Pedro Almodóvar no competía en la última ceremonia de los Goya, pero se las apañó igualmente para ser el protagonista. Por partida doble. Fue muy sonado cuando puso en su sitio a Juan García-Gallardo, vicepresidente de la Junta de Castilla y León por Vox, mientras que la otra vez que subió al escenario lo hizo con ánimos más relajados. Javier Ambrossi y Javier Calvo, como anfitriones de la gala que estaba teniendo lugar en Valladolid, aparecieron sentados en un sillón, y lo que empezó siendo una conversación rememorando la importancia de los Goya en sus vidas pronto se convirtió en algo más.

“Muchos de los que nos dedicamos al cine tenemos un Almodóvar que nos cambió la vida”. Calvo nombró Volver como ese Almodóvar, mientras que Ambrossi habló de Todo sobre mi madre… que justo estaba de aniversario en 2024: el 16 de abril de 1999 llegó a salas españolas. Seguidamente apareció el mismo Almodóvar junto a Cecilia Roth, Antonia San Juan, Penélope Cruz y Marisa Paredes. El sillón resultó ser el que aparecía en una escena muy recordada de Todo sobre mi madre, y los ahí concurrentes se lanzaron a un homenaje desordenado, aparentemente espontáneo, a la película que cumplía 25 años. 

Se les ocurrió recrear la escena, pero no pudieron hacerlo al detalle. Debían hacer memoria. “Yo estaba sentada aquí y decía…”., “Y yo te decía ‘el tiempo que hace que no me como yo una polla’”. Esa necesidad de rememorar frente al público, de evidenciar que todo era una “interpretación sobre la interpretación”, deparó un momento memorable. Las actrices se prestaban a una representación con los andamiajes a la vista, permitiendo que el público conectara esa ficción desnuda con su propio recuerdo, y gracias a esa conexión la ficción se hiciera más grande. Todo sobre mi madre se hacía aún más grande a nuestros ojos, porque ese juego improvisado resultaba ser la forma más apropiada de celebrarla. 

Recordar Todo sobre mi madre también supone recordar el tremendo impacto que tuvo a finales de los 90, a varios niveles. En cuanto al estado de opinión venía a reconciliar a Almodóvar con la crítica, que había percibido una irregularidad durante esa década muy lejos de la efervescencia de sus inicios: Kika o Carne trémula habían desconcertado lo suyo, aunque La flor de mi secreto ya fuera perfilándose como uno de sus clásicos indiscutibles. Sobre todo fue llamativa la taquilla: a día de hoy solo Volver supera a Todo sobre mi madre como la mayor recaudación de Almodóvar, con más de 2 millones de espectadores y un estreno internacional que seguramente allanara el camino para los premios.

Porque Todo sobre mi madre arrasó en los Goya, pero es que antes Almodóvar había ganado Mejor dirección en el Festival de Cannes. El palmarés extranjero se completaría con el primer BAFTA de la Academia Británica concedido a un cineasta español y, por supuesto, con el Oscar a Mejor película de habla no inglesa. Penélope Cruz gritó “¡Pedro!” y culminó el fenómeno de Todo sobre mi madre, consolidando un cariño de Hollywood hacia Almodóvar que poco después auparía Hable con ella: nominación a Mejor dirección y Mejor guion original, ganando este último. El cine español nunca había llegado tan lejos.

Ante la escala de todos estos aplausos sería tentador considerar Todo sobre mi madre un punto de inflexión creativo para Almodóvar. ¿Es posible que su cine cambiara perceptiblemente tras el terremoto de Todo sobre mi madre? La respuesta es complicada pero lo cierto es que cuando aún estaba fresca la recepción de ese film Almodóvar se lanzó a la producción de películas como La mala educación, Los abrazos rotos y, tras un margen de diez años, Dolor y gloria. Películas protagonizadas por directores de cine donde no costaba reconocer álter egos del mismo Almodóvar. Películas que proponían un estimulante puzle entre referencias a la propia vida del cineasta, o cuanto menos a sus fetiches.

Todo sobre mi madre era una película igualmente marcada por la cinefilia. Su escena inicial, cuando se revelaba el origen del título, hallaba a Manuela (Cecilia Roth) y su hijo Esteban (Eloy Azorín) viendo Eva al desnudo en la tele. Esteban se quejaba de la traducción del título, porque ese All About Eve que nombraba el clásico de Joseph L. Mankiewicz debería ser Todo sobre Eva. Como estaba fascinado por la figura de su madre, y quería ser escritor, Esteban empezaba desde ese mismo instante a darle vueltas a un relato titulado Todo sobre mi madre. Relato fatalmente inconcluso porque poco después moriría atropellado, en clara referencia a la escena inicial de Noche de estreno de John Cassavetes.

El periplo de Manuela no perdería su vínculo con Eva al desnudo —eventualmente retomaría la afición por actuar—, pero lo que marcaba por entero a Todo sobre mi madre no era propiamente una película, sino una obra de teatro (llevada a su vez al cine): Un tranvía llamado deseo. La obra que Manuela y Esteban habían visto antes del atropello, la obra que protagonizaban Huma Rojo (Marisa Paredes) y Mia (Candela Peña), y la obra que parecía cobrar vida más allá del escenario: Huma, intérprete de Blanche, se sorprendía repitiendo la frase “siempre he confiado en la bondad de los desconocidos” tras hallar comodidad y sororidad dentro de un grupo de mujeres que trataban de salir adelante en Barcelona.

Lucía Cabrera Romero abordó estas operaciones en Todo sobre mi madre, la mujer y los nuevos modelos familiares a través de la metaficción y la intertextualidad: “Almodóvar presenta una nueva forma de mostrar la vida. Primero se ve lo artificioso y luego la realidad, y esta última se ve transformada a su vez por la ficción”. No era algo radicalmente novedoso. En La ley del deseo ya teníamos a un director como protagonista, y la preocupación por el acto de representar no solo es transversal a la obra almodovariana, sino que a un nivel más amplio podemos rastrearlo por ejemplo al New Queer Cinema de EEUU, donde surgió un director con tantos puntos en común con el manchego como Todd Haynes.

La representación es clave en Todo sobre mi madre. La pulsión por generar una realidad propia se rastrea en la afloración de personajes a vueltas con la interpretación teatral, la expresión de género o la directa falsificación: Rosa María Sardá, como madre de Rosa (Penélope Cruz), se dedica a emular cuadros, y es con diferencia el personaje abordado con mayor severidad en la película. Esta suma de ingredientes erigiría a Todo sobre mi madre como un complejo tratado de semiótica y posmodernismo, pero si se limitara a eso es poco probable que hubiera tenido el éxito que tuvo. Debía tener un corazón, en algún lado.

De Todo sobre mi madre se recuerda con cariño la dedicatoria final: “A Bette Davis, Gena Rowlands, Romy Schneider… a todas las actrices que han hecho de actrices, a todas las mujeres que actúan, a los hombres que actúan y se convierten en mujeres, a todas las personas que quieren ser madres”. Almodóvar incluía en un mismo grupo a las actrices cuyo trabajo se desdoblaba y a las mujeres trans que habían focalizado su film: la Agrado y Lola (Antonia San Juan y Toni Cantó). Ofrecía un epílogo coherente, afín al amor por todos y cada uno de los personajes que había cultivado —incluso Sardá se redimía al final—. Pero había más. La dedicatoria terminaba con un contundente, casi catártico, “A mi madre”.

Francisca Caballero, la madre de Pedro Almodóvar, falleció cinco meses después del estreno de Todo sobre mi madre. El homenaje del film a las figuras maternales —desde ejes variopintos y anárquicos, con indiferencia por la consanguinidad— de pronto ganó un significado extra, más conmovedor y personal. Almodóvar escribió sobre eso en El País, apenas transcurridas unas horas de la muerte. Tituló a su texto El último sueño —como El último sueño se llamaría en 2023 su antología de relatos—, y con él reveló al mundo cuál había sido el auténtico motor del despliegue de capas e intertextualidades de su último film.

“Yo aprendí mucho de mi madre”, escribió Almodóvar. “Aprendí algo esencial para mi trabajo, la diferencia entre ficción y realidad, y cómo la realidad necesita ser completada por la ficción para hacer la vida más fácil”. El cineasta recordaba cuando vivía con Francisca en Calzada de Calatrava (Ciudad Real) y esta se dedicaba a escribir cartas para sus vecinas, adornando el texto sin que se dieran cuenta. “Las vecinas no lo sabían, porque lo inventado siempre era una prolongación de sus vidas y quedaban encantadas después de la lectura”. Aquella fue la lección que aprendió de su madre. Cómo la vida puede embellecerse a través de la ficción que prefiramos, que sintamos que nos representa y define.

Orbitando toda la obra de Almodóvar sobre estas nociones, quizá Todo sobre mi madre no sea la película definitiva que hizo al respecto. La trilogía La ley del deseo/La mala educación/Dolor y gloria podría ser más reveladora. Pero, desde un punto de vista histórico o personal, se presta igualmente a ello: por su consagración popular, y por exhibir abiertamente qué ha movido la emoción honesta que late en toda su obra y se acaba imponiendo a cualquier amasijo referencial. También, no lo olvidemos, por lo icónico. 

La Agrado de Antonia San Juan representa como nadie el discurso almodovariano. La Agrado del famoso monólogo, la Agrado que se llama así por cuánto le gusta agradar. La Agrado que dice que “una es más auténtica cuanto más se parece a lo que ha soñado de sí misma”. En esa frase está todo. 

Derecho a la vivienda. Es la idea que marca el día a día de Alejandra Jacinto. Y ya desde hace muchos años, desde que empezó a luchar en su años finales como estudiante de Derecho para frenar desahucios. Ha estado en centenares y de su cabeza no se puede borrar la imagen de cuando echan de su casa a una madre con sus hijos.

Jacinto (Madrid, 1989) es ahora portavoz de Podemos y la candidata morada para las próximas elecciones autonómicas madrileñas. A Isabel Díaz Ayuso le gusta llamarla “abogada fracasada”. Ella lucha para que ningún madrileño tenga como casero a un fondo buitre. Ella lo tuvo también. Su historia forma parte también de la inspiración de En los márgenes, la primera película de Juan Diego Botto. Responde a ritmo de campanadas.

1- ¿Algún mensaje para Rafael del Pino?

Que sea un poco más patriota.

2- ¿Le ha merecido la pena meterse en política?

Sí, sin duda. Llevo en política muchos años, antes desde la sociedad civil organizada y ahora desde las instituciones. Pero con el mismo objetivo: garantizar el derecho a la vivienda.

3- ¿Por qué le gusta tanto a la izquierda la división?

Eso habría que preguntárselo a los que les guste la división. A mí nada. Nuestra apuesta siempre ha sido la de la unidad de la izquierda, habría que preguntarle a Más Madrid.

4- ¿Echa de menos a Pablo Iglesias en la primera línea política?

Sí, aunque creo que está haciendo una labor comunicativa excelente y necesaria en este país.

1- ¿Qué le han llegado a decir o a insultar en la Asamblea de Madrid?

Me han llamado abogada fracasada, entiendo que por haber tumbado la negligente venta del PP de vivienda pública a los fondos de inversión. Para Ayuso entiendo que será un fracaso, claro.

2- ¿Marca hacer política habiendo visto tantos desahucios?

Sin duda. Nunca podré olvidar la imagen de la Policía echando de su casa a una madre y sus hijos pequeños porque no hay una política de vivienda que los proteja.

3- ¿Qué sintió al ver En los márgenes?

Ufff. Se me removió todo. Pensé que Juan Diego Botto, Olga Rodríguez, Penélope Cruz y Luis Tosar nos habían regalado una película al movimiento de vivienda.

4- ¿Qué le hace perder el sueño realmente?

Mi hija cuando se despierta, cuatro años más de Isabel Díaz Ayuso y que haya 1.800 niños sin luz en la Cañada Real.

5- ¿A qué político ha admirado siempre?

A Irene Montero.

6- ¿Le han presionado los fondos buitre?

A mí no. Los fondos buitre no tienen mi teléfono, lo que tienen es mi número de colegiada para llevarles a juicio.

7- Mójese, ¿quién le gusta más? ¿Mónica García o Juan Lobato?

Me da un poco lo mismo. Lo que me gustaría es que hubiera un Gobierno de coalición progresista que pusiera en marcha las principales transformaciones que necesita la Comunidad de Madrid.

8- ¿Qué le dice Ayuso cuando se cruzan por los pasillos de la Asamblea?

Es que ella no está por los pasillos, viene cinco minutos, dice cuatro tonterías y se va.

9- ¿Qué libro le ha marcado?

El nudo materno, de Jane Lazarre. Habla de las contradicciones de la maternidad. Justo lo leí después de dar a luz a mi hija.

10- ¿A quién le pondría una calle en Madrid?

A Almudena Grandes.

11- ¿Vive de alquiler y han sido sus caseros buenos?

He vivido de alquiler mucho tiempo. He tenido caseros de todo tipo, hasta un fondo buitre. Lo que no quiero es que los madrileños tengan más fondos buitre por caseros y, por eso, proponemos una inmobiliaria pública madrileña.

12- Leguina, Gallardón, Aguirre, Cifuentes, Garrido y Ayuso. ¿Quién ha sido el peor presidente de Madrid?

La peor es Ayuso. Y el mejor, me mojo, es Pedro Rollán porque, como estuvo sólo tres meses, no le dio tiempo a cometer demasiadas fechorías.

La actriz Penélope Cruz ha recibido este sábado el Premio Nacional de Cinematografía de manos del ministro de Cultura y Deporte, Miquel Iceta. Muy emocionada, ha dedicado el premio a su familia y ha anunciado que destinará la dotación del galardón a fines sociales. "La aventura de este largo viaje hacia Ítaca está siendo mucho más emocionante de lo que nunca hubiera podido soñar desde el salón de la casa de mis padres", ha expresado.

El jurado del premio, dotado con 30.000 euros, ha concedido por unanimidad el galardón a la actriz, nacida en Alcobendas (Madrid), "por los éxitos cosechados en 2021, que se unen a todos los recogidos en una trayectoria excepcional".

Según ha desvelado Cruz, la cuantía del premio la destinará, dividida en tres partes, a la Plataforma de Afectados por la Hipoteca, a la unidad Cris contra el cáncer de terapias avanzadas del Hospital la Paz de Madrid, y al fondo asistencial creado por Pilar Bardem en Aisge para dar a amparo a profesionales del cine que "están pasando dificultades".

El acto, celebrado en Tabakalera en el marco del 70 Festival de Cine de San Sebastián, ha contado con la presencia de representantes institucionales como la vicepresidenta del Gobierno, Nadia Calviño, el delegado del Gobierno en Euskadi, Denis Itxaso, así como representantes municipales, entre otros, y del mundo del cine. La hermana, Mónica Cruz, y la madre de la intérprete madrileña le han acompañado también en la ceremonia.

Penélope Cruz ha expresado que es "un honor" recibir el Premio Nacional de Cinematografía porque el cine "ha sido y es mi pasión desde niña" cuando "soñaba desde el salón de mis padres con mundos por explorar más allá de mi barrio".

De este modo, ha querido agradecer a sus padres que tuvieran la "generosidad inmensa de apoyarme en un camino que a priori les era tan ajeno" y ha tenido palabras emocionadas para su padre fallecido y para su madre, presente en el acto y la que ha definido como su "modelo de referencia para entender la vida".

Cruz ha mostrado, asimismo, su gratitud con sus "maestros" en la interpretación Cristina Rota y Juan Carlos Coraza, quienes le pusieron "en el camino de la búsqueda constante de la verdad y la autenticidad en el trabajo". "Aunque no siempre se consigue, lo más importante para mí como actriz es seguir buscando esa verdad desde la curiosidad y desde la humildad", ha asegurado.

En su trayectoria cinematográfica, ha querido hacer menciones especiales a Bigas Luna y Fernando Trueba que "me abrieron las puertas de un mundo que gracias a ellos sigo transitando hoy día" y Pedro Almodóvar, "el director con el que más veces he trabajado, espero que muchas más y una de las personas que mejor ha relatado nuestro país, una figura imprescindible para entender el cine en general". "A Pedro le debo mucho no solamente por los trabajos que hemos hecho juntos sino porque te lleva a tal nivel de exigencia que en esa búsqueda siempre he terminado descubriendo algo nuevo sobre mí misma", ha aseverado.

Así, ha destacado que en el cine lo importante no es solo el resultado, "es la increíble aventura de vivir otras vidas, conocer otras realidades, descubrir secretos maravillosos del corazón humano y compartirlos con el mundo". "La aventura de este largo viaje hacia Ítaca está siendo mucho más emocionante de lo que nunca hubiera podido soñar desde el salón de la casa de mis padres", ha expresado. "No dejen nunca de proteger y cuidar nuestro cine. Es una parte importante de lo que nos hace reconocernos y entendernos", ha asegurado la actriz.

Penélope Cruz ha resaltado además la labor del Festival de San Sebastián y de su director, José Luis Rebordinos, que "lleva décadas luchando por el buen cine", al tiempo que ha pedido al ministro Iceta y a las instituciones que "nunca dejen de proteger y cuidar nuestro cine porque es una seña de nuestra identidad y una parte importante de lo que nos hace reconocernos y entendernos".

Finalmente, ha dedicado el premio a su marido Javier Bardem y a su familia, y especialmente a su hijo y a su hija, que "son lo más maravilloso de este mundo". "Tengo mucha suerte de teneros en mi vida", ha añadido.

La actriz Goya Toledo y el actor Luis Tosar, amigos de Penélope Cruz, han sido los encargados de introducir el Premio con sendas intervenciones en las que han alabado la "categoría humana" de la actriz. Así, Toledo ha recordado como conoció a su "amiga del alma" y ha destacado que cuando empezaron a "cumplirse los sueños" de la intérprete de Alcobendas esta "siguió igual, con la misma alegría y la misma ilusión, manteniendo sus raíces y la curiosidad por su trabajo".

"Mi adoración profunda por ti como actriz es inmensa, pero mi admiración como ser humano es infinita. Nunca dejas a nadie atrás, siempre llevas a tu gente contigo, siempre compartes todo. Hemos reído y llorado juntas, y aquí seguimos 33 años después", ha expresado.

Por su parte, Tosar ha señalado que conoce "a la madre, a la hermana, a la hija, a la compañera, a la amiga, a todas las Penélopes", y ha afirmado que sin todas ellas "no se puede entender a la que hoy recibe el premio probablemente más importante con el que se puede galardonar a una cineasta en nuestro país".

"Todas ellas sois poderosas, firmes, entusiastas, solidarias, empáticas, simpáticas, revolucionarias, comprometidas, firmes, cariñosas, graciosas y todas ellas sois la misma y la única", ha subrayado, al tiempo que ha destacado que "cuando se tiene la oportunidad de compartir vivencias con una persona que se ha esforzado tanto por cumplir sus sueños y los de los demás no te queda más que agradecer poder estar a su lado y verla brillar".

Por su parte, Miquel Iceta ha dirigido palabras de felicitación a la artista laureada, manifestando que "entregarle este premio en San Sebastián, en el mayor de los festivales españoles, es también un reconocimiento a su proyección internacional, a su papel de embajadora, un agradecimiento a la forma en que con ella viaja la cultura española, con su riqueza y diversidad, sus profesionales y creativos".

Asimismo, el ministro ha puesto en valor a las mujeres del cine español "que abrieron camino en la meca del cine mundial: Sara Montiel, Carmen Sevilla, o la donostiarra Conchita Montenegro, la Greta Garbo española, que se retiró a los 33 años tras rodar 18 películas en el Hollywood de los años 50".

De esta forma, según ha señalado Iceta, "Penélope Cruz, con su fuerza, su vocación, continúa esa estirpe de mujeres audaces que supieron abrirse paso más allá de nuestras fronteras sin renunciar a sus raíces. Mujeres feministas antes que nadie, que, mucho antes de la toma de conciencia colectiva, lucharon por defender, como Penélope, su independencia, su criterio y su libertad".

La actriz Penélope Cruz ha sido galardonada este lunes con el Premio Nacional de Cinematografía, correspondiente al año 2022, a propuesta del jurado reunido, según ha informado el Ministerio de Cultura y Deporte, que concede anualmente el galardón, ha recogido Europa Press.

El jurado del premio, dotado con 30.000 euros, ha concedido por unanimidad el galardón a la actriz "por los éxitos cosechados en 2021, que se unen a todos los recogidos en una trayectoria excepcional".

El año pasado se alzó como la primera actriz española ganadora de la Copa Volpi en el Festival de Venecia. Y su cuarta candidatura a los premios Oscar la encumbra como "la actriz española más nominada de la historia".

Además, el jurado ha señalado que estos premios se suman a otros que "ya han reconocido su talento" como el premio a la mejor interpretación femenina en Cannes, junto con sus compañeras de reparto de Volver, el Oscar a la mejor actriz de reparto, el Cesar honorífico, el Premio Donostia en San Sebastián, y las trece nominaciones al Goya, de las que ha ganado tres.

El jurado también ha destacado a Penélope Cruz como "una de las cabezas visibles de una generación, la de los años 90, que supuso una renovación del cine español, participando en muchas de las películas emblemáticas y aclamadas internacionalmente".

"Desde entonces, su enorme talento y versatilidad le han abierto las puertas a colaborar con cineastas de todo el mundo manteniendo igualmente un firme vínculo con el cine español", ha señalado el jurado, destacando el compromiso de la actriz "con su oficio".

Para el jurado, la búsqueda de la "excelencia" en su trabajo, ha llevado a Penélope Cruz a crear algunos de los personajes "más inolvidables de la historia" del cine español. "Por todo ello, Penélope Cruz es una actriz icónica cuyo brillante legado enriquece el patrimonio cultural español", ha añadido el jurado en la motivación.

El Premio Nacional de Cinematografía recompensa la aportación más sobresaliente en el ámbito cinematográfico español, puesta de manifiesto preferentemente a través de una obra hecha pública o una labor profesional desarrollada durante el año 2021, o, en casos excepcionales debidamente motivados, se otorga como reconocimiento a una trayectoria profesional.

El galardón, que el ministro de Cultura y Deporte entrega habitualmente en el marco del Festival de San Sebastián, reconoció en su pasada edición a José Sacristán, uniéndose a una amplia lista de personalidades de la cinematografía española, entre quienes se encuentran Isabel Coixet, Antonio Banderas o Fernando Trueba, entre otros.

El jurado ha estado presidido por Beatriz Navas Valdés, directora general del Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA), y como vicepresidenta ha actuado Elisa Rodríguez Ortiz, subdirectora general de Promoción y Relaciones Internacionales del ICAA.

Como vocales han actuado Virginia Yagüe Romo, a propuesta de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España; Olatz Arroyo Abaroa, a propuesta de Autores Literarios de Medios Audiovisuales; María Aranzazu Aranguren Ilarregui, a propuesta de la Unión de Actores y Actrices; Almudena Carracedo Verde, a propuesta de la Asociación de Mujeres Cineastas y de Medios Audiovisuales (CIMA); y María José Blanes Martínez, Gonzalo de Pedro Amatria y Francisco Javier Calvo Guirao, a propuesta del ICAA.

Javier Bardem ya se encuentra en Los Ángeles para acudir en la noche del domingo a la 94ª edición de los premios Oscar en el Dolby Theatre de Los Ángeles, como nominado a mejor actor protagonista por su trabajo en la película Ser los Ricardo, según informa Europa Press. El español compite con Will Smith, Andrew Garfield, Denzel Washington y Benedict Cumberbatch.

Bardem es muy consciente de que será muy difícil hacerse con la estatuilla dorada, pero cree que su mujer, Penélope Cruz, tiene muchas posibilidades de llevarse el Oscar a casa. "Si hay una categoría que realmente es impredecible, es la de Mejor Actriz, y eso lo hace muy excitante. Es verdad que nadie tiene ni idea de quien puede ganar. Cualquiera de las cinco actrices puede ganar, y eso hace que Penélope lo vaya a pasar peor que yo. Yo estoy muy tranquilo y evidentemente soñando lo de ella. Sería impresionante, sería maravilloso", ha manifestado el actor durante un encuentro con medios de comunicación españoles celebrado en West Hollywood, entre los que se encontraba Europa Press.

"Es muy bonito, es muy importante que una actriz española esté en esa terna donde hay cinco actrices y que ninguna sea favorita porque los trabajos son medidos con igual respeto y apoyo por la Academia. Eso es muy importante para ella como actriz", ha señalado asegurando que no han hablado mucho porque la actriz no ha podido llegar hasta la noche del sábado por cuestiones de trabajo. "Creo que está muy excitada, muy nerviosa, muy alegre y también intentando no pensar en ello", ha explicado de la protagonista de Madres Paralelas.

El intérprete asegura que irá a la gala sin un discurso en mente, precisamente por eso, porque tiene muy claro que no va a ganar. "No me he preparado ningún discurso porque no tiene ningún sentido. Evidentemente, si sucediese, se lo dedicaría a mi madre (Pilar Bardem), a mi mujer y a mis hijos. Penélope tiene que preparar un discurso, y se está negando", ha revelado Bardem, quien se siente muy agradecido por su cuarta nominación al Oscar.

"El hecho de que mis compañeros de profesión, porque no dejan de ser compañeros de profesión, hayan estimado oportuno que mi trabajo esté considerando entre los cinco finalistas, me parece una verdadera pasada, me parece un honor. Eso ya me lo he quitado de encima. Ahora yo estoy con el pulso de lo de Penélope. Todo el mundo está muy expectante con que va a pasar ahí", ha asegurado.

Además, el actor ha elogiado el trabajo de los otros españoles nominados: Alberto Iglesias, compositor de la banda sonora de Madres Paralelas, y Alberto Mielgo, nominado al Oscar con su cortometraje animado El Limpiaparabrisas.

"El estar aquí es un honor, es evidente. Pero creo que, así como desearía muchísimo, como todos los que estamos aquí, que Alberto Iglesias y Alberto Mielgo ganasen, creo que son categorías difíciles para ellos. Ojalá sucediese, ya que ambos trabajos son muy respetados, muy seguidos y muy celebrados aquí", ha afirmado.

Al ser preguntado por su decisión de dedicar su vida al mundo de la interpretación, Javier tiene claro quien ha ayudado a hacer posible todos sus logros y triunfos en el cine. "Yo soy hijo de muchos accidentes, de muy buenos accidentes, de gente muy talentosa, muy cariñosa que ha confiado en mí desde el principio y que ha hecho que, de manera accidental, me hayan pasado cosas hermosas profesionalmente, que me han llevado hasta aquí. No solamente lo decidí yo, lo decidió la vida", ha dicho el actor.

"Yo, y sé que mi mujer también, somos conscientes de la suerte, la bendición que hemos tenido en este trabajo y lo reconocemos todos los días", ha puntualizado para añadir que ganar un Oscar es "abrumador".

"Yo recuerdo que no respiré, y hay que respirar. Subes y no respiras porque es todo tan abrumador. Sobre todo, lo que es abrumador es ver esa platea con gente a la que sigues, respetas, admiras, te inspira durante tantos años, y ver que te están mirando", ha dicho echando la vista atrás para recordar el momento en que se llevó la preciada estatuilla a mejor actor de reparto en 2008 por la película No es país para viejos.

"Recuerdo a mi madre, que es lo que más recuerdo y recuerdo estar mirándola a los ojos y dedicárselo a ella y a los cómicos de España y a la dignidad de este oficio tan hermoso que tenemos y a veces tan difícil y tan denostado", ha concluido.

No se puede decir que Competencia oficial sea la sátira cultural más afilada de los últimos tiempos. No hay que ir muy lejos para otorgar ese honor: en enero se emitía en la Ser Los Valientes, capítulo del programa de Juan Carlos Ortega en el que un actor ficticio era entrevistado por una susurrante locutora de radio que podría o no podría estar inspirada en Mara Torres. Una conversación de besugos en la que la entrevistadora asentía ante cada alegato pretendidamente valiente y cada frase manida que recitaba el actor, un tal Pablo Cantero que estaba a punto de estrenar un documental que criticaba el algoritmo de Netflix, producido por Netflix, y preparaba una obra de teatro que se proponía denunciar las injusticias. “¿Qué injusticias?”, preguntaba la locutora. “Todas. Por orden alfabético, de la A a la Z”, respondía él.

No ayuda a evitar comparaciones que ese Pablo Cantero fuera un actor argentino. Bien podría haberse llamado Iván Torres, como el personaje que interpreta Óscar Martínez en la película de  Mariano Cohn y Gastón Duprat. Iván también es un artista de renombre con una carrera comprometida, y también es un farsante, como quedará claro a lo largo de Competencia oficial. Todo es una farsa en esta comedia producida en España, pero con sabor argentino, que quiere reírse del llamado cine de prestigio y el motor que, según el guion de Cohn y los hermanos Duprat, guía dicho cine: el ego.

Un empresario multimillonario en plena crisis existencial se despierta un día con la necesidad de ser recordado como algo más que un magnate de la industria farmacéutica. ¿Servirá con construir un puente diseñado por un arquitecto famoso? No, finalmente se decanta por producir una película. Pero una película de las que van a festivales y ganan premios, dirigida por el mejor cineasta y protagonizada por los mejores actores. Sus intenciones y anhelos, así como las de los demás personajes que aparecerán después, son tan cristalinos como infantiles: la película no es más que el capricho de un viejo que quiere dejar su huella. “Que se sepa que la he producido yo”, dice. Cuando una obra artística nace de un deseo tan egoísta y deshonesto, mal vamos.

La directora elegida es Lola Cuevas (Penélope Cruz), una extravagante autora alabada por crítica y premios que, avisa, hará la película suya y no atenderá a exigencias ni imposiciones. Ella decide que los dos protagonistas sean Iván Torres, leyenda de la interpretación y maestro de actores, y Félix Rivero, estrella española que trabaja habitualmente en Hollywood, y que no sin intención está interpretado por Antonio Banderas. Juntos los tres se embarcarán en la tarea de adaptar al cine una laureada novela, por supuesto, escrita por un premio Nobel. Lola, bestia creativa indomable, planea hacer una interpretación muy libre. “Dejarás al menos un poco de la novela, ¿no? Que los derechos me han salido por un ojo de la cara”, le suplica el resignado productor.

El buffet de guiños, codazos y referencias morbosas está servido. Banderas, uno de nuestros actores más establecidos en el cine estadounidense, parece estar interpretando una versión caricaturizada de sí mismo (si obviamos que él ha aunado sin problemas éxito comercial con prestigio). Oscar Martínez, uno de los iconos del teatro argentino, da vida a un hombre que (aparentemente) desprecia a la estrella y al estrellato y se siente superior por su experiencia sobre las tablas. Cruz hace de una directora déspota que sacrifica el bienestar y la seguridad de sus actores en nombre de la obra que está creando. "Hemos construido una especie de Frankestein con nuestro imaginario, lo que hemos descrito y las personas que conocemos. Pero nunca desvelaremos los nombres reales de quienes nos han inspirado para crear este monstruo”, ha dicho la actriz en una presentación reciente de la película. Pero a nadie se le escapan los mitos y leyendas que rodean al director que ha moldeado su carrera, Pedro Almodóvar. Todo un juego autorreferencial que poco importará al público que no sea cinéfilo.

Aunque la ironía más grande está en la figura de ese productor interpretado con delicadeza, ternura y patetismo por José Luis Gómez. Competencia oficial está producida por la Mediapro de Jaume Roures, empresario que combina su faceta de tiburón de los medios con la de productor de obras de crítica social y política. Él fue el que recogió el Goya a la Mejor película por El buen patrón hace unas semanas, mientras muchos recordaban su criticado despido masivo de la plantilla del diario Público.

Tal y como le gusta a Roures, la película de Cohn y Duprat tiene varias pullas muy sutiles contra el privilegio. Como una memorable escena en la que Lola Cuevas destruye los premios más preciados de los dos protagonistas de su película mientras ellos observan atados, gritando impotentes. La directora asegura que es un ejercicio de humildad necesario para que encaren el rodaje con el ego destruido, pero cuando los tres abandonan el lugar la cámara sigue rodando para mostrarnos lo que ocurre después: una trabajadora tiene que limpiar el desastre que esos artistas pretenciosos han dejado tras de sí. Otro de los detalles más delicados está en la casa donde ensayan durante semanas, un edificio vacío de espacios gigantescos y diseño moderno, la sede de una fundación estéril creada para evadir impuestos. El cine visto no como proceso creativo sino como otra mentira más nacida del dinero.

Con esta comedia, el tándem de cineastas argentinos continúa en su línea de dar luz a las contradicciones y las estafas del arte y las industrias culturales que ya exploraron en El artista, Mi obra maestra o Ciudadano ilustre. Y aunque hay en ella varias situaciones demasiado alargadas y algunos subrayados muy obvios y trillados (la tensión entre el actor prestigioso y el comercial, el anhelo de ambos por poseer lo que el otro tiene), puede que les haya quedado su sátira más redonda.

Pero no porque sea una película perfecta, sino porque es una contradicción y una estafa en sí misma. Igual que la película que quiere producir ese farmacéutico millonario, Competencia oficial nace para recibir premios (se presentó a concurso en el Festival de Venecia) y recurre a las estrellas más famosas y veneradas (es muy probable que el personaje de Lola Cuevas hubiera sido más interesante y extremo en manos de otra actriz más enérgica y estrambótica que Penélope Cruz, que a veces parece estar interpretando de nuevo a Raimunda en Volver). Y como todos esos artistas de los que se reía Juan Carlos Ortega en su programa, Mariano Cohn y Gastón Duprat pretenden dejar un poso de trascendencia y valiente reflexión. Al final, más que por sus gags y sus mofas, puede que lo más divertido de Competencia oficial sea ver cómo se anula a sí misma. Si es intencionadamente o no, no queda muy claro.

Creo que Rafa Nadal jugando al tenis es de las cosas no importantes que más me emocionan en la vida. Me maravilla esa capacidad constante de poner el reloj de la paciencia a cero, de resetear la frustración, de empezar desde el principio en cada decepción que sufre en un partido. Nadal parece que no acumula sensaciones negativas: las vive, las absorbe, las somatiza y vuelve a correr de frente contra el muro con la misma fe con la que arranca cada partido. Me gustaría ser en la vida como Nadal jugando al tenis: tener esa capacidad de borrar lo que me aflige, de no cargarme con lo malo y de vivir sin una mochila de pesares y agobios. Cuando lo veo, siempre pienso: le acaban de ganar un punto, un juego o un set dolorosísimo y él lo ha olvidado para volver a batallar y a disfrutar. Me gusta, además, este Nadal crepuscular que vive los partidos como un escalador de los 90 subiendo el Mortirolo. Esa jeta sufriente, torcida pero serena. Mucho mejor que aquel Nadal explosivo del principio, que celebraba y exhibía musculatura en los puntos importantes, como si un raquetazo fuera un gol. No sé si ha cambiado porque se ha hecho mayor mentalmente o porque lo es físicamente y se ahorra esfuerzos que a su edad y con su kilometraje ya se pagarían.

Nadal saca el orgullo español que hay en mí, porque lo cierto es que si fuera de otro país lo aborrecería. Es decir: creo que no soy más español que cuando veo a Nadal. Y como español que soy, el Nadal que se manifiesta políticamente con esa contundencia neoliberal disfrazada de sentido común ("sentido común" es otra de esas expresiones que se ha apropiado el neoliberalismo) me cae mal, porque los españoles, también, somos gente a la que nos caen fatal los que políticamente son opuestos a nosotros. Me encantaría estar horas hablando con él de su prodigiosa manera de afrontar el tenis, le diría sin duda que lo admiro a morir, pero cuando me dijera que Albert Rivera era el presidente que necesitaba este país me pediría un taxi para volver a casa rápido.

Javier Bardem y Penélope Cruz me caen increíblemente bien. Bardem, creo, por sus posicionamientos políticos, por algunas cosas que sé de él de gente que lo conoce y porque coincidí un día con él y me pareció el tipo más majo de España. Cruz, creo, me flipa por lo rabiosamente de barrio que es, por cómo combina el asfalto que ha pisado con las toneladas de amabilidad y glamour que exuda, y porque al expresarse me transmite una bondad y una serenidad fantásticas.

Lo gracioso de esto es que puede que si los conociera todo lo que pienso cambiaría, pero por eso me gusta no encontrarme a la gente a la que admiro: por si acaso son gilipollas. ¿Qué necesidad tengo, si así los disfruto una barbaridad?

La cuestión es que si gozo tantísimo de los éxitos que tienen estas tres personas, es porque me une con ellos haber nacido en el mismo lugar, compartir códigos culturales, tener en común eso que nos une y que es la Patria. No sabría definirlo, pero es así. Mi amigo Iñako Díaz Guerra siempre dice que soy de las personas más patriotas que conoce, y hablamos de una persona que convive con unas pocas. Es verdad, lo soy. Y además tengo una excelente relación con ser español. Serlo a mi manera, eso sí.

La cuestión es que hay mucha gente que pone la Patria por bandera y que se alegra mucho por Nadal y poco por Bardem y Cruz. Hay otros que se congratulan mucho por Javier y Penélope pero poco por Rafael, pero esos ponen poco la Patria por bandera, la verdad sea dicha. Y como cada cual esgrime sus (lícitos) intereses y sentimientos para comportarse así pero solo unos se apropian de la Patria, pues al final me caen mejor los segundos y son los que quiero como compatriotas. La base de ser patriota, supongo, es no exigir adhesiones. Y querer el bien básico de los que comparten ese terreno común contigo. Los que lo tienen peor, sobre todo. Bueno, los que lo tienen peor, muy por encima de los demás.

Al final soy un patriota sin Patria, un español sin bandera. Alguien que querría que todos nos alegráramos de que triunfen Nadal, Cruz y Bardem pero entiendo más a los que se alegran por unos más que por el otro. Me jode porque me gustaría que fuéramos otro país, pero 40 años de dictadura y una Transición que prefirió la injusticia al desorden lo hacen imposible. ¿Qué me queda? Mis gritos cuando Nadal le remontó a Medvedev, mi emoción viendo a Cruz en 'Madres Paralelas' y el pasmo de admiración al ver a Bardem hablar, bailar, cantar y sentir la grandeza y la mucha miseria de su personaje en Being the Ricardos. Y alegrarme de que les vaya bien profesionalmente. Sus triunfos son míos por vía de la Patria. Y qué maravilla es eso. 

La actriz Penélope Cruz, que ha presentado en Madrid la nueva película de Pedro Almdóvar Madres Paralelas, ha asegurado "no entender" decisiones como la del reciente Festival de San Sebastián de eliminar la distinción de sexo en sus premios de interpretación, informa Europa Press.

"Me encanta el Festival de San Sebastián y el trabajo que hace José Luis Rebordinos (director del certamen), pero no estoy muy de acuerdo con esa decisión. No consigo entender en qué ayuda a nadie", ha señalado en una entrevista con Europa Press la actriz al ser preguntada por la polémica.

En cualquier caso, Cruz ha reiterado que se trata de una "opinión personal" y desconoce "si luego todos los festivales irán por el mismo camino o de momento solo son dos" -en esta edición del Festival de San Sebastián, el premio ha recaído en dos actrices ex-aequo, Flora Ofelia Hofmann Lindahl y Jessica Chastain-.

Cruz, primera actriz española en conseguir un Oscar y una Copa Volpi, ha reconocido que todavía disfruta con que los premios le "sigan sorprendiendo y emocionando como la primera vez". "El primer premio que me dieron fue con mi nominación al Goya por Jamón, Jamón Jamón, Jamóny lo viví con muchísima ilusión ", ha recordado.

Sobre sus posibilidades de lograr un nuevo Oscar con este trabajo, ha señalado que lo afronta "sin aspirar a nada y, luego si pasa, es una gran alegría y sorpresa". "En Venecia me eché a llorar, porque por mucho que te digan que va a pasar es muy difícil. Estas cosas son lo que son, ni hay que darle importancia ni quitársela. Pero claro que se vive con ilusión y agradecimiento", ha remarcado.

Tras varias colaboraciones con el director manchego, ha afirmado que le "sigue encantando" escuchar la etiqueta de 'chica Almodóvar'. "Me encanta cuando me lo llaman, era mi sueño desde niña", ha apuntado, una afirmación que también comparten sus compañeros de reparto, casualmente todos ellos debutantes con el realizador de Hable con ella.

En el caso de Israel Elejalde, incluso se ha llevado con humor el término al lenguaje inclusivo. "Huyo de las etiquetas porque no es algo que me guste especialmente, pero si tengo que tener una, chico o 'chique' Almodóvar me parece estupenda y la llevo con mucho orgullo", ha apuntado.

Para Aitana Sánchez-Gijón resulta "un privilegio" el trabajo con Almodóvar, "sobre todo ya a estas alturas de carrera". "Creo que ya llevamos una trayectoria de muchos años y afrontas esto como un regalo: la guinda del pastel. Si me hubiera pillado más jovencita no lo habría llevado con tanta ligereza", ha destacado.

Para Milena Smit, supone "un halago" que Almodóvar haya apostado por ella después de su debut con Mario Casas en No matarás. "He tenido la suerte de que uno de los mejores directores del mundo quiera contar contigo en un proyecto y eso es un auténtico regalo. Para mí ha sido algo mágico", ha resaltado.

"Más muertos que en Camboya"

En Madres paralelas está de fondo la memoria histórica en España, algo que Cruz considera que "más que un debate, debería ser un derecho para las familias". "No creo que a estas alturas que sea algo que tenga que generar un debate. Hay una parte en que mi personaje cuenta por qué cree que esto es importante y que las generaciones conozcan esto que ha pasado en España, más allá de las ideas políticas de cada uno", ha resaltado.

Por su parte, Elejalde ha cuestionado que haya políticos en España que "justifiquen la resistencia" a abrir fosas comunes de la Guerra Civil. "Me gustaría que esos políticos intentaran explicárselo a otro político de fuera: probablemente no lo haría y escamotearía el tema, porque es injustificable", ha destacado.

Sánchez-Gijón ha recordado cómo en el Festival de Venecia "mucha gente se acercaba para preguntar cómo es posible que eso ocurra en España". "Por eso es tan importante que alguien como Almodóvar esté contando esta historia, porque él accede al mundo entero: tenemos más muertos en las cunetas que incluso Camboya, eso no se puede creer", ha concluido.

La actriz española Penélope Cruz ha ganado este sábado la Copa Volpi a Mejor Actriz en el Festival de Venecia por su actuación en la película Madres paralelas del director Pedro Almodóvar, según informa Europa Press.

La intérprete también optaba al galardón por otro filme, Competencia oficial, Competencia oficialde los argentinos Mariano Cohn y Gastón Drupat, pero finalmente su interpretación en Madres paralelas le ha dado este reconocimiento internacional, siendo así la primera actriz española que logra la Copa Volpi en este festival de Venecia.

En su discurso, en inglés, ha dedicado el premio a su familia y, en especial a su madre. "A mi madre, Encarna, la mejor maestra y amiga; y a mi suegra, Pilar Bardem", a la que ha recordado tras su fallecimiento hace dos meses. "Va por ellas dos y todas las madres", ha culminado la actriz.

Almodóvar, Penélope Cruz, Amenábar, Bayona, Antonio de la Torre o Belén Cuesta serán algunos de los actores que se subirán este sábado 6 de marzo al escenario del Teatro del Soho CaixaBank de Málaga durante la gala de los Premios Goya 2021, que celebra su 35 edición en un formato híbrido debido a la pandemia provocada por el covid, según informa Europa Press. 

Según ha informado la Academia de Cine en un comunicado recogido por Europa Press, los galardones de este año, con los que se reconocerán a los mejores artistas y técnicos de la cinematografía nacional contarán con la presencia de los conductores de la ceremonia, Antonio Banderas y María Casado, así como de los intérpretes y cineastas que entregarán los premios; mientras que los 166 nominados de esta edición estarán conectados telemáticamente desde sus casas.

Quienes presentarán a los nominados y desvelarán los nombres de los galardonados serán Pedro Almodóvar, Penélope Cruz, Alejandro Amenábar, Juan Antonio Bayona, Paz Vega, Belén Cuesta, Antonio de la Torre, María Barranco, Najwa Nimri, Leonardo Sbaraglia, Carlos Areces, Julián López, Adrián Lastra, Hiba Abouk, Marta Etura, Maggie Civantos, Natalia Verbeke, Tristán Ulloa, Daniela Santiago, Jon Kortajarena, Marta Nieto, Antonio Velázquez, Mónica Randall, Verónica Forqué, Elena Irureta, Pedro Casablanc, Jaime Chávarri, Emma Suárez, Marisa Paredes, Roberto Álamo, Jose Coronado, Chus Gutiérrez y Gracia Querejeta. En la velada, Ángela Molina recibirá in situ el Goya de Honor.

Los Goya también contarán con la presencia telemática de grandes nombres del cine internacional como Robert de Niro, Al Pacino, Dustin Hoffman, Helen Mirren, Charlize Theron, Isabelle Huppert, Monica Bellucci, Salma Hayek, Sylvester Stallone, Emma Thompson, Benicio del Toro, Ricardo Darín y Laura Dern. En total, más de 30 nombres saludarán a la audiencia de la gala y lanzarán mensajes de apoyo a la cinematografía española desde localizaciones de todo el mundo.

Además, la Sinfónica de Málaga, junto al maestro Arturo Díez Boscovich, pondrá la nota musical a una ceremonia en la que se escucharán bandas sonoras de Ennio Morricone y actuarán la argentina Nathy Peluso, la malagueña Vanesa Martín y la catalana Aitana. En el homenaje a Luis García Berlanga en el centenario de su nacimiento participarán la cantante Diana Navarro y el humorista, actor e imitador Carlos Latre que, caracterizado de Pepe Isbert, recordará al maestro valenciano.

La 1 de TVE retransmitirá en directo, a partir de las 22:00 horas, una ceremonia que persigue ser "el evento en el que se prendió la llama de la recuperación", como aseguró en la presentación Antonio Banderas. El actor malagueño y la periodista María Casado se estrenan como directores, presentadores y guionistas de esta cita cinematográfica producida por la Academia de Cine en colaboración con Teatro Soho Television, con la producción ejecutiva de Ana Amigo, Yousaf Bokhari, Sol Carnicero y Rafael Portela, y la realización de Jordi Vives.

Con 13 nominaciones, Adú es la cinta con más opciones, seguida de Las niñas y Akelarre, que aspiran a 9 Goyas cada una, una más que La boda de Rosa. Las cinco producciones que se disputan el premio a la mejor película son Adú, de Salvador Calvo; Ane, de David Pérez Sañudo, con 5 nominaciones; La boda de Rosa, de Iciar Bollaín; Las niñas, de Pilar Palomero; y Sentimental, de Cesc Gay, con 5 posibilidades de premio.

El camino hasta llegar a esta gala ha sido largo y, de hecho, se tardó en fijar una fecha –los Goya habitualmente suelen celebrarse en febrero–. Además, fue este mismo mes de febrero cuando el presidente de la Academia de Cine, Mariano Barroso, anunció que los nominados no acudirán a la celebración.

"Tenemos que ser realistas y vamos a hacer una gala híbrida, con directos y telemática. Hay que cumplir todos los protocolos y esto lanza un mensaje a todos los colectivos: esto es una lucha mundial. La pandemia se ha recrudecido y ahora estamos en un momento álgido, no sabemos cómo se llegara al 6 de marzo, pero por eso", explicaba entonces el actor Antonio Banderas.

Tampoco se contará con la presencia in situ de representantes políticos, tal y como han asegurado a Europa Press fuentes institucionales. Desde la Academia de Cine ya han confirmado a diversas autoridades que en la edición de este año se apostará por la gala televisiva y, por lo tanto, no contará con nadie de público, incluidas las presencias políticas habituales en otras ediciones.

De hecho, la asistencia de políticos ha sido habitual en anteriores galas e incluso ha sido motivo de polémicas. Por ejemplo, la organización de los Premios Goya invitó por primera vez el año pasado a Vox a acudir a su gala anual, aunque el líder de la formación, Santiago Abascal, declinó asistir.

Respaldo de académicos

Esta decisión de una gala telemática ha sido bien acogida por parte de los académicos, al menos en lo que respecta a los candidatos al Goya a mejor película preguntados al respecto por Europa Press.

Icíar Bollaín (La boda de Rosa), Cesc Gay (Sentimental), Salvador Calvo (Adú), David Pérez Sañudo (Ane) y Pilar Palomero (Las niñas) coincidieron en resaltar su "pena" ante la celebración de una gala telemática, aunque respetando la decisión de la Academia de Cine "en tiempos de pandemia" y esperando que el resultado televisivo sea "al menos un espectáculo".

Incluso actores como Eduardo Noriega, que pese a no estar nominado este año sí ha sido habitual en otras ediciones, también han respaldado la decisión. "Lamentablemente, estamos viviendo una pandemia y hay que cuidarse y dar ejemplo y no me parecería bien un festejo multitudinario. La Academia ha tomado una buena decisión", señalaba en una entrevista con Europa Press.

Además de los participantes en los espectáculos de la gala, otros que también sí estarán presentes en Málaga son los entregadores de los cabezones. "Es un número relativamente pequeño y es más fácil de controlar", justificaba Banderas en la rueda de prensa de presentación de la gala.

Dolor y Gloria, el último trabajo de Pedro Almodóvar, ha sido elegida como la mejor película de 2019 por la revista TimeTime. La cinta del director manchego se ha impuesto en esta lista a los nuevos filmes de Martin Scorsese, El irlandés y de Quentin Tarantino, Érase una vez en... Hollywood, que completan los tres primeros puestos de la clasificación elaborada por la crítica Stephanie Zacharek. De Dolor y Gloria Zacharek destaca la interpretación de Antonio Banderas en "el papel de su vida" como el cineasta Salvador Mallo, un reflejo del propio Almodóvar, "que sufre tal dolor físico que no está seguro de si volverá a trabajar de nuevo", y el trabajo de "una radiante Penélope Cruz" que da vida a la madre del cineasta en su infancia.

"Dolor y Gloriapuede ser la película más resplandeciente y conmovedora de Almódovar, una paleta de colores vibrantes y emociones aún más intensas, y un himno a esa fuerza misteriosa sea lo que sea que nos mantiene en marcha durante días, meses o años antes de que nuestros cuerpos nos traicionen", afirma Zacharek que en su lista de lo mejor del año coloca a Martin Scorsese y los gánsteres encarnados por Robert De Niro, Joe Pesci y Al Pacino en El irlandés en segundo lugar. La medalla de bronce es para Érase una vez en... Hollywood, la novena película de Quentin Tarantino ambientada en la meca del cine a finales de los sesenta y que está protagonizada por Leonardo DiCaprio, Brad Pitt y Margot Robbie.

El cuarto lugar es para Historia de un matrimonio, un drama producido por Netflix, al igual que El irlandés de Scorsese, que retrata la separación de una pareja encarnada por Scarlett Johansson y Adam Driver. El quinto lugar es para Mujercitas, la nueva versión del clásico de Louisa May Alcott dirigida en esta ocasión por Greta Gerwig (Lady Bird) y protagonizada por Saoirse Ronan, Emma Watson, Timothée Chalamet, Laura Dern, Meryl Streep y Florence Pugh.

Completan la lista de las diez mejores películas del año Parásitos, la aclamada e inclasificable cinta del surcoreano Bong Joon Ho; Puñales por la espalda, filme detectivesco escrito y dirigido por Rian Johnson; Yo soy Dolemite, el filme de Netflix protagonizado por Eddie Murphy; Un amigo extraordinario, la última película de Tom Hanks dirigida por Marielle Heller; y Estafadoras de Wall Street, la cinta protagonizada por Jennifer López basada en la historia real de un grupo de bailarinas de estriptis se une para estafar a sus clientes, los adinerados magnates de Wall Street.

Penélope Cruz recibirá uno de los Premios Donostia en la próxima edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, según ha anunciado su director, José Luis Rebordinos, este viernes. La actriz, que estará muy presente en la próxima temporada de festivales por su participación en Dolor y gloria, de Pedro Almodóvar, que compite en Cannes, será la imagen de esta 67ª edición, que se celebrará este año del 20 al 28 de septiembre en la capital guipuzcoana.

Según ha aclarado Rebordinos durante una rueda de prensa en San Sebastián, la organización prevé que este año haya dos o tres Premios Donostia, pero ha indicado que todavía están trabajando en ello y que no pueden confirmar ningún nombre más. Es habitual que sean varios artistas los reconocidos por este galardón de honor: sin ir más lejos, en la pasada edición fueron premiados la actriz Judi Dench, el cineasta Hirokazu Koreeda y el actor Danny DeVito. El responsable del certamen ha añadido que ya hay también "cinco películas" aseguradas para la Sección Oficial y "en un mes, mes y algo, estará hecho el 80%" del festival de este año.

Acompañado de la directora de comunicación del Zinemaldia, Ruth Pérez de Anuncita, el director ha presentado los carteles de esta edición, elaborados por el estudio TGA, y ha señalado que están muy orgullosos de que Cruz haya aceptado este galardón y sea imagen de la Sección Oficial, por el que ha pasado desde los inicios de su carrera.

Rebordinos ha aclarado que, a partir de ahora, el cartel de la sección oficial no tendrá que estar vinculado al Premio Donostia y que lo de este año ha sido "una coincidencia maravillosa". Además, ha apuntado que su imagen es "un guiño al cine" en general, no solo al español ,que en su opinión "pasa por un muy buen momento", puesto que es "nuestra actriz más internacional".

Sony Pictures acaba de presentar el primer tráiler de Dolor y Gloria, el nuevo filme de Pedro Almodóvar, que llegará a las salas de cine españolas el próximo 22 de marzo. Una película que habla de la creación, de la dificultad de separarla de la propia vida y de las pasiones que le dan sentido y esperanza.

Al ritmo de Come sinfonia en la voz de Mina, el adelanto muestra al elenco protagonista, formado por intérpretes de renombre como Penélope Cruz, Antonio Banderas, Asier Etxeandía, Leonardo Sbaraglia, Nora Navas y Julieta Serrano.

Según la sinopsis oficial, "Dolor y Gloria narra una serie de reencuentros de Salvador Mallo, un director de cine en su ocaso. Algunos de ellos físicos, otros recordados: su infancia en los años 60, cuando emigró con sus padres a Paterna, un pueblo de Valencia en busca de prosperidad, el primer deseo, su primer amor adulto ya en el Madrid de los 80, el dolor de la ruptura de este amor cuando todavía estaba vivo y palpitante, la escritura como única terapia para olvidar lo inolvidable, el temprano descubrimiento del cine y el vacío, el inconmensurable vacío ante la imposibilidad de seguir rodando".

Así, en la recuperación de su pasado, Salvador encuentra la necesidad urgente de narrarlo, y en esa necesidad, encuentra también su salvación.

American Crime Story: El asesinato de Gianni Versace, lidera con cuatro candidaturas las nominaciones a los Globos de Oro 2019 en las categorías televisivas. El vicio del poder, el filme sobre la figura de Dick Cheney, encabeza con seis nominaciones las categorías de cine de los premios que entrega anualmente la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood, según recoge Europa Press. Entre los nominados destacan los nombres de Penélope Cruz y Antonio Banderas por sus interpretaciones como Donatella Versace y Pablo Picasso, respectivamente. Los galardones se entregaran el próximo 6 de enero.

En el apartado televisivo, a American Crime Story: El asesinato de Gianni Versace le sigue, con tres nominaciones cada una, La maravillosa Sra. Maisel, El método Kominsky, A Very English Scandal, Heridas abiertas, The Americans, Homecoming y Barry.

Junto a Barry, las nominadas a mejor serie en la categoría de comedia o musical son La maravillosa Sra. Maisel, Kidding, The Good Place y El método Kominsky. En la categoría de mejor drama, acompañan a The Americans, las series Killing Eve, Bodyguard, Pose y Homecoming. En la categoría de mejor miniserie o telefilme los cuatro títulos nominados junto a American Crime Story: El asesinato de Gianni Versace son El Alienista, Fuga en Dannemora, Heridas abiertas y A Very English Scandal.

En los apartados de interpretación, al Globo de Oro mejor actriz protagonista en una serie drámatica están nominadas Sandra Oh por Killing Eve, Keri Russell por The Americans, Caitriona Balfe por Outlander, Elisabeth Moss por The Handmaid's Tale y Julia Roberts por Homecoming. En comedia, las candidatas son Allison Brie por Glow, Kristen Bell por The Good Place, Candice Bergen por Murphy Brown, Rachel Brosnahan por La maravillosa Sra. Maisel y Debra Messing por Will y Grace.

En la categoría de miniserie o telefilme las candidatas al premio a la mejor actriz protagonista son Amy Adams por Heridas abiertas, Patricia Arquette por La fuga en Dannemora, Connie Britton por Dirty John, Regina King por Seven Seconds y Laura Dern por The Tale. También se ha colado en las nominaciones la española Penélope Cruz, que opta al premio a mejor actriz de reparto en una miniserie o película para televisión por su interpretación de Donatella Versace en American Crime Story: El asesinato de Gianni Versace en una categoría en la que también están nominadas Alex Borstein por The Marvelous Mrs. Maisel; Patricia Clarkson, por Heridas abiertas; Thandie Newton, por Westworld y Yvonne Strahovski, por The Handmaid's Tale.

Del lado masculino, al Globo de Oro al mejor actor en una serie dramática están nominados Jason Bateman por Ozark, Stephan James por Homecoming, Richard Madden por Bodyguard, Billy Porter por Pose y Matthew Rhys por The Americans. En comedia los candidatos son Jim Carrey por Kidding, Bill Hader por Barry, Sacha Baron Cohen por Who Is America, Michael Douglas por El método Kominsky y Donald Glover por Atlanta.

En la categoría de mejor actor protagonista en una miniserie o telefilme, el español Antonio Banderas está entre los nominados por su papel en la producción de National Geographic Channel Genius: Picasso. Sus rivales por el premio son Daniel Brühl por The Alienist, Benedict Cumberbatch por Patrick Melrose, Hugh Grant por A Very English Scandal y Darren Criss por American Crime Story: El asesinato de Gianni Versace.

En cine

En el apartado de cine, El vicio del poder, el filme protagonizado por Christian Bale centrado en la figura de Dick Cheney, vicepresidente de Estados Unidos durante los años en los que George W. Bush estuvo al frente gobierno del país norteamericano, lidera las nominaciones con un total de seis candidaturas, por delante de La favorita, Ha nacido una estrella y Green Book, las tres con cinco nominaciones cada una.

Las nominadas al premio a la mejor película en la categoría de drama son Black Panther, Infiltrado en el KKKlan, Bohemian Rhapsody, El blues de Beale Street y Ha nacido una estrella. En la categoría de comedia o musical, optan al Globo de Oro como mejor película Crazy Rich Asians, La favorita, Green Book, El regreso de Mary Poppins y El vicio del poder.

Al Globo de Oro a la mejor película de habla no inglesa optan Roma, del mexicano Alfonso Cuarón, la libanesa Cafarnaún, Un asunto de familia del japonés Hirokazu Koreeda, la cinta belga Girl y la alemana Obra sin autor. Al premio al mejor lagometraje de animación optan Los Incredibles 2, Isla de perros, Mirai, Ralph rompe Internet y Spider-Man: Un nuevo universo.

Al premio al mejor director optan Alfonso Cuarón por Roma, Adam McKay por El vicio del poder, Bradley Cooper por Ha nacido una estrella, Peter Farrely por Green Book, y Spike Lee por Infiltrado en el KKKlan.

En el apartado interpretativo, las nominadas al Globo de Oro a la mejor actriz en drama son Lady Gaga por Ha nacido una estrella, Nicole Kidman por Destroyer, Melissa McCarthy por ¿Podrás perdonarme algún día?, Glenn Close por La buena esposa, Rosamund Pike por A private War. En la categoría de comedia o musical optan al premio Emily Blunt por El regreso de Mary Poppins, Olivia Colman por La favorita, Elsie Fischer por Eight Grade, Charlize Theron por Tully y Constance Wu por Crazy Rich Asians.

Del lado masculino los nominados a mejor actor en un drama son Bradley Cooper por Ha nacido una estrella, Willem Dafoe por Van Gogh, a las puertas de la eternidad, Lucas Hedges por Identidad borrada, Rami Malek por Bohemiam Rhapsody, y John David Washington por Infiltrado en el KKKlan. En comedia, los candidatos son Christian Bale por El vicio del poder, Lin Manuel Miranda por El regreso de Mary Poppins, Viggo Mortensen por Green Book, Robert Redford por The Old Man and The Gun, y John C. Reilly por Stan & Ollie.

La gala se celebrará el 6 de enero

Los actores Terry Crews, Danai Gurira, Leslie Mann y Christian Slater han sido los encargados de anunciar la lista de nominados de los premios que anualmente otorga la Asociación de Prensa Extranjera de Hollywood (HFPA) y cuya gala de entrega tendrá lugar el 6 de enero de 2019 en el Beverly Hilton Hotel de Los Ángeles.

La ceremonia estará conducida por Sandra Oh (Anatomía de Grey, Killing Eve) y Andy Samberg (Brooklyn Nine-Nine, Popstar)Anatomía de Grey, Killing EveBrooklyn Nine-Nine, Popstar, que toman así el testigo de Seth Meyers, presentador de la última edición de la gala. Isan Elba, la hija del actor Idris Elba (The Wire, Luther), es la embajadora en la 76ª edición de los Globos de Oro.

“¿Sabes por qué nos gusta tanto la infancia? Porque en la infancia no hay pasado, por eso nos sentimos libres. El pasado nos agarra y no nos deja seguir”. Sabe de lo que habla el director iraní Ashgar Farhadi (Khomeini Shahr, 1972), ganador de dos premios Oscar y experto creador de personajes cautivos de su pasado. En él quedó grabada también una imagen que durante 15 años no pudo sacarse de la cabeza: los carteles de una niña desaparecida pegados por todo un pueblo del sur de España en el que veraneaba con su familia. Este viernes se estrena Todos lo saben, la película que ha trasladado a la pantalla aquella emoción que nunca ha podido olvidar.

El creador de la fantástica Nader y Simin, una separación (con la que se llevó su primer Oscar y el Oso de Oro, entre otros prestigiosos galardones), ha contado para este proyecto con la aristocracia de la interpretación española. El elenco suma dos Oscar, varios Goya y un buen puñado de nominaciones: Penélope Cruz, Javier Bardem, Ricardo Darín, Eduard Fernández, Inma Cuesta, Bárbara Lennie, Elvira Mínguez y Ramón Barea. Todos ellos componen un fresco familiar en el que los viejos rencores y las envidias siguen latiendo bajo una aparente cordialidad. 

En su habitual mezcla de drama y thrillerthriller, Farhadi narra el regreso de Laura (Cruz) desde Argentina a su pueblo natal para asistir a la boda de su hermana (Inma Cuesta). Un suceso inesperado trastocará todos sus planes, haciendo que las rencillas florezcan en el momento más innecesario. Como hiciera en A propósito de Elly, el director divide la obra en dos escenarios claramente diferenciados: el jolgorio inicial da paso a una asfixiante angustia que pondrá a prueba a todos los personajes. Al igual que en aquel trabajo, el iraní también concede a todos los personajes la posibilidad de justificarse frente al espectador. “Yo creo en el personaje gris, pero eso no quiere decir que lo malo y lo bueno estén al mismo nivel. Puede hacer algo que no compartimos, pero al menos le damos la oportunidad de que explique por qué lo hace”, ha explicado el cineasta en la charla que ha ofrecido este jueves en la Academia de Cine. Todos lo saben inauguró la última edición del festival de Cannes con críticas para todos los gustos.

Pese al reto que le supone hacer cine fuera de su país (en 2013 rodó en Francia El pasadoEl pasado), Farhadi ha reconocido muchas de las costumbres de su país en España. Antes de iniciar el rodaje, se pegó a un traductor y se instaló durante un año en Madrid para tratar de captar y entender todos los detalles de idiosincrasia española. “Las diferencias no son tantas como pensamos”, asegura quien destaca por saber transmitir a través de su cine sentimientos universales. Tampoco le supuso ningún obstáculo desconocer el idioma. “Los directores, para transmitir algo, hablan mucho y eso también puede dar lugar a malentendidos con los actores. Sin embargo, cuando no sabes un idioma, dices directamente lo que quieres”, ha confesado. “Eduard Fernández me contó que su padre pintaba y que, para imaginar los cuadros, cerraba los ojos. Es algo parecido a trabajar con actores con los que no compartes una lengua”.

No obstante, antes de meterse en faena, Farhadi habló mucho con sus actores y, sobre todo, les ofreció una “llave” en la que pudieran apoyarse a lo largo del rodaje. “Por ejemplo, Darín me preguntó por qué su personaje podía tener tanta fe en dios y, a la vez, tantas dudas. Así que le expliqué que estaba basado en el Hamlet, de Shakespeare, alguien que no puede decidir y al final se sacrifica. Él era Hamlet en un pueblo español”. La consigna para Bardem fue que entendiese a su personaje como un niño de 45 años; mientras que Cruz tenía que acercarse a Laura a través de la imagen de una loba que pierde a su cría: hace todo lo que pueda para encontrarla, pero no de manera pasiva, sino que también puede llegar a  morder.

Construir una historia a partir de una imagen

Estos flashes definen muy bien la forma de trabajar del iraní, que además del cine también dirige teatro. “En Nadir y Simin tenía la imagen de alguien lavando a su padre anciano y, en un momento, comienza a llorar y apoya la cabeza en el hombro de su padre. Quería convertir esa imagen en película y me empecé a preguntar por qué estaba solo ese hombre. Las respuestas a esa y otras preguntas me hicieron crear la historia”, ha utilizado de ejemplo. Tras el esbozo, Farhadi comienza a podar, a eliminar la información innecesaria, hasta encontrar el mensaje que quiere transmitir con esa historia. Es ahí donde aparece ese pasado que mantiene cautivas a las personas; pero también la amistad, el respeto al otro, el pudoroso rencor hacia quien se va del pueblo y prospera, la altivez sutil de quien vuelve al pueblo después de prosperar. 

Sobre otros aspectos de la industria, como la aparición y gran auge de plataformas como Netflix (Alfonso Cuarón acaba de ganar en el festival de Venecia con Roma, película producida por Netflix), Farhadi se ha mostrado bastante pesimista. Él, al igual que los responsables del festival de Cannes, considera imprescindible el paso previo por las salas de cine, debate clave en este asunto. Tampoco está muy satisfecho con el tipo de consumo de fomentan las series, pese a reconocer su calidad. “En las series todo es demasiado rápido, en cada minuto ocurre un suceso. Eso no permite que el espectador reflexione y, cuando te acostumbras, sólo disfruta al estar todo el rato emocionado y el cine le parece lento". Y advierte sobre ese necesario espacio para la reflexión: "Esto es peligroso. Las series están cambiando el gusto del espectador”.

Sin duda, el de Darín, el actor argentino más querido y popular en España, es un Donostia merecido, y con el mismo cariño recibido. El protagonista de El secreto de sus ojos, El hijo de la novia o TrumanEl secreto de sus ojosEl hijo de la noviaTruman, no muy predispuesto a hablar con los medios de uno en uno, agradeció la deferencia diciendo que este homenaje es "algo muy lindo", que le ha obligado a "mirar hacia atrás", cosa que normalmente no hace, "y recordar cosas, sensaciones, abrazos, amores...".

Darín, con pelo y barba poblados por exigencias de la película que filma en Madrid a las órdenes del iraní Asghar Farhadi, junto a Penélope Cruz (su mujer en la ficción) y Javier Bardem, llegó acompañado por La cordillera, la película que estrenó en Cannes, dirigida por Santiago Mitre, en la que interpreta a un particular presidente argentino "de provincias" enfrentado a los compromisos del poder.

"No puedo creer que todos los políticos sean unos hijos de puta. Soy de los ingenuos que cree que hay un montón de funcionarios públicos que se levantan y bregan por el bien común, pero tenemos un 10% de hijos de puta que nos están aplastando la cabeza", comentó Darín, quien, sin mojarse directamente en política, ha mantenido desde hace años una postura crítica respecto a las injusticias en su país.

Una vez más, el astro argentino mostró su cansancio sobre la otra cara de su moneda actoral, el anverso de los premios, los éxitos de taquilla y el prestigio, es decir la fama y la presión mediática: "No hay nada que disfrute más que estar con mi familia y tengo la sensación de que cada vez me cuesta más. Tiene que ver con cierta parafernalia alrededor de los personajes que trabajan en cine y teatro y no con el oficio en sí. A mí no me interesa la vida de los actores, me interesa su trabajo", sentenció.

El Día Darín ha elevado las críticas entre los enviados especiales de los medios sobre el cierto descontrol que exhibe la programación del festival, con jornadas de tres películas, con pases en cines y horarios diversos, frente al de este martes, con una sólo película y el horario estelar para La cordillera, que no va a concurso. El Festival de San Sebastián ha crecido mucho... demasiado. Se está volviendo inabarcable y difícil de seguir sin perderse eventos relevantes. Algunos de los festivales más importantes, como el de Toronto, han asumido que mayor no es necesariamente mejor, y han empezado a reducir su programación. Las películas fuera de concurso o proyecciones especiales no son equiparables a las de otros festivales internacionales, y el otro día un director francés protagonizó una espantada en su rueda de prensa cuando encontró la amplia sala de medios casi vacía. Ojalá, tras el festival, el director José Luis Rebordinos reflexione e imponga una agenda menos agobiante y más ordenada para que tanto esfuerzo no acabe diluido en el desconocimiento público.

Volviendo al filme del día, Pororoca, del rumano Constantin PopescuPororoca, es un largo melodrama que con paciencia de entomólogo realiza la autopsia de una relación de pareja y la crisis personal de un padre con sentimiento de culpa tras la súbita desaparición de su hija pequeña en un parque público. La acción se desarrolla a diferentes ritmos para seguir al hombre durante cerca de dos meses, reducidos a dos horas y media de metraje, bregando con su sentimiento de culpa, mientras intenta encontrar a su hija ante el desinterés policial. Popescu confesó que planea estrenar en su país una versión "extendida", porque en la "internacional", la exhibida aquí, "faltan cosas". Nos echamos a temblar... Uno puede entender que para contar el desembarco de Normandía o la Revolución rusa se necesiten tres horas de metraje, pero probablemente otro director podría contar esta historia en hora y media, y hasta quedaría mejor.

© Carolina G. Guerrero (San Sebastián) —NOTICINE.com

Una película en inglés, Life and nothing, del director Antonio Méndez Esparza; una segunda en euskera, Handia, la nueva apuesta de los creadores de Loreak; y otra en castellano, El autor, lo último de Manuel Martín Cuenca (Caníbal), han sido los tres primeros filmes confirmados por el Festival Internacional de Cine de San Sebastián para competir en su sección oficial. La cuarta cinta que optará a la Concha de Oro -una coproducción española dirigida por un director no español- no se conocerá hasta el miércoles 2 de agosto por una serie de "detalles", según han explicado José Luis Rebordinos, director del festival, y Ruth Pérez de Anucita, responsable de comunicación, este viernes en la Academia de Cine. 

Entre las grandes novedades de la 65 edición del certamen donostiarra, que se celebrará del 22 al 30 de septiembre, destaca la presencia por primera vez de dos series de televisión en dos secciones diferentes. Se trata de La peste, el debut televisivo del director Alberto Rodríguez (La isla mínima), seleccionada en la sección oficial, aunque fuera de concurso; y Vergüenza, de Juan Cavestany y Álvaro Fernández Armero, una comedia de diez capítulos que se podrá ver -y competirá- en el ciclo Zabaltegi-Tabakalera. La televisión también estará presente en la cita a través de la película Fe de etarras, la alocada comedia de Borja Cobeaga producida por Netflix que se podrá ver en el Velódromo. Por otro lado, La llamada, la adaptación cinematográfica del exitoso musical dirigido por Javier Ambrossi y Javier Calvo, se estrenará el 28 de septiembre en la gala de RTVE, un día antes de que llegue a los cines. 

La esperada visión de Fernando León de Aranoa sobre Pablo Escobar, Loving Pablo, protagonizada por Javier Bardem y Penélope Cruz, clausurará Perlas. La cinta lleva al cine la historia de amor entre el famoso narco colombiano y la periodista Virginia Vallejo a mediados de la década de los ochenta y también se presentará fuera de concurso en la 74 Edición de la Mostra de Venecia, según se ha conocido esta semana. 

El cineasta Manuel Martín Cuenca ya es un viejo conocido del festival de San Sebastián, donde presentó La flaqueza del bolchevique (2003), Malas temporadas (2005) y CaníbalCaníbal, que se llevó el premio a mejor fotografía en 2013. La obra seleccionada para esta edición, El autor, es un drama basado en la novela El móvil,  la primera que escribió Javier Cercas, y está protagonizada por Javier Gutiérrez, María León y Antonio de la Torre.

José Mari Goenaga y Jon Garaño, responsables de Loreak, película seleccionada como candidata española a los Oscar de 2015 y nominada a dos premios Goya, presentarán en San Sebastián el drama histórico Handia, dirigida por el propio Garaño junto a Aitor Arregi. La película, inspirada en hechos reales, cuenta la historia de Martín que, tras haber luchado en la Primera Guerra Carlista y volver al caserío familiar en Gipuzkoa, descubre que su hermano menor, Joaquín, es mucho más alto de lo normal. Juntos emprenden un viaje por toda Europa que cambiará el destino de su familia. Handia se estrenará en salas comerciales el 20 de octubre. 

Por otro lado, el director Antonio Méndez Esparza optará a la Concha de Oro con el drama Life and nothing more. La cinta, rodada en inglés y situada en Estados Unidos, narra la historia de una madre soltera, a cargo de dos hijos, y su lucha por mantener a su familia. Méndez Esparza es madrileño, aunque se formó y residió durante una década en EE UU. Su ópera prima, Aquí y allá, una coproducción entre EE UU, México y España, consiguió Gran Premio de la Semana de la Crítica en el festival de Cannes de 2012.

En la sección oficial, pero fuera de concurso, también se podrá ver Morir, lo último de Fernando Franco tras haber recibido un Goya como director novel y el premio especial del jurado de San Sebastián por La herida. Repite en este nuevo largometraje, una adaptación libre de la novela homónima del austriaco Arthur Schnitzler, con la actriz Marián Álvarez, galardonada en el festival donostiarra de 2013 por su actuación. Morir se estrenará en cines el próximo 29 de septiembre. También al margen de la competición se presenta el thriller El secreto de Marrowbone, el debut como director de Sergio G. Sánchez, responsable del guion de El orfanato y Lo imposible, entre otras películas. De hecho, J. A. Bayona es el productor ejecutivo de esta obra. "Me estrené como director con un corto que tuvo su primera proyección en la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, que por entonces dirigía Rebordinos, así que siento un poco como si volviese a retomar mi viaje como director donde lo había dejado, aunque esta vez todo sea a una escala mucho más grande. Han sido muchos años esperando la oportunidad de dirigir una película y me han pasado muchas cosas maravillosas en mi paréntesis como guionista. Pero ahora por fin siento que profesionalmente he vuelto al lugar en el que siempre quise estar, es muy emocionante”, ha dicho Sergio G. Sánchez tras el anuncio del festival. 

Entre las películas de producción española que se exhibirán en la 65 edición del festival también se encuentra Operación Concha, una comedia situada en el propio festival. La cinta dirigida por Antonio Cuadri cuenta entre su elenco con Jordi Mollà, Karra Elejalde, Unax Ugalde, Bárbara Goenaga y Fernando Colomo. Así como el retrato documental de Carlos Saura, Saura(s), que presentará Félix Viscarret en la serie Cineastas contados. O la coproducción estrenada en el pasado festival de Cannes La cordillera, del argentino Santiago Mitre, que tendrá un pase especial en el certamen debido a la entrega del premio Donostia a su protagonista, el actor Ricardo Darín.

José Luis Rebordinos y Ruth Pérez de Anucita también recordaron los títulos de producción española que competirán en la sección Nuev@s Director@s, dotado con un premio de 50.000 euros que se reparte entre el director y directora y los distribuidores en España. Se trata de Alberto García-Alix. La línea de la sombra, del coruñés Nicolás Combarro; Tigre, de Ulises Porra y Silvina Schnicer; y Princesita, de la chilena Marialy Rivas (Joven y alocada, mejor guion internacional en el Festival de Sundance de 2012). 

En total, serán 21 las películas y cortos que representen a España en esta edición, siete de ellas en la sección oficial. Una importante cantidad que supera en un título a las tres opciones que tuvo el año pasado el cine español para llevarse la Concha de Oro. 

Con 12 nominaciones, el drama fantástico de J.A. Bayona, Un monstruo viene a verme, partía como una de las favoritas en la 31ª gala de los premios Goya. Ha conseguido llevarse nueve, entre ellos, el tercer Goya para Bayona. Le seguían con 11 candidaturas el thriller de Alberto Rodríguez, El hombre de las mil caras, y el debut como director de Raúl Arévalo, Tarde para la ira, que ha conseguido el galardón a mejor película y dirección novel. A lo largo de la ceremonia que se ha celebrado en el Marriott Auditorium de Madrid se han repartido 29 estatuillas, entre las que se encuentra el Goya de Honor a la actriz y cantante Ana Belén. En la categoría de mejor película también competían Julieta, de Pedro Almodóvar (siete nominaciones); y Que Dios nos perdone, de Rodrigo Sorogoyen (seis nominaciones). No obstante, la ópera prima de Salvador Calvo, 1898. Los últimos de Filipinas, era la cuarta película más nominada, compitiendo en nueve categorías.

Por tercer año consecutivo el actor Dani Rovira se ha puesto  al frente de la gala dirigida por Juan Luis Iborra. Éstos han sido, además, los primeros Goya de la figurinista Yvonne  Blake como presidenta de la Academia, tras la dimisión de Antonio Resines en julio de 2016. Como más “austera”, pero “elegante” y con “encanto” definió Blake su propuesta para la gala cuando presentó su candidatura a presidir la Academia de Cine.

00:55 Finalmente, Tarde para la ira consigue alzarse con el Goya a mejor película. Sube al escenario Beatriz Bodegas, una de las pocas mujeres que se dedican a la producción en España. Arévalo le entregó el guion del filme cuando protagonizaba La vida inesperada, de Jorge Toregrossa.

00:45 Los actores Geraldine Chaplin y José Coronado entregan el Goya a la mejor dirección a Bayona. A finales de febrero el director comenzará el rodaje de Jurassic World 2. Es su tercer cabezón. En 2007 lo consiguió con El orfanato y en 2012 con Lo imposible.

00:36 Roberto Álamo recibe su segundo Goya por Que Dios nos perdone. Su primer galardón fue por su papel en La gran familia española (interpretación masculina de reparto). Poco después, Emma Suárez ha subido de nuevo al escenario para recoger el premio por Julieta, de manos del director, Pedro Almodóvar. Su primer cabezón fue gracias a El perro del hortelano en 1996.

00:23 Octavo premio para Un monstruo viene a verme por el montaje. Alberto Rodríguez y Rafael Cobos recogen el Goya por el guion de El hombre de las mil caras, una adaptación del libro del periodista Manuel Cerdán. Y el mejor guion original se lo llevan Raúl Arévalo y David Pulido, éste último psicólogo de profesión. Durante ocho años construyeron esta película sobre la violencia que surgió en la mente del actor de Gordos o La gran familia española.

00:15 Emma Suárez recibe el Goya a actriz de reparto por La próxima piel. Está también nominada en como protagonista por Julieta. Mejor película iberoamericana es para El ciudadano ilustre (Argentina). Cuenta la historia de un Nobel de Literatura que regresa a su pueblo natal. Argentina es el país con más Goyas, éste sería el número 17.

0:00 Frágil equilibrio gana en la categoría de documental. El director dedica el premio a Pepe Mujica, hilo conductor de esta cinta. Puedes consultar aquí el artículo sobre la película.

23:49 Primer premio para el debut cinematográfico de Salvador Calvo, 1989. Los últimos de Filipinas, en la categoría de vestuario. Natalia de Molina, Daniel Guzmán y Miguel Herrán entregan el galardón de mejor actor de reparto a Manolo Solo por Tarde para la ira. Con un brevísimo papel, Solo hace una espectacular interpretación. Posteriomente, Cabezas habladoras Cabezas habladorasrecibe el Goya a mejor corto documental.

23:37 Era una de las favoritas, pero el largometraje de J. A. Bayona está arrasando hasta el momento. Mejor música original para Fernando Velázquez. En esta categoría estaba nominado junto al compositor Alberto Iglesias (por Julieta), con 10 premios Goya y tres nominaciones a los Oscar. Poco después, entregan el sexto Goya para la película de Bayona por mejores efectos especiales. Continúa la gala con los galardones técnicos, y mejor sonido recae también en la taquillera Un monstruo viene a verme.

23:18 Es el momento de entregar el Goya de Honor a la actriz y cantante Ana Belén. Ha agradecido a todas las personas que le ayudaron en su carrera, en la que ha participado en más de 50 producciones. Ha recordado a algunos de los directores con los que ha trabajado como Mario Camus, Manuel Gutiérrez Aragón, Fernando Colomo o Pilar Miró.

23:09 Un monstruo viene a verme recibe el Goya a mejor dirección de producción, cuarto galardón para el filme de Bayona. El premio a mejor actriz revelación recae en Anna Castillo, por El Olivo, de Iciar Bollaín. Ha aprovechado para dedicárselo a Belén Cuesta, compañera de nominación y de reparto en la serie Paquita Salas. Minutos después, entregaban el Goya a mejor película europea a Paul Verhoeven por Elle.

22:57 Dani Rovira, con zapatos de tacón rojos ha aprovechado para denunciar la desigualdad a la que se enfrentan las mujeres en el cine, en todas las facetas. Este año no hay ninguna mujer nominada en la categoría de dirección y sólo Nely Reguera era candidata a mejor dirección novel, galardón que se ha llevado Raul Arévalo. Consulta aquí en artículo publicado sobre la falta de igualdad en los Goya 2017. Minutos después, Silvia Pérez Cruz ha recogido el Goya a mejor canción. La cantante e intérprete también está nominada en la categoría de actriz revelación, por Cerca de tu casa, una cinta sobre los desahucios.

22:45 El premio a mejor actor revelación es para Carlos Santos por El hombre de las mil caras, en la que encarna al exdirector de la Guardia Civil Luis Roldán. Santos es un actor conocido por sus papeles de televisión, como Los hombres de Paco. Minutos después se han subido al escenario la directora de la Academia de Cine, Yvonne Blake, y el vicepresidente, Mariano Barroso. "Dedicamos esta gala a los espectadores que van a ver cine español a las salas", han destacado ambos en un discurso conjunto. "Sería de agradecer una nueva actitud de las autoridades hacia nuestra cinematografía", ha subrayado Barroso que ha aprovechado para demandar un pacto de Estado para el cine.

22:40 Mejor película de animación recae en Psiconautas los niños olvidados, los galardonados han destacado la importancia de levantar proyectos "desde la periferia". Mejor corto de ficción para Decorado, de Alberto Vázquez.

22: 31 Recibe el premio a mejor cortometraje de ficción Juanjo Giménez Peña por Timecode, Timecodecandidata también a los Oscar. Y llega el segundo Goya para Un monstruo viene a verme en la categoría de maquillaje y peluquería. David Martí ha destacado la dificultad de su trabajo, que requería plasmar la decadencia de un cáncer. Asimismo, la película de J. A. Bayona se lleva un tercer galardón para en mejor dirección artística.

22:25 Primer Goya para Raúl Arévalo y Tarde para la ira, por mejor dirección novel. En un breve discurso ha agradecido el premio, entre otras, personas a la productora Beatriz Bodegas, clave para que su proyecto viese la luz. El siguiente galardón ha recaído en Óscar Faura a mejor dirección de fotografía por Un monstruo viene a verme.

22:05 horas Comienza la 31ª edición de la gala de los premios Goya con la Film Symphony Orchestra, dirigida por Constantino Martínez-Orts. "Más de cien millones de espectadores"  ha tenido el cine español este año, ha comenzado el actor Dani Rovira, que se pone al frente de la gala por tercer año consecutivo. "Donald [Trump], si nos estás escuchando que sepas que la palabra cine se escribe con 'i' latina", ha continuado el cómico, "sólo decirles a los políticos que han tenido a bien acompañarnos que esta noche les vamos a dedicar el tiempo proporcional que habéis dedicado a la Cultura en sus programas y debates". Entre los políticos que han asistido este año están el ministro de Educación, Cultura y Deporte, Íñigo Méndez de Vigo; la alcaldesa de Madrid, Manuela Carmena; y los líderes de Ciudadanos (Albert Rivera), Podemos (Pablo Iglesias) e Izquierda Unido (Alberto Garzón). "Tarde para la ira, lo que en España conocemos como Sálvame", ha bromeado Rovira sobre la ópera prima de Raúl Arévalo y una de las favoritas. También ha aprovechado para felicitar a Pedro Almodóvar, que será el primer español en presidir el jurado del festival de Cannes.

Nosotros, los de entonces, nietos de la ira, hijos del “yankee go home”, compañeros de viaje de la “Otan, no. Bases, fuera”, bueno, de entrada no, pero sí, que entremos. Y las bases que se queden donde están, que con ellas nos llegaron la coca-cola y una radio musical que molaba. Siendo sinceros debemos reconocernos en aquellos felices colonos forjados por las películas del Oeste, vivimos su guerra civil en Lo que el viento se llevó, conocimos la parte dura con el cine negro, nos fuimos al Oeste en moto en plan Easy rider y nos hicimos judíos descreídos con Woody Allen. También pertenecemos a la congregación a la que siempre le quedarán Bogart y Marilyn. Nada de ello nos impidió acercarnos a las utopías de Thoreau, conocer la depresion según Steinbeck, las tiernas noches con Scott Fitzgerald o sobrevivir en el duro Sur con Faulkner.

Somos los últimos seducidos de la era del jazz, hicimos el camino por el country de Cash, pasamos por el desgarro de Joplin, el virtuosismo de Hendrix, las baladas de Cohen y seguimos siendo feligreses en la religion de Dylan. Pasamos de Hoper a Rothko, de la beat generation a Warhol, de Dianne Arbus a Cindy Sherman, de Bonanza a los Soprano, de Lloyd Wrigh a Frank Ghery, de Edison a Bill Gates o de Allan Poe a Stephen King. En nuestra peregrinación americana hay que añadir una lista de deportistas, presidentes, estrellas de Hollywood, hermosas, malditos, astronautas, dry martinis, hamburguesas, moteles, rascacielos, Bolsa, barras, estrellas, elecciones... Y mucha más madera para convivir en nuestro particular camarote de los hermanos Marx, para poder explicar ese tan cercano sueño americano, tan nuestro, tan ajeno.

Era cierto que los tiempos estaban cambiando, que nosotros ya no somos aquellos simpáticos inocentes de un pueblo castellano según Berlanga. No nos parecemos a aquellos amables lugareños que para cumplir con la mirada del otro, del americano, se disfrazaban de cordobeses para que míster Marshall nos encontrase tal y como nos imaginaba: pobres, alegres, exóticos y de algún lugar del Sur. Tampoco somos aquellos otros que se emocionaban con la llegada de la bandera americana a la Luna, los que se dejaron seducir por el glamour de un presidente o se irritaron con la guerra de Vietnam. Es posible que sigamos siendo esos que no saben quienes fueron los Padres Fundadores, ni los pobres Okies desplazados de su tierra, ni dónde queda Arkansas, que fue de las granjas del Piedmont, qué representó el New Deal, cuál fue la presencia española, qué queda del espíritu sudista, cómo se vive en Seattle o quién mató a Laura Palmer. Somos esos que no saben. O que saben desde la épica, o la antiépica, del cine y sus alrededores. Pero ese desconocimiento nuestro -lleno de tópicos, mitos, nombres, letras y músicas- de lo que fue la vida de los estadounidenses y en qué se ha convertido, todavía no es comparable con la ignorancia que la inmensa mayoría de los norteamericanos demuestra con respecto a qué somos, quiénes somos, de dónde venimos o a dónde vamos.

Una sangría en El Quijote neoyorquino

Unos días en Nueva York los podríamos comenzar con Ferran Adrià en la Universidad de Columbia dando una clase sobre la revolución de la cocina española. Comprar en alguna de las tiendas de Zara en la Quinta Avenida. Reconocer a Nadal en los carteles de las tiendas de deportes. Pasear por el Botánico entre las colosales esculturas de Manolo Valdés. Ir a la Guggenheim abarrotada con Picasso en blanco y negro. Subir al norte de Manhattan para entrar en la Hispanic Society entre zurbaranes, goyas o la España pintada por Sorolla. Escuchar a Plácido Domingo en la Metropolitan Opera House o a Paco de Lucía llenando un inmenso teatro en Nueva Jersey. Tomar una dudosa sangría en El Quijote, el bar vecino del Chelsea, acompañando a una joven Patti Smith, rodeados de figuras quijotescas y de algo parecido a una paella. Ver los partidos de la selección comiendo morcilla en El Nacional. Cenar con Rafael Moneo en un restaurante de Dani García. Entrar en la exposición dedicada a Federico García Lorca en la Public Library, escuchar a Paul Auster con Vila Matas en el Instituto Cervantes de la calle 49, poder cruzarte sin reconocerlos a Antonio Banderas, Javier Bardem o Penélope Cruz protegidos con su uniforme del más puro estilo casual.

Comprobar cómo Santiago Calatrava seguía empeñándose en no seguir la senda del genial Guastavino, un valenciano que construyó algunos de los iconos de la más genuina Nueva York. Ver en televisión al cocinero José Andrés, los partidos de los Gasol, ir a la última película de Almodóvar. Ver a Julio Iglesias cenando en Four Seasons. Sacar dinero del Santander, mirar los escaparates de Desigual, Camper o Pronovias. Escuchar todas las maneras de hablar español en el metro, comprobar que en las cocinas se habla el español de México y que en la calle te cruzas con una fauna diversa paseando con camisetas de la Roja.

Nueva York es una ciudad llena de tribus de decoradores, escritores, profesores, músicos, estudiantes y otros buscadores de nuevas vidas. Soñadores españoles que pululan en una ciudad que habla un idioma, ya oficial, con acentos muy diversos. La ciudad de los murales de Sert en el Rockefeller Center, de Vela Zanetti en el edificio de las Naciones Unidas, de los flamencos brindando por Sabicas o de los poetas que siempre cruzan el puente de Brooklyn recordando a Federico en las orillas del Hudson. Nueva York era una fiesta española y el español se había colado hasta la torre de Trump.

No hay que dejarse engañar por esas apariencias, por esas realidades. La verdad de cómo nos ven, qué saben de nosotros (si exceptuamos una minoría muy minoritaria de ilustrados viajeros o del mundo académico) es la crónica de una nada hecha de confusos tópicos, geografías inciertas o de informaciones incompletas. Ni siquiera en Nueva York tienen claro quiénes somos, dónde estamos y a dónde vamos. Es decir, son como nosotros, pero con más imprecision geográfica. ¿Más imprecision? ¿Dónde dijimos que quedaba Ohio? ¿A qué religion pertenece la mayoría de los ciudadanos de Carolina del Norte? ¿Cómo vive la mayoría de los residentes en el Estado de Washington? Casi nadie sabe nada.

Somos intrusos, extranjeros, hostis (huéspedes o enemigos) en un imperio que lleva tiempo desmoronándose mientras se entretiene con la television, con Dios y con los nuevos populismos. En trance de olvidar su propio pasado de una enorme nación que se hizo con aluviones de emigrantes, con polvo, sudor y lágrimas. También con exterminio y whisky, con rezos y duelos al sol. Antes de todo eso, antes de las las grandes emigraciones, antes del Mayflower, nosotros ya habíamos estado allí. Fuimos los primeros en llegar, más de la tercera parte de esa América era española, participamos en su guerra fundacional contra Gran Bretaña financiando y muriendo.

Nos dejamos ganar todas las batallas, no las de las armas sino las otras, las de la realidad, la política, el negocio y el reparto de un país que se construyó dónde nosotros ya habíamos estado. Nos fuimos, y no hubo nada. Bueno sí, quedaron hermosas ruinas de ciudades, misiones, fuertes y muchos nombres. En Estados Unidos sigue habiendo nueve ciudades llamadas Madrid, con perdón. Aunque poco después, cuando llegaron y se quedaron los blancos y pobres europeos, los protestantes y puritanos, los católicos de Irlanda o de Italia, los españoles eran apenas algo más visibles que una mosca cruzando el cañón del Colorado. Por cierto, fue descubierto por dos frailes españoles. Seguimos siendo un puñado de extranjeros en un mundo mayoritariamente anglosajón y protestante.

Somos una ausencia mayoritaria rectificada por una pequeña tribu de notables. Somos una realidad poco definida, pequeña, que tiene tanto camino por recorrer como el tiempo que cueste terminar con los tópicos. No es fácil, por intereses primero, por desinformación después. Fuimos “los turcos de Occidente”. Fuimos el país de la Inquisición, del fanatismo, del bandolerismo y la pereza. Después fuimos exóticos del Sur, románticos y arriesgados. Atractivos para los viajeros que se atrevían con la aventura de ese lugar meridional habitado por bandoleros, mujeres de rompe y rasga, frailes, hidalgos pobres y gitanos con arte.

De Hemigway a Ava Gardner

Todos los pueblos nos forjamos entre estereotipos, tópicos y leyendas. A algunos nos cuesta más desprendernos de ellos y seguimos conviviendo con esa fama durante siglos. La inmensa mayoría de los pueblos tiende al sociocentrismo, a creer que lo nuestro es lo mejor, lo más digno. Somos mejores que los otros, mejores que nuestros vecinos. Respondemos a aquello que dijo ver Julio Caro Baroja en una visita a La Rioja, a las fiestas de Haro: “Los de Haro saludan a la afición y a todos los forasteros, menos a los de Logroño”. Nosotros, capaces de mantener nuestra imagen, nuestra “leyenda negra”, nuestros tópicos que han conseguido perdurar más allá del turismo o de los historiadores, somos un pueblo que no ha sabido quererse lo necesario como para terminar con los lugares comunes.

Esa construcción negativa, generalmente construida por los intereses políticos o económicos de nuestros vecinos y rivales europeos, ha sido capaz de sobrevivir con la ayuda de nuestro propio espíritu autocrítico. Esta mezcla de razas, culturas, idiomas, de Oriente y Occidente que es España, ha sabido mantener sus defectos y sus virtudes. Hemos exportado valores más cercanos a la diversión, la evasión y el placer que al rigor, el trabajo y el aburrimiento. Hemos sido mal vistos, tópicamente o duramente retratados desde hace siglos. Petrarca nos llamó “vil estirpe de mercenarios y traidores”. No siempre ha sido así, no todos han supurado por la herida petrarquista. En muchos sitios nos tienen simpatía. Uno de esos lugares ha sido, sigue siendo, Estados Unidos.

Después de Irving llegó Hemingway. El autor de Fiesta ha sido uno de los que más ha contribuido a que los norteamericanos nos conozcan, aunque sea por ese lado tan brutal, tan festivo y de tantos desacuerdos en nuestro tiempo. Hemingway dijo de nosotros que eramos “los últimos buenos de Europa”. Somos los Sanfermines. También somos la Guerra Civil, las Brigadas Internacionales y Franco. Sí, nosotros somos quienes fuimos, aunque hayamos conseguido ser otros.

Simpatía por España

He vivido en Nueva York en la era de la presidencia de Barack Obama. Allí pude comprobar la simpatía y el interés por España en los lugares en que la ciudad está cambiando, en esos espacios que se están gentrificando con artistas y jóvenes que nos imaginan llenos de pasion por la vida, con buen clima, buena comida y mucha diversion. Ya no es aquel país que, según Ava Gadner, era “puñeteramente barato y puñeteramente divertido”. Ahora no somos tan puñeteros, baratos ni divertidos. Ahora somos menos diferentes. Ahora, en los Estados Unidos de antes de Donald Trump, somos menos folclóricos, menos cañís, menos católicos y menos guerreros. Ya no tenemos mucho que ver con aquella imagen de coros y danzas, de guitarras y espadas de El Cid, de santos y pecadores que fijó una de nuestras imágenes en el pabellón de la Feria Mundial de 1964 en Nueva York. Nos han pasado por delante 50 años, una dictadura, una transición y una democracia que quiere crecer y reformarse sin tener que hacerlo ni al modo cerrado, ni sacristia, ni cañí. Eso sí, queda pedagogía por delante. No estuvo mal el viaje televisivo de Gwyneth Paltrow, con su Spain on the road again, pero queremos un poco más, un poco mejor.

No ser los que fuimos, no dejar de ser lo que somos. No ser conversos a su American way of life. Ni permitir que nos conviertan en un inmenso parque temático. Cuando pienso en el americano que ha podido votar a Trump me dan ganas de irme con Toro Sentado y desenfundar el hacha de guerra. Pero soy pacífico y monto muy mal a caballo. Seguiré mirando los tiros desde debajo del mostrador. Y eso sí, ya no estoy para salir vestido de andaluz y con aquello de Americanos, vienen a España gordos y sanos, viva el tronío de ese gran pueblo con poderío, olé Virginia y Michigan y viva Texas que no está mal. Os recibimos, americanos, con alegría. Olé mi madre, olé mi suegra y olé mi tía. Yo, como los de Haro, saludo a todos los forasteros, a todos los americanos, menos a Trump y su pandilla. I would prefer not to.

*Javier Rioyo es periodista, escritor y cineasta. Dirigió el Instituto Cervantes de Nueva York. Actualmente está al frente de esta institución en Lisboa.*Este artículo está publicado en el número de enero de tintaLibre, a la venta desde el día 3. Puedes consultarla haciendo clic aquí.Javier Rioyo

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“Usted interpretará a Isabel la Católica, que expulsó a los judíos de España”. En La niña de tus ojos (1998), Joseph Goebbels (Johannes Silberschneider) hacía esta propuesta a Macarena Granada (Penélope Cruz), que le respondía con desparpajo: “Qué manía con los judíos, ¿eh?”. Aquel gag era, en realidad, una profecía que el cineasta Fernando Trueba cumple ahora con La reina de España, secuela de aquel filme que le valió siete premios Goya y la entrada en el panteón del imaginario popular. En esta segunda parte (en los cines este viernes) vuelve, 18 años después, a aquella compañía que viajaba a Alemania buscando el pan y huyendo de la Guerra Civil. Ahora el dinero lo ponen los estadounidenses y Franco no es ya contendiente, sino caudillo. 

Otras cosas no han cambiado tanto en estas casi dos décadas que separan las ficciones y también los dos rodajes. Ambas películas son un homenaje a la trastienda del cine y a aquellos que la fabrican, pese a todo. En los créditos iniciales de La niña de tus ojos, el falso noticiario daba cuenta de los logros del autodenominado ejército nacional durante la guerra, y de la prometedora relación con la Alemania, también cinematográfica. Las coproducciones germanoespañolas de la Hispano-Film-Produktion o Cifesa hacían el cine (y la propaganda) que la España arrasada no podía permitirse. Como Carmen, la de TrianaCarmen, la de Triana, que sirvio de inspiración a los guionistas y de la que se rodó simultáneamente una versión española y otra alemana.

La reina de España es, casi dos décadas más tardes, una demostración de poderío hollywoodiense con exteriores y extras a caballo, como lo fueron El Cid (rodada en 1961 en pueblos como Calahorra o Belmonte) o Rey de reyes, con Carmen Sevilla como adúltera. Lo que apoya ahora el Gobierno franquista –estamos en 1956— son las flamantes relaciones con los Estados Unidos, que vienen con un pseudo Plan Marshall bajo el brazo, también para el cine. Después de la aventura alemana, sus protagonistas reciben, esta vez en casa, a unos productores de Hollywood dispuestos a hacer negocios en un país empobrecido que aplaude el capital extranjero. Pero la apertura es relativa, como señala una extrañada Penélope Cruz, que no ve reflejada en el filme ni la expulsión de los judíos y de los musulmanes —ni el escaso gusto de la reina por el agua. Para embolsarse el dinero, los productores estadounidenses tenían que respetar la censura franquista. 

De Madrid a "Jóllibu"Jóllibu

Macarena Granada ha seguido una suerte similar al de la actriz que la encarnó: tanto ella como Penélope Cruz han pasado de ser una incipiente estrella nacional a hacer fama y dinero en Los Ángeles... o en "Jóllibu", como diría Trini (Loles León). Julián Torralba (Jorge Sanz), Lucía Gandía (Neus Asensi), Rosa Rosales (Rosa María Sardá), Castillo (Santiago Segura) y Bonilla (Jesús Bonilla) siguen trabajando como pueden, entre las Américas y la industria nacional. Algunos (como Castillo, homosexual bajo un régimen que no dudaba en aplicarles la Ley de vagos y maleantes) se han visto obligados a ocultarse para poder sobrevivir. Otros, como Torralba, comprometido en su juventud con la causa nacional—al grito de "¡Yo con rojos no hago una película!"—, se han dado cuenta de que el fascismo no es la panacea. Esta segunda parte introduce también a personajes nuevos —como el ayudante de dirección que interpreta Javier Cámara— y pone cara a otros antiguos, como la esposa de Fontiveros, a la que da vida Ana Belén.  

El destino más trágico es el de Blas Fontiveros (Antonio Resines), al que los espectadores habían visto por última vez en la Alemania nazi. El director resulta apresado, pero, contra todo pronóstico, no muere en Mauthausen y se instala en Francia tras la liberación. Allí ocupa distintos trabajos de baja cualificación, como hicieron tantos refugiados republicanos, e incluso alguna faena menor en la incipiente nueva ola francesa. Cuando se entera del regreso de Macarena, decide volver a España –donde todos le dan ya por fallecido—, lo que le cuesta ser apresado y enviado a levantar el Valle de los Caídos. La cuadrilla se reune azarosamente para el rodaje de La reina de España, un biopic propagandístico sobre Isabel la Católica. Pero lo que realmente acaba uniéndoles es el plan kamikaze ideado por Macarena para liberar a su antiguo amante y ayudarle a cruzar de nuevo la frontera francesa.

“Esta me parece un poco más comedia que la otra”, explicaba el cineasta en una entrevista reciente, “Era más trágica la Alemania de Hitler que la España franquista de los años cincuenta, siempre hay grados. Aquí me permito un cierto relajamiento”. Es cierto que se ve la represión franquista —la misma que intenta acabar con Fontiveros— y la atmósfera represora de la dictadura. Pero lo peor, como dicen dos condenados a trabajos forzosos en el mausoleo franquista, ya ha pasado. No se ve la miseria que asolaba todavía el país y, aunque la troupe corre peligro al acudir en socorro de su antiguo director, no hay en ello el tono sombrío que acompañaba la trama de los presos judíos en La niña de tus ojos. 

Denuncias y polémicas

La reina de España no ha llegado con la misma placidez que su antecesora. El estreno del filme llega 10 días después de que la Cadena Ser informara de la denuncia interpuesta por dos de los cuatro coguionistas contra Fernando Trueba por vulnerar los derechos de autor. Carlos López y Manuel Ángel Egea, que aparecían como guionistas en aquella película junto a Rafael Azcona y David Trueba, reclaman al cineasta una cantidad por haber usado parte de su creación sin su consentimiento. Aseguran que los personajes de La niña de tus ojos son invención suya, por lo que son también autores de los que aparecen en la secuela. 

La productora niega que los demandantes tengan derecho de autoría sobre La reina de España. Cristina Huete, productora de Trueba, ha asegurado que La niña de tus ojos supuso una reescritura completa del guion de López y Egea, encargado por la productora que finalmente eligió a Trueba, por lo que no eran autores ni entonces ni ahora, con un guion firmado únicamente por el propio director. "A pesar de que Azcona se enfadó muchísimo y de que no les correspondía absolutamente nada, un productor accedió a incluirles en los créditos y eso fue un gran error. Lo increíble es que ahora vuelven a pretender tener algún derecho basándose en que entonces fueron coautores", protestaba Huete.

Sin embargo, el guionista Javier Olivares, cocreador de la serie de TVE El Ministerio del Tiempo, ha salido en defensa de los demandantes. "Esos dos guionistas son LOS CREADORES de la historia. Luego, entró Trueba y añadió a su hermano David y al gran Azcona", aseguraba en una publicación en su cuenta de Facebook. Olivares aseguraba haber leído una primera versión del guion escrita por Egea y López, y, aunque admite que el texto finalmente rodado estaba reescrito casi por completo, objeta que "la historia que contaba era la misma que" él leyó. Incluso llega a asegurar que el primer guion "era puro Lubitsch", y mejor que el texto final. 

Antes, la película había protagonizado otra polémica, mucho menor, que tenía que ver con su cartel, un óleo hiperrealista del pintor Joaquín Risueño. Cuando se hizo público el mes pasado, los usuarios criticaron en las redes sociales la profusión de elementos y personajes. Los chistes no se hicieron esperar, y la productora ha optado finalmente por utilizar otro cartel durante la promoción.