Musk, Zuckerberg, Durov.... todos fueron pioneros, admirados y celebrados por sus invenciones. Ahora, todos ellos parece que no están satisfechos con lo que han conseguido. Quieren más. Es una sucesión de imágenes: Zuckerberg aparece con un cambio de aspecto generalizado, con ropa juvenil, collares y unos rizos naturales; Bezos cierra Viena por completo para celebrar su boda multitudinaria; Musk se presenta en un mitin del partido republicano haciendo un saludo que se parece (mucho) al mismo que hacían los nazis. Todos ellos presencian juntos la investidura de Donald Trump en un lugar privilegiado. Desde hace ya un tiempo, son los grandes magnates de la tecnología los que deciden —en gran parte— sobre el futuro de naciones tan importantes como Estados Unidos. La tecnología lo puede todo. Sus dueños creen que ellos también.

Paula C. Chang, investigadora de Filosofía por la Universidad Complutense, y Andrea G.Galarreta, doctorada en Filosofía por la misma institución, escriben a cuatro manos Criptoprofetas: Hipermasculinidad y nueva derecha, un ensayo que destripa este fenómeno. Se sumergen en la arquitectura ideológica y afectiva que rodea a una masculinidad nueva. Aquella que reniega de todo tipo de afecto, vulnerabilidad o pacto social, y que (sobre todo) mira con buenos ojos a la extrema derecha.

En infoLibre adelantamos la introducción de este ensayo que saldrá a la venta el 11 de febrero.

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El mundo cambió mucho antes de que nos diéramos cuenta. No se trata de un discurso anecdótico ni de casos aislados, sino un susurro amplificado, una avalancha de conversaciones que se diseminan en foros, pódcast y canales privados. Un ejército de hombres — muchos jóvenes, precarizados y convencidos de que algún día dejarán de serlo— empezó a surgir en los márgenes de la política y la teoría social.

Autoproclamados como incorrectos e incómodos, los «criptoprofetas» se convirtieron en símbolo y síntoma de algo más grande, algo que estaba gestándose en la oscuridad de los algoritmos de internet y en las sombras de los mercados globales. Era el retorno de un viejo espectro y el renacimiento de una patología que muchos pensaban superada; pero, en la fabricación de valores culturales en la fase actual de la era postfordista, el culto a los caudillos no parece una realidad tan alejada ni remota.  

Se trata de un fenómeno que combina el desdén por las instituciones tradicionales con una fe casi mística en el poder de la tecnología para derribar todo lo que se interponga en su camino hacia la restauración de un orden anterior a la crisis de la masculinidad, incluida la restauración de su lugar en el mundo. Mientras algunos observaban el fenómeno como simple síntoma del disenso social, sectores políticamente movilizados mirábamos con desconfianza esa retórica del señalamiento: una masculinidad rígida, un deseo de demolición de lo establecido y una profecía de ruptura absoluta con el consenso social y sus formas organizativas.

Los criptos se convirtieron en la imagen de un nuevo tipo de sujeto político y económico, un nodo donde convergen la especulación financiera, el individualismo exacerbado y una masculinidad inquieta y ansiosa de validación. Hágase justicia aunque caiga el cielo; una aproximación teórica a la creciente reactividad social era imperativa. Estamos ante el auge de una ultraderecha renovada, impulsada tanto por la tecnología como por un desencanto radical con las instituciones y un progresismo social que cuestiona sus privilegios existenciales: la actualidad donde se hace más patente que nunca que la separación entre persona y avatar no existe, ahí donde la violencia se moviliza a partir de ese no-lugar común que son los foros.

El fenómeno de los criptoprofetas, en apariencia complejo y fragmentario, se mueve bajo principios que parecen claros para sus adeptos, pero indescifrables para el resto. Una aproximación a ellos supone también una redefinición del poder en sus múltiples formas de expresión. Lo que encontrarás en las próximas páginas no es una solución definitiva al problema que plantea este resurgimiento, sino una serie de claves para comprenderlo en toda su transversalidad. El objetivo de nuestro texto es esbozar de qué modo se configuran las políticas de la reactividad en los nuevos entornos virtuales, una aproximación a través de la convergencia entre el ensayo y la etnografía; un pretexto para reivindicar la filosofía como una herramienta viva, orgánica y con una vehemente orientación práctica, encomendada a entender todo fenómeno que nos rodea e interpela.

Por lo expuesto, el texto que tienes entre manos se forja apostando por el análisis criptográfico, ofrece la reflexión teórica y su marco, con la integración interdisciplinar de la visión del devenir mundo de distintos agentes sociales: filósofos, periodistas, activistas, docentes, artistas… Huelga destacar que, dada la complejidad del análisis que comporta nuestro objeto de estudio, la estructura de este libro se presenta como arborescente; una narrativa con distintas ramificaciones para abordar qué son los criptoprofetas, explicar su emergencia como fenómeno vivo de nuestro ecosistema político de actualidad y comprender la arquitectura afectiva de las masculinidades de la nueva derecha. En la primera parte abordaremos la taxonomía de las subjetividades y perfiles sociales que articulan este fenómeno de las masculinidades criptoproféticas a la vista de una crisis de la masculinidad que va de la mano de la crisis de Lehman Brothers; una cartografía de los actores que convergen en el nuevo ecosistema virtual, escenario de nuevos modus vivendi y nuevas ansiedades. Aquí exploraremos cómo las nociones de otredad, parásito, deseo y poder se reconfiguran en este espacio, y de qué manera se articulan discursos de masculinidad que hacen del resentimiento y la ruptura su piedra angular.

La segunda parte de este libro se sumerge en la concreción práctica de estas subjetividades en comunidades explícitamente ultraderechistas, donde lo latente se vuelve manifiesto y las redes de afinidad se consolidan en estructuras políticas basadas en el odio. Aquí, la ultraderecha no solo emerge como mera preferencia ideológica con la que cohabitar, sino como amenaza a la diversidad social, apoyada en las ínfulas de la higienización y el despliegue de violencia simbólica que, paradójicamente, se reviste de una retórica de «libertad» y defensa de la tradición. Este trabajo aspira a ser un esbozo para entender, por un lado, cómo se entrelazan las fuerzas subyacentes del postfordismo en los nuevos ecosistemas políticos que auspician el nacimiento de esta nueva ultraderecha y, por otro, cómo la figura del criptoprofeta es, en el fondo, mucho más que una nueva moda pasajera en tiempos de fascismo pop: es el epítome de una resistencia subterránea a las transformaciones sociales y de género de nuestro tiempo. Son cuatro las manos que escriben este texto. Concebimos esta obra como madres primerizas que, con mucho amor y esfuerzo, han procurado que las diferencias entre los pares de manos se difuminen, se entremezclen. Como la progenie: estos ojos son tuyos y la boca es mía, pero en realidad no son de ninguna de las dos porque son única y exclusivamente de esta nueva vida que es el libro. Con el fin de comprender algunos términos nucleares sobre los que se construye este ensayo adjuntamos a continuación algunas definiciones aclaratorias.

El monóxido de carbono es un gas que no deja marca. Avanza casi imperceptible entre los espacios cerrados hasta que ya es demasiado tarde. Con un 10% en sangre comienza el malestar. Con un 20% náuseas y vómitos. En el 30% llega la sensación de somnolencia, alteraciones visuales y debilidad. A partir del 40%: síncope, taquicardia e insuficiencia respiratoria. Con un 50% se puede caer en un coma. Y, pasada la cifra de 60, lo más seguro es morir. Cuando llegó la ambulancia, Marta Jiménez Serrano (Madrid, 1990) tenía un 50% de monóxido de carbono en la sangre. 

La escritora sobrevivió y, por supuesto, escribir sobre ello en su nueva novela Oxígeno era casi un mandato, una “rendición”, como ha descrito ella misma. En la era del miedo al spoiler, de terminar una serie en su noche de estreno para que nadie te lo destripe al día siguiente, la escritora madrileña es el spoiler en sí. Sabemos cómo acaba la historia, pero la tensión, la rabia por la crisis de la vivienda y la ternura de un nombre propio como el de Marta Jiménez Serrano, hace que casi sea obligado leer Oxígeno. Spoilers incluidos. 

En una parte del libro habla de que este no ha sido un tema fácil sobre el que escribir. ¿Por qué ha decidido hacerlo?

No llego a la conclusión de que tengo que escribir sobre la novela, me rindo un poco, me doy cuenta de que no se me va el tema de la cabeza, de que sigo pensando sobre ello. Entonces hay un momento en que claudico y digo, bueno, pues esto es lo que hay que escribir, te apetezca o no. A veces nos sale el libro que nos sale y a mí me salió este. 

En la novela narra cómo sufrió una intoxicación de monóxido de carbono y casi fallece. ¿En algún momento se volvió menos difícil escribir sobre ello?

Bueno, tuve ratos, pero yo creo que esto pasa con todos los libros, sí que hubo una parte en la que, según avanzaba, era más capaz de recordar lo ocurrido, pero también hubo momentos en los que me volvía a atorar con algo. El proyecto tenía muchos retos a nivel narrativo y hay cosas que me ha costado bastante decidir cómo resolver.

Joan Didion decía que ella escribía para ordenar sus pensamientos, ¿es su caso?

Sí, yo creo que escribir es mi modo de relacionarme con el mundo, de entender lo que me pasa, de poner en palabras lo que no entiendo, y esto creo que lo hago siempre, escriba algo biográfico, no biográfico, da igual, es el modo que yo tengo de relacionarme con las cosas. Y en este caso, sin duda, el libro ha sido la guinda del proceso terapéutico y que me ha ayudado a ordenar un poco lo que pasó y a colocarlo.

¿Este suceso le ha cambiado el concepto que tenía de la muerte?

Sí, me ha obligado a enfrentarla y a pensar un poco, a tomarme la vida de otra manera. Más que cambiarme el concepto de la muerte, me ha cambiado el concepto de la vida y del tiempo y de cómo nos relacionamos con nosotros mismos y con el cuerpo. Me ha obligado a hacerme una serie de preguntas, a veces incómodas, pero que me han reconfigurado cómo veo el mundo.

¿De qué forma ha cambiado ahora su concepto de la vida?

Me relaciono de manera muy distinta con el placer, la verdad. Hay un momento del libro en el que hablo en contra del carpe diem. Yo creo que a veces, en este mundo acelerado y sobreestimulado en el que vivimos, tenemos una noción de placer que tiene mucho que ver con la ansiedad. El carpe diem a mí me da es un agobio terrible. Si tengo que vivir cada momento como si fuera el último, entonces lo que estoy es obligada a la felicidad perpetua y en el momento en que un placer se convierte en una obligación, es muy difícil disfrutarlo. Todo esto me ha ayudado a parar, a recular un poco y a disfrutar desde el sosiego. 

En el accidente, usted fue quien se desmayó pero su pareja en aquel momento también estaba altamente intoxicado. Estuvieron a punto de morir y, sin embargo, no tuvieron apenas días de baja laboral...

Mi pareja no tuvo casi días porque es autónomo. Que lo de ser autónomo y las bajas es un temazo también. Y yo solo tuve tres días. Pero incluso cuando paramos, hay que aprender a parar, a estar con nosotros mismos. Creo que confundimos estar solos con estar con nosotros mismos. Hay gente que cuando está sola se pone a jugar a videojuegos o mirar Instagram. Con eso estás es evadiéndote, pero no es estar contigo mismo. Y yo he aprendido que el modo de no perderme la vida es estar conmigo, es estar enterándome de lo que me está pasando.

¿Y cómo lo consigue? 

Es un modo de estar, siendo consciente, de estar acompañándome, de no estar desconectada. Creo que somos muy adictos a la felicidad y a la intensidad, y como eso no hay quien lo soporte, pues entonces estamos constantemente buscando cosas que nos anestesien. Las pantallas, el alcohol, la comida, las drogas —también hablo de las legales– porque estamos todos empastillados. Lo que intento es estar anestesiada el menor tiempo posible. Creo que estar contigo mismo pasa por estar consciente durante lo bueno y durante lo malo también.

En la novela se refiere a ello, dice que cuando escribe se encuentra completamente presente y a la vez ajena a todo lo demás. ¿Es escribir una forma de conectar con una misma?

Sí. Cuando escribo estoy en el presente, no me estoy evadiendo, al revés, estoy conectando con muchas cosas. También es verdad que se puede escribir por ansiedad y se puede escribir por evasión, pero yo cuando escribo estoy conmigo misma.

¿No era más complicado hacerlo con está novela, al tratar un tema tan delicado y que le toca tan de cerca?

Al principio era más difícil pero luego también hubo una parte que era como cualquier otro libro. Porque yo creo que para escribir, aunque sea autoficción o biográfico hay una primera parte que requiere cierta sensibilidad para recordar lo ocurrido, intentar poner las emociones, ver cómo te sentiste. Pero luego hay una parte muy fría de ver si funciona el narrador, el tono... He pasado por muchas fases del proceso. Al principio me costó más porque lo tenía más reciente, pero luego también hubo una parte que fue como escribir cualquier otra novela.

Hablando de esa parte más fría, la novela podría haber caído en el dramatismo o el sensacionalismo. Sin embargo, el tono no solo no cae en ello sino que muchas veces es profundamente gracioso. ¿Cómo lo encontró?

El tono alejado del dramatismo sí que fue muy deliberado. Intenté hacer una cosa elegante, sobria, el libro se prestaba mucho al morbo e intenté huir de eso. Y luego el humor salió de manera involuntaria, se ve que no me puedo desprender de él. El reto fue que el humor no quitara gravedad a lo ocurrido. Porque el humor a veces lo usamos como coraza para no entrar en según qué territorios, así que traté de que el humor funcionara como una forma de dejar entrar el aire de vez en cuando. 

En gran parte de la novela habla de su infancia, ¿cree que cuando estamos cerca de la muerte instintivamente volvemos a pensar en nuestra niñez?

La vuelta a la infancia siempre sucede porque nuestra noción de todas las cosas se construye ahí. Nuestra primera idea del amor es lo que vimos de niños, nuestra primera idea de la muerte también. Muchas veces la proximidad de la muerte te hace retrotraerte al origen, pero yo creo que en general casi cualquier concepto importante, si uno se va a rastrearlo al principio se topa con la primera vez de niño que se encontró con eso.

Explica varios episodios en los que su madre tuvo que ir al hospital porque estaba muy enferma. En todo ese tiempo el resto de su familia parecía necesitar que usted se encontrara bien, que no se sintiera mal. ¿Le ha hecho eso tener más dificultad para procesar ciertas cosas?

Sin lugar a duda. Venimos de lo de que “las cosas no se hablan”, “el genio hay que guardarlo”, de familias y de una sociedad en la que hablar de lo íntimo estaba mal. Para mí ha sido un proceso poder legitimar mi dolor y entender que no pasa nada y que le puedo dar un espacio razonable, aunque a veces nos pasamos de rosca también, y el regodeo en el dolor tampoco creo que valga de nada. Pero que cada cosa tenga su espacio es muy necesario. 

La intoxicación por monóxido de carbono se dio por una negligencia de su casera, que no revisaba la caldera. ¿Es la vivienda el gran canalizador de nuestras vidas?

Hay muchos factores que catalizan nuestras vidas pero la vivienda es el suelo, es el hogar. Hay un momento del libro en el que digo que para poder salir al mundo necesitamos un lugar al que volver. Si no tenemos ese lugar al que volver, o si ese lugar al que volver es precario, o no sabemos cuánto va a durar, pues todo es mucho más complicado. 

¿Cree que la literatura puede ser una mejor vía que los datos o estadísticas para denunciar la problemática de la vivienda?

La literatura nos permite dar otra mirada de las cosas. Está el análisis económico, está el activismo, está el análisis sociológico, pero la literatura permite mirar desde otro sitio. He intentado aquí que se vea cómo eso nos afecta a la intimidad. Más allá de los datos o de los números. La literatura permite abordar temas desde otro lado y a veces puede llegar más hondo o concienciar más precisamente porque no está intentando concienciar. No se trata de seguir hablando. Se trataba de contarlo mejor, de contarlo desde otro lugar. Tenemos que seguir buscando nuevos modos de mirar y de contar las cosas.

La película Valor sentimental, del noruego Joachim Trier, brilló este sábado por su calidad artística y se llevó seis galardones -entre ellos el de mejor película- y Sirat, del español Óliver Laxe, por su técnica -cinco reconocimientos-, en los 38 Premios del Cine Europeo, en una gala en la que el gran triunfador hizo una defensa de la empatía en la polarización actual.

Valor sentimental, una historia sobre las relaciones paterno filiales, se llevó los galardones a mejor película, dirección, actor (Stellan Skarsgård), actriz (Renate Reinsve), guion (Trier y Eskil Vogt) y banda sonora (Hania Rani).

Al recoger el galardón a la mejor dirección, Trier reconoció la labor de sus colegas que junto a él y muchos otros "protegen esta oportunidad de libre expresión, de arte libre, en una época en la que la polarización está muy presente, también en muchos lugares de Europa".

"Creo que nos encontramos en un momento crucial en el que todos debemos tener en cuenta que el otro no es nuestro enemigo y que el arte puede ayudarnos a crear empatía en la oscuridad. Juntos, con desconocidos, podemos reír y llorar en el cine. Por eso, esto es también un llamamiento para mantener vivo el cine, porque es el lugar donde muchos de nosotros crecimos y aprendimos a ser humanos", añadió.

Desde que ganara el Gran Premio del Festival de Cannes, el filme de Trier ha estado entre las películas más destacadas del año e incluso fue una de las más nominadas a los Globos de Oro con ocho candidaturas, aunque solo se llevó el galardón a mejor actor secundario para Skarsgård.

Por su parte, Sirat, que llegó a la noche como la cinta más nominada, con 9 candidaturas, no se llevó ninguno de los grandes premios a los que estaba nominada -mejor película, mejor dirección, mejor actor (para Sergi López) y mejor guion (para Laxe y Santiago Fillol)-. Aún así, confirmó su calidad técnica al hacerse con todas las distinciones a las que optaba en este ámbito.

De las ocho categorías técnicas de los Premios del Cine Europeo, Sirat se alzó con cinco: a mejor dirección de casting, para Nadia Acimi, Luís Bértolo y María Rodrigo; mejor dirección de fotografía -Mauro Herce-; mejor montaje -Cristóbal Fernández-; mejor diseño de producción -Laia Ateca-; y mejor diseño de sonido -Laia Casanovas, Amanda Villavieja y Yasmina Praderas-. 

Un duelo entre Valor sentimental y Sirat que comenzó en Cannes -allí la cinta de Laxe ganó el Premio del Jurado- y que se podría repetir en los Óscar.

Las nominaciones de la Academia de Hollywood se conocerán el próximo jueves y en la categoría de mejor película internacional, una de las más reñidas, se espera que estén estos dos títulos junto a la brasileña El agente secreto, de Kleber Mendonça Filho, que las venció a ambas en los Globos de Oro.

Las otras dos cintas españolas nominadas en los Premios de Cine Europeo -Tardes de soledad, de Albert Serra, al mejor documental, y Olivia y el terremoto invisible, de Irene Iborra Rizo, a mejor película de animación- no pudieron llevarse el galardón.

Y más allá de los premios, la gala tuvo un cierto tono político, principalmente con la intervención del realizador iraní Jafar Panahi, condenado en diciembre a un año de cárcel en ausencia por "propaganda contra el sistema", clamó en un emotivo discurso de apertura de la gala contra el silencio internacional ante lo que está pasando en Irán y en muchas otras partes y denunció que en las últimas dos semanas se han producido 12.000 muertes en su país.

El director de Un simple accidente, filme ganador de la Palma de Oro de Cannes en 2025, advirtió de que "no solo Irán, sino que el mundo entero está en riesgo de sufrir esa violencia que se extiende y se contagia por todas partes" y que "nadie está a salvo, en ninguna parte del mundo".

Por eso consideró que es precisamente "más importante que nunca" su labor como cineastas. "Si estamos decepcionadas con nuestros gobiernos, al menos no debemos permanecer en silencio", finalizó, entre la ovación de los asistentes. 

Por su parte, la actriz, directora y guionista noruega Liv Ullmann, expresó su extrañeza por el gesto de la líder opositora venezolana María Corina Machado, de traspasar su Nobel de la Paz al presidente estadounidense, Donald Trump, y recordó que ese traspaso carece de validez.

"Así que alguien en Estados Unidos podría estar muy decepcionado. Lo perderá. Acaba de conseguirlo y perderá ese honor", dijo en su discurso al recoger su Premio de Honor a la Trayectoria. 

Ullmann dijo estar "orgullosa de haber formado parte del entretenimiento del cine, especialmente ahora, hoy, cuando el mundo es extraño y aterrador y difícil de resolver". La actriz también añadió: "Lo más importante, es que creo que realmente estamos aprendiendo que no existen 'los otros' en este mundo. Ahora mismo estamos todos aquí juntos".

La Policía Nacional cree que el cuadro de Pablo Picasso desaparecido desde el pasado día 3, y ya recuperado, podría no haber llegado a subir al camión de transporte que debía trasladarlo, junto con otras obras, desde Madrid a Granada, según informa EFE.

Según ha indicado este viernes la Policía en su cuenta de X, el cuadro 'Naturaleza muerta con guitarra' ha sido ya recuperado "y podría no haber llegado a subir al camión de transporte".

La Brigada de Patrimonio Histórico mantiene abierta la investigación una vez que agentes de Policía Científica han inspeccionado el paquete que contenía el cuadro.

Se trata de un pequeño 'gouache' enmarcado que está asegurado en 600.000 euros.

La Policía investigaba la desaparición desde el 10 de octubre, cuando CajaGranada Fundación formalizó la denuncia tras comprobar que el cuadro no había llegado, junto a otras 56 obras que se trasladaron desde Madrid, al centro cultural en el que se debía exponer.

Naturaleza muerta con guitarra, de 1919, se almacenó junto al resto de obras el 25 de septiembre para viajar hasta el citado centro cultural, donde desde el día 6 de octubre integrarían la exposición Bodegón. La eternidad de lo inerte.

CajaGranada fundación explicó que el día 3 de octubre la empresa de transporte se personó en las instalaciones del centro cultural para hacer entrega de las piezas, lo que se llevó a cabo con videovigilancia.

"Al no estar todos los embalajes debidamente numerados, no fue posible hacer un chequeo exhaustivo sin desembalar", de modo que se hicieron determinadas comprobaciones y se acordó firmar las cartas de porte, pendientes del desembalaje el día 6 para poder chequear con exactitud pieza a pieza, explicó la entidad.

El húngaro László Krasznahorkai es el Premio Nobel de Literatura 2025 "por su obra convincente y visionaria que, en medio del terror apocalíptico, reafirma el poder del arte", informó la Academia Sueca y recoge EFE. 

La academia le define en un comunicado como un "gran escritor épico en la tradición centroeuropea que va desde Franz Kafka hasta Thomas Bernhard y que se caracteriza por el absurdo y los excesos grotescos".

También destaca que Krasznahorkai -segundo autor húngaro en ganar el Nobel de Literatura tras Imre Kertész (2002)- ha recurrido a las tradiciones orientales en busca de un estilo más contemplativo y de un tono mesurado.

El resultado son obras inspiradas por las impresiones que recibió y que registró en sus diarios de viajes a China y Japón, textos que en España edita Acantilado.

Su novela Al norte la montaña, al sur el lago, al oeste el camino, al este el río (2003), que gira en torno a la búsqueda de un jardín secreto, es definida por la Academia Sueca como una historia misteriosa con potentes pasajes líricos que se desarrolla al sureste de Kioto.

Esa obra sirve de preludio a una serie de 17 historias organizadas siguiendo la secuencia de los números de Fibonacci y que giran en torno al papel de la belleza y la creación artística en medio de un mundo marcado por la ceguera y lo efímero.

Un ambiente rural similar al de su tierra natal se encuentra en su primera novela Satantango (1985).

A su vez, Herscht 07769 (2021) del galardonado ha sido descrita como una gran novela alemana contemporánea, debido a su precisión al retratar el malestar social del país.

Es un libro, escrito en un solo aliento, sobre la violencia y la belleza "imposiblemente" unidas.

Krasznahorkai nació en 1954 en el pequeño pueblo de Gyula, en el sureste de Hungría, cerca de la frontera con Rumanía.

En 1977, teniendo cuarenta y tres años, Monique Gies abandonó a su marido, chiquillos y empleo para mudarse a una buhardilla parisina. Instalada en su nuevo hogar, Gies frecuentó a los psicoanalistas e inició una discreta producción pictórica, que apenas mostraría en una exposición colectiva celebrada en 1979 y en algunas colaboraciones en la revista Sorcières. 

Monique Gies murió en 2022. Mientras le desmantelan la casa, los hijos —con quienes había retomado el contacto después de la espantada— encuentran las obras de su madre apiladas en una estantería: una colección de escenas inquietantes, muñecas veladas o descabezadas, maniquíes rotos, estancias opresivas y extremidades saliendo de un maletín. Estos trabajos no eran desconocidos para su progenie. Estaban almacenados a la vista de cualquiera que quisiera ojearlos, como ellos mismos habían hecho en alguna ocasión.

Una de sus hijas recordó entonces dos dichos de su madre. Una vez, mientras conversaban sobre el suceso que copaba las portadas de los periódicos (un caso de pederastia protagonizado por el politólogo y europarlamentario Olivier Duhamel contra su hijastro a finales de los años ochenta), Gies habría añadido —sin demasiada solemnidad— que también ella, de niña, había sido violada. El recuerdo habría aflorado durante las sesiones de psicoanálisis; el victimario, un tío suyo. En aquel momento, la confesión no tuvo mayor trascendencia. Años después, ya en su lecho de muerte, Monique volvió a mentar el caso: «Yo era su favorita».

Los herederos de aquella extraña pinacoteca tuvieron que decidir qué hacer con el incómodo legado, si destruirlo o difundirlo. Finalmente, optaron por presentarlo a galerías especializadas en art brut (una etiqueta que engloba las obras de los autodidactas y los outsiders) y terminó siendo mostrada por la galería Christophe Gaillard, en París. Es allí donde Borja Díaz, propietario de la galería The Goma (un proyecto que viene interesándose en los últimos años por el trabajo de artistas marginales) conocería los trabajos de Gies, algunos de los cuales pueden verse ahora en Madrid hasta el 11 de octubre.

Anagnórisis es una exposición formalmente sencilla: una hilera de cuadros, de formato pequeño y similar, situados a la misma altura. Las obras son de una pintura poco elaborada pero efectiva, de una figuración sucinta protagonizada por muñecas (o partes de ellas), maniquíes y estancias domésticas representadas desde perspectivas forzadamente subjetivas. Predominan los colores terrosos, ocres y azules.

Su distribución por las paredes de la galería resulta calculadamente monótona: el visitante debe avanzar por un pasillo flanqueado por esas escenas turbadoras. Un cuerpo infantil cubierto con una sábana traslúcida mira su reflejo desvelado en un espejo. Varias niñas sin rostro contemplan, meditabundas, un enorme busto celeste. En una habitación en penumbra, tan solo iluminada por la luz que parece entrar a través de una puerta entreabierta que queda fuera de plano, la cabeza de un muñecote de ojos inexpresivos y boca asombrada se reproduce en un espejo infinito. En el fondo de una escalera de caracol, un cuerpo femenino (oprimido por el bucle descendente) yace con las piernas levantadas: una pequeña mancha roja le aflora de las caderas. Juguetes crucificados, referencias a Ingres, ventanas y refracciones.

Pese a la crudeza de estas escenas, el montaje de la exposición no es ni opresivo ni morboso. Más bien al contrario: alejándose (en mi opinión, inteligentemente) de cualquier experimento teatral, las obras están dispuestas con holgura y la iluminación es neutra y diáfana. Como acudí a la exposición conociendo de antemano sus particularidades, me pregunto qué impresión causarán estos cuadros en un espectador que desconozca la biografía de su artífice. Si esas habitaciones parduzcas les causarán la misma incomodidad que a mí y si entreverán, en cada pincelada gruesa sobre tal suelo o colchón, un episodio abominable.

En una rentrée tan inclinada a la «recuperación» de artistas desaparecidos (en otro momento podemos discutir qué dice del estado actual de la escena madrileña que tantas galerías hayan escogido legados para abrir la temporada), Anagnórisis se nos presenta como una propuesta singular y sorprendente. No solo por el riesgo que supone ofrecer a sus visitantes (y clientes) una retahíla de imágenes tan desasosegantes; también por los problemas que pone sobre la mesa. Si Gies apenas mostró sus trabajos a finales de los setenta, ¿es lícito que nosotros, perfectos desconocidos, nos asomemos tan descaradamente hacia su intimidad? Si ella eligió narrar tan parcamente esa violación (redescubierta en la cuarentena a través de los dudosos métodos del psicoanálisis) solamente a sus hijos, ¿es prudente que sus descendientes ventilen ese episodio tras la desaparición de su madre?

No tengo respuestas claras sobre estos interrogantes, aunque intuyo que esa misma revelación (que es lo que, en griego, significa «anagnórisis») me afecta como espectador. Como sucede en las tragedias, cuando Edipo se enteró de lo de Yocasta, no hubo nadie en Tebas al que no le salpicase. 

Angélica Liddell ha sido galardonada con el Premio Nacional de Teatro 2025, dotado con 30.000 euros, "por una forma de trabajar crítica, que no hace concesiones e invita a la reflexión y el debate", ha informado este miércoles el Ministerio de Cultura, según recoge EFE.

El jurado ha destacado la repercusión de su obra Dämon. El funeral de Bergman, pieza con la que "se convirtió en 2024 en la primera artista española en inaugurar el prestigioso Festival de Avignon, donde ha sido programada en numerosas ocasiones". 

El fallo de este premio pone en valor, asimismo, que "la artista ha mostrado además otras creaciones como ‘Vudú (3318) Blixen’ y ‘Terebrante’, con las que ha consolidado una carrera como dramaturga, directora e intérprete definida por un lenguaje de enorme riesgo y calidad, que la ha confirmado como un referente dentro y fuera de España para la creación escénica contemporánea".

 Angélica Liddell es el nombre artístico de Catalina Angélica González Cano (Figueras, Girona, 1966), dramaturga, directora y actriz y una de las creadoras contemporáneas más influyentes en la escena internacional.

Licenciada en Psicología y Arte Dramático, inicia su trayectoria dramatúrgica en 1988 con la obra Greta quiere suicidarse, por la que recibe el Premio Ciudad de Alcorcón. 

Durante sus inicios escribe también La condesa y la importancia de las matemáticas (1990), El jardín de las mandrágoras (1991), La cuarta rosa (1992) y Leda (1993), que crea en el marco de un taller del Centro Nacional de Nuevas Tendencias Escénicas (CNNTE), unidad del Inaem que estuvo en funcionamiento entre los años 1984 y 1994. 

En 1993 inicia una nueva etapa artística con la compañía Atra Bilis Teatro, que funda junto a Gumersindo Puche, y con la que ha montado exitosos espectáculos con los que ha girado por los principales festivales y escenarios del mundo, como el Festival de Avignon -estrenó su última obra en la Corte de Honor del Palacio de los Papas-, el Wiener Festwochen y el Teatro del Odeón de París. 

Entre sus obras se encuentran títulos como La falsa suicida (2000), El matrimonio Palavrakis (2001), Once Upon a Time in West Asphixia (2002), Hysteria Passio (2003), Boxeo para células y planetas (2006), Esta breve tragedia de la carne (2015), ¿Qué haré yo con esta espada? (2016), El Decameron (2016), Una costilla sobre la mesa: madre (2019) y Dämon: el funeral de Bergman. 

Los textos de Liddell han sido traducidos al portugués, alemán y francés, entre otros idiomas, y ha recibido numerosos galardones como el Premio de Dramaturgia Innovadora Casa de América 2003 por La pasión anotada de Nubila Wahlheim o el Premio SGAE de Teatro 2004 por Mi relación con la comida; el Premio Valle-Inclán 2008 por El año de Ricardo' o el León de Plata de la Bienal de Venecia de Teatro como reconocimiento a toda su obra. 

Además, en 2017 fue nombrada Chevalier de las Artes y las Letras de Francia, una de las máximas distinciones artísticas del país galo.

Entre los premiados en las últimas ediciones se encuentran Andrés Lima (2019), la sala de teatro Cuarta Pared (2020), Juan Diego Botto (2021), Petra Martínez y Juan Margallo (2022), Ana Zamora (2023) y Teatro del Barrio (2024).

Llega septiembre, con sus coleccionables («primera entrega, dos con noventa y nueve»), la chavalería volviendo al cole y la dichosa rentrée cultural. Cada gremio tiene sus fiestas patronales. Para los libreros, creo, hay tres días en el año que relumbran más que el sol: las novedades de otoño, la campaña de navidad y la octava que va de Sant Jordi a la Feria del Libro. En el mercado del arte somos más frugales y nos conformamos con dos: septiembre, con su aluvión coordinado de inauguraciones, y ARCO y sus constelaciones.

Miren, el gallery weekend es un invento centroeuropeo (berlinés, vienés) la mar de apañado: las galerías de una ciudad se organizan para inaugurar la nueva temporada al unísono (y en horario extendido) con la esperanza de atraer visitantes (coleccionistas, comisarios, críticos y demás especímenes culturales) venidos desde los confines del imperio. En lo patrio, tenemos la agenda apretada: del 11 al 14, Apertura Madrid; del 18 al 21 el Barcelona Gallery Weekend; el 20, la Nit de l'Art en Palma y del 26 en adelante los prolongados fastos del Abierto Valencia.

Como mi pereza no conoce límites, me pregunto si es conveniente tanto atracón. Quiero pensar que sí, que el respetable regresa de sus distracciones vacacionales con ganas de zambullirse en la rutina cultural, que despierta de su letargo veraniego. También, estos eventos tan concurridos nos proporcionan unas jornadas de encuentro entre profesionales y aficionados cuya reunión —quitando el par de citas de rigor de cada año— es complicada por cuestiones geográficas y laborales. Me preocupa, sin embargo, la urgencia ansiosa que ha terminado por impregnar el arranque de temporada. Más cuando, en este mundo hiperconectado, no sé qué necesidad tiene uno de reentrar tan decididamente en algo de lo que jamás termina de salir.

Hay que ver todo y hay que verlo pronto. Hacer el check aquí y allá, dejarse ver en cada una de las estaciones del viacrucis (lo contrario se considera una descortesía) y deglutir una veintena de exposiciones en un par de jornadas. «¿Qué te ha parecido Apertura este año?», «Un poco flojo, ¿no crees?». Hará unos meses, Ianko López publicaba en Vanity Fair un artículo sobre la «fair fatigue», novedosísimo síndrome que aqueja a los visitantes resabiados de Art Basel o Frieze, y cuyo síntoma principal es una cierta decepción porque el acontecimiento en cuestión «no les ha cambiado la vida». «No se me escapan los motivos por los que esto se dice», escribe López, «que tienen que ver con la nostalgia de unos días pasados que recordamos mejores». Hará un año, por estas fechas, me encontraba haciendo el postmortem del gallery weekend madrileño en conversación con un amigo con el que suelo compartir el paseo inaugural. No recuerdo quién de los dos evocaba las grandes ediciones que los dos teníamos en la memoria mientras el otro asentía. «Ese año inauguraba fulano en tal y mengano hizo aquella expo tan buena en nosedónde, ¿te acuerdas?». Por turnos, el uno ratificaba los argumentos del otro, sin considerar que —en aquellos momentos— no pasábamos de los veinticinco años y llevábamos una década menos de exposiciones en la retina.

Supongo que la excepcionalidad con la que se albardan algunas fechas del calendario es tierra abonada para el desencanto, sobre todo cuando estas citas se proponen como maratones en las que todo el pescado ha de ser vendido y consumido antes del domingo. Los premios institucionales, las adquisiciones públicas, los reportajes o las críticas, por algún motivo que se me escapa, no pueden ni esperar al lunes. Uno lo entendería si las exposiciones fuesen a desvanecerse una vez terminado el jolgorio, pero la que menos aguanta un mes y medio. Las lógicas del consumo y la espectacularización nos comen a dentelladas incluso cuando no hay necesidad de ello. Espero, en mitad de esta vorágine, encontrar la ocasión de detenerme delante de un cuadro más de dos minutos. ¡Crucemos los dedos!

La eliminación por el Ministerio de Cultura de un premio tan nimio como el Premio Nacional de Tauromaquia, dotado con 30.000 euros, ha levantado una polvareda. Indica que lo de menos es el dinero, otorgado normalmente a toreros, como el símbolo que representaba. A los espectáculos taurinos y las corridas de toros, los Ayuntamientos de diversas ciudades y muchos Ayuntamientos de poblaciones incluso menores de 1.000 habitantes, conceden subvenciones mayores para mantener la tradición de los toros en sus fiestas patronales o en otras ocasiones inventadas. Y, sin embargo, las corridas de toros están en plena decadencia, de ahí que sus defensores hayan reaccionado proponiendo premios sustitutivos. Extraña en García Page, cuya Comunidad no es la más taurina ni tampoco es residencia de dehesas de toros bravos, y ninguna extrañeza en Ayuso, en cuya Comunidad de Madrid, si desaparecieran los toros en el orbe taurino, ella mantendría este fenómeno cultural, como define Juan Ignacio Codina Segovia a la tauromaquia, quitando relevancia a la discusión de si es cultura o no.  

Jesús Mosterín escribió una columna de Opinión en El País con el título Ocho jueces sin piedad (1/10/2016), de cuyas opiniones es deudo sin duda Juan Ignacio. Escribió Mosterín la columna a propósito de la sentencia del Tribunal Constitucional que, al declarar el entonces Gobierno de Rajoy, con mayoría absoluta, en la Ley 18/2013 de 12 de noviembre, que la tauromaquia “forma parte del patrimonio histórico y cultural común de todos los españoles en cuanto actividad enraizada en nuestra historia y en nuestro acervo cultural común”. Siguiendo esta línea argumental, el TC sentencia igualmente que, “al ser patrimonio cultural, merece protección por parte del Estado en todo el territorio”. Los defensores de la tauromaquia se agarran como a un clavo ardiendo a estas normas para defender las corridas de toros, a pesar del manifiesto declive que se observa año a año. Contra el paso del tiempo, algún Ayuntamiento ha tenido intención de construir todavía una plaza de toros en su pueblo. 

No es verdad que la tauromaquia forme parte del patrimonio histórico español. La historia lo desmiente. En un artículo extensísimo y documentado de Alvaro Luis Sánchez-Ocaña Vara titulado Las Prohibiciones Históricas de la Fiesta de los Toros, dice: ”De unos monarcas claramente taurinos como fueron los Austrias, el siglo XVIII da paso a su antítesis, los Borbones, que, fruto de su tradición ilustrada francesa, no compartieron la afición de sus predecesores por la fiesta de los toros”. Tampoco fue siempre así,  baste recordar que el felón Fernando VII  recuperó dos fenómenos culturales iguales de crueles, la Inquisición y las corridas de toros. Y en la época moderna, el rey Juan Carlos se distinguió por su afición taurina, siguiendo los pasos del dictador Franco.

El más firme detractor de los Ilustrados, dice Sánchez-Ocaña, fue José Vargas Ponce, que, en su obra Disertación sobre las corridas de Toros afirma que su celebración no produce otra cosa que “una juventud atolondrada, falta de educación como de luces y experiencias, los preocupados que la encarecieron sin hacer uso de la facultad de pensar, los viciosos por hábito, hambrientos siempre de desórdenes y, en una palabra, la hez de todas las jerarquías (1807). 

Tanto Juan Ignacio Codina como Jesús Mosterín se refieren a Jovellanos, que pidió insistentemente la abolición de la tauromaquia, preguntándose Codina si es conveniente para la sociedad española seguir manteniendo “determinadas expresiones culturales como la tauromaquia, que promueven una serie de valores confrontados abiertamente con la “felicidad pública” que la conforman sus ritos, costumbres, tradiciones, referencias culturales y diversiones o sus momentos de ocio cultural que las sociedades necesitan, pero no a cualquier precio”. E incide en los efectos deseducadores que las corridas de toros tienen para la juventud, como lo consideró Francisco Silvela, político conservador del siglo XIX, para el que las corridas de toros “debían ser arrinconadas”. ¡Entérate, Ayuso!

El Comité de los Derechos de los niños de la ONU, al considerar la tauromaquia como un “ejercicio violento” destaca los “efectos dañinos” para los jóvenes, por lo que desaconseja y prohíbe la presencia y participación de los menores de 18 años en corridas de toros como toreros o espectadores. Incide, pues, en los efectos deseducadores de las corridas de toros, por lo que causa extrañeza que Antonio Maestre haya afirmado que la mejor forma de acabar con los toros es que “se lleven a los colegios a las corridas de toros y escuchen el sufrimiento del animal, que fuera una actividad obligatoria en los colegios y no doy ni un año a los toros”. Se aplicaría en las escuelas el método pedagógico de que la “letra con sangre entra”. No debe saber que, en los pueblos, los niños asisten sin control a los espectáculos taurinos desde tiempo inmemorial.

Sería imperdonable no seguir citando a Jesús Mosterín. “Tanto la ciencia como la superstición son cultura, y también lo son la democracia y la dictadura, el cosmopolitismo y el nacionalismo, la delicadeza del ballet clásico y el cutrerío de las corridas de toros. Los contenidos culturales pueden ser admirables o execrables”. “Pero, aunque las corridas de toros son un caso típico de tortura como espectáculo y no tienen nada de arte, (yo diría que son aburridísimas ), constituyen una tradición cultural, al mismo nivel que la Inquisición o el maltrato a las mujeres, que no tienen nada que ver entre sí, pero unas y otras protagonizan lamentables tradiciones, incluidas en el patrimonio cultural.

La pregunta oportuna al Ministerio de Cultura y al Gobierno es: ¿qué se ha hecho con las tradiciones culturales execrables? Suprimirlas, abolirlas. Desapareció la Inquisición, se ha abolido la tortura humana, se ha legislado y tomado múltiples iniciativas contra el maltrato a las mujeres. Pero se sigue torturando y dando muerte a los toros en las plazas. 

“Lo más insólito es que el Estado español actual legisle para fomentar la crueldad y la brutalidad entre su población. Nuestros legisladores han pretendido blindar las tradiciones más crueles y sangrientas del país apelando a la esencia cultural de la nación y al presunto carácter positivo de todo lo cultural”. Lo hizo el Gobierno de Rajoy en 2013 y el TC en 2016. Los ocho jueces sin piedad que denuncia Jesús Mosterín fueron: Francisco Pérez de los Cobos, Encarnación Roca Trías, Andrés Ollero Tassara, Juan José González Rivas, Santiago Martínez Varas García, Pedro José González-Trevijano Sánchez, Ricardo Enríquez Sancho y Antonio Narváez Rodríguez. 

No se puede acudir a la tradición y a la historia para justificar la crueldad y muerte de los toros en las plazas. Ya en las partidas de Alfonso X el Sabio se condenaba a aquellos que lidian a cambio de dinero cuestionando su ética y considerándolo como una persona indigna y escasamente honorable. Nadie puede negar que los toros de lidia han sido un negocio para criadores, toreros, representantes y empresarios de plazas. Pasan ahora por momentos tan difíciles por la falta de asistencia a las corridas que, incluso los toreros consagrados tienen que acudir a pueblos y ciudades pequeñas para subsistir y participar de un porcentaje del dinero que se recauda con las entradas, carísimas, por otra parte.  

Con motivo del nombramiento de José Guirao, le dirigí una carta abierta donde le animaba a que las corridas de toros pasasen de ser espectáculos que incluyan la muerte del animal, la aplicación de las suertes de la pica, las banderillas y el estoque –en palabras que utiliza el TC– y se legislen como espectáculos sin tortura, como ocurre en Portugal.

Hacía la comparación con las medidas antitabaco, que pasaron de prohibiciones en hospitales y centros concurridos a extenderse a otros ámbitos con el paso de los años. Pocos ponen ya en duda su eficacia para la salud. Al actual ministro de Cultura le obliga su cargo para impulsar esta medida con una ley ante las Cortes. Así pasarán las corridas de toros al baúl de los recuerdos.

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Felipe Domingo Casas es socio de infoLibre.

José Guirao (Pulpí, Almería, 1959 - Madrid, 2022) consiguió que el Congreso de los Diputados aprobara por unanimidad el Estatuto del Artista en enero de 2019. "Celebro haber llegado al consenso precisamente en una regulación que favorece nuestra producción artística y cultural y ampara a los miembros de nuestra sociedad que la hacen posible, y que en algunos casos se encuentran en injusto desamparo", dijo entonces desde la tribuna del hemiciclo.

Consenso y unanimidad. Dos términos que resumen a la perfección cómo fue su tiempo al frente del Ministerio de Cultura y Deporte: desde el 13 de junio de 2018, llegando como apagafuegos tras el sonoro batacazo de Máximo Huerta, hasta el 13 de enero de 2020, cuando todo el sector cultural quedó conmocionado y consternado por su inesperada salida. 

Pero el presidente del Gobierno, Pedro Sánchez, quería alguien más cercano al deporte y eso se llevó por delante todos los planes en marcha. Se libró de lidiar con la pandemia que puso en pie de guerra al olvidado sector cultural, en permanente queja contra su sucesor, José Manuel Rodríguez Uribes. Pero durante el año y medio que estuvo al frente de la cartera cultura tuvo tiempo también de celebrar el bicentenario del Museo del Prado, promover un plan de inversión de 3,5 millones de euros para la protección del patrimonio, impulsar la intervención de la SGAE. desbloquear el conflicto de los papeles de Salamanca, recuperar la Dirección General del Libro eliminada por el PP y bajar el IVA al cine que también el PP había subido hasta el 21%,

"Me cuesta hablar de él en pasado, pero era una persona tremendamente rigurosa y seria que se preparaba absolutamente todo. Al mismo tiempo, amable, reflexivo y paciente, un ejemplo de lo que debería ser un intelectual en la gestión pública en general y en la gestión cultural en particular", remarca a infoLibre el director del Círculo de Bellas Artes (CBA), Valerio Rocco Lozano, quien apostilla que "deja un gran recuerdo" tras su fallecimiento.

Y aún añade: "Él mismo se consideraba un gran amigo de nuestra institución. Hace unas semanas en un programa de radio que se hizo desde el CBA dijo algo muy bonito, que cuando entraba en el Círculo desde hace muchos años siempre tenía la sensación de entrar en el hermano mayor de La Casa Encendida. Ese espíritu de hermandad entre la Fundación Montemadrid y el CBA dio lugar a un proyecto muy hermoso en el que él creyó desde el principio, nuestro Círculo de Cámara, que fue un proyecto compartido. Además, vino hace poco a uno de nuestros diálogos ya bastante enfermo y para todos nosotros fue bastante doloroso verle en esa circunstancia, aunque mantenía intacto su sentido del humor y él mismo nos alegraba con sus palabras".

Previamente a su etapa como ministro socialista, Guirao había sido director del Museo Nacional de Arte Reina Sofía entre los años 1994-2000, y se había incorporado a la Fundación Montemadrid en 2001 para trabajar en la apertura de un nuevo centro sociocultural, La Casa Encendida, que se inauguró a finales de 2002 en el barrio madrileño de Lavapiés. 

En 2013, el almeriense fue nombrado director general de Fundación Montemadrid (a la que pertenece La Casa Encendida), cargo que ocupó hasta que en junio de 2018 fue nombrado ministro de Cultura y Deporte. Regresó a esta fundación en 2020 tras su paso el Ministerio de Cultura. A finales de 2021 comunicó al patronato su decisión de dejar la dirección de la Fundación, puesto que fue ocupado en abril de este año por Amaya de Miguel. Desde su puesto de asesor para proyectos especiales, en los últimos meses había dedicado gran parte de su tiempo al proyecto de recuperación del Palacio de la Música en la Gran Vía madrileña.

Precisamente De Miguel ha sido otra de las muchas personalidades de la cultura que han expresado su tristeza por la pérdida de su amigo: "Ha sido un referente en la gestión cultural en este país, que ayudó a renovar y encaminar hacia la vanguardia. Tuve la suerte de compartir con él parte de esa andadura y de comprobar su talla humana e intelectual. Me quedo con ese recuerdo".

El director del Museo Reina Sofía desde 2008, Manuel Borja-Villel, se ha sumado a las condolencias y ha señalado las dos instituciones que han marcado el trabajo de José Guirao, más allá de lo que supuso su trayectoria al ser ministro de Cultura. "Por un lado, su trabajo aquí en el Reina Sofía como director, pues consiguió estabilizar la institución, algo que parecía imposible hasta que llegó", apunta a infoLibre.

"Si repasamos la prensa de la época -prosigue-, vemos que el Reina Sofía era un campo de batalla donde los directores duraban muy poco. Era constante la polémica sobre en qué debía consistir la colección, si el Museo tenía que ser un centro de arte o un lugar dedicado a la historia. Él consiguió de algún modo que la institución estuviera fuera de los avatares políticos, fuera de los cambios de un ministro a otro, de un partido político a otro. El museo no podría ser lo que es en este momento si no hubiera habido este período de en el que se consiguió esta estabilidad".

Remarcable para Borja-Villel es también la labor que desempeñó en La Casa Encendida, pues habla "mucho de la capacidad como gestor de reinventarse a sí mismo. "Un proyecto distinto al Reina Sofía, en el que lo discursivo está en segundo plano en relación a lo que tiene que ver con la creatividad, la búsqueda de caminos desconocidos, la apertura a todo tipo de propuestas", plantea.

Desde La Casa Encendida se lamenta muchísimo la pérdida de Guirao, quien será recordado como "una de las personas más relevantes en la cultura de nuestro país en las últimas décadas". En un comunicado, agrega la institución en la que tantos años pasó: "Nosotras, además, le recordaremos con una profunda admiración y respeto. Valiente, exigente, respetuoso, incansable, querido por todos, trabajar a su lado y conocerle ha sido un regalo todos estos años. Nos enseñó a escuchar, a trabajar con generosidad y nos exigió compromiso y responsabilidad con un proyecto que siempre será suyo. Te vamos a echar mucho de menos, Pepe. Gracias por la confianza. Qué suerte haberte tenido cerca. Descansa en paz".

Por su parte, el presidente del Patronato de la Fundación Montemadrid y de la Universidad Alfonso X el Sabio, Jesús Núñez, destaca "la dimensión de la figura de José Guirao en el ámbito de la cultura, en la que ha desempeñado los cargos de máxima responsabilidad". Asimismo, recuerda que el exministro "forma parte de la historia de la Fundación Montemadrid, a la que supo guiar y situar entre las instituciones más relevantes de este país en ámbitos como la acción social, la educación o la cultura". 

Se suma a las condolencias también el Museo del Prado, que en un comunicado destaca que es "imposible catalogar" la huella de Guirao, al tiempo que agradece su "apoyo, dedicación y entusiasmo" en la celebración del bicentenario de la institución. "Sin su participación desde el ministerio que el entonces encabezaba esta celebración no hubiera tenido la visibilidad y el arraigo que consiguió", reconoce la dirección. Para la pinacoteca, contar con la "agudeza, inteligencia y conocimiento" del exministro en la comisión permanente del patronato en los últimos dos años fue "una suerte". "Una etapa fructífera en la que dejó constancia de su capacidad de trabajo y entrega hasta el último momento", apostilla la institución artística.

Guirao tuvo desde siempre una estrecha relación con la cultura. A ella se dedicó desde mucho antes de llegar a Madrid, siendo de 1983 a 1987 el responsable de Cultura de la Diputación de Almería, desde donde pasó en 1988 a ser director general de Bienes Culturales en la Junta de Andalucía. Ya en la capital, fue director de Bellas Artes y Archivos del Ministerio de Cultura antes de ser nombrado director del Reina Sofía en 1994, encargándose de la ampliación realizada por el arquitecto francés Jean Nouvel.

El alcalde de Madrid, José Luis Martínez-Almeida, lo anunciaba con orgullo en la mañana del martes en un desayuno informativo: la actriz, directora y dramaturga Natalia Menéndez será la nueva responsable del Teatro Español y las Naves de Matadero, los principales centros teatrales de la capital. No era para menos. Con este movimiento, el Gobierno PP-Cs y su delegada de Cultura, Andrea Levy, se apuntaban un tanto importante de cara al sector. Natalia Menéndez, responsable del Festival de Teatro Clásico de Almagro hasta 2017, es una figura de consenso cuya gestión pública ha sido aplaudida hasta ahora sin reservas. Menéndez llegó a Almagro en 2010, cuando el certamen pasaba por una situación financiera muy delicada que llegó a amenazar incluso su continuidad, y logró reducir la deuda de la entidad al tiempo que aumentaban los espectadores. 

Las primeras reacciones han sido, de hecho, de celebración. Y eso pese a que Menéndez ha sido nombrada por designación directa, prescindiendo del concurso público que organizaron tanto el Gobierno de Ana Botella como el de Manuela Carmena, por el que fueron elegidos Juan Carlos Pérez de la Fuente en el primero y Carme Portaceli y Mateo Feijóo en el segundo. Con este único nombramiento, la creadora se hará cargo de la gran sala del consistorio madrileño, reunificada después de que el Gobierno de Carmena decidiera separar sus dos espacios, el antiguo Teatro del Príncipe y las Naves, para crear en estas últimas el Centro Internacional de Artes Vivas. El Ayuntamiento había anunciado ya su voluntad de acabar con este último proyecto, cuya creación en 2017 resultó polémica: cuando se decidió que este espacio estaría dedicado a las artes escénicas de vanguardia, el mundo teatral madrileño se dividió entre los que criticaban que no se contara con el teatro de texto y quienes pedían que se brindara una oportunidad a la propuesta. 

Martínez-Almeida celebraba en la mañana del martes que una "extraordinaria" dramaturga se hiciera cargo del Español, y aseguraba que "la cultura no debe ser un hobby o una distracción como con el equipo de Carmena"hobby . Si se conocía que el área de Cultura cerraría el Centro Internacional de Artes Vivas, Levy había dejado claro también que prescindiría no solo de los servicios de su director, sino también de los de Carme Portaceli, cuyo contrato al frente del Teatro Español estaba vigente hasta el 30 de septiembre de 2019. La delegada de Cultura aseguró la pasada semana que la nueva dirección respetaría la programación ya organizada por Portaceli hasta final de julio de 2020. Esta, en un acto público de despedida, reclamaba: "Lo que me preocupa es el desarrollo de la temporada. Mi deseo sería acompañarla para que fuera como está soñada, para poderle dar el buen trato que merece el esfuerzo de las personas que están en ella. Al producirse mi cese, no sé si podré velar por ella. Ojalá las instituciones tuvieran la sensibilidad para que así fuera".

Desde que dejó el Festival de Almagro, que ahora dirige Ignacio García, Menéndez ha regresado a la dirección de escena, con obras como Tebas land (que llegó al Teatre Nacional de Catalunya), Mi niña, niña mía (estrenada, precisamente, en el Español) o Tres sombreros de copa (producción del Centro Dramático Nacional). Anteriormente, Menéndez —especializada en teatro contemporáneo, tanto español como europeo, aunque ha trabajado durante años con el Don Juan Tenorio de Zorrilla— era ya una habitual de todos estos teatros, y ha estrenado también en centros como los Teatros del Canal o el Teatro de la Zarzuela. En mayo, declaró en la Cadena Ser que, aunque no descartaba volver a la gestión, pero decía: "No me he presentado a ningún concurso público porque desde aquí digo que no creo en ellos". Si la decisión lleva tiempo fraguándose, no lo parece: en agosto, manifestaba a la agencia EFE su voluntad de "volver a actuar" después de años alejada de la interpretación; y tiene previsto un estreno como directora para la Compañía Nacional de Teatro Clásico el próximo mayo. 

Natalia Menéndez hereda, en el Teatro Español, una ocupación del 75% y unos ingresos, en 2018, de 1,5 millones de euros —en 2016 alcanzaron respectivamente el 33% y los 780.000 euros—. En Naves de Matadero, el panorama es algo más complejo: entre marzo de 2017 y diciembre de 2018, se congregaron allí 18.886 espectadores de pago, por los que se ingresó menos de 190.000 euros, un público que aumentaba hasta los 167.981 asistentes si se incluían las actividades gratuitas. La nueva directora tendrá que decidir, entre otras cosas, si regresa al modelo Pérez de la Fuente o idea un nuevo perfil para las Naves. 

Ni Luz Casal ni La M.O.D.A. ni Rayden ni Tequila ni tampoco Rozalén. Los ovetenses no escucharán a ninguno de estos artistas en las fiestas de San Mateo ni al resto de 16 grupos que habían sido programados por las empresas El Cohete Internacional y EP Management. El pasado 18 de julio ambas productoras denunciaron en un comunicado que el actual equipo de gobierno del Ayuntamiento de la capital asturiana (PP) les había informado a través de un whatsapp de que no asumirían “los compromisos institucionales que había adquirido la corporación anterior”, integrada por miembros del PSOE, Somos Oviedo (la marca local de Podemos) e IU. El desencuentro y la “cancelación” de la programación para el escenario principal de las fiestas llega a escasos dos meses del inicio de San Mateo el 13 de septiembre.

Según El Cohete Internacional y EP Management, ambas empresas recibieron el encargo de la programación de San Mateo por segundo año consecutivo en una reunión celebrada en La Fundación Municipal de Cultura (FMC) en octubre del año pasado. Desde entonces, y hasta el pasado julio, fueron desgranando la programación en las muchas “reuniones oficiales” que mantuvieron “tanto con la anterior corporación como con la actual, así como con los técnicos responsables de la FMC”. Lo cual, subrayan las productoras, se concretó en “21 fichas de contratación cumplimentadas, una por cada actuación, que constan en poder de los técnicos de festejos desde dicha fecha”.

Covadonga Díaz, actual responsable de la Concejalía de Juventud, en la que se encuadra también Festejos, decidió la pasada semana dejar a un lado esos acuerdos alegando que “no consta en el Ayuntamiento de Oviedo ni en la concejalía de festejos ningún contrato con estas empresas”. Un extremo que también confirman las productoras a través de su comunicado: “Desafortunadamente, los contratos en esta ciudad se firman con asiduidad unos pocos días antes de que se celebre la actividad”. Las fórmulas de contratación de este tipo de actividades culturales con las diferentes Administraciones son múltiples.

A raíz de esa programación “confirmada” para los festejos, “la FMC encargó al director técnico del escenario principal del año pasado la elaboración de un informe en base a las fichas de los 21 artistas programados, que serviría de base para sacar a licitación pública los pliegos de contratación de las infraestructuras (escenarios, vallas, etc.), así como los de sonido, luz y vídeo del escenario principal de las fiestas de San Mateo 2019”, detallan en el comunicado. Ese informe ya estaría hecho y abonado por la Fundación Municipal de Cultura desde marzo.

Sin embargo, Díaz ha asegurado que, a su llegada a la concejalía, solicitó un informe a los técnicos de la Fundación “y estos contrastaron que no había ningún tipo de documento administrativo que hiciese referencia a la programación de los conciertos de San Mateo”. “Si hubo algún tipo de contrato verbal entre [Roberto] Sánchez Ramos [anterior concejal de Cultura] y los promotores, a quien tienen que reclamar es a él”.

Vuelos internacionales y renuncia a otras actuaciones

Entre esos 21 artistas también se encontraban los estadounidenses Buffalo Tom, los asturianos Rodrigo Cuevas y Llan de Cubel, el cantautor italiano Umberto Tozzi, la trapera Ms Nina y el rapero Nach, la cantante portuguesa de Fado Mariza o la artista cubanofrancesa La Dame Blanche. Muchos de ellos ya habían comprado billetes para viajar a Oviedo (algunos, vuelos internacionales), despejado sus agendas para esas fechas, renunciado a otras actuaciones y sus agencias adelantado dinero para cerrar su actuación en Oviedo, “una práctica habitual en las giras de artistas internacionales”.

Por eso, desde EP Management y El Cohete Internacional advierten de que, tras ser informados de la cancelación, los artistas y sus agencias “estimarán tomar las medidas que consideren oportunas para reclamar daños y perjuicios”. A la pregunta de infoLibre sobre si al Ayuntamiento le preocupa que los grupos reclamen al consistorio una indemnización por daños y perjuicios, la concejala de Festejos se limita a responder que “no existe ningún contrato”.

Por su parte, Díaz –que puntualiza que no han “sustituido nada [de la programación], porque nada había”- ha ido anunciando una nueva propuesta musical para las fiestas de San Mateo, que incluye a las bandas ovetenses Ilegales, Stormy Mondays y Muñeco Vudú, los catalanes Sidonie, Los Enemigos de Josele Santiago, el músico asturiano Willy Naves y la cantante Zahara. Las actuaciones previstas de momento se repartirán tres fechas (14, 16 y 17 de septiembre) de los nueve días que dura San Mateo. “En los próximos días conocerán el resto”, anuncia. Díaz no ha querido aclarar a infoLibre cuándo se cerraron los acuerdos con esos grupos. 

Mientras los vecinos de Oviedo van conociendo los conciertos de las fiestas, tanto EP Management como El Cohete Internacional se consideran “víctimas de una cuestión política”. El artista ovetense Rodrigo Cuevas, por su parte, publicaba otro comunicado en su página de Facebook para mostrar su malestar por el desencuentro: “De verdad que los ciudadanos no merecemos a una clase política tan desastrosa, son el ejemplo de lo que no hay que hacer. No hay que enfrentar a las personas para sacar rendimiento político. San Mateo es la semana más alegre de Oviedo, la semana en la que todos somos iguales, salimos a la calle, tomamos unos mojitos en los bares sin preocuparnos si es el de al lado es de izquierdas o de derechas. San Mateo es la semana en la que los ovetenses no envidiamos la programación cultural de ninguna ciudad”.

Los principales teatros municipales de Madrid ya tienen director. Después de seis meses descabezados, después de la destitución de Juan Carlos Pérez de la Fuente, la directora de escena Carme Portaceli será nombrada responsable del Teatro Español, y los productores Mateo Feijóo, María José Manzaneque y Almudena Ávalos gestionarán las Naves del Matadero. El concurso público organizado por el Ayuntamiento de Madrid para sustituir al exdirector de ambos centros –nombrado por el anterior consistorio también por concurso público, aunque gracias a la decisión final de Ana Botella– se ha resuelto este sábado a las nueve de la noche tras una jornada de entrevistas con los candidatos.

Entre las 55 candidaturas recibidas durante el proceso, dos jurados formados por siete profesionales cada uno seleccionaron a siete finalistas. A la dirección del Teatro Español optaban, además de Portaceli, el director de escena Salva Bolta y el equipo formado por la productora Ana Belén Santiago y el director de escena Juan Ayala. A las Naves del Español, además de los ganadores, optaban el equipo formado por el director Andrés Lima y su productor Joseba Gil (una de las candidaturas favoritas), el integrado por Óscar Dasí, Carlos Marquerie y Emilio Tomé, y el gestor mexicano Juan Meliá.

Carme Portaceli se convierte así en la primera mujer en dirigir la sala, antiguo Teatro Príncipe y uno de las salas con más historia de la capital. Fundadora del Teatre Lliure, es una de las directoras de escenas más respetadas del país. Después de toda una carrera desarrollada mayoritariamente en Cataluña (y gran parte de ella en catalán), se trasladará a Madrid para ejercer como gerente a partir del 1 de enero de 2017 y hasta el 31 de diciembre de 2019, según estipulan las condiciones del concurso. Portaceli ha trabajado a menudo con instituciones públicas, como el Teatre Nacional de Catalunya, la Compañía Nacional de Teatro Clásico o el Centro Dramático Nacional, con montajes como Esplendor, Solo son mujeres o El president.

La candidatura colegiada –entre otras novedades, el concurso permitía que se presentaran equipos– de Mateo Feijóo, María José Manzaneque y Almudena Ávalos se ha impuesto, pese a no ser grandes nombres de la escena, a los demás aspirantes. Feijóo fue director del Teatro de la Laboral de Gijón entre 2007 y 2010 -donde trabajó con Manzaneque, dedicada en los últimos años a la producción privada– y ha programado certámenes de la ciudad como el Festimad o el Escena Contemporánea. Ávalos ha desarrollado hasta ahora su carrera de periodista cultural y de estilo de vida en medios como S Moda, ICON o Yo Dona.

El nombramiento de este equipo ha generado cierta sorpresa, ya que dejaba a un lado la candidatura favorita, la de Andrés Lima, uno de los directores de escena más reconocidos del país, fundador de la compañía Animalario e integrante de proyectos como Teatro de la Ciudad. La concejala del Área de Cultura, responsable última del concurso aunque este se puso en marcha a través de la empresa municipal Madrid Destino, valoró “muy positivamente las propuestas de las comisiones que, integradas por profesionales, han tenido en cuenta no solo el prestigio y trayectoria de los candidatos sino también su proyecto global y de gestión para los dos escenarios”.

El Ayuntamiento no ha aclarado aún si se harán públicas las puntuaciones o valoraciones dadas a las distintas candidaturas, o el voto del jurado. El que ha elegido a la próxima directora del Teatro Español ha estado formado por Borja Sitjà (director del Théâtre de l'Archipel de Perpignan), Gumersindo Puche (productor de Angélica Liddell), las dramaturgas María Velasco y Juana Escabias, el historiador y gestor Andrés Peláez, Xosé Paulo Rodríguez (presidente de la red de salas de titularidad pública) y la actriz Berta Ojea (presidenta de Nora, asociación que defiende la presencia de mujeres en las artes escénicas).

El que ha seleccionado al equipo que dirigirá las Naves de Matadero ha estado integrado por la productora especializada en circo Elena Ros, las coreógrafas Àngels Margarit y Claudia Faci, Juan Pablo Soler (programador de los teatros municipales Romea y Circo de Murcia), Chema Blanco (director del Instituto de la Cultura y las Artes de Sevilla), la periodista Aurora de Andrés y Rodolfo Ruiz Ligero (representante de la Unión de Actores).

La resolución del concurso da un respiro al Área de Cultura del consistorio de Ahora Madrid que, entre otros revuelos políticos, tenía a dos de los centros de producción más relevantes del país sin dirección. El nombramiento se hará, sin embargo, en ausencia de Santi Eraso, responsable hasta ahora de Madrid Destino y que anunció su decisión de abandonar el cargo el pasado 16 de septiembre por “cuestiones personales”. Quedan aún otras cuestiones abiertas, como el futuro del Circo Price o la auditoría laboral en la estructura de Madrid Destino.

El área de Cultura está siendo una de las más problemáticas para el Ayuntamiento de Ahora Madrid. Después del caso titiriteros y las polémicas por la programación de la Cabalgata de Reyes y la destitución del director del Teatro Español, Juan Carlos Pérez de la Fuente, llega la marcha de Santiago Eraso, director general de Contenidos y Espacios Culturales de Madrid Destino. El programador, cuyo fichaje fue una demostración del interés del consistorio por la política cultural, deja la dirección de la empresa municipal, según una información publicada por El Mundo que cita a fuentes del Ayuntamiento.

Eraso ha confirmado este viernes a infoLibre su marcha "voluntaria" y ha señalado que no va a hacer declaraciones. A primera hora de este viernes había respondido a la publicación de la información en la red social Twitter en el que se lee "Hazlo con pasión o cambia de profesión". El Ayuntamiento, por su parte, no ha confirmado aún la noticia.

Madrid Destino, responsable de los espacios culturales de las artes y el turismo en la capital, asegura que la salida de Eraso se debe a "cuestiones personales" y "cierto agotamiento en su labor". Jacobo Rivero, responsable de comunicación de la empresa pública, explica a este periódico que conocen la decisión del gestor "desde hace semanas" y que, aunque no da una fecha exacta para su marcha definitiva, esta se producirá también "en semanas". "Más allá de la opción de elegir a una persona u otra, los retos de Madrid Destino van más allá", dice Rivero.

Una reestructuración en marcha

Se refiere a la reestructuración de la empresa, fruto de la fusión de las compañías municipales Macsa, Madrid Visitors & Convention Bureau y Madrid Espacios y Congresos en 2013, que ha dado lugar a una plantilla con tres convenios distintos y un organigrama cuyas funciones se solapan. Madrid Destino es la compañía encargada de gestionar espacios municipales como el Teatro Español, Matadero o los centros culturales Conde Duque y Fernán Gómez. Asimismo, organiza muchas de las citas más relevantes de la capital, en colaboración con la Concejalía. 

La salida de Santiago Eraso hecha pública el viernes llega después de su participación en el equipo de Pili Zabala a las primarias de Podemos en Euskadi, aunque finalmente no aparece en la lista definitiva. El anuncio llega también en medio de varios procesos relevantes en Madrid Destino. Sigue en marcha el concurso público que elegirá a los directores del Teatro Español y las Naves de Matadero (que debe fallarse antes del 15 de octubre), así como la auditoría que el consistorio lanzó para analizar las condiciones laborales (y los posibles altos cargos duplicados) en el seno de la empresa municipal.

Desde su llegada Eraso se planteó la necesidad de modificar la estructura de la empresa municipal. “Hay sueldos muy altos y sueldos ínfimos con contratas externalizadas que no son permisibles”, declaró Eraso en julio de 2015 en una entrevista a infoLibre. También prometió entonces hacer públicos todos los contratos, cosa que aún no ha sucedido. Rivero avanza que el cargo que ocupa Eraso va a seguir existiendo, aunque no tienen candidatos firmes. "En principio, las capas de la cebolla que hay que mirar son otras, y ese papel siempre va a ser necesario", dice. 

Escándalos y desafíos políticos

El área de Cultura del Ayuntamiento, dividida entre la concejalía de Celia Mayer y la dirección de Santiago Eraso, ha protagonizado varios escándalos y desafíos políticos en el último año. Primero fue la destitución del entonces concejal de Cultura Guillermo Zapata por sus tuits de humor negro sobre el Holocausto, e inmediatamente llegó la indignación por la Cabalgata de Reyes, que no seguía el diseño tradicional. Más tarde se produjo la detención de los dos titiriteros por su representación de La bruja y don Cristóbal durante la programación de Carnaval y su posterior proceso por enaltecimiento del terrorismo,  que ha sido definitivamente cerrado esta semana, aunque continúa abierto el de incitación al odio. 

La oposición al completo (PP, PSOE y Ciudadanos) reclamó la destitución de Celia Mayer por este incidente, así como la reprobación de Santiago Eraso, pero el destituido finalmente fue Jesús Carrillo, director de Programación en la concejalía. Eraso protagonizó también un enfrentamiento directo con el exdirector del Teatro Español (que incluía hasta ahora las Naves de Matadero), Juan Carlos Pérez de la Fuente, del que llegó a criticar su “arrogancia”. Pérez de la Fuente ha demandado a la empresa por despido improcedente, causa que aún está abierta.

Pero la materialización más evidente de posibles desavenencias en el seno del área fue la creación el pasado mayo de una Gerencia Técnica que servía supuestamente como órgano de coordinación entre la Concejalía y Madrid Destino, pero que en la práctica suponía una reducción de las competencias de Santiago Eraso en la programación cultural de la ciudad. Eraso no acudió a la presentación de la nueva estructura a los medios.

No es la primera vez que la Real Fábrica de Tapices, fundada hace tres siglos por Felipe V, agoniza arrastrando deudas con los trabajadores y proveedores, y ante cierta indiferencia de las instituciones culturales. En 1996, cuando era una empresa privada en manos de Livinio Stuyck, descendiente de los primeros responsables de la manufactura que provenían de Flandes, el estado ruinoso de las cuentas (y una deuda de 80 millones de pesetas) obligaron a convertirla en una fundación privada sin ánimo de lucro para garantizar su supervivencia. El Ministerio de Cultura, por aquel entonces en manos de Esperanza Aguirre, se hizo cargo de la de la fábrica junto al Ayuntamiento y la Comunidad de Madrid.

Desde entonces y hasta 2011, el patronato de la Fundación Real Fábrica de Tapices cumplió con sus compromisos de transmitir el oficio artesanal a través de la escuela-taller y difundir, en exposiciones permanentes y temporales, el importante patrimonio cultural de la institución en la que Goya trabajó entre 1775 y 1793 en los 63 cartones para tapices de los palacios de San Lorenzo de El Escorial y El Pardo. Pero desde hace cuatro años, la gerencia ha ido acumulando una serie de deudas, entre las que se encuentran varias pagas a los trabajadores. Según el medio centenar de los manufactureros empleados actualmente en la fábrica, durante este tiempo acordaron planes de pago con la órgano gestor, pero éste los ha ido incumpliendo de manera sistemática.

Tienen trabajo, pero no material

Debido a esta falta de compromiso, desde el pasado 19 de mayo los trabajadores se han declarado en huelga indefinida para reclamar las cuatro mensualidades que se les adeudan a día de hoy y un plan de choque que permita dar salida a la ingente cantidad de trabajo pendiente. “Se da la paradoja de que tenemos trabajo para al menos dos años, pero no hay dinero para comprar el material que hace falta”, explica Carmen Esteban, una de las empleadas de la Real Fábrica de Tapices, donde además de restaurar y fabricar tapices, alfombras y reposteros (tapices con blasones) de la Administración, recogen encargos de particulares, algo que las diferencia de otras manufacturas del resto de Europa. La falta de liquidez para comprar el material necesario pone en riesgo estos pedidos y el futuro más inmediato de una fábrica que, junto a la de vidrio, es la única manufactura del siglo XVIII que pervive.

Desde el sindicato UGT-FITAG denuncian, asimismo, que el patronato “debe dinero a la Seguridad Social, a Hacienda y a proveedores”, según explica José Luis Hijosan, responsable de acción sindical. Y reconoce que el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte sí ha mostrado voluntad para solucionar el conflicto, no así la Comunidad y el Ayuntamiento de Madrid que hasta ayer miércoles no se reunieron con los representantes de los trabajadores. Tras el encuentro, la vicenconsejera de Cultura de la Comunidad Carmen González y el director general de Patrimonio Artístico Fernando Gonzalo Carrión les han asegurado estar buscando soluciones, sin comprometerse más, y que hoy se reunirán con el resto de instituciones del patronato.

Desde el Ministerio, por su parte, dejan claro que como otro miembros más tienen las manos atadas a la hora de buscar una solución a los problemas que asfixian la manufactura, ya que no pueden tomar una decisión de manera unilateral. En todo caso, la responsabilidad para encontrar una salida sería conjunta y recaería en todas las instituciones que lo componen y, especialmente, en la gerencia de la Real Fábrica de Tapices. En Cultura califican la situación de “crítica” y aseguran que “han mantenido las aportaciones económicas” con las que contribuyen anualmente a la fábrica y que “rondan los 180.000 euros”.

En este ejercicio, decidieron dividir la subvención en dos partes, de 90.000 euros cada una, “para que una de ellas esté destinada a la amortización de la deuda” que acumula y cuya cifra desconocen. Este periódico trató de ponerse en contacto, sin éxito, con la Real Fábrica de Tapices para preguntar sobre el punto de vista del ente gestor, además de conocer cuál es el monto total de la deuda que ha abocado a esta situación.

Otro de los organismos implicados es Patrimonio Nacional, que gestiona el legado artístico de la Corona, entre el que se encuentran 3.000 piezas textiles y de tapicería, y es miembro del patronato de la Real Fábrica de Tapices de manera institucional. Al igual que en el Ministerio, señalan que no tienen competencia en la gerencia de la fábrica y afirman, escuetamente, no tener “nada que comentar” respecto del conflicto laboral, a pesar de que “lamentan la situación”.

El valor cultural de la fábrica

La Real Fábrica de Tapices, situada cerca de la estación de Atocha de Madrid en un edificio de estilo neomudéjar que fue declarado Bien de Interés Cultural en 2006, mantiene viva una tradición artesanal centenaria y un importante legado artístico. A lo largo de los años, se ha ido adaptando a la evolución estética, elaborando tapices de obras de artistas contemporáneos con las técnicas artesanales del siglo XVIII. Cuando se creó en 1721 buscaba fomentar una industria nacional para decorar los edificios regios, una tarea que hasta entonces había sido desempeñada por artesanos flamencos. Precisamente fue en los años en los que Goya trabajó allí, bajo la dirección artística de Antonio Rafael Mengs, cuando el estilo se desligó por completo de la tradición de los Países Bajos para desarrollar una estética y una técnica propias. Es por ello que los trabajadores en huelga resaltan el papel cultural de la empresa y exigen un plan de viabilidad que sanee las cuentas, para así poder continuar desarrollando su labor.

Como todos los protagonistas del mundo bibliófilo, las bibliotecas planifican su futuro. La British Library acaba de hacer público un documento (Living Knowledge) en el que fija su desarrollo futuro; y la Biblioteca Nacional de España (BNE), cuyo plan estratégico termina ahora, perfila en estos días lo que ha de ocurrir hasta 2018.

"La institución responsable de preservar y transmitir los contenidos generados debe saber hacia dónde camina y cómo puede adaptarse a este entorno cambiante para seguir cumpliendo con su misión", dice su directora, Ana Santos Aramburo. "Por otro lado la futura ley reguladora de la BNE delimita sus fines y funciones de acuerdo a este nuevo entorno, así como la exigencia de una mayor apertura de la institución a la sociedad".

Santos Aramburo nos adelanta, muy resumidas, las líneas maestras:

Ser como siempre y ser siempre nuevas. Desde hace unos años, la BNE preserva los contenidos de la web española. "Hay ya más de 200 TB de memoria, y cada vez que se produce un acontecimiento importante para nuestra historia hacemos una recolección de la web para impedir que se pierda". 

En cuanto a la actitud de los usuarios, tanto su número como el de documentos descargados de la Biblioteca Digital Hispánica y de la Hemeroteca Digital han aumentado (45,9% y 101,8%; 28% y un 51,60%, respectivamente), al igual que los accesos a la web y el uso de los servicios digitales; además, "este año, por primera vez en los últimos años se ha roto la tendencia de descenso de usuarios presenciales y préstamos en nuestras salas".

Le pregunto si tienen dotación suficiente. "No todo es cuestión de presupuesto, aun siendo importante. Este año me siento muy satisfecha de los resultados y es evidente que la Biblioteca Nacional dispone de un presupuesto sustancialmente menor que en años anteriores". 

Dejamos los palacios para bajar a las moradas. La de José Luis Sánchez Rodríguez está en la biblioteca de Peñaranda de Bracamonte (Salamanca), gestionada desde hace 25 años por la Fundación Germán Sánchez Ruipérez. También cree que la dotación económica no lo es todo, "hemos de reinventarnos, ser capaces de responder a las demandas de los usuarios, que en muchos casos no tienen que ver con la lectura, sino con la información y el acceso a la misma, con la búsqueda de empleo, con las maneras en la que se puede enviar un CV, o estar al corriente en las relaciones con la administración..."

Y sin embargo.

Dinero, dinero

Quizá sin saberlo, los bibliotecarios laboran al ritmo de Obús: en sus cabezas el dinero constante está. Constante, no contante, ni sonante.

"Salvo excepciones, en los últimos años no se han abierto nuevos centros bibliotecarios ni se han remozado los preexistentes, en los tres últimos ejercicios ha disminuido notablemente el presupuesto destinado a adquisiciones", afirma José María Nogales, vicepresidente de la Federación Española de Asociaciones de Archiveros, Bibliotecarios, Arqueólogos, Museólogos y Documentalistas (ANABAD). Las plantillas están congeladas y no se reponen bajas. Peor: Sánchez Rodríguez denuncia que "hay lugares en las que se trata de cubrir estas carencias con voluntarios, lo que resulta una estafa". 

Más aún cuando el perfil del bibliotecario es tan variado. "Hay muchos perfiles que encajan en el trabajo de una biblioteca, desde tecnológicos hasta sociales, pasando por educativos, históricos, filológicos… también bibliotecarios y documentalistas –dice quien quiere ser identificada como Librosfera, filóloga que se desempeña en una biblioteca pública de la provincia de Barcelona–. Si te va a tocar trabajar con público infantil, ¿qué es mejor? ¿Ser psicopedagogo y aprender a catalogar libros o saber catalogar libros y aprender psicopedagogía? Yo defiendo más bien lo primero: diversificar el perfil de la gente que trabaja en las bibliotecas y enseñarles lo que necesiten aprender sobre la propia biblioteca a través de otros canales que no sean los estudios universitarios". 

Pregunto al portavoz de ANABAD si las bibliotecas tienen un plan de futuro. "La pura supervivencia: aguantar hasta que pase el temporal, y luego, ya veremos". El último conocido lo implementó el anterior gobierno, "que durante cinco años vino a asignar una notable cantidad para compra de libros, entre 1 y 2 euros por habitante y año. Estuvo precedido de otro (e.net) gracias al cual se dotó de internet a todas las bibliotecas". Suena moderno, pero es viejo: "Trabajo en una gran ciudad de 200.000 habitantes al este de Madrid. Sus bibliotecas no tienen WiFi".

Viejo e incompleto. "Las bibliotecas deberían tener garantizado el acceso a la banda ancha, una necesidad básica para el desarrollo de cualquier tipo de actividad, a coste cero y estén donde estén", me dice Sánchez Rodríguez, que también critica el funcionamiento de las plataformas digitales de préstamo. "No tienen en cuenta los intereses de los lectores, sino más bien el de las editoriales. Conozco de primera mano la plataforma ebiblio, en la que se incluye un exiguo catálogo de 1.500 obras, muchas de ellas de escaso interés y con una oferta ridícula de novedades de narrativa. Los bibliotecarios no han participado para nada en la selección de esas obras. Para más desesperación, para acceder a una obra digital tienes que esperar a que termine el anterior usuario, cosa que está en contradicción con las posibilidades que nos ofrecen los formatos digitales". En su opinión, el Ministerio de Cultura sigue "constreñido a las limitaciones de lo impreso y a las presiones de los lobbies editoriales, que mantienen una política comercial de precios desorbitados, fomentando de esta manera la piratería".

¿Entonces?

Honorio Penadés y Lorena Gómez forman parte del Grupo Durga, cuyos miembros participaron en el "Grupo estratégico para el estudio de prospectiva sobre la biblioteca en el nuevo entorno informacional y social", constituido en 2013 en el ministerio y responsable del Informe "Prospectiva 2020: Las diez áreas que más van a cambiar en nuestras bibliotecas en los próximos años". Contestan al alimón.

"Como servicio público, las bibliotecas están en el punto de mira de los recortes. Pero la crisis económica no puede ser una excusa ante una institución que garantiza la igualdad de oportunidades: los poderes públicos tienen una responsabilidad directa en la financiación de los servicios bibliotecarios, que han demostrado su función social y su capacidad de adaptación a los cambios tecnológicos y sociales". 

Insisten en que las bibliotecas han de ser un agente de cambio social, un "tercer lugar" acogedor y dinamizador. "Trabajan para romper la brecha digital, pero también forman parte de una estructura que trabaja para romper brechas sociales". Porque son, cito aquí a Nogales, "células básicas del desarrollo cultural, el sitio perfecto para eliminar las brechas culturales y digitales que separan a grandes franjas de población o por distinta generación o por desigualdad social".

De ahí que, lamentan Penadés y Gómez, su anquilosamiento tenga consecuencias sociales, "porque en las comunidades con más alto uso de las bibliotecas públicas hay menos conflictos sociales, incluso se ha medido en Francia, hay menor radicalismo político e integrismo religioso en zonas mejor surtidas de bibliotecas".

Qué será, será 

Sánchez Rodríguez entiende que "sólo siendo útiles a los ciudadanos tendremos posibilidades de sobrevivir"; Librosfera, que "si los jóvenes creen que todo se puede encontrar en Google y la Wikipedia… pues así nos irá. Si la población deja de creer que las bibliotecas son necesarias, los políticos dejarán de verlas como una prioridad y caeremos en el olvido".   

¿Los retos inmediatos? "Redactar un plan nacional de lectura pública que a su vez contemple los planes regionales y municipales, que por lo general, tampoco existen", responde el vicepresidente de ANABAD.

En cuanto a la "biblioteca de bibliotecas", la BNE, por la que hemos empezado... "Mi obligación como Directora es luchar por esta institución, demostrar el valor que tiene para la cultura española y su gran potencial para la puesta en marcha de proyectos beneficiosos para muchos sectores de nuestra sociedad, entre los que sin duda alguna se encuentran las bibliotecas españolas ―afirma Ana Santos Aramburo―. Con mayor presupuesto estos proyectos serían mejores y por lo tanto aumentaría el beneficio para todos". Le preguntamos si confía en los responsables políticos... "La BNE, al igual que el resto de las instituciones culturales de nuestro país, debe quedar fuera de los vaivenes políticos, esto es una de las cuestiones que va a quedar delimitada en la futura ley". 

Veremos.

Entre las dos imágenes hay 13 años de distancia. El lugar es el mismo: el hemiciclo del Ayuntamiento de Valencia. El debate, también: la prolongación de la avenida de Blasco Ibáñez hasta el mar a costa de la demolición de centenares de viviendas de alto valor histórico en el barrio marinero del Cabanyal. El 25 de enero de 2001, Josefa Nicolau, de 85 años, se encaró desde el palco a la alcaldesa Rita Barberá: “Nuestras casas no las tiraron ni las bombas ni la riada. Ustedes tampoco. No podrán, ya que delante de las casas estaremos las personas”. Josefa murió en el 2010 en su vivienda de la calle San Pedro, la más antigua del Cabanyal. Este viernes, Mar, su nieta, de 17 años, recogió el testigo. “El relevo está preparado y eso quiere decir que estamos preparados para volver a empezar. Más preparados y más fuertes”, le arengó a una alcaldesa de gesto imperturbable.

Minutos después, la docena de miembros de Salvem El Cabanyal, plataforma que se opone a los derribos y apuesta por la rehabilitación integral del barrio, pintaron sus caras de rojo. Igual que hace 13 años. Idéntica escena e idéntico resultado, ya que, mecánicamente, los concejales del Partido Popular levantaron sus manos de mayoría absoluta y aprobaron someter a exposición pública la modificación del Plan del Cabanyal.

Imperativo legal

Se trata de una transformación escasa, a regañadientes y por imperativo legal. En diciembre de 2009, el Ministerio de Cultura emitió una orden que declaró expolio los planes de Barberá. Y la instó a corregirlos. Desde ese momento, la alcaldesa buscó todo tipo de brechas para evitar tocar una coma. La munición jurídica fue de alto calibre: una ley autonómica para despojar al Cabanyal de su condición de BIC (Bien de Interés Cultural) que acabó en el Tribunal Constitucional; una querella por prevaricación contra la entonces ministra del ramo, Ángeles González-Sinde, que fue archivada; un recurso contra la orden en la Audiencia Nacional, que sentenció a favor del Ministerio. Y, finalmente, otro recurso al Tribunal Supremo, que este 7 de julio refrendó a la Audiencia Nacional y agotó la pólvora judicial de Barberá.

Pero no la política. En los últimos meses, la alcaldesa ha estirado hasta el límite sus influencias en Madrid. A mitad de junio amenazó a Mariano Rajoy con dimitir si no obtenía de Cultura un pacto para adaptar la orden. Y el 20 de junio, Barberá convocó a los medios de urgencia para presentar su acuerdo: un correo electrónico del ministerio, sin firma ni informe técnico en el que instaba al consistorio a enviar sus modificaciones como medida previa a un posterior estudio. "Humo y más humo". Así calificaron todos los partidos de la oposición la oferta difundida por el Ayuntamiento.

Mismos vicios

De hecho, el nuevo proyecto de la alcaldesa es un ejercicio de mínimos retoques. Si antes demolía 674 edificios, ahora son 637. Si el ancho de la avenida era originariamente de 107 metros, ahora lo sería de 84. Y las nuevas edificaciones pasarían de cinco a tres alturas por el tramo BIC. Pero en lo sustancial, se mantienen los mismos vicios que llevaron a Cultura a declarar el plan un expolio: abrir un boquete sobre la trama de las antiguas barracas y demoler edificios protegidos, de gran valor artístico por su tipología modernista, para substituirlos por fincas de ladrillo visto. De hecho, las críticas al nuevo proyecto, que se expondrá al público en agosto y septiembre, han sido unánimes entre los expertos.

Europa Nostra, presidida por el tenor Plácido Domingo, emitió este miércoles un dictamen en el que mostraba “satisfacción” por la sentencia del Supremo. El texto expone crudamente el resultado de 16 años de presión urbanística: “Muchos edificios se han deteriorado; mientras que algunas casas han sido abandonadas, otras han sido ocupadas ilegalmente por grupos marginales; también ha aumentado la sensación de inseguridad, desconfianza y especulación inmobiliaria”. La reflexión concluye: “Es necesario respetar la ley, los intereses legítimos de las personas y el valor del patrimonio cultural como parte integrante del modelo humanista de la sociedad que se halla en el corazón de la construcción europea”.

Se trata de un argumento muy similar al expresado, el 21 de julio, por la World Monument Fund (WMF), institución norteamericana que el 2012 incluyó al Cabanyal en su listado de patrimonio mundial en riesgo. Sus responsables lamentan la obcecación de Barberá. “Analizados los planes municipales, se puede concluir de manera objetiva que la propuesta municipal que se presenta es muy similar a la que en su día provocó la Orden Ministerial por expolio”, observan.

Ambas misivas van más allá de la denuncia y la retórica, ya que, soterradamente, dan fuerza a los técnicos dentro del avispero del presiones en los que se ha convertido el ministerio. Un pulso de larga tramitación, ya que, tras la exposición pública, se deben atender las alegaciones ciudadanas y someterlas a un informe positivo de la consejería de Cultura. Solo así se remitiría al ministerio, quien consultaría con instituciones de elevado prestigio artístico antes de redactar una nueva orden. En el caso anterior, este último trámite se alargó alrededor de ocho meses.

“Barberá quiere llegar viva a las elecciones y con un proyecto que pueda vender a sus votantes”, opina Vicent Gallart, arquitecto y vicepresidente de la asociación de vecinos del Cabanyal-Canyamelar. Según Gallart, que este viernes calificó durante el pleno de “cúter en el corazón del barrio” el nuevo plan de la alcaldesa, “los vecinos llegamos a esta recta final con más argumentos, más apoyos y un relevo generacional para la resistencia del que carece del Partido Popular”. Una idea que personificó Mar Villora, quien recordó a la alcaldesa las palabras que hace 13 años pronunció su abuela: “Tenemos un compromiso tan fuerte con nuestra historia, que nadie será capaz de romperlo”.

“El más terrible de todos los sentimientos es el sentimiento de tener la esperanza muerta”. Las palabras de García Lorca podrían reflejar la decadencia de un Madrid marcado por los excesos, el caciquismo, el despilfarro y el desgaste. Una ciudad donde sus vecinos viven “como si ya estuviera desahuciada”. Madrid es víctima del "lujo exótico". Es el cántaro que, explotado por sus máximos responsables, acabó por romperse. Esta es la historia de los últimos cuatro años de la capital vista por Máximo Pradera en Madrid Confidencial, un relato crítico y polémico de la gestión de Alberto Ruiz-Gallardón y Ana Botella.

"No sé si Madrid es resucitable o no, pero sus vecinos tienen la sensación de que no lo es (...). Incluso los propios médicos encargados de revivirla, los políticos, nos ofrecen la visión de una ciudad muerta". El periodista madrileño dibuja un retrato de la capital devastada por el "faraón de Cibeles", Alberto Ruiz-Gallardón, y su secuaz, Ana Botella. "El PP ha dejado la ciudad tetrapléjica", afirma una profesora de música de San Blas, ahora en paro. Y es que, como recuerda Pradera, "Madrid es, con mucho, el ayuntamiento más endeudado de España". En 2013, uno de cada tres euros que aportaron los madrileños a las arcas municipales iba a parar a los bancos, explica el guionista y presentador.

En Madrid se respiraba un lujo exótico; "nadábamos en pasta, había mucho dinero en manos de los contribuyentes", describe Pradera a infoLibre. El exalcalde de Madrid Ruiz-Gallardón "viajaba, por ejemplo a Lisboa, en avión y hacía que sus coches oficiales, dos Audis blindados, fueran por su cuenta para que le hicieran de taxi por la ciudad", relata. Excesos a los que se suma el mayordomo particular que "el faraón de Cibeles" tuvo contratado por 3.150 euros al mes hasta su último día en el ayuntamiento. Servicio destinado a "que le sirviera el almuerzo y los cafés, en un comedor de cincuenta metros cuadrados" y que "abonaba con dinero público", apunta el periodista.

Las exuberancias de Gallardón no conocen límites. "El Palacio de Cibeles, sede del actual ayuntamiento, es el templo de Luxor que mandó levantar en honor a sí mismo el faraón Tutankardón", recuerda en Madrid Confidencial. "El total definitivo del sueño faraónico ascendió a 466 millones de euros [...]. El doble de lo que costó reformar la Tate Modern" de Londres, el museo de arte contemporáneo más visitado del mundo. Y ya que de plétoras se trata no hay que olvidar la titánica inversión de las tres candidaturas olímpicas. "6.536 millones de euros es lo que ha costado a los madrileños no hacer los Juegos Olímpicos", señala Pradera. Cifra que casi asciende a "la deuda total de Madrid". 

De exceso en exceso "Madrid se ha convertido en una comunidad de individuos maltratados, sin proyecto ni futuro", sentencia el autor. De poco ha servido que su alcaldesa, un "personaje siniestro bajo la batuta de Montoro y Rajoy", decidida a dar ejemplo, anunciara el pasado mes de marzo una rebaja del 1,9% de su sueldo –pasando de 101.687,12 a 100.000 euros justos–. "¡Por fin el PP ha entendido que hay que dar ejemplo!", ironiza Pradera en las páginas de su libro. El Ayuntamiento de Madrid está desbordado. La capital española, explica, "tiene una cantidad ingente de infraestructuras que se pusieron en pie durante el reinado del Faraón de Cibeles" pero "no hay ya presupuesto para gestionarlas".

Madrid y la deuda

No hay presupuesto, pero si hay deuda. Madrid tiene un agujero de más de 7.000 millones de euros. Para Pradera, su gestión por parte del ayuntamiento madrileño supone el regreso al thatcherismothatcherismo. "Se trata de gestionar el país como una economía del hogar, como un crédito hipotecario que pagas a plazos cuando estás en casos de necesidad". El valor nominal de la deuda, explica el periodista, es cada vez más pequeño, pero aumenta la proporción por la propia dinámica de ingresos y gastos. "Con el tiempo el dinero deja de significar lo mismo y el valor de los 7.000 millones de deuda será menos en unos años, se va erosionando y es necesario renegociarla", añade. Administrar una ciudad como un hogar es, a su parecer, "una barbaridad".

Y mientras Madrid nada en números rojos, la cultura se ahoga. El consistorio madrileño considera “las inversiones en cultura como gastos” y, así, la capital ha dejado de ser “la ciudad de la virtud para ser la administración de la miseria”, denuncia el guionista. No es de extrañar cuando su alcaldesa, “no electa”, recuerda Pradera, dejó de lado el Museo del Prado, el Thyssen, los conciertos en La Riviera, el Festival de Otoño o los musicales en la Gran Vía para defender en Buenos Aires la candidatura olímpica de Madrid. El arte, la música, la esencia de la capital quedó en un segundo plano, desplazada por un café con leche en la Plaza Mayor.

“El PP, donde no hay ladrillo, se dedica a explotar de manera salvaje”, asegura el autor de Madrid Confidencial. Quizá aquí resida la razón de la paralización del Paseo de las Artes ideado por Gallardón y aprobado por todos los grupos municipales. “El proyecto fue saboteado por Esperanza Aguirre –explica Pradera-, y olvidado por Ana Botella”. Desde el Ayuntamiento de Madrid “no se apuesta por el turismo, ni por la cultura, no ven que se trata de una buena inversión”. El dinero destinado a cultura en Madrid es tres veces menos que el destinado en otras capitales europeas, denuncia.

Con su llegada al consistorio, Ana Botella “esperaba ser la alcaldesa de los Juegos Olímpicos y Eurovegas, la emperatriz de Lavapiés”, relata Pradera. Sin embargo, Madrid se quedó sin juegos y sin casinos. El proyecto de Eurovegas “empezó con mal pie: excepciones fiscales, cambios legales…, la ciudad de la virtud y de niños ludópatas”, ironiza el periodista.

La rana de Al Gore

Mientras Madrid se vuelve más gris, más sucia, más silenciosa, en definitiva, más pobre, sus vecinos sufren como la rana de Al Gore. En una cacerola llena de agua fría una pequeña rana nada confortable a su antojo. Poco a poco el agua se va calentando y el anfibio se encuentra de lo más a gusto. La temperatura sigue subiendo, el agua acaba hirviendo, y la rana muere frita. Con esta fábula, Máximo Pradera explica la actitud, quizá “pasividad”, de muchos madrileños frente al saqueo de su ciudad.

“Igual que no se reacciona ante el cambio climático porque no se ven sus consecuencias a corto plazo, muchas personas no son conscientes del estrangulamiento de Madrid”, asegura el periodista. Hay quienes “no son capaces de poner en reacción lo que pasa” ya sea porque “hay menos información o porque renuncian a leer los periódicos”.

Resucita ¡Madrid!

A pesar de que muchos madrileños padecen de la ignorancia como la rana de Al Gore, otros tantos salen a las calles para recuperar lo que fuera su ciudad. “Los vecinos se quejan, Madrid es una ciudad peleona, es la ciudad de la mareas”, recuerda el guionista y presentador. La capital “deprimida, paralizada, distópica” descrita por Pradera quizá tenga salvación porque “Madrid podrá ser una cloaca invivible, pero es insustituible para triunfar”.

“La única forma de desarticular la red de clientelismos” que ha terminado por enfermar a la capital “es desalojar el consistorio para que entren otros”, asegura el autor del polémico libro. Nuevos líderes políticos y cultura, mucha cultura. Para Máximo Pradera, “la gran baza de una ciudad como Madrid solo puede ser la misma que la de los 80: la cultura”. Pues “solo una nueva movida madrileña puede sacar a la ciudad del coma vegetativo en que está sumida”.

“Hace unos años, desde luego, el hecho de vivir en Huesca hubiera significado un serio problema a la hora de montar una editorial como la nuestra. Ahora, por suerte, esto no supone ningún impedimento.” Alfonso Castán, editor de Contraseña, se pasa la vida a caballo entre la capital altoaragonesa y la capital aragonesa a secas, donde vive su socio, Francisco Muñiz. Pero nunca se planteó editar en otro sitio.

Los periféricos, ¿son editores porque están en el extrarradio del sector editorial o a pesar de estarlo? Pues depende. Todo depende.

“Desde luego, soy editor a pesar, y mucho, de estar en Valencia”, dice Blas Parra, de El Nadir. Y se explica: “En la Comunidad Valenciana las Bibliotecas institucionales no nos han comprado un libro desde hace 5 años, por ponerte un ejemplo. Supongo que siguen la línea de adquirir los Planetas, y libros de algún personaje público como Belén Esteban, Aznar o el arzobispo andaluz. En realidad para la Comunidad Valenciana no existimos”. Eso sí, han dado dos premios en 10 años, al libro mejor editado y al mejor cómic editado este año. “Honorífico –precisa–, sin remuneración económica, no se vaya a pensar mal". 

“Nosotros estamos en nuestro espacio natural –afirma Olatz Soraluce, de la donostiarra Erein–. La mayoría de nuestra producción es en euskera y está dirigido al mercado euskaldún. Por lo tanto este es nuestro lugar". 

Lógico. Pero también publican en español, y en ese terreno, la percepción cambia. “Si hablamos de la producción en castellano (no olvidemos que estamos inmersos en una comunidad bilingüe), somos editores a pesar de estar en Donostia". 

Lejos del centro

En un sector fuertemente concentrado, en el que 2012 Madrid y Cataluña sumaron el 66,03% del total de los libros catalogados, cabe preguntarse por qué algunos prefieren quedarse en su rincón, qué ventajas les reporta.

Eduardo Riestra, de la coruñesa Ediciones del Viento, sólo encuentra una, “la serenidad”. Castán, ninguna.

Lo mismo que Parra, quien, estando en Valencia y editando en castellano, apunta un agravante: “La prensa para comunicar, los críticos para que te hagan caso en ese complejo mundo de relaciones, las editoriales para promover asuntos culturales asociados, todos los movimientos de abajo arriba y a la inversa, se producen en Madrid y Barcelona. Cada desplazamiento nos cuesta una pasta. Cada Feria, un pastonazo. Cierto que por internet establecemos relaciones con el mundo entero". 

Su lamento encuentra eco en Euskadi. “Los grandes medios de comunicación, los que cubren la totalidad de la geografía de habla castellana, están en los dos grandes centros de poder y decisión, fundamentalmente en Madrid –señala Soraluce–. De la misma manera, las grandes cadenas de distribución y de comercialización, tienen su centro en esos mismos lugares. El potencial que esto genera hace que nuestra producción en lengua castellana pase a un tercer o cuarto plano, en cuanto a su posicionamiento en el mercado.”

La desventaja con la que parten en el ámbito estatal es evidente. Podemos pensar que queda (parcialmente) compensada con la preeminencia de la que disfrutan en su mercado natural. Más aún en casos como el de Erein, cuya marca de diferenciación es la edición en euskera, idioma del que no se ocupan los grupos con sede en Madrid o Barcelona.

¿Estamos en lo cierto… o no?

“La voracidad de las grandes empresas editoras, casualmente afincadas en esos centros, hace que intenten participar de los pequeños beneficios que nuestra singularidad idiomática confiere, articulando delegaciones con sede en nuestro territorio.” Soraluce asegura que esa competencia se percibe, fundamentalmente, en el texto escolar, donde, además, “su potencialidad económica les lleva a prácticas de dumping, competencia desleal, en detrimento de nuestras editoriales”.

Y luego está el triste sino que hermana a las editoriales pequeñas con los pequeños clubes de fútbol: perder a sus estrellas emergentes, que siempre vuelan. “Cuando los autores a los que hemos dedicado nuestra atención y por los que hemos apostado, comienzan a despuntar son captados por estas empresas con promesas de mayores beneficios y difusión, empobreciendo nuestras posibilidades de hacernos más fuertes". Su queja, claro, tiene menos que ver con la territorialidad que con la ley del más fuerte.

Irreductibles

Pero no tiran la toalla, estamos en 2013 y en la aldea editorial, algunos irreductibles resisten (¿todavía y siempre?).

El año pasado, en la clasificación de regiones editoras encabezada, queda dicho, por Madrid y Cataluña, la tercera plaza la ocupó Andalucía, 10.929 títulos (5,49%); luego, Valencia, 4.854 obras (2,89%); País Vasco, 2.553 títulos; (2,48%), Galicia, 2.190 títulos (2,48%); y Castilla y León, 1.791 (2,03%).

Lo cual nos puede llevar a suponer que los llamados a participar en este artículo suscribirían, cada uno desde su sede, la declaración de Eduardo Riestra: “Ni editor a porque estoy en la Coruña, ni a pesar de estar en La Coruña: soy editor Y estoy en La Coruña”.

El pasado viernes, a las 17.32, el servicio de prensa de Liber emitió una nota de prensa. En el asunto: "Récord de visitantes profesionales en Liber 2013". Una hora después, llegó una segunda. "NOTA DE PRENSA RECTIFICACIÓN: Más de 10.000 profesionales del sector editorial han visitado la 31ª edición de la Feria Internacional del Libro".

En efecto, difícilmente podía batir marcas una afluencia que, siempre según los organizadores, era inferior en 2.000 personas a la registrada en 2012. Un traspié sin importancia, un exceso de entusiasmo. Sin duda. Pero el domingo, la organización del evento volvió a lanzar las campanas al vuelo: "Liber 2013 ha cumplido sus objetivos”, “la nueva iniciativa del Festival Liberatura, el salón abierto al público en general, ha sido un acierto", "el Salón Profesional, que cerró sus puertas el viernes, tuvo una afluencia de más de 10.000 visitantes".

Y, desde luego, las declaraciones de Javier Cortés, Presidente de la Federación de Gremios de Editores de España, y Enrique Lacalle, Presidente de Meeting y Salones, la empresa organizadora, lanzadas desde la oficina de prensa destilaban satisfacción. "Liber ha conseguido reforzar la importancia del sector editorial español, realzándolo y poniéndolo en valor en el actual contexto económico. Ha vuelto a desarrollar una importante labor comercial, especialmente como motor de las exportaciones", decía el primero. "Estas cifras confirman que Liber es el mayor encuentro editorial del libro en español, al mismo tiempo que da respuestas a los retos y oportunidades que ofrece el momento de transformación que vive el sector".

Nada que no hubieran dicho o podido decir el día de la presentación ante los medios de comunicación de esta edición, la trigésima primera, cuando Lacalle habló de "sacar pecho" y Cortés del sector editorial como un arma de recuperación económica. Sin embargo, cuando se habla con asistentes y participantes, la impresión es bien distinta.

Una de las primeras alertas retumbó el jueves en Twitter. 

Para entonces, las conversaciones con las gentes del sector estaban ya trufadas de críticas a las carencias de la organización. Decían que un pabellón de tres pisos era un despropósito. Que no había cobertura para los móviles. Que el 3G brillaba por su ausencia por lo que no podían mostrar sus catálogos por internet. Que las cafeterías eran muy caras, que los bocadillos y las cervezas estaban por las nubes. Que el precio de los stands resultaba desmesurado para editores que las están pasando canutas, y que encima eran estrechos, incómodos. Que por la cena de entrega de los premios a los mejores del año, cena a la que asistieron los Príncipes de Asturias, cobraban 66 euros. Que el Madrid Arena no era una sede adecuada, no ya por las connotaciones trágicas que ese lugar tendrá ya para siempre, sino porque todo lo que no sea acercar los libros al corazón de la ciudad es apostar por un fracaso. Y muchos mostraban ya su desconcierto, no entendían las razones que habían llevado a los organizadores a decidirse por este modelo de certamen.

Al cierre, el desánimo está muy extendido, y se oye un lamento por la oportunidad perdida. "Mucho ruido y pocas nueces. Es lo que me dijo un editor y es lo que me pareció el primer día de mi visita", sintetiza el escritor Antonio Gómez Rufo. Y dos editores que han accedido a ser citados se muestran aún más contundentes: "Una edición para olvidar y un error de ubicación, organización y formato", resume el editor Jesús Egido (Rey Lear y Reino de Cordelia); "Liber –apostilla David Villanueva, editor de Demipage– es la depresión y la caspa en el mismo estado". 

Apoyo político e institucional

Por lo demás, los organizadores se muestran razonablemente satisfechos por el apoyo institucional recibido. La presencia en la inauguración de la vicepresidenta Soraya Sáez de Santamaría, la cena presidida por los príncipes, la visita de Alfredo Pérez Rubalcaba (citados en estricto orden cronológico, no institucional) ha servido para escenificar un apoyo que el sector venía reclamando sobre todo en la lucha contra la piratería, la voluntad (ya se verá si real) de defender la propiedad intelectual. Nótese que, por razones de agenda, el ministro de Cultura, José Ignacio Wert, no ha podido asistir. Y que no todos lo lamentan.

La cuestión, en cualquier caso, es si Liber de este año 2013 es el tipo de Liber que necesita un sector que facturó en 2012 un 10,9% menos que el año anterior, que acumula ya cinco años de caída de las ventas. Y si como tantos dicen, no lo es, entonces habrá que preguntarse: y ahora, ¿qué?