La película Dolor y gloria, de Pedro Almodóvar, ha arrasado con un total de seis galardones en la séptima edición de los Premios Feroz, cuya ceremonia de entrega se ha celebrado este jueves, apenas tres días después de conocerse las nominaciones a los Oscar, en los que la película del cineasta manchego opta a Mejor película internacional, del mismo modo que Antonio Banderas opta al Oscar a Mejor actor protagonista por su trabajo en este filme.

Dolor y gloria, que aspira a dos Oscar ha sido la gran ganadora de esta edición, tras hacerse con seis de los diez premios a los que aspiraba. Entre otros, ha conseguido los galardones a: Mejor película dramática, Mejor dirección, Mejor guion, Mejor actor protagonista o Mejor actriz de reparto.

El Feroz a la Mejor comedia ha sido para Ventajas de viajar en tren, mientras que en el apartado de ficción televisiva, Hierro ha recibido el Premio Feroz a Mejor serie dramática, y el premio a Mejor serie de comedia ha sido para Vida perfecta.

La séptima edición de estos premios, que votan los socios de la Asociación de Informadores Cinematográficos de España (AICE), se ha celebrado en el Teatro Auditorio Ciudad de Alcobendas y ha estado conducida por la actriz María Hervás.

La ceremonia ha contado con la presencia del ministro de Cultura y Deporte, José Manuel Rodríguez Uribes, quien se ha estrenado en su nuevo cargo con esta ceremonia, tras tomar posesión el pasado lunes. Además, también han estado presentes, entre otros, la ministra de Trabajo, Yolanda Díaz; la presidenta de la Comunidad de Madrid, Isabel Díaz Ayuso; y la consejera de Cultura de la Comunidad, Marta Rivera de la Cruz.

Pedro Almodóvar vuelve a los Oscar: Dolor y gloria, su última película, una narración declaradamente autobiográfica ha logrado dos nominaciones en los premios de la Academia de Hollywood. La película se medirá con Parásitos, de Bong Joon-ho, su principal competidora, en la categoría de mejor película de habla no inglesa, mientras Antonio Banderas se las tendrá que ver con Joaquin Phoenix o Leonardo DiCaprio como mejor actor protagonista. Sin embargo, el propio Almodóvar no ha logrado hacerse un hueco en las categorías de mejor dirección y guion original, cosa que sí logró en 2003 con Hable con ella, cuando se hizo con este último galardón. Completa la presencia española en la gala del próximo 9 de febrero la película de animación Klaus, ópera prima de Sergio Pablos, que con un presupuesto de 40 millones de dólares y animación tradicional se enfrenta a Cómo entrenar a tu dragón 3 (130 millones de dólares) o Toy Story 4 (200 millones de dólares). 

Joker, la película sobre el villano de Batman dirigida por Todd Phillips, es el filme que logra acumular más nominaciones, 11 en total, incluyendo mejor película, dirección, actor protagonista (para Joaquin Phoenix, una candidatura cantada) y guion adaptado. Es el segundo filme de superhéroes en ser admitido oficialmente en el club del cine serio, tras la entrada de Black Panther el pasado año (que no fue, sin embargo, el más nominado). La lista de finalistas a la 92ª edición de los Oscar sugiere, por lo demás, un regreso a lo que se consideran las esencias del cine de Hollywood, destacando películas a cargo de directores veteranos (y blancos) y situadas, en general, en mundos masculinos, dos aspectos que no han contribuido a que esta sea una edición especialmente diversa. Ahí están Érase una vez en… Hollywood, de Quentin Tarantino; El irlandés, de Martin Scorsese, y 1917, de Sam Mendes, con diez nominaciones cada una: todas compiten en mejor película, mejor dirección y alguna de las dos categorías de guion. Tras ellas, Historia de un matrimonio, Mujercitas, Parásitos y Jojo Rabbit, con seis candidaturas. 

La otra gran triunfadora de las cancidaturas hechas públicas el lunes pasadas las dos y cuarto de la tarde (hora española) haya sido el filme de animación coreano ParásitosParásitos, que opta a mejor película, dirección, guion original, montaje, diseño de producción y película de habla no inglesa. La película logra de nuevo lo conseguido por Roma en la pasada edición de los galardones: figurar en la categoría de mejor película de habla no inglesa, pero también en la de mejor película a secas. Cabe esperar que la Academia le ponga muy difícil hacerse con la principal estatuilla de la noche —habría que remontarse a 2011, con la francesa The artist, para ver cómo una película extranjera alcanza el puesto más alto del podio—, por lo que será igualmente difícil que Dolor y gloria pueda arrebatarle el galardón a mejor película extranjera, que la coreana se llevó ya en los Globos de Oro. Almodóvar parece ser consciente de ello: el lunes aseguraba en un comunicado que la nominación "es el broche final a la carrera de la película", descartando a priori hacerse con la estatuilla.

(Este año, por cierto, la Academia le ha cambiado el nombre a la categoría: de "mejor película de habla extranjera" a "mejor película internacional". ¿La razón? Es difícil defender que el español de Roma, por ejemplo, sea una lengua extranjera para un país en el que lo habla el 12% de la población). 

Sin directoras nominadas

Por mera estadística, parece acertado esperar que el ganador en la categoría de mejor dirección sea un hombre blanco estadounidense. Será, seguro, un hombre, ya que compiten Martin Scorsese (El irlandés), Quentin Tarantino (Érase una vez en… Hollywood), Sam Mendes (1917), Todd Phillips (Joker) y el surcoreanoBong Joon-ho (Parásitos). Se repite, por tanto, la ratio (cero mujeres, cinco hombres) del pasado año, cuando en la categoría figuraba al menos el cineasta afroamericano Spike Lee, y tres de los nominados (Yorgos Lanthimos, Alfonso Cuarón y Pawel Pawlikowski) eran extranjeros. Exceptuando Parásitos, las películas nominadas tienen algo en común: su trama se desarrolla en universos esencialmente masculinos. Érase una vez en... Hollywood es sustancialmente una buddy movie, una película de colegas, que retrata la amistad entre un actor venido a menos (DiCaprio) y su doble de acción (Pitt), una dinámica que no se ve alterada por la presencia también vital del personaje de Sharon Tate (Margot Robbie). El irlandés, una película sobre la mafia, cuenta con un elenco eminentemente masculino, y uno de sus temas centrales es la propia masculinidad. 1917 sigue a un grupo de soldados en el frente durante la I Guerra Mundial, por lo que las mujeres están virtualmente ausentes, mientras Joker, que pivota en torno a su protagonista, ha sido criticada por su representación de los papeles femeninos. 

Paralelamente, Greta Gerwig, cuyo filme Mujercitas es el único dirigido por una mujer que logra competir en la categoría de mejor película, no ha sido nominada a mejor dirección, una posibilidad que ya se barajaba pero que no por ello ha suscitado menos crítica. Su productora, Amy Pascal, había advertido sobre los riesgos de que los prejuicios machistas alejaran a los hombres —espectadores, críticos, académicos— de una película percibida como de chicas. Quizás tenga algo que ver con que, aunque Mujercitas ha sido destacada como una de las películas del año para el New York Times, Vulture o la revista Time, Gerwig no haya sido considerada tan buena cineasta como sus compañeros. Tampoco han obtenido nominaciones directoras como Marielle Heller (A beautiful day in the neighbourhood), Lorene Scafaria (Estafadoras de Wall Street), Kasi Lemmons (Harriet) o Céline Sciamma (Retrato de una mujer en llamas, una favorita de la crítica que no fue seleccionada por Francia para representar al país como mejor película extranjera pero que podría haber sido nominada en otras categorías). 

#OscarsSoWhite

Bong Joon-ho es, además, la única excepción a la homogeneidad racial en el grupo de cineastas nominados. Tampoco hay una gran presencia de creadores racializados en otras categorías. De hecho, en las cuatro de interpretación, figura solo una mujer negra, la británica Cynthia Erivo, por su encarnación en Harriet de Harriet Tubman, abolicionista que escapó de la esclavitud y permitió la huida de decenas de esclavos gracias a una red de apoyo conocida como el Ferrocarril Subterráneo. Hace cuatro años que estalló el movimiento #OscarsSoWhite, que criticaba la sobrerrepresentación de creadores blancos en los principales premios del cine estadounidense, una sociedad definida en parte por su diversidad racial, pero el panorama no parece haber cambiado demasiado. No han obtenido nominaciones ni la actriz de ascendencia china Awkwafina, ganadora del Globo de Oro a mejor actriz por The farewell; ni la latina Jennifer Lopez (que sí ha sido candidata a los Globos de Oro o los SAG por su papel en Estafadoras de Wall Street); ni Lupita Nyong’o por Nosotros (nominada a los SAG), ni Eddie Murphy por Dolemite is my name (presente en los Globos de Oro y los SAG), ni ninguno de los actores de ParásitosParásitos, una de las películas más celebradas por los académicos. 

Aunque todo es posible, resulta improbable que Antonio Banderas —que algunos medios han incluido en la categoría de intérpretes racializados por ser latino o hispánico— se haga un hueco en su categoría. Compite contra Joaquin Phoenix, principal contendiente por su encarnación de un Joker histriónico que le ha valido ya el Globo de Oro. Junto a él, Leonardo DiCaprio, nominado por su representación de una vieja gloria del cine en Érase una vez en… Hollywood: el hecho de que se hiciera por fin con este mismo galardón en 2015 no le invalida como competidor, pero Phoenix parece difícil de derrotar. Ahí está también Adam Driver, alter ego de Noah Baumbach en Historia de un matrimonio, película más realista que las mencionadas, pero que se basa en las intensas interpretaciones de Driver y Scarlett Johansson, ciertamente más intensas y espectaculares que la medida contención de la que hace gala Banderas al dar vida a Salvador Mayo, trasunto del propio Almodóvar. Una de las sorpresas de la lista ha sido el quinto contendiente de la categoría: Jonathan Pryce, por su papel como Jorge Bergoglio, el papa Francisco, en Los dos papas.

Puesto que las películas que acaparan más nominaciones cuentan historias fundamentalmente protagonizadas por hombres, las categorías de interpretación femenina salen de filmes con menos nominaciones. La principal excepción sería Mujercitas, que ha brindado una candidatura como mejor actriz principal a Saoirse Ronan (que interpreta a Jo) y como mejor actriz de reparto a Florence Pugh (que interpreta a Amy). Scarlett Johansson compite como mejor actriz por Historia de un matrimonio, uno de los filmes más destacados en las votaciones, y como actriz de reparto por Jojo Rabbit. Pero sus competidoras no tendrán a su favor el brillo que aporta formar parte del elenco de las favoritas: en mejor actriz protagonista, están también Renée Zellweger, por Judy (a la cabeza en la carrera, aunque esta sea una de las dos nominaciones de la película) y Charlize Theron, por El escándalo, además de Erivo.En la categoría de reparto, figuran Kathy Bates, por Richard Jewell (única nominación del filme), y Margot Robbie, por El escándalo.

Netflix arrasa (o no)

Suceda lo que suceda el 9 de febrero, otra de las ganadoras habrá sido Netflix. La plataforma de streaming y productora cuenta con seis obras entre las finalistas, El irlandés, Historia de un matrimonio, Los dos papas, American factory, ¿Dónde está mi cuerpo? y Klaus, que suman 22 nominaciones. A los Globos de Oro, celebrados el pasado 5 de enero, la multinacional llegó con 34 nominaciones, que se tradujeron en solo dos premios: uno para Laura Dern por su papel en Historia de un matrimonio y otro para Olivia Colman por su trabajo en The crown, en la sección televisiva. Pero eso no quiere decir que la humillación vaya a repetirse en los Oscar, que cuentan con un censo completamente distinto —aquí votan los profesionales del cine; allí, la prensa internacional— y que ya reconocieron a Roma, su primera nominación a mejor película, con tres grandes estatuillas en 2019. Más allá de que logre hacerse con más o menos galardones —es favorita, de entrada, en la categoría de mejor documental— la enorme presencia de la compañía apunta a un cambio productivo esencial que, quieran o no los académicos, ya está en marcha. 

Los miembros de la Academia de Hollywood podrán votar a sus favoritos desde el 30 de enero hasta el 4 de febrero, y la gala de entrega de los Oscar se celebrará el próximo 9 de febrero, de nuevo, sin presentador, siguiendo la fórmula de 2019. 

Lista completa de nominados

Película

1917

Érase una vez en… Hollywood

El irlandés

Jojo Rabbit

Joker

Mujercitas

Historia de un matrimonio

Le Mans '66

Parásitos

Dirección

Martin Scorsese, por El irlandés

Quentin Tarantino, por Érase una vez en… Hollywood

Sam Mendes, por 1917

Bong Joon-ho, por Parásitos

Todd Phillips, por Joker

Guion original

Quentin Tarantino, por Érase una vez en… Hollywood

Noah Baumbach, por Historia de un matrimonio

Rian Johnson, por Puñales por la espalda

Sam Mendes y Krysty Wilson-Cairns, por 1917

Bong Joon Ho y Han Jin Won, por Parásitos

Guion adaptado

Greta Gerwig, por Mujercitas

Anthony McCarten, por Los dos papas

Steven Zaillian, por El irlandés

Taika Waititi, por Jojo Rabbit

Todd Phillips y Scott Silver, por Joker

Actor protagonista

Joaquin Phoenix, por Joker

Adam Driver, por Historia de un matrimonio

Leonardo DiCaprio, por Érase una vez en… Hollywood

Jonathan Pryce, por Los dos papas

Antonio Banderas, por Dolor y gloria

Actriz protagonista

Renée Zellweger, por Judy

Saoirse Ronan, por Mujercitas

Charlize Theron, por El escándalo

Scarlett Johansson, por Historia de un matrimonio

Cynthia Erivo, por Harriet

Actor de reparto

Brad Pitt, por Érase una vez en… Hollywood

Al Pacino, por El irlandés

Joe Pesci, por El irlandés

Tom Hanks, por A beautiful day in the neighbourhood

Anthony Hopkins, Los dos papas

Actriz de reparto

Laura Dern, por Historia de un matrimonio

Kathy Bates, por Richard Jewell

Scarlett Johansson, por Jojo Rabbit

Florence Pugh, por Mujercitas

Margot Robbie, por El escándalo

Fotografía

El irlandés

Joker

El faro

1917

Érase una vez en… Hollywood

Montaje

Jojo Rabbit

Joker

El irlandés

Parásitos

Le Mans '66

Diseño de producción

El irlandés

Jojo Rabbit

1917

Érase una vez en… Hollywood

Parásitos

Diseño de vestuario

El irlandés

Jojo Rabbit

Joker

Mujercitas

Érase una vez en.. Hollywood

Maquillaje y peluquería

El escándalo

Joker

Judy

Maléfica: Maestra del mal

1917

Banda sonora original

Joker

Mujercitas

Historia de un matrimonio

1917

Star Wars: El ascenso de Skywalker

Canción original

"(I'm gonna) Love me again", de Rocketman

"I can't let you throw yourself away", de Toy Story 4

"I'm standing with you", de Breakthrough

"Into the unknown", de Frozen 2

"Stand up", de Harriet

Edición de sonido

Le Mans '66

Joker

1917

Érase una vez en… Hollywood

Star Wars: El ascenso de Skywalker

Mezcla de sonido

Ad Astra

Le Mans '66

Joker

1917

Érase una vez en… Hollywood

Efectos especiales

Vengadores: Endgame

El irlandés

El rey león

1917

Star Wars: El ascenso de Skywalker

Película de habla no inglesa

Dolor y gloria, de Pedro Almodóvar (España)

Parásitos, de Bong Joon-ho (Corea del Sur)

Los miserables, de Ladj Ly (Francia)

Corpus Christi, de Jan Komasa (Polonia)

Honeyland, de Tamara Kotevska y Ljubomir Stefanov (Macedonia)

Película documental

American factory

The cave

The edge of democracy

For Sama

Honeyland

Película de animación

Cómo entrenar a tu dragón 3

¿Dónde está mi cuerpo?

Klaus

Mr. Link: El origen perdido

Toy Story 4

Cortometraje

Brotherhood

Nefta Football Club

The neighbors' window

Saria

A sister

Cortometraje documental

In the absence

Learning to skateboard in a warzone (if you’re a girl)

Life overtakes me

St Louis Superman

Walk Run Cha-Cha

Cortometraje de animación

Scera (Daughter)

Hair love

Kitbull

Memorable

Sister

La trinchera infinita, dirigida por Jon Garaño, Aitor Arregi y Jose Mari Goneaga, ha sido la cinta galardonada a Mejor película en la 25 edición de los Premios Forqué, que se han entregado este sábado en Madrid y que están organizados por la Entidad de Gestión de Derechos de los Productores Audiovisuales (EGEDA), informa Europa Press.

La película, una producción vascoandaluza protagonizada por Antonio de la Torre y Belén Cuesta, narra a través de una historia ficticia las experiencias de los llamados topos: hombres que permanecieron ocultos en sus casas varios años desde la Guerra Civil, ante el temor de ser apresados.

Por otro lado, el galardón a la Mejor interpretación masculina ha sido para Antonio Banderas, por Dolor y gloria, que no ha podido estar en la gala y que ha recogido en su lugar Agustín Almodóvar. Tal y como ha señalado el galardonado a través de las palabras del productor, lo que más le gusta en la vida es "estar delante de una cámara o sobre un escenario", donde este sábado tenía una "cita ineludible" en Málaga por lo que no ha podido recoger el premio.

Por su parte, Marta Nieto ha recogido el galardón a la Mejor interpretación femenina por la película Madre, de Rodrigo Sorogoyen, que da continuidad al cortometraje homónimo que fue nominado a los Oscar en 2019. Tras recoger el premio, Nieto ha destacado la "sensibilidad especial" de 'Madre', "sin vocación comercial" y que ha requerido de unos productores "muy valientes".

Ara Malikian: "La vida es un derecho"

El galardón a Mejor largometraje documental ha sido para Ara Malikian: una vida entre las cuerdasAra Malikian: una vida entre las cuerdas, de Nata Moreno, quien ha agradecido al músico por regalarle su "historia". "Ojala ningún inmigrante del mundo necesite un violín para salvar su vida. La vida es un derecho, ninguna frontera tiene que impedirlo", ha destacado por su parte el músico, en relación a su historia personal, que se plasma en esta cinta.

Antonio Resines y Loles León han sido los encargados de entregar el premio al Mejor cortometraje, que ha sido para El nadador, de Pablo Barce.

Por su parte, la presidenta de la Comunidad de Madrid, Isabel Díaz Ayuso, el alcalde de Madrid, José Luis Martínez-Almeida, y el premio Goya al mejor actor revelación por 'Campeones', Jesús Vidal, han entregado el galardón al Cine y Educación en Valores, que ha sido para Diecisiete, de Daniel Sánchez Arévalo. La cinta, rodada en Cantabria, es un "road movie" que narra el viaje emocional de dos hermanos. El productor de la cinta, José Antonio Velez, ha destacado que el apoyo Netflix ha sido "decisivo" para que la película pudiera hacerse, mientras que su director ha dedicado este galardón a "los niños y gente joven, y a quienes están por venir", quienes espera que encuentren en el cine "educación y valores".

La actriz Cecilia Suárez y el director Manolo Caro han entregado el Premio a mejor película latinoamericana, que ha recibido el equipo de la argentina La odisea de los giles, dirigida por Sebastián Borensztein y protagonizada, entre otros, por Ricardo y Chino Darín. La cinta está basada en la novela La noche de la Usina (2016), de Eduardo Sacheri.

Además, durante esta gala se ha entregado un premio a la película más valorada de las galardonadas en estos 25 años por los socios de Egeda, de la que forman parte más de 3.000 productores, que ha sido para El laberinto del faunoEl laberinto del fauno(2006), dirigida por Guillermo del Toro.

Gonzalo Suárez: medalla de honor

El presidente de Egeda, Enrique Cerezo, ha hecho entrega de la Medalla de Oro al cineasta y escritor Gonzalo Suárez, de quien ha destacado su "talento innovador" y su cine, "reconocido" en el Festival de Cannes, Chicago, París o San Sebatián, donde recibió la Concha de Plata.

Suárez ha dedicado este premio a su hermano Carlos, que compartió un "alto porcentaje" de sus películas, según ha destacado. "El cine no me ha dado dolores sino todo lo contrario. No esperaba que productores se acordaran de mí, yo sí me he acordado de ellos", ha broemado Suárez, quien considera la profesión "dura" y "arreisgada".

Asimismo, Cerezo también ha destacado la labor de la Comisión de Cultura del Congreso de los Diputados, especialmente por la reforma de la Ley de Propiedad Intelectual, por lo que también les ha hecho entrega de un galardón, que han recibido los portavoces de los partidos en dicha comisión: Marta Rivera (Cs), Emilio del Río (PP), Xavier Eritja (ERC), José Andrés Torres Mora (PSOE) y Eduardo Maura (Podemos).

La ceremonia, que ha estado conducida por Santiago Segura y Elena Sánchez, ha contado con las actuaciones musicales de Los Secretos, Antonio José, Ángela Carrasco y Paco Arrojo, César Brandon y Ana Mena, y en ella se han recordado además los mejores momentos cinematográficos de los cinco lustros de estos premios.

La pareja de presentadores han protagonizado varios momentos de humor, entre los que destaca la mención de Segura al nuevo Gobierno. "Hemos reservado una fila entera para los vicepresidentes", ha bromeado.

Las cosas no iban bien para el cine español, al menos en términos de taquilla. En agosto, que marca el final de la primera parte de la temporada, el sector había alcanzado los 65 millones de euros y los 10,9 millones de espectadores, un 20% menos de lo recaudado el año anterior en ese mismo periodo, que podría haber llegado a una diferencia del 30% si no hubiera sido por Padre no hay más que uno, película de Santiago Segura, que tiró de la taquilla en agosto y se ha convertido en la película española más taquillera del año. Pero quedaba todavía por llegar Mientras dure la guerra, de Alejandro Amenábar, que desde su estreno en septiembre ha sumado casi 11 millones de euros. Con todo, el sector apenas pasa de los 90 millones de euros en taquilla, que quedan aún lejos de los 103 millones de euros del pasado año. Parece muy poco probable que en 10 días se alcancen los 10 millones que quedan, lo que rompería la racha de cinco años consecutivos superando el centenar. 

¿Entonces? ¿No es un mal año para el cine español? Depende. Dolor y gloria, de Pedro Almodóvar, se ha situado como quinta película más taquillera del año, con 5,7 millones de euros, pero, sobre todo, ha puesto al cine español en los premios y medios internacionales. Es la mejor película del año para Manohla Dargis, crítica del New York Times, aunque no entre en el top ten del otro crítico estrella del periódico, A. O. Scott. La revista Time la ha elegido también como mejor filme de 2019, por delante de Scorsese, Tarantino, Historia de un matrimonio de Noah Baumbach, las Mujercitas de Greta Gerwig y Parásitos, de Bong JoonParásitos Ho. Este es el principal competidor del manchego de cara, no ya a las nominaciones al Oscar, que se anuncian el 13 de enero, donde parece tener asegurada una plaza, sino de cara a la ceremonia, del 9 de febrero. Tendrán ocasión de medirse el 5 de enero en los Globos de Oro, donde ambos compiten como mejor película extranjera. Si hay que fiarse de las nominaciones, sin embargo, Almodóvar tiene las de perder: a diferencia del español, Bong Joon Ho es candidato también a mejor dirección. 

Pero Dolor y gloria no podría suponer solo el regreso de España a la competición por el Oscar a mejor película de habla no inglesa, a donde nadie ha regresado desde que lo hiciera Alejandro Amenábar con Mar adentro en 2004. La película ha significado también el regreso del mejor Almodóvar, que, más allá de filias y fobias personales, es ampliamente reconocido como uno de los cineastas clave en la historia de este arte en nuestro país. Julieta (2016) fue bien recibida por la crítica, aunque no con el entusiasmo de Dolor y gloria, pero su promoción y su recepción estuvieron empañadas por la aparición del cineasta en los Papeles de Panamá. Los amantes pasajeros (2013), un intento de regresar a sus comedias irreverentes de los ochenta y noventa, se estrelló estrepitosamente. Para encontrar un aplauso así de unánime, habría que retroceder a La piel que habito (2011), que sin embargo no llegó a los Globos de Oro ni a los Oscar.

El cine español y la Guerra Civil

Ya se conoce el tópico: el cine español solo sabe hablar de la Guerra Civil. Una idea difícil de sostener: en la última década, en realidad, solo el 1% de los filmes de ficción españoles ha tratado el tema. Pero la casualidad quiere que en 2019 hayan coincidido dos películas notables sobre este momento histórico. De un lado, Mientras dure la guerra, de Alejandro Amenábar, autor de Mar adentro o Los otros, sobre el viaje ideológico de Miguel de Unamuno al final de su vida, durante el inicio de la contienda. Del otro, La trinchera infinita, de Aitor Arregi, Jon Garaño y Jose Mari Goenaga, autores de Handia, que arrasó en los Goya de 2018, la historia de un topotopo, un republicano que se esconde tras un falso muro de su casa durante décadas para evitar la represión franquista. La primera ha llamado hasta la fecha a 1,9 millones de espectadores; la segunda, a 198.000, con 1,1 millones de euros de taquilla.

Pese a su diferencia de fuerzas, la coincidencia ha abierto un interesante debate sobre la representación de la guerra. Y la Academia de Cine les ha puesto casi en igualdad de condiciones de cara a la gala de los Goya del 25 de enero: Mientras dure la guerra es la película más nominada, con 17 candidaturas, mientras La trinchera infinita compite en 15 categorías. Ambas compiten mano a mano en áreas como mejor película, direcció, guion, música original o actor protagonista; La trinchera infinita gana por la mano en actriz protagonista, donde Belén Cuesta juega buenas cartas, pero Mientras dura en la guerra adelanta en la interpretación de reparto y juega con ventaja en los premios técnicos. Más allá del resultado —y teniendo en cuenta, además, que Dolor y gloria puede zanjar la discusión—, el interés del enfrentamiento es, sobre todo, narrativo. 

Ambas películas presentan unos guiones que hunden sus cimientos en la investigación histórica, que tratan de muy distinta forma. Mientras dure la guerra se acerca a la biografía de Unamuno, mientras recorre el ascenso de Franco, dos nombres propios de peso, y se decide a representan uno de los sucesos históricos más discutidos de la Guerra Civil, la intervención del pensador en el Paraninfo de la Universidad de Salamanca, del que ha quedado la frase "Venceréis, pero no convenceréis". ¿El problema? No se conservan grabaciones del acto, ni Unamuno dejó escrito discurso alguno, por lo que s¡hay que confiar en las crónicas de la época, sometidas a la censura militar, y en unas brevísimas notas de Unamuno. Del otro lado, La trinchera infinita inventa un topo y una familia de ficción, en un pueblo indeterminado de Andalucía, siguiendo las memorias de topos reales, como Manuel Cortés, el último alcalde republicano de Mijas (Málaga), el documental 30 años de oscuridado la investigación periodística de Jesús Torbado y Manuel Leguineche en Los topos. 

Algunos olvidados

La representación de las mujeres en las nominaciones de los Goya sirve, según la Asociación de Mujeres Cineastas y de Medios Audiovisuales (CIMA), como "espejo de la discriminación" machista en el cine. Si en la pasada edición las mujeres eran mayoría en las categorías de dirección novel y había paridad en una de las categorías de guion, en esta ocasión se da un paso atrás un son clara minoría, o están ausentes. Se encandenan ya dos años sin creadoras nominadas a mejor dirección. Pero el anuncio de las candidaturas no traigo consigo solo quejas por la representación de género, sino también los habituales agravios. Mientras se celebraba la inclusión de O que arde, de Oliver Laxe,en la categoría de mejor película, muchos protestaban por la inclusión de Intemperie, que se ha quedado por detrás en las críticas, y por la ausencia de La hija de un ladrón, de Belén Funes, que sí compite en otras categorías, como la de dirección novel. Igualmente, sorprendió la ausencia completa de Els dies que vindran, de Carlos Marques-Marcet, una película innovadora sobre el parto y la maternidad/paternidad. 

Película del año para la revista Time. Nominada a dos Globos de Oro. Firme candidata a entrar en la terna de los Oscar. Dolor y gloria ha coronado de nuevo a Pedro Almodóvar, que podría volver a repetir las proezas de 1999 y 2002, cuando se hizo con la estatuilla de la Academia por Todo sobre mi madre (mejor película de habla no inglesa) y Hable con ella (mejor guion original). Quizás como preludio de ese posible éxito, el cineasta presentaba este jueves, en Madrid, el guion de su película número 21, publicado ahora en forma de libro por Reservoir Books. El volumen incluye textos del propio cineasta sobre su proceso creativo, además del storyboard del filme y fotografías del rodaje. 

En el acto, que reunió a cientos de personas en la Sala X, en el centro de la ciudad, el periodista Bob Pop iniciaba la conversación tratando de separar el guion en su formato impreso de la película a la que sirve de sostén. "Enfrentarse al libro de Dolor y gloria como si fuera un fetiche o una operación de mercadotecnia es perderse un disfrute enorme", defendía, presentándolo como "uno de los artilugios literarios más interesantes" del año. El cineasta agradecía el halago, que venía a satisfacer una vocación infantil. "Yo, desde mi más tierna infancia, lo que quería ser era escritor. Lo primero que escribí fue a los 8 años, una historia de ficción sobre un cordero que se llamaba Inmaculado", contaba, entre las risas del público. Hasta los 18 o 20 años continuó escribiendo relato, pero algo se interpuso en su vocación literaria: una cámara Super-8. "Algunas de las historias que tenía escritas empecé a ilustrarlas con imágenes", decía. "Ahí hubo un cambio en mí con respecto a la literatura. De algún modo, pensé que no tenía tanto talento como escritor y que la narración en imágenes me resultaba más asequible".

No se divorció, sin embargo, de la literatura. Es conocido el peso material de los libros en sus cintas –están ahí, en segundo plano, siendo leídos por los personajes, reposando en las estanterías–, pero también la influencia de las narraciones literarias en sus proyectos: Julieta o La piel que habito nacen de varios relatos de Alice Munro y una novela de Thierry Jonquet, respectivamente. Esa vocación temprana deja también huella en la escritura de sus guiones: "Soy muy exhaustivo en la narración, y los pocos guiones que he leído no cuentan tanto. Lo que pretendo es que el actor, cuando lea el guion, sepa desde el primer momento qué es lo que tiene que hacer, a qué gesto debe acudir o qué tono tiene que usar". Pero esa minuciosidad, nacida quizás de la necesidad de control sobre la obra cinematográfica, resulta en lo que él define como "un relato ambiguo entre la literatura y la escritura cinematográfica".

Pero Dolor y gloria, en su versión en papel, tiene mucho de escritura del yo y, de ser solo un libro, podría haber sido confundido con unas memorias. La película ha sido identificada como autobiográfica, desde luego, y el cineasta no ha pretendido lo contrario: Antonio Banderas, que interpreta a Salvador, director de cine y claro alter ego del manchego, lleva una estética muy similar a la suya, se ve aquejado por dolores similares a los que él sufre, e incluso los lienzos que aparecen en la cinta como parte del hogar del protagonista son los que decoran la casa de Almodóvar. Pero en lo escrito, el juego sufre otra vuelta de tuerca. "Las primeras líneas salen impulsadas por la realidad: algo que he leído, que me han dicho, que he visto por televisión", explica. Aquí entra la "realidad interior", que trata igual, dice, que una noticia vista en prensa. Aunque defiende que "lo importante es que sea verosímil cinematográficamente", la relación entre ficción y realidad es ambigua. “Antes de hacer Mujeres al borde de un ataque de nervios nunca había tirado nada contra la pared”, recordaba el cineasta. “Después del rodaje, me vi a mí mismo tirando cosas contra la pared”. De la misma forma, se ha descubierto imitando gestos creados por Banderas en Dolor y gloria, que, asegura, no pertenecían a ninguno de los dos.

Hablar de un guion es hablar también de los cimientos de un filme. "Es difícil hablar de la génesis de una película", reflexionaba el cineasta. Esa chispa puede estar en textos ya escritos "que encuentran su encaje", pero también en objetos: habla del buzo de Átame, o de joyas compradas para regalo de las que finalmente no se desprendió y que han acabado formando parte del vestuario de sus obras. "Si me aburro mucho en casa", cuenta Almodóvar, "me pongo a escribir, y me pongo a escribir locuras. Algunas de esas locuras acaban encontrando un espacio específico. Por ejemplo, ‘El amante menguante’ [en Hable con ella]". Esa escena, escrita mucho antes, acabó sirviendo para contar la violación del personaje de Javier Cámara al personaje interpretado por Leonor Watling. Del mismo modo, "El primer deseo", uno de los textos que forman parte de Dolor y gloria, estaba escrito desde los noventa, como lo estaba "La adicción", que será el texto teatral al que da cuerpo en el filme el personaje interpretado por Asier Etxeandia. Todo, decía al final de un acto breve, con "paciencia" y "mucho trabajo". "Escribir es reescribir", decía el cineasta. "Se podría pensar que uno escribe. No. Yo reescribo". 

"Los Goya son un reflejo de cómo están las mujeres en el cine de este país". Lo dice Cristina Andreu, cineasta y presidenta de CIMA, la Asociación de Mujeres Cineastas y de Medios Audiovisuales, al día siguiente de que se anuncien los nominados a los premios de la Academia. Y lo que ofrece la lista de candidatos, en su opinión, es un "espejo de la discriminación" machista. No se trata solo de que haya 39 mujeres nominadas (contando con el Goya de Honor a Pepa Flores, Marisol) frente a 105 hombres. Se trata de que no hay ninguna mujer en la categoría de mejor dirección, que ninguna de las candidatas a mejor película tiene al frente a una cineasta, que en las dos categorías de guion (original y adaptado) solo figura una creadora. En total, hay 6 categorías mixtas en las que no figuran mujeres nominadas, y solo hay paridad en 4 de 18. Los datos no mejoran, además, a lo largo del tiempo: tras un 2019 inusualmente bueno para la presencia de mujeres en los Goya —con muchas salvedades—, las cifras de 2020 son similares a las de 2014 o 2012. 

Andreu insiste en que la suya no es una lucha contra la Academia de Cine, a la que ella misma pertenece —"los académicos pueden votar lo que quieran, faltaría más"—, pero sí una llamada de atención. "Los Goya son un producto de la sociedad en la que vivimos", defiende. No se trata en su opinión de que los galardones infrarrepresenten a las mujeres creadoras, y el problema radica más bien en las condiciones de producción. Desde la más básica, el presupuesto: "Los filmes dirigidos por mujeres tienen muy poco presupuesto, y por eso no entran en la categoría de mejor película". Los largometrajes dirigidos por creadoras manejan la mitad de la cuantía con la que cuentan los directores, según un informe de la propia asociación realizado a partir de los datos de 2018 y 2017. Los directores contarían con una media de 2,7 millones de euros por película, y las directoras, con 1,4 millones.  

Mujeres al frente

En la categoría de mejor película, las nominadas son las empresas productoras, por lo que esta categoría difícilmente puede analizarse en términos de género. Pero suele corresponderse con las candidaturas a mejor dirección: ahí están Pedro Almodóvar (gran favorito con Dolor y gloria), Alejandro Amenábar (Mientras dure la guerra) Jose Mari Goenaga, Jon Garaño y Aitor Arregi (La trinchera infinita) y Oliver Laxe (la sorpresa, por O que arde). Por segundo año consecutivo, ninguna mujer figura entre los finalistas. La última en hacerlo fue Isabel Coixet, nominada y ganadora en 2018 por La librería, pero en la última década solo mujeres lo han conseguido: Coixet (en dos ocasiones), Paula Ortiz y Gracia Querejeta. En seis de las pasadas diez ediciones no hubo nominadas en esta categoría, y solo en la de 2016 compitió más de una cineasta (algo que no se daba desde 2008). 

Sí suele haber más presencia de creadoras en la categoría de dirección novel, que desde su creación en 1989 ha premiado a seis mujeres —en la de mejor dirección solo han triunfado tres, Pilar Miró, Iciar Bollaín y Coixet, aunque esta última lo ha hecho en dos ocasiones—. En la pasada edición, de hecho, fueron mayoría por primera vez, con Celia Rico nominada por Viaje al cuarto de una madre, Arantxa Echevarría por Carmen y Lola (lo acabó ganando) y Andrea Jaurrieta por Ana de día. En los Goya 2020 se vuelve a las viejas costumbres: solo una mujer es candidata, Belén Funes por La hija de un ladrón, lo mismo que sucedió en todas las ediciones entre 2010 y 2018. "Para mí, La hija de un ladrón tendría que haber ido a mejor película, porque es excelente", defiende Cristina Andreu. Pero hay otro problema: las mujeres parecen tener dificultades para saltar de noveles a veteranas. De las once nominadas en la categoría junior entre 2008 y 2018, solo cinco han conseguido rodar un segundo largometraje, y solo una (Paula Ortiz) figuró después como candidata a mejor dirección. 

CIMA suele hacer hincapié en la importancia de que haya mujeres en aquellos departamentos donde se toman las principales decisiones creativas y organizativas: dirección, guion y producción. En guion, la perspectiva es apenas menos descorazonadora que en dirección. De los 15 nominados en las categorías de guion original y adaptado, solo figura una mujer, Isabel Peña, que firma Madre junto a Rodrigo Sorogoyen. Algo similar sucedió en 2017, 2016 y 2015, donde solo una creadora compitió en ambas categorías. En ediciones como las de 2014, 2013, 2011 o 2010 fue todavía peor, porque no resultó nominada ninguna guionista. En este sentido, 2019 y 2018 fueron excepciones: en ambos años figuraron tres mujeres en ambas categorías, una mejora sustancial, pese a que aún fueran minoría. En la categoría de producción las cifras se han acercado más a la paridad históricamente, pero las últimas ediciones no han sido especialmente buenas: este año compite solo una productora, el pasado no figuró ninguna.  

Sectores masculinizados

Fuera de estas categorías principales, la cosa no mejora sustancialmente. Hay seis estatuillas mixtas —es decir, no se tienen en cuenta los premios a la interpretación— en las que, pase lo que pase, no ganará una mujer: están dirección y guion original, pero también dirección artística, fotografía, efectos especiales y música original. En la última década, ninguna compositora ha resultado nominada en esta categoría. "Y Zeltia Montes ha hecho un gran trabajo con Adiós", protesta Andreu, refiriéndose a la película de Paco Cabezas. A esas categorías en las que las creadoras están ausentes se suman aquellas en las que solo compite una: dirección novel, guion adaptado, canción original, producción, corto de ficción, documental y de animación. Solo resultan paritarias las áreas de vestuario, maquillaje y peluquería, montaje y sonido.

¿El motivo de esta ausencia generalizada? Para la presidenta de CIMA, está claro: "Es que no contratan a mujeres. ¿Cómo van a salir nominadas si no les dejan hacer películas?". Según el estudio de CIMA ya mencionado, las mujeres ocupan solo el 11% de los cargos de responsabilidad en sonido, el 9% en fotografía, el 8% en música o el 7% en efectos especiales. No obstante, en categorías donde ocupan la mitad de los puestos de decisión, como dirección de producción o artística, siguen siendo minoría como nominadas. 

"Medidas radicales"

Ante esta situación, CIMA reclama que el Instituto de las Ciencias y las Artes Audiovisuales (ICAA), dependiente del Ministerio de Cultura, aplique el plan de acción propuesto por la asociación. Este fue elaborado durante el verano de 2018, a petición del ministro, y debía iniciarse en enero de 2019. Entre las medidas que proponían, y que no se han aplicado, estaba la creación de una bolsa para películas dirigidas por mujeres o la ampliación del límite de intensidad, el porcentaje de subvenciones al que puede optar un proyecto en base a su presupuesto, del 50% al 70% para las producciones lideradas por "colectivos vulnerables". A esto, Cristina Andreu añade un sistema de cuotas que, asegura, tiene el respaldo del sector.

En su opinión, el sistema puesto en práctica por el ICAA, que bonifica la presencia de mujeres a la cabeza de los equipos a la hora de optar a ayudas públicas, no ha bastado: "Yo detecto fraude en algunas producciones, que ponen a mujeres en puestos ejecutivos aunque realmente manden los hombres". Su propuesta: que no se les dé puntos a las direcciones mixtas, sino a las formadas exclusivamente por mujeres. "Aunque obviamente mujeres y hombres puedan y deban trabajar juntos, hay momentos en los que hay que tomar medidas radicales", defiende, "porque si no no avanzamos".  La falta de avances les ha hecho plantearse incluso su propia estrategia: este año no repartirán los abanicos rojos distribuidos en las dos últimas galas como reivindicación simbólica. "Son un gasto importante", dice la presidenta. "Todo el mundo los coge, pero pocos los usan y luego vemos que no cambia nada". 

Para Cristina Andreu y para la asociación, la cuestión no va solo de su presencia en el sector o de hacerse con una estatuilla. "No puede ser que las historias solo las cuenten los hombres", afea. "Porque al final va de eso. Y si se excluyen las historias que tiene que contar la mitad de la humanidad, está claro que es nocivo para la sociedad entera". 

Mientras dura la guerra, de Alejandro Amenábar, es la película favorita de la 34ª edición de los Premios Goya con un total de 17 nominaciones, seguida por Dolor y gloria, de Pedro Almodóvar, que cuenta con 16 candidaturas, y La trinchera infinita, de Aitor Aguirre, Jon Garaño y Jose Mari Goenaga, con 15 nominaciones, según ha informado Europa Press.

La entrega de premios tendrá lugar en una gala que se celebrará el 25 de enero en Málaga, y que contará de nuevo con Andreu Buenafuente y Silvia Abril como maestros de ceremonia. Esa noche se entregará también el Goya de Honor a Pepa Flores, Marisol, la homenajeada de esta edición, que ha descartado hasta ahora recoger el galardón. 

Los actores Elena Anaya y Miguel Herrán han sido los encargados de anunciar el nombre de los aspirantes a los premios más importantes del cine español, en un acto en el que han estado acompañados por el presidente de la Academia de Cine, Mariano Barroso, y la notario Eva Sanz.

Consulta la lista completa de nominados

Mejor película

Dolor y gloriaIntemperieLa trinchera infinitaO que arde (Lo que arde)Mientras dure la guerra

Dirección

Pedro Almodóvar, por Dolor y gloria

Aitor Aguirre, Jon Garaño y Jose Mari Goenaga, por La trinchera infinita

Oliver Laxe, por O que arde (Lo que arde)

Alejandro Amenábar, por Mientras dure la guerra

Dirección novel

Salvador Simó, por Buñuel en el laberinto de las tortugas

Galder Gaztelu-Urrutia, por El hoyo

Belén Funes, por La hija de un ladrón

Aritz Moreno, por Ventajas de viajar en tren

Guion original

Pedro Almodóvar, por Dolor y gloria

David Desola y Pedro Rivero, por El hoyo

José Mari Goenaga y Luiso Berdejo, por La trinchera infinita

Alejandro Amenábar y Alejandro Hernández, por Mientras dure la guerra

Guion adaptado

Eligio Montero y Salvador Simó, por Buñuel en el laberinto de las tortugas

Benito Zambrano, Daniel Remón y Pablo Remón, por Intemperie

Isabel Peña y Rodrigo Sorogoyen, por Madre

Javier Gullón, por Ventajas de viajar en tren

Música original

Arturo Cardelús, por Buñuel en el laberinto de las tortugas

Alberto Iglesias, por Dolor y gloria

Pascal Gaigne, por La trinchera infinita

Alejandro Amenábar, por Mientras dure la guerra

Canción original

"Intemperie", de Intemperie - Compositor: Javier Ruibal

"Invisible", de Klaus - Compositores: Caroline Pennell, Jussi Ilmari Karvinen (Jussifer), Justin Tranter

"Allí en la arena", de La inocencia - Compositor: Toni M. Mir

"Nana de las dos lunas", de La inocencia - Compositor: Sergio de la Puente

Actor protagonista

Antonio Banderas, por Dolor y gloria

Antonio de la Torre, por La trinchera infinita

Karra Elejalde, por Mientras dure la guerra

Luis Tosar, por Quien a hierro mata

Actriz protagonista

Penélope Cruz, por Dolor y gloria

Greta Fernández, por La hija de un ladrón

Belén Cuesta, por La trinchera infinita

Marta Nieto, por Madre

Actor de reparto

Asier Etxeandia, por Dolor y gloria

Leonardo Sbaraglia, por Dolor y gloria

Luis Callejo, por Intemperie

Eduard Fernández, por Mientras dure la guerra

Actriz de reparto

Mona Martínez, por Adiós

Natalia de Molina, por Adiós

Julieta Serrano, por Dolor y gloria

Nathalie Poza, por Mientras dure la guerra

Actor revelación

Nacho Sánchez, por Diecisiete

Vicente Vergara, por La trinchera infinita

Santi Prego, por Mientras dure la guerra

Enric Auquer, por Quien a hierro mata

Actriz revelación

Pilar Gómez, por Adiós

Carmen Arrufat, por La inocencia

Benedicta Sánchez, por O que arde (Lo que arde)

Ainhoa Santamaría, por Mientras dure la guerra

Dirección de producción

Toni Novella, por Dolor y gloria

Manolo Limón, por Intemperie

Ander Sistiaga, por La trinchera infinita

Carla Pérez de Albéniz, por Mientras dure la guerra

Mejor dirección de fotografía

José Luis Alcaine, por Dolor y Gloria

Javi Agirre Erauso, por La trinchera infinita

Mauro Herce, por O que arde (Lo que arde)

Álex Catalán, por Mientras dure la guerra

Mejor montaje

Teresa Font, por Dolor y gloria

Laurent Dufreche y Raúl López, por La trinchera infinita

Alberto del Campo, por Madre

Carolina Martínez Urbina, por Mientras dure la guerra

Dirección artística

Antxón Gómez, por Dolor y gloria

Pepe Domínguez, por La trinchera infinita

Juan Pedro de Gaspar, por Mientras dure la guerra

Mikel Serrano, por Ventajas de viajar en tren

Diseño de vestuario

Paola Torres, por Dolor y gloria

Lourdes Fuentes y Saioa Lara, por La trinchera infinita

Sonia Grande, por Mientras dure la guerra

Alberto Valcárcel, por Paradise Hills

Maquillaje y peluquería

Ana Lozano, Sergio Pérez Berbel y Montse Ribé, por Dolor y gloria

Yolanda Piña, Félix Terrero y Nacho Díaz, por La trinchera infinita

Ana López-Puigcerver, Belén López-Puigcerver y Nacho Díaz, por Mientras dure la guerra

Karmele Soler y Olga Cruz, por Ventajas de viajar en tren

Sonido

Sergio Bürmann, Pelayo Gutiérrez y Marc Orts, por Dolor y gloria

Iñaki Díez, Alazne Ameztoy, Xanti Salvador y Nacho Royo-Villanova, por La trinchera infinita

Aitor Berenguer y Gabriel Gutiérrez, por Mientras dure la guerra

David Machado, Gabriel Gutiérrez y Yasmina Praderas, por Quien a hierro mata

Efectos especiales

Mario Campoy e Iñaki Madariaga, por El hoyo (The Platform)

Jon Serrano y David Heras, por La trinchera infinita

Raúl Romanillos y Juanma Nogales, por Mientras dure la guerra

Juan Ramón Molina y Félix Bergés, por Perdiendo el Este

Película de animación

Buñuel en el laberinto de las tortugasElcano y Magallanes la primera vuelta al mundoKlaus

Mejor película documental

Ara Malikian, una vida entre las cuerdasAuterretrato

El cuadro

Historias de nuestro cine

Película iberoamericana

Araña (Chile)

El despertar de las hormigas (Costa Rica/España)

La odisea de los giles (Argentina/España)

Monos (Colombia)

Película europea

Border, de Ali Abbasi

Los miserables, de Ladj Ly

Retrato de una mujer en llamas, de Céline Sciamma

Yesterday, de Danny Boyle

Cortometraje de ficción

El nadador, de Pablo Barce

Foreigner, de Carlos Violadé Guerrero

Maras, de Salvador Calvo

Suc de Síndria, de Irene Moray

Xiao Xian, de Jiajie Yu

Cortometraje documental

2001. Destellos en la oscuridad, de Pedro Gonzáles Bermúdez

El infierno, de Raúl de la Fuente

El sueño europeo: Serbia, de Jaime Alekos

Nuestra vida como niños refugiados en Europa, de Silvia Venegas Venegas

Cortometraje de animación

El árbol de las almas perdidas, de Laura Zamora Cabeza

Homomaquia, de David Fidalgo Omil

Madrid 2120, de José Luis Quirós y Paco Sáez

Muedra, de César Díaz Meléndez

Cuando Rosa vuelve a casa, en algún momento de la primavera de 1939, su marido, Higinio, la espera mirando tras los visillos. Lleva tres años sin salir a la calle, agazapado en un hueco abierto bajo las tinajas de aceite. A través de la ventana, el hombre ha creído percibir el rostro de alguno de los compañeros que marcharon al frente, y sabe lo que eso significa: en cuanto su mujer vuelve a casa, él le recrimina que le haya ocultado el final de la guerra. "Porque no se ha acabado", contesta ella, grave. "Los que están volviendo del frente están culpando a los que no habéis vuelto. Con que no se ha acabado". Para el ficticio Higinio, y para sus homónimos reales, la guerra no se acabaría hasta décadas después. Son los topos y el retrato que de ellos hace La trinchera infinita, dirigida por Aitor Arregi, Jon Garaño y Jose Mari Goenaga, desde el pasado viernes en los cines. Aunque algunos la señalaron como una de las mejores películas del año con su estreno en el Festival de San Sebastián, su entrada en la taquilla ha sido algo peor de lo esperado.

Aquí, Rosa es Belén Cuesta (Kiki, el amor se hace, La llamada) e Higinio es Antonio de la Torre (El reino, La noche de 12 años), pero en el mundo real estos muertos en vida tuvieron nombre propio. El más conocido sea quizás Manuel Cortés, el último alcalde republicano de Mijas (Málaga), pero los periodistas Jesús Torbado y Manuel Leguineche reunieron decenas de historias en su libro Los topos, un trabajo de siete años publicado por primera vez en 1977. En el documental 30 años de oscuridad, Manuel H. Martín regresaba al subsuelo para rescatar estas historias, cuyos protagonistas no pueden ya contarlas. Ahí llegaron Arregi, Garaño y Goenaga, conocidos como los Moriarti por la productora que comparten, artífices de películas como Handia (10 premios Goya)o Loreak, para seguir recuperando la historia.

Pese a sus circunstancias particulares, los topos tenían similitudes entre sí, que comparte Higinio. La principal: habían tenido responsabilidades políticas, ya fuera en el Gobierno, en los sindicatos o en los partidos. "Esto nos pareció importante", dice Goenaga, que junto con el otro guionista, Luiso Berdejo, ha dibujado a Higinio como a un alcalde de izquierdas en un pequeño pueblo andaluz. "También a la hora de que él se sintiese perseguido. Todos conocemos historias de alcaldes y concejales que murieron precisamente por eso. Y al fin y al cabo, si ostentas un cargo tienes una cara conocida, la gente en los alrededores sabe quién eres…". Tienes más difícil escapar. El mar está lejos de esta aldea —tan lejos del País Vasco narrado hasta ahora por los Moriarti—. Francia, más. La vía a Portugal, atravesando territorio sublevado, se vuelve impracticable a medida que avanza el golpe. Solo queda el monte o el agujero. Algunos pasaron por ambos. 

La amenaza está cerca: Gonzalo, el vecino de al lado, que acusa a Higinio de haber participado en el asesinato de su hermano, partidario del golpe, poco después del alzamiento. "El Higinio tendrá sus ideas", le defiende Rosa, "pero violento no es". No da resultado. Gonzalo no parece pertenecer a Falange, ni viste de militar, ni es terrateniente, ni tiene dinero, pero es la encarnación de la represión franquista. "Necesitábamos un vecino que diese miedo", cuenta Goenaga, "pero no queríamos que fuese maniqueo, que fuese un malvado de manual, queríamos cargarlo de razones, porque subjetivamente todo el mundo tiene sus razones, que puedes compartir o no. Este vecino puedes pensar que guarda rencor, que necesita un culpable… Y era importante también el miedo. Que no solamente estuviese en el personaje protagonista, sino que de alguna manera esté en todos". Higinio dice del que querría ser su verdugo: "Ese lo que tiene es el cuerpo lleno de miedo. Miedo a que volvamos". 

"Al final, esta historia no deja de ser una alegoría", lanza el director y guionista, aunque casi no necesitaría aclararlo: la película es transparente en sus propósitos. "Hablamos de un personaje en unas circunstancias muy concretas, pero también es una metáfora de cómo vivieron muchos españoles que, pese a no estar encerrados en sus casas, sí que estaban viviendo en otro encierro psicológico". Higinio apenas ve la luz del sol, tiene que hablar en susurros o con breves notas, la amenaza de la detención y la muerte se esconde tras cada muelle que cruje o cada visita inesperada. Pero también su familia vive con la losa del miedo. ¿Y cuántos de sus vecinos la sienten? Dice el cineasta: "Queríamos lanzar una reflexión sobre cómo ciertas situaciones te pueden enajenar como persona". E, inevitablemente, como sociedad. Porque los topos no eran los únicos topostopos. ¿No estaban ocultas las familiares de "rojos", tratando de hacer olvidar sus orígenes y tratando de olvidar las humillaciones y la violencia? ¿Y los homosexuales, no vivirían figuradamente bajo tierra durante algunas décadas más? La película no se olvida de unas ni de otros. 

Antonio de la Torre —que está al teléfono desde el Reino Unido, inmerso en un rodaje— aporta otro elemento: el conformismo. "El miedo te lleva inevitablemente al conformismo. Y ese proceso de interiorización del miedo fue colectivo", dice el actor. "Nosotros lo podemos ver ahora, cómo nos hacen vivir por debajo de nuestras necesidades, y eso nos va minando". Higinio espera primero el final de la Guerra Civil, y luego el final de la II Guerra Mundial, que traería la invasión aliada. Aguarda el castigo de las potencias occidentales, pero en su lugar llega por radio la entrada de España en la ONU en 1955. Deja de esperar e incluso mira con recelo a la juventud antifranquista de los sesenta. Antonio de la Torre, que se empapó de los libros mencionados antes de empezar a rodar, recuerda que cuando los topos abandonaron su escondite —algunos aguantaron hasta 1969, cuando se decreta la amnistía para los delitos anteriores al 1 de abril de 1939—, estuvieron muy lejos de volver a la militancia. "La mayoría de los topos llevaron una vida muy conformista, y se entiende". No les esperaba una nueva vida, sino el final. ¿Y en la metáfora, qué dice eso de nosotros? De la Torre lo tiene claro: "Que a una España se le fue todo. Que ese tiempo se perdió para siempre". 

Pero los efectos del encierro en Higinio no son solo ideológicos. Goenaga describe su situación: "La falta de referencias, el recibir las noticias de manera sesgada, porque las revistas y la radio que escuchaba no podían contar todo…". A ese ambiente propicio a la paranoia hay que añadir el machismo, otra cárcel. "Aunque suene sexista, hay que considerarlo en el contexto: ellos se sentían heridos en su hombría, porque al final era gente que tenía que renunciar a ser 'el hombre de la casa", explica el director y guionista. "Y la mujer estaba haciendo su vida fuera, podían surgir celos… Y si tú estás viendo dañada tu autoestima, lo mismo te vas sintiendo poca cosa. Y te preguntas qué ejemplo vas a ser para tus hijos…". El fantasma de la cobardía, de ser peores que los que murieron. "Higinio no es un héroe, desde luego", admite Antonio de la Torre. Pero Goenaga parafrasea a Jesús Torbado con una idea que figura tal cual en la película: "El miedo les quitaba la categoría de héroes, pero el hecho de que no fuesen héroes no significaba que no fuesen víctimas". 

Pepa Flores, conocida como Marisol, será galardonada con el Goya de Honor 2020. Así lo ha anunciado la Academia de Cine, cuya Junta Directiva ha decidido otorgarle este premio honorífico por "sus inolvidables interpretaciones y por ser una de las actrices más queridas y recordadas por el gran público". Flores se dio conocer en su infancia en producciones como Un rayo de luz, Ha llegado un ángel o TómbolaUn rayo de luz, Ha llegado un ángelTómbola, convirtiéndose, también por su faceta de cantante, en una de las principales figuras del star system españolstar system. Pero la Academia destaca sobre todo, en la nota biográfica remitida a los medios, su labor como actriz dramática, ya en su madurez, con títulos como Los días del pasado, de Mario Camus (1978). 

Desde su retirada a finales de los ochenta, Pepa Flores ha decidido llevar una vida discreta, lejos de la prensa y de la industria cinematográfica y musical. En este sentido, el premio se convertiría en el regreso, aunque sea momentáneo, de uno de los nombres más relevantes de la cinematografía española. Según ha informado la Academia, tras conocer la noticia la actriz ha afirmado sentirse "muy honrada y agradecida por este reconocimiento", ya querido agradecer a la institución el reconocimiento y "desearle mucha salud" al cine español. En ediciones anteriores, han recibido el premio creadores como Chicho Ibáñez Serrador (2018), Marisa Paredes (2017) o Ana Belén (2016). 

Desde su debut en Un rayo de sol, con la que ganó el premio a la mejor actriz infantil en la Mostra de Venecia, Pepa Flores (Málaga, 1948) fue la artífice de grandes exitazos de taquilla que hicieron de ella un mito de la cultura de los años sesenta y setenta. Llegó a grabar cientos de temas musicales y a representar a España en el Festival de la OTI, en 1972, donde alcanzó la tercera posición con "Niña". Ese mismo año rodaría su última película musical, La chica del molino Rojo, y La corrupción de Chris Miller, de Juan Antonio Bardem, que marcaría una ruptura en su carrera. Después llegaría Los días del pasado (1978), de Mario Camus, donde da vida a una maestra que busca a su pareja, miembro del maquis. Sería la última cinta que rodara como Marisol: a partir de entonces, firmaría con su nombre real, Pepa Flores. Así participaría en Bodas de sangre y CarmenBodas de sangreCarmen, de Carlos Saura, y en la serie de Televisión Española Proceso a Mariana Pineda, de Rafael Moreno Alba. 

Pepa Flores es conocida también por su compromiso político. Fue militante del PCE, y como tal se pronunció en contra de la OTAN y a favor de la Revolución Cubana. Ya en los años setenta había participado activamente en la huelga de actores, que detuvo obras teatrales y rodajes televisivos en todo el país. Son famosas las declaraciones en las que se reivindicaba como "una obrera de la cultura": "Me fusilarán antes que traicionar a mi clase".

Cuando Isaac Rosa publicó en 2007 ¡Otra maldita novela sobre la guerra civil!, parecía capturar, ya desde el título, un sentir general: el hartazgo hacia las narrativas que abordan el conflicto entre republicanos y fascistas. Pero el escritor señalaba también un problema: no se trata tanto de si se habla o no sobre la Guerra civil, sino de cómo se habla —su título era, ante todo, una crítica hacia su primera novela, La malamemoria, ambientada en aquel contexto histórico—. Ese hartazgo y esa advertencia trascienden la literatura y son aplicables a toda la ficción. Diez años más tarde, no es que el debate no se haya apagado, es que aparece en el Festival de San Sebastián con tanta fuerza como si se tratara de la primera vez que se plantea. Todo por la coincidencia de otras dos malditas películas sobre la guerra civil: de un lado, Mientras dure la guerra, de Alejandro Amenábar; del otro, La trinchera infinita, de Aitor Arregi, Jon Garaño y Jose Mari Goenaga, conocidos como los Moriarti por el nombre de su productora.

La primera era, desde luego, mucho más esperada que la segunda. La cinta de Amenábar entró en la terna de la Academia de Cine para representar a España en los Oscar antes de estrenarse en salas —llega a las pantallas este 27 de septiembre—, un honor que finalmente le fue concedido a Pedro Almodóvar y su Dolor y gloria. Parte de la expectación tenía que ver con que el director al castellano, a los actores y la localización española, 15 años después de Mar adentro. Pero, sobre todo, tenía que ver con que Amenábar había decidido tomar un protagonista célebre y un acontecimiento histórico muy conocido: Miguel de Unamuno; su relación con el fascismo, que fue del apoyo al golpe de Estado a la condena, y, notablemente, su famoso discurso en el paraninfo de la Universidad de Salamanca ante Millán-Astray y otros cargos de Falange. Se añaden al cóctel Karra Elejalde en el papel del filósofo y un presupuesto de más de seis millones de euros. 

Del otro lado, La trinchera infinita se aleja de los grandes nombres y de la historia con mayúscula para centrarse en Higinio y Rosa, dos anónimos personajes de ficción que sufren la guerra en algún punto de Andalucía. Temiendo las represalias de los sublevados —"Están diciendo que has dicho cosas horribles", advierte ella— les llevarán a tomar una decisión que marcará sus vidas durante las siguientes tres décadas: él se convertirá en un topo, escondido en un agujero de su propia casa; ella será su sustento, su lazo con el mundo exterior y su protectora. El filme está firmado por los responsables de Loreak y HandiaLoreak Handia, dos películas muy celebradas del último cine español. La producción ha contado con un presupuesto de unos tres millones de euros —la mitad que la de Amenábar pero el doble del coste habitual de un filme español medio— y cuenta con algún as en la manga: las interpretaciones de Antonio de la Torre y Belén Cuesta y un guion de Luiso Berdejo y Jose Mari Goenaga especialmente inspirado. Con este filme, parecen haber ido más lejos del logro que supuso los diez premios Goya de su última producción: la crítica ya apunta a La trinchera infinita como una de las favoritas a la Concha de Oro. 

Quizás, de no haber tenido más relación entre sí que la de estrenarse en el mismo año, las dos películas se habrían librado —al menos un poco— de las comparaciones. Pero ambas forman parte de la Sección Oficial: compiten entre sí por los galardones, pero también por el favor de la crítica. Y en esto último gana una vez más La trinchera infinita. "El resultado es una película feliz en cada uno de sus brillantes y arriesgados contrasentidos", dice Luis Martínez en El Mundo. "A pesar de las largas dos horas y media del filme, el público y la crítica aplaudieron a rabiar la cinta", cuenta Gonzalu Núñez en La Razón, que asegura que el trío "ha firmado la mejor película de lo que va de festival". "La claustrofobia, la cercanía de la locura, la desesperanza acompañando al paso de los años, la peligrosidad de los buitres hacia la mujer que creen viuda, el machaqueo moral al que la somete su marido, la certidumbre de algún vecino avieso y vengativo de que el proscrito sigue estando muy cerca, están descritas con un potente y agobiante estilo visual", comenta Carlos Boyero en El País. 

No tan generosa ha sido la prensa con Amenábar. "No es lo suficientemente emocionante como una pieza de personajes, pero también le faltan la urgencia y el suspense necesarios para hacer vívidos sucesos más amplios", apuntaban en Variety. "La obligación autoimpuesta de no separarse un milímetro de los hechos o, mejor, de la fiel recreación de lo que tuvo que ser aquello, adormece el pulso narrativo bastante más de lo deseable", afeaba Luis Martínez en El Mundo. "La película gustará a quienes pongan el drama íntimo por encima de los golpetazos de la Historia", concedía Mirito Torreito en Fotogramas. El problema es que las críticas no llegan solo desde lo estrictamente cinematográfico. "Está claro que Amenábar quiere evitar a toda costa que le llamen rojo y sectario, y para ello se ocupa de presentar, y defender, las dos posturas en un delirante ejercicio de blanqueamiento del fascismo que a estas alturas está absolutamente normalizado", lanzaba Javier P. Martín en Ecartelera. "Un elogio de Amenábar a la equidistancia intelectual que ni vence ni convence", titula Francesc Miró en eldiario.es.

"A mí me interesa todo lo que tiene que ver con la contradicción. Con las aristas y con los grises, con lo que no te lleva al blanco o al negro", se explicaba Amenábar en una entrevista con El Español. "En clase de guion dirían que el arco dramático de Unamuno en esos meses es oro, y eso me interesa muchísimo. Se ha usado tanto por la derecha como por la izquierda porque, precisamente, esa contradicción invita a ello". "He intentado no ofender, ser entendido por la izquierda y la derecha", decía en otra entrevista con ABC. Muchos se preguntan si es eso posible cuando se habla de un golpe de Estado fascista. La trinchera infinita, por su parte, nace de 30 años de oscuridad, un documental sobre cómo Manuel Cortés, antiguo alcalde de Mijas, pasó 30 años encerrado en su propia casa, una historia complementada con Los topos, la investigación periodística de Manu Leguineche y Jesús Torbado. Sus protagonistas, sobre todo De la Torre, no son héroes sin mancha, pero la posición de partida está clara. 

Así que, por carambolas del destino —o por un zeitgeist que tiene mucho que ver con la recuperación de la memoria histórica—, no solo se encuentran en San Sebastián dos aproximaciones distintas al mismo suceso histórico, sino dos discursos enfrentados: la historia desde la posición de las víctimas anónimas represaliadas, inequívoca desde el punto de vista político aunque no desde el psicológico; del otro, la historia de nombres propios y hazañas individuales, con un acercamiento voluntariamente equidistante a la contienda. Este otoño se enfrentan ambas al juicio del público. Y, un poco antes, al del jurado de San Sebastián. 

El director de cine Alejandro Amenábar ha sido uno de los grandes protagonistas de la segunda jornada del Festival de San Sebastián, en la que ha presentado la película Mientras dure la guerra, candidata a la Concha de Oro, en la que recupera el desafío dialéctico de Miguel de Unamuno ante los militares en la Universidad de Salamanca en 1936, a comienzos de la Guerra Civil. El portal Noticine ha tenido la ocasión de entrevistar al cineasta.

PREGUNTA: ¿Qué cuenta en Mientras dure la guerra?Mientras dure la guerra

RESPUESTA: La película trata fundamentalmente del escritor Miguel de Unamuno, un autor muy importante en la historia de España, que en un determinado momento se posicionó al inicio de la Guerra Civil en favor de los golpistas. También trata sobre la gestación de esa Guerra Civil, cómo Franco llega al poder, estableciendo una dictadura de 40 años. Todo esto entronca mucho con la realidad de España ahora mismo. Se puede decir que es una película sobre España. Como todas estas fuerzas tienen que ver con el fascismo, se puede decir que habla del repunte del fascismo en nuestra sociedad.

P: ¿Qué le movió a elegir precisamente este tema?

R: En realidad fue la conexión con la actualidad. Por un lado el personaje, ver a alguien que es capaz al final de su vida de tomar una posición tan valiente en público, en un acto académico rodeado de fuerzas fascistas, y hacer una denuncia del fascismo, me parece un acto tan valiente. A mi me interpela como personaje público, porque llegado a una situación tan extrema, qué hubiera hecho yo, si hubiera sido capaz de demostrar el coraje de Unamuno. Luego también porque está contando un período que de alguna manera creo que se está repitiendo en la sociedad actual. En algún momento dije: "No sé si esta película es necesaria, pero yo necesito hacerla".

P: ¿Mientras escribía el guión tenía ya a los actores en mente?

R: Realmente no suelo tener a ningún actor en mente cuando creo el personaje, y más en una película que como esta tiene un componente histórico, donde los personajes son reales. Lo que intentas es aproximarte a la esencia, al alma de esos personajes. Y luego está la tarea, en algunos casos muy difícil, de dar con el actor que se aproxime a ese alma. Aquí lo más difícil fue dar con la persona que haría de Miguel de Unamuno, que era un señor ya anciano, con una gran altura intelectual, encontrar a alguien que a la vez fuera muy directo. Para eso Karra Elejalde tiene muchísimo talento. No tiene nada que ver con el personaje, ni en la edad, y tuvimos que esmerarnos en el maquillaje, los efectos que llevaba, pero sí tiene el talento para hacerlo. Igualmente en el caso de Franco (Santi Prego), para el que necesitábamos una energía muy concreta, y sobre todo con un actor que se enfrentara al personaje. Porque cuando te enfrentas a un personaje como Hitler, o Mussolini, no tienes que juzgarlo para interpretarlo. Si vas pensando que vas a hacer al "malo" de la película ya no habría salido, no habría tenido la fuerza que yo quería que tuviera la película.

P: ¿A qué dificultades tuvo que enfrentarse para poder hacerla?

R: El problema que se da con una película de época es que tienes que recrear y eso cuesta dinero. Cuando haces una película que no está dentro del sistema, por así decirlo, que es cine independiente, y con el desafío en cuanto a dirección artística, recreación, vestuario... todo se complica. En mi caso intento optimizar mucho los rodajes. Ya me pasó con "Agora", intento que el dinero se vea en pantalla, y eso supone a veces emplear menos tiempo de filmación para que el dinero pueda usarse para pagar determinada localización o tener más extras. Trato de reducir al máximo el tiempo de rodaje.

P: ¿Y en esa recreación, cuál fue el momento más complicado?

R: Supongo que en la recreación de la escena real de Unamuno hablando en aquel acto fascista, por toda la polémica que hay en España ahora mismo en torno a lo que se dijo o no se dijo, porque no existe un registro visual o sonoro, y todo lo que tenemos son testimonios personales, cruzados muchas veces, de un lado y de otro. Hay mucha mitología respecto de aquel momento. Se trataba de intentar descifrar de una manera casi arqueológica qué fue realmente lo que pasó, y eso me resultó muy apasionante.

P: Eligió el Festival de Toronto, antes que el de San Sebastián, para la première mundial de su película, ¿qué tal le fue?première

R: Toronto es casi mi segunda casa. He presentado varias películas allí e incluso rodé durante algún tiempo. Me gusta el cariño que percibes de la gente, el calor hacia las películas. Realmente los festivales son la manera de dar a conocer las películas. Todo el proceso sientes que está cambiando, pero Toronto es de esos bastiones que quedan todavía a la hora de presentar películas y me siento muy honrado de haber estrenado allí. Para mí era una curiosidad ver cómo reaccionaría un público que puede parecer tan lejano a una realidad como la española de 1936, pero siento que la película tiene esas conexiones con la actualidad que hacen que un espectador de cualquier parte pueda empatizar con lo que está viendo. 

Hacía 29 años que Julieta Serrano no trabajaba con Pedro Almodóvar, desde Átame. Antonio Banderas no lo hacía desde La piel que habito, en 2011, exceptuando una colaboración especial —y brevísima— en Los amantes pasajeros, en 2013. Allí compartía escena con Penélope Cruz, que no trabajaba con el director manchego desde Los abrazos rotos, hace ya una década. Si Dolor y gloria, la nueva película de Almodóvar que llega a los cines el 22 de marzo —y van 21—, es un filme que lidia con la memoria y el reencuentro con el pasado dentro del propio relato, también lo hace en su producción. No es casualidad que Banderas, cuya filmografía estará siempre unida a la del cineasta, dé vida a su alter ego. No es casualidad que Penélope Cruz y Julieta Serrano, presentes en su cine desde hace décadas, encarnen a la madre del director, la primera en el recuerdo y la segunda al final de su vida.

Y no es casualidad tampoco que durante las entrevistas de promoción, y aunque se les pregunte por sus propios personajes, todos vuelvan una y otra vez a Almodóvar. No es solo que hablen de él como un maestro. Es que su figura está más presente que nunca en el metraje: la peluquería de Antonio Banderas imita el característico peinado del cineasta, su vestuario es un calco del atuendo almodovariano, incluso la casa del personaje es una réplica de la real. Las conexiones entre vida y obra son evidentes. Dolor y gloria se mueve entre la biografía y la autoficción. "Yo, cuando vi el guion, ya vi que tenía relación con su vida", recuerda Serrano durante el ajetreado día de promoción. La actriz, último Premio Nacional de Teatro, estuvo ya en Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón y fue la Madre superiora de Entre tinieblas. "Lo que me pareció", retoma, "es que es una película muy arriesgada, como de abrirse, de mucha necesidad de contar. Y al mismo tiempo de una gran generosidad por querer contarlas". Dolor y gloria es, en cierto sentido, hacer las paces. 

Salvador Mallo, el protagonista del filme, es un director que, cerca de la vejez, se enfrenta a una crisis creativa. Aquejado por distintos dolores y profundamente solo, no se ve capaz de rodar. Temiendo que el presente no tenga nada que ofrecerle, se aferra al pasado: a la infancia, con una madre adusta y protectora (Penélope Cruz); al gran amor de juventud (Leonardo Sbaraglia); al amigo perdido (Asier Etxeandia); a la madre con la que nunca saldó las cuentas que tenía pendiente (Julieta Serrano). Almodóvar ha contado ya cómo la película se ha convertido en un espacio en el que recrear conversaciones pendientes que nunca sucedieron. El regreso a lo que fue y ya no es, a lo que pudo haber sido, tenía lugar también tras las cámaras: "Lo único que pensaba era cómo iba a ser nuestro encuentro", dice Serrano. "No porque hiciera de su madre, sino porque hacía mucho que no trabajaba con él. Y ha sido tan… tan… tan tierno, cariñoso, normal. La vida ha fluido y nos hemos vuelto a encontrar".

En los mismos términos habla Antonio Banderas, que recuerda las fricciones que surgieron entre actor y director tras La piel que habito. "Es una película que quiero mucho, de verdad, adoro, y sacó unos resultados de mí que ni siquiera yo esperaba", previene. El conflicto venía por otro lado: "Yo llegué a esa película con una mochila llena de muchas cosas, con 22 años que hacía que no habíamos trabajado juntos [¡Átame!se estrenó en 1990], llena de muchas experiencias. Yo venía muy orgulloso a decir: mira lo que he aprendido. Y lo solté en lo alto de la mesa y me dijo: 'Pues nada de lo que traes me sirve'. Fue muy doloroso". Pero el dardo no va contra Almodóvar, sino contra sí mismo: "Probablemente me había ido aburguesando en la interpretación, utilizaba elementos que me salvaban las situaciones… Pero en realidad no estaba creando nada nuevo, y me puse en estado de confrontación". Dolor y gloria ha sido, dice, una "oportunidad para ir de soldado raso", "escuchar mucho, tratar de entender". 

Penélope Cruz en Dolor y gloria, de Pedro Almodóvar. / MANOLO PAVÓN (EL DESEO)

Penélope Cruz habla del director desde otro sitio, uno que se parece mucho a la lealtad: "Nos conocemos tan bien él y yo que sabemos casi lo que el otro está pensando". Es su séptima película con él; la primera la rodó a los 22 años. Comenta con entusiasmo su preparación para los filmes del manchego, que consiste, precisamente, en no prepararse: "Siento que me convierto como en plastilina y me entrego, porque sé que con él ese es el mejor resultado, sé que estoy en las mejores manos y que puedo confiar". Aunque nadie le ha preguntado por ello, despacha de un plumazo la fama de Almodóvar de cineasta tiránico con sus actores. "Es muy exigente, pero para nada manipulador: en ningún momento me he sentido manipulada para llegar a hacer algo y que no se me haya planteado desde un sitio honesto", arranca. "Si llegaba, me lo decía; si no llegaba, me lo decía. Y se intenta hasta que se llega. Es muy sincero. ¿Que eso es duro? Bueno, yo prefiero eso". De su experiencia con él solo tiene "cosas buenas que decir". "Me encanta, me encanta trabajar con él", dice con una convicción que dificilmente se podría considerar fingida. 

Dolor y gloria ajusta cuentas también con la juventud del cineasta —ahí están los fantasmas del pasado encarnados por Etxeandia y Sbaraglia—, compartida con algunos de los intérpretes. Julieta Serrano habla de un director "que ha roto barreras, ha abierto puertas, ventanas, de todo". Banderas, que vivió también las noches de la Movida, sonríe: "En los años ochenta éramos más explosivos, éramos más locos, éramos como Rolling Stones. Llegábamos a los festivales con una mano delante y otra detrás y los ganábamos". Recuerda a Francisca Caballero, la madre de Almodóvar, tan presente en el filme, con la que compartió rodaje en Mujeres el borde de un ataque de nervios y ¡Átame!, donde hizo un par de cameos: "Rodó mucho con nosotros, la queríamos mucho, y era muy buena actriz. Yo sé la adoración que él tenía con ella". Y apunta también lo que hay tras el personaje de Etxeandia, en el que muchos han visto un reflejo de Carmen Maura y la compleja relación que existe entre el manchego y quien fuera su actriz fetiche: "Hay muchos personajes ahí, son retales. Ahí hay actores y también hay actrices: yo reconozco líneas concretas... Hay ahí incluso pequeñas cositas que veo que son mías".

Antonio Banderas y Julieta Serrano en Dolor y gloria, de Pedro Almodóvar. / EL DESEO

En este repaso algo nostálgico se habla incluso de los personajes como si fueran viejos amigos. Penélope Cruz habla de la Raimunda de Volver, quizás la otra madre por excelencia de la filmografía que comparte con Almodóvar. "La tuvimos en cuenta... para que no se pareciera nada", dice, despegándose de aquella mujer que más que manchega parecía italiana, de la estirpe de Sophia Loren. "Por eso esta madre es mucho más austera, de pinta, de carácter. Es más delgada, la cara lavada, sin peinar mucho, la bata lisa, caída, esas batas que tenía mi abuela…". Y del cine pasa de nuevo a la vida: "Pedro siempre me ha visto como una madre, incluso antes de serlo, pero yo entiendo por qué. De pequeña, mis primeros recuerdos de jugar a interpretar, sobre los 4 o 5 años, el personaje que elegía siempre era la madre. Ese instinto maternal Pedro siempre lo ha visto en mí, y casi siempre me da personajes de madre, incluso cuando era mucho más joven, como en Carne trémula". Y la actriz añade una cosa más, algo que resume bien esa relación casi reverencial que han construido con el Almodóvar real y con el que sale, esta vez, en pantalla. "Porque Pedro", dice, "lo ve todo".