Ella cree en Dios como tú crees en el cambio climático. Este argumento, por llamarlo de alguna forma, se lo espetan a Maite (Patricia López Arnaiz) durante una acalorada discusión al hilo de que su sobrina, Ainara (Blanca Soroa), quiera meterse a monja de clausura con 17 años. Este argumento, por llamarlo de alguna forma, lo lanza el marido de Maite (Juan Minujín) poco después de una de las mejores escenas de Los domingos, cuando obligado por su mujer ha intentado convencer a Ainara de que desista en su empeño… sin convicción alguna. Ha probado a rezar junto a ella, y lo más categórico que le ha dicho es que como haga algo así va a destrozar a su tía.

La escena es entrañable. Lo es algo menos la discusión posterior entre cónyuges —donde vuelven a transparentarse las grietas del matrimonio— , si bien lo que realmente nos interesa es la actitud de Minujín. No habría que caer en la trampa de asumir que Alauda Ruiz de Azúa, como directora y guionista de Los domingos, considere realmente que creer en Dios sea como creer en el cambio climático. Podemos ceñir este juicio exclusivamente al personaje, y a lo mejor ni eso. Seguramente este hombre tampoco crea realmente algo así. Pero, entonces, ¿Qué es lo que cree? Al margen de “creer” que su pareja se está tomando demasiado a pecho lo de Ainara, ¿cree en algo? ¿Tiene alguna visión del mundo con la que pueda replicar a su sobrina?

Parece que no. Tampoco parece tenerla el padre de Ainara, que interpreta Miguel Garcés. Iñaki siente por el asunto, en el mejor de los casos, equidistancia. Este personaje —impecablemente escrito— recorrerá el metraje de Los domingos sumido en la indecisión, para que poco a poco se vaya aclarando si esta obedece al instinto de dejar que su hija haga lo que le hace feliz, o a algo más pedestre. Miguel Garcés remite al personaje de Ramón Barea en Cinco lobitos —debut al largo de la directora— y vuelve a demostrar la inteligencia con que Ruiz de Azúa perfila ciertas expresiones de masculinidad. Una no relacionada directamente con la agresividad, por agazaparse en un aparente desvalimiento con el que el egoísmo siga fluyendo silvestre.

El personaje de Garcés —que, naturalmente, se contradice una y otra vez durante el film— redunda en la ausencia de argumentos contra la vocación de Ainara. Así que Maite está sola. Es la única que muestra una oposición firme, y no le apoyan ni su hermano ni su pareja. Lo que no debería ser tan relevante porque al menos Maite sí tiene una visión del mundo. Y esa visión del mundo puede replicar, se supone, la de Ainara. Contradecir, criticar, lanzar argumentos más convincentes que su marido. Debatir, que parece que es lo que quiere hacer Los domingos. La película ha ganado la Concha de Oro en San Sebastián —un año después de que ganara ahí mismo Tardes de soledad de Albert Serra, quizá por motivar el debate sobre la tauromaquia— por eso, por debatir.

Sería una lástima, entonces, que a Maite le perdieran las formas. Que fuera una mujer irritable, despótica, y no solo llegara a recurrir a los gritos sino también a la manipulación y a la traición contra Ainara, a quien se supone que quiere tanto. Por cuyo bienestar se supone que se preocupa. Pero es lo que sucede. Acorralada, Maite llegará a hacer cosas muy cuestionables por aquello en lo que cree. Que tampoco, por cierto, atina a comunicar muy bien qué es. La posible complejidad de su pensamiento se difumina con comentarios estilo “nunca te fíes de los curas”, escritos casi como una parodia del ateísmo pendiente de una estrechez de miras o un afán autoritario. Se nota que Ruiz de Azúa disfruta cargando de ironía cada vez que Maite dice “yo respeto tus creencias”.

Al otro lado, curiosamente, sí que hay diálogo. Como han destacado con acierto en Religión en Libertad —el “portal líder de noticias sobre el papa, Iglesia católica, cristianismo e historias de conversión del día”—, es estupendo cómo Los domingos se prodiga en conversaciones de Ainara con varias figuras de la Iglesia católica, compartiendo sus dudas y siendo escuchada plácidamente. Sin que nadie le imponga nada. Una vez la película prefiere dejar de lado su pasado inmediato —la relación de Ainara con una madre fallecida muy devota, una vida entera entre colegios de curas—, la protagonista de Los domingos solo halla comprensión en el clero. El convento le abre las puertas, y apenas si nos topamos con un cuartucho austerísimo para percibir un ligero sobresalto.

Expuesto todo esto, ¿no deberíamos poner en cuarentena aquello de que Los domingos “mueva al debate”? ¿Estamos presenciando un debate, en realidad? ¿Puede haberlo cuando no hay voces en igualdad de condiciones intercambiando argumentos? No es solo que Maite parta con escasísimas opciones de convencer a la protagonista a costa de su soledad y su carácter —cuyo histerismo frente a la afabilidad del marido linda lo bastante con inercias misóginas como para encender también las alarmas desde ese lado—, es que tiene, bueno, toda la película en su contra. 

Ainara, cabe decir, no es un personaje muy construido, aunque precisamente eso también le otorga ventaja por encima de su tía —dejemos de lado el instinto arraigado a cualquier espectador de empatizar con alguien en pantalla que en todo momento parece desafiar algo— y facilita el repliegue de la puesta en escena alrededor de ella. La vocación, una idea en penumbra que progresivamente va saliendo a la luz —el primer plano de Los domingos es un crucifijo en una habitación a oscuras—, se ve envuelta en una serie de decisiones y estrategias que se funden con su visión. 

Los montajes musicales con el coro donde participa Ainara transmiten ingravidez —un desapego de la carne al sereno compás de los razonamientos del personaje—, y desde luego no son grandilocuentes. No es Los domingos una película de Mel Gibson. Pero hay algo muy meditado en la fotografía, en el ritmo, en los espacios, que toma forma en la angustia de la canción de Nick Cave que entona el coro. “No creo en un dios intervencionista, pero si creyera me arrodillaría ante él para suplicarle que no interviniera en ti, que no te tocara ni un pelo”. Es desesperación, pero también es calma. Asunción de lo inevitable. Habrá que creer porque si no, estamos solos. 

Lo curioso de la realización de Ruiz de Azúa —absolutamente magnífica por otro lado, con una mesura en la administración de los diálogos que supera incluso los logros de Querer— es que es mucho más equidistante que la escritura de los personajes. Todo el “debate” que se le ha querido asociar quizá venga de lo formal, porque el relato no tiene vuelta de hoja. Todo es tan gris, tan sobrio y desangelado desde el principio, que no hay gran diferencia para cuando se dan cita los conventos o los entornos directamente cerrados. Como si diera igual. Como si fuera lo mismo tomar los hábitos que no tomarlos, y la película prefiriera sumirse en un único estado de ánimo. Meditabundo e inmovilista, asumiendo que hay tanto encierro en el ateísmo como en el convento. 

Todo lo cual emparentaría a Los domingos con estructuras de sentimiento que tenemos ya muy interiorizadas en España —en ellas late la Cultura de la Transición y el Partido Socialista del malmenorismo, “seremos penosos pero lo que hay ahí fuera es peor”—, y tampoco al final sería algo tan alarmante. Es la impotencia reflexiva que diagnosticó Mark Fisher y la anemia política generalizada de nuestra cinematografía, no hay mucho más. Lo que sucede, y quizá aquí esté lo novedoso por el tema que manejamos, es que la película parece ser incapaz de desgajar la fe de una iconografía concreta. De forma que la película no hable de espiritualidad —como por ejemplo sí podía hacer, mejor o peor, Sirat—, sino de un credo con nombres y apellidos.

Aquí es cuando ya hay que preocuparse. Porque el apego de Los domingos por las imágenes de la Iglesia católica no es exactamente fetichista —no es Rosalía, no son los Javis o cualquier otro artista modernillo que quiera “resignificar” cosas—, sino que se recluye en ellas porque es lo que tiene a mano, es el mejor asidero posible al engrosar nuestra identidad nacional. Una tan fuerte, en la que tan fácilmente nos podemos reconocer todos, que al final pugna por asfixiar cualquier indagación en sus mecanismos y conceptos. Lo peor de Los domingos es que no hay ni una sola conversación que se preocupe seriamente de la fe, de por qué necesitamos la fe o, de necesitarla, contra qué la estaríamos oponiendo. Solo hay mucha palabrería católica, dicha solemnemente.

La fe no es algo malo. La fe es necesaria, según adónde apuntemos con ella está cargada de futuro. Apartando la fe de su entramado, reduciendo la disyuntiva a formas de vivir siguiendo un credo monolítico —ya sea el catolicismo o el ateísmo de dibujo animado de Maite—, lo que paradójicamente nos está diciendo Los domingos es que no cree en nada. Es una película profundamente nihilista, satisfecha con proclamar que nada importa y que, como nada importa y eso da miedo, mejor volver a los sistemas de pensamiento más reconocibles de nuestro alrededor. Un panfleto católico hecho a la medida de nuestra época. Una infamia reaccionaria.

Eduard Fernández, que se ha metido en la piel de tantos hombres diferentes, ha sido este sábado él mismo al recoger el Premio Nacional de Cinematografía y ha denunciado, "por respeto" al oficio de actor, "espejo" de lo que sucede en el mundo, "la barbaridad de lo que está ocurriendo en Gaza se llame como se llame", según EFE.

Con un pañuelo palestino sobre la chaqueta de su traje color arena, el intérprete catalán ha recibido emocionado este galardón, en un acto celebrado en el centro Tabakalera de San Sebastián, al que han asistido la vicepresidenta primera del Gobierno, Yolanda Díaz, y el ministro de Cultura, Ernest Urtasun.

El actor de 'Mientras dure la guerra' y 'El hombre de las mil caras', filme por el que obtuvo la Concha de Plata en el Festival donostiarra, ha cerrado su intervención nombrando a algunos de los niños menores de dos años que han sido asesinados en Gaza.

"La barbaridad de dejar morir a los niños de hambre es exactamente igual le pongan la palabra que le pongan, sea o no genocidio. Los quieren matar a todos de la manera más cruel y más bestia", ha subrayado el actor.

Ha recalcado que "cuesta encontrar palabras" al hablar de lo que sucede en Gaza, sin saber cuánto crecerá esa lista de niños asesinados por Israel. "No sabemos cuántos más serán y no sabemos si nos lo dirán algunos que están pensando en qué espejo van a poner en el baño del edificio que van a construir".

"No podemos dejar de decirlo constantemente porque ellos no se van a cansar de matar constantemente, decirlo para poder conservar nuestra dignidad como personas", ha recalcado.

Greta Fernández, hija del actor, también actriz y Concha de Plata en 2019 por su papel en 'La hija de un ladrón', en la que trabajó con sus padre, se encontraban entre el público y en la lista de agradecimientos del actor catalán a las personas más importantes de su vida y su carrera.

Una trayectoria en el teatro y el cine a la que el año pasado se añadieron las películas 'el 47' y 'Marco', dos interpretaciones "sobresalientes" que se encuentran entre las razones por las que el Ministerio de Cultura le ha concedido el Premio Nacional de Cinematografía 2025, dotado con 30.000 euros.

En el escenario, "el lugar más expuesto", Fernández encontró paradójicamente su "refugio", un "lugar seguro" desde el que ha podido "arriesgar" y tirarse "a la piscina hasta lo más profundo".

"A base de hacer distintos personajes y mirar desde distintos sitios, he ido entendiendo un poco más a las personas y a mí mismo", ha asegurado Fernández, que es "incapaz" de juzgar a los personajes a los que interpreta, aunque hayan sido golpistas como Millán Astray.

El ministro de Cultura ha destaco la unanimidad del jurado para entregar el premio este año a este actor, nacido en Barcelona en 1964, que va camino del centenar de películas rodadas, que se ha estrenado en la dirección con el corto 'El otro' y que ha recibido todos los premios: Goya, Gaudí, Feroz, Platino... y que también ha sido reconocido con la Medalla de oro al mérito en las Bellas Artes.

El jurado del Nacional de Cinematografía lo ha definido como "uno de los actores más destacados de la cinematografía española", un elogio al que este sábado se han sumado decenas de adjetivos, como "inigualable" y "único", que le ha dedicado, entre otros muchos y en catalán, el codirector de 'Marco', Jon Garaño, que ha hablado del actor al igual que lo ha hecho Mar Coll, que contó con Fernández para su opera prima 'Tres días con la familia' y sigue siendo "un referente" para ella.

El ministro ha remarcado la "humanidad" del actor y ha recitado unos versos de Dylan Thomas: "No entres dócilmente en esa buena noche, enfurécete, enfurécete ante la muerte de la luz".

"Gracias por tu furia y que tu voz nunca permita que la luz se apague. Gracias por llevarnos de la mano a tantos sitios", le ha dicho Urtasun.

La gala inaugural del 73 Festival Internacional de Cine de San Sebastián terminó plagada de referencias a Gaza y a la protagonista del cartel de esta 73 edición, Marisa Paredes, a la que recordaron intervinientes como Juliette Binoche y Pedro Almodóvar, que entregaron el Premio Donostia a Esther García, informa EFE.

El apoyo a la población palestina tuvo su lugar dentro y fuera de la gala en el Kursaal, entre cuyos asistentes estuvieron los ministros para la Transformación Digital y de la Función Pública, Óscar López; Cultura, Ernest Urtasun; y Trabajo, Yolanda Díaz (también vicepresidenta del Gobierno).

Estos dos últimos, al igual que el director del Festival José Luis Rebordinos, y el cineasta Pedro Almodóvar, llevaban además unas insignias reivindicativas en sus trajes. Tras la gala, se proyectó la película que abre el festival, la argentina 27 noches, de Daniel Hendler.

Antes de la alfombra roja, unas doscientas personas se concentraron en apoyo de la causa palestina cerca de la sede del festival . Al otro lado de unas vallas situadas en la calle en la que se encuentra el Kursaal, los manifestantes portaron banderas palestinas y corearon consignas como "Palestina, libertad", "Israel, boicot" y "Stop genocidio".

El propio director del Festival, José Luis Rebordinos, lució una chapa en apoyo al pueblo de Gaza en la solapa de su traje.

El pasado 5 de septiembre, el comité de dirección del Festival de Cine de San Sebastián condenó públicamente el "genocidio y las masacres inimaginables que el Gobierno de Benjamin Netanyahu está perpetrando" en Gaza y exigió el alto el fuego y la liberación de todos los rehenes que están secuestrados por Hamás.

Además, este miércoles acudirán al Festival Saja Kilani y Motaz Malhees, dos de los intérpretes de La voz de Hind, que relata la muerte de una niña palestina de seis años en un ataque israelí con la grabación real de sus llamadas. La proyección de esta película tunecina, que ganó el pasado 6 de septiembre el León de Plata Gran Premio del Jurado del Festival de Venecia, será uno de los momentos más emocionantes y políticos del certamen.

Ya en la gala, la actriz francesa Juliette Binoche tuvo un recuerdo para Marisa Paredes (fallecida en 2024), a la que ha definido como una "defensora de los derechos humanos", y tras agradecer al festival la oportunidad de presentar en él su primera película realizada, In-I In Motion, ha reconocido que "al igual que Marisa, yo soñaba con ser actriz y lo conseguí, pero nunca pensé que podría hacer una película como directora, parecía un sueño demasiado grande".

Por ello, destacó que "necesitamos sueños, sueños fuertes y sinceros, sueños de transformación", tras lo cual se ha unido "a quienes sueñan con poner fin a las masacres en Palestina, sueñan con terminar con el dolor y la crueldad", al tiempo que también expresó su deseo de que se libere a los israelíes secuestrados.

"Ahora necesitamos un cambio. Ahora somos capaces de cambiar. No somos simples criaturas, somos creadores, así que despertemos", dijo.

Por su parte, la productora de El Deseo, Esther García, recibió el Premio Donostia de las manos de los hermanos Pedro y Agustín Almodóvar, con los que trabaja en la productora El Deseo.

"Es una noche muy especial, porque además de que tenemos a Marisa Paredes como la diosa que ilumina nuestros corazones vamos a premiar a Esther. La nuestra es una compañía familiar y de esa familia, indudablemente, la madre es Esther", dijo el director manchego, que terminó sus discurso con un "viva el Festival de San Sebastián, viva Esther García y viva Palestina libre".

La productora hizo un emotivo discurso en el que ha reconocido que desde que le anunciaron el premio vive "entre la risa y el llanto, entre la alegría y la responsabilidad, como si estuviera dentro de una fábula".

Tuvo un recuerdo para su padres, cuya "enorme austeridad creatividad y alegría" fue suficiente para ofrecer "con muy pocos medios" un "un mundo pleno a sus cinco hijos".

"Es el gran referente en mi vida", dijo, junto a mujeres del cine como Pilar Miró, Josefina Molina, Patricia Ferreira y Cristina Güite. "Éramos muy pocas, pero peleamos y hemos seguido buscando espacio. En esta amada profesión queda mucho por hacer. Ni un paso atrás, compañeras", recalcó entre aplausos.

El director Walter Salles también recibió el Gran Premio Fipresci 2025 al mejor filme del año por su película Aún estoy aquí (I'm Still Here), un reconocimiento que consideró "particularmente conmovedor" ya que lo recibe "en el país de Buñuel y de la inolvidable Marisa Paredes".

La gala fue presentada por tres actrices mayores de 50 años, como ellas mismas han recalcado en varias ocasión con humor y en un tono reivindicativo: Silvia Abril, Toni Acosta e Itziar Ituño.

La actriz estadounidense Jennifer Lawrence recibirá uno de los premios Donostia de la 73 edición del Festival de Cine de San Sebastián, que se celebrará del 19 a 27 de septiembre.

Este es el segundo Premio Donostia anunciado por el certamen donostiarra para su edición de 2025, tras el que se entregará a la productora Esther García, vinculada al cine de Pedro Almodóvar en la empresa El Deseo.

La intérprete estadounidense, ganadora de un premio Óscar en 2012 por El lado bueno de las cosas, se convierte así en el Premio Donostia más joven de la historia con 35 años y recibirá el galardón en una gala que se celebrará el 26 de septiembre en el Auditorio Kursaal. Tras recibir el premio, con el que el Festival reconoce toda su carrera, se proyectará su último trabajo Die My Love, en el que participa también como productora y que dirige Lynne Ramsay. La película tuvo su estreno mundial en el Festival de Cannes.

Jennifer Lawrence (Louisville, Kentucky, 1990), ganó el Óscar con tal solo 22 años, aunque para entonces había participado ya en una decena de películas desde su debut en el cine con Garden Party y ya había sido nominada por su papel en Winter Bone, de Debra Granik. Posteriormente fue candidata al premio de la Academia de Hollywood otras dos veces, con sendas películas de David O. Russel: La gran estafa americana (2013) y Joy (2015). Por estas películas, al igual que por El lado bueno de las cosas, fue galardonada con el Globo de Oro.

Durante dos décadas ha participado en cerca de 40 películas de diferentes géneros, entre las que destacan, además de las ya citadas, Lejos de la tierra quemada, de Guillermo Arriaga; El castor, de Jodie Foster; Serena, de Susanne Bier; Gorrión rojo, de Francis Lawrence; Mother!, dirigida por Darren Aronofsky; y la saga de Los juegos del hambre y X-Men.

En los últimos años se ha implicado como productora en películas que también ha protagonizado, como Causeway, de Lila Neugebauer, Sin malos rollos, de Gene Stupnitsky, y la película que proyectará el festival tras entregar a la actriz el Premio Donostia, Die My Love. Este último filme, que firma la escocesa Lynn Ramsay, es una adaptación de la novela Matate, amor, de la escritora argentina Ariana Harwicz, y cuenta con un reparto encabezado por Jennifer Lawrence en el que figura también Robert Pattison, Nick Nolte y Sissy Spacek.

El 73 Festival de San Sebastián rinde homenaje con su cartel oficial a la actriz Marisa Paredes, fallecida en diciembre del año pasado, y que siempre fue una "gran amiga del festival". La productora Esther García recibirá uno de los Premios Donostia en esta edición, vinculada también a Pedro Almodóvar.

El anuncio lo ha hecho el director del festival, José Luis Rebordinos, en el acto de presentación de los carteles de las diferentes secciones de la próxima edición, entre ellos el de Paredes, una mujer "de singular elegancia y presencia estética" y actriz del universo Almodóvar.

Matador fue su primer título con él en 1986, año en el que, precisamente, Esther García se incorporó a la productora que habían fundado un año antes Pedro y Agustín Almodóvar.

Este es el octavo año consecutivo en el que una gran figura de la cinematografía contemporánea es la imagen del cartel oficial. Desde 2018, lo han protagonizado Isabelle Huppert, Penélope Cruz, Willem Dafoe, Sigourney Weaver, Juliette Binoche, Javier Bardem y Cate Blanchett.

El póster de este año con la imagen de Marisa Paredes ha sido diseñado por el estudio donostiarra Wallijai a partir de una instantánea tomada por el fotógrafo Manuel Outumuro en Madrid en el año 2000.

Antes de descubrir el cartel, se ha proyectado un vídeo con imágenes de la actriz madrileña, que ha emocionado a Outumuro, quien ha dicho que Paredes "pertenecía a otro firmamento".

"La primera sesión que tuve con ella fue en 1997. Me dijo 'esto es lo que hay, a ver qué puedes hacer'. Y ahí es cuando el fotógrafo se crece. Eso solo lo consiguen unos pocos. La echaré de menos porque musas no se encuentran cada día y ella era una auténtica musa", ha afirmado.

Antes de descubrir los carteles de la próxima edición, que se celebrará del 19 al 27 de septiembre, el director del certamen donostiarra anunció que después habría sorpresa.

Ha sido la concesión del Premio Donostia, el reconocimiento honorífico del Festival, a Esther García, a una mujer que ha trabajado "siempre con la independencia, el riesgo y la excelencia como señas de identidad".

Vinculada al director Pedro Almodóvar desde hace casi cuatro décadas en la productora El Deseo, Esther García es una figura "clave" en la internacionalización del cine español y Latinoamericano, ha recalcado Rebordinos.

Esther García (Cedillo de la Torre, Segovia, 1956), según subraya el festival, ha trabajado en más de un centenar de producciones. Antes de sumarse al equipo de El Deseo había participado como secretaria, ayudante o jefa de producción en películas como Pim, pam, pum… ¡Fuego! (Pedro Olea, 1975), que compitió en la Sección Oficial de San Sebastián; Siete chicas peligrosas (Pedro Lazaga, 1979), y Sé infiel y no mires con quién (Fernando Trueba, 1985).

Con Trueba repitió en 1986 en El año de las luces. También trabajó en La vida alegre (Fernando Colomo, 1987) y El juego más divertido (Emilio Martínez Lázaro, 1988), entre otras.

Asimismo, colaboró en series como Curro Jiménez, que contó con directores como Mario Camus, Pilar Miró y los hermanos Romero Marchent, y Los pazos de Ulloa (Gonzalo Suárez), además de en gran parte de la obra de Mariano Ozores.

Rebordinos ha dicho que, al menos, habrá un Premio Donostia más. Ha asegurado que cada día es más complicado tener "certezas" con cierta antelación y que, hasta que ya no está todo bien cerrado, con billetes de avión en mano, prefieren no adelantar nada.

Una de las razones del interés de Mariana Enríquez por los cementerios —y por consiguiente del ensayo que escribió al respecto, Alguien camina sobre tu tumba— es la superpoblación de muertos. Enríquez es consciente de que, por pura lógica, actualmente y en casi cualquier actualidad hay muchas más personas muertas que vivas en el mundo. Existe una amplia probabilidad de que cualquiera de los pasos que demos sobre la tierra tendrá unos restos humanos debajo afrontando su descomposición. Es así. Es algo a lo que no solemos darle muchas vueltas, prefiriendo visitar esporádicamente camposantos de límites bien marcados, pero no quita que sea una verdad motriz para la ficción de terror de siempre. Incluido la que practica la propia escritora argentina.

En directa consecuencia, el terror de Enríquez habla de la memoria de las familias y los pueblos, y de cómo fruto de su interacción con los espacios estos pasan a emitir historia y política. Claro que no es la única autora con estas inquietudes, pero es una que ha citado Pedro Martín-Calero al hilo de su debut a la dirección, El llanto. Martín-Calero ha ganado, ex aequo con Laura Carreira por On falling, la última Concha de Plata a Mejor dirección en el Festival de San Sebastián. La irrupción del cine de terror en este palmarés, antes de Sitges, podría recordarnos al terremoto de La sustancia en el anterior Festival de Cannes. Solo que, ya que Martín-Calero lo ha puesto en bandeja, también podríamos pensar en cuando Enríquez ganó en 2019 el Premio Herralde con Nuestra parte de noche, pasando a ser un título imprescindible del prestigioso catálogo de Anagrama.

¿Hay algo de Mariana Enríquez en El llanto, por tanto? La historia se desarrolla a través de España y Argentina y apela a varias generaciones de mujeres, acechadas por un mal angustioso capaz de enloquecerlas. Así que a lo mejor sí. Sus vivencias además están marcadas por la soledad y la confusión sobre la época en que se enmarca —como le afea un profesor a Camila (Malena Villa) en torno a un corto que ha presentado en clase—, lo que en este caso le alejaría un poco de la escritora de Buenos Aires, tan atenta del folclore y la memoria histórica. Por otro lado el guion que Martín-Calero ha coescrito con Isabel Peña (guionista habitual de Rodrigo Sorogoyen) le da una gran importancia a un edificio fantasmal, capaz de aparecer simultáneamente en ambos continentes. 

Este edificio es una presencia relacionada de forma íntima con una maldición que se transmite por vía familiar y acecha a las tres mujeres protagonistas: la citada Camila, Andrea (Ester Expósito) y Marie (Mathilde Olivier). Pero aquí viene lo interesante. Este edificio llama la atención porque en sus inmediaciones se escucha a una mujer llorando… si tienes a mano algún medio de registro audiovisual. El llanto solo se escucha en grabaciones de audio o vídeo. El trauma fantasmal de Enríquez —vértebra inevitable de El llanto por cómo asume que el presente es una reverberación moderadamente imprevisible del pasado—, solo afecta a la trama si es por medios indirectos. Si hay una pantalla entre medias, revelando lo oculto en el vacío. Martín-Calero, ahí es nada, parece querer conciliar en un mismo film los imaginarios de Enríquez y Kiyoshi Kurosawa.

El cineasta japonés lleva décadas especializándose en un terror que procede de lo estrictamente visible, acotado por planos abiertos y diáfanos donde la inquietud surge a partir de ligeras disonancias. Fallos, glitches, que dentro de una obra magna como Pulse (2001) se trabajaban a medida de las nuevas e inabarcables dinámicas de Internet. En este contexto las pantallas pasaban a ser umbrales del caos y apisonadoras de certezas, que como principal consecuencia amplificaban la soledad e indefensión de los seres humanos. 

Y aquí nos reencontramos con El llanto. El personaje de Expósito aparece constantemente mirando la pantalla de su ordenador y empequeñecida por unos rótulos gigantescos que —en una de las muchas ideas brillantes del film— emulan la mensajería instantánea. Rara vez aparece devolviéndole la mirada a quienes le rodean, aunque la familia y las amistades sean relevantes en el argumento. Martín-Calero recoge entonces de Kurosawa un entendimiento ominoso de la soledad contemporánea según la afloración de pantallas, y las imágenes-misterio que esta pueda generar. Son recurrentes las videollamadas, las búsquedas por Internet y muy especialmente la grabación voyeur, que reencuadra los pasos de los personajes con nuevas texturas y presencias.

El mal que acecha a las protagonistas de El llanto solo puede ser identificado a través del registro audiovisual, pero eso solo le facilita causar estragos más virulentos e incontrolables. Tal es el planteamiento y podría haber conducido a un previsible festival de sustos dislocados, pero Martín-Calero tiene la suficiente convicción como para apoyarlo en un amplio abanico de recursos que generen un desasosiego constante. El guion coescrito por Peña descoloca con su estructura episódica y sus meandros narrativos —la parte de Argentina es bastante problemática en ese sentido—, mientras que la esquiva naturaleza de la amenaza depara imágenes enormemente sugerentes, capaces de revelar mucho más que cualquier diálogo explicativo.

Siendo una película cuya fuerza no deja de ir y venir —tiene la culpa su estructura mutante, pero también algún que otro asomo de abierto capricho—, El llanto puede presumir en cualquier caso de saber perfectamente la tradición de terror en la que quiere ubicarse. Y es una que se revuelve contra las categorizaciones fáciles pues tiene la encomiable ambición de describir una forma actual de ver el mundo: una sobrepasada por la cantidad de lugares a los que mirar, y por la consecuente dificultad de entender qué estamos dejando atrás. O qué tenemos bajo nuestros pies.

Es una mirada no enteramente deprimida, por otro lado. Martín-Calero, en este debut tan estimulante, también ha replicado instintivamente una cierta tendencia del cine actual a la hora de aproximarse a los misterios de la pantalla, que halla afinidad con Jane Schoenbrun —El brillo de la televisión, película clave de este 2024, también se proyectó en la pasada edición de San Sebastián— y matiza la pose apocalíptica. Porque esta subjetividad, sin dejar de ser complejísima, al final no deja de anhelar que alguien espere al otro lado de la pantalla, y es justo lo que buscan estas tres mujeres. Alguien que escuche el llanto, y seguidamente trate de sofocarlo con un abrazo.

'Tardes de soledad', el documental taurino de Albert Serra, ha sido el triunfador de la 72 edición del Festival de Cine de San Sebastián, donde se ha alzado con la Concha de Oro a la mejor película. 

Este es el palmarés completo: 

Concha de Oro a la Mejor Película: 'Tardes de soledad' de Albert Serra.

Premio Especial del Jurado: El elenco de 'The last showgirl', dirigida por Gia Coppola, encabezado por Pamela Anderson.

Concha de Plata a la Mejor Dirección: Exaquo Laura Carreira por 'On Falling' y Pedro Martín-Calero por 'El llanto'.

Concha de Plata a la Mejor Interpretación protagonista: Patricia López Arnaiz por 'Los destellos'.

Concha de Plata a la Mejor Interpretación de reparto: Pierre Lottin por 'Quand vient l’automne' de François Ozon.

Premio a la Mejor Fotografía: Songri Piao por 'Bound in heaven'. 

Premio al Mejor Guion: François Ozon y Philippe Piazzo por 'Quand vient l’automne'.

Premio Nuevos Directores: 'Bagger drama' de Piet Baumgartner; mención especial: 'La guitarra flamenca de Yerai Cortés' de Antón Álvarez (C. Tangana).

Premio Zabaltegi Tabakalera: 'April' de Dea Kulumbegashvili; mención especial 'Monólogo colectivo' de Jessica Sarah Rinland.

Premio Culinary Zinema: 'Mugaritz. Sin pan ni postre' de Paco Plaza..

Premio del Público Película Europea: 'The seed of the sacred fig' de Mohammad Rasoulof.

Premio del Público a la Mejor Película: 'En fanfare' de Emmanuel Courcol.

Premio Horizontes Latinos: 'El jockey' de Luis Ortega.

Premio DAMA de la Juventud: 'Turn me on' de Michael Tyburski.

Premio Nest The Mediapro Studio: 'El reinado de Antoine' de José Luis Jiménez Gómez (Dominikar Errepublika / República Dominicana / Dominican Republic).

Premio "Otra mirada" de RTVE: 'All we imagine as light' de Payal Kapadia. Mención especial: 'On Falling' de Laura Carreira.

Premio Irízar del Cine Vasco: 'Chaplin, espíritu gitano' de Carmen Chaplin. Mención especial: 'Erreplika' de Pello Gutiérrez.

Premio Cooperación Española: 'Sujo' de Astrid Rondero y Fernanda Valadez. 

Premio Agenda 2030 Euskadi Basque Country: 'Soy Nevenka' de Icíar Bollaín.

Premio Eusko Label: Primer premio para 'Las guardianas' de Borja de Agüero y segundo para 'KM 0' de Jon Martija Leunda.

Premio Loterías: Primer premio para 'Antón' de Mikel González Beorlegui; segundo para 'Cafunè' de Carlos Fernández de Vigo.

Premio Dunia Ayaso: 'Los pequeños amores' de Celia Rico.

Premio WIP Latam: 'Un cabo suelto', de Daniel Hendler.

Premio EGEDA WIP Latam: 'Cuerpo Celeste', de Nayra Ilic.

Premio WIP Europa: 'Blaue flecken' de Sarah Miro Fischer.  

Premio Feroz Zinemaldia: 'Tardes de soledad' de Albert Serra.

Premio Fipresci: 'Bound in heaven' de Xin Huo.

Premio Sebastiane: 'Reas' de Lola Arias.

Premio Lurra Greenpeace: 'The wild robot' de Chris Sanders.

"Abusando de este premio y de este micrófono, os aconsejo: Hagamos lo posible para que las grandes tragedias, el dolor, la mentira, la falta de empatía, la injusticia social, el odio y todo lo negativo imaginable pertenezcan a la ficción". Con estas emotivas palabras, Pedro Almodóvar recibía esta misma tarde, en el marco del Festival de San Sebastián, el prestigioso premio Donostia. Un galardón que marca un hito histórico más para el cine español en un mes cargado de alegrías para el cineasta manchego.

44 años de carrera, 23 largometrajes y una infinidad de reconocimientos internacionales más tarde, entre ellos dos Óscar y cinco Goyas, Almodóvar continúa elevando a la esfera internacional el cine español. Y esta vez desde casa, tan solo un día después de cumplir 75 años y a escasas semanas de haberse coronado en Venecia con el ansiado León de Oro.

Gregory Peck, Lauren Bacall, Al Pacino, Woody Allen, Penélope Cruz o Javier Bardem. El nombre de Almodóvar se suma al palmarés de figuras destacas del panorama cinematográfico internacional celebradas con este galardón. Todo ello en una gala posterior a la proyección de su nueva película, La habitación de al lado, y que no se ha querido perder ni el mismísimo presidente del Gobierno, Pedro Sánchez, acompañado por su esposa, Begoña Gómez. Un gesto que el cineasta ha valorado como una muestra indiscutible de "apoyo a la cultura".

Ha sido precisamente Tilda Swinton, una de las protagonistas de su mencionado largometraje —el primero en el que se ha atrevido con el inglés—, la encargada de entregarle el galardón ante la mirada de un abarrotado patio de butacas, que no ha hecho sino aumentar la emoción que el cineasta revelaba estar experimentando ya esta mañana, en unas declaraciones ante los medios de comunicación: "Estoy viviendo un tumulto de emociones. Entre las proyecciones de mi película, el premio y el cumpleaños estoy al borde de las lágrimas".

"Has plantado en cada uno de nosotros un jardín de tesoros. Tu obra es necesaria para el mundo", le dirigía Swinton, previo a la proyección de un montaje con una pequeña selección de las mejores escenas de su filmografía. "Es difícil mantenerse intacto en un momento como este, pero lo voy a intentar desesperadamente”, confesaba el cineasta ya el escenario del Kursaal y con el galardón en sus manos. "Llevo, desde que llegué a esta ciudad, disfrutando de tantas emociones... Gracias por tanto cariño”, se dirigía al público.

“El cine me ha salvado de muchos peligros y me lo ha dado todo. Ha sido una maldición y una bendición. Mi vida no tiene sentido sin él", continuaba visiblemente conmovido. "Mi carrera no ha tenido que ver con mi talento o no, sino con mi vocación de hacer cine. Es una pulsión más grande que yo mismo. Cuando todo me falle, seguiré haciendo películas, malas supongo, pero incluso a eso estoy dispuesto porque la alternativa es el vacío", aseguraba.

Tras una breve pausa para recomponerse, el director ha querido dedicar el premio a las dos protagonistas de La habitación de al lado, Julianne Moore y la propia Swinton: “Les pertenece". En un discurso en el que no se ha olvidado de compañeras como Penélope Cruz, Marisa Paredes, Cecilia Roth o Rossy de Palma: "He tenido la suerte de trabajar con actrices de enorme talento y les estoy inmensamente agradecido". Tampoco de Carmen Maura, con quien estuvo 20 años sin hablarse a pesar de haber formado uno de los mejores tándems cinematográficos de la historia del cine español, y a quien hoy ha querido dedicar unas emotivas palabras: "Ella fue realmente la que me descubrió". Emoción que también ha transmitido al hablar de su hermano Agustín, que tuvo la idea inicial de fundar su productora, El Deseo, "para poder ser dueños, y no solo en lo económico, de nuestras películas”.

Para cerrar su discurso, el cineasta ha querido, una vez más, alertar de los peligros del ascenso del discurso ultra, del odio y la injusticia promovidos por la derecha política y mediática: "Lo peor que le puede ocurrir a una sociedad es que la ultraderecha se encuentre con el liberalismo más salvaje". Y es que, como ya reconocía en la presentación de esta mañana, todas sus películas "son políticas sin serlo" y contienen un mensaje implícito de libertad. Estas declaraciones se suman al alegato en favor de la eutanasia y en contra de la criminalización de la inmigración y del negacionismo climático con el que presentaba su filme a principios de mes en el festival de cine italiano. "Mi película es la respuesta a los discursos del odio que estamos oyendo cada día, al menos en España y yo creo en todo el mundo", defendía entonces.

"No creo haber cambiado la sociedad en la que vivimos pero cuando me encuentro con alguien al que una película mía le ha dado un nuevo impulso a su vida creo que este oficio es el mejor del mundo", seguía explicando. "Hagamos que la vida real transcurra de un modo justo y en paz. Sé que estoy pidiendo demasiado, pero siempre he sido así", concluía antes de bajarse del escenario entre la ovación de un auditorio en pie.

"Cuando todo me falle, seguiré haciendo películas, malas supongo, pero incluso a eso estoy dispuesto porque la alternativa es el vacío", así ha agradecido en su discurso Pedro Almodóvar el Premio Donostia en el festival de San Sebastián en reconocimiento a su trayectoria. Lo ha hecho en una gala en la que ha estado presente el presidente del Gobierno, Pedro Sánchez acompañado por su esposa, Begoña Gómez. Precisamente a él ha comenzado el cineasta dándole las gracias: "Muchas gracias presidente, por estar aquí apoyando a la cultura", para continuar reconociendo su emoción por el momento: "Son tantas emociones que casi es imposible disfrutarlas sin romperte".

Almodóvar ha recibido el premio de manos de Tilda Swinton, la protagonista de su última película La habitación de al lado —la primera que rueda en inglés— que se ha presentado hoy mismo en el festival. Y ha lanzado este mensaje: "Hagamos lo posible para que las grandes tragedias, el dolor cotidiano, la mentira, la falta de empatía, la injusticia social, el odio, pertenezca a la ficción".

En la presentación de la cinta esta mañana ha dicho que todas sus cintas "son políticas sin serlo" y contienen un mensaje implícito de "libertad", según informa EFE. Así mismo ha bromeado con el hecho de que a Pedro Sánchez en Europa y Estados Unidos le llamen "míster Handsome". "Hay muchas cosas que pedirle a un hombre de esas características, a nivel político y físico", "tengo que decidir si me convierto en mitad petarda o en un cineasta que recibe un premio", ha dicho.

Ha reprochado que, en cambio, el alcalde de Madrid, José Luis Martínez-Almeida, no haya visitado la exposición 'Madrid, chica Almodóvar', que acoge el centro municipal Condeduque de la capital desde el pasado mes de junio, una muestra que fue iniciativa de la exalcaldesa Manuela Carmena (2015-2019).

"En relación con el negacionismo climático que aborda colateralmente en 'La habitación de al lado', ha señalado que "lo peor que le puede ocurrir a una sociedad es que la ultraderecha se encuentre con el liberalismo más salvaje" y ha asegurado no entender ese negacionismo ni la criminalización de la inmigración.

Almodóvar, que llegó ayer a la ciudad coincidiendo con la celebración de su 75 cumpleaños, ha comparecido ante la prensa acompañado por Tilda Swinton, que le entregará el Donostia en la gala y los actores españoles del reparto Juan Diego Botto, Victoria Luengo, Raúl Arévalo y Melina Matthews.

Ha aprovechado la rueda de prensa para reflexionar sobre sus 44 años carrera, con 23 largometrajes a sus espaldas e infinidad de premios, entre ellos dos Óscar, cinco Goyas, siete premios del cine europeo y el flamante León de Oro que se llevó el pasado 7 de septiembre del Festival de Venecia por 'La habitación de al lado'.

"Yo nunca pensé en mi talento, pensé que tengo una vocación mucho más fuerte que yo mismo y si no conseguía hacer cine iba a ser la persona más desgraciada del universo", ha recordado sobre sus inicios, cuando llegó a este certamen por primera vez con 'Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón'.

Ha dicho sentirse afortunado por sentir que todas y cada una de sus 23 películas le pertenecen y ha agradecido esta independencia a su hermano Agustín, que en 1985 tuvo la idea de crear la productora El Deseo.

"Es un privilegio que no todos los directores pueden tener en una industria que funciona con muchos encargos y muchas plataformas", señaló, aunque también ha agradecido a esas mismas plataformas que le hayan acercado a un público joven.

"El paso del tiempo a veces es muy cruel con el cine", ha afirmado, "a mi el tiempo me ha enriquecido, ha enriquecido las historias que contaba". Preguntado por la clave para haberlo logrado, se ha referido a "la espontaneidad".

"La espontaneidad es lo mas difícil en un mundo que promueve la corrección política, cuando hice 'Entre tinieblas' sabía que una película de monjas no era lo que España estaba esperando", ha bromeado, "pero creo que esa naturalidad siempre ha funcionado" y que "tratar de ser uno mismo es lo mejor que se puede hacer".

Sobre la generación "tiktoker' ha dicho no conocerles aunque se mostró interesado en hacer una película sobre ellos. "No conozco a los tiktokers, ni a los influencers, me gustaría hacer una película sobre esas generación pero tendría que empezar a investigar".

Si algo le ha guiado a lo largo de estos años ha sido el propósito de huir del aburrimiento. "La naturaleza de una película es la aventura y la incertidumbre", ha asegurado, "es como adentrarte en un safari y yo estoy dispuesto a dejarme la vida en la aventura".

También ha reflexionado sobre cómo ha evolucionado su cine, con menos escenas eróticas que ahora no encuentra imprescindibles y pasando del barroquismo a la contención, un camino que empezó con 'Julieta' (2016) y en el que sigue en la actualidad.

"No está en mi naturaleza la contención, pero me la impuse", ha señalado el director que se definió como "barroco y extremo".

Inspirada en la novela de Sigrid Nunez '¿Cuál es tu tormento?', su última película narra los últimos días de una exreportera de guerra (Swinton) enferma de cáncer terminal que decide poner fin a su vida y pide a una antigua amiga (Julianne Moore) que la acompañe en ese trance en una aislada y lujosa casa en la montaña. 

Uno de los intentos previos por comprender lo ocurrido entre Aurora y Hildegart Rodríguez, antes de que Paula Ortiz dirigiera La virgen roja, fue un documental gallego que Marcos Nine realizó en 2021. A virxe roxa. Dicho documental se levantaba sobre una idea estupenda: frente a la escasez de material gráfico real que pudiera retrotraernos a fines del siglo XIX y principios del siglo XX —en torno a la Segunda República Española—, Nine recurrió a multitud de imágenes de películas mudas para ilustrar el relato. Así no solo garantizaba la atención del público, sino que también enfatizaba emocionalmente los hechos y los envolvía con todo tipo de implicaciones conceptuales. En A virxe roxa, por ejemplo, Hildegart era vinculada a María, el cyborg de Metrópolis que había sido diseñado como catalizador de las tensiones de clase en la sociedad futurista de Fritz Lang.

El variado material audiovisual que soportaba la narración lograba, entonces, ampliar su alcance. La historia de Hildegart se confundía entre muchas otras historias que habían guiado la imaginación colectiva del siglo XX para devenir una fábula de resonancias míticas, que a la postre explicaba por qué antes del documental de Nine ya había guiado tantas otras creatividades. Fernando Arrabal. Almudena Grandes con su novela La madre de Frankenstein, el último de los Episodios de una guerra interminable que pudo terminar antes de morir. También Fernando Fernán Gómez escribiendo con Rafael Azcona Mi hija Hildegart en 1977, recién muerto Franco y entendiendo lo ocurrido como el espectro de la revolución que no pudo ser, carcomida por fuerzas equivalentes a las que habían condenado a España a la dictadura. Todo eso está en Aurora y Hildegart.

Como antesala de la Guerra Civil, de la Segunda Guerra Mundial y, en fin, de cada gran acontecimiento trágico del siglo pasado —ese siglo que desactivó uno a uno los sueños de la Modernidad—, la entente de Hildegart y Aurora conjura un flujo de significados incontrolables, tan capaces de aclarar por qué en esta época se torció todo, como de entorpecer aún más su comprensión. Todo lo cual haría de Paula Ortiz una cineasta ciertamente inapropiada para seguir los pasos de Fernán Gómez y volver a llevar la historia al cine. La puesta en escena de esta directora zaragozana se ha caracterizado por algo así como la arbitrariedad impresionista: su intuición para que la palabra conduzca a la imagen puede impactar, sí, pero difícilmente concilia una organicidad.

Si bien La novia no hacía un mal trabajo al poner este aparataje al servicio del arrebato poético de García Lorca, otras películas como De tu ventana a la mía o la reciente Teresa son amasijos de ruido, donde tanto la literatura como el poso histórico que indudablemente le interesan a Ortiz son eclipsados por una retórica publicitaria, de rigor más bien escaso. La virgen roja podría haber sido un desastre. Podría no solo no haber hecho justicia a los hechos reales, sino además caer en el ridículo de cultivar dinámicas presentistas —de gritarle yass queen a Hildegart, vaya— para acomodar el anclaje en el debate frívolo y en el catálogo de Amazon Prime, la empresa que ha pagado el proyecto. Pero La virgen roja no es un desastre. De hecho es una grandísima película.

Puestos a dilucidar los motivos —y más allá de la potencia categórica de los hechos narrados—, habría que detenerse en una cineasta más pensativa, que prefiere subordinarse al texto antes que utilizarlo de trampolín. Esta actitud da pie a unos primeros compases algo torpes, donde todo se lo come la voz narradora de Najwa Nimri como Aurora —similarmente a lo que ocurría en el film de Fernán Gómez—, para poco a poco ir creciendo. Ortiz va haciendo más y más opresivo el piso de Madrid donde Hildegart (Alba Planas) vive con su madre y la sirvienta (Aixa Villagrán), en contraste a unas composiciones más amplias y ambiciosas dentro de los lugares por los que Hildegart transita en calidad de pensadora política y nueva voz generacional.

Ahí, con montajes intuitivos —una secuencia fragmentada, tremendamente satisfactoria, alterna el despertar sexual de Hildegart con una victoria del Partido Socialista— y sabiduría a la hora de administrar ritmos, Ortiz demuestra una y otra vez que ha interiorizado la historia, sin necesitar más de una o dos metáforas visuales recurrentes —la estatua resquebrajándose— para que esta se permita calar más allá del guion. Aunque sea ciñéndonos a él, en realidad, donde seguramente nos topemos con la razón troncal de por qué La virgen roja funciona como funciona. El guion está coescrito por Clara Roquet y Eduard Sola. No siempre está declamado con brillantez —las interpretaciones no están afinadas todo lo que debieran, especialmente en el caso de Planas—, pero la escritura es milimétrica y se beneficia de la curiosa dualidad en los perfiles de sus guionistas.

De Roquet poco hay que decir. Entre Libertad, Creatura o Que nadie duerma sobran los motivos para declararla la mejor guionista española en activo, y la interesante descripción de las relaciones domésticas en La virgen roja —el triángulo Nimri-Planas-Villagrán— seguramente lleve su firma. En la figura de Sola, por otra parte, hallamos una profesionalidad mercenaria que a la larga fortalece la extraña filiación genérica del film de Ortiz, entre el true crime y la parábola política. Así como antes de trabajar El cuerpo en llamas para Netflix había escrito Black is Beltza, así La virgen roja concilia los dilemas internos de Hildegart con una narración llena de giros y sobresaltos, acaparando chispazos de intensidad dramática hasta estallar en el clímax.

En este sentido La virgen roja tiene de su lado la capacidad de comunicar y, sobre todo, el beneficio de haber sabido qué quería comunicar. La historia de Aurora —la madre que concibió a su hija como un proyecto eugenésico, como “la mujer del futuro” que lideraría la justicia social— y Hildegart —la hija comprometida con dicho proyecto, pero también con retener la humanidad durante su ejecución— podría haber sido abordada de muchas formas. Ortiz y sus guionistas resolvieron centrarse en la tensión entre el ímpetu revolucionario y la duda de cuánto podríamos sacrificar por él, topándose en el camino —al igual que tantos artistas antes— con la clave de bóveda del siglo XX, y con contradicciones que todavía nos acechan hoy día.

“Eso también es ideología”, comenta en un momento de la película Hildegart, refiriéndose al amor romántico para plantar distancia frente a su pretendiente sin que, no obstante, pueda evitar sucumbir a él en los minutos sucesivos. Una línea de guion de La virgen roja que, como otras muchas de Roquet y Sola, repara en la ambivalente relación de la política militante con los afectos, las vulnerabilidades e incluso la cultura popular. Conseguir una sociedad mejor siempre ha sido complejo. De La virgen roja hay que celebrar, por tanto, que haya sabido retratar a la perfección una pequeña parte de esta complejidad. 

Un grupo de militantes del partido animalista PACMA se ha manifestado este lunes a las puertas del Kursaal en el estreno de Tardes de soledad, el documental sobre la tauromaquia de Albert Serra, al considerar que "glorifica el maltrato". Los manifestantes llevaban pancartas con lemas como "los animales sienten" o "el cine es cultura y la tauromaquia tortura".

"Nuestra objeción no es contra el arte ni se trata de censura, sino de sentido común y humanidad, lo que cuestionamos es la normalización de la violencia y el sufrimiento deliberado de los animales bajo el disfraz de libertad artística", denunció en declaraciones a los medios el portavoz de PACMA en Guipúzcoa, Asier Esparza.

Esparza ha cuestionado la imparcialidad del director catalán que en una entrevista dijo que "el mundo es mejor con corridas que sin ellas", y ha puesto el acento en la responsabilidad "ética y moral" del Zinemaldia al acoger su estreno mundial. "Al incluir este documental en su sección oficial, el festival no solo legitima la violencia explícita sino que exporta al mundo un mensaje de normalización del maltrato animal", consideró.

PACMA solicitó la semana pasada a los organizadores del Festival de San Sebastián que retiraran de la programación esta película, que sigue el día a día del torero peruano Andrés Roca Rey desde que se viste para una corrida, su faena en la plaza y el acompañamiento por parte de su cuadrilla.

El director del festival, José Luis Rebordinos, que ya les había respondido por carta, se acercó esta tarde para hablar con los manifestantes antes de entrar a la proyección. "Como dijo Cate Blanchett (el pasado sábado al recibir su Premio Donostia) el derecho a la protesta es importante, entiendo que utilicen el altavoz del festival y lo respeto, lo que nunca he respetado es que pidan que una película se censure", dijo Rebordinos en declaraciones a los periodistas. "Son correctos y educados, se puede hablar con ellos y les he emplazado a que vean la película y podamos discutir después", ha agregado.

Pedro Almodóvar cumplirá 75 años el próximo martes en un momento dulce de su trayectoria en el que le llueven reconocimientos que hasta ahora se le resistían, como el histórico León de Oro de Venecia y a punto de recibir el honorífico Premio Donostia de San Sebastián.

La fecha de su nacimiento tiene anécdota porque, aunque nació el 24 de septiembre de 1949 en Calzada de Calatrava (Ciudad Real), él mismo ha contado que no fue inscrito hasta el 25, por lo que tiene dos fechas para celebrar.

En todo caso, será un día después, el 26, cuando reciba el Premio Donostia en el 72 Festival de cine de San Sebastián de manos de Tilda Swinton, protagonista de 'La habitación de al lado', su primer largometraje en inglés, que le hizo ganar el León de Oro de Venecia el pasado 7 de septiembre.

Una película que habla de amistad y de muerte digna y que Almodóvar presentó como una invitación a rechazar "los discursos del odio". Está inspirada en la novela de Sigrid Nunez '¿Cuál es tu tormento?' y llegará a los cines españoles el 18 de octubre.

En 44 años de trayectoria, el cineasta manchego no había logrado ganar hasta ahora el premio a la mejor película en ninguno de los grandes certámenes internacionales, aunque sí tenía el de mejor director de Cannes por Todo sobre mi madre y el de mejor guion por Volver.

Por eso el de Venecia tiene un valor especial, también por ser el primer León de Oro para una producción española. No obstante, al recibirlo aseguró que le habría venido mejor ganarlo en sus inicios, la época en que visitó por primera vez el certamen con Entre tinieblas (1983).

Almodóvar es el cineasta español con más proyección internacional desde Buñuel. Junto con el catalán Pere Portabella, son los tres únicos a quienes el MOMA ha dedicado una retrospectiva.

La de Almodóvar tuvo lugar en 2016, cuando fue reconocido como "una de las voces más distintivas del cine" y "un provocador contracultural" cuyo trabajo ha contribuido "a la creación de un nuevo orden cultural y social español".

Si películas como ¿Qué he hecho yo para merecer esto?, La ley del deseo y Matador fueron una prueba temprana de su talento y su capacidad para innovar, Mujeres al borde de un ataque de nervios o Átame fueron cruciales para su apreciación al otro lado del Atlántico.

Pero la consagración internacional llegó con sus Oscar por Todo sobre mi madre -mejor película extranjera- y Hable con ella -mejor guion-. También tiene el Premio Nacional de Cinematografía, la Legión de Honor francesa, el Príncipe de Asturias de las Artes y el León de Oro honorífico de la Mostra de Venecia.

Con el festival de San Sebastián la relación viene de lejos: Su primera visita, como debutante, fue con Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón (1980) y dos años después compitió en sección oficial con Laberinto de pasiones.

Pedro Almodóvar ha entregado el Premio Donostia del Festival de San Sebastián a Al Pacino, Woody Allen y Antonio Banderas. Este año él será el galardonado. 

El director, guionista y productor Pedro Almodóvar recibirá el jueves 26 de septiembre un Premio Donostia de la 72ª edición del Festival de San Sebastián, el segundo de este año, tras el anunciado a la actriz Cate Blanchet.

La entrega del galardón honorífico, que reconoce la aportación extraordinaria del homenajeado al mundo del cine, tendrá lugar en el Auditorio Kursaal previa a la proyección de su última película, La habitación de al lado, su primer largometraje en inglés, protagonizado por Tilda Swinton y Julianne Moore, que competirá por el León de Oro en el próximo Festival de Venecia. Precisamente, será Swinton quien le entregue el premio sobre el escenario.

La trayectoria de Pedro Almodóvar, que incluye más de una decena de cortos, algunos de gran proyección internacional como La voz humana (2020), estrenado en el Festival de Venecia, o Extraña forma de vida (2023), presentado en Cannes, y casi una treintena de largometrajes, está avalada por más de 170 premios y más de 200 nominaciones.

Entre los reconocimientos figuran dos Oscar, dos Globos de Oro, siete premios de la Academia de Cine Europeo, cinco Bafta, cuatro Cesar, cinco Goyas y dos David de Donatello. Ha sido galardonado en los festivales de Cannes, Berlín, Venecia y San Sebastián, y homenajeado en el MOMA.

También ha recibido reconocimientos como el Premio Jean Renoir, ha sido escogido para la David Lean Lecture y nombrado doctor honoris causa en Harvard y Oxford, y ha sido merecedor de la Medalla de Oro de las Bellas Artes de Estados Unidos, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes de España, el Premio Príncipe de Asturias de las Artes o la Orden de Caballero de la Legión de Honor Francesa.

Desde el Festival donostiarra han destacado que, además de "su talento artístico y su reconocible estilo visual -su personalidad se evidencia desde la dirección de arte hasta la banda sonora-", el cine de Pedro Almodóvar sobresale por "la escritura de los personajes femeninos, la dirección actoral, la audacia en la aproximación a temas como el universo LGTBIQ+, la religión, el sexo, las adicciones o la memoria histórica, y su compromiso político, que le ha llevado a posicionarse públicamente contra conflictos bélicos o los discursos de la extrema derecha".

Pedro Almodóvar visitó por primera vez el Festival de San Sebastián en 1980 con su primer largometraje, Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón, que compitió en la sección Nuevos Realizadores. También fue proyectada en Barrios y Pueblos y, 24 años después, en 2004, fue recuperada en la retrospectiva Incorrect@s. Con su siguiente película, Laberinto de pasiones (1982), compitió en la Sección Oficial.

En 1995, el director manchego regresa a la Sección Oficial con La flor de mi secreto, que fue proyectada fuera de concurso. Ese mismo año la retrospectiva El bazar de las sorpresas recuperó su cortometraje Trailer para los amantes de lo prohibido (1985).

A partir de entonces, buena parte de sus películas han formado parte de la programación del Festival, tras su paso por festivales como Cannes y Venecia, en la sección de Made in Spain: Carne trémula (1998); Todo sobre mi madre (1999), que recibió el Gran Premio Fipresci en San Sebastián; Hable con ella (2002); La mala educación (2004), que inauguró Cannes; Volver (2006), que también recibió en San Sebastián el Gran Premio Fipresci; Los abrazos rotos (2009), Los amantes pasajeros (2013), Julieta (2016) o Dolor y gloria (2019).

Su presencia en San Sebastián ha estado ligada también a la productora El Deseo, que fundó en 1986 junto a su hermano Agustín y que, además de producir su filmografía, ha apoyado películas que han sido seleccionadas en la sección Horizontes Latinos como El último verano de la Boyita (2009) o en la sección Perlak de San Sebastián: Relatos salvajes (Premio del Público a la mejor película europea, 2014), El clan (2015) o El ángel (2018), cuya presentación coincide con la última visita de Almodóvar al Festival. Este año también figura como productor de Ramón y Ramón, de Salvador del Solar, que se proyectará en Horizontes Latinos.

Además de presentar películas, Almodóvar ha apoyado con su presencia al Festival de San Sebastián, asistiendo a la celebración del 50º aniversario del certamen (2002) o entregando el Premio Donostia a Al Pacino (1996), Woody Allen (2004) y Antonio Banderas (2008). En 2024 será él quien lo reciba de manos de la actriz Tilda Swinton, protagonista del corto La voz humana (2020) y de su última película, La habitación de al lado.

"Mi carrera empezó en San Sebastián el año 1980 y desde entonces con o sin película he vuelto al festival muchas veces. Y siempre lo he disfrutado muchísimo. Le he entregado el premio Donostia a Al Pacino, Woody Allen y Antonio Banderas. En este año me lo entregan a mí, lo cual me llena de alegría y agradecimiento. De verdad, es un honor", ha manifestado Almodóvar.

Además, ha señalado que San Sebastián "es una de las ciudades donde se celebra el cine con mayor entusiasmo". "Más que nunca, en estos momentos, necesitamos de la complicidad de los espectadores, y de su presencia en las salas. Es un sueño asistir a un festival como este, donde las salas de cine están siempre llenas", ha subrayado.

Cate Blanchett recibirá un Premio Donostia en la 72ª edición del Festival de San Sebastián y protagonizará el cartel oficial de este año. La imagen del póster es obra del diseñador gráfico José Luis Lanzagorta, que ha partido de una fotografía de Gustavo Papaleo. El director del Festival de San Sebastián, José Luis Rebordinos, y la responsable de Comunicación, Ruth Pérez de Anucita, han dado a conocer este jueves el primer Premio Donostia de este año en la presentación de los carteles de las diferentes secciones, según informa Europa Press.

Blanchett acumula más de 200 reconocimientos y galardones, incluidos dos Oscar -y otras seis nominaciones-, dos Copas Volpi del Festival de Venecia, cuatro premios Bafta y cuatro Globos de Oro, el César y el Goya honoríficos en una trayectoria de más de tres décadas que combina el cine de autor con películas dirigidas al gran público.

Esta será su primera visita a San Sebastián, aunque alguna de sus películas han sido proyectadas en el Festival como Babel (Alejandro G. Iñarritu, Perlak, 2007) o Veronica Guerin (Joel Schumacher, Sección Oficial, 2003), que compitió por la Concha de Oro.

La intérprete y productora australiana ha trabajado con cineastas como Martin Scorsese, Terrence Malick, Steven Soderbergh, Steven Spielberg, David Fincher, Ridley Scott, Sally Potter, Wes Anderson, Alfonso Cuarón, Alejandro G. Iñárritu, Woody Allen, Gillian Armstrong, Taika Waititi, Peter Jackson, Todd Haynes, Richard Linklater, Jim Jarmusch, Guillermo del Toro, Adam McKay o Todd Field. Será la segunda intérprete australiana en recibir el premio honorífico más importante del Festival tras Hugh Jackman (2013).

Además, Javier Bardem "en principio" recogerá este año el Premio Donostia, en el marco de la gala de inauguración del Festival, que no pudo recoger en la pasada edición del Zinemaldia debido a la huelga de guionistas y actores en Hollywood.

En declaraciones a los periodistas, Rebordinos ha explicado que el de Cate Blanchett era un premio que tenían confirmado ya el año pasado, pero la actriz "no pudo venir por los temas de la huelga de Hollywood". Ahora el festival trabaja en que la actriz pueda presentar también película en el marco del certamen. "Ella ha cumplido su palabra, dijo que haría lo imposible por estar este año y hace muy poquitos días, porque siempre este tipo de actrices y de productoras tienen un calendario muy complicado, tras meses hablando con ella, nos confirmó que podíamos anunciarlo y que garantizaba que estaría", ha afirmado.

El director del Festival ha asegurado que Blanchet les ha transmitido que está "muy contenta", también por ser la imagen de esta 72 edición. "Cuando le propusimos lo del cartel, nos dijo que sí inmediatamente, yo creo que al día siguiente teníamos la respuesta", ha comentado, al tiempo que ha señalado que "cuando tú le planteas a una actriz los anteriores carteles y ve quiénes están, eso ayuda".

Además, ha apuntado que Blanchet "ha oído hablar mucho y bien del festival, tiene gente cercana que le ha hablado mucho de San Sebastián". "Eso nos pasa a veces con alguna gente a la que entrevistamos para que venga o porque queremos su película, que, normalmente, el boca a boca de San Sebastián es bueno", ha aseverado. "Obviamente, nos gusta decir que somos el más pequeño de los grandes, pero es verdad que San Sebastián tiene un aura de festival amable, especial, de festival que le gusta el cine, que muchas veces su programación es más cinéfila que otros festivales grandes", ha resaltado.

Preguntado por si habrá algún Premio Donostia más este año, Rebordinos ha asegurado que en este momento están "negociando otro" y ha destacado que a él le gusta que "sean dos", aunque "pueden ser hasta tres".

El que sí lo recibirá es Javier Bardem, que ha confirmado al Festival que acudirá a la gala de inauguración, en el que se le hará entrega del Premio Donostia de 2023. "Iba hablar con su agente, que esa fecha estuviera libre, y salvo que fuera algo imposible por contrato, estaría en San Sebastián, hablé con él hace poquito, y me dijo que sí, que sí, que venía, que quería estar", ha apuntado.

Por otro lado, respecto a Emmanuelle, el largometraje de Audrey Diwan que inaugurará a concurso el festival el 20 de septiembre, el director del Zinemaldia ha asegurado que se trata de una "película muy esperada" en la que la directora "retoma la historia, basándose en la novela, para contar una historia de una mujer, en la época post Me too, en la época en que las relaciones entre hombres y mujeres están en entredicho, en un momento en que el placer femenino se plantea. Es una obra muy interesante que creo que va a dar muchísimo que hablar".

El Festival instauró en 2018 una nueva línea de carteles, presidida por una figura de la cinematografía contemporánea. Isabelle Huppert, Penélope Cruz, Willem Dafoe, Sigourney Weaver, Juliette Binoche y Javier Bardem han precedido a Blanchett como imagen oficial, que este año ha sido creada por el diseñador gráfico donostiarra José Luis Lanzagorta a partir del retrato del fotógrafo Gustavo Papaleo.

Lanzagorta también ha realizado los carteles del resto de secciones. Junto al fotógrafo José Luis López de Zubiria, han optado por "confrontar la ilustración con la fotografía: así, el megáfono de un cineasta arroja ideas de papel en New Directors; un transatlántico expulsa humo en forma de cactus en Horizontes Latinos; un boxeador pelea contra el filamento incandescente de una bombilla en Zabaltegi-Tabakalera; una nadadora se sumerge en busca de tesoros nacarados en Perlak; una cámara retro proyecta pompas de jabón en Nest; una fresa se convierte en una isla dispuesta para la aventura en Culinary Zinema; y una raíz-rayo homenajea al artista vasco Vicente Ameztoy en Zinemira".

Además, este año se incorpora el cartel de la sección Made in Spain, a la que se ha asignado el color azul añil, protagonizado por un astronauta que explora un planeta en forma de clavel, flor que remite al universo del cine español.

Estos carteles se suman a los tres presentados anteriormente para ilustrar la iniciativa Klasikoak, que une bajo la misma marca tres propuestas que ya existían: el ciclo de primavera de la Filmoteca Vasca, la retrospectiva del Festival (este año dedicada al poliziesco italiano) y la sección Klasikoak.

El Festival de San Sebastián se ha adherido al comunicado de EAB-Unión de Actores y Actrices Vascos y ha mostrado su solidaridad con Itziar Ituño y con "cualquier actriz o actor que esté sufriendo boicot por sus ideas", según ha informado Europa Press.

Desde EAB, por su parte, se han solidarizado con su "compañera y afiliada" Itziar Ituño ante "la campaña de ataques" que está sufriendo la actriz vizcaína por asistir el pasado sábado a la manifestación organizada por Sare en Bilbao, marcha "que defiende el cumplimiento de la legalidad para todas las personas presas".

El colectivo ha defendido "la libertad de expresión de todas las personas", la cual incluye "disentir públicamente de los posicionamientos ideológicos y políticos de otras personas". Sin embargo, en su opinión, "es inadmisible recibir amenazas, insultos y ataques como los que está sufriendo Itziar".

Además, EAB ha considerado "injusto" que se tomen acciones encaminadas a "socavar la carrera profesional de alguien" y que empresas públicas y privadas "retiren su apoyo, castiguen profesionalmente o boicoteen a un artista por haber ejercido su derecho democrático como ciudadana de asistir a las manifestaciones pacíficas que considere oportuno".

Por todo ello, ha reclamado que "no se criminalice a nadie por posicionarse como ciudadano ante las injusticias, ilegalidades o excepcionalidades legales, tampoco a los actores y actrices".

Por su parte, la Asociación de Productoras Audiovisuales Independientes del País Vasco-IBAIA se adherido también a este comunicado y se ha solidarizado con Ituño, al tiempo que ha rechazado "la campaña de boicot que está sufriendo" la intérprete y ha defendido "la libertad de expresión de todas las personas".

La película O corno de Jaione Camborda ha sido la película galardonada con la Concha de Oro de la 71 edición del Festival de San Sebastián, máximo galardón del Zinemaldia, en una edición en la que se ha reivindicado el cine y la cultura argentina. La gala de clausura de la 71ª edición del Festival de San Sebastián, al igual que la de inauguración y la del Premio Donostia a Víctor Erice, han estado dirigidas por la actriz, directora y guionista Mireia Gabilondo y guionizadas por el escritor y crítico Bob Pop. Las actrices Eva Hache y Loreto Mauleón han presentado el evento de cierre que se ha desarrollado en el Palacio de Congresos Kursaal de San Sebastián desde las 21.00 horas, según recoge Europa Press.

Camborda se convierte en la primera española en lograr este trofeo. Además, hace historia por partida doble ya que lo logra con la primera película en una lengua cooficial, en gallego, que gana el máximo galardón del Festival de Cine de San Sebastián.

La donostiarra Camborda ha agradecido a quienes han financiado la película ya que "no es fácil financiar un proyecto de autor" y ha recordado a los "referentes, a quienes abrieron camino". "La diversidad nos enriquece y nos hace más libres", ha señalado tras lo cual ha compartido el premio con "todas esas cineastas que están por venir y serán referentes para las siguientes".

El Premio especial del jurado ha sido para Kalak de la sueca Isabella Eklöf.

La categoría a mejor intérprete ha sido ex aequo para el actor japonés Tatsuya Fuji por su papel en el filme Great absence de Kei Chika-Ura y para Marcelo Subiotto por su papel en Puan, de María Alché y Benjamín Naishtat. Fuji ha dado las "gracias" al cine en japonés, inglés, castellano y euskara. Subiotto no ha podido acudir a recoger el premio al encontarse rodando, pero ha leído un texto suyo de agradecimiento Alché.

Mientras las cineastas taiwanesas Wang Ping-Wen y Yu Yi-Hsun han sido galardonadas con la Concha de Plata a la Mejor dirección por Chung xing/ A journey in spring (Un viaje en primavera). Ping-Wen ha señalado que esta película se ha hecho "para quienes aman el cine". Además, ha dedicado el premio a su familia y a Taiwan por hacerle crecer. Yi-Hsun ha agradecido al festival de San Sebastián que haya abierto "sus puertas a esta opera prima que auna los esfuerzos de mucha gente y refleja un lugar en el mundo".

La Concha de Plata, la entregada a Mejor interpretación de reparto, ha recaído sobre Hovik Keuchkerian por su papel en Un amor de Isabel Coixet. El actor ha puesto en valor el trabajo en equipo. "Todo equipo necesita un cacho de entrenador en el que apoyarse, al que preguntar, en el que refugiarse y ese entrenador es Coixet", ha señalado, para destacar, a continuación, su "valentía", su "coraje" y "energía". "Me pareces una crack absoluta", ha añadido. La película ha ganado el premio especial del jurado.

El premio al Mejor guion ha sido para Puan de María Alché ha agradecido el premio a todos los que hacen posible el cine que "es un arte colectivo" y Benjamín Naishtat que ha señalado que "ningún otro lugar del mundo da tanto amor como Donosti". Además, ambos han dedicado la película "a los docentes que nos enseñaron a escribir y pensar en la educación pública de Argentina".

El galardón a la Mejor fotografía ha recaído en Nadim Carlsen por Kalak de la directora Isabella Eklöf.

A los premios ya contados se han sumado los de Horizontes Latinos para El Castillo, del argentino Martin Benchimol que ha alertado de la "amenaza del neofascismo" en Argentina, con "gente que cree que todo puede ser un negocio, incluso la venta de órganos". "Vamos a darlo todo para que eso no suceda, aguanta Argentina", ha señalado.

El premio Kutxabank New Directors ha sido para Bahadur the brave de Diwa Shah que no ha acudido a recoger el premio. El premio Zabaltegui-Tabakalera ha sido para la cinta El auge del humano 3 de Eduardo Williams que también ha dedicado el galardón a los "argentinos que están poniendo el cuerpo y hombro para visibilizar el problema de la cultura y el cine en Argentina". El Premio TVE/Otra Mirada ha sido para The real hotel de Kitty Green.

El Premio Eusko Label al mejor microcortometraje ha sido para Latxa, sobre el pastoreo de oveja latxa en Euskadi, de Mikel Urretabizkaia y el Premio Premios Foro de Coproducción Europa-América Latina

El Premio Culinary Zinema lo ha recibido Tran Ahn Hung por La passion de Dodin Bouffant / The Pot au Feu (A fuego lento). El premio Irizar al Cine vasco ha sido para la donostiarra Isabel Herguera por la película de animación El sueño de la sultana, basada en el cuento bengalí homónimo de Begum Rokeya, que lo ha dedicado "a todas las mujeres".

En cuanto al Premio del Público Ciudad de Donostia dotado con 50.000 euros, la película con mayor puntuación ha sido La sociedad de la nieve de Juan Antonio Bayona, que representará a España en los Premios Oscar. El cineasta ha señalado que es un "placer" recibir por primera vez un premio del público y hacerlo en San Sebastián. Además, ha indicado que la dotación del galardón irá para la asociación La biblioteca de nuestros hijos, fundada por madres que perdieron a sus hijos en el accidente aéreo de los Andes en 1972 y en el que se basa su filme.

El Premio a Mejor Película Europea ha sido para el filme Io capitano/ I'm capitain (Yo, capitán) de Matteo Garrone.

El premio TCM de la Juventud se lo ha llevado La estrella azul/The blue star de Javier Macipe; mientras que Bâtiment 5/Les indésirables (Los indeseables) de Ledj Ly ha logrado el Premio Agenda 2030 Euskadi Basque Country. El Premio Dunia Ayaso ha sido para Creatura de Elena Martín Gimeno. Este galardón ha tenido una mención especial para Mientras seas tú/ Mentre siguis tu/ While you're still you de Claudia Pinto.

El Premio Cooperación Española ha sido para La estrella azul de Javier Macipe. El Premio Fipresci ha sido para Fingernails (Esto va a doler) de Christos Nikou y el Premio de la Asociación Vasca de Guionistas Euskal Gidoigileen Elkartea para Isabel Herguera y Gianmarco Serra por El sueño de la sultana/ Sultana's dream.

El Premio Sebastiane 2023 ha recaído en la película vasca 20.000 especies de abejas/ 20.000 species of bees de Estíbaliz Urresola, con mención especial para la sueca Gabi: between ages 8 and 13 (Gabi: entre los 8 y los 13 años) de Engeli Broberg.

El Premio Lurra de Greenpeace lo ha recibido la película japonesa Aku wa sonzai shinai/ Evil does not exist (El mal no existe) de Ryusuke Hamaguchi. Finalmente, el Premio Signis ha sido para la estadounidense All dirt roads taste of salt de Raven Jackson y Un amor de Isabel Coixet se ha alzado con el Premio Feroz Zinemaldia.

El jurado de la Sección Oficial -que otorga la Concha de Oro, las tres Conchas de Plata y los premios a mejor guión y fotografía- ha estado presidido por Claire Denis, a la que acompañan la actriz china Fan Bingbing; la productora, realizadora y escritora colombiana Cristina Gallego; la fotógrafa francesa Brigitte Lacombe; el productor húngaro Robert Lantos; la actriz española Vicky Luengo y el director alemán Christian Petzold.

Los galardones que se han entregado esta noche se suman a, de los reconocimientos honoríficos de esta edición: el Premio Donostia, que en esta edición han recibido los cineastas Hayao Miyazaki, que no pudo acudir a recoger el premio en persona, y Víctor Erice. A ellos se suma el actor Javier Bardem que estaba previsto recibiera un tercer Premio Donostia que recogerá el año que viene debido a la huelga de actores de Hollywood. De hecho el parón se ha dejado notar en la escasa presencia de estrellas de Hollywood en esta 71 edición del festival, que no obstante, sí ha podido contar con Jessica Chastain.

Tras la gala de clausura, los asistentes han disfrutado de la proyección Dance first, una película del británico James Marsh sobre el dramaturgo Samuel Beckett protagonizada por Gabriel Byrne, Aidan Gillen, Sandrine Bonnaire, Maxine Peake y Fionn O'Shea.

El cineasta vasco, Víctor Erice, ha recibido este viernes el segundo premio Premio Donostia en reconocimiento a su trayectoria de la 71 edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, ciudad en la que creció "en todos los sentidos, también como espectador". "Si cierro los ojos me veo de niño en una de esas butacas de este teatro Victoria Eugenia disfrutando de películas que jamás olvidaré", ha afirmado, informa Europa Press.

Erice ha presentado en la Sección Oficial de esta edición del Zinemaldia, fuera de concurso, su última película Cerrar los ojos en cuyo elenco se encuentra Torrent, además de José Coronado, Manolo Solo y María León. El cineasta ha recibido el premio de manos de Torrent, que hace 50 años, siendo una niña, acompaño al cineasta al certamen donostiarra donde ganó la Concha de Oro por el Espíritu de la colmena que protagonizó la pequeña junto a, entre otros, Fernando Fernán Gómez. La gala de entrega se ha desarrollado en el teatro Victoria Eugenia de la capital guipuzcoana.

Torrent ha señalado que a Erice "le ha gustado muy poco hablar de sus películas porque ha dado ya mucho, muchísimo de él en sus imágenes". "Ha sido tremendamente coherente, tremendamente generoso y tremendamente valiente en su compromiso y no nos ha dejado ni una sola imagen que no fuera para él necesaria, que no estuviera latiendo, que no fuera el encuentro de algo", ha subrayado.

Tras dar las gracias al cineasta por su "lealtad y por su mirada", Torrent señalado que es "un honor" entregar este premio a Erice, que le regaló "una interpretación del mundo que me ha acompañado toda la vida y que hoy todavía me sigue iluminando".

Por su parte, el cineasta ha leído un pequeño escrito para "no hundirse en un mar de emociones". "Hubo un tiempo, propio de la adolescencia, en que más de una vez llegué a preguntarme cómo sería un mundo sin necesidad de premios", ha señalado.

A ello, ha añadido que con su "ingenuidad de entonces" imaginaba que "seguramente sería mejor". "Ahora ya he comprendido que lo que no puede ser, no puede ser y además es imposible", ha apuntado, para añadir que hoy recoge uno "con todo el agradecimiento" del que es "capaz", porque "ningún otro lleva como divisa" el nombre de la ciudad a la que llegó con unos meses de vida y creció "en todos los sentidos, también como espectador de películas".

Así, ha recordado que vio su primera película en el entonces Kursaal una tarde del invierno de 1946 y en el escenario del teatro Victoria Eugenia recogió la Concha de Oro por El espíritu de la colmena hace 50 años.

"El Victoria Eugenia es uno de los cines de mi infancia", ha apuntado, para recordar, a continuación, que si cierra los ojos se ve "de niño en una de esas butacas disfrutando de películas que jamás olvidaré". "Me descubro también allá arriba, en la penumbra del Gallinero, contemplando las imágenes de la primera película que pude ver en este festival, se titulaba Las noches de Cabiria y su director, un tal Federico Fellini, estaba en uno de esos palcos luciendo un esmoquin blanco, era julio de 1957", ha recordado.

Erice ha afirmado que ha visto "nacer y crecer este Festival surgido de la nada gracias a la iniciativa de un pequeño grupo de comerciantes donostiarras, y si un festival internacional tiene como razón de ser constituirse en ventana abierta al mundo, éste de Donostia lo cumplió quizás como nunca lo ha hecho en el tiempo de sus orígenes".

"Vigilado de cerca, conviene recordarlo por la censura de la época, víctima con frecuencia de sus prohibiciones, sé también, porque lo he vivido, lo mucho que supuso para los cinéfilos que éramos socios activo del CineClub de San Sebastián al final de los años cincuenta", ha destacado.

Tras recordar a todos los colaboradores del certamen, "casi todo ellos ya fallecidos", así como a Javier Aguirre, Antón Ezeiza, Elías Querejeta, Antonio Mercero, Alonso Ibarrola, Santiago Sanmiguel, Luis Gasca, José Luis Ejea e Iván Zulueta, Erice ha apuntado que es "uno de los supervivientes de ese grupo que, en su mayoría, al comienzo de los años 60 se trasladó a Madrid para comenzar allí el aprendizaje del viejo oficio de hacer películas".

"Además de esa misión, nos unía la íntima convicción de que el cine era el arte del siglo. Arte popular, precisaría yo ahora, como fue durante una gran parte de su historia, hoy, por desgracia, desaparecido", ha lamentado. También ha tenido un recuerdo para sus padres que le dieron la posibilidad de ir a Madrid a estudiar cine de manera profesional y a su hermana que le llevó por primera vez al cine. También ha tenido agradecimientos para su hijo Pablo y su mujer Cristina que "tanto" le ha ayudado en la realización de Cerrar los ojos.

Erice ha incidido que "siempre" ha entendido "el cine como un medio de conocimiento, de ahí que su aprendizaje para mí no se acabe nunca" y ha asegurado haber comprendido, con el paso de los años, que "la obra de un cineasta, recordando ahora a Albert Camus, quizás no sea otra cosa que ese largo caminar por los dominios del arte de hacer películas para recuperar las imágenes extraordinarias contempladas en una pantalla a las que abrió su corazón por vez primera".

Finalmente, ha dicho en euskera "gracias Zinemaldia, San Sebastián siempre". Tras la entrega del premio y una actuación del grupo Audience el elenco de la película ha dado paso a la proyección de la misma.

El director del Festival de San Sebastián, José Luis Rebordinos, ha asegurado que el Festival de San Sebastián no ha recibido la carta en la que 514 personas solicitan retirar de la programación No me llame Ternera, en la que el periodista Jordi Évole entrevista al exdirigente de ETA José Antonio Urrutikoetxea, 'Josu Ternera', y ha insistido en que la película "ha de ser vista primero y sometida a crítica después y no al revés", según informa Europa Press.

Rebordinos ha afirmado que se ha visto "obligado" a responder a través de un comunicado al manifiesto que firman, entre otros víctimas del terrorismo, políticos, o escritores como Mari Mar Blanco, Ana Iribar, Carmelo Barrio, Fernando Savater o Fernando Aramburu, que piden que se retire de la programación del certamen donostiarra, que comenzará el próximo día 22, la película al considerar que "blanquea el terrorismo de ETA".

En primer lugar, ha querido hacerles llegar a los firmantes el "agradecimiento" del Zinemaldia cuando en su carta afirman, entre otras cosas, que el Festival de San Sebastián "rechaza el blanqueamiento del terrorismo" y "se adhiere a los principios y defensa de los Derechos Humanos".

No obstante, desde el certamen cinematográfico donostiarra no comparten su opinión respecto a que se deba retirar de la programación de esta próxima edición del Festival la película No me llame Ternera "por el hecho de que tenga como protagonista a Josu Urrutikoetxea y que éste haya tenido muy altas responsabilidades en la trayectoria de la banda terrorista ETA".

"El cine es, entre otras muchas cosas, fuente de la historia y se ha ocupado a menudo de llevar a la pantalla a protagonistas, perpetradores de episodios de violencias injustificables pero sobre las cuales sí ha tenido la voluntad de indagar", sostiene Rebordinos.

Así, se ha referido a los casos de Shoah (Claude Lanzmann, 1988), S21: La máquina roja de matar (Rithy Panh, 2003) o The Act of Killing (Joshua Oppenheimer, Christine Cynn, 2012). Además, ha recordado que el Festival reflexionó sobre todo ello en un libro y un ciclo en 2016 bajo el título de The Act of Killing. Cine y violencia global. En el mismo se programaron 32 películas que "eran a menudo un arma de denuncia, un medio para el análisis o una forma de intervención directa en muchos trágicos problemas".

En esa línea, ha insistido en que "la no ficción que ahora nos ocupa ni justifica ni blanquea a ETA" porque el Festival de San Sebastián "no proyectaría una película con esas premisas".

"Por citar un último ejemplo en una semana en la que se ha recordado el 50º aniversario del golpe de Estado de Pinochet en Chile, no programaríamos nunca una película que justificara aquel ataque violento contra la democracia y sus posteriores represalias sobre miles de víctimas", ha afirmado.

Sin embargo, ha apuntado que sí se programó en San Sebastián un documental que entrevistaba a "algunos de sus principales golpistas: Pinochet y sus tres generales (José María Berzosa, 2004)". "Allí se demostraba que dar la voz no es ni mucho menos dar la razón", ha añadido.

Finalmente, desde el Festival de San Sebastián han estimado que la película No me llame Ternera "ha de ser vista primero y sometida a crítica después y no al revés". En este sentido, se han mostrado dispuestos a realizar "una proyección privada previa a un grupo reducido en su representación".

La película colombiana Los reyes del mundo, dirigida por Laura Mora, ha sido la película galardonada con la Concha de Oro de la 70 edición del Festival de San Sebastián, máximo galardón del Zinemaldia, en una edición en la que los adolescentes han copado algunas de las categorías más importantes, según informa Europa Press.

El mejor ejemplo de ello ha sido la propia Los reyes del mundo una película sobre cinco chicos de la calle en Medellín que emprenden un viaje en búsqueda de unas tierras heredadas por uno de ellos. La directora y la productora han subido acompañadas por los jóvenes protagonistas, que han recibido palabras de apoyo y aliento. "Espero que esto sirva para entablar un diálogo y pensar en un mundo más justo. El margen es donde está toda la belleza y estos chicos me han enseñado que la desobediencia es necesaria y que en un mundo tan difícil, siempre hay que celebrar la vida", ha señalado.

Ninguna de las participantes en la sección oficial ha repetido premio y, entre las curiosidades, que ya van siendo habituales, se ha vuelto a conceder un galardón ex aequo en la categoría de mejor intérprete protagonista, en este caso a los jóvenes Paul Kircher por Le Lycéen y a la española Carla Quílez por La maternal.

Pese a que Kircher ya es mayor de edad, en su película interpreta a un joven de 17 años. Quílez, que da vida en La maternal a una niña de 14 años que se queda embarazada, ha tenido en su discurso una mención emotiva a su madre. "No hay tiempo ni dinero para agradecer todo lo que ha hecho por mí", ha señalado una emocionada actriz, quien además ha aludido a su "madrina" Pilar Palomero y ha tenido un recuerdo para las "mujeres guerreras y luchadoras" como las de la película.

Esta categoría pasó hace dos años a entregar únicamente un único premio tanto para intérpretes masculinos como femeninos y ya en la edición pasada se produjo su primer ex aequo, premiando a las actrices Flora Ofelia Hofmann y Jessica Chastain.

Mientras el cineasta japonés Genki Kamawura ha sido galardonado con la Concha de Plata a la Mejor dirección por su película Hyakka/A hundred flowers -es la adaptación de una novela homónima que parte de la experiencia personal del autor con el Alzheimer, que padeció su abuela-.

La última Concha de Plata, la entregada a Mejor interpretación de reparto, ha recaído sobre Renata Lerman, de El suplente, otra adolescente y debutante en el cine, quien ha mostrado su "sorpresa" por el premio precisamente por ser su primera vez detrás de la pantalla.

La película Runner, del director estadounidense Marian Mathias, ha ganado el premio especial del jurado. El premio al Mejor guión ha sido para Dong Yun Zhou y Wang Chao, por la película A woman, mientras que la Mejor fotografía ha recaído en Manuel Abramovich por su película Pornomelancolía.

A los premios ya contados se han sumado los de Horizontes Latinos para Tengo sueños eléctricos, dirigida por Valentina Maurel. También ha habido premio Zabaltegui-Tabakalera a la cinta Godland, de Hlynur Palmason, y el premio New directors a Fifi, de Paul Saintillan. El documental El techo amarillo de Isabel Coixet ha recibido el Premio TVE/Otra Mirada.

En cuanto al Premio del Público Ciudad de Donostia, la película con mayor puntuación ha sido Argentina, 1985, de Santiago Mitre y con Ricardo Darín, mientras que el Premio del Público a la Mejor película europea ha recaído en As bestas, de Rodrigo Sorogoyen. El premio Irizar de Cine Vasco ha ido a parar a Suro, de Mikel Urrea.

Por lo demás, ha sido una gala con pocas reivindicaciones, y las que ha habido se han centrado más en temas sociales. Por ejemplo, Isabel Coixet, que ha traído su documental El techo amarillo, ha agradecido la respuesta que tuvo en la proyección al grito del público de Yo sí te creo.

Asimismo, Rodrigo Sorogoyen ha instado a seguir acudiendo a las salas de cine porque "es un momento muy importante". Manuel Abramovich, premiado por Pornomelancolía, ha recordado la importancia de "visibilizar temas urgentes" como el trabajo sexual, el VIH o "todo lo que está fuera de la norma".

Y el Chino Darín, productor de la película Argentina, 1985 ha calificado de "poético" que una película que habla sobre la democracia "resulte ganadora en votación popular".

"Nos da una linda señal en un momento en el que parece que están creciendo, tal vez demasiado, discursos que no respetan los valores democráticos que tanto han costado conseguir. Es importante amplificar la mirada y los valores más que relevantes en un momento tan complejo", ha asegurado.

El jurado de la Sección Oficial, que otorga la Concha de Oro, las tres Conchas de Plata y los premios a mejor guión y fotografía, ha formado por la directora de casting y cineasta Antoinette Boulat (Francia), la directora y guionista Tea Lindeburg (Dinamarca), la escritora y periodista Rosa Montero (España), el cineasta y artista visual Lemohang Jeremiah Mosese (Lesoto), el director y guionista Hlynur Pálmason (Islandia) y el productor Matías Mosteirín (Argentina), que presidirá el jurado.

Precisamente, la semana previa al certamen la actriz Glenn Close anunció la cancelación de su visita al festival, cuyo jurado oficial iba a presidir, por una "emergencia familiar". Close justificó esta cancelación en el último momento debido a "una emergencia familiar".

Los galardones que se han entregado esta noche se suman a, de los reconocimientos honoríficos de esta edición: el Premio Donostia, que en esta edición han recibido la actriz Juliete Binoche y el director David Cronenberg.

Otros nombres de estrellas hollywodienses que han pasado por el certamen en esta edición son los de Liam Neeson, Diane Kruger u Olivia Wilde, entre otros. Tras la gala de clausura, los asistentes han disfrutado de la proyección Marlowe, dirigida por Neil Jordan y con los citados Neeson y Kruger de protagonistas.

El cantautor Joaquín Sabina, que presenta en el 70 Festival Internacional de Cine de San Sebastián el documental Sintiéndolo mucho que sobre él ha hecho el director, guionista y productor Fernando León de Aranoa, ha anunciado nuevo disco para navidades con gira de presentación por América Latina y España. En rueda de prensa en el certamen donostiarra, León de Aranoa y Sabina, junto al también músico Leiva y los productores del documental Francisco Cordero, Patricia de Muns y Sergi Reitg, han presentado este documental, fruto de 13 años de grabación del cineasta al veterano artista.

"Sin conflicto y sin desamor no se pueden hacer canciones", ha defendido Sabina, quien ha subrayado que "no hay nada mejor que hacer una cosa con amigos". "Es un placer trabajar con amigos, me refiero a Leiva, Fernando y Pati. Se ve esa alegría de estar con gente querida en el documental", ha asegurado.

El cantautor ha admitido que lleva "fatal" ser "espectador de sí mismo" y ha remarcado que es "mucho más pudoroso de lo que dice mi caricatura". "Mi mujer, nada dada a echar piropos fundamentalmente a mí, dijo que Fernando me había sacado el alma. Me pareció una enorme grosería porque ya me da bastante vergüenza enseñar el culo como para enseñar el alma", ha aseverado.

Preguntado por la canción compuesta junto a Leiva para el filme, ha explicado que venía de "casi tres años sin subirme al escenario por el covid". "Casi la primera canción que hemos escrito Leiva y yo es la de la película. Fernando nos ofreció una maravillosa manera de salir de tanta tristeza", ha agregado. "Vimos que Fernando nos estaba haciendo un favor tan grande que nosotros pensamos que teníamos que hacerle uno, una canción inédita que se pareciera mucho al documental. Es letra mía y música de Leiva", ha explicado Sabina, quien ha avanzado que "va haber más, ya hay más" canciones y que el exlider de Pereza va a ser otra vez el productor de un disco que, según ha anunciado, "espero sacar para navidad".

Además, ha anunciado también la gira que iniciará en febrero en América Latina, que seguirá por España, para presentar este nuevo trabajo. "Yo no voy de gira si no tengo canciones nuevas. No daré ese coñazo de cantarlo entero pero sí tengo que cantar cuatro o cinco nuevas, si no no me veo motivado para salir de gira", ha señalado.

En cuanto a su relación con Fernando León de Aranoa, Joaquín Sabina ha asegurado que son "amigos de larga". "Tengo absoluta y plena confianza en él y además es el mejor", ha resaltado, para explicar que a la hora de llevar a cabo el documental "lo primero que le dije es que no necesitaba llave para entrar en ningún sitio".

Tras asegurar que tiene la sensación de que "he pasado de la adolescencia a la vejez sin tocar la madurez por ningún lado", ha destacado que Sintiéndolo mucho "no es un documental a mayor gloria de un artista, sino un trozo de vida de un cantante y creo que eso lo agradece también la gente que lo ha visto". Por otro lado, ha defendido que "el artista debe tomarse muy en serio lo que hace por respeto al público pero no debe tomarse en serio a él para nada, esa solemnidad, hemos huido de eso como de la peste".

Por su parte, León de Aranoa ha manifestado que hay "mucho amor pero bastante conflicto también" en este documental y ha explicado que han pasado "por todo tipo de situaciones en estos 13 años, algunas de amor otras más complicadas". "Para el documental todo lo que sea conflicto es bueno. Sin conflicto no hay nada, poco que contar", ha sostenido.

El director de películas como El buen patrón ha señalado que él hace más ficción, pero ha apuntado que "el solo hecho de hacer documental" le gusta mucho. "Intento hacerlo cada dos o tres películas de ficción, siempre que encuentro algo interesante de tratar y es personalmente muy enriquecedor, te ves metido en mundos que no son el tuyo".

En esa línea, ha precisado que "cuando haces ficción todo está muy bloqueado, sabes cómo va a empezar y acabar, una cosa cartesiana que es aburrida, pero aquí es muy diferente, yo me tenía que adaptar a la forma de fluir de ellos, no podía tener un plan, lo primero porque Sabina no me iba a hacer ni caso". "La maravilla era integrarme en ese dulce caos que veo yo alrededor de ellos y luego intentar darle orden", ha aseverado.

"Se trataba de estar en muchos momentos vivos, más de reflexiones y de declaraciones. Compartir ese privilegio de esas conversaciones con el público pero sobre todo estar en muchos momentos vivos. Ahí es cómo entendemos de verdad cómo es la gente. No quería que fuera un documental testimonial, sino de momentos vivos", ha insistido el cineasta.