Hay un telón rojo, un diván, una puerta, un olivo, unos cuantos focos y unos zapatos colocados en el suelo, iluminados en medio de la penumbra. Augusto se sitúa junto a ellos, observa el espacio como si fuera la primera vez que lo ocupa, y se los calza. Todo comienza con ese gesto y Augusto pronuncia entonces palabras que escribieron para él. "¡Qué lástima!", dice, "es una desgracia esto de tener que servirse de las cosas, tener que usarlas, el uso estropea y destruye toda belleza". Cuando termina su frase, el escenario se ilumina y los demás, que le han observado desde el principio, aplauden. Augusto se pregunta cuál será su siguiente paso y decide esperar a que pase un perro y tomar, dice, la dirección que él tome. Pero Augusto no sigue a un perro, sino a una joven, y repite hasta tres veces esa escena, confuso, sin saber cómo ha llegado hasta la puerta que ha cruzado esa garrida moza llamada Eugenia. Los demás estallan en carcajadas, como si fueran las risas enlatadas de una comedia de situación de la tele y Augusto, a quien nunca le ha pasado nada porque es un personaje recién creado, recién nacido, se da cuenta de que la vida es niebla y de que en ese viaje que acaba de iniciar amará la trama más que el desenlace, como cantaba Jorge Drexler y como, tal vez, suscribiría Miguel de Unamuno si asistiera a esta puesta en escena de su célebre nivola, publicada en 1914.  

Fernanda Orazi dirige Niebla, una propuesta escénica que no es ni una versión ni una adaptación de la “rechifla amarga” de Unamuno, sino una reescritura y una destilación de aquella historia sobre un ente de ficción llamado Augusto Pérez que querrá ser y existir y que se rebelará contra su autor, que no le dejará suicidarse porque todos sabemos, pero él no, que los personajes de novela no deciden su propio destino. Niebla se estrena este viernes en Nave 10 Matadero (Madrid) con el mismo equipo con el que Orazi llevó a escena su versión de Electra, de Sófocles, galardonada con dos Premios Max a Mejor Espectáculo Revelación y Mejor Adaptación: Juan Paños en la piel de Augusto, Javier Ballesteros en la de Orfeo, Leticia Etala como Eugenia, Carmen Angulo como Rosario y Pablo Montes, nueva incorporación al equipo, dando vida a Víctor, el mejor amigo de Augusto. Con escenografía y vestuario de Cecilia Molano, diseño de luces de David Picazo y espacio sonoro de Javier Ntaca, Niebla es una coproducción de Nave 10 Matadero, Buxman Producciones y Pílades Teatro.

“Yo había terminado de escribir La Persistencia, una obra para Ángela Boix que estrenamos en 2024 en el Teatro del Barrio, y le estaba contando a mi amiga Silvia Herreros de Tejada, que es filóloga, de qué iba la historia, por dónde pasaba la cuestión de ese personaje que le pedía a su autor que le diese una vida y una muerte de verdad, no una que tuviera que actuar, y ella me dijo: ‘Pero eso es como Niebla, ¿no la has leído?’. Yo no había leído a Unamuno en mi vida y recuerdo que terminé Niebla llorando como una niña y sentí que era una novela en la que uno asistía a la creación de un personaje”, explica Orazi.

Cuando Luis Luque, director artístico de Nave 10, le propuso estrenar un montaje esta temporada, la actriz, directora y maestra de actores sintió “la llamada de hacer algo con el viaje que le da Unamuno a Augusto en la novela” y tomó varias decisiones. La primera, prescindir de lo literario en escena: “En esta obra Unamuno no deja de estar presente en todo momento, pero yo tenía que pensar en el lenguaje de la escena, de ahí que no esté el componente literario sino el espíritu de la obra, esa visión trágica sobre la existencia, la identidad y el destino que están en el texto”. En escena, a mayor sentimiento trágico y angustia existencial, más humor y carcajadas de los personajes, como si Orazi quisiera mostrar la cara b del drama en un espacio en el que conviven lo terrible y lo patético, la tragedia y la risa: “Hay algo que tiene el humor, que es una visión trágica también, y es la posibilidad de estar dos veces en una situación. Para mí el humor surge de la visión trágica y el humor de Unamuno es alucinante”.

La directora y dramaturga argentina, afincada en España desde hace veinte años, reconoce que este ha sido su proyecto más difícil, “y estoy recontenta, pero es la obra que más pelea me dio porque yo nunca escribí tanto antes de empezar a ensayar. Cuando llegamos a los ensayos, yo ya llevaba un año y pico con la cabeza quemada”. En ese proceso de escritura, Orazi seleccionará solo algunas de las tramas que imaginó Unamuno para Augusto: “La trama con Eugenia, la aparición de Rosario, el personaje de Orfeo y algo de su amigo Víctor. Quise trabajar sobre esas tramas y no sobre otros personajes y, en muchos casos, copiaba cada capítulo, escribía sobre él, quitaba, ponía… y llegó un momento en que ya no sabía qué era mío y qué era de Unamuno”.

Del mismo modo que Augusto está desprovisto de existencia, Orazi despoja también al resto de personajes. No sabremos que Rosario es planchadora, no veremos a Eugenia tocar el piano (aunque suene en la obra) ni discutir con sus tíos y ese novio vago y canalla que tiene llamado Mauricio, Víctor no nos contará que está casado y le angustia ser padre ni sabremos que Augusto vive con un criado y una cocinera. Tampoco aparecerá en escena el autor, aunque Augusto le busque a gritos cuando se quite esos zapatos que se puso al principio y la ficción y su existencia se acerquen al final. Sin embargo, Orazi le dará voz a un perro, Orfeo, quizá el primer therian de esta temporada teatral.

Otra de las decisiones que tomará Orazi será la de crear un artefacto, un dispositivo que dispare la acción teatral, esa especie de set en el que suenan risas y aplausos, habitado por algunos objetos: “El desafío era poder hacerle un teatrito a Augusto para que pudiese experimentar su existencia a través de procedimientos y escenas teatrales. ¿Quiénes son los personajes de la obra? La trama de Augusto. No hay más información sobre ellos. Están para que a él le pase lo que le tiene que pasar. Con Cecilia Molano, que firma el espacio escénico y el vestuario, trabajamos mucho sobre la idea de artefacto, sobre esa maquinita teatral en la que los objetos también actúan y producen la trama de Augusto. Lo que suena, lo que la luz le hace, lo que los objetos producen, su relación con las cosas, el carácter de las relaciones que establece con cada uno, todo eso es la trama de Augusto”.

Personajes como tramas y tramas como apariciones que irán construyendo a Augusto, un personaje que dirá que le sobra el cuerpo porque le falta alma, alguien con nombre de payaso inocentón y frágil al que da vida Juan Paños, creado a partir de un trabajo colectivo fuera y dentro de la escena: “En esta compañía nunca hablamos mucho del personaje, como si sostenerlo o levantarlo fuera una responsabilidad única de cada actor. Hablamos del personaje como quien habla de una especie de aparición o una visión que queremos que suceda en el teatro, pero no se trata de que Augusto sea una misión mía, sino una misión global, como también lo es en la novela de Unamuno”, explica el actor.

Paños, que crea junto a sus compañeros ese hombre que se siente más vivo cuantas más penurias pasa, recuerda que “Borges decía que la esencia del teatro es que un actor finge ser otro mientras el público finge creérselo y yo creo que en esa doble mirada es cuando se crea un personaje. Yo he descubierto con esta obra que hablo de la existencia de los personajes como si hablara de la existencia de Dios, y no es una hipérbole, lo creo de verdad. Yo necesito creer en esos personajes, me hace bien creer en los personajes de las funciones que voy a ver, en los personajes de los textos y las novelas que leo, y me consuela que existan, me consuela pensar que durante un ratito existen. Y pienso que mi relación con Dios es algo muy parecido a eso”.

También Orazi pensó en Dios durante el proceso de escritura. “Pensé en el Libro de Job de la Biblia, cuando le pide que comparezca y le pregunta ‘¿Por qué me haces esto? ¿Por qué me lo quitas todo?’. Me quedó claro que esa relación de creador y criatura que está en Niebla está muy ligada a nuestra relación con Dios, con un Dios que no comparece, de ahí que me interesara que el autor no estuviera, que no se presentara alguien a quien apelamos, esa orfandad de otra naturaleza”.

La de Augusto será una existencia que irá creciendo a partir de sus diálogos y relaciones con el otro y en esta obra, ese otro será también el teatro, un teatro capaz de generar existencia y que convertirá esta Niebla de Orazi una especie de homenaje a la potencia del teatro. “Yo también lo creo y es hermoso. La potencia creadora del teatro no está solo en los creadores, sino en la gesta común. Uno puede hacer una buena o mala escena en un ensayo, pero si no hay público, los actores nos perdemos, nosotros solo sabemos percibir cuando una función va bien o va mal si está esa otra mirada que crea, la de los espectadores —explica Juan Paños— y te diré que en paralelo a toda esta creación yo he tenido un gran viaje personal en el que he ido descubriendo la fuerza de mi trabajo, de mi actividad, incluso como espectador. Cuando voy al teatro ahora miro de una manera mucho más hermosa esos personajes, esos textos”.

“El teatro crea existencia”, añade Fernanda Orazi, que durante los últimos años ha estado leyendo y releyendo la obra del filósofo francés Étienne Souriau: “Él habla de los diferentes modos de existencia y, frente a esa ontología de ser o no ser, mantiene que hay diferentes modos de existencia. Habla de las existencias virtuales, de existencias más sutiles, y trata de describir cómo es un proceso donde algo muy sutil, una intuición o una sensación van ganando existencia. El proceso de creación es eso”.

La actriz Gemma Cuervo (Barcelona, 1934) ha muerto este sábado en Madrid a los 91 años, tras más de seis décadas dedicada al cine, el teatro y la televisión, según han informado a EFE fuentes familiares.

Las mismas fuentes han informado de que la capilla ardiente se abrirá este domingo 15 de marzo en el Tanatorio de la Paz (Tres Cantos) a partir de las 10 de la mañana.

"Con enorme tristeza comunicamos el fallecimiento de nuestra madre, la actriz Gemma Cuervo, tan querida y admirada por todos", ha señalado la familia en un comunicado remitido a los medios.

Cuervo (Barcelona, 1934) cuenta con una extensa trayectoria en la que ha sido premiada con numerosos reconocimientos a lo largo de su carrera, como el Premio Max de Honor 2021, el Premio Nacional de Teatro (1965) y la Medalla de Plata de la Comunidad de Madrid (2018).

Para las nuevas generaciones, Cuervo es un rostro conocido por su trabajo en la serie 'Aquí no hay quien viva' y se convirtió en un icono generacional en su papel de Vicenta, haciendo uno de los tríos más descarados de la televisión junto a Marisa y Concha, encarnadas por las ya también fallecidas Mariví Bilbao y Enmma Penella.

En los últimos años, tras dejar los escenarios, Cuervo había vuelto a conectar con las nuevas generaciones a través de las redes sociales con publicaciones que alcanzaban las millones de visualizaciones, declamando versos o lanzando mensajes de ánimo en plena pandemia del coronavirus.

Lo último que subió a la red social de Instagram fue dos días antes de su fallecimiento, con un escrito a los "jóvenes" para aconsejarles en el cariño entre los padres y los hijos, que improvisan "sin manual de instrucciones".

"Hoy, a mi edad, miro hacia atrás y añoro a mis padres.Y al mismo tiempo miro a mis hijos y me pregunto en silencio si lo hice bien (...) Intentemos caminar, aunque sea un momento, con los zapatos del otro. La vida es demasiado breve para no hacerlo", escribió la actriz.

Hace no mucho tuve la suerte de ver una muestra de teatro de títeres de guante proveniente de la región de los Altos de Chiapas, en México. La tradición de los títeres Petul y Xun comenzó en la década de los cincuenta del XX y pervivió en el día a día de los habitantes tsotsiles y tseltales hasta inicios del presente siglo, como parte de sus formas de vida.

Mientras lo veía, asistía al valor comunitario que tiene teatro, la representación, los roles adquiridos para desdoblarnos y el papel de las máscaras en un mundo que tiene mucho de tragicómico, de carnavalesco. La transformación de Edith y Gerardo (así se llamaban los artífices de esa experiencia) en arquetipos humanos con sus debilidades, me hizo ver otra vez la hondura de aquello que nos hace más humanos, y que hemos ido sin darnos cuenta sacando de las aulas, al igual que otras formas de expresión artísticas.

Una obra de teatro tiene como virtud que no solo cuenta una historia, sino que nos obliga a mirarnos en una forma de espejo. Hamnet —la novela de Maggie O’Farrell y su reciente adaptación cinematográfica— puede ser un buen ejemplo. No porque reconstruya la vida doméstica de Shakespeare deslizando de forma ingeniosa el foco narrativo hacia el terreno desconocido de su hipotética familia, sino porque revela, con una claridad incómoda, que el arte es el único lugar donde los entresijos humanos encuentran forma sin ser reducidos.

Esa constatación, simple y radical a la vez, debería sacudirnos a quienes habitamos en la escuela, espacio privilegiado para dar cabida al poder universal de la dramaturgia. Porque si algo demuestra Hamnet es que el teatro es una necesidad pedagógica, emocional y social que nos coloca a todos en el mismo nivel. Y nuestra escuela lleva demasiado tiempo dándole la espalda.

La historia del niño muerto, del padre incapaz de nombrar la pérdida y de la madre que se deshace en silencio, me parece mucho más que un relato íntimo original de la creadora de esta ingeniosa trama. O’Farrell y la película nos muestran cómo la vida, cuando no encuentra lenguaje, se rompe, y cómo el teatro puede sostener lo que la realidad no sabe sostener. 

En una posible lectura (tanto la novela como la película se prestan a muchas relecturas) podríamos decir que Shakespeare escribe Hamlet no para homenajear a su hijo, sino para sobrevivir a su ausencia. Eso nos lleva a concebir el teatro como acto de resistencia emocional. Se trata de una forma de no rendirse ante lo que duele, mensaje que puede calar en unas aulas resquebrajadas muchas veces por experiencias vitales llenas de dolor.

La historia pedagógica del teatro reduce muchas veces este género a una representación de fin de trimestre, una actividad extraescolar o un entretenimiento para padres en un festival de Navidad. Sin embargo, la profundidad de Hamnet nos recuerda que el teatro es bastante más que eso. Es un lenguaje que permite comprender el mundo cuando se nos vuelve incomprensible, y el mundo que nos rodea ahora mismo lo es. Si la escuela no incorpora este potencial de manera estructural, está renunciando a una de sus funciones esenciales: ayudar a los jóvenes a pensar y a sentir con profundidad lo que les ocurre y pensar con detenimiento sobre lo que los rodea.

Cuando un estudiante interpreta un personaje, no está “haciendo teatro”. Está ensayando algo que me atrevería a identificar como un brote de humanidad. Está explorando emociones que no caben en un examen, probando identidades, descubriendo que puede habitar otras vidas sin perder la suya. Está aprendiendo a escuchar, esperar y sostener la mirada del otro. Está entrenando la empatía desde su expresión corporal, no desde un libro de texto. Y eso, en un sistema educativo obsesionado con medir, es revolucionario.

Hamnet ilumina esta urgencia con una fuerza incómoda. La película muestra cómo la familia se desmorona porque no encuentra un lenguaje común para el dolor. El teatro crea ese lenguaje. En nuestra escuela ocurre lo mismo: los adolescentes cargan con pérdidas, miedos, rabias y silencios que no encuentran espacio en el corsé académico. Pero, claro, nos sorprendemos de que exploten, de que se desconecten, de que no sepan verbalizarlo que sienten. ¿Cómo van a saberlo si no les damos las herramientas básicas para hacerlo?

El teatro no es terapia, pero es territorio inigualable para la simbolización. Un lugar donde lo emocional puede ser explorado sin quedar expuesto. Un espacio donde la vulnerabilidad se convierte en forma y la forma, en comprensión. Educación en estado puro. No la educación burocrática quenclasifica, ordena y certifica, sino la que acompaña, aporta y sostiene.

Además, el teatro introduce una dimensión ética que la escuela necesita con urgencia. Ponerse en el lugar del otro no es un ejercicio intelectual, sino un acto corporal. La empatía no se enseña con definiciones, sino con experiencias. Cuando un estudiante encarna a alguien que sufre, que duda, que se equivoca, está ensayando una sensibilidad que ningún manual puede transmitir. Y en un mundo crispado, polarizado y acelerado, esa sensibilidad es un bien escaso.

Hamnet también nos recuerda que la creación artística no es un privilegio reservado a unos pocos. Shakespeare escribe porque necesita convertir la herida en estructura. En la escuela, esto debería traducirse en una reivindicación clara: todos los estudiantes tienen derecho a expresarse, explorar su voz, descubrir que tienen algo que decir. Al final, el teatro sirve para democratizar la palabra. No importa la nota, el expediente o la timidez: importa la presencia, la escucha, la valentía de estar ahí.

Todo esto puede sonar bien, de sentido común, pero el teatro sigue siendo tratado en el sistema educativo como un complemento. Seguimos actuando como si la educación pudiera prescindir de la experiencia estética. Hamnet nos grita lo contrario: sin arte, sin teatro, sin espacios donde la emoción se vuelva forma, la vida se vuelve inhabitable. Y la escuela, si quiere ser un lugar donde se aprende a vivir, no puede seguir ignorándolo.

Con estás palabras pretendo llegar a un cuestionamiento sobre nosotros mismos, nuestra identidad. La recuperación del teatro de los Altos de Chiapas en aquella representación que pude ver supone una deuda revolucionaria con su entorno, deuda que vemos en Hamnet a través de la inconmensurable conexión que tiene la protagonista con el bosque, con la naturaleza que la rodea. Una deuda emocional y pedagógica que ya es hora de saldar, como esta reivindicación del teatro en la escuela. No con actividades puntuales ni proyectos aislados, sino con una apuesta decidida por incorporar el arte de la escena como lenguaje, como forma de enseñar y aprender plena. Un medio de estar en el mundo y un aspecto identitario más de lo académico.

Porque la revolución pendiente en educación pasa por devolver a nuestras aulas aquello que las hace más humanas, en lucha por hacer de nuestros estudiantes lo que los hace algo más que espectadores. Y Hamnet, con su hondura y su belleza, nos lo recuerda con una claridad que ya no podemos ignorar.

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Albano de Alonso Paz es catedrático de Lengua y Literatura, profesor y Cruz al Mérito Civil por su labor en el campo de la enseñanza.

El actor y humorista Fernando Esteso ha muerto la madrugada de este domingo, a los 80 años, en el Hospital La Fe de Valencia donde estaba ingresado desde hace varios días, según ha informado su representante a la Academia del Cine. El cómico, nacido el 16 de febrero en 1945 en Zaragoza, había sido atendido en este mismo centro sanitario por problemas respiratorios hace cinco años.

Su juego era ser artista. El hombre que empezó como payaso siguió haciendo durante toda su vida ese humor somarda, aragonés y con retranca, directo y tradicional. Formó junto a Andrés Pajares una de las parejas más taquilleras del cine español con las comedias de Mariano Ozores, en las que se caricaturizaba al español medio de la Transición, anterior a la liberación sexual.

Esteso definía su humor como "limpio, blanco, sin complicación. Un humor de la calle que trata de buscar no la carcajada sino la sonrisa continuada".

Provenía de una familia de artistas: sus padres eran joteros y era sobrino nieto del actor teatral Luis Esteso y López de Haro. Debutó siendo un niño en los montajes de sus padres y trabajó como payaso en el circo. Se trasladó a Madrid en 1964 y empezó a hacer teatro, cine y televisión, y grabó discos de humor.

En 1973 inició su carrera cinematográfica con un pequeño papel en 'Celos, amor y Mercado Común', de Alfonso Paso. Después vendrían 'Onofre' (1974) y 'Virilidad a la española' (1975), pero no sería hasta 1978, con 'Pepito Piscinas', cuando despuntó como actor cómico.

También tenía la habilidad de imitar voces de cantantes famosos como Raphael, Julio Iglesias, Alberto Cortez, Demis Roussos, Camilo Sesto, Nino Bravo, Tom Jones, Luis Aguilé, Serrat o Manolo Escobar.

En 1979, Ozores le lanzó a la fama con 'Los bingueros', junto a Andrés Pajares, y la pareja no dejó de hacer comedias costumbristas con tinte erótico, con extraordinaria acogida popular. Entre ellas: 'Los Energéticos' (1979), 'Yo hice a Roque III' (1980), 'El liguero mágico' (1980), 'Los chulos' (1981), '!Qué gozada de divorcio¡' (1981), 'Los Liantes' (1981), 'Brujas mágicas' (1981), 'Todos al suelo' (1982), 'Cristóbal Colón, de oficio descubridor' (1982), 'Padre no hay más que dos' (1982), 'El currante' (1983), 'Agítese antes de usarla' (1983) o 'La Lola nos lleva al huerto' (1983).

Esteso-Pajares también lograron el éxito teatral con la comedia de Neil Simon 'La extraña pareja' (1987).

Luego se separarían laboralmente. "Con Pajares lo dejé porque ambos teníamos la sensación de estar siempre haciendo la misma película", explicó Esteso en alguna ocasión.

Curioso y aplicado, tal y como se definía, su propósito fue hacer felices a los demás, y estimaba que lo consiguió: "No hay cosa más bonita que notar que la gente te quiere", pensaba.

"Actor con verdad, cómico de primera, excelente cantante, genial imitador y sobre todo, amigo entrañable"; así ha recordado este domingo Santiago Segura a Fernando Esteso, que ha fallecido este domingo en Valencia a los 80 años.

"Hoy nos ha dejado Fernando Esteso. Todo mi cariño para su familia. Fuiste un ídolo y un mito infantil y conocerte no me defraudó, te hizo más grande. Hasta siempre Fernando", añade el director de la saga Torrente en su cuenta de X.

En los últimos años, el intérprete aragonés había sido recuperado para la gran pantalla por Santiago Segura, en la saga Torrente, y por Agustí Villaronga, que en un registro más dramático le ofreció papeles en 'Incierta gloria' y 'Loli Tormenta'.

Un soldado de la guerra de Irak con estrés postraumático yendo de puerta en puerta para comunicar a las familias que un marido, un padre o un hijo no volverán a casa. Un excombatiente de la guerra de Malvinas, deletreando en lengua de signos la palabra odio como respuesta a la pregunta ¿qué sientes cada mañana al despertarte? Rita Segato hablando sobre el genocidio de Gaza, Pedro Lemebel sobre la infancia, Hanna Arendt sobre la mentira y Jorge Luis Borges, sobre la absurda idea de intentar clasificar el mundo. Los aprendices de una imprenta de la calle Saint-Séverin de París organizando en 1730 una matanza de gatos porque no les dejan dormir con sus maullidos, gatos condenados a la horca después de someterlos a un juicio paródico con guardias, un confesor y un verdugo. Instrucciones para cazar un unicornio. La utopía de Tomás Moro. Netanyahu, Trump, Salvini o Le Pen lamentándose de que “nuestra civilización se muere poco a poco porque ya no nacen los hijos que nuestra identidad necesita preservar”. Un actor latino vestido de cowboy ensayando el papel de alguien que ejecutó una matanza en una universidad de Virginia. Un chaval de 14 años suicidándose después de hablar durante meses con su mejor amiga, un chatbot llamado Dany. Un esclavista estadounidense paseando por medio país a una mujer que presenta como la antigua niñera de George Washington, asegurando que tiene 161 años. Un filósofo chino, y tras su nombre una Inteligencia Artificial, defendiendo en su nuevo libro que hay que reaprender lo que queda fuera del espectáculo, cultivar espacios de silencio y conversaciones que no se midan en clics. Un militar con una dentadura parecida a la de Hitler.

Todos, habitantes de un universo llamado Play en el que habrá también un plató de televisión, un camerino, varias pistolas, un teléfono de rueda, un tocadiscos, vinilos, cassettes, grabadoras y cuatro cabezas colocadas sobre almohadones, como aquellas que Samuel Beckett metió en tres urnas para hablarnos de una sociedad dañada y mutilada en una obra, publicada en 1963, también llamada Play. Una palabra que activará hoy, igual que en aquella, la radiografía de un mundo herido en una pieza rizomática y fragmentada, creada, dirigida e interpretada por Matías Umpierrez, que lleva a escena desde este jueves, en Contemporánea Condeduque, una investigación escénica sobre los discursos de odio y los modos de habitar el poder, un espectáculo puramente teatral que también es una conferencia performativa, una instalación y un atlas del resentimiento.

Explica Umpierrez a este diario que Play nace de la necesidad “de investigar sobre el odio en relación a la historia de la ficción, que es, en realidad, la historia de la humanidad y todo lo que fuimos construyendo en las distintas estructuras de conocimiento, pero nace también de la sensación constante de odio que nos rodea y de una especie de estado de ansiedad que me hace sentir que a través de las artes podemos pensar o repensar nuestra manera de relacionarnos, una manera que, cuando investigas, entiendes que nunca ha sido diferente. Sin embargo, el problema ahora es la revolución cognitiva que vivimos, lo que hace que esta cuestión esté mucho más presente y veamos muchísimo más el reflejo de quiénes somos o lo que podemos construir colectivamente”.

De ahí, explica el creador, la elección del término Play: “Es la primera palabra cyborg, una palabra que implementó la estructura política dominante que después de la Segunda Guerra Mundial va a contener el modo en que deberíamos vivir en Occidente, una palabra que activa la reproducción de una gran cantidad de discursos de odio que no solo están en la política, sino en las canciones que escuchamos o en las cintas de VHS que poníamos para ver películas. Play es una palabra que está dentro de nuestra psiquis de una manera muy primaria y a esos discursos les dimos la bienvenida a través, justamente, de todas estas tecnologías analógicas”. Tecnologías fósiles y anacrónicas, “casi unos veteranos de guerra que ahora ya no tienen lugar, cintas de cassette o discos de vinilo que (en escena) van a tener en su interior voces de inteligencias artificiales, algo que no corresponde con su época y, de alguna manera, ese fósil va a revivir trayendo una voz que es la voz de la soledad, la voz de un cuerpo que no existe”.

Umpierrez empezó a trabajar en la pieza hace dos años, en su taller (donde construyó las marionetas y las cabezas que aparecen en escena) y en las bibliotecas públicas madrileñas de Lavapiés, Arganzuela, Puerta de Toledo y del Museo Reina Sofía. Un trabajo nutrido de lecturas y conversaciones con investigadores como la socióloga Micaela Cuesta o la historiadora del arte Elisa Romero, repleto de hipervínculos, capas y archivos que Umpierrez ha hallado, sobre todo, en Internet y que dice haber “performado para darles una especie de fricción o desgarro que desvele y abra otras puertas”.

Archivos con voces fake, voces sin cuerpo que habitan una obra que juega con el cabaret, el teatro de variedades o el music hall, que difumina las fronteras entre realidad y ficción y que está hablando, en el fondo, de vacío y vulnerabilidad: “Yo creo que la soledad es un gran caldo de cultivo para el odio. Esta idea de la pereza humana, de teletrabajar, que es algo que nos viene muy bien a todos y a todas, pero a la vez nos deja solos, con un eco del miedo, articulado por un algoritmo que nos dice lo que queremos pensar. Siempre que hubo soledad y siempre que alguien supo construir el miedo, el odio se activó también. Al final es una obra que termina hablando del vacío y de los nuevos miedos del presente, las inteligencias artificiales. A mí no me da miedo la IA, sino las cosas tan tremendas que puedan hacer con ellas las personas y los mecanismos económicos”.

Matías Umpierrez es, como su teatro, uno de esos artistas que rehúyen etiquetas y clasificaciones. Nacido en Buenos Aires en 1980, hijo de migrantes uruguayos y establecido desde hace años en España, ha sido coordinador del Área de Teatro del Centro Cultural Rector Ricardo Rojas y fundador del Festival Internacional de Dramaturgia, ambos de Buenos Aires. Es, además, fundador y director artístico de Plataforma Fluorescente, un dispositivo transdisciplinar que promueve vínculos entre creadores e instituciones de distintos países con el que ha comisariado proyectos como Dramaturgia para una conferencia, con Paul B. Preciado o Pedro G. Romero.

Dueño de una obra que se interroga siempre por nuestra relación con la ficción y que transita entre las artes escénicas, el cine y las artes plásticas, Umpierrez se dio a conocer en España en 2013, con TeatroSOLO, una serie de cinco piezas con un único actor y para un único espectador, estrenada en Graus, Huesca, que después replicó en Nueva York, Madrid, Buenos Aires y São Paulo. En 2013, mucho antes de la pandemia, creó Distancia, teatro en pantalla con actrices y músicos en directo y streaming desde París, Hamburgo, Buenos Aires y Nueva York. En 2018, convirtió Macbeth en una instalación audiovisual llamada Museo de la Ficción. Imperio, que situaba el drama de Shakespeare en la España de los 90, con Ángela Molina, Elena Anaya, Ana Torrent o el director canadiense Robert Lepage, su mentor durante dos años gracias al programa Rolex Mentor and Protégé Arts Initiative.

En 2023 llevó a escena Eclipse, una investigación en torno a la máscara a lo largo de la historia, que repuso esta temporada en Nave 10 Matadero. Un año antes, en 2022, Umpierrez asumió la dirección de la obra Muero porque no muero (La vida doble de Teresa), de Paco Bezerra, censurada por la Comunidad de Madrid y suprimida de la programación de los Teatros del Canal que entonces dirigía Blanca Li. Aquel episodio, sumado a la pandemia, dejó huella en el proceso de creación de Play.

“Yo siento que en la pandemia se generó una aceleración tecnológica y también discursiva, con una búsqueda de efectividad que obtiene una respuesta muy inmediata a través del odio. Yo puedo entender el odio, pero en este momento lo que hay es una enorme irresponsabilidad, sobre todo institucional, por parte de los políticos que no se están dando cuenta de lo que están provocando. El trabajo que hoy hacen los políticos es un trabajo performativo por esa sensación que provoca el odio en los cuerpos, y es es ahí donde se posó de alguna manera mi estudio”, explica.

En Play se escuchará Tú llegarás, una canción de 1967 que el director descubrió una noche, viendo en televisión un programa de zapping. Su intérprete, llamada Mikaela, canta: “Ni ver, ni oír, ni hablar es el secreto de la felicidad. Ni ver, ni oír, ni hablar, aunque comprendas y sepas la verdad”. Puro elogio de la censura en tiempos de franquismo, pero no solo. “Toda la experiencia con la obra de Paco Bezerra me llevó a pensar en la censura, en la aparición de los ultras y en todas estas cuestiones que desacomodan un poco lo que fuimos construyendo en nuestras democracias o que vuelven como un eco que nunca desapareció, que siempre estuvo y que se amplifica justamente a través de la tecnología”, explica Matías Umpierrez.

¿Por dónde pasa hoy la desactivación de los discursos de odio? “Creo que la educación y las artes son lo que nos puede ayudar en estos momentos a crear otro tipo de político, otro tipo de líder comunitario, otro tipo de compañero de trabajo. Si hay algo que me ilusiona de este trabajo como creador es poder ayudar a incentivar el sentido crítico en el espectador, que pueda no creer en todo y lo cuestione, que se pregunte si la historia es real y vaya a su casa, se siente en el ordenador y busque en Google quién dijo esos textos”.  

El actor y músico Siro Ouro, conocido artísticamente como Gold Sirope, falleció a los 24 años de edad, según ha confirmado la agencia de representación del artista, que trabajó con Los Javis en La Mesías y en la obra teatral Future lovers, entre otros proyectos.

Siro Ouro murió el pasado 1 de enero, según su agencia de representación, que lo define como un "artista sensible, inquieto y profundamente comprometido con la creación" y destaca que desarrolló "una trayectoria marcada por la búsqueda, la honestidad y una vocación artística que abarcó el teatro, el cine y la música, incluso durante la enfermedad que estaba atravesando".

Nacido en Ferrol, formó parte de la compañía La Tristura, con la que trabajó en producciones como Materia prima y Future lovers, además de intervenir en la película Somos Reyes o en la serie La Mesías, de Los Javis, entre otras actuaciones.

Al mismo tiempo, desplegó su papel como músico bajo la denominación de Gold Sirope, proyecto sobre el que su agencia ha indicado que su última canción, publicada en las últimas semanas, será un "testimonio artístico y emocional de gran valor". 

El actor Héctor Alterio (Buenos Aires, 1929) ha fallecido este sábado a los 96 años, padre de los también intérpretes Malena y Ernesto Alteriosegún ha informado su familia en un comunicado distribuido por Pentación Espectáculos.

"Con profundo dolor queremos comunicaros que hoy, 13 de diciembre por la mañana, nos ha dejado Héctor Alterio. Se fue en paz después de una vida larga y plena dedicada a su familia y al arte, estando activo profesionalmente hasta el día de hoy. Descanse en paz", asegura el comunicado.

Héctor Alterio, que en 2004 recibió el Goya de Honor de manos de sus hijos, se aupó a los escenarios siendo muy joven y en ellos ha continuado hasta el final de su vida, con una gira con el texto 'Una pequeña historia', de tintes autobiográficos.

Se estableció en España en 1975, cuando tuvo que abandonar Argentina –había nacido en el seno de una familia de emigrantes napolitanos– por amenazas de muerte, donde empezó de nuevo hasta conquistar el cariño y el aplauso del público.

Fue uno de los intérpretes más destacados de su generación, tanto en su Argentina natal como en España, donde desarrolló de manera prolífica su carrera y donde fue reconocido con el Goya de Honor 2004 de la Academia de Cine, de la que era miembro.

Alterio debutó como actor en 1948, con la obra 'Prohibido suicidarse en primavera', de Alejandro Casona. Tras acabar sus estudios de Arte Dramático, creo la compañía Nuevo Teatro, con la que trabajó por la renovación de la escena argentina durante la década de los 60.

Aunque su fama como actor le llegaría a través del cine, donde debutó en junto a Alfredo Mathé en 'Todo sol es amargo' y donde intervino en algunas de las mejores películas de la nueva generación de cineastas argentinos, como Leopoldo Torre Nilsson.

Fue en 1975 cuando se instaló en España, tras ser amenazado de muerte por la Triple A, dando inicio a su enorme vínculo con el cine español, colaborando con importantes figuras de nuestro cine como Jaime Chávarri, en 'A un dios desconocido', con la que obtuvo la Concha de Plata del Festival de San Sebastián; 'El crimen de Cuenca', de Pilar Miró; o 'El nido', la historia de Jaime de Armiñán nominada al Oscar en 1980.

A pesar de fijar su residencia en España, no dejó de participar en numerosas películas en su país natal, protagonizando cuatro de las primeras películas argentinas en ser nominadas a los premios de la Academia de Hollywood: 'La tregua' (1974), 'Camila' (1984), 'La historia oficial' (1985), que logró el Oscar y 'El hijo de la novia' (2001).

Su último trabajo en la gran pantalla fue en 2015, 'Due uomini, quattro donne e una mucca depressa', de la italina Anna di Francisca y estrenada en 2015 aunque, también se le pudo ver en 2014 en 'Kamikaze', de Álex Pina.

En 2004 recibió el Goya honorífico de manos de sus hijos Ernesto y Malena Alterio, reconocidos intérpretes también de cine, teatro y televisión en nuestro país y al otro lado del Atlántico.

En 2008, su Argentina natal le reconoció con el Cóndor de Plata por su trayectoria cinematográfica y en 2023, el Centro Cultural Kirchner de Buenos Aires le brindó un homenaje que contó con la presencia de un nutrido grupo de profesionales del séptimo arte de Argentina, como Ricardo Darín.

Pentación Espectáculos, productora de su último espectáculo, ha lamentado "con profundo dolor y pesar" el fallecimiento de Alterio, figura notablemente destacada en el ámbito cultural tanto de Argentina como de España.

Jesús Cimarro, productor de su último espectáculo, 'Una pequeña historia', ha declarado: "Se va, nos deja uno de nuestros grandes intérpretes de la escena española y argentina . Tuve el honor de ser su productor en numerosas producciones. Buen viaje, querido Héctor".

Argentino de nacimiento y español de adopción, Héctor Alterio se reconocía "de los dos lugares". "Vivo en un barrio alejado de mi país", afirmaba este actor de ojos expresivos, que hizo cine, televisión y mucho teatro. Fue sobre las tablas donde comenzó su larga carrera profesional.

Debutó con 19 años con 'Prohibido suicidarse en primavera', una obra de Alejandro Casona que representó en su Argentina natal. Su último trabajo estrenado ha sido la serie televisiva 'Su Majestad' en 2025 y antes de eso el largometraje 'Las consecuencias' (2021), de Claudia Pinto, y los documentales 'El viaje de Julieta' y 'La memoria del cine: Una película sobre Fernando Méndez-Leite'.

Como aseguró en una entrevista con EFE, actuar era lo único que sabía hacer. "Llevo setenta años en las tablas, haciendo de todo, desde obras buenas, a otras malas o regulares. Desde que tengo uso de razón que estoy allí y creo que no tengo otra alternativa que seguir, porque el oficio es lo único que tengo. Si me quedo sin eso, no tengo más remedio que estar pendiente de mi jubilación", afirmó.

Y allí siguió, en un teatro, hasta los 96 años. Dando lecciones de buen oficio, de elegancia y de un amor por la interpretación que supo transmitir a sus hijos, Ernesto y Malena.

Con ellos y con su mujer, la psicoanalista Ángela Bacaicoa, se instaló en España en 1975 tras recibir amenazas de muerte de la Triple A, organización paramilitar estatal que operó durante los años previos a la última dictadura (1976-1983).

"Aún recuerdo el calor de la mano de mi hijo cuando tenía 4 años y cruzábamos Bravo Murillo, la calle del hostal en el que vivíamos, y me decía '¿papá en qué idioma hablan?' porque no lo entendía", explicaba.

Le tocó empezar casi desde cero, pese a que ya tenía una carrera consolidada en Argentina, donde en 1950 había creado la compañía Nuevo Teatro, y donde había participado en películas tan destacadas como 'El santo de la espada' (1969), 'La fidelidad' (1970), 'La tregua' (1974) o 'La Patagonia rebelde', Oso de Plata en Berlín en 1974.

En España lo acogieron colegas como la fallecida directora Pilar Miró o actores como Nuria Espert -con la que hizo 'Divinas palabras'- y Juan Diego, que le dieron, como él recordó en varias ocasiones, la oportunidad de trabajar y le ayudaron en todo lo que precisó.

Se hizo popular en España por series como 'Santa Teresa', 'Segunda enseñanza', 'El Quijote' o 'La regenta' y por películas como 'A un dios desconocido' (1977) -premio al mejor actor en el Festival de San Sebastián-, 'El crimen de Cuenca' (1977), 'El nido' (1980), 'Don Juan en los infiernos' (1991) o 'El detective y la muerte' (1994).

Y siguió trabajando en el cine argentino, en 'Camila' (1984) o 'La historia oficial', ganadora del Óscar a mejor película extranjera. Además de 'Plata quemada' (2000) 'El hijo de la novia' (2001), 'Kamchatka' (2002) o 'El último tren' (2002). Una trayectoria en el cine por la que en 2004 recibió el Goya de honor.

También continuó participando en series televisivas. Una de las más destacadas, 'Vientos de agua', dirigida por su compatriota Juan José Campanella, y que contaba una historia con similitudes con la suya personal. La inmigración y el exilio centran esta historia en la que compartió papel con su hijo Ernesto.

Y nunca dejó de lado su amado teatro. En 2004 recibió un Max por su trabajo en 'Yo, Claudio'. Y en los años siguiente encadenó montajes como los de 'El túnel', de Ernesto Sabato; 'Dos menos', de Samuel Benchetrit; 'La sonrisa etrusca', de José Luis Sampedro; o 'El Padre', de Florian Zeller.

"En el teatro me siento casi patrón de mi trabajo porque lo manejo yo, respetando los elementos de la dirección claro, pero puedo decidir en qué momento se corta el silencio, en qué momento se apura", resaltaba el actor.

Además, en su afán perfeccionista, el teatro tenía algo único que no existía en el cine o la televisión. Y es que le permitía "mejorar cada día lo del día anterior".

“Nunca me he olvidado de pisar la calle, de salir cuando había que salir y cuando pensaba que era desastroso lo que pasaba. Con la dictadura, con los grises, con los secretas detrás, daba igual”, con esas emotivas y combativas palabras recogía la actriz Marisa Paredes el Premio infoLibre 2023, un galardón que la reconocía no sólo por una carrera brillante en la interpretación, sino también por toda una vida de compromiso y de lucha por infinidad de causas justas. Desde el “No a la guerra” hasta el feminismo, Paredes quiso reivindicar su camino en la defensa de la democracia y sus valores a la vez que celebraba en un discurso inolvidable en el Ateneo de Madrid la concesión de un premio que recibía “nerviosa”.

Sin embargo, poco más de un año después de ese momento, la actriz moría de forma sorpresiva en su casa de Madrid a los 78 años, dejando al mundo de la cultura y del activismo huérfanos, pero también a todos los que forman parte de infoLibre. Este año, desde el periódico se ha querido hacer un homenaje a Paredes y a su compromiso político social, además de a su gran talento interpretativo. Por ese motivo, a partir de ahora el Premio infoLibre a la Cultura pasará a llamarse Premio Marisa Paredes a la Cultura. De esa forma se suma al Premio Almudena Grandes al Derecho a la Información, que en este caso homenajea a la escritora. 

Antes de entregar el galardón, la hija de Marisa Paredes, María Isasi, ha querido dirigir unas palabras al Ateneo en recuerdo a su madre. “Gracias a la familia infoLibre por este regalo tan hermoso”, dijo, para proseguir citando un discurso de su madre: “No hay que tener miedo a la cultura ni al entretenimiento. Hay que tener miedo a la ignorancia y al dogmatismo, hay que tener miedo a la guerra”

Su discurso dio paso a la entrega del premio para la obra de teatro 1936, una de las más exitosas de toda la temporada y que retrata cómo fueron los momentos previos y posteriores al golpe de Estado y la Guerra Civil. Lo hace mediante una impactante puesta en escena y unas actuaciones excelentes, que han llenado durante dos temporadas la Sala Grande del Teatro Valle Inclán que ahora está de gira por España. 

El encargado de recoger el reconocimiento ha sido Andrés Lima, uno de sus directores y también uno de los autores del texto, de manos de la propia Isasi y de Nacho Calle, subdirector de infoLibre. Lima aseguró que era un “pedazo de honor” recoger un premio nombrado con Marisa Paredes y dio las gracias de parte del equipo el reconocimiento, ya que actualmente están actuando en Cádiz ante un público de más de 1.000 estudiantes. “Agradecemos que un grupo de periodistas de prestigio y compromiso con la verdad nos entregue este premio, porque nuestro montaje apela precisamente a la verdad tanto tiempo escondida y tergiversada”, comentó el director. 

“1936 es una obra coral, de grupo, dan la mano para crear obra de arte para que remueva al público”, continuó Lima, que hizo referencia a como la guerra de Ucrania y el genocidio en Gaza han “resonado” durante la representación de la obra. “Todos tenemos la guerra dentro”, lamentó. Para acabar, el director quiso dedicar el premio a los más de 114.000 desaparecidos por el franquismo, a sus familiares y a quienes sufrieron la persecución en una dictadura que “no se debería repetir jamás”.

Paredes siempre estuvo comprometida con los valores que este diario defiende, participando en decenas de eventos y de iniciativas impulsadas por infoLibre. Su última aparición en uno de ellos fue una de las más recordadas, ya que estremeció al público leyendo tres testimonios en forma de carta de las Trece Rosas, en un evento llamado Mujer y Memoria, que recordaba la represión de las mujeres durante el franquismo y la Guerra Civil. Allí dejó un mensaje a todos los jóvenes: “Os aseguro que cuando os hablan de la dictadura no fue solo la guerra, duró hasta que murió el dictador, y todavía hay quien quiere que vuelva, no os dejéis engañar, ser libres y pensad por vosotros mismos”.

A lo largo de su vida, Paredes acumuló reconocimientos y películas inolvidables, sobre todo asociada a Pedro Almodóvar. Su figura trascendió España y se convirtió en una de las actrices más míticas y queridas del cine europeo. En su filmografía se encuentran actuaciones en algunas de las cintas más importantes del director manchego como Todo sobre mi madre, Tacones lejanos, Hable con ella, La flor de mi secreto o La piel que habito, pero también en otras como La vida es bella o Profundo carmesí. Además, fue directora de la Academia Artes y las Ciencias Cinematográficas de España durante 3 años y recibió galardones tan importantes como el Premio Nacional de Cinematografía, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes o el Goya de Honor.

Pese a que sonaba Javier Krahe por los altavoces del Ateneo de Madrid, no había ningún “cuervo ingenuo” en el público. El patio de butacas lo llenaban socios de infoLibre, políticos y personalidades de la cultura que venían a presenciar la entrega de los Premios infoLibre 2025, que este año ya cumplen un lustro. La música del cantautor y su foto en la gran pantalla daban el pistoletazo de salida a la gala, a la que asistieron, entre otros, el expresidente del Gobierno José Luis Rodríguez Zapatero, el ministro de Transportes y Movilidad Sostenible, Óscar Puente, la ministra de Sanidad, Mónica García, el ministro para la Transformación Digital y de la Función Pública, Óscar López o la ministra de Juventud e Infancia, Sira Rego.

La gala se pudo realizar gracias al patrocinio y colaboración de empresas españolas como Telefónica, Aena, Fundación LaCaixa, Renfe, Paradores, Estrella Damm, San Cobate y del Ateneo de Madrid, lugar donde se realizó el evento.

Una vez las notas de la canción de Krahe acabaron, llegó el turno de la bienvenida, a cargo del director editorial de infoLibre, Jesús Maraña. Una intervención en la que reivindicó el lustro que cumplen los premios gracias al apoyo de las socias y socios y como estos se han convertido en un oasis de esperanza, optimismo y de apoyo al periodismo en medio de la ola reaccionaria y de desinformación en la que estamos inmersos. “No imaginábamos hace 5 años, cuando comenzaban estos premios, que la crispación llegaría a este extremo. En este panorama mediático oscuro, somos muchos los que no estamos dispuestos a caer por mucho que nos empujen. Sobran motivos para la esperanza”, señaló Maraña, teniendo un recuerdo para los familiares de víctimas de residencias durante el covid que se encontraban en el público. 

Tras la bienvenida de Maraña, tocó el turno para la directora de infoLibre, Virginia P. Alonso, que se estrenaba como presentadora de los Premios infoLibre. “Esta gala nos sirve para mirarnos al espejo y recordar por qué hacemos lo que hacemos. infoLibre nació para hacer periodismo independiente, riguroso. Para contar lo que pasa sin pedir permiso al poder, ni político ni económico”, aseguró Alonso. Igualmente, recordó cómo estos premios coinciden con el 50 aniversario de la muerte de Francisco Franco y la importancia de reivindicar la memoria histórica como forma de construir el futuro: “La democracia no es un trofeo que se guarda en una vitrina. Es una tarea diaria. Y esa tarea incluye no olvidar de dónde venimos, porque sin memoria no hay democracia fuerte”. Igualmente, Alonso se ha acordado de los ataques a las hijas de periodistas, como los que ha sufrido Maraña a lo largo de esta semana: “Estamos con vosotros, no van a conseguir que normalicemos el odio”.

“Y ahora sí, vamos a empezar por quienes hacen posible que infoLibre exista. Y no, no hablo de los algoritmos... precisamente”, zanjaba la directora en su discurso para dar paso al Premio Librepensador@s, que cada año reconoce a una socia o socio a un socio que colabora con infoLibre con sus opiniones en la sección del mismo nombre. Era el primer premio de una gala patrocinada Telefónica, Aena, Fundación LaCaixa, Renfe, Paradores, Estrella Damm, San Cobate y Ateneo de Madrid

En esta ocasión, el galardón ha recaído en Lourdes Gaitán, una profesora jubilada que con su documentado artículo La extensión del sufragio universal: ciudadanía y participación democrática de la infancia y la adolescencia abrió el debate de si se debe bajar la edad de voto para incluir más a los jóvenes en política. Gaitán subió al escenario mientras sonaba Al Alba, de Luis Eduardo Aute, para recibir el galardón de la mano de Sira Rego y María Vaamonde, directora de relaciones institucionales de infoLibre. En su discurso, nuestra socia agradeció que se diera visibilidad a un tema que no suele ocupar titulares en los medios y que es incómodo. 

“Los niños y los adolescentes permanecen en una sala de espera hasta que puedan tener los derechos que tienen reconocida en la Declaración de los Derechos Humanos. Les afectan los mismos problemas que a los adultos, pero nos cuesta reconocerlo. Nos consideramos legitimados para controlar su vida, hablamos de ellos, pero no les conocemos”, ha criticado nuestra socia.

Después del discurso de Gaitán, llegó el turno de entregar el Premio infoLibre al Compromiso Social, que este año recae en el fundador de Open Arms, Óscar Camps por su labor en el rescate de migrantes en el Mediterráneo. Precisamente, a ritmo de la canción de Serrat que homenajea a ese mar de vida y muerte subía Camps a recoger su galardón de la mano de Óscar Puente, ministro de Transportes y Movilidad Sostenible y Marta Gesto, directora general de infoLibre.

Con el Ateneo puesto en pie para aplaudirle, Camps acogió el premio con gratitud y recordando la foto del niño Aylán, que “muchos han olvidado” y que a él le hizo ponerse en marcha para salvar personas en el Mediterráneo. “La dignidad y la vida no se negocia ni se discute. Cuando me dirigí a Lesbos fui por decencia, porque cuando alguien pide auxilio en el mar no se calcula el coste político, se rescata, es lo que dicta la ley del mar y la conciencia. Seguimos no porque sea fácil, sino porque es necesario. Nadie arriesga su vida y la de sus hijos por un capricho, Europa no puede perder su alma en las fronteras”, reivindicó Camps como agradecimiento. 

Una vez terminado su discurso, el Ateneo de Madrid se tiñó de violeta. Con las notas de Un ramito de violetas de Cecilia de fondo, Alonso salía al escenario para recordar a las mujeres que sufren violencia de género. La directora de este periódico quiso poner el foco especialmente en unas agresiones “que no dejan moratón, pero sí cicatriz”, las que sufren las mujeres que ocupan puestos de responsabilidad. “Yo lo he vivido. Y sé cómo funciona: te atacan el cuerpo, la edad, la vida privada, la maternidad o la ausencia de ella. Te convierten en caricatura, en diana, en meme. Eso no es ‘el juego público’, no podemos aceptarlo como algo inevitable. Es violencia política”, subrayó Alonso, que zanjó: “Y a quienes creen que el odio puede echarnos de la vida pública: se equivocan. No vamos a irnos. Ni a callarnos. Ni a pedir permiso”. 

Una reivindicación que sirvió como previa al Premio infoLibre a la Igualdad, que este año recaía en la presentadora y guionista Henar Álvarez, por su labor de visibilizar el feminismo y la violencia a la que están sometidas las mujeres. El galardón se lo entregaban Mónica García, ministra de Sanidad y Marta Jaenes, subdirectora de infoLibre. “Abre conversación donde había silencio”, definió Alonso antes de que Álvarez subiera al escenario para recoger su premio. 

“A mí en redes me han llegado a llamar fea, es usted una persona sin criterio”, comenzó la premiada en su discurso entre risas. Para seguir con una advertencia a los jóvenes: “Los jóvenes tienen remedio. Hay una corriente en redes sociales diciendo que no se formen. Nos quieren hacer creer que la formación es accesoria, mientras que los hijos de los ricos acumulan masters, por lo que no será tan accesoria. Nos quieren incultos, pero hay que estudiar para formarse un criterio propio”, comentó Álvarez. Además, tampoco tuvo piedad con los hombres que lideran el mundo: “Todo es claramente peor cuando se arrincona a las mujeres. Mirad como estamos gobernados por hombres blancos heterosexuales. Entre los que lloran porque la sirenita es negra y porque hay homosexuales en Netflix claramente no están capacitados para liderarnos”, señaló Álvarez.

El humor no paraba con Héctor de Miguel que desataba las risas del Ateneo con un monólogo sobre sus “problemas” con Franco y con Abogados Cristianos por su propuesta de “volar por los aires” la cruz del Valle de Cuelgamuros. 

Tras el humor, llegaba uno de los momentos más emotivos de la gala, el de entregar el Premio Marisa Paredes a la Cultura, que por primera vez estrenaba denominación en homenaje a la inmortal actriz, fallecida en diciembre del año pasado y ganadora del Premio infoLibre 2023. Antes de entregar el galardón, a Andrés la hija de Paredes, María Isasi, quiso dirigir algunas palabras en recuerdo a su madre. “Gracias a la familia infoLibre por este regalo tan hermoso. Comparto unas palabras de mi madre: ‘No hay que tener miedo a la cultura ni al entretenimiento. Hay que tener miedo a la ignorancia y al dogmatismo, hay que tener miedo a la guerra’”.

En esta primera edición bajo el nombre de Paredes, el galardón ha recaído en la obra teatral 1936, que reventado la taquilla con su forma de contar el golpe de Estado y la Guerra Civil que sumió a España en la oscuridad. Lo recogía en nombre de toda la obra uno de sus directores y guionistas, Andrés Lima, de la mano de Isasi y Nacho Calle, subdirector de infoLibre. “Nuestro montaje apela a la verdad, tanto tiempo escondida y tergiversada. 1936 es una obra coral, de grupo, donde muchos se dan la mano para crear obra de arte para que remueva al público. ”, dijo Lima. Igualmente, el director también tuvo palabras para el genocidio de Gaza y el conflicto en Ucrania, que han “resonado” durante las representaciones de la obra. “Todos tenemos la guerra dentro”, señaló antes de dedicar el premio a los 114.000 desaparecidos por el franquismo y a sus familias. 

El siguiente reconocimiento a entregar era el Premio Almudena Grandes al Derecho a la Información, que en esta ocasión premiaba al escritor y periodista Martín Caparrós. Un galardón especialmente emotivo, pues la fecha de la gala justo coincidía con el cuarto aniversario de la muerte de la autora de Inés y la alegría. El premiado recogía su galardón de manos de Óscar López, ministro para la Transformación Digital y de la Función Pública y de Mónica Grandes, hermana de Almudena Grandes. Mientras, en el Ateneo, retumbaban los primeros compases de Cantares, de Joan Manuel Serrat. 

En su discurso, Caparrós hizo una defensa a ultranza del periodismo combativo y que sirve: “Últimamente me pregunto mucho qué tenemos que hacer los periodistas para hacer que valga la pena Muchas veces caemos en la trampa de hablar de lo que los políticos quieren. A Milei todos le conocen por una motosierra y porque dice barrabasadas una tras otra, ensalzando la crueldad. Todo eso lo sabemos, pero sirve para que no sepamos que en Argentina hay 500.000 personas que han perdido su puesto de trabajo o que los hospitales públicos tienen 30-40% menos de presupuesto que antes de Milei”, dijo Caparrós. 

Y por último, tocaba el turno del Premio infoLibre 2025, que en esta edición recaía en la Agencia de Naciones Unidas para los Refugiados de Palestina en Oriente Próximo (UNRWA) por su labor de asistencia a los gazatíes durante el genocidio que lleva perpetrando Israel contra la población palestina. Ni el hambre, ni los bombardeos han parado a la agencia, que ha estado representada por Raquel Martí, directora Ejecutiva de UNRWA España. Ella ha sido quien, entre aplausos, recibía el galardón de la mano de José Luis Rodriguez Zapatero y Jesús Maraña.

Con el auditorio puesto en pie, Martí agredecia el premio como un gesto de “aliento y respaldo” a su labor humanitaria, a los 12.000 trabajadores de UNRWA en Gaza y a los 380 compañeros asesinados. “Encontramos todo reducido a escombros. Sobrevivir en Gaza es una carrera de fondo contra la desesperanza. En este escenario, nuestro personal se levanta cada mañana para abrir escuelas improvisadas y crear espacios seguros para niños que necesitan jugar y aprender. Lo hacen cuando ellos están de duelo, cuando lloran la ausencia de sus seres queridos”, recordó la directora ejecutiva de UNRWA España.

Cerraba la gala el expresidente del Gobierno, que recogía el guante de Martí haciendo referencia al genocidio en Palestina. “Nuestra generación no creía que veríamos una barbarie como la de Gaza. El asesinato de tantas personas inocentes nos ha marcado. Hay que comprometerse viendo la guerra de Ucrania y Gaza. ¿Alguna vez las generaciones más jóvenes podrán abrazar el ideal de la abolición de la guerra? Sé que suena a utopía, pero los primeros abolicionistas de la esclavitud fueron también considerados utópicos, ingenuos, buenistas, y hoy la esclavitud nos repugna”, comentó Zapatero.

A su vez, el expresidente celebró como un país que salió de una dictadura que estaba a la cola de Europa en derechos es ahora vanguardia en el feminismo y en derechos humanos como el matrimonio homosexual. “Son los mejores años, mantengamos vivo el pulso del derecho a la información. Libertad, igualdad, fraternidad y verdad, no está mal pensado para infoLibre. Hay que expandir esos principios”, zanjó el expresidente del Gobierno.

Vive Andrés Lima (Madrid, 1961) un momento especialmente dulce en su extensa y aplaudida carrera teatral gracias a uno de los éxitos más unánimes que ha tenido la escena en mucho tiempo: 1936. Una obra del Centro Dramático Nacional que, un año después de su estreno, de girar por varias ciudades españolas, regresar al punto de partida en el Teatro Valle-Inclán de Madrid y volver a salir de gira, sigue agotando entradas de manera instantánea. "Seguimos de gira ahora y quiero seguir con la obra, levantándola de nuevo y reponiéndola siempre que tenga vida y el público quiera verla", anticipa a infoLibre el dramaturgo con motivo del Premio Marisa Paredes a la Cultura que este diario le entrega este jueves, en una nueva edición de sus galardones en el Ateneo de Madrid. en reconocimiento a su labor como director, dramaturgo y autor de este montaje.

¿Qué le dice este premio a 1936 que vincula cultura y calidad democrática?

Es un placer y un honor porque infoLibre es un medio interesante y veraz. Hemos hecho y seguimos haciendo un esfuerzo muy grande con esta función y con su gira, así que recibir un premio es una recompensa muy bonita a todo el trabajo que estamos haciendo.

Un premio además a la cultura, en el significado más amplio de la palabra, siempre tan necesaria. más aún si cabe en montajes como 1936, que además está teniendo un éxito enorme. 

La cultura es un bien público a preservar, como la sanidad, la educación o cualquier otro. Es un logro del estado del bienestar y creo que tenemos el deber de respetarlo y de honrarlo, en el caso de la cultura no porque yo trabaje en ella, sino porque es para todos. Además, es un honor también que haya sido el teatro público el que ha coproducido esta historia, sin olvidar que al final, de todas maneras, los que la llevamos a cabo somos una empresa modesta de cultura, que hace un esfuerzo muy grande para sobrevivir cada día en este mundo en donde sobre todo lo que interesa es el interés que te da el dinero. La cultura es algo a poner en valor siempre, y más una cultura que nos habla de nuestro pasado y de las heridas que tenemos para intentar saber cómo éramos. Yo estoy muy orgulloso y muy contento.

¿Es la cultura, de la mano de la memoria, la principal herramienta para detener este pendulazo conservador de la ultraderecha?

Desde luego, es una de las razones por las que yo me puse a trabajar en ello. No sé si sirve para detenerlo pero, en cualquier caso, sirve para que seamos conscientes de qué es lo que pasa. A mí, los movimientos de ultraderecha y su significado en la política me causan mucha inquietud, pero lo que más inquietud me causa es la cantidad de ciudadanía que hay votándolos. Esa reflexión es la que tenemos que hacer cada uno. Estamos en un momento delicado en el que se votan dentro de democracia fórmulas que intentan acabar con la democracia y vivir en esta contradicción me parece asombroso. Solamente la cultura puede aclarar un poco este dilema.

En este contexto, que nos parecía increíble hace tan solo un lustro...

Más que sorprenderme, me preocupa. Todos esos movimientos llevan muchos años fraguándose y un mundo en crisis económica, muchas veces, da lugar a este tipo de populismos y de huidas hacia delante. Pero es que la única manera de intentar solucionar los problemas de hoy en día es mirar al pasado para ver de dónde surgen.

¿Mirar al pasado sin dejar de atender a un presente que a lo mejor estamos descuidando de más?

El teatro, en este sentido, es presente puro. El espectáculo nace y muere cada día y el espectador lo ve en el momento. No hay nada, no se conserva en una lata, ni en internet, ni en el cine, ni en una plataforma, solamente en la memoria del espectador. En ese sentido, es importante vivir el presente y vivir la emoción del presente y del pasado. Desde que empezamos con la obra, tenía claro que había que vivir la guerra como si fuera hoy, para darnos cuenta de qué es lo que plantea, qué es lo que se pone en juego en una guerra, que no es solamente algo de un libro de historia, sino que al otro lado de la trinchera está mi hermano y puede morir. Se trata de saber qué significa eso en emoción, que es lo que a veces nos falta a la hora de tener perspectiva histórica. La emoción está en la historia, como los datos.

¿Es el teatro más poderoso que nunca en estos tiempos de pantallas a toda velocidad, estímulos constantes por todas partes e información que nos pasa por delante sin darnos tiempo a procesarla?

El teatro es igual de poderoso siempre, es una herramienta en manos del ciudadano, que entra y sale del teatro conmovido, transformado... lo que sea, porque siempre va a aportarle algo. Más que nunca no, yo creo que es igual, es algo que sobrevive. El cine ha pasado sus crisis y está ahora en una crisis mayor. Al teatro le hace falta a dos personas en la calle besándose para que haya corro o, bueno, dos personas pegándose. El teatro siempre va a estar ahí.

Ha transcurrido un año desde el estreno de 1936 y el público sigue acudiendo en masa y con muchas ganas a ver la obra. ¿Cómo está recibiendo eso todo el equipo?

Sí, se siguen agotando las entradas, la gente tiene mucho interés y cruzo los dedos para que eso continúe así. Con una producción en la que te juegas tanto, que arriesgas porque te lo dejas todo ahí, siempre tienes el temor de que lo tengas que meter todo en maletas y llevártelo a casa. Pero sí que confiaba en la fecha, en que un acontecimiento de tal importancia iba a suscitar mucho el interés del público, y así ha sido. Después, claro, hay que hacerlo bien todos los días, pero eso ya es secundario.

Se acaban de cumplir cincuenta años de la muerte de Franco y tenemos en las calles a cada vez más gente joven diciendo que a lo mejor en una dictadura se vivía mejor. ¿Hay que tener más miedo a las dictaduras? ¿Ese es otro de los mensajes de la obra?

Es verdad que hay un resurgir, sobre todo desde plataformas de internet donde convocan a la gente, pero no creo que sean tan numerosos, lo que pasa es que hacen mucho ruido, como siempre lo han hecho. Es decir, parece que últimamente la gente dice que a la juventud en su totalidad le gusta el fascismo, pero no es cierto. Yo estoy haciendo muchas conferencias sobre la guerra y veo que hay mucha inquietud. Sí que hay gente muy despistada y un gran desconocimiento, no culpa de ellos, sino de la falta de pedagogía que ha habido durante muchos, pero hay mucha gente con cultura y con criterio para saber diferenciar entre el fascismo y la democracia. Eso por un lado y, por otro, lo único que sí que es verdad es que toda información es poca, y toda pedagogía es poca, ya que el ser humano tiene que aprender a ser libre y el fascismo no es precisamente una de esas disciplinas que te vaya a otorgar la libertad, por mucho que algunos se empeñen en decir que sí.

¿Qué siente usted particularmente cuando ve a esos jóvenes, que no son tantos pero hacen mucho ruido, cantando el Cara al sol en pleno 2025, con lo de medieval que tiene eso?

Está claro que no es medieval, por eso creo que no hay que minusvalorar todas estas cosas que suceden. No es medieval porque sigue vivo, y eso es por algo. Puedes estar o no de acuerdo, pero no hay que desatender qué sucede ahí, con la mayor tranquilidad posible, mirándolo y estudiándolo. Al mismo tiempo, me causa una gran tristeza, porque no hace tanto, en los años de la Transición, todavía había ataques fascistas en la universidad, en los institutos, y cualquier tipo de expresión de la violencia me parece un horror. Es un fracaso como ser humano tener que utilizar la violencia para comunicarse. Pero bueno, el uso de la violencia es una de las características del fascismo, ya lo decía José Antonio claramente en su discurso de apertura en el Teatro de la Comedia de Madrid en 1933. No me gusta, no me gusta en absoluto, pero hay que mirarlo para ver por qué sucede, intentar analizarlo y contemplarlo.

¿Llegaremos alguna vez a cerrar de alguna manera la herida de la guerra civil mientras tengamos a la derecha y la ultraderecha negándose a llamar dictador a Franco?

Yo espero que como cualquier herida, aunque sea metafórica, se cierre en algún momento. Es lógico que no se haya cerrado, quiero decir, noventa años no es tanto, mis padres vivieron la guerra civil, uno ha muerto pero la otra sigue vivita y coleando, por lo que es lógico que la memoria de eso siga muy viva. El hecho de que un millón de españoles murieran en un conflicto de esa envergadura te hace pensar que esa herida sigue abierta. Eso es de lógica, pero lo que no es de lógica es que no se haya reparado y que todavía los vencedores de la guerra civil sigan teniendo privilegios con respecto a la otra mitad que perdió a sus familiares, que todavía no han podido honrarles, ni saber ni siquiera dónde están enterrados.

Junto a la cultura, ¿qué puede hacer el periodismo libre para defender nuestra democracia, tan amenazada por bulos, inteligencias artificiales y demás peligros?

Los medios de comunicación están en grupos empresariales muy potentes, cada vez hay menos libertad de opinión y menos periodismo independiente. Hay menos periodismo de guerra crítico en los sitios donde deberían estar y más veto a un periodismo libre e independiente. Eso, desde luego, es así y no es bueno porque es síntoma de una sociedad demasiado en manos del interés de grupos cada vez más reducidos, de gente con mucho poder y con mucho dinero.

¿Qué planes vienen por el horizonte para Andrés Lima?

Seguimos de gira ahora y quiero seguir con la obra, levantándola de nuevo y reponiéndola siempre que tenga vida y que el público quiera verla. Después, tengo algún otro proyecto teatral, algunos más pequeños, otros igual de grandes. Voy a hacer otra montaje muy bonito que no estoy seguro todavía de si se va a llamar Fronteras o Límites, con Carolina Yuste y Eneko Sagardoy. Después seguramente haré con Alba Flores uno sobre 'las mujeres libres', un grupo anarquista durante la guerra civil, y tengo una película en ciernes para dirigir, pero no te cuento más. 

Javier Ambrossi y Javier Calvo, la pareja de cineastas conocida como 'Los Javis' y creadores de éxitos como Paquita Salas o La Mesías, se separan sentimentalmente, aunque seguirán trabajando juntos.

Fuentes cercanas a la pareja han confirmado a EFE la ruptura, que ha sido adelantada este martes por el diario El País, que afirmaba que la pareja sigue trabajando en la película La bola negra, su próximo proyecto profesional.

Javier Calvo y Javier Ambrossi empezaron escribiendo y dirigiendo obras teatrales para luego saltar al cine y la televisión, como ocurrió con La llamada, una propuesta escénica que estrenaron en el madrileño Teatro Lara y que luego llevaron al cine en 2017 con gran éxito.

Otras de sus creaciones han sido la serie Paquita Salas, La Veneno, La Mesías, Mariliendre y Pedro x Javis, su personal homenaje a Pedro Almodóvar.

Para 2026 han anunciado la película La bola negra, en la que se acercarán a la figura de Lorca desde una perspectiva 'queer'.

Además de participar en diversos programas de televisión, como Drag Race España y Operación Triunfo, Los Javis -que se conocieron en 2008- presentaron la gala de los Premios Goya de la Academia de Cine junto a Ana Belén en 2024.

En momentos como los actuales uno se satura (entiéndase bien) de información sobre dictadores, asesinos, amenazas, guerras, corrupciones, mentiras, jueces, políticos, genocidios, desinformación, bulos, etc… por favor, añada mentalmente lo que quiera sobre la línea de puntos …………………………….. Por ello, hace poco decidí desconectar brevemente yendo al teatro, a uno más o menos “clásico”.

Por el mismo precio podía ir al Teatro Real a ver (y oír) El mandarín maravilloso de Béla Bartók, o a uno de la Gran Vía a ver Escenas de la vida conyugal de Ingmar Bergman. Esta vez me decanté por recordar a ese autor que era un referente de juventud en cuanto a los cines de arte y ensayo.

El teatro exige del público un acuerdo implícito para aceptar el mundo y las reglas de la ficción, respeto a los demás asistentes, y una participación activa que va desde la atención y la concentración hasta la empatía y la reflexión, ya que la asistencia misma del público es lo que completa la experiencia teatral.

Pero, ¿y qué hay del empresario teatral y del propio público para con el espectador?... desde que Walter Benjamin sentó en 1936 las bases del análisis sociológico de la cultura de masas, y sobre ello Theodor Adorno y Max Horkheimer escribieron un capítulo dedicado a analizar la Industria Cultural subtitulado “Ilustración como engaño de masas”, el arte se va incorporando a la lógica del capitalismo y el mercado, con objeto de generar beneficio.

Existen buenos trabajos académicos para establecer una tipología de espectadores teatrales, en función de diversos tipos de prescriptores y del uso de múltiples canales de información, desde la crítica especializada, comentarios o reportajes, hasta el boca a boca. De ellos se desprende que el teatro tiene numerosos tipos de público derivados de la diversificación de la oferta. Un viernes cualquiera del pasado 2020, Madrid ofrecía más de 120 espectáculos. ¿Se nos ha ido de las manos la multiprogramación? “El CDN programa espectáculos a las 12h de la mañana en el fin de semana, el ex-WiZink Center programó Estirando el Chicle… Los más fuertes comercialmente amplían su rango de actividad, por horarios, por formatos…y  la sensación final es de una hiperinflación de oferta muy grande porque el departamento de audiencias del teatro trabaja mucho con segmentación de públicos …”

Y los públicos lo acusan. Veamos una primera muestra:

El retraso en el comienzo de la obra. Más de quince minutos antes de la hora de inicio de la representación, en el teatro se percibía polémica respecto a unas butacas en una de las primeras filas. Mientras los empleados mediaban, una señora permanecía estupendamente apalancada en su asiento y dos o tres señores estaban de pie junto a ella. Idas y venidas, pero nada efectivo. La obra empezaba a las seis de la tarde, y a esa hora aún había gente de pie en filas y pasillos. El problema no se solventó hasta pasadas las seis y cuarto de la tarde… cuando la señora abandonó la butaca y los caballeros se repartieron en el espacio, mientras el teatro, completo en su aforo, esperaba. ¿En silencio? no, esto es España, hubiera abochornado a los implicados, por favor... mientras tanto, muchos aprovechaban para saciar su necesidad de fotos con el móvil, variando los ángulos para captar el escenario hasta tropezar con las butacas contiguas.

Según Logroño y Llopis (2020), “el nuevo paradigma digital está afectando a las formas de participación cultural, dado que los cambios en los modos de comunicación de una sociedad afectan de manera significativa el acceso a los bienes simbólicos, así como a la legitimidad de las formas culturales (Ariño, 2010: 11). En este contexto, es de gran importancia averiguar cómo y en qué medida los muy diversos procesos sociales, económicos y culturales que se desarrollan en la actualidad, dan lugar a una transformación del público teatral (Fernández Torres, 2012)”. Una segunda muestra:

La interrupción de la representación. Ricardo Darín, en un momento dado de la obra, estaba hablando a su pareja, pero el sonido repentino de un teléfono móvil le calló, aunque antes tuvo tiempo de decir: creo que no estamos solos en el edificio... Quien fuera dueño/a del infernal aparatito tardó tanto en silenciarlo, y dudo que definitivamente lo apagase, no fuera que un posible mensaje del teléfono rojo le conminase a volar hacia Moscú, que el silencio de los intérpretes en el escenario fue clamoroso. Cuando cesó, Darín, retorciéndose bastante asqueado, dijo bien alto: Debería tener un arma… (pausa dramática) … ¡para suicidarme!... y, como buenos profesionales, ambos actores reanudaron su interpretación. Algunos espectadores, sin tablas para recomponer la cuarta pared, tardamos mucho más en recuperarnos de la vergüenza ajena.

Para muchas personas, de nada sirve que en la web del teatro se describa la obra como de “situaciones aparentemente divertidas que dentro ocultan un profundo dramatismo … elogiada por su profundidad psicológica”

Las palomitas en las que no pensó Bergman. ¿La comida y las bebidas prohibidas en el teatro?, en alguno no. Cuando en la fila de detrás se sientan cuatro “clientes” provistos de cajas inmensas de palomitas y grandes vasos de bebidas, ya sabes que lo vas a sufrir. Crujidos al masticar, ruidos al rascar la caja de cartón de las palomitas y comentarios para intercambiar provisiones. Desde el otro lado de la fila llega el crujido del papel celofán de caramelos, bollos, o quizá el envoltorio de un ramo de flores, vaya usted a saber qué.

En el imaginario social (García Arnau, 2019), “la idea común de que una estructura cultural de carácter industrial es tan inevitable como beneficiosa, es uno de los elementos en los que basa su propia fuerza”. Para Adorno y Horkheimer, cumple con el propósito de procurar estabilidad social, con el fin de perpetuar el orden de las cosas y abarcar un espacio social mayor.

Las conversaciones casi íntimas. Las imprevistas afinidades en la fila de delante, surgidas de la nada entre desconocidas sentadas a ambos lados de un espectador, te hacen partícipe de sus intimidades, porque lo son, sobre si Pedro Sánchez es el peor presidente que hemos tenido. Momentos desagradables por donde se mire.

El arte se somete a los principios del mercado: 

La iluminación de teléfonos y relojes inteligentes. Unos los encienden cada dos por tres por si sucede aquello de Moscú, otros se reacomodan con frecuencia y agitan el brazo, con el encendido automático de la pantalla del indispensable-reloj-inteligente. Esas fuentes de luz llegan por cualquier flanco y, finalmente, no sabes si ponerte las manos como orejeras o irte. Pero…he pagado un dineral por esta obra y las comisiones de gestión del “ticket”…, no quiero.

El arte ya no es tanto vehículo de comunicación de una idea; su nuevo objeto y razón de ser es la explotación económica y las sinergias económicas.

El comportamiento del público. Un espectador “dionisiaco” es aquel que crea la contagiosa ilusión de ser parte de la representación. Y el teatro (sobre todo el musical y el de monólogos) se parece, cada vez más, a un objeto de consumo. Cuando hablábamos del salón de la casa del espectador, era porque éste llega a pensar que la acción que se desarrolla frente a él no es en un escenario sino en su hogar, y comenta cuando el actor se comporta indignamente con su esposa-actriz o desatiende sus responsabilidades hacia los hijos-actores. Jacques Rancière en relación al espectador en general de nuestra sociedad (El espectador emancipado, 2008), dice que es preciso arrancar al espectador del embrutecimiento del observador fascinado y ensimismado en la empatía que le hace identificarse con los personajes de la escena.

Una necesidad fundamental del libre mercado es la mayor producción de individualismo consumidor. En definitiva, como afirmaba Jean Baudrillard, “el consumo es un poderoso elemento de control social porque logra atomizar a los individuos consumidores”. “Hay una vulgarización de las obras, de la cultura, las masas aceptan una cultura vulgarizada, y en el fondo todos salen perdiendo. A las masas se les asigna un papel de consumidores, lo cual es una forma de servidumbre involuntaria, pero servidumbre al fin”. La industria cultural, según Adorno, produce una homologación progresiva del gusto.

La ética del espectador en el teatro. En el siglo XVII en los corrales de comedias sucedía de todo, se comía, se reía, se abucheaba, y mucho más. Hoy día en determinados lugares y manifestaciones la cultura es muy cara, pero no solo el precio debe servir para respetarnos unos a otros, hay que ser consciente de que una sala de museo, de cine, de fotografía, de teatro, etc. no es el espacio privado de cada espectador. Todos pagamos, pero, de nuevo, nuestra libertad acaba donde empieza la de los demás, y el respeto hay que demostrarlo y ganárselo. Uno llega a tener la impresión de que parte del público se acerca al teatro solo porque actúa Darín, o quien sea en esa ocasión, olvidando que, a él y a su compañera de reparto, a Ingmar Bergman, y al resto de espectadores y empleados, se les debe un respeto… como en cualquier otro lugar.

El referido acuerdo entre el teatro y el espectador es activo, pero de silencio, de cortesía hacia el espacio y la función, mediante gestos sencillos como la puntualidad o el aplauso al concluir, no cada dos por tres (y no digamos en los conciertos). En definitiva, hay que hacer gala de una buena educación como persona y, específicamente, como espectador.

Y respecto al empresario teatral… ¿está seguro de que hace un favor al teatro, a su industria, vendiendo palomitas y bebidas? … (¿los nachos con queso para cuándo?)

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José Javier González es antropólogo y analista de la Fundación Alternativas.

“Escuchen el legado de nuestros muertos”, decía María Morales encarnando a Manuel Azaña casi al final del segundo acto. 1936 no es solo la historia de la Guerra Civil fantásticamente contada, sino una obra conciliadora en su mensaje, trágica en el relato y terrorífica por su cercanía con la actualidad. 

La primera reposición de la obra de Andrés Lima 1936, el año en el que España entró en shock, puede verse hasta el 12 de octubre en el Teatro Valle-Inclán (Madrid) del Centro Dramático Nacional (CDN), aunque las entradas ya están agotadas. La obra, de cuatro horas y cuarto de duración (con dos descansos de 10 minutos) se compone de tres actos en los que, de manera fragmentada, se van narrando los hechos que componen el tríptico de los años que conforman la Guerra Civil española. 

Lo cierto es que con un texto escrito a cuatro manos por dramaturgos como Juan Mayorga, Albert Boronat, Juan Cavestany y el propio Lima, era difícil esperar una obra que no cumpliera con creces las expectativas de los más optimistas. Se entiende ahora, después de verla, que gran parte del público repita y que las entradas, como si se tratara de un concierto de Taylor Swift, volasen en algo menos de un día. 

Lo primero que sorprende al entrar al teatro es la puesta en escena. Cuatro mesas con taburetes y dos telones que hacen las veces de pantalla componen el atrezzo de la obra. El escenario se divide en cuatro sectores que componen una visión de 360 grados y, en el centro, como si fuera un ring de boxeo, el escenario donde el espectador vivirá una guerra casi en primera persona. 

Tras una introducción cargada de simbolismo, la obra se vuelve frenética. El 18 de julio de 1936 se desencadena el shock en el que trata de adentrarnos Andrés Lima. Un shock que durará cuarenta años. Después de situar al espectador en la obra, personajes de este periodo entrarán en escena. Como el general Yagüe interpretado fantásticamente por Guillermo Toledo, La Pasionaria encarnada por Mamen Camacho, Queipo de Llano por Antonio Durán Morris, Manuel Azaña, Largo Caballero y Clara Campoamor, interpretados los tres por una inconmensurable María Morales o Francisco Franco, magníficamente caracterizado por un Juan Vinuesa (que este mismo año ya recibió el Premio Talía a mejor actor protagonista de teatro por este papel). 

Una de las cuestiones más interesantes de la obra, es que consigue abarcar desde un plano intelectual los discursos y dinámicas que llevaron a la Guerra Civil. Presenciamos cómo, desde la formación de la II República, las altas esferas económicas del país con Calvo Sotelo, José Antonio Primo de Rivera, Yanguas Messía y Ramiro de Maeztu a la cabeza, junto a duques, marqueses y terratenientes de todo el país, financiaron cultural, política y militarmente la sublevación y conspiraron contra la democracia acusando a los rojos de querer “romper la unidad de España”; cómo la violencia de los discursos de un bando y de otro va en aumento hasta prácticamente despojarse de su propia condición humana y cómo finalmente, de este modo, se acaban justificando la violencia, el terror y la muerte.

Discursos de odio muy parecidos a los que resuenan hoy como una herida abierta que supura ecos pasados. Decía Andrés Lima en una entrevista en Cadena SER, que “ya no hay golpes de Estado” y que lo verdaderamente aterrador es “hoy el pueblo vota al fascismo”. Un fascismo que consigue camuflarse y colarse por los recovecos de los verdaderos males que atañen a la sociedad con el fin de sembrar odio. Porque, como se ve en la obra, es desde el odio, desde el terror, el hambre y la guerra desde donde estos regímenes logran el triunfo. 

Y es que el desprecio al trabajador, al inmigrante, a los pobres, a las mujeres o a los homosexuales todavía perdura. El odio que mató a Lorca al grito de “rojo maricón”. Ese odio está cada vez más presente en nuestro día a día, por eso es tan importante ser consciente de los errores que nos llevaron a guerras fratricidas, de ahí la relevancia de esta obra y de volver a revisar los motivos y la dialéctica populista que condujeron al episodio más negro de nuestra historia. 

Historiográficamente la obra es un deleite. Andrés Lima se apoya en los prestigiosos historiadores Francisco Espinosa y Paul Preston para poder abarcar de manera rigurosa los diferentes episodios que vivió España desde el shock. Los textos de la pequeña Pilar Duaygües, la niña catalana que narró la guerra en su diario, nos servirán no solo como columna vertebral de la obra, sino para ver la guerra a través de los ojos de una niña cuyo amor e inocencia se van corrompiendo por el sonido hueco de las bombas y el rugir de las tripas por el hambre. 

Desde la batalla del Ebro al bombardeo de Guernica, pasando por la Desbandá en la masacre de la carretera Málaga-Almería, vamos recorriendo los episodios más trágicos de la guerra sintiéndonos dentro de la historia. El fantástico coro y una ambientación inmejorable a cargo de Kike Mingo son los responsables de uno de los momentos más impresionantes de la obra. 

Las luces se apagan y comienza un espectáculo de cabaret con una orquesta y una bailarina iluminada únicamente por la luz de un foco. Fuera, las tropas de Franco están tomando Madrid. Los gritos de “no pasarán” se diluyen entre el terror de gente que huye y se han convertido en aullidos de auxilio. Dentro, la bailarina sigue bailando al son de la orquesta hasta que un bombardeo sobre el teatro nos deja a todos mudos. Caos. La gente salta al escenario arrastrada por los actores. Tras un par de minutos, mientras los bombardeos siguen sucediendo, la orquesta vuelve a tocar. “Que siga la función”. La orquesta obedece. Ahora su música suena más triste. Ya saben lo que viene. Todos saben lo que ocurre. Seguramente será su última función, por eso siguen tocando. Así acaba el tercer acto. 

La obra termina con el mismo simbolismo con el que comenzó. Una gran bandera republicana se extiende por todo el escenario cubriendo a los muertos. Un hombre con una pala aparece en escena y comienza a excavar en la metáfora de nuestro pasado y la realidad de nuestro presente. Los muertos comienzan a auparse. Una mujer pregunta: “¿Quién ganó la guerra?”. "Franco", responde el hombre. 

La obra termina y todo el elenco sale a recibir el aplauso del público. Un aplauso de unos siete minutos de reloj que los actores utilizaron para mostrar banderas palestinas que situaron sobre la republicana en un claro gesto de solidaridad con el pueblo sometido a un genocidio por Israel y con un mensaje muy claro: que lo que ocurrió en su momento no vuelva a suceder.

Angélica Liddell ha sido galardonada con el Premio Nacional de Teatro 2025, dotado con 30.000 euros, "por una forma de trabajar crítica, que no hace concesiones e invita a la reflexión y el debate", ha informado este miércoles el Ministerio de Cultura, según recoge EFE.

El jurado ha destacado la repercusión de su obra Dämon. El funeral de Bergman, pieza con la que "se convirtió en 2024 en la primera artista española en inaugurar el prestigioso Festival de Avignon, donde ha sido programada en numerosas ocasiones". 

El fallo de este premio pone en valor, asimismo, que "la artista ha mostrado además otras creaciones como ‘Vudú (3318) Blixen’ y ‘Terebrante’, con las que ha consolidado una carrera como dramaturga, directora e intérprete definida por un lenguaje de enorme riesgo y calidad, que la ha confirmado como un referente dentro y fuera de España para la creación escénica contemporánea".

 Angélica Liddell es el nombre artístico de Catalina Angélica González Cano (Figueras, Girona, 1966), dramaturga, directora y actriz y una de las creadoras contemporáneas más influyentes en la escena internacional.

Licenciada en Psicología y Arte Dramático, inicia su trayectoria dramatúrgica en 1988 con la obra Greta quiere suicidarse, por la que recibe el Premio Ciudad de Alcorcón. 

Durante sus inicios escribe también La condesa y la importancia de las matemáticas (1990), El jardín de las mandrágoras (1991), La cuarta rosa (1992) y Leda (1993), que crea en el marco de un taller del Centro Nacional de Nuevas Tendencias Escénicas (CNNTE), unidad del Inaem que estuvo en funcionamiento entre los años 1984 y 1994. 

En 1993 inicia una nueva etapa artística con la compañía Atra Bilis Teatro, que funda junto a Gumersindo Puche, y con la que ha montado exitosos espectáculos con los que ha girado por los principales festivales y escenarios del mundo, como el Festival de Avignon -estrenó su última obra en la Corte de Honor del Palacio de los Papas-, el Wiener Festwochen y el Teatro del Odeón de París. 

Entre sus obras se encuentran títulos como La falsa suicida (2000), El matrimonio Palavrakis (2001), Once Upon a Time in West Asphixia (2002), Hysteria Passio (2003), Boxeo para células y planetas (2006), Esta breve tragedia de la carne (2015), ¿Qué haré yo con esta espada? (2016), El Decameron (2016), Una costilla sobre la mesa: madre (2019) y Dämon: el funeral de Bergman. 

Los textos de Liddell han sido traducidos al portugués, alemán y francés, entre otros idiomas, y ha recibido numerosos galardones como el Premio de Dramaturgia Innovadora Casa de América 2003 por La pasión anotada de Nubila Wahlheim o el Premio SGAE de Teatro 2004 por Mi relación con la comida; el Premio Valle-Inclán 2008 por El año de Ricardo' o el León de Plata de la Bienal de Venecia de Teatro como reconocimiento a toda su obra. 

Además, en 2017 fue nombrada Chevalier de las Artes y las Letras de Francia, una de las máximas distinciones artísticas del país galo.

Entre los premiados en las últimas ediciones se encuentran Andrés Lima (2019), la sala de teatro Cuarta Pared (2020), Juan Diego Botto (2021), Petra Martínez y Juan Margallo (2022), Ana Zamora (2023) y Teatro del Barrio (2024).

El viernes fui al Teatro Valle-Inclán para ver 1936, un espectáculo en el que INAEM y el Centro Dramático Nacional han convocado a la cultura contemporánea y al público para recordar el presente, es decir, para buscar en la memoria una mirada sobre la realidad definida por la violencia, los discursos del odio, las identidades falsificadas y las estrategias de los poderes económicos que intentan liquidar una política democrática dispuesta a poner límites a sus ambiciones. Bajo la dirección de Andrés Lima, un grupo amplio de dramaturgos y actores nos ponen delante de los ojos y del corazón una fecha que los españoles tenemos cercana todavía, aunque pasen los años: 1936, aquel momento de quiebra en el que un golpe de Estado desató una guerra cruel, y 40 años de dictadura. Los que se presentaban a sí mismos como amantes de España, a las órdenes silenciosas de los caciques y los millonarios, fueron capaces de romper España por la mitad con su barbarie para hundirla en la desolación y la miseria.

La función sobrecoge al recordar una serie de actos históricos bien elegidos, el bombardeo de Guernica, la masacre de Badajoz o la matanza del Ebro, no sólo por el recuerdo de lo que supuso la crueldad militar de nuestra guerra incivil, sino porque el presente se enreda con los días que vivimos. Resulta difícil escuchar las alocuciones de radio de Queipo de Llano sin pensar en los líderes contemporáneos que han perdido el pudor y llenan los televisores y las redes sociales de bulos para crispar, señalar enemigos e invitar a la venganza. Resulta difícil vivir por dentro la defensa de Madrid sin pensar en el hambre, el terror y la desesperanza de las personas que sufren en Gaza el genocidio provocado por Israel. Y resulta difícil asistir a las componendas de Franco, Hitler y Mussolini sin pensar en las maniobras que han dinamitado el derecho internacional y el respeto a los Derechos Humanos.

Lo bueno del arte es que se mete dentro de la vida y nos interpela a la hora de vivir las palabras de los verdugos y las víctimas. El contexto histórico es importante, por supuesto, como son importantes las dinámicas económicas y políticas, pero al final se llega a la conciencia del ser humano, a su propia responsabilidad, al sentido de la persona que se convierte en personaje y decide ser y representar la crueldad, el odio, el asesinato sin escrúpulos o la indiferencia y el lavarse las manos. En el mundo de hoy, Judas es un buen ejemplo para comprender que quitarse de en medio es una forma de participar en la barbarie.

Por eso se agradece el compromiso artístico de 1936. Se agradece el poder de la dramaturgia de Albert Boronat y Andrés Lima que mantiene durante 4 horas un escenario y una emoción en movimiento. Se agradece el acierto de un coro que refuerza el sentido colectivo de la historia y acerca los recuerdos a los jóvenes para salvarnos de los abismos del olvido y de las fosas. Y se agradece el trabajo de actores como Guillermo Toledo, Cristina Arias, Juan Vinuesa, Natalia Hernández, Morris…, y todo un elenco que nos permite escuchar y ver el horizonte humano e inhumano que conformaron Franco, Queipo de Llano, Azaña, el general Miaja, Yagüe, La Pasionaria, Norman Bethune o Clara Campoamor… 

¿Qué va a pasar? ¿Qué podemos hacer? Observar el pasado que desembocó en la Guerra Civil y en la Segunda Guerra Mundial nos interpela y nos invita a salir del sometimiento a la injusticia por culpa de la complicidad directa o la indiferencia. Tomemos la palabra, salgamos a las calles y las plazas, vamos a comprometernos en la responsabilidad de nuestras vidas y nuestros trabajos, vayamos al teatro a ver propuestas como 1936 y recordemos a quien nos dejó una herencia de Paz, Piedad y Perdón.

La actriz Antonia San Juan ha anunciado que tiene cáncer en un vídeo publicado en la madrugada de este jueves en sus redes sociales el que ha explicado que se retira de los escenarios durante un tiempo para curarse: "Confío plenamente en la ciencia", según recoge EFE.

La intérprete (Las Palmas de Gran Canaria, 1961) ha explicado que se alejará de los escenarios para centrarse en su tratamiento. "Cuando analicen la biopsia me dirán qué tipo de cáncer es y si tiene solución. Yo confío plenamente en la ciencia y ahora lo que me toca es seguir el tratamiento que me pongan", ha señalado.

Conocida por sus trabajos en Todo sobre mi madre (1999) o en la serie de televisión La que se avecina, explica que siempre ha tenido faringitis crónica: "Este año he suspendido funciones por esa causa, hasta que el otro día fui al médico de familia y me dijo que veía un problema en las cuerdas vocales". "Me mandó al otorrino, me ha hecho pruebas, un TAC, me han hecho de todo. Me hicieron una biopsia y ya me han dado el medio diagnóstico: tengo cáncer", ha dicho.

La actriz concluye el comunicado diciendo que su vida "ha sido y es bonita" y que no le gusta quejarse ni que la gente le tenga "compasión"; "solamente quiero dar las gracias a los que están ahí. Si ven que no estoy activa pues bueno, es que estoy enferma. Gracias a todos y voy a hacer todo lo posible por curarme. Un abrazo. Gracias".

Participó en más de un centenar de películas, series y obras de teatro, pero Eusebio Poncela será recordado sobre todo como el actor de culto de sus primeros filmes y por sus personajes hedonistas, marginales y transgresores. Ha informado EFE.

Estas son cinco de sus películas -y dos series- más destacadas:

Su debut en el cine con un director que Poncela reivindicaba especialmente. Eloy de la Iglesia, autor de un cine marginal y quinqui, fue infravalorado en su día pero en los últimos años se ha reivindicado su figura.

Este es un filme de terror cotidiano con un fuerte componente social, en el que Vicente Parra interpreta a un obrero alienado, trabajador de un matadero, que accidentalmente se convierte en un asesino en serie. Eusebio Poncela interpreta a un vecino que poco a poco lo va seduciendo.

Película del cine español underground por excelencia y uno de los dos únicos largometrajes que estrenó su director.

"No es que a mí me guste el cine, es que al cine le gusto yo", dice José (Poncela) en el filme, frase con la que conjuga sus dos adicciones: el cine y las drogas. La película es un thriller psicológico con tintes fantasmagóricos sobre un cineasta en los márgenes inmerso en una espiral autodestructiva, obsesionado por controlar el ritmo de sus películas y con un destino fatal.

Primera película de Almodóvar como director independiente -con ella fundó la productora El Deseo-, Poncela interpreta a Pablo Quintero, un director de cine que se ve envuelto en una compleja trama de pasiones, secretos y celos, lo que lo lleva a una profunda crisis personal.

La película incluía escenas de sexo homosexual poco vistas hasta entonces y, junto con 'Matador', fueron sus dos trabajos con Almodóvar antes de que su relación se enfriara.

Una de las películas argentinas más importantes de las últimas décadas, una historia sobre la adolescencia, las difíciles relaciones familiares y las crisis vitales, en torno a un joven (Juan Diego Botto) de 19 años que se reencuentra con su padre cineasta (Federico Luppi) tras sufrir una sobredosis.

Poncela es el inolvidable Dante, un actor y amigo del padre, hedonista y libre, que le dice a Hache aquella frase de "yo hago el amor con las mentes, hay que follarse las mentes'.

El primer largometraje de Fresnadillo tras el éxito de su corto 'Esposados' le valió a Poncela su única nominación al Goya a mejor actor protagonista.

Es un thriller donde da vida a Federico, un hombre con el don de arrebatar la suerte de otras personas, y que busca venganza contra el siniestro Sam 'El Judío' (Max Von Sydow) y se alía para ello con un atracador de bancos y único superviviente de un accidente aéreo (Leonardo Sbaraglia).

El director de cine Rafael Moreno Alba adaptó en 1981 la novela homónima de Gonzalo Torrente Ballester a la televisión en una serie considerada como una de las mejores producciones españolas de la historia de la pequeña pantalla, con un reparto estelar, en el que Eusebio Poncela, brillaba junto a Charo López, José María Caffarel, Carlos Larrañaga o Amparo Rivelles.

Poncela interpretaba a Carlos Deza, un joven intelectual que regresa a su Galicia natal, en un papel que le dio una enorme popularidad.

Serie basada en las novelas de Manuel Vázquez Montalbán, pioneras de la novela negra en España, adaptada y dirigida por Adolfo Aristaráin.

Este detective privado, exmilitante comunista y agente de la CIA que vive en Barcelona, amante de la buena mesa y de las mujeres es uno de los personajes más recordados de Poncela.

Durante la jornada inaugural de la última edición de ARCO, las galerías españolas apagaron las luces de sus estands en señal de protesta. Exigían un «IVA cultural». La reivindicación no es nueva y, vista en perspectiva, hasta parece sensata: si la industria cinematográfica, la editorial, las salas de conciertos, las discográficas y los teatros pueden aplicar un impuesto reducido los productos que venden, ¿por qué no las galerías de arte?

No tardaron en sacarme de mi error: tan pronto Urtasun se comprometió a considerarlo (esta demanda, como el Estatuto del artista, lleva macerándose años en los decantadores del ministerio), descreídos de todo tipo salieron a denunciar la última cortesía que la izquierda pija tenía con los nuevos ricos. Increíblemente, en este bando abundaban los escritores, defensores acérrimos de «la cultura»  y mucha de esa gente que, hasta hace nada, lucía en su solapa la chapita de «yo IVA al cine».

Convendría considerar cómo, en la cabeza del español medio, los intereses de una industria millonaria que alardea de actores enjoyados y productores con casa en Malibú han conseguido hacerse más dignos de defensa que los de un montón de fulanos desconocidos que venden cuadritos y esculturas. El mérito de la hazaña, supongo, andará repartido entre el declive de las humanidades, la falta de políticas de Estado, la torpeza propagandística del gremio y la edificante labor del telediario, donde solo te hablan de arte si un jeque paga un potosí por un Leonardo de mentirijilla. Gotita a gotita se construye el consenso: ¿el arte?, excentricidades para ricachones.

La cantinela parece haberse filtrado hacia el interior. Fíjense: hace un par de semanas me topé –gracias a los sabios designios del algoritmo– con la promoción de una serie en la que Samantha Hudson se entrevistaba con profesionales del mundillo para resolver una duda trascendental: ¿sería ella una obra de arte? Aunque no he visto el docudrama (hay incógnitas con las que uno prefiere vivir), no he conseguido esquivar dos fragmentos que la productora ha compartido en redes. En uno, una divulgadora glosaba los beneficios de estafar a los ricos vendiéndoles cualquier chorrada. En otro, un pintor reconvertido en vendehúmos advierte a la concurrencia de lo bien que se lavan capitales con la excusita de la compraventa de lienzos churreteados.

Tampoco nos sulfuremos, porque el arte de cada época tiene sus detractores: fulanos que lloran por las esquinas la falta de talento, la pérdida de las esencias y otras gansadas igualmente manidas. Quiero decir, en 1700 había gente quejándose del barroco. Con todo, es alarmante que el sector artístico, tan homologable a otros ramos culturales (para lo bueno y lo malo), no haya logrado aún mitigar la antipatía que produce entre la concurrencia. Será lo del dinero, que cae gordo, pero (aunque tendría que hacer los números) algo me dice que no hay más potentados entre los galeristas que entre los productores musicales, empresarios teatrales o editores; aun así, cada año, los miles de ciudadanos que se declaran consternados por la caída en los índices de lectura no parecen inmutarse ante los reveses que soporta el sindicato de videoartistas y performers.

Habrá quien me replique que no es lo mismo comprarse un tebeo que una pieza de Jeff Koons. Razón no le falta, siempre y cuando no quieran conseguir el manuscrito original del cómic (esa, me temo, sería la comparación adecuada). Si hablamos de «consumir» (verbo odioso) y no de «adquirir originales», les aseguro que es más barato entrar en una exposición que en un multicine. (Conste, no creo que las razones para apoyar socialmente un sector cultural deban estar mediadas por lo que un aficionado pueda permitirse colgar en su casa, pero –para tranquilidad de todos– puedo mencionarles no menos de veinte artistas de los que podrían hacerse con una obrita por menos de lo que se gastarían en un fin de semana en Torrevieja).

Tomemos un poco de distancia. Al igual que entendemos que las medidas destinadas a impulsar la industria musical no se toman para beneficiar a Taylor Swift o que el propósito del IVA reducido de las entradas de cine no es enriquecer (más) a Brad Pitt, quizás sería justo considerar (¡aquí también!) el complejo entramado de relaciones laborales que se dan en el mercado del arte, más allá de lo que gane Marina Abramović (o el superventas de su preferencia): montadores, personal de las galerías, empresas de transporte y (oh, sorpresa) miríadas de artistas precarizados.

Alguna vez habrán leído que un porcentaje mínimo de los actores de este país viven de lo suyo: pues resulta que a los artistas plásticos les sucede tres cuartos de lo mismo. El dato, por lo que sea, se cacarea menos de lo debido.

El dramaturgo español Fernando Arrabal ha sido distinguido con el título de comendador de la prestigiosa orden de las Artes y las Letras de Francia.

Según una nota de prensa distribuida por el entorno del autor, afincado en París, la condecoración "reconoce su influencia en el ámbito cultural internacional por su obra como dramaturgo, cineasta, pintor, periodista y novelista; cuya audacia y originalidad es una huella indeleble en la cultura y el arte contemporáneo".

Siempre excéntrico y prolífico, Arrabal, nacido en Melilla en 1932 y criado en el municipio salmantino de Ciudad Rodrigo, celebró este lunes su 93 cumpleaños.

Responsable de obras de culto como Picnic, El cementerio de automóviles o Fando y Lis, su currículo está cargado de reconocimientos, como el Premio Nacional de Teatro y el Premio Nadal de Novela.

En junio de 2025, cuando fue recibido en la Moncloa por el presidente del Gobierno español, Pedro Sánchez, le fue otorgada también la Gran Cruz de la Orden de Isabel la Católica, una de las condecoraciones civiles más importantes del Estado español.