Elisabeth Larena escribe y dirige su ópera prima, Yo solo quiero irme a Francia, un montaje dramático que se desarrolla en la posguerra española y está centrado en la memoria histórica, las herencias emocionales y las huellas íntimas del franquismo en varias generaciones de mujeres. 

Una obra protagonizada por la actriz María Galiana (Sevilla, 1935), con un elenco totalmente femenino, completado por Nieve de Medina, Anna Mayo y María Roja, que podrá verse en el Gran Teatro Pavón del 29 de abril al 24 de mayo. Es precisamente en este emblemático escenario madrileño donde la veterana intérprete conversa con infoLibre.

Esta obra es un grito de libertad femenina en un momento en el que las mujeres estaban muy reprimidas porque no tenían libertad para ser ellas mismas. ¿Es importante poner eso en escena ayer, hoy y siempre? 

Sí, por supuesto. Pero ojo, las que querían ser ellas mismas sí que lo eran, pero siempre con una diferencia entre su conducta y su, digamos, papel a representar en la sociedad. El ejemplo de mi madre es muy característico, porque era una mujer sumisa y al mismo tiempo independiente económicamente, porque ella consideraba muy importante ganar dinero, pero no para separarse, ni para nada, sino para no tener esa dependencia permanente del varón. Había nacido en 1905, había estudiado lo que se llamaba entonces secretariado, o algo así, porque era una taquígrafa y mecanógrafa magnífica, y con 20 o 25 años ya trabajaba, y lo hizo hasta los 70. Parece que era muy moderna, pero no, ella trabajaba y tenía su dinero, lo aportaba a la casa, pero luego no tenía esas otras posibilidades de libertad de una mujer que hubiera aprendido a conducir, viajara sola o pensara por sí misma. Eso no, era otro sistema. Y, además, esto depende siempre, sobre todo, del estatus social en el que estés. 

La diferencia la marca el dinero.

Las mujeres que tenían posibilidades económicas hacían de su capa un sayo, vivían como reinas, esa es la pura verdad. Las mujeres de mediana situación, podían hacer más o menos de su vida algo, siempre con politiqueo, subterfugios, etcétera. Por último, las mujeres de clase económica débil estaban sometidas totalmente, porque estaba claro que tenían que mantenerlas.

Eso igual no ha cambiado demasiado.

Es que, hoy en día, cuando una mujer se separa y tiene hijos, está a expensas de lo que el juez le diga que tiene que pasarle el marido, y las pasan canutas. Si no han estudiado, si no se han colocado o si no son capaces de poner un pequeño negocio o algo que las mantenga, las mujeres separadas lo pasan muy mal económicamente. Tampoco está la cosa tan fácil. 

¿Hemos avanzado, pero no tanto como deberíamos y pudiera parecer?

Hemos evolucionado, eso es verdad. Pero todavía hay leyes que habría que cambiar, como por ejemplo que a igual trabajo ganen el mismo dinero, porque todavía ganan menos las mujeres.

Lo que sí nos hemos quitado es eso que decían las mujeres de 'yo, oír, ver y callar'.

Totalmente, eso sí, gracias a dios. Que tengamos voz es muy importante. También es verdad que la educación masculina era absurda, con eso de que el hombre, por el hecho de ser hombre, no podía sufrir, ni tener miedo o llorar a lágrima viva. No se puede comprender que no se le permitieran debilidades, vaya. Que tengas que desempeñar un rol a la fuerza es lo peor. Yo he tenido tres hijos y dos hijas, y que esos varones, desde pequeñitos, estén convencidos de que tienen que ganar dinero para mantener una casa debe ser horroroso. Lo suyo es que cada uno haga aquello para lo que está mejor dispuesto.

En esta obra es muy importante Francia como símbolo de libertad en un país bajo una dictadura después de una Guerra Civil.

Sí, en ese momento era lo nunca visto todo lo que se contaba de cómo podían estar las mujeres en Francia. Chocaba muchísimo lo que se decía de cómo vivían, o de los divorcios, o de que una mujer fuera, yo qué sé, representante de una ciudad, algo importante políticamente hablando. Diputada, por dios, eso ya era lo último. 

¿Tiene recuerdos de aquellos años en los que discurre este montaje?

Yo nací en la guerra. Algunas veces me dicen '¿y tú cómo recuerdas la posguerra?' Y yo digo 'mira, perdona, es que tenía tres años'. No puedo recordar nada, y además era hija única de mis padres, que lo poquito que hubiera me lo daban, por lo que no fui para nada desgraciada. 

Habla también Yo solo quiero irme a Francia de los silencios en las familias y los dolores heredados, concretamente después de la Guerra Civil en esa posguerra que comentamos. ¿Todas las familias tienen sus silencios relacionados con aquellos años?

Absolutamente, todas. Grandísimos silencios, además. Ahora ya lo he asumido, pero de joven no me daba cuenta de que en mi familia no se contaba nada de lo que había pasado. Que si el tío fulanito murió en la guerra. Que si el tío menganito se fue a la División Azul, pero él no iba para luchar contra los comunistas, al contrario, lo que pasa es que no pedían antecedentes a nadie, se apuntaban como fuera y se apuntaron todos los que se querían ir de España, y ese tío acabó en Venezuela, cuando él por supuesto sería del Partido Comunista o similar. Otro tío que sí estuvo en la cárcel unos años, pero ya salió con los 25 años de paz de Franco. Yo oía esas cosas, pero no me metía en más nada, ni preguntaba nada, porque además te decían 'no hija, no, de eso mejor no hablar'. 

Y con eso ya sabía uno que no podía preguntar nada más.

Claro. Nos reuníamos, sobre todo, en casa de mi abuela, la madre de mi padre, cuyos hermanos eran los que habían vivido todas esas historias. Y, por ejemplo, en Nochebuena, la pobre se ponía muy triste y se le caía una lágrima. Le preguntaban qué le pasaba, y decía que estaba pensando en cosas que pasaron, pero nunca nos contaron. 

¿Nos habría venido mejor para solucionar el dolor como sociedad haber hablado de todo eso en su momento dentro de cada familia?

Sí, porque eso se ha quedado totalmente enquistado. En España no hemos sabido sacarlo fuera, como lo han sacado en Argentina o en la propia Alemania. Aquí ha sido todo tapar, tapar y tapar, cuando eso no es bueno para nada, porque no hay aclaración. Al haber sido así, encima, ahora si sale algo a relucir genera resentimiento, todo lo contrario a la paz y al perdón. Ha sido una equivocación histórica importante la manera de taponar, taponar y taponar.

En esta obra hay en escena cuatro mujeres. El texto pone el foco sobre ellas y las saca del ámbito doméstico y privado en el que estaban durante el franquismo, condenadas al hogar, para mostrar que ellas curaron en la intimidad muchas heridas de sus maridos, sus hermanos, sus hijos... Ellas fueron de alguna forma el sostén silencioso de la España de posguerra.

Eran las que lo sabían todo y las que habían pasado por todo. Las mujeres han sido las fuertes, absolutamente. La madre de mi padre era la fuerte de la familia. A mi abuela materna la conocí menos porque mi madre era la pequeña de ocho hermanos y ya era muy mayor cuando yo era niña. Murió cuando yo tenía diez años, así que la recuerdo muy poco. Pero, en fin, sí, las mujeres eran las fuertes de la familia. Eso se muestra en esta obra, pero de pasada, no es que se haya hurgado especialmente en ese argumento, pero ahí está, y la gente se entera.

¿Sigue siendo el teatro el refugio contra el ruido de este loco mundo?

El teatro es un extraordinario alienante, en el magnífico sentido de la palabra. Es decir, eso que a algunos actores les ha pasado, como Carlos Hipólito o Idilio Cardoso, que hicieron función el mismo día que se murió su padre, es muy significativo de lo que el deber de un actor supone a efectos de su propia personalidad. No pasa nada por estar dos horas fuera del velatorio de tu padre o de dondequiera que sea, has cumplido y, al mismo tiempo, tienes la satisfacción de que los espectadores no se han quedado ese día sin función. A mí eso me parecía siempre una cosa extraordinaria, porque ahí es donde está esa llamada de atención, ese tirón que tiene el teatro para los actores.

¿Estando en el escenario nada más importa?

Y es maravilloso, porque tú puedes estar muy cansado un día por lo que sea, pero sales al escenario y se te olvida. Eso se nota en los actores ya muy viejos, me acuerdo de Rafaela Aparicio, que decían que estaba un poquito ya trastornadilla, pero que cuando salía se le olvidaba todo.

¿Cuanto más se entera uno de las noticias feas que pasan en el mundo, más teatro del malo le parece que está viendo en la vida real? 

Hay mucho teatro del malo. Por ejemplo, el Congreso de los Diputados es teatro del malo, absolutamente, y también las influencers y las redes sociales. Hay muchos casos en los que se ha tirado por los suelos aquello que podía ser interesante, bueno y constructivo. ¿No es una maravilla que tú pienses de una manera y yo de la contraria, y una vez que hemos hablado los dos nos vamos a tomar un café juntos? Esa es la convivencia. Pienso en un buen discurso en el Congres de los Diputados, como el que dio Emilio Castelar en la Primera República y que provocó que se hiciera una ley que aboliera la esclavitud, y no la mamarrachada de ahora de ponerse a parir e insultarse. ¿Dónde estamos? ¿En qué país vivimos? Vamos a hacer teatro del bueno, si es posible.

La figura de Miguel de Molina (Málaga, 1908 - Buenos Aires, 1993) es más que un símbolo de libertad, es un estandarte contra la represión, el odio y la vileza de la violencia. Gran figura en el Madrid de los años treinta del siglo XX, abiertamente republicano y homosexual, pasó a ser perseguido, torturado y literalmente apaleado por la dictadura franquista, que le condenó obligatoriamente al exilio en México y Argentina como única vía de escape para salvar su vida. En América pudo volver a probar el sabor del éxito, antes de retirarse en los sesenta, y en 1992 el Gobierno español lo nombró, poco antes de morir, caballero de la Orden de Isabel la Católica, pero siempre llevó dentro la herida de la barbarie.

Molesto para muchos por ser un fenómeno de masas, de izquierdas y abiertamente homosexual, antes de que la Guerra Civil cambiara dramáticamente y destruyera para siempre las vidas de tantos, renovó profundamente el género de la copla. No solo porque fue el primer intérprete masculino de un género musical hasta entonces reservado a las mujeres, sino también porque, influenciado por grandes nombres de la cultura de la época (Rafael de León, Antonia Mercé, Manuel de Falla o Federico García Lorca), concibió representaciones tan vanguardistas que siguen fascinando por su audacia y modernidad. Él representaba en aquellos años republicanos la mejor fusión entre vanguardia y tradición, de la misma manera que hoy lo hacen otros y otras con gran fama internacional, sin que apenas nadie recuerde a los que lo hicieron antes.

"Miguel de Molina en los años 30 ya era una Rosalía, porque rompió todos los cánones", recalca a infoLibre Antonio de Verónica, bailaor y coreógrafo que, al frente de su compañía junto a Saray Cortés, protagoniza este domingo en el Teatro Circo Price de Madrid un hermoso homenaje a este "pedazo de artista" que hace casi un siglo sonaba "en todas partes" y rompía moldes también por su forma de bailar y un cuidado y originalísimo vestuario confeccionado por él mismo. Un creador sin fronteras que se convirtió actuación a actuación en el 'faraón de la copla' gracias a sus interpretaciones de estándares del género como El día que nací yo, Triniá, Te lo juro yo, La bien pagá y Ojos verdes. 

Este montaje, titulado Entre dos orillas, una vida bailada y enmarcado dentro de la programación del Festival de las Estrellas 2026, propone un recorrido escénico por la vida y el legado de Miguel de Molina a través del flamenco, la música en directo y una puesta en escena que combina danza, teatro y poesía. Desde una perspectiva contemporánea y profundamente flamenca, Antonio de Verónica encarna al propio protagonista en una recreación escénica que recupera su universo artístico, mientras Saray Cortés interpreta a personajes clave de su trayectoria, entre ellos la legendaria cupletista Concha Piquer, además de protagonizar distintos pasajes coreográficos inspirados en el legado del artista.

"Es muy complicado que el público entienda en una obra bailada lo que él vivió, la tristeza, la alegría, pero hay mucho esfuerzo artístico también por parte de la dramaturgia", apunta Saray Cortés, quien recuerda a infoLibre la "amistad" entre Miguel de Molina y Concha Piquer, pero también el "conflicto" surgido a raíz del clásico Ojos verdes, ya que el cantaor "lo tenía como suyo", pero Rafael de León, poeta de la Generación del 27 y autor de letras para copla, faceta esta última en la que se hizo famoso por formar parte del trío Quintero, León y Quiroga, "se la dio a ella, que fue la primera en llevarla a escena". 

Más allá de esta refriega entre dos astros de la canción de la época, lamenta Cortés que no se le haya "dado ni el nombre ni la posición que merece" a Miguel de Molina, a pesar de que fue un "artista innovador en todos los aspectos", pues bailaba, cantaba y se hacía su propia ropa. "Yo tengo 44 años y creo que la generación anterior sí le conoce, pero la mía y los más jóvenes no. Por eso, es importante que esto no se pierda, que vengan al teatro sobre todo para conocerle, para que no quede en el olvido su figura tan importante, con toda esa libertad que tenía en una época tan difícil".

Como no podría ser de otra manera, el espectáculo revisita algunas de las coplas más emblemáticas asociadas al artista reinterpretadas y adaptadas a distintos palos flamencos. La obra también incorpora referencias a figuras fundamentales de su entorno cultural, como García Lorca, cuya poesía se integra en algunos momentos de la dramaturgia. "Tenía devoción por Lorca, le admiraba muchísimo", apunta De Verónica.

"Lorca fue a verle en alguna ocasión y a él también le invitaron a ver alguna cosa de Federico. De hecho, éste le regaló un dibujo a mano y cuando tuvo que exiliarse, ya cuando se marchaba porque se había enterado de que habían matado a Lorca, me contaron que con una cuchilla de afeitar tuvo que borrar toda su firma por si le pillaban, para que no le relacionaran con él y no le mataran", relata el bailaor, antes de comentar que también forma parte del montaje escénico la tristemente famosa paliza que tres hombres le propinaron en 1941 después de actuar en el Teatro Pavón de Madrid.

Así lo cuenta De Verónica: "Me hubiera encantado actuar en el Teatro Pavón, lo hemos intentado, pues allí le engañaron y se lo llevó gente del régimen a un campo para pegarle esa brutal paliza. Yo interpreto eso y, de hecho, uno de los momentos más duros es cuando le arrancan el pelo y se lo llevan de trofeo para que lo vea la gente. Allí él se despertó en mitad del campo por el dolor del frío que le caía en los dientes. Como pudo se fue y al día siguiente tuvo que actuar en el Teatro Pavón con peluca. Eso hizo".

Entre dos orillas, una vida bailada no puede en esta ocasión tomar el escenario del Pavón, pero sí el del Teatro Circo Price, donde Miguel de Molina cantó por primera vez Ojos verdes, tal y como recuerdan los directores de la compañía Antonio de Verónica y Saray Cortés, "muy contentos" de poder traer este montaje a Madrid, ciudad en la que junto a Valencia vivió sus más importantes noches de gloria. "Vamos a darle vida a través de nuestro baile. Vamos a dar vida a sus camisas, a sus zapatos, porque también era un artista muy personal a la hora de vestir que luchó mucho por la libertad y la diversidad", señala De Verónica, remarcando que precisamente por eso tuvo que marcharse del país con la llegada del franquismo en blanco y negro.

A partir de ese momento "le hicieron la vida imposible en España con ese acoso y esa persecución". "Y aún yéndose a Argentina continuó igual, por lo que como nos contó Alejandro Salade, su sobrino-nieto, vivió toda la vida ya con esa persecución interior que nunca se le quitó del cuerpo", asegura Cortés, poniendo en valor, además, la "vida tan dura" de Miguel de Molina, un artista al que "no se le ha dado el sitio y el homenaje que se le tendría que haber dado". Porque, no en vano, es uno de nuestros principales iconos de la diversidad y referente histórico del colectivo LGTBIQ+.

"Lo que tenemos hoy en día es porque otros lo han luchado. Artistas como Miguel de Molina lucharon por esa libertad y diversidad", insiste De Verónica, antes de rematar: "Porque el mundo es libre. En el flamenco, en la copla, en la vida personal no hay fronteras, cada uno sentimos como nacemos. Cada uno tiene que sentirse libre siempre respetando al prójimo. El arte es libre y la copla es la primera marca España que tuvimos. Los jóvenes tienen que saber de dónde venimos, porque se han dejado la vida artistas grandiosos, ya sean poetas, bailaores o cantantes, para que nosotros sigamos abriendo esos muros. No puede haber un muro en el arco, tiene que estar abierto". 

Hay un telón rojo, un diván, una puerta, un olivo, unos cuantos focos y unos zapatos colocados en el suelo, iluminados en medio de la penumbra. Augusto se sitúa junto a ellos, observa el espacio como si fuera la primera vez que lo ocupa, y se los calza. Todo comienza con ese gesto y Augusto pronuncia entonces palabras que escribieron para él. "¡Qué lástima!", dice, "es una desgracia esto de tener que servirse de las cosas, tener que usarlas, el uso estropea y destruye toda belleza". Cuando termina su frase, el escenario se ilumina y los demás, que le han observado desde el principio, aplauden. Augusto se pregunta cuál será su siguiente paso y decide esperar a que pase un perro y tomar, dice, la dirección que él tome. Pero Augusto no sigue a un perro, sino a una joven, y repite hasta tres veces esa escena, confuso, sin saber cómo ha llegado hasta la puerta que ha cruzado esa garrida moza llamada Eugenia. Los demás estallan en carcajadas, como si fueran las risas enlatadas de una comedia de situación de la tele y Augusto, a quien nunca le ha pasado nada porque es un personaje recién creado, recién nacido, se da cuenta de que la vida es niebla y de que en ese viaje que acaba de iniciar amará la trama más que el desenlace, como cantaba Jorge Drexler y como, tal vez, suscribiría Miguel de Unamuno si asistiera a esta puesta en escena de su célebre nivola, publicada en 1914.  

Fernanda Orazi dirige Niebla, una propuesta escénica que no es ni una versión ni una adaptación de la “rechifla amarga” de Unamuno, sino una reescritura y una destilación de aquella historia sobre un ente de ficción llamado Augusto Pérez que querrá ser y existir y que se rebelará contra su autor, que no le dejará suicidarse porque todos sabemos, pero él no, que los personajes de novela no deciden su propio destino. Niebla se estrena este viernes en Nave 10 Matadero (Madrid) con el mismo equipo con el que Orazi llevó a escena su versión de Electra, de Sófocles, galardonada con dos Premios Max a Mejor Espectáculo Revelación y Mejor Adaptación: Juan Paños en la piel de Augusto, Javier Ballesteros en la de Orfeo, Leticia Etala como Eugenia, Carmen Angulo como Rosario y Pablo Montes, nueva incorporación al equipo, dando vida a Víctor, el mejor amigo de Augusto. Con escenografía y vestuario de Cecilia Molano, diseño de luces de David Picazo y espacio sonoro de Javier Ntaca, Niebla es una coproducción de Nave 10 Matadero, Buxman Producciones y Pílades Teatro.

“Yo había terminado de escribir La Persistencia, una obra para Ángela Boix que estrenamos en 2024 en el Teatro del Barrio, y le estaba contando a mi amiga Silvia Herreros de Tejada, que es filóloga, de qué iba la historia, por dónde pasaba la cuestión de ese personaje que le pedía a su autor que le diese una vida y una muerte de verdad, no una que tuviera que actuar, y ella me dijo: ‘Pero eso es como Niebla, ¿no la has leído?’. Yo no había leído a Unamuno en mi vida y recuerdo que terminé Niebla llorando como una niña y sentí que era una novela en la que uno asistía a la creación de un personaje”, explica Orazi.

Cuando Luis Luque, director artístico de Nave 10, le propuso estrenar un montaje esta temporada, la actriz, directora y maestra de actores sintió “la llamada de hacer algo con el viaje que le da Unamuno a Augusto en la novela” y tomó varias decisiones. La primera, prescindir de lo literario en escena: “En esta obra Unamuno no deja de estar presente en todo momento, pero yo tenía que pensar en el lenguaje de la escena, de ahí que no esté el componente literario sino el espíritu de la obra, esa visión trágica sobre la existencia, la identidad y el destino que están en el texto”. En escena, a mayor sentimiento trágico y angustia existencial, más humor y carcajadas de los personajes, como si Orazi quisiera mostrar la cara b del drama en un espacio en el que conviven lo terrible y lo patético, la tragedia y la risa: “Hay algo que tiene el humor, que es una visión trágica también, y es la posibilidad de estar dos veces en una situación. Para mí el humor surge de la visión trágica y el humor de Unamuno es alucinante”.

La directora y dramaturga argentina, afincada en España desde hace veinte años, reconoce que este ha sido su proyecto más difícil, “y estoy recontenta, pero es la obra que más pelea me dio porque yo nunca escribí tanto antes de empezar a ensayar. Cuando llegamos a los ensayos, yo ya llevaba un año y pico con la cabeza quemada”. En ese proceso de escritura, Orazi seleccionará solo algunas de las tramas que imaginó Unamuno para Augusto: “La trama con Eugenia, la aparición de Rosario, el personaje de Orfeo y algo de su amigo Víctor. Quise trabajar sobre esas tramas y no sobre otros personajes y, en muchos casos, copiaba cada capítulo, escribía sobre él, quitaba, ponía… y llegó un momento en que ya no sabía qué era mío y qué era de Unamuno”.

Del mismo modo que Augusto está desprovisto de existencia, Orazi despoja también al resto de personajes. No sabremos que Rosario es planchadora, no veremos a Eugenia tocar el piano (aunque suene en la obra) ni discutir con sus tíos y ese novio vago y canalla que tiene llamado Mauricio, Víctor no nos contará que está casado y le angustia ser padre ni sabremos que Augusto vive con un criado y una cocinera. Tampoco aparecerá en escena el autor, aunque Augusto le busque a gritos cuando se quite esos zapatos que se puso al principio y la ficción y su existencia se acerquen al final. Sin embargo, Orazi le dará voz a un perro, Orfeo, quizá el primer therian de esta temporada teatral.

Otra de las decisiones que tomará Orazi será la de crear un artefacto, un dispositivo que dispare la acción teatral, esa especie de set en el que suenan risas y aplausos, habitado por algunos objetos: “El desafío era poder hacerle un teatrito a Augusto para que pudiese experimentar su existencia a través de procedimientos y escenas teatrales. ¿Quiénes son los personajes de la obra? La trama de Augusto. No hay más información sobre ellos. Están para que a él le pase lo que le tiene que pasar. Con Cecilia Molano, que firma el espacio escénico y el vestuario, trabajamos mucho sobre la idea de artefacto, sobre esa maquinita teatral en la que los objetos también actúan y producen la trama de Augusto. Lo que suena, lo que la luz le hace, lo que los objetos producen, su relación con las cosas, el carácter de las relaciones que establece con cada uno, todo eso es la trama de Augusto”.

Personajes como tramas y tramas como apariciones que irán construyendo a Augusto, un personaje que dirá que le sobra el cuerpo porque le falta alma, alguien con nombre de payaso inocentón y frágil al que da vida Juan Paños, creado a partir de un trabajo colectivo fuera y dentro de la escena: “En esta compañía nunca hablamos mucho del personaje, como si sostenerlo o levantarlo fuera una responsabilidad única de cada actor. Hablamos del personaje como quien habla de una especie de aparición o una visión que queremos que suceda en el teatro, pero no se trata de que Augusto sea una misión mía, sino una misión global, como también lo es en la novela de Unamuno”, explica el actor.

Paños, que crea junto a sus compañeros ese hombre que se siente más vivo cuantas más penurias pasa, recuerda que “Borges decía que la esencia del teatro es que un actor finge ser otro mientras el público finge creérselo y yo creo que en esa doble mirada es cuando se crea un personaje. Yo he descubierto con esta obra que hablo de la existencia de los personajes como si hablara de la existencia de Dios, y no es una hipérbole, lo creo de verdad. Yo necesito creer en esos personajes, me hace bien creer en los personajes de las funciones que voy a ver, en los personajes de los textos y las novelas que leo, y me consuela que existan, me consuela pensar que durante un ratito existen. Y pienso que mi relación con Dios es algo muy parecido a eso”.

También Orazi pensó en Dios durante el proceso de escritura. “Pensé en el Libro de Job de la Biblia, cuando le pide que comparezca y le pregunta ‘¿Por qué me haces esto? ¿Por qué me lo quitas todo?’. Me quedó claro que esa relación de creador y criatura que está en Niebla está muy ligada a nuestra relación con Dios, con un Dios que no comparece, de ahí que me interesara que el autor no estuviera, que no se presentara alguien a quien apelamos, esa orfandad de otra naturaleza”.

La de Augusto será una existencia que irá creciendo a partir de sus diálogos y relaciones con el otro y en esta obra, ese otro será también el teatro, un teatro capaz de generar existencia y que convertirá esta Niebla de Orazi una especie de homenaje a la potencia del teatro. “Yo también lo creo y es hermoso. La potencia creadora del teatro no está solo en los creadores, sino en la gesta común. Uno puede hacer una buena o mala escena en un ensayo, pero si no hay público, los actores nos perdemos, nosotros solo sabemos percibir cuando una función va bien o va mal si está esa otra mirada que crea, la de los espectadores —explica Juan Paños— y te diré que en paralelo a toda esta creación yo he tenido un gran viaje personal en el que he ido descubriendo la fuerza de mi trabajo, de mi actividad, incluso como espectador. Cuando voy al teatro ahora miro de una manera mucho más hermosa esos personajes, esos textos”.

“El teatro crea existencia”, añade Fernanda Orazi, que durante los últimos años ha estado leyendo y releyendo la obra del filósofo francés Étienne Souriau: “Él habla de los diferentes modos de existencia y, frente a esa ontología de ser o no ser, mantiene que hay diferentes modos de existencia. Habla de las existencias virtuales, de existencias más sutiles, y trata de describir cómo es un proceso donde algo muy sutil, una intuición o una sensación van ganando existencia. El proceso de creación es eso”.

Por designación directa —a dedo— y sin concurso público. Así selecciona el PP de Madrid a los directores artísticos de los principales teatros públicos del Ayuntamiento (Teatro Español, Teatro Circo Price, Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa y las Naves del Matadero) y la Comunidad (Teatros del Canal). De esta manera, quienes deciden la programación de estos centros, que deben garantizar el acceso a la cultura diversa, son nombrados por cargos políticos que se aseguran así un control tácito sobre lo que se puede o no se puede representar.

Esta forma de hacer las cosas es diametralmente opuesta a la del equipo de la única alcaldesa no 'popular' de los últimos 35 años, Manuela Carmena, elegida con los votos de Ahora Madrid y PSOE en 2015 y en el cargo durante toda aquella legislatura, hasta 2019. Porque su equipo eligió a los directores artísticos de los teatros municipales de Madrid principalmente a través de concursos públicos abiertos, buscando fomentar la profesionalidad y la igualdad de oportunidades. Las nuevas direcciones fueron entonces elegidas en concurrencia pública y de acuerdo con el código de buenas prácticas en cultura, entre las más de cien candidaturas que se presentaron a los concursos.

El fallo tuvo lugar en diciembre de 2017 y antes se habían constituido jurados formados por una treintena de profesionales independientes. Ninguno de ellos sigue a día de hoy en su cargo, pero así llegaron a labores de dirección entonces Rosa Ferré (Matadero), Isla Aguilar y Miguel Oyarzun (Centro Cultural Condeduque), Ignacio Marín (Teatro Fernán Gómez - Centro Cultural de la Villa) o María Folguera (Teatro Circo Price). Un año antes, en 2016, llegaba Carme Portaceli al Teatro Español —estaría hasta 2019— también por concurrencia pública después de que la escogiera la comisión independiente encargada de valorar los méritos de los candidatos.

Sí hubo cierta polémica en aquel momento sobre el anterior director artístico de Teatro Español, Juan Carlos Pérez de la Fuente, pues en su caso había sido seleccionado por el PP de Ana Botella a través de concurso público y, a pesar de tener contrato en vigor, fue cesado con la llegada de Manuela Carmena para renovar estos cargos y garantizar que el nombramiento de todos ellos fuera en base a las mismas condiciones. Eso sí, huelga recordar que de las tres candidaturas finalistas en 2014, la de Pérez de la Fuente —director del Centro Dramático Nacional durante el Gobierno de Aznar entre 1996 y 2004— obtuvo solo cuatro votos, frente a los siete de los otros dos aspirantes, a pesar de lo cual él fue nombrado director del Teatro Español.

Ya entonces, además, Podemos y PSOE defendieron esta práctica para evitar que el PP de Madrid fuera el que escogiera "unilateralmente", decían, a los responsables de los principales espacios públicos de la región. Pérez de la Fuente, en cualquier caso, volvía años después a la dirección artística de uno de estos centros públicos, de nuevo con el PP en el Ayuntamiento de la capital personificado en el alcalde José Luis Martínez-Almeida, pues es desde enero de 2024 el director del Teatro Fernán Gómez, en esta ocasión designado directamente por Marta Rivera de la Cruz, delegada del Área de Cultura del Consistorio —y entre 2019 y 2023 consejera de Cultura de la Comunidad—, a través del procedimiento de negociado sin publicidad con la empresa Madrid Destino.

Poco antes de este fichaje, en diciembre de 2023, Rivera de la Cruz renovaba a Natalia Álvarez Simó —a su vez al frente de los Teatros del Canal de 2016 a 2019— como directora de Condeduque, puesto en el que estuvo desde 2020, cuando recibió la llamada —"invitación", decía la nota de prensa del Ayuntamiento— de la entonces responsable de Cultura municipal, Andrea Levy, hasta ser reemplazada en 2025 por el director actual, Jorge Volpi. También a finales de 2023 Rivera de la Cruz elegía a Eduardo Vasco para dirigir el Teatro Español, a José Luis Ramos Romo para Matadero Madrid (y Luis Luque para la Nave 10 de Matadero y María Pagés para la Nave 11, la dedicada a la danza), así como a Aránzazu Riosalido para el Teatro Circo Price.

Más allá de los límites del Ayuntamiento, la Comunidad de Madrid designaba a Blanca Li como directora de los Teatros del Canal en 2019 —lo cual significa que, efectivamente, fue otra decisión de Marta Rivera de la Cruz, recién llegada entonces a la Comunidad, lo que supuso la salida de Álvarez Simó—. Este nombramiento fue, de nuevo, por designación directa y sin concurso público, algo que la propia artista evitó comentar en su presentación ante la prensa en octubre de aquel año, declarándose sencillamente "feliz" por poder volver a España después de tantos proyectos internacionales. 

Blanca Li, precisamente, es protagonista de una de las más controvertidas polémicas de los últimos años en nuestras artes escénicas. Fue en 2022 cuando, como directora de los Teatros del Canal, fue denunciada por Paco Bezerra, Premio Nacional de Literatura Dramática en 2009, por censurar su obra Muero porque no muero estando ya acordada su programación. Li aseguró que la cancelación a tres días de la publicación de la programación se debió a "cuestiones económicas", culpando incluso a la inflación, algo que en absoluto convenció al dramaturgo, quien ha hablado siempre de censura e injerencias políticas por estar protagonizada su obra por una Santa Teresa de Jesús resucitada al presente, donde entra en contacto con la prostitución, las drogas y la ocupación, en una lectura contemporánea de su vida.

Se da la circunstancia de que en los últimos días Bezerra está desarrollando una campaña en Instagram en la que denuncia que desde aquel caso está "cancelado" en los teatros públicos madrileños por una decisión política —de Marta Rivera de la Cruz, según su versión— que el PP ejecuta a través de los directores artísticos puestos a dedo. "El mío no es un caso individual, es un modelo cultural en el que la supervivencia profesional de esos directores depende de no incomodar al poder político que los ha designado en sus cargos", afirma el dramaturgo a infoLibre, todavía añadiendo: "Programarme pone en peligro su trabajo. El problema no es un caso individual, sino de modelo".

Bezerra incluso ha interpelado a los directores artísticos de los teatros madrileños a través de sus publicaciones en la citada red social, pero en realidad no espera respuesta a sus preguntas: "Aunque quisieran responder a mis acusaciones, no pueden hacerlo ni van a hacerlo porque quienes les pusieron en el cargo no les dejan. Por lo menos, que no nos engañen diciendo que son libres cuando están atados de pies y manos. Si son libres como dicen y no tienen presión política, que nos expliquen públicamente porque yo, después de haber estrenado diez obras en los teatros más importantes de Madrid en diez años, justo desde que señalé al poder hace ya cerca de cuatro años no he vuelto a estrenar. Porque en estos cuatro años desde que me censuraron estoy intentando estrenar alguna obra. Mientras esta cuestión no se aclare, la pregunta sirve para todo el mundo".

Para el dramaturgo, "el problema no es ahora que un político censure" porque ya "quedó claro" que a él se le censuró. "Ahora el problema es que esa censura se ha internalizado como norma de supervivencia y ahora son los directores artísticos que han sido puestos a dedo por esa persona que me censuró los que no quieren programarme. Primero, porque sería señalar a quien le ha dado el puesto, y segundo, porque no pueden hacerlo porque les van a despedir si lo hacen. Pero eso no lo pueden decir públicamente porque sería confirmar que efectivamente no son libres como pone en el pliego de su contrato. La censura está operando ahora a través de la obediencia preventiva, y esto ya no es un problema artístico, sino democrático", denuncia en declaraciones a este diario.

Aclara Bezerra, asimismo, que no busca volver a estrenar a título personal, pues ya ha "asumido" que eso no va a ocurrir. "Busco que se sepa la verdad de cómo opera el sistema cultural en Madrid, que no es público. Es una evidencia, todo el mundo lo ve, pero nadie puede decir nada, y así este miedo se va llevando ahora al tejido cultural y al sector teatral. Todo el mundo está viendo lo que estoy diciendo y nadie dice nada cagado de miedo, porque saben que si lo dicen les va a pasar como a mí, que soy un castigo ejemplarizante. El castigo hacia mí es por quejarme, por hacer pública la censura", subraya, para acto seguido añadir: "Esto ha existido mucho, luego me he encontrado a más gente a la que han censurado como a mí, la diferencia es que no han dicho nada y siguen estrenando. Les censuraron una vez una obra que ellos no querían, que no les pareció propia, pero callados. Y si te callas puedes estrenar la siguiente".

A preguntas de infoLibre, desde el Área de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid no entran "a valorar declaraciones de terceros", si bien aseguran que no han "recibido ninguna propuesta de Paco Bezerra en ningún espacio municipal en lo que llevamos de legislatura".

Comparando Madrid con la siguiente ciudad más grande del país, Barcelona, bajo mandato del alcalde socialista Jaume Collboni desde 2023, se aprecian diferencias claras en la manera de actuar en el tejido cultural escénico municipal. Así, por ejemplo, Julio Manrique dirige el Teatre Lliure desde 2023 tras ser escogido entre once candidaturas en un concurso público al que se presentaron personas con diversidad de género, edad y experiencia. Los finalistas fueron propuestos por la comisión de valoración al Patronato del teatro, que es quien finalmente eligió al nuevo responsable.

En esta misma línea, Carme Portaceli es la directora artística del Teatre Nacional de Catalunya (TNC) desde septiembre de 2020, cuando fue escogida por concurso público por el consejo de administración, a propuesta de la pertinente comisión de valoración, que tuvo en cuenta especialmente “su capacidad para elaborar una programación de una alta calidad artística y su idoneidad para responder a los objetivos estratégicos del TNC”.

Igual es el caso del Mercat de les flors, teatro público cuyo consorcio nombró el año pasado a la gestora cultural María José Cifuentes como nueva directora después de que la comisión de selección destacara la "solidez, ambición y coherencia hacia los retos actuales del sector” del proyecto presentado. Por su parte, Leticia Martín Ruiz es igualmente directora del Grec Festival (Teatre Grec) desde 2024 después de que una comisión de valoración eligiera su proyecto artístico entre los diversos presentados al concurso convocado por el Institut de Cultura de Barcelona.

"La censura ha cambiado de rostro, ahora se ha internalizado como norma de supervivencia y nadie quiere incomodar a quien les regaló el cargo", denuncia Bezerra, refiriéndose concretamente al caso madrileño. "Eso pone en tela de cuestión si esos cargos deben darse a dedo o habría que pasar un examen democrático para que no sean los políticos los que estén en el jurado, sino que sea un grupo de profesionales. Y que realmente tengan libertad luego para que, aunque tal color te haya puesto en el cargo, tú puedas programar cosas o autores que vayan en contra del color de ese cargo que te ha puesto. Porque, si no, el teatro qué es, ¿propaganda y un altavoz de tu amo?", termina el dramaturgo.

Argentino de nacimiento y español de adopción, Héctor Alterio se reconocía "de los dos lugares". "Vivo en un barrio alejado de mi país", afirmaba este actor de ojos expresivos, que hizo cine, televisión y mucho teatro. Fue sobre las tablas donde comenzó su larga carrera profesional.

Debutó con 19 años con 'Prohibido suicidarse en primavera', una obra de Alejandro Casona que representó en su Argentina natal. Su último trabajo estrenado ha sido la serie televisiva 'Su Majestad' en 2025 y antes de eso el largometraje 'Las consecuencias' (2021), de Claudia Pinto, y los documentales 'El viaje de Julieta' y 'La memoria del cine: Una película sobre Fernando Méndez-Leite'.

Como aseguró en una entrevista con EFE, actuar era lo único que sabía hacer. "Llevo setenta años en las tablas, haciendo de todo, desde obras buenas, a otras malas o regulares. Desde que tengo uso de razón que estoy allí y creo que no tengo otra alternativa que seguir, porque el oficio es lo único que tengo. Si me quedo sin eso, no tengo más remedio que estar pendiente de mi jubilación", afirmó.

Y allí siguió, en un teatro, hasta los 96 años. Dando lecciones de buen oficio, de elegancia y de un amor por la interpretación que supo transmitir a sus hijos, Ernesto y Malena.

Con ellos y con su mujer, la psicoanalista Ángela Bacaicoa, se instaló en España en 1975 tras recibir amenazas de muerte de la Triple A, organización paramilitar estatal que operó durante los años previos a la última dictadura (1976-1983).

"Aún recuerdo el calor de la mano de mi hijo cuando tenía 4 años y cruzábamos Bravo Murillo, la calle del hostal en el que vivíamos, y me decía '¿papá en qué idioma hablan?' porque no lo entendía", explicaba.

Le tocó empezar casi desde cero, pese a que ya tenía una carrera consolidada en Argentina, donde en 1950 había creado la compañía Nuevo Teatro, y donde había participado en películas tan destacadas como 'El santo de la espada' (1969), 'La fidelidad' (1970), 'La tregua' (1974) o 'La Patagonia rebelde', Oso de Plata en Berlín en 1974.

En España lo acogieron colegas como la fallecida directora Pilar Miró o actores como Nuria Espert -con la que hizo 'Divinas palabras'- y Juan Diego, que le dieron, como él recordó en varias ocasiones, la oportunidad de trabajar y le ayudaron en todo lo que precisó.

Se hizo popular en España por series como 'Santa Teresa', 'Segunda enseñanza', 'El Quijote' o 'La regenta' y por películas como 'A un dios desconocido' (1977) -premio al mejor actor en el Festival de San Sebastián-, 'El crimen de Cuenca' (1977), 'El nido' (1980), 'Don Juan en los infiernos' (1991) o 'El detective y la muerte' (1994).

Y siguió trabajando en el cine argentino, en 'Camila' (1984) o 'La historia oficial', ganadora del Óscar a mejor película extranjera. Además de 'Plata quemada' (2000) 'El hijo de la novia' (2001), 'Kamchatka' (2002) o 'El último tren' (2002). Una trayectoria en el cine por la que en 2004 recibió el Goya de honor.

También continuó participando en series televisivas. Una de las más destacadas, 'Vientos de agua', dirigida por su compatriota Juan José Campanella, y que contaba una historia con similitudes con la suya personal. La inmigración y el exilio centran esta historia en la que compartió papel con su hijo Ernesto.

Y nunca dejó de lado su amado teatro. En 2004 recibió un Max por su trabajo en 'Yo, Claudio'. Y en los años siguiente encadenó montajes como los de 'El túnel', de Ernesto Sabato; 'Dos menos', de Samuel Benchetrit; 'La sonrisa etrusca', de José Luis Sampedro; o 'El Padre', de Florian Zeller.

"En el teatro me siento casi patrón de mi trabajo porque lo manejo yo, respetando los elementos de la dirección claro, pero puedo decidir en qué momento se corta el silencio, en qué momento se apura", resaltaba el actor.

Además, en su afán perfeccionista, el teatro tenía algo único que no existía en el cine o la televisión. Y es que le permitía "mejorar cada día lo del día anterior".

"Una obra de teatro creada por cuatro mujeres madres y actrices que un día, tomando café, se dieron cuenta de la necesidad que tenían de contar sus experiencias siendo madres a través del teatro". Así resume a infoLibre la directora y dramaturga Ana Roche la esencia de Fantásticamente bien, una tragicomedia sobre lo que nadie te contó de la maternidad, un espectáculo que se representa todos los sábados desde este 8 de noviembre hasta el 27 de diciembre en el Off de La Latina de Madrid a las 12:45, para que las mamás con bebés lactantes o no lactantes puedan asistir con mayor facilidad. 

De esta forma, esta pieza tragicómica, como la vida misma, se teje con retazos de experiencias reales, confesiones compartidas y momentos en los que lo ordinario se vuelve extraordinario. A partir de sus vivencias y las de tantas otras mujeres, crean una red de escenas cotidianas que resonarán en el corazón de quienes también han sentido el vértigo, la ternura o el agotamiento de la maternidad o, simplemente, de ser mujer en este mundo. Todo ello integrando el humor ácido con el absurdo, transgrediendo la narrativa clásica y explorando diferentes códigos teatrales. 

Según anticipa Roche, la obra pasa por varios momentos, como la elección de ser madre, el embarazo, el parto o el postparto. "Es un espectáculo actual y necesario que pone el foco en la maternidad y en cómo transforma de forma radical la vida y la identidad de las mujeres", destaca, remarcando que a todas ellas les contaron "muchas cosas bonitas" pero "pasaron por alto las no tan bonitas". "Hasta nuestras propias madres, hermanas o amigas. Poca gente habla alto y claro sobre lo que supone la maternidad, ya que la tendencia ha sido siempre dulcificarla e idealizarla", continúa.

Y todavía prosigue profundizando: "Cuando eres madre por primera vez hay muchas cosas que no te cuadran. Como la soledad, la poca conciliación que hay o la montaña rusa de emociones que supone. Las madres millenials, además, tenemos mucha presión encima, porque queremos ser buenas madres, seguir con nuestras carreras profesionales, salir con las amigas, estar bien con nuestras parejas, ir a terapia y estar a la moda de todas las tendencias sobre crianza. Y, claro, tampoco te contaron que no se puede llegar a todo".

"Nos venden por todos lados la imagen idílica de la maternidad, llena de amor y momentos tiernos", denuncia, para acto seguido subrayar con humor: "En las películas los bebés nunca lloran, las madres están bien peinadas y el parto dura dos minutos con música épica de fondo. La realidad es que lo épico es conseguir ducharte antes de que llegué la noche (risas). En el espectáculo proponemos romper con esa romantización, lo que 'debería ser' la maternidad y lo que realmente es, enseñamos esos contrastes, los claroscuros, salimos de la idea de romantización y lo hacemos a través del humor, para que no duela tanto y así poder liberarnos de manera colectiva". 

Asimismo, denuncia, "cuando una mujer dice en voz alta que ser madre no ha sido una experiencia idílica, sigue siendo juzgada". "Más aún cuando dice que se arrepiente. Nuestra sociedad ha idealizado la maternidad hasta el punto de que cualquier discurso que no encaje en ese molde parece una provocación", apunta. "Que todavía cueste escuchar ese tipo de frases nos dice que queda mucho por hacer en términos de libertad y de honestidad emocional, especialmente con las mujeres", afirma. "Además, no se juzga igual a una mujer que a un hombre. Cuando un hombre expresa cansancio o necesidad de espacio, se interpreta como algo natural; cuando lo hace una mujer, se percibe como egoísmo o falta de instinto maternal. Esa doble vara de medir sigue mostrando que la carga simbólica y emocional de la maternidad recae casi exclusivamente sobre las mujeres y que vivimos en una sociedad patriarcal", agrega.

Por todo ello, explica que esta obra existe "para romper silencios", reírse de los "clichés" y permitirse "hablar en voz alta, sin culpa". El montaje se hace realidad también para "crear red y un espacio de ocio, donde las mujeres madres puedan disfrutar conciliando de un espectáculo donde ellas son las protagonistas". "Que rían, lloren, que se sientan comprendidas, Que todas las madres estamos lidiando y sintiendo lo mismo y que desde el humor puedan darse un respiro de calma para seguir maternando como ellas quieran y que todo esto está Fantásticamente bien", resalta.

Este montaje se enmarca también en los debates sociales del momento actual en torno al aborto, la violencia obstétrica o la depresión postparto en un contexto de empuje conservador y tradicionalista que también afecta directamente a la maternidad pues, según destaca, "el auge de la ultraderecha está reabriendo debates que pensábamos superados, y uno de ellos es precisamente el papel de la mujer en la sociedad", ya que "cuando desde ciertos discursos se idealiza una maternidad entendida como 'obligación' o 'destino natural', lo que se está haciendo es retroceder en derechos y en libertad de elección". Por eso, remata: "La maternidad no puede ser una imposición ni una condición para validar la identidad o el valor de una mujer. Las mujeres somos mucho más que madres, y ser madre —si se elige— debería ser una experiencia libre, consciente y acompañada, no una exigencia social".

Simone de Beauvoir escribió La mujer rota en 1967. Un compendio de tres relatos —La edad de la inocencia, Monólogo y el que da título al volumen— en los que la autora expone sus planteamientos éticos y sociales sobre la condición femenina a través de personajes de mujeres que exponen sus conflictos sentimentales y morales, debatiéndose con palabras en situaciones sin salida: la edad, la soledad, la agonía del amor, la frustración o el deseo de ser reconocidas. 

De máxima actualidad en estos tiempos de empuje conservador, la actriz Anabel Alonso (Barakaldo, 1964) protagoniza su propia versión de La mujer rota en un monólogo basado en el texto original, con dirección de Heidi Steinhardt. La pieza sitúa al espectador en una Nochevieja en la que Murielle, la protagonista, se encuentra sola en su casa, desbordada por los recuerdos, el resentimiento y una sensación de fracaso vital. A través de una confesión íntima, el texto retrata la caída emocional de una mujer que lo ha entregado todo —como madre, esposa e hija— y que, en ese proceso, ha perdido el vínculo con su propia identidad.

Tras su estreno el pasado fin de semana en Bilbao y Vitoria, la obra llega al Teatro Infanta Isabel de Madrid, donde estará desde este miércoles hasta el 16 de noviembre (después girará por toda España durante 2026). "Simone sigue siendo tan vigente como entonces", afirma la intérprete a infoLibre, entre otras muchas cosas.

Anabel Alonso convertida en Simone de Beauvoir en el escenario. Una confluencia impactante.

Yo hago el monólogo, que es un texto literario que está incluido en el volumen La mujer rota. Y tiene una cosa muy atractiva que yo resalto mucho, porque es la primera vez que se lleva a escena esta pieza, que no está escrita para teatro. Es un texto sin puntos, ni comas, no tiene ninguna acotación, porque realmente está escrito para ser leído, así que por un lado tienes plena libertad pero, por otro, te preguntas ¿y por dónde le hinco yo el diente a esto? ¿Cómo empiezo? Bueno, pues empezamos casi poniendo puntos y comas, porque era un lío. Después, Heidi ha hecho un trabajo maravilloso con la puesta en escena y la creación de este universo de Murielle, muy conseguido, con una poética maravillosa.

Llama mucho la atención el cambio de registro, de la comedia al drama.

Es un reto a muchos niveles. Este es un cambio, indudablemente. Yo he hecho drama, pero no llegará ni al 10% de mi carrera. Lo maravilloso es que, en teatro, cuando, afortunadamente, tienes ya una carrera, cierto nombre, tú puedes también poner en pie proyectos que de otra manera no te llegarían. Por eso yo soy coproductora, junto con La Zona. Y sí es cierto que este no sería un texto que de entrada me llegaría a mí, pero me gusta provocar que las cosas pasen. Creo, además, que en teatro siempre hay personajes interesantes para mujeres, tengas la edad que tengas.

¿Qué nos sigue diciendo Simone de Beauvoir en 2025?

Ella puso voz y palabra al runrún. Quiero decir, las sufragistas ya dieron su vida a principios del siglo XX por el derecho al voto de la mujer, por esa igualdad que reclamamos. Cuando dicen eso de 'ni machista ni feminista' yo digo, pero vamos a ver, ¿qué tendrá que ver? El machismo es la supremacía del macho y el feminismo lo que busca es una igualdad entre los sexos, ya sea de derechos, de salarios, de trabajos... de todo. A lo que íbamos, esta obra se escribió en el 67 y hemos avanzado mucho, hemos dado pasos de gigante viendo por ejemplo dónde estábamos en 1910, volviendo a las sufragistas. O dónde estaban las mujeres españolas en el 67, que no podían abrir una cuenta corriente ni viajar al extranjero sin el permiso del marido. Pero, indudablemente, queda mucho por recorrer, son muchos siglos, muchos milenios de estar supeditadas y, por ejemplo, en este texto también se hace hincapié a ese papel de la mujer como esposa, madre, hija, y que en tanto en cuanto no es ninguna de las tres cosas, pierde su lugar en el mundo. Eso sigue siendo tan vigente como entonces, ahora lo que pasa es que aparte de tener este rol de cuidadora, protectora doméstica, tenemos también el laboral, o sea, que se nos han sumado obligaciones, no es que se hayan repartido. También sigue vigente esa contradicción que hay en muchas mujeres que, por un lado, quieren reivindicar y luchar por esa igualdad y, por otro, se ven en esa cárcel también suya de que si no cumplen con las expectativas que se espera de ellas, no lo están haciendo bien.

La identidad femenina es uno de los grandes temas de Beauvoir...

Claro, esa famosa frase que se malinterpretó mucho, de que 'una mujer no nace, sino que se hace'. Eso explica que nacemos con un potencial igual, pero luego la educación de género nos va colocando a cada uno en un sitio.

Supeditadas a ser El segundo sexo, su gran texto de 1949...

Es verdad, es como somos y sigue siendo así ahora. A mismo puesto de trabajo, menor sueldo. Hay techos de cristal, el 90% de los directivos de las grandes empresas son hombres, no se deja pasar a las mujeres. Además, a nosotras siempre se nos exige una excelencia que a los hombres no, una calidad que a los hombres no. Barro para mi terreno ahora, a nivel por ejemplo de directoras de cine y directores de cine, o de teatro. Es como si las mujeres no pudiéramos tener derecho a nuestro cupo de mediocridad o de chafarla. Si un tipo hace una mierda, pues bueno, pero si la hace una tía, ¿qué hace esta dirigiendo? Y así seguimos.

Esa es una denuncia generalizada en todas las artes y, por extensión, en todos los ámbitos de la sociedad.

Siempre es igual. Pasa en el humor, donde tenemos que ser mucho más graciosas que los hombres. Hay hombres que no tienen ni puta gracia y ahí están. Pues nosotras también podemos no tener ni puta gracia, pero siempre se nos pide una excelencia y un plus, y un de todo, que al hombre no. Se nos mide con distinto rasero. Indudablemente, hemos dado muchísimos pasos adelante, pero falta mucho recorrido. 

De Beauvoir tuvo también un papel determinante en la legalización del aborto en Francia en 1975. Medio siglo antes de que aquí, en el Ayuntamiento de Madrid, hayamos vivido el esperpento de PP y Vox queriendo informar a las mujeres de las secuelas del trauma post-aborto.

Es que te juro que ni en las cosas más distópicas pensé que viviría esto en este momento. ¿Pero de qué estamos hablando? ¿Qué es eso del trauma post-aborto? Algunas tendrán, otras no, desde luego a ninguna se le olvida que ha abortado. Una no va a comprar un pantalón y dice 'de paso aborto'. ¿Qué pasa, que todos los tíos que se drogan, beben y están deprimidos tienen trauma post-aborto? ¿Qué mierda es esta? Así te lo digo. El PP ha tenido que recular, pero que se llegue a plantear ya me parece como impensable, es que no deberían haber dado ni ese mínimo paso. Yo estoy un poco sorprendida, no te voy a decir asustada, porque esa no es la palabra, pero espero que la sensatez triunfe ante este avance de la extrema derecha, esos pensamientos ultraconservadores, o cómo chicos jóvenes de repente se reafirman en el machismo diciendo que les quitamos sus derechos, cuando en todo caso serían privilegios. O dicen 'nos están quitando nuestro sitio, nos están moviendo el sillón'. No, tenemos el mismo derecho a ese sillón, lo que pasa es que vosotros lo lleváis ocupando hace muchos miles de años y os parece que es vuestro, pero no.

Sorprende que el PP haya reculado en Madrid, porque nunca lo hace.

Lo que habrá habido ahí por dentro... y por fuera. Entre los votantes y simpatizantes, y dentro de las propias filas del PP, quiero pensar que hay un amplio abanico. Evidentemente, antes Vox estaba dentro del PP, luego salió, pero quiero pensar que la sombra del PP es muy grande y abarca un amplio espectro. Hay otra frase de Simone de Beauvoir, que también dice que en momentos de crisis los primeros derechos que se tambalean son los de las mujeres, así que estad atentas. Se ve claramente que en este momento es así. 

¿De ahí la importancia de que Simone deje de ser un personaje blanco y negro para las nuevas generaciones?

Y para mujeres mayores también. Yo creo que a Simone se le ha juzgado más duramente que a cualquier hombre. Es decir, sus coetáneos, Sartre o Camus, también tenían contradicciones, tuvieron vidas más o menos polémicas, pero a ella se le ha medido con otro rasero. Ella también tuvo sus cosas, por eso se volvió el feminismo más puro, más que ideológico, porque en la izquierda también hay mucho machismo. No es una cuestión de decir 'los de derechas son más machistas que los de izquierdas'. No, hay mucho machismo en las izquierdas. Es lo que ella decía, que en la Revolución Soviética primero eran mujeres y luego eran camaradas, o sea, no las trataban de tú a tú. Cuando hablaban ellos, ellas no hablaban.

¿Qué le gustaría que comentara el espectador cuando se esté tomando una caña después de ver la obra?

Me gustaría que planteara preguntas. Aquí no se plantean respuestas, pero yo creo que igual sí se plantean preguntas. Por eso, me gustaría que el espectador o la espectadora no saque conclusiones. Porque Simone no es así, ella plantea cuestiones, dudas. También me gustaría acercar a Simone al público de a pie, porque a ella le lees o no, tampoco viene a ti, pero esta es una manera de llevarla a pie de calle. Vamos a conocer un poco cómo escribía esta señora, que escribía muy bien, además. Y luego, también, si descubren una faceta mía nueva, mejor que mejor. Hay muchos frentes por los que este montaje me parece atractivo y creo que puede, por lo menos, plantear ciertas inquietudes en el espectador.

Dar voz a Simone desde el escenario, acercarla a la gente, es también dar la batalla. ¿Hay que darla en todos los campos? En redes sociales, Twitter concretamente, ha peleado mucho Anabel Alonso.

Peleaba, ya me canso. Pero, ¿sabes por qué? Porque he dicho, 'estoy harta de la impunidad del anonimato'. Aquí, o todo el mundo da la cara como servidora o se acabó. Uno detrás de un vaso de plástico no me puede insultar, difamar, vilipendiar, amenazar, inventarse movidas. No me da la gana. Al principio me resultaba divertido, yo me río, son una panda de cobardes. a mí no me han afectado nunca de ninguna manera. Pero ya me he cansado. Señores, aquí hay que identificarse. Si estuvieran identificados y identificadas, te digo yo que ahí no se soltaba ni la décima parte, no, ni el 5% de la mierda que se suelta. No vamos por la calle insultándonos sin conocernos, gritando "¡tú, hijo de puta!" Basta ya de anonimato e impunidad. Y además, ya está ahí Elon Musk, que a mí no me viene tampoco bien.

“Escuchen el legado de nuestros muertos”, decía María Morales encarnando a Manuel Azaña casi al final del segundo acto. 1936 no es solo la historia de la Guerra Civil fantásticamente contada, sino una obra conciliadora en su mensaje, trágica en el relato y terrorífica por su cercanía con la actualidad. 

La primera reposición de la obra de Andrés Lima 1936, el año en el que España entró en shock, puede verse hasta el 12 de octubre en el Teatro Valle-Inclán (Madrid) del Centro Dramático Nacional (CDN), aunque las entradas ya están agotadas. La obra, de cuatro horas y cuarto de duración (con dos descansos de 10 minutos) se compone de tres actos en los que, de manera fragmentada, se van narrando los hechos que componen el tríptico de los años que conforman la Guerra Civil española. 

Lo cierto es que con un texto escrito a cuatro manos por dramaturgos como Juan Mayorga, Albert Boronat, Juan Cavestany y el propio Lima, era difícil esperar una obra que no cumpliera con creces las expectativas de los más optimistas. Se entiende ahora, después de verla, que gran parte del público repita y que las entradas, como si se tratara de un concierto de Taylor Swift, volasen en algo menos de un día. 

Lo primero que sorprende al entrar al teatro es la puesta en escena. Cuatro mesas con taburetes y dos telones que hacen las veces de pantalla componen el atrezzo de la obra. El escenario se divide en cuatro sectores que componen una visión de 360 grados y, en el centro, como si fuera un ring de boxeo, el escenario donde el espectador vivirá una guerra casi en primera persona. 

Tras una introducción cargada de simbolismo, la obra se vuelve frenética. El 18 de julio de 1936 se desencadena el shock en el que trata de adentrarnos Andrés Lima. Un shock que durará cuarenta años. Después de situar al espectador en la obra, personajes de este periodo entrarán en escena. Como el general Yagüe interpretado fantásticamente por Guillermo Toledo, La Pasionaria encarnada por Mamen Camacho, Queipo de Llano por Antonio Durán Morris, Manuel Azaña, Largo Caballero y Clara Campoamor, interpretados los tres por una inconmensurable María Morales o Francisco Franco, magníficamente caracterizado por un Juan Vinuesa (que este mismo año ya recibió el Premio Talía a mejor actor protagonista de teatro por este papel). 

Una de las cuestiones más interesantes de la obra, es que consigue abarcar desde un plano intelectual los discursos y dinámicas que llevaron a la Guerra Civil. Presenciamos cómo, desde la formación de la II República, las altas esferas económicas del país con Calvo Sotelo, José Antonio Primo de Rivera, Yanguas Messía y Ramiro de Maeztu a la cabeza, junto a duques, marqueses y terratenientes de todo el país, financiaron cultural, política y militarmente la sublevación y conspiraron contra la democracia acusando a los rojos de querer “romper la unidad de España”; cómo la violencia de los discursos de un bando y de otro va en aumento hasta prácticamente despojarse de su propia condición humana y cómo finalmente, de este modo, se acaban justificando la violencia, el terror y la muerte.

Discursos de odio muy parecidos a los que resuenan hoy como una herida abierta que supura ecos pasados. Decía Andrés Lima en una entrevista en Cadena SER, que “ya no hay golpes de Estado” y que lo verdaderamente aterrador es “hoy el pueblo vota al fascismo”. Un fascismo que consigue camuflarse y colarse por los recovecos de los verdaderos males que atañen a la sociedad con el fin de sembrar odio. Porque, como se ve en la obra, es desde el odio, desde el terror, el hambre y la guerra desde donde estos regímenes logran el triunfo. 

Y es que el desprecio al trabajador, al inmigrante, a los pobres, a las mujeres o a los homosexuales todavía perdura. El odio que mató a Lorca al grito de “rojo maricón”. Ese odio está cada vez más presente en nuestro día a día, por eso es tan importante ser consciente de los errores que nos llevaron a guerras fratricidas, de ahí la relevancia de esta obra y de volver a revisar los motivos y la dialéctica populista que condujeron al episodio más negro de nuestra historia. 

Historiográficamente la obra es un deleite. Andrés Lima se apoya en los prestigiosos historiadores Francisco Espinosa y Paul Preston para poder abarcar de manera rigurosa los diferentes episodios que vivió España desde el shock. Los textos de la pequeña Pilar Duaygües, la niña catalana que narró la guerra en su diario, nos servirán no solo como columna vertebral de la obra, sino para ver la guerra a través de los ojos de una niña cuyo amor e inocencia se van corrompiendo por el sonido hueco de las bombas y el rugir de las tripas por el hambre. 

Desde la batalla del Ebro al bombardeo de Guernica, pasando por la Desbandá en la masacre de la carretera Málaga-Almería, vamos recorriendo los episodios más trágicos de la guerra sintiéndonos dentro de la historia. El fantástico coro y una ambientación inmejorable a cargo de Kike Mingo son los responsables de uno de los momentos más impresionantes de la obra. 

Las luces se apagan y comienza un espectáculo de cabaret con una orquesta y una bailarina iluminada únicamente por la luz de un foco. Fuera, las tropas de Franco están tomando Madrid. Los gritos de “no pasarán” se diluyen entre el terror de gente que huye y se han convertido en aullidos de auxilio. Dentro, la bailarina sigue bailando al son de la orquesta hasta que un bombardeo sobre el teatro nos deja a todos mudos. Caos. La gente salta al escenario arrastrada por los actores. Tras un par de minutos, mientras los bombardeos siguen sucediendo, la orquesta vuelve a tocar. “Que siga la función”. La orquesta obedece. Ahora su música suena más triste. Ya saben lo que viene. Todos saben lo que ocurre. Seguramente será su última función, por eso siguen tocando. Así acaba el tercer acto. 

La obra termina con el mismo simbolismo con el que comenzó. Una gran bandera republicana se extiende por todo el escenario cubriendo a los muertos. Un hombre con una pala aparece en escena y comienza a excavar en la metáfora de nuestro pasado y la realidad de nuestro presente. Los muertos comienzan a auparse. Una mujer pregunta: “¿Quién ganó la guerra?”. "Franco", responde el hombre. 

La obra termina y todo el elenco sale a recibir el aplauso del público. Un aplauso de unos siete minutos de reloj que los actores utilizaron para mostrar banderas palestinas que situaron sobre la republicana en un claro gesto de solidaridad con el pueblo sometido a un genocidio por Israel y con un mensaje muy claro: que lo que ocurrió en su momento no vuelva a suceder.

El dramaturgo español Fernando Arrabal ha sido distinguido con el título de comendador de la prestigiosa orden de las Artes y las Letras de Francia.

Según una nota de prensa distribuida por el entorno del autor, afincado en París, la condecoración "reconoce su influencia en el ámbito cultural internacional por su obra como dramaturgo, cineasta, pintor, periodista y novelista; cuya audacia y originalidad es una huella indeleble en la cultura y el arte contemporáneo".

Siempre excéntrico y prolífico, Arrabal, nacido en Melilla en 1932 y criado en el municipio salmantino de Ciudad Rodrigo, celebró este lunes su 93 cumpleaños.

Responsable de obras de culto como Picnic, El cementerio de automóviles o Fando y Lis, su currículo está cargado de reconocimientos, como el Premio Nacional de Teatro y el Premio Nadal de Novela.

En junio de 2025, cuando fue recibido en la Moncloa por el presidente del Gobierno español, Pedro Sánchez, le fue otorgada también la Gran Cruz de la Orden de Isabel la Católica, una de las condecoraciones civiles más importantes del Estado español.

Desde el 20 de noviembre de 2024, 49º aniversario de la muerte de Francisco Franco, se representa una vez al mes la función denominada Chistes contra Franco. Una producción sencilla, en Teatro del Barrio, donde un grupo de personas se acomodan en un patio de butacas para sencillamente escuchar chistes contra el dictador. Podría parecer una propuesta trivial, inútil, pero el trasfondo de esta obra propone una interesante variedad de matices que explorar. 

El escenario está protagonizado por dos artistas, cada uno con misiones muy diferenciadas. Ana Alonso comparte rigor histórico sobre las diferentes etapas del régimen y Darío Adanti, que hoy charla con infoLibre, cuenta los chistes.

"No se trata de un monólogo ni un teatro, sino de una cosa híbrida. A Eugenio Merino (cocreador de Chistes contra Franco) le gusta llamarlo Acción Teatral", concreta el dramaturgo argentino.

Darío Adanti se denomina a sí mismo un humorista satírico cuya “obsesión”, junto a Merino, es “hacer pedagogía antifascista”. 

¿Y por qué a través de chistes? 

“Porque la española es de las dictaduras en las que más humor se ha generado, posiblemente debido al carácter de los españoles. Encima, ha permanecido: las personas mayores los recuerdan, están escritos en libros… Se crearon cientos de chistes contra Franco en una dictadura súper sangrienta, que todavía tiene 120.000 desaparecidos”. 

¿Escudo psicológico o arma revolucionaria? 

“Posiblemente las dos”. 

La explosión de chistes populares durante el franquismo adquiere aún mayor relevancia si se recuerda que, por el simple hecho de contarlos, los españoles corrían el riesgo de ser torturados o asesinados. Y así es cómo, la sencilla y divertida acción que se conoce como contar un chiste, se convertía en un “acto heroico”. 

Precisamente, una de las burlas del repertorio de Chistes contra Franco dice algo similar: 

Vuelve un español que se había ido durante la guerra y le pregunta a un pariente:

—¿Qué tal? ¿Cómo estáis?

—No nos podemos quejar.

—Ah, entonces estáis bien.

—No, no nos podemos quejar.

“La verdadera cultura de la cancelación”, sentencia Darío Adanti con la risa entre los dientes. 

Si algo caracteriza la esencia de Chistes contra Franco es el contraste. Entre la serie de burlas que Adanti recita, Ana Alonso intercala memorias documentales sobre la temática o etapa que los chistes desafían. El índice de la obra incluye cuestiones como el hambre y las enfermedades de la posguerra, el adoctrinamiento nacional-católico en las escuelas, la autarquía, la colaboración con el nazismo o la regencia con Carrero Blanco.  Por cada bloque temático, una de contextualización y otra de chistes. 

Los encuadres históricos que proporciona Ana Alonso sirven tanto para explicar como para concienciar. Sin embargo, los extractos documentales que relata son de extrema dureza y provocan un sorprendente choque con los minutos de risas que suministra el entrevistado justo a continuación. Con este método, la acción teatral se convierte en un pin pon de terror y jolgorio, provocando que el público perciba por sí mismo el contraste que supone la creación de chistes en momentos de pérdida y pobreza. 

Debatiendo con el dramaturgo sobre los límites del humor, el memorialista expresa que la vara de medir se encuentra en el “contexto”. Y justo es la clave en esta obra: ”Si nosotros solo contáramos los chistes, correríamos dos riesgos. Uno era que el chiste quedara muy ingenuo; porque el chiste, sin su contexto, no se entiende o parece muy tonto. Y, por otro lado, que la dictadura pareciera algo divertido”. 

Chistes contra Franco es una obra tejida por muchísimos autores, de nombres tanto anónimos como conocidos. Ninguno de los textos pertenecen a Darío Adanti o Eugenio Merino, pero sí que son dueños del esfuerzo casi artesanal de reunir fragmentos de prensa, citas de historiadores, documentos de archivo y chistes recopilados tanto de libros como de testimonios orales. La creación del guion duró un año, logrando un coro de testimonios a raíz de “un montón de trocitos de papel”. 

Para ello, ambos autores tuvieron que sumergirse y desgranar “auténticos tomos de casi mil páginas”. Aunque el humorista lo tiene claro, es una tarea que forma parte de su misión como artista: “La gente ya no tiene tiempo de leer. La vida es más cara y más difícil, por lo que tienen que trabajar más. Entonces yo, que tengo el privilegio de poder vivir de leer, siento que mi función social es contar de manera más sencilla esas miles de páginas a la sociedad”. 

¿Recibisteis ayuda externa, aparte de la documental, para llevar a cabo el guion? 

“Muchísima. Emilio Silva nos ayudó a ir armando una estructura para que esos chistes encajaran con lo que queríamos contar de los 40 años de dictadura. También arreglamos con Teatro del Barrio que pudiéramos hacer tres ensayos generales, que no fueran públicos, para que solo vinieran los mecenas del crowdfunding, amigos y gente especializada. En estos ensayos, decidimos escuchar al público. En el primero, nos dijeron que faltaban chistes; en el segundo, nos comentaron que debíamos hablar sobre las agresiones a la mujer y meter algo más de LGTBI. Y entonces fuimos armando el guion con el feedback. Incluso hubo señores mayores del crowdfunding que nos contaron chistes que conocían después del show”. 

¿Qué chistes no incluisteis en vuestro repertorio? 

“Elegimos los que eran más políticos, porque había muchos chistes más naif que se metían con el tono de voz o la altura de Franco. Eso no era lo que buscábamos. Y también tratamos de elegir los que no fueran sexistas ni homófobos. Por ejemplo, había chistes sobre la prostitución, o sobre la sexualidad de Franco, que tenían un sesgo que hoy no nos parecía que valiera la pena rescatar”.

Así lo ve Darío Adanti, humorista que opina que la sátira burlesca debe “disparar hacia arriba”. La contempla como una forma de desacralizar al poder. Sin embargo, si se utiliza para hacer burla de los colectivos vulnerables, “no estás haciendo humor, estás haciendo bullying”. 

El escenario se sumerge en negro. “Todo lo que se ve es muy sobrio, porque no queremos que el humor parezca frívolo. Hay muertes y torturas en lo que se cuenta”, explica el cómico. La producción se caracteriza por su sencillez: dos atriles y dos artistas sobre el escenario. Un foco ilumina al que tiene el turno de palabra. No hay decorado, solo luz, voz y palabra. 

El entrevistado reconoce que las decisiones sobre la representación teatral son mérito de Eugenio Merino, quien quería que la obra fuera explícitamente documental. No busca representar, sino declarar. Los atriles juegan un papel importante en ello, pues el público puede ver que los artistas están “leyendo extractos de verdad”. Darío Adanti insiste en que “se tiene que notar que esto no es de nosotros, que esto existe, que todo esto es real, que todo esto es verdad’.

“Estamos celebrando la muerte del dictador, ahora que se cumplen 50 años, pero explicamos el por qué”, recuerda el cuentachistes argentino. Sin embargo, la obra muestra tal oscuridad y solemnidad por otra excéntrica razón: “Queríamos que simulara el velorio de Franco”. 

Es miércoles, son las 12 del mediodía y Aura Ibáñez, conocida por su nombre artístico, La Niña Delantro, descuelga el teléfono para hablar con infoLibre. "Me pillas ensayando", arranca. "Los meses de verano son de no parar de trabajar", continúa. Como Aura o como La Niña Delantro, la joven de 24 años lleva toda la vida subida en escenarios, ya sea como bailarina, como actriz o como drag queen, que es lo que le ha llevado a dar el salto a la fama dentro de la escena queer.

Con una energía desbordante y un estilo que mezcla lo dark con glamour, baile, humor y mucha protesta en favor de los derechos LGTBIQ+, La Niña Delantro quedó finalista en la cuarta temporada de Drag Race, el concurso de Atresmedia que cuenta Supremme de Luxe, Ana Locking, Javier Ambrossi y Javier Calvo como jueces. "Todavía no he asimilado lo que fue ese programa", cuenta. Sin embargo, años antes de salir en televisión, la artista ya era conocida por haber actuado en escenarios de Madrid, Barcelona y Valencia hasta posicionarse como un perfil fuerte en el mundillo del drag o, como ella lo llamaría, la capacidad de convertir el ridículo en arte.

¿Quién es La Niña Delantro?

La Niña Delantro es una artista, una performer, que se dedica al drag, pero también a la música y a ser una persona reivindicativa y que lucha por visibilizar los derechos LGTBIQ+.

¿Y cómo ha llegado a ser lo que es?

Llevo desde pequeña formándome y aprendiendo sobre este mundo del arte escénico y, a la vez, siempre he sido una rebelde, nada me parecía bien. Por pequeña que fuera, siempre me he quejado de todas las injusticias. Yo era como la abogada del diablo y siempre tenía que opinar de todo. Van de la mano esa faceta reivindicativa que he tenido siempre, con el hecho de que desde los cinco años llevo subida a escenarios, con clases de baile, con clases de actuación, de teatro, escuchando muchísima música y trabajando de eso desde muy joven. Yo ya con 15 años trabajaba bailando, luego me hice bailarina de burlesque y todo eso me llevó a hacer drag. Todo eso, y que tuve una pareja que hacía drag. En aquella época yo estaba trabajando de bailarina y ella me llevaba a ver sus espectáculos y los de sus amigas, que ahora son mis compañeras.

Entiendo que con la tablas que tenía empezó a crecer poco a poco dentro del mundillo hasta pegar el bombazo en Drag Race, ¿cómo le influyó su paso por el programa?

Este ha sido un año fuerte, sí. El programa se estrenó en septiembre, pero lo grabamos un año antes y tú sabes cómo son esas cosas... Se hacen spoilers y hay cotilleos mucho antes de que empiece a emitirse sobre quién participará. Antes de que se supiese quién iba a estar dentro, yo era de las más rumoreadas en España porque un año o dos antes ya había pegado bastante boom por Madrid, por Barcelona, por Valencia y por ciudades grandes en general. En la escena se me conocía mucho como una de las performers más fuertes. Mi vida empezó a cambiar tiempo antes y pasé de moverme por tres ciudades a actuar por toda España. Y luego ya se estrenó oficialmente, me conoció todo el mundo que no estaba tan dentro quizá de la escena y locura máxima. Va a hacer un año y sigo sin captar muy bien del todo lo que ha pasado.

Volviendo un poco atrás en cosas que me contaba, decía que La Niña Delantro es muchas cosas, pero sobre todo reivindicativa... ¿Cree que hay drag sin reivindicación?

Creo que puede haber una intención o un desinterés por parte del artista porque, al final, esto es un arte escénico que no tendría porqué ir sí o sí de la mano de la reivindicación y de la política. Sin embargo, por mucho desinterés que haya por parte del artista, con el simple hecho de subirte a un escenario a performar con el género y utilizar un arte que desde siempre ha significado algo tan reivindicativo, aunque no quieras indirectamente, ya estás desafiando la norma. Directa o indirectamente, el drag siempre va a llevar toques reivindicativos, aunque no se digan en voz alta.

¿Y siente que esto llega al público? ¿O la gente van más por la performance?

Históricamente, las personas LGTBIQ+ hemos encontrado en el drag nuestro espacio seguro, tanto las artistas como el propio público. El drag no deja de nacer en locales escondidos, ya que la policía no podía saber lo que ocurría ahí dentro. Además, los mariquitas de la época iban, entre otras cosas, porque no tenían dinero para ir a ver a las estrellas. Para ellos, ver a las transformistas era el momento de tener un espacio seguro y de encontrarse con gente como ellos. Era el momento de vivir una realidad que nos estaba quitando la heteronorma. Quieras que no, cuando tú vas a ver un show drag, aunque estés fuera de la onda de la reivindicación o no tengas mucha idea de la historia del travestismo, ya estás haciendo una aportación a eso, porque ya estás reviviendo y apoyando un arte que históricamente es luchador. Por supuesto que hay gente que va a ver un show drag y de repente se queda solo por la fiesta y no hace caso a la travesti y simplemente se aprovecha de sus privilegios, pero quien va a ver un show drag como tal, lo sepa o no, sí que está haciendo a favor de la comunidad.

Hablaba de comunidad, de espacios seguros, de conocer a más gente del colectivo... ¿Es el drag también una manera a autoconocerse?

Sí, por supuesto, para bien o para mal. Yo siempre digo que hacer drag es ridículo y es vulnerable. Tú de repente te subes a un escenario a hacer playback como si estuvieses en las fiestas de tu pueblo, con una peluca y muchas veces con una ropa que parece un disfraz, eso puede hacerte sentir muy vulnerable y muchas veces ridícula y tienes que elevar todo eso al arte, a algo profesional, a una cosa estéticamente artística que no se vea como lo que acabo de decir, una fiesta de pueblo. Para conseguir todo eso tienes que verte en el espejo mucho, tienes que crear un personaje artístico y tienes que escucharte y, por su puesto, conocerte a ti misma. Desde qué música me apetece actuar hasta qué ropa me apetece ponerme, con qué me siento cómodo o cómoda, al final te pones una ropa para el escenario que no te pondrías en tu día a día.

Una pregunta un poco más política. En los últimos años el colectivo LGTBIQ+ ha estado cada vez más presente en los debates institucionales y en las calles, lo que ha hecho que se aprueben leyes y que, para bien o para mal, se hable de ello, ¿vamos hacia adelante o vamos hacia atrás? ¿Cómo valora el panorama actual?

Si nos sentáramos tú y yo a tomar una cerveza en un bar tranquilamente, quizá no te diga lo mismo que te voy a decir ahora, pero nunca en una entrevista pública voy a decir que vamos hacia atrás, porque me parecería pisotear lo que vivieron hace años nuestras antepasadas que lucharon por nosotras. Desde luego tenemos muchísimo avanzado. Lo que pasa es que sigue quedando muchísimo. Estamos más visibilizadas, más normalizadas, pero es que no, la cosa no es estar visibilizadas y estar un poco normalizadas, la cosa es que haya igualdad, que sea una línea completamente recta, no dos líneas y que estemos cerca de las personas cishetero.

Hilando un poco esto con el drag, ¿cómo es trabajar en el mundo de la noche siendo una persona LGTBIQ+?

El mundo de la noche yo creo que cansa, seas LGTBIQ+ o no, porque al final el trabajo es trabajo. Hay quien se pierde y se toma el drag como una fiesta, pero cuando de verdad te lo tomas como un trabajo con el que ganar dinero y con el que profesionalizar tu arte, pues claro, cansa. Y yo no es que se muy fiestera pero, a mis 24 años, de vez en cuando me apetece salir con mis amigas un fin de semana y los tengo todos ocupados. En cuanto a salir a la calle de noche siendo LGTBIQ+, el peligro siempre está ahí. A mí me han pasado cosas como que me han agredido dos veces la misma noche o me han perseguido hasta llegar a casa. Las agresiones siempre están ahí porque el mundo de la noche es peligroso para todo el mundo, pero más si eres una persona visiblemente LGTBIQ+, por ejemplo, en mi caso, drag y mujer trans. Todo esto da miedo y es peligroso, pero encuentras también tus formas de protegerte y tus espacios seguros. Gracias a Dios, últimamente sé rodearme de la gente y de los espacios en los que estoy segura, protegida y no me pasa nada, pero los peligros están ahí y hay que andar con ojo. Y la cosa es que no deberíamos estar andando con ojo y con cuidado y saber por dónde moverte y tal, la cosa es que deberíamos poder ir tranquilas por la calle.

Si pudiera elegir entre mantenerse en el mundo de la noche o que el drag llegue a los teatros y otro tipo de espectáculos de día más a menudo, ¿qué haría? ¿Se cambiaría?

Sí, por supuesto. O sea, gracias a Dios estamos viviendo una época en la que el drag está llegando cada vez a más escenarios y fuera de la noche. Y yo soy una de las afortunadas que ha tenido y tengo bastantes trabajos fuera de la noche. Es otro mundo y por supuesto que me encantaría quedarme en él. Principalmente porque muchas veces, cuando trabajas por la noche, tienes un público que viene a verte a ti y a disfrutar de tu espectáculo como tal, pero también tienes mucha gente que viene a emborracharse y a estar de fiesta, lo que es completamente lícito porque al final es una discoteca y la gente va para eso. Igualmente, ¿dejaría el mundo de la noche completamente y ahora mismo? No, porque de momento sí me gusta, me lo paso bien y es otro tipo de público, otro tipo de números y otro tipo de espectáculos. Pero, por supuesto, ojalá se llevase más al día el drag y a más escenarios que no sean tan nocturnos.

Y ya por cerrar, después de haber tocado varios temas como la performance, lo LGTBIQ+, el mundo de la noche y aprovechando que eres La Niña Delantro, ¿cómo sería su "antro" perfecto?

Mi antro perfecto abriría por la tarde y cerraría de madrugada, pero yo no me encargaría ni de abrir ni de cerrar porque no quiero trabajar tanto (risas). El local por la tarde sería una especie de neocabaret, que es un término que he aprendido en México y que sería como el típico cabaret clásico, pero llevado a la actualidad y a la modernidad. Sería un espacio seguro donde hacer de striptease, de travestis, de espectáculos variados por la tarde y que llegue la noche y sea un fiestón donde se deje a las travestis tranquilas. Por la noche simplemente la gente vendría a emborracharse, a pinchar música chulísima o a hacer otro tipo de espectáculos como conciertos.

El espectáculo de danza Afanador sigue atesorando premios esta temporada al ser la pieza más premiada de los premios Max de las Artes Escénicas, en una gala en la que en el apartado teatral ha destacado Casting Lear, y donde los premios de interpretación han sido para Enric Auquer y Ágata Roca, según informa EFE.

Sobre la 28 edición de los Max, organizados por la Fundación SGAE, que se ha celebrado este lunes en el Teatro Gayarre de Pamplona, ha estado muy presente el recuerdo a Palestina y la guerra, con chapas prendidas de chaquetas y vestidos de los nominados, incluso Marta Torres, de la junta directiva de la SGAE, lucía un vestido confeccionado con dos de ellas.

Natalia Huarte ha sido la encargada de presentar la gala junto a Ana Sagües, Premio Promoción del Talento Artístico, una ceremonia que ha combinado por primera vez español y euskera y a la que ha asistido la Ministra de Inclusión, Seguridad Social y Migraciones de España, Elma Sainz y la directora general del INAEM, Paz Santa Cecilia.

Afanador partía como favorita con ocho nominaciones, y ha recogido cinco, incluida mejor dirección para Marcos Morau, la primera vez que un espectáculo de danza se cuela en esta categoría. La pieza también se ha alzado con el galardón a mejor espectáculo de danza para el Ballet Nacional; mejor composición musical; mejor iluminación y diseño de vestuario.

Juan Cristobal Saavedra, con una bandera palestina en su camiseta, recordó al recoger el premio a composición musical que la próxima representación de Afanador en el Teatro de la Zarzuela será de carácter solidario para recaudar fondos que destinará la ONU en Gaza. No ha sido la única mención al conflicto, el equipo de Fugit, mejor espectáculo de calle ha reclamado solidaridad con el pueblo palestino, mientras que su director ha recordado que no son buenos tiempos para el amor y la esperanza, "pero no queremos rendirnos".

Una derivada de Rey Lear de Shakespeare, Casting Lear ha conseguido dos de los cuatro galardones a los que era candidata. Mejor espectáculo (Barco Pirata, Andrea Jiménez y Teatro de La Abadía) y mejor adaptación (Andrea Jiménez y Juan Mayorga).

Uno de los momentos más emotivos de la noche lo ha protagonizado la actriz Petra Martínez al recoger el Max de Honor para ella y para Juan Margallo, su esposo recientemente fallecido, ambos Premio Nacional de Teatro, de manos de su hija Olga, con el auditorio en pie unido en un largo aplauso. "Es un poco duro para mi porque tengo la lágrima floja", ha dicho emocionada al subir al escenario y ha recordado que cuando recibieron la noticia del premio "estábamos muy contentos (...) porque nos lo dan por 60 años de trabajo". Una profesión que también les hizo vivir la política debido a la censura, pero les hizo viajar a Europa y a América con el grupo Tábano.

"Hemos sido muy felices y se me ha muerto, y se te muere alguien querido y te da rabia, y te cagas en todo lo cagable y en este momento me ha movilizado todo, porque lo peor es para el que se queda", y repuesta de la emoción ha terminado con un "¡viva palestina libre!".

Natural order of things, el espectáculo de danza contemporánea creado por GN/MC, Guy Nader/María Campos, ha conseguido tres Max, a mejor coreografía (Guy Nader y María Campos), además del de mejor intérprete de danza masculino para Alfonso Aguilar y femenino para María Campos, ninguno pudo asistir a recogerlo por estar de gira.

Por otro lado, el actor Enric Auquer se ha alzado con el Max a mejor actor por El día del Watusi mientras que la actriz Ágata Roca lo consiguió en categoría femenina por L'imperatiu categòric. Minutos antes, Cuento de Navidad (encapsulando a Dickens) de Societé Mouffette y COMA14 6 recogió el premio a mejor espectáculo para público infantil, juvenil o familiar.

La manzanita con antifaz de espectáculo revelación ha ido parar a Contra Ana, de La Contraria, que al borde del llanto ha recogido Alba García con una alegato a hablar e las enfermedades mentales. Farra ha conseguido el Max a espectáculo musical, al recogerlo una de sus actrices cantó una de las estrofas más significativas de la pieza. "La palabra fue a la guerra y la consiguió parar", en alusión a la situación mundial.

Un testigo que recogió el presidente de la SGAE Antonio Onetti, que anunció que la gala de los Max 2026 se celebrará en el Teatro Romano de Mérida, "a ver si para entonces tenemos la paz que el mundo necesita". Onetti ha solicitado que se concilien los avances tecnológicos con el respecto a los creadores y la protección de la cultura, en clara alusión a la inteligencia artificial "cuya regulación nos está dando tantos quebraderos de cabeza". "Hay que regular desde un punto de vista ético y responsable y pide que se compensen económicamente" los derechos musicales, audiovisuales y también de las artes escénicas creados mediante IA.

El presidente de la Fundación SGAE, Juan José Solana, incidió en que no están "en contra del progreso, sí de que las máquinas nos sustituyan".

L'alegria que passa de Dagoll Dagom recibió el Max Aplauso del público 2025, un espectáculo con el que la compañía se despide de los escenarios tras 50 años de historia. Anna Rosa Cisquella, productora ejecutiva de la compañía, al recoger el premio pidió más apoyo al teatro musical nacional. El Max aficionado o de carácter social será para Ignacio Aranguren y Vicente Galbete por su trayectoria como docentes del Taller de Teatro Escolar del Instituto Navarro Villoslada de Pamplona

Gorka Urbizu, alma del mítico grupo Berri Txarrak, ha puesto banda sonora a una ceremonia, en la que también ha participado Aurora Beltrán, exlíder de Tahúres Zurdos.

Un álbum de fotos de la Segunda Guerra Mundial nunca antes visto y que fue enviado en 2007 a Rebecca Erbelding, la directora de archivos del Museo del Holocausto de los Estados Unidos. En las imágenes, los oficiales que administraban Auschwitz, el campo de exterminio más letal en la historia de la humanidad, posando despreocupados, rutinariamente felices, ajenos a la tragedia que estaban perpetrando, haciendo gala de una falta de empatía terrorífica.

El llamado álbum Hoecker, con 116 fotografías, recibió este nombre por su propietario, Karl Hoecker, el último ayudante del comandante de Auschwitz-Birkenau. En él se documentaban visitas al campo de concentración, ceremonias oficiales, actividades sociales, momentos de descanso en que hombres y mujeres toman el sol, se divierten… Cuando las imágenes aparecieron en las portadas de los periódicos de todo el mundo, un empresario reconoció en ellas a su abuelo y, al indagar, conoció a otros descendientes de nazis y tuvo que enfrentarse con el pasado de su propia familia.

A partir de esa indagación, Moisés Kaufman y Amanda Gronich hicieron su propia investigación, entrevistaron a familiares y visitaron Auschwitz-Birkenau y Solahutte para escribir Blaubeeren, una obra de teatro documental sobre el Holocausto que fue finalista de los premios Pulitzer y que ahora adapta Sergio Peris-Mencheta al frente de su compañía, Barco Pirata, acompañado por un elenco de ocho actores: Víctor Clavijo, Clara Alvarado, Eric de Loizaga, Nacho López, Irene Maquieira, Natxo Núñez, María Pascual y Paloma Porcel. Desde este 5 de junio hasta el día 29, en la Sala Verde de los Teatros del Canal de Madrid.

"Creo que la obra alerta sobre lo manipulables que podemos llegar a ser todos", resume Clavijo a infoLibre, alertando de que hace un siglo la sociedad alemana compró el discurso de Hitler contra los judíos porque en aquel momento "no tenía la información para darse cuenta de lo que estaba ocurriendo y la deriva que estaban tomando los acontecimientos". "Ahora sí tenemos la información, la cuestión es el peligro de repetir holocaustos y genocidios hoy en día, cuando tenemos toda esa información de lo que ya pasó en los años treinta y cuarenta del siglo pasado", alerta.

"Es trágico tener la información y estar viendo cómo se radia en tiempo real un genocidio, y ver que los que tienen la posibilidad de reaccionar no lo hacen. Pero bueno, ¿qué está pasando aquí?", plantea Peris-Mencheta, director del montaje. "Los que nos dedicamos a las artes en general, en este país por lo menos, tenemos una sensibilidad y tratamos de que encima de un escenario se hable de esto. Es nuestra manera de militar. Y luego, además, somos ciudadanos y tenemos nuestra opinión sobre las cosas, que muchas veces parece que por el hecho de ser conocidos no podemos tener una opinión y expresarla cuando nos preguntan", añade a infoLibre.

Alvarado, por su parte, reconoce que en la actualidad "tenemos mucha información, pero no de las cosas importantes, sino información en general". "Por eso nos perdemos en soplapolleces y tonterías, es como una anestesia. De todo el contenido que puedes consumir o leer, te interesa más lo que le ha pasado a Pepe y a Juana o la vida de otros que cosas que están pasando y te conciernen también como ciudadano del mundo", plantea a infoLibre la actriz, para quien esto es algo "educacional, formativo y un trabajo psicológico personal, una revisión que te puedes hacer en solitario o llamar al psiquiatra o a quien quieras, y preguntarte 'cómo me puedo yo relacionar en el mundo sin sentir que estoy formando parte de esto'". "Todos en nuestro día a día podemos tomar la decisión de hacer un mundo mejor, pero es algo individual", apostilla.

Blaubeeren trae al presente aquellas imágenes de vida alegre en entornos de muerte. Siguiendo de alguna manera la estela de una de las películas más impactantes de los últimos años, La zona de interés, pero no en realidad, pues cuando este proyecto se puso en marcha hace tres años todavía no se había estrenado el film y no sabían nada de él. Y defiende Peris-Mencheta que esta obra aporta una mirada diferente porque no completa lo que hay alrededor de las imágenes de los oficiales alemanes y sus familias, como sí hace el cine. En este caso, defiende, el espectador es quien tiene que poner de su parte, imaginar y completar aquella terrible realidad. 

El Holocausto sobre el escenario en este contexto de auge internacional de la ultraderecha, como ejercicio de memoria y con el teatro de nuevo convertido en vehículo para la reflexión. ¿Qué habría hecho cualquiera de nosotros en aquella Alemania un siglo atrás? "Es que la historia se repite y se va a seguir repitiendo, estamos condenados a entendernos, que es una frase que me gusta mucho. Y hasta que nos entendamos, esta va a ser una condena eterna", destaca Alvarado, mientras Clavijo reconoce que le "flipa que hace un tiempo había un consenso en que lo que era malo, era malo, pero ahora las fronteras son más difusas".

Y continúa el actor: "Antes no había lugar a dudas para calificar el nazismo de nazismo, para calificar el fascismo de fascismo, en la tele y los medios, y eso se ha empezado a romper de alguna manera, la frontera está muy difusa, se le ha quitado valor semántico a ciertas palabras también. Y hay también un acto de rebeldía en la juventud, que es de ser rebelde y punky, con lo que si todo el rato se dice que algo está mal, en este caso ser fascista y ser nazi, muchas veces la juventud dice 'me acojo a esto porque es lo rebelde'. Se ha roto el consenso en algunos medios de comunicación en señalar a lo que realmente es peligroso, se han blanqueado muchas cosas".

Es en este punto en el que advierte Clavijo de que estamos viviendo una situación "muy parecida", por lo que se pregunta "hasta qué punto es necesaria la complicidad de toda la sociedad para que algo así ocurra". "Mucha gente alemana fue cómplice por acción y por omisión, y eso es necesario para que algo de tal magnitud ocurra", destaca, para acto seguido invitar al espectador a preguntarse qué haríamos cada uno de nosotros: "Si la historia te coloca en la Alemania de los años treinta, ¿qué habrías hecho? Habrías sido seguramente parte de la maquinaria. En un momento como el actual, ¿dónde nos coloca como sociedad y seres individuales lo que está sucediendo en Gaza? ¿Hay que pronunciarse? ¿No pronunciarse nos convierte en cómplices?".

Volviendo sobre el auge de la extrema derecha entre los más jóvenes, recuerda Clavijo que el mismísimo Ingmar Bergman pasaba de joven las vacaciones en Alemania y se "dejaba fascinar", pero "entendió más tarde toda la teatralidad de la puesta en escena de los desfiles nazis". "Pero si eres alguien joven, manipulable, con deseo de pertenencia a un grupo, a una tribu, y ves todo este despliegue fastuoso, lo compras", agrega el actor, mientras Peris-Mencheta pone el foco en toda aquella generación a la que el ascenso de Hitler le pilló "en plena adolescencia con mucha necesidad de pertenencia e identidad a través de un movimiento como ese". "Además, la iconografía nazi está muy bien pensada, es muy inteligente", apostilla, remarcando que "estamos muy acostumbrados a la esvástica, pero no solo es la esvástica", pues todo lo que "rodea el culto a la personalidad de Hitler es absolutamente atractivo, igual que lo es a la Falange en este país". 

"Recuerdo de chaval ir con mis amigos a la Puerta del Sol, y justo delante del oso y el madroño siempre había un puesto de Falange. Y yo no paraba por si me captaban, pero era como intentar evitar mirar un accidente, porque iban todos uniformados, vendían llaveros y toda la iconografía de la España preconstitucional", continúa el director, reconociendo que le "atraía" mirar todo aquello, aunque evitaba detenerse ante el puesto: "Creo que todos en algún momento de nuestra vida hemos necesitado pertenecer, y a lo mejor muchos no han tenido el sustento en casa o en la escuela como para poder tener un criterio, sobre todo más jóvenes. Creo que no nacemos malos, que tiene que ver con lo educativo".

Remarca Peris-Mencheta, para terminar, que la información que recibe la ciudadanía "depende mucho de los medios". "Es difícil encontrar, y no es por hacer la pelota, en el caso de infoLibre, un diario digital que no esté pendiente del clickbait y que no necesite el clickbait par poder funcionar", resalta, antes de reconocer que "por desgracia, lo que vemos en la tele es lo que quieren que veamos". "Eso me hace pensar que solo vemos la punta del iceberg. Cuando hablo con gente como Olga Rodríguez, que conoce a los que están trabajando sobre el terreno en Gaza, te preguntas por qué eso no se publica. Pues porque no lo podemos digerir y porque no ayuda al clickbait, no da pasta", remata.

Virginia Woolf publicó Orlando en 1928. Un siglo después, la sexta novela de la escritora británica está más que establecida como un clásico indiscutible de la literatura gracias a la manera en la que aborda temas como la identidad, el género, la homosexualidad o la sexualidad femenina, además del papel de la mujer dentro de la sociedad y como creadora literaria. Una fantasía libre universalmente aclamada y estudiada en las escuelas de todo el mundo.

Por eso llamó más si cabe la atención su vuelta a la actualidad en el verano de 2023, cuando el consistorio de Valdemorillo (Madrid) decidió cancelar su representación nada más tomar Vox posesión de la Concejalía de Cultura, alegando que no era "conveniente el contenido de la obra, en la que un hombre se convierte en mujer". Pasmo generalizado, principalmente en la compañía Teatro Defondo, que había hecho más de un centenar de funciones por toda España , en casi todas las comunidades autónomas, con multitud de premios a nivel nacional y nominada como finalista en los premios Max.

Hay por eso que es un acto de justicia poética ahora la llegada de Orlando al madrileño Teatro María Guerrero del Centro Dramático Nacional, en esta ocasión en un nuevo montaje coral, que roza lo operístico, con dirección de Marta Pazos y dramaturgia conjunta de la creadora gallega y Gabriel Calderón, que puede disfrutarse desde este mismo 25 de abril hasta el 8 de junio. "La semana pasada le partieron las piernas a una persona y la tiraron a un río", ha recordado Pazos en relación al asesinato de Sara Millerey, una mujer trans así asesinada en el municipio colombiano de Bello, en Antioquía, para reafirmar la vigencia de esta obra atemporal.

"Como artistas, es muy importante que seamos testigos de nuestro tiempo. No operamos a corazón abierto, fabricamos el alimento del alma. En tiempos de oscuridad, es muy importante y un servicio público construir espacios de libertad, de pensamiento crítico y de esperanza", plantea Pazos, antes de añadir: "Eso es nuestro montaje, un espacio de posibilidad". No en vano, así retrata Woolf a su Orlando con apenas una decena de palabra: "Same person. No difference at all. Just a different sex" ("La misma persona. Ninguna diferencia. Solo diferente sexo").

Once intérpretes dan vida sobre las tablas a la historia de Virginia Woolf y han colaborado en la creación del espectáculo. Laia Manzanares interpreta al personaje protagonista de esta historia, mientras Noe Albert encarna al héroe masculino, Shermeldine, y Abril Zamora se convierte en la figura de la biógrafa y personifica en escena a la propia escritora británica. El resto del reparto en escena está formado por Anna Climent, Alessandra García, Jorge Kent, Paula Losada, Paco Ochoa, Mabel Olea, José Juan Rodríguez o Alberto Velasco.

Precisamente Zamora remarca que para ella, "como persona que pertenece al colectivo trans, poner sobre las tablas la identidad de género de manera tan bella es un regalo", máxime en un momento en el que se encadenan las "noticias terroríficas sobre recortes de derechos". "El teatro es arte, pero también es política, y hay mucha política dentro del montaje de Marta", añade, admitiendo a su vez que no conocía este texto, que le parecía "un hueso al principio", pero terminó hipnotizándola hasta conseguir que entrara a fondo en sus reflexiones por la "naturalidad" y sencillez con la que se tratan temas tan "complejos".

Continúa la intérprete explicando que Orlando cambia de género a mitad de la novela, pero no se le da "ninguna importancia", porque se habla de que "cambia su porvenir, pero no su identidad". "Hablar de estos temas de una manera tan orgánica y tan natural es lo que puede hacer que la gente entienda que puedes ser quien quieras ser y eso no afecta absolutamente a nadie", destaca a infoLibre, al tiempo que se posiciona contra la censura que vivió Orlando hace dos años por culpa de Vox: "La censura la voy a ver mal siempre de cualquier manera. Por eso es muy bueno aprovechar estos lugares para poder hacer este tipo de obras".

Y todavía prosigue: "Creía que levemente estábamos avanzando hacia delante, pero este año da una sensación muy desoladora con todo lo que está pasando, y ya ni hablar de Estados Unidos. Parece que estamos yendo para atrás. Por eso, a quienes quieran censurar esta obra les diría que, si les molesta la identidad de la gente y la felicidad ajena, realmente tienen que empezar a escarbar dentro de ellos para ver qué es lo que hay ahí. Que vayan a terapia al psicólogo. ¿Qué más te da lo que haga una persona o no? ¿Por qué no protegemos a la gente que simplemente están existiendo sin hacer daño a nadie? Si eso te está generando un conflicto, creo que tendrías que empezar a mirarlo. Miremos cada uno nuestras propias cosas y salgamos adelante".

Para Pazos, por su parte, la identidad es un tema de "largo recorrido", por lo que es "muy importante que se traigan al presente y se estén haciendo todo el tiempo obras que han cambiado el curso de la historia, como esta, y que han proporcionado una idea de libertad y de otros mundos posibles dentro de este mundo de locos en el que estamos viviendo". "Es muy necesario que estas obras no caigan en el olvido. Me parece importante tener esa conexión con el legado y seguir trayéndolas desde otras ópticas, como se ha hecho en estos cien años con diferentes montajes", defiende, mencionando especialmente la versión cinematográfica que rodó Sally Potter en 1992, con Tilda Swinton como protagonista: "Me marcó mucho en mi adolescencia. Resiste muy bien el paso del tiempo porque fue muy vanguardista en aquel momento".

Es por ello que, en opinión de la directora, Orlando nos sigue dando un "mensaje de libertad total, de mucha conexión con la intuición con una misma, con ese espíritu de aventura". Al mismo tiempo, destaca, aboga también por la "transformación, sea de la índole que sea, porque parece que al hablar de transformación todo se focaliza en una sola dirección, cuando realmente somos seres que nos estamos transformando todo el tiempo, que vivimos en una piedra que se está transformando todo el tiempo". "Es de grandísima inspiración prestar atención a esto de una manera rotunda pero delicada, como hace Virginia Woolf", apostilla.

"Hay que hablar de este tipo de temas, hay que hablar de esto, no solo en el teatro, para apartar al máximo las cosas negativas y no dar voz a según qué discursos tan destructivos", reivindica Zamora, al tiempo que ensalza el "poder" del teatro para llegar a a todo tipo de público: "Hay mucha gente que solo tiene la tele como ventana al mundo exterior, porque a lo mejor no está en unos círculos donde hay gente diversa. Por eso, tenemos que facilitar el camino para que estas personas vean ese tipo de historias. Creas o no en la identidad, en el género, creo que va a ser una función que te va a tocar en algún lugar".

Pau Casals se encontraba en Prades, al sur de Francia, exiliado de la Guerra Civil española, cuando recibió una invitación de esas que aparentemente no se pueden rechazar para actuar delante de Adolf Hitler. Fue durante la Segunda Guerra Mundial, en 1943, con el país galo ocupado por los nazis. No era la primera vez que se negaba, pues ya previamente había rechazado la invitación de Wilhelm Furtwängler para tocar con la Filarmónica de Berlín para la temporada de 1934 por culpa de la llegada al poder del líder fascista. Su decisión estaba tomada y era inamovible: no y mil veces no. No volvería a tocar en Alemania mientras "su vida musical no sea libre".

Por aquel entonces, Pau Casals (Vendrell, Tarragona, 1876 - San Juan, Puerto Rico, 1973), que contaba con 66 años, estaba alojado en Villa Colette, en Prades. Desde allí había volcado sus esfuerzos en ayudar a miles de compatriotas, también forzados a abandonar España y hacinados en campos de trabajo cercanos. Los nazis vigilaban a Casals, convertido en enemigo del régimen por su reiterada negativa. En las investigaciones realizadas sobre ese periodo se afirma que oficiales alemanes visitaron al músico para proponérselo de nuevo. Pero, efectivamente, otra vez Casals se negó, esta vez pretextando un reumatismo. No y mil veces no.

Este momento concreto y tan simbólico del violonchelista y director de orquesta, uno de los músicos más destacados del siglo XX, lo han convertido Juan Carlos Rubio y Yolanda García Serrano en la obra teatral Música para Hitler, que se representa en la Sala Roja Concha Velasco de Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid del 2 al 20 de abril. "Él dice 'no' a Hitler, y esa es una llamada a su dignidad, a no caer en apoyar algo que abomina", remarca Rubio a infoLibre. "Deberíamos también nosotros saber a muchos niveles a lo que decimos que no y, sobre todo, a lo que decimos que sí, especialmente en las urnas. Deberíamos saber muy bien lo que estamos votando y asumirlo. Y no votar por rabieta, por castigo, sino pensando claramente lo que estamos votando porque podemos desencadenar verdaderas catástrofes por la frivolidad de ciertas decisiones que marcan profundamente la historia", añade el dramaturgo y director.

"Pau dice en un momento de la función que sus únicas armas son la batuta y el violonchelo", tercia Carlos Hipólito, convertido en el importante músico sobre las tablas compartiendo elenco con Kiti Mánver -su pareja—, Marta Velilla -su sobrina- y Cristóbal Suárez—el oficial nazi-. "Casals utilizó esas armas haciendo conciertos para recaudar dinero en ayuda de los refugiados, para luchar por la paz, para denunciar las barbaridades y los atropellos que se cometían dentro de los regímenes dictatoriales. Eso es convertir la música en un arma. Además, consiguió que ante la postura supremacista de los alemanes de que sus músicos eran los mejores del mundo, cada vez que él tocaba una suite de Bach -a quien, como Hitler, adoraba- se convirtiera aquello en un acto de libertad y no en una proclama nazi", apunta a infoLibre el actor.

De esta manera, Serrano y Rubio recrean hechos reales enriquecidos desde la ficción y plantean los conflictos íntimos que brotan a partir de la disyuntiva que se le presenta al personaje del músico, que sabe que negarse a actuar ante Hitler podría acarrearle terribles consecuencias, y confrontan su posición con la del militar, un violoncelista convertido en soldado, que se debate entre la admiración absoluta hacia su ídolo Casals y su deber como oficial del Tercer Reich. En torno a ellos, actúan el personaje de la pareja del músico, exalumna suya, y que no puede casarse con él, porque la esposa del artista no le concede el divorcio, de manera que mantienen la relación en secreto. Y la sobrina del violonchelista, que le acompaña también en el exilio y admira a su tío, e insiste en sacarlo del Prades, ante la amenaza que representan los nazis.

Una amenaza muy presente en este momento del siglo XXI, tan parecido en sus tiempos a los años veinte del pasado, con la ultraderecha en auge en los parlamentos e incluso en no pocos gobiernos. "Mucha gente disfrazada de nazis", con Elon Musk haciendo el saludo romano en la proclamación de Trump como presidente de Estados Unidos, "aunque cada vez se disfrazan menos", resalta Hipólito. "Antes les daba más pudor expresarse así, pero ahora con esta especie de aquiescencia generalizada a este tipo de posturas, cada vez van perdiendo más ese pudor y se van mostrando de una manera más descarada", plantea, afirmando que "sería estupendo que se destaparan del todo para que mucha otra gente se diera cuenta de lo que defienden".

Y todavía prosigue el intérprete: "Sería también estupendo que este 'no' de Pau Casals al ejército nazi y a esa invitación a tocar en un acto a mayor gloria del Führer, sirviera para que a través de las armas que tenemos ahora, que son nuestros votos, apostemos por posturas que no valoren este tipo de políticas. Porque estamos asistiendo a una proliferación de partidos en el mundo entero muy nostálgicos de estos regímenes dictatoriales y de sus valores, y si llegaran al poder podría suponer un recorte enorme de derechos y libertades que no nos deberíamos permitir. Esto no lo digo yo, lo dicen grandes pensadores: está en peligro la democracia. Y la democracia seguramente tiene muchos defectos, pero también seguramente sea el menos malo de los regímenes posibles".

Igual opina Rubio, para quien "hay que estar alerta" porque todo lo que sucedió un siglo atrás "está volviendo a pasar ahora". "A veces no es necesaria una esvástica en la ropa, es peor la esvástica tatuada en la mente de mucha gente que está ahí", alerta, confiando en que el teatro, como en tantas otras ocasiones, "sirva para despertar a los espectadores en muchos aspectos". "Esta es una obra de rabiosa actualidad que siempre estará de actualidad, porque la historia es cíclica, pensamos que hemos llegado a un lugar y de repente la condición humana nos lleva a dar pasos hacia atrás. En general, la especie humana va mejorando, pero nos cuesta mucho trabajo no repetir errores. En este siglo estamos repitiendo bastante el esquema del siglo pasado, de los años veinte y treinta, con lo cual esta obra llega en un momento importante", argumenta, mientras Hipólito pone el foco en todos esos niños y jóvenes que ahora "opinan que Franco lo hizo muy bien".

"¿A estos niños no les han contado que Franco firmó tantas sentencias de muerte, ejecutó a tanta gente, que maltrató, torturó y abusó de los vencidos simplemente porque pensaban diferente?", lanza a modo de pregunta retórica antes de contestarse a sí mismo apesadumbrado: "A esos chicos no se les está contando eso y da mucho miedo. Pensábamos que, bueno, esto no iba a pasar, pero de repente nos podemos dar cuenta de que con nuestro voto, o mejor, con nuestra falta de voto, hemos permitido que se repita". Y toma de nuevo la palabra Rubio yendo más allá: "A esta gente que dice que con Franco se vivía mejor la mandaría en una cápsula atrás en el tiempo con Franco, con Hitler, con cualquier dictador de cualquier ideología, para que viviesen unos cuantos días a ver qué cabeza y qué mensaje traían después de eso. Hay que saber diferenciar las cosas. Por eso es tan interesante ese momento concreto de la vida de Pau Casals, un hecho determinante, una anécdota que engloba toda una vida y una manera de entender su arte, su trabajo, su música y su dignidad".

“El individuo humano no tiene que estar anclado a nada, el que está estacionado no crea nunca. Soy libre, tengo alas, unas alas muy bellas y muy tenues. Yo casi no necesito avión, vuelo por el mundo, y ahí sueñas y ahí creas. Hay que romperse el alma para poder crear, no es fácil, no se da todo de un día para otro, la vida es un parto eterno, pero así es". Palabra de Chavela Vargas. Poco más se puede añadir, en realidad está todo ahí, pero siempre se puede escarbar un poco más en busca del tuétano de la existencia misma.

Eso fue lo que la icónica artista mexicana hizo en vida y sigue haciendo desde donde quiera que esté a través de dos cantantes reconvertidas en actrices: Rozalén y Nita (exvocalista de Fuel Fandango). Ambas protagonizan —en días alternos, consultar cartelera— un musical que no es un musical al uso, más bien un montaje teatral, en el que la música en cualquier caso, por supuesto, cataliza todas las emociones. Un viaje con amor, muerte, dolor y vida, mucha vida, que arranca desde ya hasta el próximo mes de mayo en el madrileño Teatro Marquina. Su título, claro: Chavela.

"La única manera de llegar a la verdad de Chavela es cantar las canciones que cantaba ella, y hacerlo intentando transmitir muchísimo desde cada una de nosotras, no desde ella", destaca a infoLibre Rozalén, para quien esta producción es "una celebración de la vida y de la muerte" con dos protagonistas "gigantes" que representan ambos extremos: Chavela y La Pelona. "Muerte, violencia en la infancia, lucha LGTBI, alcoholismo, adicciones...", enumera la albaceteña, colocando el amor por encima de todos los temas y las emociones que se congregan en escena: "Ella era la más macha entre los machos, ejercía la libertad, era amor y desamor todo el rato y amaba muy fuerte. Por eso cantaba así y por eso es imposible que no te toque algo el corazón".

"Chavela no se puede explicar con palabras, tiene más que ver con lo trascendental, con lo que no es terrenal. Cosas de los espíritus, de las personas iluminadas y los artistas que transmiten las emociones de una manera brutal", tercia Nita, en otro intento imposible de explicar lo inexplicable y así está bien. Pero insiste en buscar una explicación para infoLibre, tal es su dedicación: "Cuando cantaba tenía una verdad en la garganta, las tripas y el corazón que hacía que se te cayeran los lagrimones. Eso no se puede aprender. Y por eso yo siento en esta obra mucho calor, mucho fuego, mucha energía, mucho espíritu, mucha verdad y mucha alegría".

Escrito y dirigido por Carolina Román y con dirección musical de Alejandro Pelayo (mitad de Marlango), este montaje cuenta también con la histórica de las tablas Luisa Gavasa interpretando a la Chavela que, en el umbral de la muerte en su casa de Teploztán (México), recorre una vida de luces y sombras, de alegrías y tristezas. El elenco lo completan Paula Iwasaki, Raquel Varela y Laura Porras y así, entre todas, nos enseñan a través de María Isabel Anita Carmen de Jesús Vargas Lizano, pues así se llamaba, a mirarnos en su espejo libre y rotundo. Contemplando y comprendiendo cómo fue viviendo, cómo va muriendo y como está, a través de sus recuerdos, haciéndose eterna.

"Ha conseguido calar tan hondo en las personas que la admiraban y la escuchaban, que solo poner una canción de Chavela te remueve las entrañas y hace que se te caigan las lagrimas", remarca Nita. "Es imposible que Chavela muera nunca, porque es una energía tan potente, tan honesta y tan de verdad es para siempre", continúa. Y Rozalén apostilla: "En las ciudades en las que hemos estado antes, el público llora desconsolado más que por Chavela por las cosicas de cada uno. Porque ella canaliza las emociones para sacarlas afuera. ¿Cuánta gente no saca sus mierdas? Ahí hay un problema y verbalizarlo es un gran paso".

"Era una criatura celestial, mágica, que vino a este mundo a enseñarnos verdades como puños. Era una chamana, una visionaria que tomó la libertad como bandera", remarca Carolina Román, quien decidió ahondar en esta historia tras conocer a María Cortina, una de las mejoras amigas de la artista y heredera de sus derechos universales, preguntándose a su vez qué es lo que hay detrás del mito. Y se responde a sí misma: "El desgarro con el que cantaba para hacernos llorar a nosotros". 

"Carolina Román es una mujer feminista, comprometida, que entiende perfectamente la lucha de las mujeres y la pone en el escenario al servicio de Chavela", afirma Nita, poniendo el foco en el plantel absolutamente femenino de actrices, en el que Alejandro Pelayo, pianista y director musical, es el único hombre. "Es una obra con mucha hermandad, interpretada por mujeres que hacen incluso los papeles masculinos. Por eso se siente desde el primer momento una energía femenina brutal en el escenario, porque además somos mujeres con un rango de edad muy amplio, desde Laura que tiene 22 hasta Luisa que tiene casi 74", apunta la vocalista.

En esta línea, Gavasa asegura que ella es completamente opuesta a Chavela en muchas cosas, pero encuentra acto seguido un nexo incuestionable: "Yo soy una mujer feminista que también tuvo que andar demostrando todo el tiempo que servíamos. Además, a mi edad veo la muerte más cerca y este papel me ha hecho enfrentarme a ello de una manera gozosamente dolorosa". Algo que también le ocurre a Nita con esta obra que "celebra la muerte y se vive en esa belleza", lo cual le está ayudando a "intentar poco a poco" acercarse a ese último desenlace vital "desde otro punto".

"En cuanto empiezas a rascar sobre la vida de Chavela ves que le pasaron cosas que rozan lo místico. La rescataron unos indígenas y la nombraron la última chamana, tuvo unos sueños que luego sucedieron... o te lo crees o no te lo crees, pero es más bonita la vida creyendo en esto", termina entre risas Rozalén, entregada al mito. Puestos a creer en algo, no parece mala opción creer en la inmortal mexicana. Y es que, como bien canta Joaquín Sabina, "¡quién supiera reír como llora Chavela!"

La Olimpiada Popular de Barcelona tenía prevista su celebración del 19 al 26 de julio de 1936 como protestaa nte los Juegos Olímpicos de Berlín que Hitler iba a utilizar para ensalzarse a sí mismo. El recientemente electo gobierno de la Segunda República española, del Frente Popular, decidió no participar en los juegos de la Alemania nazi, por lo que decidió no enviar los representantes de España y apoyar en su lugar un evento deportivo alternativo. Sin embargo, finalmente no pudo llevarse a cabo dado que el 18 de julio tuvo lugar el levantamiento militar fascista que daría inicio a la Guerra Civil en nuestro país (y Hitler, a los pocos días, saludando desde el palco).

Este es el inicio exacto de 1936, el nuevo montaje teatral que se estrena este viernes en el madrileño Teatro Valle-Inclán del Centro Dramático Nacional, donde permanecerá hasta finales de enero de 2025. Una residencia de dos meses ya con las entradas agotadas en taquilla para todas las funciones, un hito que es a su vez un mensaje para todos esos que tanto se quejan de que los 'titiriteros' están siempre a vueltas con la Guerra Civil: interesa y mucho. Porque la Historia, además, hay que contarla bien.

"El miedo a volver y el no querer mirar atrás siempre está presente en la gente que venció", apunta a infoLibre el director del montaje, Andrés Lima, hablando de una probable "vergüenza escondida" en el bando ganador de la guerra por el "hachazo brutal" que supuso para la evolución de un país en ebullición cultural, científica y social durante la Segunda República. "Para ellos, hay cosas que no conviene remover para que no sean cuestionadas", apostilla.

Y aún continúa: "Eso ha sucedido durante muchos años. Tras la muerte de Franco se empezó con la memoria histórica y cuando llegó el intento de golpe de Tejero hubo un frenazo. Los historiadores se quejan de la dificultad para acceder a los archivos oficiales de la época, los militares y policiales, pues muchos han desaparecido por el tiempo o porque se les ha hecho desaparecer para no señalar muchas de las atrocidades que sucedieron. Por eso, este montaje es un gran ejercicio de memoria histórica y, sobre todo, un gran espectáculo, en la línea del cine de acción antibélico de películas bélicas".

El propio Lima firma el texto junto a un equipo de lujo integrado por Albert Boronat, Juan Cavestany y Juan Mayorga. En el elenco encontramos a ocho intérpretes haciendo varios personajes: Antonio Durán 'Morris' (Queipo de Llanos, Obispo Antonio Montero, Nicolás Franco), Alba Flores (La Pasionaria, General Rojo, Mika Etchebéhère), Natalia Hernández (Yangüas Messía, Cardenal Gomá, Señora Guerra), María Morales (Manuel Azaña, Largo Caballero, Clara Campoamor), Paco Ochoa (Pau Casals, George Orwell, General Mola), Blanca Portillo (José Antonio Primo de Rivera, Von Richthofen, Rosario La Dinamitera), Guillermo Toledo (General Yagüe, Alfonso XIII, General Miaja) y Juan Vinuesa (Francisco Franco, Norman Bethune, Ramiro de Maeztu). 

La aportación de Coro de Jóvenes de Madrid da profundidad a un espectáculo con música de Jaume Manresa en el que suenan Celia Gámez, los Clash o Beethoven. "El magnífico coro canta la guerra y a su vez es nuestra mirada contemporánea pues, al estar formado por jóvenes entre 18 y 23 años, cuentan lo que sucedió pero al mismo tiempo son espectadores. El coro es la manera de dialogar del pasado y el presente continuo que tiene la función, donde todo lo que pasó tiene ecos hoy", apunta Lima, quien trata de resumir en muy poquitas palabras qué es 1936: Una obra sobre la Guerra Civil, un intento de contar un paisaje completo desde el 18 de julio de 1936 hasta el 1 de abril de 1939, haciendo un flashback a la Segunda República para investigar las causas del golpe de Estado y el nacimiento del fascismo en España".

Durante cuatro horas de función, 1936 trata de superar la dicotomía de vencedores y vencidos para entregar al espectador una mirada analítica, crítica y documental. Ese ha sido el empeño durante todo el profuso trabajo de documentación, en el que han participado reconocidos historiadores como Paul Preston –"he hablado con él muchas veces", apunta Lima–, Ángel Espinosa, Ángel Viñas -"un grande, que nos ha hablado mucho de cómo fueron las conspiraciones para alimentar de dinero el golpe de Estado", revela-, Mirta Núñez, Verónica Serrada o la experta en milicianas Tània Balló. También Mario Gas y Emilio Gutiérrez Caba han ayudado con sus conocimientos sobre el teatro durante la Guerra Civil: "Porque durante la contienda hubo muchísimo teatro y muchísimo cine, y la gente necesitaba ir a los espectáculos aunque de vez en cuando soportaran las sirenas de los bombardeos. En Madrid, Barcelona, Sevilla o Bilbao siguieron funcionando los teatros a pleno rendimiento hasta que llegaban los franquistas".

1936 intenta, a su vez, contestar multitud de interrogantes: ¿Qué se siente bajo un bombardeo, refugiado en una estación del metro, junto con tus vecinos, que posiblemente te denunciaran por tus ideas?, ¿qué se siente huyendo por una carretera de Málaga mientras la armada alemana y los aviones italianos exterminan a heridos, ancianas y niñas y niños?, ¿qué se siente tomando la decisión de arrasar Guernica?, ¿cómo se vive en una trinchera a la espera de la muerte?, ¿qué es un paseo?, ¿qué es el terror? Para dar con las respuestas hay "mucho relato ficcionado de la guerra" pero, por encima, "están las palabras de los propios protagonistas" porque, para el director, "no hay más que dejar hablar a José Antonio Primo de Rivera para saber cómo fue el nacimiento en este país del fascismo". "No hace falta más que escuchar a Franco o al general Mola para saber cómo se instauró una política de terror en la guerra y en la posguerra. Al mismo tiempo, es una delicia escuchar la reflexión dolorosa que el presidente de la Segunda República, Manuel Azaña, hace sobre España y sobre la guerra", subraya.

El teatro al rescate, en definitiva, en estos tiempos desconcertantes en los que la ultraderecha y los discursos de odio experimentan un auge importante principalmente por desconocimiento de las nuevas generaciones. El teatro al rescate como también lo hacen la literatura, el cine o los documentales. Cualquier herramienta es buena para que prevalezcan la cultura y la Historia. Por eso defiende Lima que "una obra de la Guerra Civil siempre es oportuna". Por eso y porque siempre "molesta" a los mismos, a los que llevan "muchos años contando la historia de la Guerra Civil desde el punto de vista de los vencedores". A ellos es a quienes "más les cansa o les puede molestar" que se sepa que "no todo fue tan bonito como ellos dicen". "El teatro siempre es, ha sido y será un espejo que nos plantea muchos preguntas, como cada vez que nos miramos nosotros en un espejo y vemos el paso del tiempo o vemos nuestra crispación, nuestro dolor o nuestra alegría", apostilla el director.

En ese espejo, como en una especie de regreso al futuro es importante fijarse en los líderes políticos actuales para comparar lo que dicen con lo que dijeron otros un siglo atrás. Con las palabras que llevaron a un país a una guerra civil de tres años y a una dictadura de casi cuarenta. Eso es exactamente lo que ha hecho el equipo de 1936: "El Parlamento donde fue atacada la democracia parlamentaria que había en España, que era muy rica e interesante en aquel momento, tenía sobre la mesa prácticamente los mismos temas que sigue teniendo ahora. En ese sentido, parece que no hemos avanzado mucho. Es más, en muchos casos las reformas de Azaña, como la reforma agraria, la del ejército o las de la mujer en aquel momento, iban proporcionalmente mucho más lejos que ahora".

En esta línea, remarca que actualmente "la gente más de derechas sigue hablando de la influencia espantosa de los nacionalismos, cuando ya el estatuto catalán y el vasco estaban otorgados". "Las situaciones y los careos políticos son muy parecidos", prosigue en su comparación, que le lleva a constatar que "Vox y los partidos de ultraderecha del resto del mundo tienen un discurso que, aún siendo totalmente diferente el marco, igualmente recurre a la amenaza del comunismo, la amenaza a la familia o la amenaza de la inmigración, aunque esto es más moderno". "El discurso xenófobo, homófobo y ultra de que hay que descansar en un poder fuerte que nos proteja de todos estos males sigue siendo muy parecido", subraya.

Por fortuna, a pesar del parón y el retroceso que supuso la victoria del franquismo, España ha cambiado mucho desde entonces, hasta el punto de no tener prácticamente nada que ver al ser un país totalmente desarrollado que ya dejó atrás la miseria y las altísimas tasas de analfabetismo de aquel entonces. Eso sí, no puede evitar Lima cierta nostalgia de un futuro que nunca ocurrió: "A mí me hubiera gustado saber qué hubiera pasado si no hubiera habido un golpe de Estado ilegal. ¿Cómo hubiera progresado España? Porque la Segunda República fue un momento de eclosión cultural y científica increíble. El retraso que supuso Franco es algo que todavía nos duele".

Después de estos dos meses triunfales en Madrid, 1936 saldrá de gira a Sevilla, Bilbao, Pamplona o Canarias, entre otros lugares, tal y como adelanta su director. "Uno de mis sueños es poder hacer una campaña universitaria o incluso escolar por institutos. Eso sería muy bonito", confiesa, dejándose llevar por ese ímpetu divulgador y teatral que está en la esencia misma de este montaje: "Posiblemente no tengamos nuestra Historia tan clara. Es importante hacer teatro en general, y es fundamental hacer teatro sobre el suceso histórico y vital más importante que ha ocurrido en este país, que fue el hachazo del golpe de Estado y la posterior Guerra Civil. Es necesario conocer nuestro pasado para saber cómo somos, y sobre todo para saber cómo podemos llegar a ser en el futuro. Algunos de los espectadores que ya han visto la obra nos cuentan que es como un viaje en el tiempo y, a la vez, como estar viviendo lo que pudo llegar a ser la Guerra Civil. Eso es muy emocionante".

El Tribunal de Roma emitió este viernes una sentencia en la que no considera válida la retención de 12 migrantes trasladados a Albania, como parte del pacto de Italia con Tirana que externaliza al país balcánico su gestión migratoria, y ordenó su salida del centro de internamiento y su vuelta a Italia, informa EFE.

El fallo fue emitido por la sección de Inmigración del tribunal de primera instancia de Roma, que estableció que la docena de migrantes que siguen internados en el centro de retención de Gjader tienen que ser trasladados a Italia y no pueden permanecer en suelo albanés.

"Los dos países de donde proceden los inmigrantes, Bangladesh y Egipto, no son seguros", sentenció el panel de jueces de Roma, en línea con un fallo del Tribunal de Justicia de la Unión Europea (TJUE), que ponía en cuestión este sistema de traslado de personas por parte de Italia a Albania, un país que no forma parte de la UE.

"Las detenciones no fueron validadas en adopción de los principios vinculantes para los jueces nacionales y la propia Administración, enunciados por el reciente fallo del TJUE", agregaron los jueces. Según medios locales, los migrantes serán devueltos mañana a territorio italiano.

El Gobierno italiano de Giorgia Meloni envió esta semana a Albania a un primer grupo de 16 migrantes rescatados en el Mediterráneo, poniendo en marcha el acuerdo para la externalización a territorio albanés de las gestiones de recibo, petición de asilo y posible expulsión de los migrantes que buscan llegar a territorio italiano.

Este primer grupo de migrantes -todos de Egipto y Bangladesh- fue transportado a Albania por la Marina italiana y pasó los trámites pertinentes en los dos centros de recepción y retención que Italia alzó en territorio albanés y se encuentra bajo su jurisdicción.

Tras llegar a Albania ya se determinó que cuatro de los 16 migrantes debían ser enviados a Italia por tener perfiles vulnerables, ya que se estableció que menores, personas de países considerados como no seguros o con otras vulnerabilidades no podrían ser llevados a Albania.

El ministro del Interior de Italia, Matteo Piantedosi, aseguró que el Gobierno seguirá adelante con su plan de externalización migratoria en Albania, pese al fallo de la Justicia y anunció que apelarán la sentencia.

"No solo iremos adelante con los recursos judiciales, sino que seguiremos adelante también con estas iniciativas porque desde el 2026, aquello que Italia está realizando en Albania, y no solo, se convertirá en derecho europeo", dijo Piantedosi durante una rueda de prensa en la cumbre italo-francesa sobre migración que se celebra en la ciudad italiana de Ventimiglia, en el norte de Italia.

El primer ministro polaco, Donald Tusk, defendió este domingo su plan de suspender temporalmente el derecho de asilo para luchar contra la inmigración ilegal en el marco de su nueva estrategia de política migratoria que tiene previsto presentar el próximo martes en el Consejo de Ministros., informa EFE.

"En mayo se introdujo en Finlandia una suspensión temporal de las solicitudes de asilo. Se trata de una respuesta a la guerra híbrida declarada a toda la Unión (incluida, sobre todo, Polonia) por los regímenes de Moscú y Minsk, que implica la organización del tráfico masivo de personas a través de nuestras fronteras", dijo en un mensaje en Twitter.

Afirmó que "el derecho de asilo está siendo instrumentalizado en esta guerra y no tiene nada que ver con los derechos humanos". "El control de las fronteras y la seguridad territorial de Polonia han sido y serán nuestra prioridad. Nuestras decisiones y acciones estarán absolutamente subordinadas a ello", añadió. Unas declaraciones que llegan después de que el primer ministro había anunciado el sábado durante un congreso de su Plataforma Cívica su intención de suspender temporalmente el derecho de asilo.

"Si yo, por ejemplo, hoy digo en voz alta que uno de los elementos de la estrategia de migración será una suspensión temporal del derecho de asilo, y que exijo el reconocimiento en Europa de esta decisión, es porque sabemos muy bien cómo lo utilizan (los presidentes bielorruso, Alexandr) Lukashenko, (ruso, Vladímir) Putin, los contrabandistas, los traficantes de personas, cómo se utiliza este derecho de asilo precisamente en contra de la esencia del derecho de asilo", declaró. Agregó que al invertir tanto en defensa y en seguridad, Polonia se está convirtiendo también en un lugar atractivo para que los propios polacos quieran regresar.

Asimismo se refirió al anterior ejecutivo de Ley y Justicia (PiS), al que acusó de ser "el gobierno más promigración, en términos de migración ilegal, de Europa". "Ningún gobierno en Europa lo ha hecho tan mal, desde el punto de vista de la seguridad de su pueblo, pero también de las fronteras de la UE, como el PiS en Polonia. Y lo ha regado con una salsa de nacionalismo y desprecio a los demás pueblos", añadió, y aseguró que el actual gobierno está haciendo "exactamente lo contrario". "En el centro de nuestra política migratoria está velar por la seguridad de Polonia", enfatizó, citado por la agencia PAP. EFE

Núria Espert (Hospitalet de Llobregat, 1935) recibirá formalmente el próximo 8 de octubre el Premio a Toda una vida profesional de la Fundación MAPFRE de manos de la reina Sofía en el Casino de Madrid. Un nuevo reconocimiento que sumar a su interminable lista, que incluye el Premio Princesa de Asturias de las Artes, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes o este mismo año el Premio Max de Honor. Una vida dedicada íntegramente a la interpretación y la dirección en teatro, cine y ópera, que no solo no se detiene, sino que tiene continuidad en diciembre en los Teatros del Canal de Madrid con Todos los pájaros, de Wajdi Mouawad, una historia de amor con tintes de tragedia clásica protagonizada por parejas de jóvenes chicas y chicos israelíes y palestinos.

"Estamos muy ilusionados con la obra, que nos gusta mucho y es muy difícil porque los textos son largos y profundos", anticipa a infoLibre la actriz, quien habla de Mouawad como "el mejor autor de los nuevos tiempos". "El tema es como para echarse a temblar, con judíos y palestinos, pero los conflictos son humanos y transcurren al mismo tiempo que el mundo está explotando. Es muy hermoso y muy divertido, aunque parezca extraño. ¿Cómo puede ser? Wajdi consigue arrancar unas sonrisas que ayudan muchísimo a la comprensión, porque en este texto se busca y se encuentra lo mejor que hay en el interior de las gentes", destaca.

Y es que, para la artista catalana el teatro siempre intenta hallar lo mejor del ser humano, aunque otra cosa es que pueda conseguirlo. "Ojalá. Queremos y creemos eso, absolutamente", afirma, lamentando, eso sí, que "cuanto más te enteras de las noticias y las cosas en las televisiones, los periódicos o las radios, y más aprendes a saber quien es quien, más teatro del malo te parece estar viendo". "Porque hay gente tratando de hacer teatro, pero no le sale. Teatro del malo, que lo hay", denuncia, para acto seguido reivindicar: "Por eso, hay que tratar de reencontrar ese buen teatro que nos gusta tanto y que hacen los buenos actores, el que llena la vida y hace que la gente salga con el alma más abierta".

Reconoce Espert que eso de que la vida es puro teatro es una expresión "muy manida" pero, al mismo tiempo, "totalmente cierta". Pero le da ella su propia visión en esta época gobernada por las pantallas al considerar que "cuanto más avance la tecnología, que seguirá avanzando porque ha cogido una velocidad extraordinaria, y cuanto más se aleje del corazón y de la vida de las personas, más será el teatro la herramienta que usará la gente para no caer del todo en la ciencia ficción, que cada día que pasa parece más exacta".

Se convierte así el teatro, que para la actriz es, en su caso de verdad, su vida entera, en una vía de escape del mundo virtual y en un instrumento que a día de hoy todavía es capaz de "establecer la unión entre el actor y el que mira y escucha". "Todo eso que no se puede tocar, esa cosa que se crea y que por supuesto estaba cuando yo empezaba, son lazos para contrarrestar un poco esto de la tecnología que llega pisando fuerte con pasos tan enormes y que no podemos evitar, porque ya nos hemos viciado a tope", defiende.

Por su sabiduría, su trayectoria y su total dedicación a su gran pasión concede a Núria Espert la Fundación MAPFRE este Premio a toda una vida profesional José Manuel Martínez Martínez. Una distinción dotada con 40.000 euros, que la institución concede anualmente a personas que dedican su vida a mejorar la de los demás y para reconocer y agradecer ese carácter de generosidad y entrega.

De esta forma, el jurado reconoce su excepcional trayectoria profesional, su dedicación al arte y su compromiso y solidaridad con las variadas causas humanitarias que ha apoyado durante su carrera de casi ocho décadas, en la que ha participado en más de ochenta montajes teatrales, una decena de largometrajes y nueve óperas.

"Cuando me contrataron para el Teatro Romea de Barcelona para hacer un gatito en un cuento infantil y no les gusté nada, me puse a llorar para que no me echaran", recuerda Espert retrocediendo hasta mitad del siglo pasado y sus primeros escarceos teatrales. "No me echaron, y la ambición fue siempre tener 10 pesetas más en el sueldo. Esa era la ambición loca y desesperada que se vive en tantas casas", rememora, acordándose de sus padres "obreros y analfabetos". "Mi padre casi analfabeto, mi madre completamente, pero yo amo muchísimo a Federico García Lorca porque ambos eran aficionados al teatro y me enseñaban poesías", evoca.

La artista inició su carrera teatral en 1950 con La vida es sueño de Pedro Calderón de la Barca, y con Medea de Eurípides, cuatro años más tarde, se consolidó en la escena española, participando posteriormente en montajes como El caballero de Olmedo de Lope de Vega, Las brujas de Salem de Arthur Miller y Don Juan Tenorio de José Zorrilla. Con 24 años creó su propia compañía y forjó una sólida reputación con obras como Anna Christie de Eugene O’Neill, Las criadas de Jean Genet y Yerma de Lorca. Además de su trabajo como actriz, Espert ha sido directora escénica, consiguiendo éxitos con obras como La casa de Bernarda Alba de Lorca, Madama Butterfly de Puccini, La Traviata de Verdi y Carmen de Bizet, colaborando con destacados directores musicales como Zubin Mehta. Fue también directora del Centro Dramático Nacional.

"Cómo hubiera podido yo desear nada parecido, si salgo de la nada", destaca la actriz, para quien el éxito es "un pastel buenísimo que dura poco, hay que cuidarlo, meterlo en la nevera, tratar de que no se ensucie de ninguna de las maneras". "La fama de los jugadores de fútbol es diferente, pero la fama de la cultura es un tesoro que dura poquísimo, no tapa ningún agujero, no sirve para apoyarte en ella, al contrario, hay que poner armaduras".

Y todavía continúa para terminar, reflexionado desde su vasta experiencia vital: y profesional: "La fama no es buena compañera. La necesitas y la degustas cuando te llega, pero sabes que en el próximo espectáculo puedes comportarte como una actriz primeriza, aburrida, que se crea no se sabe qué... la fama es una compañera de viaje nada agradable. ¿Qué te da la fama? Nada. Bueno, te da trabajo, que es mucho, pero nada más, porque es trabajo para hoy y hambre para mañana".

En los Premios Sociales de la Fundación MAPFRE también han sido galardonados este año Special Olympics (Mejor Entidad por su Trayectoria Social), Moda re- (Mejor Proyecto por su Impacto Social) y Joselito (Premio a la Mejor Iniciativa en el Sector Agropecuario.