrededores ruido superior al máximo de decibelios permitidos, son los promotores de los eventos los que deben adecuar sus espectáculos a los requerimientos legales en ese aspecto.

Señala que tampoco cabe imputar delito por omisión a Real Madrid Estadio SLU ni a José Ángel Sánchez, que no están obligados legalmente, ni por contrato, a controlar la emisión de ruido al exterior del estadio.

La resolución recuerda que el delito medioambiental por contaminación acústica exige acreditar una conducta idónea para generar un riesgo grave para la salud o el medio ambiente, así como la responsabilidad directa o indirecta de quienes controlan la actividad contaminante.

La Audiencia concluye por tanto que no son autores del delito previsto por el artículo 325.1 del Código Penal pues la acción perpetrada, la cesión del estadio Santiago Bernabéu a los promotores de los espectáculos musicales, no integra la tipicidad del delito y procede el sobreseimiento del procedimiento.

Contra esta decisión cabe recurso de casación ante el Tribunal Supremo dentro de los cinco días siguientes a su notificación

La causa se abrió a raíz de una querella planteada por la Asociación Vecinal de Perjudicados por el Bernabéu (AVPB), que denunciaba la superación de los límites sonoros establecidos por la normativa municipal en un total de dieciocho conciertos y eventos celebrados en el Santiago Bernabéu entre el 26 de abril y el 8 de septiembre del año anterior.

La asociación querellante presentó como prueba unas 150 mediciones de ruido, tanto efectuadas por agentes del Ayuntamiento de Madrid como encargadas a empresas de ingeniería, y alegó que el propio Consistorio había incoado varios expedientes sancionadores a los promotores de los conciertos, imponiendo multas de entre 16.000 y 148.000 euros.

El juzgado ya rechazó investigar al alcalde de Madrid, José Luis Martínez-Almeida, o al concejal delegado de Medio Ambiente, Borja Carabante, contra quienes también se dirigía la querella.

La Asociación de Promotores Musicales (APM) ha mostrado su preocupación por la inseguridad jurídica que se genera tras esta resolución de la Audiencia Provincial.

"Los promotores asumen el mayor riesgo económico, operativo y reputacional en la celebración de espectáculos de gran formato", explica en un comunicado esta organización, que defiende la necesidad de avanzar hacia un marco equilibrado que garantice convivencia, sostenibilidad y seguridad jurídica para la música en vivo.

La asociación advierte del "impacto" que se puede generar en el conjunto de la música en vivo y, especialmente, sobre quienes hacen posible la celebración de grandes conciertos y eventos, que son las promotoras musicales.

Defiende que "detrás de cada gran concierto existe un enorme trabajo de planificación, producción y coordinación técnica que convierte estos eventos en proyectos culturales de gran valor".

Pero reconoce también "derecho de los vecinos al descanso y la importancia de encontrar soluciones que permitan compatibilizar la actividad cultural con la convivencia y el bienestar de quienes residen en las zonas donde se celebran estos eventos".

Por ello, y tras subrayar el impacto económico, turístico y social de la música en vivo, la APM apuesta por avanzar en un "marco claro y equilibrado" con garantías para todas las partes implicadas porque "los promotores no pueden seguir soportando en solitario todo el peso y el riesgo que implica traer grandes artistas y organizar eventos de esta magnitud".

Por último, señala que España se ha consolidado como un referente en música y cultura en vivo.

Parece que algo tan lógico siempre ha sido como es ahora, pero hace una década (año arriba, año abajo en función del territorio) se produjo una pequeña gran revolución en nuestro país, un efecto dominó por el que las comunidades autónomas fueron regulando y permitiendo, después de no pocas campañas y protestas, el acceso de los menores de edad a las salas de música en directo para asistir a conciertos. Porque no, no podían, lo tenían prohibido al confundir las administraciones la cultura con el ocio nocturno, con la funesta conclusión de que no pintaban nada en esos bares y discotecas donde se vendía alcohol, por mucho que hubiera músicos tocando en un escenario.

Transcurrido el tiempo y normalizada la situación, la música en vivo recibe con los brazos abiertos a los más pequeños, a los que es habitual ver en las salas, siempre acompañados por su padre, madre o tutor legal (lo estándar es que puedan asistir solos a partir de los 16, presentando el DNI). Más habitual todavía es su presencia en festivales, pues son muchos los que directamente les facilitan la entrada gratuita hasta diferentes edades —Mad Cool hasta los ocho, Arenal Sound hasta nueve, Primavera Sound a 12, Azkena y Ebrovisión llegan a 14, por citar algunos—. Las motivaciones de cada cual son variadas, y van desde crear afición hasta facilitar el disfrute y la conciliación familiar (y atrapar futuros públicos, claro).

En un momento en el que la industria de los conciertos rompe gracias a los grandes eventos récords de facturación año tras año —alcanzó en 2025 por vez primera los 807 millones de euros—, se corre el peligro de que se resienta el eslabón más débil de la cadena y queden vacías las salas, que no son otra cosa que el lugar por donde todos los artistas necesariamente empiezan. Espacios donde, además, se disfrutan las actuaciones de otra manera, más cercana y directa, por lo general sin las incomodidades de las aglomeraciones, precios para nada tan abusivos... En las salas está, en definitiva, la esencia de todo esto.

Y mientras todo el mundo parece estar comprando a la vez cientos de miles de entradas para Bad Bunny, Shakira y otros grandes eventos, hay artistas menos mediáticos que se ganan los cuartos noche tras noche y justo por eso tiran de imaginación, arriesgan y proponen facilidades para los menores nada habituales en el sector. Nat Simons, por ejemplo, puso entrada libre para menores de 16 (siempre acompañados) en la reciente presentación de su nuevo disco en la Sala Changó de Madrid, que registró un lleno absoluto ante 800 personas.

"Esto se lo vi a un grupo de Valencia que se llama Corazones Eléctricos y me pareció muy llamativo", explica a infoLibre la artista. "En el rock muchas veces se dice que no hay relevo generacional natural, así que me pareció buena idea por su parte para que los chavales pudieran verles y hacerse fans. Mi concierto en Madrid, además, coincidió con el día del padre, así que pensé que era una ocasión perfecta para ponerlo como regalo para los padres en plan 'pues mira, te puedes traer a tu hijo gratis'", plantea.

"Llevamos haciéndolo desde 2023", destaca a infoLibre Pau Monteagudo, líder precisamente de Corazones Eléctricos —y anteriormente de Uzzhuaïa—, que actúan el próximo 23 de marzo en el Moby Dick Club de Madrid con entrada libre para menores de 25 años (en un aforo total de 300 personas). Y se muestra muy satisfecho por haber cumplido en estos tres años el humilde propósito con el que empezó todo: dejar que los niños y jóvenes se acerquen al rock. Un género que puede no estar precisamente de moda entre las nuevas generaciones, pero que sigue manteniendo unos adeptos que "a lo mejor se sienten un poco como ovejas negras en su instituto" porque la mayoría escucha otra cosa.

"Hay que abrirles las puertas, que tengan la oportunidad de poder vivir lo que vivimos allá en los años 80 y 90 de poder ir a conciertos, conectar, conocer gente, sentirte un poco parte de una comunidad que, por desgracia, ahora no tienen", remarca el músico, que defiende a su vez elevar la entrada gratis hasta los 25 años, con el objetivo no ya de que una familia se anime a asistir al ahorrarse alguna entrada, sino de que los jóvenes ya mayores de edad puedan ir por su cuenta.

“Pensé en arriesgar nuestra propia supervivencia como banda y no dejarlo en 16 años, sino que alguien con 20 años pueda asistir por su propio pie", explica. "Recuerdo un grupo de seis chavales de 20 o 21 años en una sala de Gijón el año pasado que salieron flipados de nuestros conciertos y después nos contaban que habían estado viendo a Scorpions en un gran festival y no les había gustado, a pesar de que habían pagado una pasta. Pues se acabaron comprando nuestras camisetas y CDs", relata.

La jugada ahí salió bien, pero es un riesgo que asume una banda a la que pueden no salirle las cuentas si no vende las entradas suficientes, pues los márgenes suelen ir muy apretados. Esa es la apuesta para Monteagudo: "Si entran 15 chavales que no pagan la entrada a una media de 15 euros, estamos hablando de poco más de 200 euros, que a lo mejor es nuestra gasolina o el hotel. Pues yo prefiero arriesgarlo, no ganarlo para mí, pero poderlo ganar en común para los próximos años y que haya jóvenes que recuerden lo que les gustó el ambiente y el concierto. Porque el ambiente del rock en una sala no es el de un gran festival, y merecen como mínimo tener la oportunidad de experimentarlo. Si luego no les mola o prefieren este postureo del festival, son libres de elegir, por supuesto".

Coincide Nat Simons, quien ha recibido una gran respuesta a su iniciativa, con seguidores de todo el país preguntándole si iban a poder también llevar a sus hijos gratis en otras fechas de la gira. "Al hacerlo en Madrid hubo mucha gente que me empezó a preguntar si iba a ser así en otras ciudades. Yo no tengo hijos, pero a mi alrededor todo el mundo los tiene y entiendo que es difícil dejarlos con alguien para ir a un concierto, sobre todo mi público, que es de mi edad o más mayor. Y, aparte de todo esto, también hay que hacer cantera, eso mola mucho", resalta la cantante.

El director gerente de Madrid en Vivo, la asociación de salas de conciertos de la capital, Javier Olmedo, ve "fantásticas" este tipo de iniciativas inéditas, pues nadie más a ese nivel las está poniendo en práctica, "sobre todo por intentar atraer a gente más joven" a estos espacios culturales, donde se nota especialmente el "envejecimiento" de los asistentes habituales. "Es fundamental la renovación de los públicos y que toda esta gente entre a las salas. Somos conscientes de lo difícil que es que vengan, pero cuando vienen ya les ha picado el gusanillo. Lo difícil es que den el primer paso", argumenta a infoLibre.

Y señala, asimismo, que aparte del envejecimiento de los espectadores en las salas, la pandemia produjo una especie de "brecha generacional" que todavía sigue abierta, debido a que durante aquellos meses de confinamientos y cierres hubo una generación "que se perdió pisar las salas justo en el momento que desarrollamos esos gustos culturales, de ocio y de vida". Eso lo están "notando" todavía las salas de conciertos porque, además, a ese público más joven "se le ha vendido la experiencia del festival" como si fuera la única para ver música en directo: "Pero creo que se están dando cuenta de que, si les gusta realmente la música, su sitio son las salas de conciertos. Y cuando se te pasa la tontería de ir a hacerte fotos para Instagram te das cuenta de que puedes ver en ellas a grupazos por poco dinero".

"Si esto lo convertimos solo en negocio, que es lo que está pasando, perdemos la identidad y el arte", reivindica Monteagudo, quien aprovecha para extender esta iniciativa a otros artistas que toquen en salas más grandes: "Una banda que meta 2.000 personas no es tampoco tan grande, pero es ya importante, y puede poner un cupo para menores gratis. Dinero vas a ganar. Hay sueldos que pagar y mil historias, ya lo sé, pero de 2.000 pon cien o cincuenta para ellos. Abre esas puertas. Pero es que estamos todos con 'para mí, para mí, el que venga detrás que se joda', pero luego nos damos todos palmaditas en la espalda. Yo prefiero arriesgar. Decides no ganar un poquito de dinero, pero sabes que te va a salir bien la jugada".

Tanto Simons como Monteagudo son artistas ya con una trayectoria importante, que llenan salas de mediano y pequeño aforo por toda España. Profesionales de la música y de la carretera con sus seguidores fieles, con sus ingresos y sus gastos, que pelean desde la base concierto a concierto ajenos a las grandes cifras de los macroeventos del postureo que acaparan todo: nuestra atención, nuestra cuenta corriente, nuestras publicaciones en redes. Por eso ambos tiran de imaginación para encontrar y expandir su hueco haciendo lo que nadie hace. En este contexto, las salas son para Olmedo una "tabla de salvación", un espacio donde disfrutar de los conciertos en familia y con precios mucho más asequibles. "Viendo lo que cuestan los grandes conciertos y los festivales, nosotros vamos de regalo", termina.

Barcelona se congregaba ayer jueves para pedir justicia por Palestina. No era en una multitudinaria manifestación o en una concentración, como era habitual ver estos últimos años. Tampoco era en la calle, y en vez de grito, se escuchaba música. El Palau Sant Jordi se llenó para albergar el concierto Manifest x Palestina. El acto era el broche de oro de la campaña internacional coordinada por Act X Palestine para recaudar fondos. 

El concierto contaba con artistas como Amaia, Oques Grasses o Mushka. Pero quedaba una. Solo faltó un pequeño letrero en las pantallas del Palau para que el público se transformara: Rosalía.

“Hoy, especialmente, es un honor estar en este escenario”, ha expresado la cantante catalana después de cantar su canción La Perla, incluida en su último disco Lux. Nadie esperaba su asistencia, puesto que no había sido anunciada en el cartel, aunque si que se sabía que estaba en la capital catalana. Tampoco se esperaba un posicionamiento tan claro después de innumerables críticas por la falta de contundencia de la artista al tratar temas políticos. Incluso, fue muy criticada por no posicionarse en contra del genocidio, algo que remedió con un comunicado en Instagram en el que aseguraba: "El hecho de no haber usado mi plataforma de forma alineada con el estilo o expectativas ajenas no significa en absoluto que no condene lo que está pasando en Palestina. Es terrible ver día tras día como personas inocentes son asesinadas y que los que deberían parar esto no lo hagan".

El concierto también contaba con voces palestinas como Lina Makoul o Zeyne, además de con artistas como Morad, Bad Gyal o Yerai Cortés y figuras como Pep Guardiola o Eduard Fernández. Todos los beneficios del concierto se destinarán a impulsar y reconstruir proyectos culturales en Gaza y Cisjordania, canalizados a través del PPAN (Palestinian Performing Arts Network) y centros culturales independientes como el Lajee Center (Camp de Refugiados de Aida) y el Dar Qandeel (Tulkarem).

A pocos kilómetros de allí, en la playa, se había dado un homenaje por la tarde a la pequeña Hind Rajab, una niña que, con tan solo cinco años, fue asesinada hace dos. Este suceso llego a todas las partes del mundo después de que se difundiera una última llamada en la que pedía ayuda mientras esperaba una ambulancia que no llegó nunca. En Barcelona, la organización social Avaaz, ha conmemorado el aniversario de su muerte en un acto al que ha asistido su madre, Wesam Hamada. Una lona de unos 1.000 metros cuadrados se ha desplegado en la playa con el retrato de la pequeña Hind con el objetivo, según la organización, de pedir protección para la infancia palestina y exigir rendición de cuentas. Ahora, la historia de la niña será conocido por todos en la película La voz de Hind Rajab, nominada al Oscar.

Tras décadas de casi inalterada tradición, el Concierto de Año Nuevo de la Filarmónica de Viena ha inaugurado este jueves el 2026 con un programa más inclusivo dirigido por el canadiense Yannick Nézet-Séguin, que ha modernizado el recital con dos obras compuestas por mujeres.

Nézet-Séguin, que a sus 50 años es una influyente figura del circuito clásico, demostró que es posible añadir diversidad y modernidad al encorsetado estilo de los filarmónicos vieneses sin que el concierto de música clásica más famoso del mundo pierda su esencia.

De este modo, apostó por un repertorio que, sin abandonar el protagonismo de la dinastía Strauss con sus tradicionales valses, polcas y marchas, incorporó cinco obras inéditas en este recital, entre ellas dos de compositoras: la afroamericana Florence Price (1887–1953) y Josephine Weinlich (1848–1887).

No fue hasta el año pasado, después de 85 ediciones y más de mil piezas interpretadas, que el Concierto de Año Nuevo incluyó por primera vez una obra compuesta por una mujer, el 'Ferdinandus-Walzer' de la austríaca Constanze Geiger (1835-1890).

La tardía y lenta ruptura de ese monopolio masculino ha continuado este año con esas dos compositoras.

"Florence Price fue una compositora injustamente relegada y, según sus propias palabras, lo fue por su género y por su raza", explicó antes del concierto Nézet-Séguin a EFE sobre una pieza que él pidió expresamente a la Filarmónica de Viena.

Así el ‘Vals del arcoíris’ de Price, inspirado en la música afroamericana y popular, resonó con fuerza en la Sala Dorada de la Musikverein, ofreciendo al público una mirada hacia una música clásica "más abierta", en palabras del director canadiense.

La otra protagonista indiscutible fue Josephine Weinlich, una compositora y directora pionera que fundó en 1875 la primera orquesta de mujeres de Europa.

Su ‘Canciones de sirenas', un mensaje de empoderamiento y solidaridad, encajó perfectamente con la intención de Nézet-Séguin de actualizar el repertorio del concierto.

El Concierto de Año Nuevo de Viena, cuyos orígenes se remontan al año 1939, bajo el nazismo, es desde hace décadas el concierto de música clásica más popular del mundo, seguido por cientos de millones de personas por radio y televisión.

Nunca una mujer ha dirigido este recital de la Filarmónica, una orquesta en la que el 83 % de sus 145 integrantes son hombres y que no admitió a la primera mujer entre sus filas hasta 1997.

Yannick Nézet-Séguin impregnó el Concierto de Año Nuevo de una energía marcada por la "alegría" y una "esperanza compartida" a través de la música, en sus propias palabras.

Ese espíritu de renovación también se trasladó a la imagen: vistió un traje a medida de Louis Vuitton, diseñado por su marido, el violinista Pierre Tourville, de líneas clásicas reinterpretadas con un aire contemporáneo y rematado con un broche brillante en el cuello, junto a sus características uñas pintadas.

En un breve discurso antes del tradicional brindis por el Año Nuevo, el director deseó paz “en los corazones y, sobre todo, paz entre todas las naciones del mundo”.

“La música puede unirnos a todos porque vivimos en el mismo planeta”, añadió.

Nézet-Séguin es muy activo en defensa de los derechos LGBTQ+ y ha mostrado su solidaridad con Ucrania, y apoyó a la candidata demócrata Kamala Harris en la campaña electoral en la que fue derrotada el año pasado por el republicano Donald Trump.

El concierto de hoy tuvo momentos de humor, como cuando algunos filarmónicos vistieron gorras de ferroviarios durante la interpretación de 'Galope de Københavns Jernbane-Damp’, compuesta por Hans Christian Lumbye para celebrar la conexión de trenes entre Copenhague y Roskilde.

Durante la pausa entre las dos partes del recital se proyectó una película en la que se recordaba el 250 aniversario del Museo Albertina, una de las principales pinacotecas de Austria, que condujo a los espectadores por sus galerías mientras algunos de sus dibujos más célebres cobraban vida al ritmo de la música.

Como es habitual, la versión televisada del concierto ofreció representaciones de danza del Ballet Estatal de Viena con dos piezas musicales seleccionadas: ‘Rosas del Sur’ y ‘Polka Diplomática’, ambas de Johann Strauss hijo, con coreografía de John Neumeier.

Tras el clásico bis de 'El Danubio azul', Nézet-Séguin bajó del podio para dirigir la tradicional 'Marcha Radetzky' entre el público, al ritmo de las palmas de los asistentes.

Con esta 86 edición del Concierto, se cerró la celebración del bicentenario del nacimiento de Johann Strauss hijo, figura central de la música vienesa, al que Austria ha dedicado numerosos eventos a lo largo del año.

Vengo a escribir sabiendo que todo ha sido escrito: ha enmudecido de súbito una parte de lo que una vez fuimos. Fotografías nocturnas y adolescentes en corro en una playa del este del país, cintas de caset regrabadas y tituladas a bolígrafo que pasaban de mochila a mochila, la camiseta negra que se deshacía en su cuello, aquel concierto al que no nos dejaron ir nuestros padres, los buitres que sobrevolaban la carroña. Cómo no vamos a estar nostálgicos de habernos pretendido alguna vez ácratas con los tiempos que corren. O tristes porque se ha detenido una banda sonora que nos amortiguaba y a la vez nos ponía en pie. Canciones que nos decían: volar. Que nos decían: ahora. Contra Dios, contra la norma escrita, contra la sociedad neurotizada. Vaya forma colectiva de llorar por alguien la que tuvimos el miércoles.

Pocas veces.

Le conté a mi hijo cuando se despertó que había muerto Robe. Tiene nueve años, pero sabe bien quién es. Como a tantos, nos ha acompañado en miles de kilómetros de coche y mañanas en casa. Es el único territorio musical común que compartíamos su padre y yo, encontrados en una improbable encrucijada de caminos entre el metal y la trova. Le gusta So payaso; le gusta La vereda de la puerta de atrás, porque le hace reír la irreverencia. Daños controlados en tiempos de control parental. A mí me gustaba más el Robe último, para contrariar a los fanáticos, o más profundamente, porque, aunque me las sabía todas porque las cantamos mil veces desde los quince y me han regañado en serio por maltratarlas con la guitarra sin tener la voz rota, he llegado tarde siempre al nudo y, sobre todo, a la aceptación del desorden. Es el Robe que renace con esa sinfonía en espiral al desamor que es La ley innata. El disco de mi vida.

“Cómo quieres que escriba una canción”.

La ley innata, la de la carne y el pensamiento propio, puede que fuera la única ley a la que se podía atener un anarquista de la propia anarquía cargado de sinrazones. Se la cantó en Madrid entera sin pausa en el primer concierto al que fuimos después de la pandemia. Más de una hora seguida donde una casita de campo daba vueltas proyectada tras ellos. Parecía que fuera esa todas nuestras casas desconfinadas, todos esos salones con el eje torcido, un tiempo a olvidar y el tipo ahí, en medio, con unos faldones hasta el suelo y una camiseta rota, en pie, dando un único mandato: atentos a la vida. Tuvimos que llorar allí mismo la catarsis de reencontrarnos miles de personas bajo un mismo techo.

No sé si les pasa, pero sucede que, a veces, cuando nos cansamos de ser mujeres y hombres, serán cosas de la edad, tengo la sensación de que, en realidad, ya lo sabíamos todo entonces. Cuando estábamos completamente intactos. Cuando podíamos enumerar con una mano nuestras derrotas. Y que, al cruzar ciertos ecuadores, al cargar con una mochila cada vez más pesada, de vez en cuando hacemos un intento por regresar a la médula de lo que una vez fuimos. Mucho antes de que viniera la vida a malearnos y hablarnos de la desconfianza: en lo de dentro, en lo de afuera. Y pienso, por eso, que las letras, que la música, que algunas creaciones, nos conectan con algo primario, burdo a veces, reconocido como golpe juvenil, palabras pobres de la tierra, pero colocadas como una flecha indómita allí donde más nos duele hoy. La línea desde ese pasado hacia nuestro presente se muestra entonces coherente a través de una melodía, de un verso que permanece. No podemos decir eso de cualquiera. Es una autopista de regreso al hueso de nosotros mismos. Y por eso sí sentimos que el miércoles perdimos algo.

¿Qué somos ahora: indios o abogados?

Quién nos va a cantar lo próximo que nos suceda.

Jimmy Cliff, una de las grandes figuras del reggae, ha fallecido a los 81 años por complicaciones de una neumonía, según anunció este lunes su mujer, Latifa Chambers, en las redes sociales, según informa EFE.

"Con profunda tristeza les comparto que mi esposo, Jimmy Cliff, falleció debido a una convulsión a consecuencia de una neumonía", señaló Chambers, que quiso recordar a todos los que "han compartido camino con él".

"A todos sus fans de todo el mundo, sepan que su apoyo fue su fortaleza durante toda su carrera. Él agradeció de verdad el cariño de cada uno de ellos", agregó.

Nacido el 30 de julio de 1944 en Saint James (Jamaica), James Chambers comenzó a participar en concursos musicales desde muy joven y a los 17 años su carrera despegó con Hurricane Hattie tras convencer al productor de origen chino Leslie Kong de que le grabara sus primeros temas.

Su consagración llegó en 1969 con su disco homónimo, que contiene clásicos como Many Rivers to Cross, Vietnam y Wonderful World, Beautiful People. 

Se mudó a Reino Unido y se convirtió en una estrella del reggae y del ska. Tanto que es uno de los dos miembros jamaicanos del Salón de la Fama del Rock and Roll, junto a Bob Marley.

También fue actor de cine y protagonizó una película esencial del cine de Jamaica, The Harder They Come (Caiga quien caiga, 1972), en la que también se encargó de la banda sonora y a la que se le atribuye haber introducido el reggae en Estados Unidos.

Cliff contribuyó a difundir el sonido de Jamaica a nivel mundial con éxitos como The Harder They Come –tema principal del filme–, I Can See Clearly Now o You Can Get It If You Really Want. 

En 2012 ganó un Grammy al mejor álbum de reggae por Rebirth y en los últimos años trabajó con el productor ghanés Kwame Yeboah, con el que regresó al reggae más puro.

La influencia de Cliff ha sido reconocida por artistas como Rolling Stones, Elvis Costello, Annie Lennox o Paul Simon, con los que colaboró.

Otros como Bruce Springsteen, Willie Nelson, Cher, New Order o Fiona Apple han grabado versiones de sus canciones.

Mientras que Bob Dylan proclamó Vietnam como "la mejor canción de protesta jamás escrita", según destaca la web oficial de Cliff.

En una entrevista con EFE en 2015 aseguró que "la música es como el oxígeno. Todos la necesitamos para seguir vivos y es lo que nos une a todos".

Y tras una carrera de más de 60 años, continuaba buscando su mejor canción. "Estoy persiguiéndola todo el tiempo. Si mi música puede inspirar a alguien y hacer que quiera vivir una vida mejor y no rendirse, para mí es un gran éxito".

El vocalista, guitarrista y líder de la banda Ilegales, Jorge Martínez, ha anunciado que debe someterse a un tratamiento contra el cáncer, lo que ha obligado a la cancelación de todos los conciertos previstos "por tiempo indefinido", ha informado el grupo a través de su página web, informa EFE.

Ilegales había anunciado en los últimos días la cancelación de algunos de sus conciertos por una situación que "se ha complicado más de lo previsto inicialmente", lo que obliga a "detener por completo la actividad en directo de la banda para que Jorge pueda someterse a un tratamiento contra un cáncer".

El grupo, que ha expresado su "gran pesar", ha incidido en que "la decisión, tan difícil como inevitable, responde únicamente a la necesidad de que Jorge dedique todas sus energías a recuperarse".

Ilegales ha transmitido su agradecimiento al público, "siempre fiel, que lleva acompañando a la banda durante más de cuatro décadas de carrera", así como sus "más sinceras disculpas a quienes tenían entradas adquiridas o habían hecho planes para disfrutar de los próximos conciertos".

"Hoy más que nunca es momento de poner la salud por delante de todo. Confiamos en que la fortaleza y el carácter indomable de Jorge le permitan superar esta etapa y esperamos que pronto vuelva a encontrarse con su público sobre los escenarios. Agradecemos de corazón la comprensión, el cariño y el apoyo recibidos en estos momentos tan complicados", ha manifestado la banda, que tenía programados un veintena de conciertos de aquí a final de año.

"Yo ya no me puedo despedir nunca más, tengo prohibido usar esa palabra, me tendré que despedir a la francesa. Y es que, además, cuando los compañeros anuncian la suya, usan mi despedida para decirles 'si quieres volver, luego te haces un Miguel Ríos y ya está'. Se ha convertido en marca", nos confesaba divertido Miguel Ríos semanas atrás, haciendo gala de su proverbial sentido del humor y reivindicando de paso su derecho a cambiar de opinión después lanzar esa mentirijilla del adiós definitivo porque, como todos sabemos, los viejos rockeros nunca mueren. Ni se retiran. "Yo quiero vivir y morir con las botas puestas", sentenciaba el granadino en conversación con infoLibre el pasado mes de mayo.

Miguel se despidió oficialmente por primera vez en 2009 con la gira Memorias de la carretera, si bien en 2010 y 2011 alargó el adiós con otro tour llamado Bye Bye Ríos (un nombre que no dejaba lugar a dudas), aunque después nunca dejó de colaborar con quien se lo pidiera. Volvió al escenario en 2016 con la gira El gusto es nuestro (con Ana Belén, Víctor Manuel y Serrat, este último alejado de las tablas desde 2022), en 2018 con un directo sinfónico, y a salir de gira en 2021, ya convencido de que no lo iba a dejar mientras pudiera seguir cantando. Y no lo ha dejado, hasta tal punto de que recientemente anunciaba nuevo disco y otra turné para finales de 2025 y 2026 bajo el título de El último vals. Conociéndole un poquito, mejor sería hablar del penúltimo, convengamos.

No dijo hasta la vista Joaquín Sabina explícitamente al anunciar Contra todo pronóstico, la gira con la que regresó a la carretera en 2023 después de la pandemia y su aparatosa caída en pleno concierto allá por 2020. "No se ha anunciado como despedida pero es probable, claro", reconocía a infoLibre el guitarrista de su banda, Jaime Asúa. "Sí que huele a despedida. Creo que lo huele el público y lo olemos nosotros también", admitía a su vez la vocalista y corista Mara Barros. De manera que se extendió entre los fans esa sensación y por eso se tomaron como un regalo y casi un regreso el anuncio de Hola y adiós, ya sí confirmado como tour final a la carrera del jienense durante este 2025. ¿Habrá más tras el último show del 30 de noviembre en el Palacio de los Deportes de Madrid? Es Joaquín, como Miguel, otro aficionado a las penúltimas rondas, pero eso ahora no lo sabemos, quizás, ojalá, lo descubriremos.

Siempre cabe la posibilidad del arrepentimiento, de darse cuenta de que todavía queda gasolina para otra vuelta al mundo. Bien lo saben Alejo Stivel y Ariel Rot, miembros fundadores de Tequila, dos argentinos que pusieron color a un país en blanco y negro a ritmo de frenético rocanrol entre 1976 y 1983. Una primera etapa tras la que bifurcaron sus caminos hasta que cinco lustros después, en 2008, decidieron reverdecer viejos laureles. Desde entonces, Tequila se ha mantenido en marcha de manera discontinua como dúo, mientras cada cual a su vez desarrollaba su carrera en solitario, con diferentes músicos y con varios recitales anunciados como finales en 2018 y 2021. El público parece encantado de comprar no solo una, sino varias veces, entradas para la definitiva (a la taquilla siempre le viene bien esa promesa), pero en octubre de 2023 Tequila regresaba para un recital gratuito en la Plaza Mayor de Madrid. Y tiene toda la pinta de que nunca se van a terminar de ir porque, en contra del dicho popular, en esto del rock siempre es genial volver al lugar donde uno fue joven y feliz.

Hay entre músicos españoles otros muchos casos. Como el de Mikel Izal, quien tras la disolución en 2022 de la banda a la que daba nombre con su apellido, retornó poco después para emprender carrera en solitario pero cantando en sus directos multitud (la mayoría) de temas de Izal. Un truco de trilero para hacer caja con la despedida y luego en realidad volver haciendo lo mismo con otros músicos. Adiós y hola otra vez, como Sabina, pero al revés. Distinto es el caso de Bunbury, quien también en 2022 anunciaba su retirada precipitada de los escenarios por problemas respiratorios y de garganta, no sin antes hacer un último tour que tuvo que dejar antes de tiempo al no poder continuar. Un año después, por fortuna ya localizadas y controladas esas complicaciones de salud, confirmaba su vuelta con una serie de shows escogidos en 2023 y 2024, una fórmula que mantiene para este 2025: nada de periplos interminables, pero sí citas únicas con los suyos.

También hay casos en la escena independiente española de grupos que se fueron y con el paso del tiempo lo retomaron donde lo habían dejado: Standstill (separados de 2015 a 2024) y Nudozurdo (entre 2018 y 2024). Por su parte, Rayden anunció su retirada de la música en 2023 por motivos personales tras haber sido padre. En septiembre de 2024, el rapero celebró los dos últimos conciertos de su carrera en La Riviera madrileña y, seis meses después, el pasado marzo, anunciaba en una entrevista su deseo de regresar a la profesión, aunque sin ponerse fechas. "Vuelvo a la música, pero no sé cuando. Es lo que vengo a decir en la portada de 'El País'", publicaba en las redes sociales, donde, precisamente, por aquello de tiene que exponerse constantemente, se ha convertido en una tediosa tendencia que los artistas anuncien que desaparecen temporalmente. 

Algo que siempre ha pasado, pero antaño no era necesario hacer grandes comunicados para estar un año o dos entre discos, alejado de los escenarios, dedicado a otros menesteres creativos o simplemente disfrutando de los días pasar. Algo que implica, además, en casi todas las ocasiones, una última tanda de conciertos antes de desaparecer un tiempo (con el consiguiente paso por caja del espectador), e incluso algún lanzamiento discográfico que se quede ahí, en barbecho, en el imaginario. No es lo mismo un descanso que una retirada (temporal o indefinida), pero a jugar con las palabras se han dedicado Rigoberta Bandini, Vetusta Morla, Tote King, Dani Martín o el mismísimo ídolo juvenil, Quevedo, quien con tan solo 23 años ya se ha ido y ha regresado de quien sabe donde.

El mismísimo Ozzy Osbourne, fallecido hace unos poquitos días a los 76 años tras un épico concierto de despedida celebrado el pasado 5 de julio en su Birmingham natal, aseguraba siendo un cuarentón que dejaba la música allá por 1992 con la gira No more tours (por supuesto, no lo hizo hasta que no pudo más por culpa del Parkinson, afecciones varias y cirugías de espalda que coincidieron con la pandemia). Claro que, en el universo del rock, los reyes del engaño son Scorpions, que hicieron saltar la banca con su supuesta última gira en 2014 pero acaban de retornar a nuestro país, como cada verano, para una tanda más de multitudinarios recitales. 

Más casos: Kiss hicieron un Farewell Tour en 2000 y 2001 que era al mismo tiempo una reunión de la formación original (con lo que gusta eso a los fans), de manera que, obviamente, continuaron ante la gran demanda de entradas hasta celebrar el End of the Road World Tour, que terminó el 2 de diciembre de 2023 en el Madison Square Garden de Nueva York (ya se habla de un concierto para otoño en una convención de fans en Las Vegas, eso sí, sin maquillaje). Y otro más: Judas Priest anunció a finales de 2010 su adiós con el Epitaph Tour, que recorrió el planeta durante los siguientes meses pero, ¿saben qué? Sorpresa. Tres lustros después de aquello, acaban de pasar una vez más por España.

Y es que no hay nada más lucrativo que anunciar una gira de despedida. Bueno, sí, confirmar una gira de regreso. La penúltima, decíamos, siempre parece ser la más gustosa. Mötley Crüe anunciaron en 2014 su gira de despedida e incluso firmaron públicamente un contrato legal que les impedía volver, aunque como era de esperar lo rompieron poco después y protagonizaron en 2022 y 2023 una de esas giras que agotan ipso facto las entradas en grandes estadios. The Who amagaron con su adiós con un último tour hace tanto como 43 años, en 1982, pero muchísimos años después publicitaron su gira de 50 Aniversario como su marcha durante 2014 y 2016 pero, nada, que no, que Roger Daltrey y Pete Townsend se preparan ahora para emprender este agosto The Song Is Over North American Farewell Tour (puede que sea momento de creerles, ya que tienen 81 y 80 años, respectivamente).

Cambio de estilo para virar hacia el pop. Cher hizo una gira de despedida de 2002 a 2005, pero tres años después inició su extensa residencia en El Coliseo del Caesars Palace de Las Vegas, y luego aún volvió con el Dressed to Kill Tour en 2014, para regresar una vez más con el Here We Go Again Tour (2018-2020), que ya sí parece definitivo. Jugada parecida hizo Tina Turner, fallecida en 2023, al anunciar el Twenty Four Seven Tour del año 2000 como su retirada de las actuaciones, aunque en 2008 regresaría para celebrar su medio siglo de trayectoria: 37 fechas con entradas agotadísimas y ahí sí, ya se acabó y se retiró de la vida pública.

Retiradísimo en un pueblo de Burgos está Rosendo Mercado desde que diera su último concierto en el Palacio de los Deportes de Madrid en diciembre de 2018. El rockero de Carabanchel es, como siempre se dijo, el único mercado fiable. Y eso que cayó en la tentación y volvió muy puntualmente y por sorpresa para tocar Maneras de vivir precisamente con Miguel Ríos en 2022, en el mismo pabellón de Goya donde se despidió. "Cuando Rosendo vino a cantar conmigo en el Rock & Ríos, yo le decía 'míralos tío, los tienes ahí, están locos por que vuelvas' (risas). Estaba yo como si fuera su diablo. Veo mucho más proclive a Juan (Serrat) a 'hacer un Miguel Ríos' que a Rosendo, que ha hecho una retirada en toda regla. Aparte, es que Rosendo sabe muy bien decir que no. Pero yo no, yo no sé decir que no", admitía entre risas Miguel en la entrevista que citábamos al comienzo. Porque del sí al no y del no al sí solo hay un trecho o, como en este caso, un sonoro texto.

Ozzy Osbourne, el cantante de Black Sabbath, ha muerto a los 76 años "rodeado de amor", informó este martes su familia en un comunicado. Ha informado EFE.

"Es con una tristeza indescriptible que informamos del fallecimiento de nuestro querido Ozzy Osbourne esta mañana. Estaba con su familiares, rodeado de amor. Pedimos que respeten la privacidad de la familia", dijeron sus allegados en la nota.

El autoproclamado Príncipe de las Tinieblas, que fue diagnosticado con la enfermedad de Parkinson en 2019, dio su último concierto con la banda a principios de este mes en Birmingham (centro de Inglaterra), cerca de donde nació, en el que estuvo acompañado de otras estrellas de la música.

Osbourne y sus compañeros originales de Black Sabbath - Tony Iommi, Terence Geezer Butler y Bill Ward - fueron los últimos en aparecer en el escenario para esa despedida titulada Back to the Beginning (Regreso al principio).

Entre las bandas que actuaron estuvieron Anthrax, Metallica y Guns N’Roses, y hubo mensajes de agradecimiento de otras celebridades, como Jack Black, Ricky Gervais y Dolly Parton.

Como líder de Black Sabbath, que fundó en 1968, Osbourne estuvo a la vanguardia de la escena del heavy metal, una rama más profunda y oscura del rock duro, de la que se le considera pionero.

Entre sus actuaciones más memorables se incluye la vez que le arrancó la cabeza a un murciélago de un mordisco, y era famoso también por su imagen tenebrosa, con larga melena negra y gafas oscuras.

Nacido como John Michael Osbourne el 3 de diciembre de 1948 en Aston, en Birmingham, dejó la escuela a los 15 años y realizó trabajos esporádicos, antes de juntarse con su amigo del colegio, Geezer Butler, en varias bandas.

El cantante, que vivió en Estados Unidos, se hizo muy popular además como protagonista de un reality show con su familia, The Osbournes, en el que documentaron su vida doméstica de 2002 a 2005.

El Gobierno ha dado el visto bueno este martes al anteproyecto de ley de consumo sostenible, un amplio paquete legislativo que prohíbe la publicidad de los productos más contaminantes como los vuelos cortos, los combustibles fósiles y los vehículos propulsados solo por ellos, y pone veto a la obsolescencia programada, según ha informado EFE.

La nueva norma, que refuerza la protección de los consumidores y del medio ambiente, según ha señalado el ministro de Derechos Sociales, Consumo y Agenda 2030, Pablo Bustinduy, tras el Consejo de Ministros, prevé medidas para fomentar la reparación de los productos y luchar contra la obsolescencia programada (la vida útil que las empresas dan a un bien para que el usuario se vea obligado a comprar otro modelo).

Para ello se prevé regular las actualizaciones de software y prohibir las que empeoren el rendimiento del producto y se hagan pasar como necesarias, una situación, que tal y como ha comentado Bustinduy, sucede de manera cotidiana, lo que hace que sea imposible una vez realizadas abrir ciertos programas o que nuestros equipos funcionen peor.

El etiquetado de los productos deberá informar además sobre si cuenta con una garantía superior a los dos años y también sobre su reparabilidad porque, según ha remarcado el ministro, lo más importante que incluye esta ley "es la consagración del derecho a reparar".

Se obligará a que los repuestos para un producto o para un bien estén disponibles hasta diez años después de que éste deje de fabricarse, y se deberá incluir en las web de los productores información orientativa sobre los precios de las reparaciones.

Se extenderá el plazo de garantía de un electrodoméstico cuando éste se repare por un período adicional de doce meses y se creará una plataforma digital de reparaciones donde los usuarios podrán encontrar reparadores autorizados y donde también compradores de bienes defectuosos y vendedores de bienes reacondicionados se podrán poner en contacto.

La medida más innovadora, según Bustinduy, es la creación de un sistema de cofinanciación para las reparaciones porque Consumo busca reducir su factura haciendo que los productores asuman una parte de ese costo: hasta un 20 % del costo de las reparaciones será asumido por los productores.

El texto aprobado en una primera vuelta por el Consejo veta además otras prácticas cada vez más denunciadas por los consumidores como la reventa abusiva de entradas, la reduflación (menos cantidad de un producto por el mismo precio) o el 'greenwashing', que camufla como sostenibles productos que no lo son.

Bustinduy ha remarcado como primer pilar de esta ley "ambiciosa" la lucha contra el 'greenwashing' o ecopostureo: se prevé regular la necesidad de certificar afirmaciones de las empresas sobre sostenibilidad, porque según ha reconocido el ministro "hoy en día todo es bio, eco y bueno para el planeta", y también otras basadas en la compensación de las emisiones de gases invernadero.

El ministro se ha referido a la necesidad de una transición ecológica basada en la justicia social cuando ha sido preguntado sobre la limitación de la publicidad de vehículos que utilicen exclusivamente combustibles fósiles.

Lo que pretende, según ha argumentado, es acelerar la transición industrial y productiva para hacer que la industria sea más competitiva y que pueda garantizar la accesibilidad y la justicia social en esta transformación.

Pero esta transición ecológica -ha advertido-·"no puede recaer sobre responsabilidades individuales, ni puede depender sobre la capacidad económica o la renta de cada cual". Es fundamental, a su juicio, que la transformación industrial se haga conforme a criterios de equidad y de inclusión.

Lo es -ha dicho- porque el 1 % de la población contamina más que 12.000.000 de personas en España y es necesario fiscalmente, en su opinión, que se haga recaer el costo de esta transición en quienes más contaminan.

El anteproyecto de Ley de Consumo Sostenible que prepara el Ministerio de Derechos Sociales, Consumo y Agenda 2030 incluye la prohibición de aumentar el precio en la reventa de entradas más allá de la variación del IPC desde el momento de la compra inicial. Esta medida es complementaria a la actual prohibición de que las empresas utilicen sistemas de bots para una compra masiva de entradas destinada a la reventa, que el Ministerio reconoce que no está funcionando, según informa EFE.

Fuentes del Ministerio han explicado que los grandes incentivos económicos que genera la reventa por parte de empresas dificultan la aplicación de esta prohibición de revender entradas que hayan sido compradas a través de programas de compra masiva "para garantizar la accesibilidad de las entradas a todos los individuos".

Con la limitación del precio de reventa por parte de empresas, una parte muy importante de este importe permanecerá disponible para gasto por parte de las familias, en lugar de estar destinado a una actividad improductiva y que no aporta valor añadido, han subrayado las fuentes.

La modificación del artículo 20 de la Ley General para la Defensa de los Consumidores y Usuarios que prepara el Ministerio busca de esta manera atacar los incentivos económicos que hay actualmente en la reventa para poder acabar con la misma.

Así, la puesta a la venta de entradas en reventa con un precio superior al regulado, convertiría esta actividad en ilícita, con lo que se podrían bloquear las páginas web donde se estuviese produciendo la infracción y la actividad conllevaría una sanción para el infractor. Bélgica y Francia ya cuentan con medidas similares que prohíben la “reventa habitual” y la reventa “ocasional” a un precio superior al precio original.

Según las fuentes del Ministerio de Consumo, un informe de la compañía Verified Market Research calcula que la reventa de entradas en Europa alcanzará en 2030 un valor de unos 7.769 millones de euros, partiendo de una estimación de 1.817 millones de euros en 2024.

Dado que España representa habitualmente entre el 10% y el 15% del mercado secundario europeo de entradas a eventos, la evolución del valor de este sector en España podría ser de de los 322 millones en 2024 a unos 932,3 millones de euros anuales en 2030.

Sentado en un bar, con sus amigos y un whisky on the rocks, Joaquín Sabina invitó este jueves a su público a un Último vals y Gran Canaria respondió con esa energía que solo desprenden quienes se veneran mutuamente.

Este jueves, Sabina arrancó en Canarias el tramo español de la gira Hola y adiós ante un aforo completo de 7.000 personas, en una despedida que sabe más a un 'Hasta siempre' que a un adiós y que tejió en canciones eternas capaces de unir generaciones.

Emocionado, emotivo, las lágrimas tuvieron forma de copla para llevar a Sabina en su viaje por cinco décadas de acordes que arrancó con Lágrimas de mármol, saboreando la despedida del "tren se aleja" pero siempre celebrando.

"Superviviente, sí, maldita sea, y nunca me cansaré de celebrarlo", remarcó, porque el cantautor de Úbeda comparte con su público la más grande de las fiestas: "Viví para cantarlo".

Lo suyo con Gran Canaria es un amor de 50 años, que celebró con un Hola y adiós que no tuvo ni portazo ni signo de interrogación esta vez. Solo las voces entregadas a su alma incombustible.

Ataviado con su icónico bombín blanco, el artista volvió a hacer lleno, tras su paso en 2023 por este mismo espacio, el Gran Canaria Arena, y con el aplauso caluroso que aún sonó más fuerte que entonces.

En el escenario, su banda, una única silla alta y los focos; no hizo falta más. Arropado por un coro unánime que usó esas letras que ya no cumplen años para hilar los pasos de baile de esta fiesta, que miró al pasado por el retrovisor de la nostalgia.

"Buenas noches, querida isla, estaba en el camerino recordando las primeras veces aquí hace tantos años y lo recordaba porque en esta isla siempre me sentí muy bien recibido, muy bien comprendido y muy querido", confesó.

Y así fue, de nuevo y como siempre, querido y recibido por un público que respondió con creces al jolgorio de Sabina con esa música que vive debajo de la piel, nacidas del compositor de Úbeda pero que ya son suyas.

Éxito a éxito, Sabina rasgó canciones en esta esperada parada en Gran Canaria, primera escala en España tras recorrer América con "una maravilla de coro", como definió al público isleño.

Miles de personas acompañaron en una noche de música hasta El bulevar de los sueños rotos o al número 7 de la Calle Melancolía, para "silbar la melodía" de una vida en los escenarios, en un paseo más sosegado que encadenó con Lo niego todo, Mentiras piadosas, Ahora qué, ¿Quién me ha robado el mes de abril?, hasta Más de cien mentiras.

Presentó orgulloso a su banda y siguió el viaje con el corazón en la mano, junto a voces amigas para cantar con él Y si amanece por fin, Pacto entre caballeros y Donde habita el olvido.

Sus miles de seguidores vibraron con la magia de su voz rasgada, en un trote por décadas de una poesía hilada en canciones, con los compases de su guitarra trasnochadora y con un público que podría cantar durante 19 días y 500 noches gracias a una carrera llena de éxitos y reconocimientos.

Peces de ciudad, Una canción para Magdalena y esos versos que conviven en la memoria colectiva de Sin embargo llevaron a Noches de boda, con la que al compositor de Jaén le dieron las diez y las once, a golpe de letra, en una jubilación que firma con 75 años.

Sabina acumula no solo más de una veintena de discos oficiales sino también cancioneros, discos en directo, homenajes, sencillos y poemarios en una vida de éxitos y reconocimientos.

Hasta tres Premios Ondas, Premio Goya y dos nominaciones, Grammy Latino a la Excelencia Musical, Medalla de Oro al mérito en las Bellas Artes... Joaquín Sabina ha sacado en Gran Canaria su cuento cantado, su alma roquera, su experiencia de vividor incorregible, su lengua sincera, y su inspiración pegada a la calle, en un concierto en el que no ha parado ni un instante alardeando de las "arrugas de su voz", tema tras tema, en una noche tan mágica como frenética en la isla.

Su público le dio el adiós que merece una leyenda, pero no hubo espacio para la pena, porque parafraseando Ahora que: "Ahora me despido pero me quedo".

Con La canción más hermosa del mundo, Gran Canaria se abrió en canal, latiendo "tan joven y tan viejo" como su música, incombustible, para un hasta siempre a ritmo de Contigo y Princesa.

Joaquín Ramón Martínez Sabina se ha mostrado en forma en esta primera parada tras su salto atlántico, que pasará por Tenerife este sábado 3 de mayo, en Málaga el 9 y 11 de mayo, en Madrid el 19, el 22 en Londres, el 25 en París, para cerrar en su querido Madrid, tras viarios destinos, el 30 de noviembre.

El Gobierno ha lanzado una nueva licitación del concierto sanitario de Muface para los tres próximos años y ha dado de plazo hasta el 4 de marzo para que las aseguradoras interesadas puedan concurrir. Según consta en la plataforma de contratación del Estado, la nueva licitación publicada este viernes tiene un presupuesto estimado de 4.429 millones de euros sin impuestos.

El Gobierno acordó el pasado mes de enero volver a elevar la partida del concierto en aras de zanjar la crisis abierta después de que la primera licitación para la asistencia que ampara a 1,5 millones de beneficiarios, entre funcionarios y familiares, quedara desierta. Esta nueva licitación representa una mejora de 330 millones de euros respecto a la lanzada anteriormente sin éxito y de 1.276,5 millones respecto al concierto vigente.

Los sobres con las ofertas se abrirán el próximo 5 de marzo y la vigencia del concierto será del 1 de abril de 2025 al 31 de diciembre de 2027. Hasta entonces, el concierto actual está prorrogado.

La prima media ponderada aumentará acumuladamente en un 41,2 % durante los tres años de vigencia del convenio. No obstante, en el nuevo pliego se establecen una prima fija que se abonará mensualmente y que varía en función de la edad del beneficiario, de forma que a mayor edad, mayor cuantía.

Así, esas primas oscilan entre los 54,05 euros que se abonará al mes en 2025 por cada paciente de entre 0 y 4 años, hasta los 273,97 euros que se pagarán en 2027 cada mes por cada beneficiario de más de 74 años. Esta era una de las exigencias que ya habían planteado las aseguradoras al Gobierno, junto con las compensaciones en caso de circunstancias extraordinarias.

En los nuevos pliegos se establece además que Muface podrá compensar a las aseguradoras, "restablecimiento del equilibrio económico financiero del concierto", siempre que la asegurada "justifique debidamente la existencia conjunta" de tres supuestos.

El primero, detalla el pliego, será un "cambio extraordinario e imprevisible de las circunstancias" en el momento de ejecutar el concierto respecto de las que se tuvieron en cuenta al celebrarlo.

La segunda, un "aumento sustancial de la onerosidad" de la prestación como consecuencia de ese cambio de circunstancias y, la tercera, la "inexistencia de medios alternativos para evitar o paliar el desequilibrio causado, garantizando el cumplimiento del concierto".

Que quedaran claramente recogidos estos puntos para poder compensar eventuales pérdidas había sido una de las claves de la negociación para poder asegurar la concurrencia de las empresas a la nueva licitación.

Transcurrido el plazo del actual concierto para la asistencia sanitaria de Muface a finales del año pasado, la licitación del nuevo lanzada quedó desierta al considerar las aseguradoras que prestan el servicio (Adeslas, Asisa y DKV) que la subida propuesta era insuficiente.

Las aseguradoras Asisa, Adeslas y DKV, que han venido prestando asistencia sanitaria a 1,5 millones de funcionarios, estudiarán la nueva licitación del concierto de Muface lanzada por el Gobierno para decidir si finalmente participan en él.

El Gobierno acordó el pasado mes de enero volver a elevar la partida del concierto en aras de zanjar la crisis abierta después de que la primera licitación quedara desierta.

Aun así, desde un primer momento Asisa se mostró dispuesta a reconducir la situación y a finales de enero dejó entrever que la confirmación de su participación en Muface estaba más cerca, después de que fuentes de la aseguradora valoraran "muy positivamente" el esfuerzo hecho por la Administración para mejorar la financiación. Asisa prometió que estudiaría las condiciones del concierto para tomar una decisión definitiva sobre su continuidad, aunque pidió tiempo para estudiarlas y tomar oficialmente una decisión, la misma idea que reitera este viernes a preguntas de EFE.

En esta línea, desde Adeslas trasladaron que veían más clara su participación en el nuevo convenio de Muface tras conocer los acuerdos del Consejo de Ministros que mejoraban la financiación de este sistema privado de salud. Por esta misma razón, la aseguradora había decidido replantearse su negativa a participar en el proceso, lo mismo que ha pasado con DKV, que hasta el último momento ha mantenido su rechazo a volver a prestar asistencia médica a los funcionarios de Muface y ahora abre la puerta a reconsiderar este rechazo.

DKV informó a EFE esta misma semana que estaba a la espera de conocer el detalle de la nueva propuesta de los pliegos de condiciones para evaluarla y ver si presenta oferta en esta ocasión. 

El Juzgado de lo contencioso administrativo 2 de Vigo ha condenado al Ayuntamiento a pagar a las promotoras Sweet Nocturna y Live Nation 1,9 millones de euros por el concierto de la banda californiana Guns N'Roses el 12 de junio de 2023 al actuar de manera "discordante y contradictoria", informa EFE.

Según la sentencia, divulgada este jueves, la postura del Ayuntamiento fue "contraria a las más elementales exigencias de la seguridad jurídica y el principio de igualdad, contrariando principio de buena administración".

El Gobierno local de Vigo rechazó pagar a Sweet Nocturna y Live Nation un concierto que sacó a concurso público pero que declaró desierto al no aceptar la única propuesta, de las productoras demandantes, por faltar un documento.

Las promotoras alegaron que había un acuerdo con el Ayuntamiento después de que el alcalde, Abel Caballero, y el concejal de fiestas, Pablo Estévez, hubiesen negociado el concierto.

En dichas negociaciones, el Ayuntamiento se comprometió a pagar 1,9 millones por el concierto antes de sacarlo a concurso público, tal y como quedó reflejado en una carta de interés remitida por Estévez a las promotoras en la que, además, pretendía ceder el estadio de Balaídos para su celebración.

El Ayuntamiento de Vigo indica en un comunicado que la asesoría jurídica ha estudiado la resolución y que han encontrado motivos para recurrirla ante el Tribunal Superior de Justicia de Galicia.

La sentencia "no responde a la realidad de un contrato administrativo público de patrocinio publicitario" del que "no se cumplieron las prestaciones publicitarias y que contiene errores manifiestos", según el Ayuntamiento.

La desgraciada historia comienza con la Ley 29/1975, de 27 de junio, en la que se crea el organismo Mutualidad General de Funcionarios Civiles del Estado (Muface), que entonces tenía las características de ser el único mecanismo para conseguir atención sanitaria y además ser de adscripción obligatoria para dichos trabajadores.

Además de esta decisión, en el caso de otros funcionarios del Estado (militares, docentes, judiciales, etc.) se generan otras mutualidades similares (ISFAS, MUGEJU, MUNPAL, …) y con los mismos objetivos: conceder el teórico privilegio a todos los funcionarios para ser atendidos con una pretendida mejoría con respecto a la exigua Seguridad Social franquista, con el agravante de que se trataba de contratar para ello a entidades de medicina privada, es decir, un importante presupuesto económico público terminaba siendo un negocio privado.

La desvergüenza institucional con Muface era privilegiar a los trabajadores propios en lugar de preocuparse por la ciudadanía en general. Es cierto que estamos hablando todavía del período de dictadura franquista, con un Sistema de Seguridad Social para la población muy desorganizado y con unos niveles de calidad muy bajos. En lugar de mejorar la asistencia universal se “decide” premiar a los que trabajan para el Estado.

Recalcar la mentira franquista, que incluso hoy llega a ser invocada, cuando se narra que en tiempos de Franco ya existía Sanidad Pública. La realidad era que sólo aquellas personas que trabajaban y cotizaban tenían derecho a la atención de la Seguridad Social, que por cierto era lamentable en cuanto a calidad. Los amplios sectores que no trabajaban, sobre todo en Andalucía, la única posibilidad que tenían era la beneficencia, con una implantación nula fuera de las ciudades. La realidad entonces era que la población del ámbito rural no contemplaba la opción de acudir a ser atendidos sanitariamente. Podemos asegurar por experiencias propias, que muchas personas de cualquier pueblo andaluz no acudían a un médico en su vida. Para rematar el escenario, lo mismo ocurría con la educación o la protección social de las personas discapacitadas. Las mujeres se constituían de forma obligada en los servicios sociales y en las cuidadoras universales. 

Con la llegada de la transición política y con el fuerte impulso de múltiples colectivos sociales y profesionales en su mayor parte integrados en la Federación de Asociaciones para la Defensa de la Sanidad Pública (FADSP) se consigue el Servicio Nacional de Salud (SNS) gracias a la Ley General de Sanidad en 1986. Esto dio lugar al desarrollo de una Sanidad Pública de gran calidad en los años posteriores. 

A partir de esa fecha, y ante las críticas de colectivos sociales que reivindicaban ese modelo de Sanidad Pública, la respuesta política fue que la situación de privilegio teórico de las mutualidades debía desaparecer. Es decir, la intención política era que Muface (y el resto de las mutualidades similares) fueran absorbidas, en los tiempos que fueran precisos, por la Sanidad Pública general. Pero eso hoy aún no ha ocurrido.

Desde todo este tiempo, la FADSP y posteriormente las Mareas Blancas, han denunciado que, con un Sistema de Sanidad Pública desarrollado no tenía ningún sentido mantener que la asistencia sanitaria de los funcionarios de un estado fuera atendida por entidades privadas, por la consiguiente distorsión funcional, además del importante montante económico que este hecho significaba. Pero es que, además, este sistema perpetúa unos privilegios y desigualdades entre sectores sociales, lo cual es incompatible con un Servicio Nacional de Salud al que se le exige una atención equitativa a toda la población.

En los últimos años, del millón y medio de posibles mutualistas de Muface, solo queda un millón, ya que el medio millón restante ha decidido pasarse a la Sanidad Pública general. Son sobre todo los mutualistas más jóvenes. Hay varias causas que han conducido a esta disminución. Por un lado, está la percepción general de que la calidad que ofrece el aseguramiento privado se limita, en muchos casos, a la relativa libertad de visita con especialistas, pero carece de la calidad contrastada que ofrece la Atención Primaria pública.

Por otro lado, recientemente se ha comprobado que existen más diagnósticos de cáncer en personas provenientes de Muface que en la población general cuando se analizan las altas hospitalarias de hospitales públicos españoles. Esto puede ser una evidencia indirecta de riesgo de selección por parte de las mutualidades y/o pone de manifiesto el doble aseguramiento de los mutualistas de Muface. Para problemas menores utilizan las instalaciones más cómodas de las aseguradoras y para los problemas graves eligen las instalaciones y los recursos del Sistema Nacional de Salud con mejores dotaciones e infraestructuras para ello. Un doble privilegio financiado con dinero público, lo cual resulta inaceptable por la inequidad que supone con el resto de los ciudadanos.  

Y llegamos al momento actual. Las ganancias económicas de Muface (que son en la práctica sobre todo Adeslas, Asisa y DKV) no les son suficientes. ¿Qué significa en cifras el conflicto presente? Muface supone un gasto de 4.478 millones de euros de presupuestos públicos dirigidos directamente a compañías privadas , para los tres próximos años. Pero ahora quieren que aumente la cuantía en un 40%. Por ese motivo, a la convocatoria pública de renovación no se han presentado y ha quedado desierta . Y posteriormente Adeslas comunica a sus mutualistas que dejara de prestarles asistencia a partir del 31 de enero.

Este hecho ha generado lógicamente una preocupación generalizada en los funcionarios civiles. Este es el chantaje de las aseguradoras privadas: si no se aumenta en un 40% la cuantía del concierto, dejan la atención sanitaria de este colectivo. Para el gobierno central es una obligación mantener a todos los ciudadanos bajo la cobertura del SNS. Por su parte, el Ministerio de Sanidad ha estudiado el problema y ha presentado un plan que hace viable el trasvase total de los funcionarios a la Sanidad Pública. Posteriormente el gobierno ha aprobado una segunda licitación para Muface con una subida del 33,5%. Y el ministro de Administración Pública, Óscar López, se da tres años para “repensar el modelo Muface”. Las contradicciones están servidas.

En cuanto a los sindicatos, CSIF exige la continuidad del modelo Muface mientras que USTEA, claramente opta por el paso de todos los mutualistas al sistema general. Y lamentamos que los sindicatos de clase, como CCOO y UGT, también estén apoyando el mantenimiento de Muface. La coherencia no es gratis, pero es muy aconsejable para no perder credibilidad o generar descrédito y desafección. Los sindicatos de clase deben tener ideología social por encima de defender privilegios para algunos trabajadores.

El dilema de siempre. Entendemos que el mejor modelo sanitario para el país es el de un Sistema Sanitario universal, gratuito, de calidad y 100% público (no sólo la financiación, sino también los servicios). Este es el modelo que la FADSP y las Mareas Blancas defienden y reivindican por muchas razones. Es más eficaz y más eficiente (mejores resultados a menor coste) , es más equitativo, lleva integrado la Promoción de la Salud con programas Comunitarios Preventivos y la atención a la Salud Mental y su eje central es la Atención Primaria. Lo que ocurre, cuando poderosos intereses económicos y/o ideológicos privatizan en distintas formas los sistemas sanitarios también está demostrado. En el Reino Unido la externalización de los servicios a entidades con ánimo de lucro se ha asociado con un aumento de la mortalidad evitable y el National Health Service en el momento actual está prácticamente destrozado . El modelo liberal de asistencia sanitaria en Estados Unidos ha situado a la Sanidad de ese país en una situación desastrosa cuando se compara con el resto de los estados occidentales.  

El Sistema Nacional de Salud en nuestro país es uno de los pilares básicos del Estado de bienestar, un logro social extraordinario, aprobado como muy necesario por una gran mayoría de ciudadanos, está en la actualidad en proceso de ser absorbido por un mercantilismo insaciable donde el objetivo fundamental es la rentabilidad empresarial. Los ciudadanos votan a alternativas de gobierno progresistas para que lo potencien y lo consoliden, no para que sea privatizado y desmantelado. Es que la coherencia ahora, no es que la consolidación de la Sanidad Pública sea deseable, sino que es imprescindible. Así, con un Sistema Nacional de Salud de calidad los funcionarios civiles y de todo tipo, deben recibir la misma y buena atención que toda la población. La inclusión de todos ellos en el sistema público será compleja, pero supondrá un impulso económico y funcional para recuperar una Sanidad Pública de la mayor calidad para toda la población sin excepción.

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Antonio Vergara de Campos es ex Jefe de Sección (jubilado) de Enfermedades Infecciosas en el Hospital Universitario de Puerto Real (Cádiz).

José Antonio Brieva Romero es ex Jefe de Servicio (jubilado) de Inmunología Clínica en el Hospital Universitario Puerta del Mar (Cádiz).

Manuel Torres Tortosa es ex Jefe de Sección (jubilado) de Enfermedades Infecciosas en el Hospital Universitario Punta de Europa de Algeciras.

Federación de Asociaciones para la Defensa de la Sanidad Pública.

Coordinadora Andaluza de Mareas Blancas.

El Gobierno ha aprobado las condiciones de la nueva licitación para la asistencia sanitaria de los funcionarios de Muface con una subida de la prima del 33,5% en los próximos tres años después de que la anterior quedara desierta, según informa EFE.

Según ha señalado la ministra de Educación, Formación Profesional y Deportes y portavoz del Gobierno, Pilar Alegría, el Consejo de Ministros ha dado luz verde a las nuevas condiciones que suponen un incremento de 957 millones de euros elevando la cuantía total del concierto -que cubre a 1,5 millones de personas entre titulares y beneficiarios- a 4.478 millones para 2025, 2026 y 2027.

Alegría ha querido trasladar un mensaje de tranquilidad a todos los mutualistas que, ha incidido, tendrán garantizada su asistencia sanitaria en las condiciones actuales hasta que se adjudique el nuevo concierto. Según ha detallado el Ministerio de Función Pública, el coste por año será de 1.303 millones en 2025, 1.490 millones en 2026, y 1.685 millones en 2027. En cuanto al concierto para la asistencia sanitaria en el exterior, el presupuesto asciende a 77,7 millones.

Con esta dotación, la prima subirá un 19,37% en 2025; un 7,25% en 2026, y un 4,32% en 2027, con ese aumento acumulado en tres años del 33,5%. La prima media por mutualista al año pasará de 1.032 euros en la actualidad a 1.262 en 2027. Como novedad en estos pliegos, se va a pasar de una prima lineal a una incremental en función de los tramos de edad, de manera que se pague más por asegurar a los colectivos de más edad, y menos por los más jóvenes.

 La licitación de la asistencia sanitaria de Muface quedó desierta el pasado 5 de noviembre al considerar las aseguradoras que prestan el servicio (Adeslas, Asisa y DKV) que la subida del 17% propuesta por el Gobierno era insuficiente. Tras esto, el Ejecutivo abrió una consulta como paso previo a la elaboración de esta nueva licitación para un concierto que vence el próximo 31 de enero.

Sindicatos y otras asociaciones como la de altos funcionarios Fedeca han urgido al Gobierno a encontrar una solución para la asistencia sanitaria de Muface que ampara a 1,5 millones de titulares, entre funcionarios y beneficiarios. "Se trata de un concierto a tres años con la finalidad de garantizar la asistencia sanitaria del colectivo cubierto", inciden desde Función Pública.

En Muface, el 65% son docentes de primaria, secundaria y universitarios y un 17% pertenece a algunos cuerpos de la Administración General del Estado.