Los Premios Feroz no son los Goya. Una obviedad. Los galardones organizados por la prensa cinematográfica, entregados el lunes en Madrid, se han ganado en sus cinco ediciones la fama de agitadores, con discursos guerreros y una puesta en escena más fresca, pero también de justicieros, señalando películas más minoritarias. Este año, la agraciada con el favor de los 200 periodistas que integran la Asociación de Informadores Cinematográficos ha sido Verano 1993, el debut de Carla Simón en el largometraje, que se hizo con los galardones a mejor película dramática, dirección, guion y actor de reparto para David Verdaguer, de las siete estatuillas a las que optaba. En un contexto en el que solo el 19% de las películas estrenadas tienen a la cabeza una directora (datos de 2015), es todo un triunfo. Y la gala se convirtió también en una reivindicación de los derechos de la mujer, con discursos que tocaron temas como el salario de las creadoras con respecto a sus pares masculinos, la dificultad de encontrar trabajo para las actrices de mayor edad o los abusos en el cine tras el caso Weinstein. 

La ópera prima de Simón se ha impuesto finalmente a El autor, de Manuel Martín Cuenca, que con ocho nominaciones partía como favorita pero que finalmente solo se hizo con dos, para Javier Gutiérrez como mejor actor protagonista y Adelfa Calvo como mejor actriz de reparto. Handia, el filme más nominado en los Goya (se entregarán el próximo 3 de febrero) con 13 candidaturas, salió del Complejo Magariños el lunes con dos premios considerados menores, como son los de mejor música y cartel. Y La llamada, también un debut, esta vez de Javier Ambrossi y Javier Calvo, se hizo con otros dos Feroz, el muy celebrado galardón a mejor comedia (estos premios emulan el sistema de los Globos de Oro desdoblando su categoría reina) y el de mejor tráiler. Más difícil lo tendrán los Javis (mimados de la prensa y ganadores ya el año pasado en la categoría de televisión con su indie Paquita Salas) en los Goya, donde parte con cinco nominaciones que en un sistema que prima el drama pueden ser fácilmente eclipsadas por sus competidoras. Lo que decíamos: unos justicieros.  

Más masculina fue la sección de televisión, dominada por Vergüenza (creada por Álvaro Fernández Armero y Juan Cavestany y emitida en Movistar+, a la que pertenece #0, el canal donde se emitieron los premios) y La zona (de Alberto y Jorge Sánchez-Cabezudo, también en Movistar+). En las categorías de interpretación, la cosa estuvo igual de repartida: los protagonistas de Vergüenza, Javier Gutiérrez y Malena Alterio, se hicieron con las  estatuillas en sus categorías, así como Miguel Rellán en la de actor de reparto. Su homónima femenina fue Emma Suárez, por La zona.  

"Mujeres, escribid, dirigid, cread" 

El mensaje de Carla Simón al recoger su Feroz era sencillo: "Estoy muy emocionada y aprovecho para decir: mujeres, escribid, dirigid, cread". Fue, obviamente, muy aplaudido. Más incómodos resultaron otros. Como el inicio del discurso del cómico Julián López, presentador de la gala, que comenzaba riéndose de la, según él, escasa relevancia de los Feroz, con un "somos el secreto mejor guardado del cine español", para seguir con: "Bueno, ese y el nombre de nuestros acosadores sexuales". Siguió un silencio más que incómodo y algún que otro aplauso. "Lo que pagaría por saber quién se está poniendo nervioso ahora mismo", se decía. Toda su apertura de la gala, con referencias tanto a Weinstein como al fraude de la taquilla, fue recibida con frialdad. 

El discurso de agradecimiento más compartido en las redes sociales ha sido el de Javier Calvo, que, al borde de las lágrimas, hacía una defensa del colectivo LGTBI: "Si algún niño que me está viendo tiene miedo, siente que está perdido, siente que no le van a querer, que sepa que le van a querer, que va a encontrar su sitio, que va a cumplir su sueño y que yo y él [Ambrossi] y yo vamos a escribir historias para que se sienta inspirado". Pero monólogos combativos no faltaron, sobre todo por parte de las ganadoras —que no los ganadores— y sus reclamaciones feministas. 

Adelfa Calvo: "Se lo dedico a todas la actrices para que no se nos juzgue por el físico ni por la edad, sino con igualdad". Valerie Delpierre, productora de Verano 1993: "Verano es un sueño que se conjuga en femenino". Emma Suárez: "Me gustaría que todos los premios de esta noche los recogieran mujeres". (Difícilmente, cuando no había creadoras tras las nominadas a mejor comedia, ni en música original, ni en mejor tráiler, ni tras las series nominadas.) Marian Álvarez afeaba a la organización que hubiera elegido a un presentador, y soltaba: "Cuando una llega a los 40, o se opera o no la llaman de ningún sitio. Cuando una tiene el culo flácido y arrugas, no la llaman. Si eres un hombre y tienes arrugas y el culo flácido te llama Martín Cuenca [en referencia a Javier Gutiérrez, protagonista de El autor]". 

Sigamos. La cómica Silvia Abril, presentadora de la edición de 2016: "Este año [los Feroz los] presenta un hombre y los premios los damos las mujeres, como en la Vuelta Ciclista de España. Lo mismo". La organización había querido que todas las estatuillas fueran entregadas por mujeres, con la intención de darles voz, lo que subrayaba más aún el hecho de que se las dieran a hombres. La actriz Leticia Dolera se marcaba un discurso de dos minutos que empezaba dando caña a la organización por esta decisión: "Gracias a los Premios Feroz por permitirnos el honor de hacer esta noche de azafatas... digo entregadoras. Que es un rol que nos ha sido negado durante años". Después se giraba hacia la industria: "Es difícil ser actriz, qué os voy a contar. Pero si además te da por estar viva y cumplir años… ¿De qué vas, tía? Si además eres una actriz, yo qué sé, de más de 35, y feminista…", bromeaba. 

En la edición de 2016, los Feroz encumbraron a La novia, de Paula Ortiz, con seis estatuillas. En la gala de los Goya, pese a sus 12 nominaciones, solo se hizo con dos. Si la Academia de Cine le diera la espalda a Verano 1993, sus cuatro Feroz serían quizás la mayor reivindicación feminista de la gala. 

Esto planteaba el argentino Antonio di Benedetto en Zama, su novela publicada en 1956 (y reeditada ahora por el sello Adriana Hidalgo), y eso recupera la cineasta Lucrecia Martel 30 años después del fallecimiento del escritor. Zama es una película de ritmos lentos, marca de la creadora desde su debut, La ciénaga (2001), que abriría la senda de quien es hoy considerada como una de las mejores directoras latinoamericanas en activo. Pero esta vez lo ha sido también en su producción: la película llega nueve años después de La mujer sin cabezaLa mujer sin cabeza, el anterior de su filmografía. En medio, el proyecto fallido de llevar al cine el cómic El eternauta, de Héctor Germán Oesterheld y Francisco Solano López, un largo penar para lograr reunir la financiación y una postproducción interrumpida por la enfermedad de la cineasta —un cáncer del que habla con cierta reserva—. La espera ha merecido la pena: pasó por Venecia —fuera, incomprensiblemente, de competición—, ganó el premio del jurado en Sevilla y está nominada a mejor película iberoamericana en los Goya. 

"Visto de afuera, parece que uno tendría que filmar películas", dice, extrañada, durante la promoción del filme, que se estrena en España el 19 de enero, "pero para mí nunca ha sido una compulsión, así que filmo cuando me parece que tengo algo para filmar". Y es cierto que la preproducción de la película fue dura. Para reunir los 2,8 millones de euros de financiación (3,5 millones de dólares), la directora tuvo que reunir a más de 30 productores, entre ellos los hermanos Agustín y Pedro Almodóvar. A bordo, actores como Daniel Giménez Cacho en el papel del corregidor y Lola Dueñas en el papel de una rica española. Pero, en cualquier caso, ¿no son demasiados, nueve años de silencio? Responde sin dudas aparentes desde detrás de sus gafas ahumadas: "No sentí que había abandonado tanto el cine. Nunca yo llego a rodar tan seguido como para considerarme una profesional, siempre me considero una amateuramateur".

Martel se sumergió en Zama, clásico contemporáneo de la literatura argentina, durante un viaje por el río Paraná en 2010. "La novela está construida como un soliloquio", explica, "y quizás a alguna gente que cree que las novelas fáciles de llevar al cine son las de argumento esta les puede haber parecido imposible". Inadaptable. Todo el libro está narrado por la particular voz del corregidor, que parece interpretar la realidad a favor de sus propias ensoñaciones; los dos primeros tercios están conducidos por amores frustrados, una creciente pobreza y actos de violencia no del todo claros. Al fondo, la espera: a Zama no le sucede nada, o más bien no le sucede lo que le tiene que suceder. 

Pero no se trata, asegura la cineasta, de "convertir una novela en una película", lo que califica de "idiotez". "Otra cosa es cuando una novela te toma de tal manera que te parece que hay algo de lo que te generó que lo podés transmitir, y vas a usar hechos de la novela y otros para hacerlo, que no es el argumento, sino algo sobre la vida, sobre la historia de la humanidad". ¿Qué es ese algo en Zama? Di Benedetto dedica su libro a "las víctimas de la espera". Y la espera es, por una parte, la gran herramienta de Martel para que se produzca la "revelación" —no porque la tenga, precisa, sino porque la busca— "un esfuerzo en gran parte condenado al fracaso, porque ese chispazo a veces no sucede, a veces es un segundo, y a veces no te das cuenta de que pasó". Pero la espera es también la esperanza. 

En enero de 2017, el premio Nobel sudafricano J. M. Coetzee dedicaba un largo artículo a Zama y a Di Benedetto en The New York Review of Books con ocasión de la primera traducción al inglés de la obra. "El sueño de recuperar el Edén, de comenzar de nuevo, animó la conquista europea del nuevo Mundo desde los tiempos de Colón", escribía. "Como Zama en su salvaje puerto fluvial, el inmigrante se encuentra a sí mismo arrojado en un lugar que es cualquier cosa menos edénico y del que no existe una salida obvia". Lo que convierte al corregidor en un ser oscuro no es la pérdida de la esperanza, sino su empeño en aferrarse a la idea cada vez más improbable de un ascenso, de un reconocimiento social, de un encuentro sexual perfecto, de un poder inasible. 

Lo explica Martel, quizás más claramente: "El personaje de Zama es antijudeocristiano. La gran esperanza que trae el mensaje de la Iglesia católica es que algo de tu esfuerzo o de tu sufrimiento va a tener un sentido al final. Poner la zanahoria tan lejos es lo que hace que se desvalorice la experiencia del día a día. Si no hubiese eso en nuestra cultura, si no tuviese ningún sentido sufrir, estaríamos desesperados por terminar con el hambre, con las prisiones, con la gente a la que le faltan cosas, y a quienes les sobran se la sacaríamos. La esperanza justifica un montón de cosas". Es mejor, afirma, no tener esperanza. No aceptar la espera. 

Eso no significa, al menos en su caso, tirar la toalla. Martel no se muerde la lengua al hablar, por ejemplo, del machismo en el cine: "Hay una matriz cultural que llevamos tanto tiempo en ella que está naturalizada, que casi no se ve. Esa matriz cultural es la que avala la violencia de género, los abusos, los abusos de poder también en otros sentidos, ciertas ideas sobre la riqueza". Y esa "matriz cultural que ha puesto al hombre en mejor lugar" acaba siendo elegida por otros hombres en festivales, y ese cine "performa la sociedad", y... No cree que se vaya a parar la rueda mañana, ni que las películas cambien el mundo. Pero se planta: "En lo que sí me siento comprometida es en la violencia de género. No podemos esperar porque no va a quedar una mujer viva".

Hablando de festivales: ay de quien diga que las películas de Lucrecia Martel son "de festival". "Si hay algún lugar donde no me gusta estar son los festivales", asegura, con una libertad envidiable y sin pensar un segundo en los responsables de certámenes como los de Venecia, Toronto, Nueva York o Sevilla, por los que ha pasado Zama. "Son aburridos, todo el mundo está nervioso, no hay tiempo para ver nada, hay mucha gente, es caro, tenés que vestir bien… Sirve para la película, claro. ¿A quién no le gusta comer? Pero, ¿a cuánta gente le gusta ir al supermercado?". Y no le hagas hablar de la Academia de Hollywood, que la incluyó en 2016 entre los 683 artistas invitados a formar parte de ella. "¿Vos pensás que me mandaron un mail para preguntarme si me interesaba, o explicándome cuáles iban a ser mis obligaciones o que hay que pagar 600 dólares que ni en pedo pago para ser miembro de la Academia? ¿600 dólares anuales para estar en un lugar que para mí es el nido... no digo del mal, pero sí de cosas que no me interesan?". Por si alguien lo dudaba: no aceptó. 

Las películas La librería, de Isabel Coixet, y El autor, de Manuel Martín CuencaLa librería,El autor, fueron las grandes protagonistas de la 23 edición de los Premios Forqué tras haber recibido ex aequo el galardón a Mejor largometraje de ficción este sábado 13 de enero, durante una gala que se celebró en el Palacio de Congresos de Zaragoza, informa Europa Press.

Elena Sánchez y Boris Izaguirre fueron los encargados de presentar estos premios, organizados por la Entidad de Gestión de Derechos de los Productores Audiovisuales (Egeda), y que por segundo año consecutivo se celebraron fuera de Madrid, tras la pasada edición que acogió Sevilla.

Isabel Coixet destacó la ayuda de los productores españoles con los que trabajópara esta película, a diferencia de "los palos en las ruedas" que recibió en el extranjero. El resto de cintas nominadas a Mejor película eran Abracadabra, Verano 1993 y Handia.

En número de premios, El autor fue la película más reconocida, al conseguir también el galardón a la Mejor interpretación masculina, que fue para Javier Gutiérrez.

En el apartado de Mejor interpretación femenina, la actriz Nathalie Poza recogióeste galardón por su papel en la película No sé decir adiós, de Lino Escalera, una película "sobre la muerte" pero una historia de amor "complicada" como lo son las relaciones entre "padres e hijas". En este sentido, dedicó el premio tanto a su padre como a Juan Diego, su "otro padre".

Por su parte, Muchos hijos, un mono y un castillo, de Gustavo Salmerón, ha sido galardonada con el premio al Mejor documental. "Cuando no encuentras algo le preguntas a tu madre y ella te dice: ¿Has mirado en su sitio?. Y ahí estaba la historia, en mi familia", manifestó Salmerón, que recogió el premio acompañado por sus padres y sus hermanos. Su madre, Julia, protagonista de la cinta, no pudo evitar las lágrimas. "Tengo 82 años, se me acerca el momento, pero estoy feliz porque termino la vida como actriz", dijo.

Por otro lado, el premio al Mejor cortometraje ha sido para MadreMadre, de Rodrigo Sorogoyen, que dedicó el galardón a la actriz protagonista; el premio a la Mejor película latinoamericana para Una mujer fantásticaUna mujer fantástica, de Sebastián Lelio; Y el Premio Forqué al cine y educación en valores, otorgado en colaboración con la FAD, ha recaído en Lo que de verdad importa, de Paco Arango.

Carlos Saura, Medalla de Oro

El cineasta Carlos Saura recogió la Medalla de Oro que la institución ante una sala que se puso en pie mientras el director fotografiaba el momento, con la cámara que siempre lleva encima.

El director de Cría cuervos y ¡Ay, Carmela! subrayó que a sus 86 años, lo que más quiere "en la vida" es "continuar trabajando" y destacó asimismo la "suerte" que ha tenido. "He hecho las películas que he querido hacer", dijo Saura. 

El presidente de Egeda, Enrique Cerezo, entregó el galardón a Saura, cuya trayectoria ha puesto de relieve. En referencia al cine español, señaló que tiene "muy buena salud" y destacó que ha de seguir "tratando bien a su público".

Música y humor

El actor Edu Soto fue el responsable de poner el toque de humor a esta gala, en la que dedicó unos minutos a recordar a Chiquito de la Calzada. Además, los presentadores reivindicaron la asistencia a las salas de cine, así como el éxito del cine español en 2017, que recaudó más de cien millones de euros y, en concreto, de las cintas Perfectos desconocidos y Tadeo Jones 2.

La 23 edición de los Premios Forqué contó con las actuaciones musicales de Sergio Dalma, encargado de abrir la gala al ritmo de Volare, Pastora Soler, Efecto Pasillo y los nueve participantes de Operación Triunfo 2017 que se encuentran ya fuera de la academia: Nerea, Cepeda, Raoul, Mireya, Ricky, Marina, Thalía, Juan Antonio y Mimi.

A esta gala asistieron nombres del cine como Verónica Forqué, Julio Medem, Cayetana Guillén Cuervo, Miguel Ángel Muñoz, Juana Acosta, Aitor Luna, Hiba Abouk, Daniel Sánchez Arévalo, Álvaro Cervantes, Natalia Verbeke, Pablo Rivero, Dafne Fernández o Goya Toledo.

Asimismo, estuvieron el secretario de Estado de Cultura, Fernando Benzo; el director del Instituto de la Cinematografía y las Artes Audiovisuales (ICAA), Óscar Graefenhain; y el presidente de Aragón, Javier Lambán.

Se desenrolla la alfombra roja. Se abrillantan las estatuillas. Los competidores se preparan en la casilla de salida. Los productores se frotan las manos. Todos esos clichés para decir que este sábado comienza, un año más, la lucha por los premios cinematográficos españoles, que se inicia este sábado con los Premios José María Forqué. Los galardones que entregan los productores —o, más concretamente, EGEDA, la entidad que gestiona sus derechos— son desde 2009 el pistoletazo de salida a la carrera de los Goya. ¿Un remedo español de la senda hasta el Oscar? Más o menos. O más menos que más. Porque el particular mecanismo de los premios del cine español aleja a la industria del boato y el negocio que suponen las figurillas doradas de Hollywood. 

Los Forqué inauguran este fin de semana, en una gala retransmitida por RTVE desde Zaragoza, el calentamiento hasta los premios de la Academia de Cine, el máximo galardón que pueden obtener los creadores del sector, dejando a un lado el Premio Nacional de Cinematografía. Pero el calentamiento es corto. Los Oscar cuentan con, entre otros muchos teloneros, los Globos de Oro, los premios de la Crítica, los BAFTA —que pese a ser los galardones de la Academia británica premia con frecuencia a filmes estadounidenses—, los Spirit Awards del cine independiente... En España hay que conformarse, básicamente con tres galas: los Forqué (fundados en 1996), los Feroz (entregados por la prensa desde 2014) y los propios Goya, con la guinda de los galardones de la Unión de Actores, que se celebran en primavera. 

En Hollywood, donde los Oscar y toda la temporada de premios son concebidos como una gran estrategia de marketingmarketing, todo está medido al milímetro para apoyar la gran noche del cine estadounidense, que en su última edición vieron 32,9 millones de espectadores y supuso 115 millones de dólares en publicidad a la cadena ABC, que los emite. No se puede decir lo mismo de España. "El problema es ese", dice Ángel Ruiz, secretario de Acción Sindical de la Unión de Actores, que defiende los derechos de los intérpretes. "No tiene nada que ver la industria americana con la no-industria española. Si hubiera industria, podría plantearse una unión de todos los estamentos para apoyar a los Goya como colofón de una campaña. Pero ahora mismo es imposible", asegura. 

¿Los guild awards españoles? guild awards

Como puerta a los Goya, los Forqué cumplen. Sus nominadas a mejor película coinciden exactamente con las candidatas de la Academia en la misma categoría: Abracadabra, El autor, La librería, Handia y Verano 1993. Pero sus organizadores, presididos por Enrique Cerezo, tratan de desmarcarse de los cabezones: "No nos planteamos que sean una antesala a nada", dice Rafa Sánchez, director Relaciones Institucionales y Comunicación, "y lo que yo creo que da un elemento diferenciador a los Forqué es que los elige la propia profesión". Como ocurre en los Goya, en realidad. Los premios de EGEDA son los únicos que preceden a los Goya cuyo censo puede superponerse con el de la Academia. Es decir, la entidad de gestión de derechos representa a 2.000 productores que pueden coincidir, a su vez, con los 1.450 académicos con derecho a voto. Y esto no es nada despreciable. 

De hecho, es el caso más parecido a los guild awards (premios de sindicatos) estadounidenses, que tienen un gran peso en la competición por el Oscar. La Academia de Hollywood está dividida en 17 especialidades (14 en la española), desde montaje hasta efectos visuales. Tanto en los Oscar como en los Goya, estas secciones tienen mucho peso en las nominaciones. En Estados Unidos, los miembros de cada rama eligen a sus candidatos: los directores a mejor dirección, los guionistas a mejor guion original y adaptado, los actores a todas las categorías de interpretación... En España, los miembros de una rama eligen a la mitad de los nominados, y la otra mitad es seleccionada por todos los académicos. (Exceptuando, en ambos casos, el premio a mejor película, que se vota desde el principio por todo el censo.) Conscientes de ello, los guild estadounidenses entregan sus propias estatuillas (el gremio de actores, de escritores, de productores, de directores...), y todos dan una pista de hacia dónde puede inclinarse su correspondiente rama dentro de la Academia.

Es particularmente relevante la de intérpretes, la más numerosa de la Academia de Hollywood, que agrupa aproximadamente al 20% de los académicos. No es casualidad que los premios del Screen Actors Guild (SAG) se consideren el mejor indicador, junto a los Globos de Oro —y por motivos completamente distintos— de los favoritos al Oscar. De hecho, desde 2001 solo el 7,8% de los nominados a la estatuilla dorada no lo estuvieron ni en los Globos ni en los SAG. Aunque en el caso español no conocemos la distribución de académicos por especialidad, porque la Academia de Cine ha negado a este periódico esas cifras, los premios de la Unión de Actores, que se celebran desde 1991, podrían ser el equivalente a estos galardones. Pero en España se entregan meses después de los Goya. 

La fecha es clave

"La razón de darlos en primavera es justamente para dejar un tiempo entre premio y premio para que no hubiera competencia", precisa Ruiz, de la Unión de Actores. Y tanto: entre los Goya, el 3 de febrero, y los galardones de los intérpretes, el 12 de marzo, media más de un mes. Mientras, el fin de semana del 27 y 28 de enero, justo antes de los premios de la Academia, se queda huérfano de gala. El secretario de acción sindical menciona otros dos motivos para retrasar la gala: facilitar la asistencia de nominados, que podrían dar prioridad a otros compromisos de promoción, y encontrar una sala en la que dar cabida a buena parte de sus 2.500 afiliados (más invitados), que resulta más sencillo en primavera. El resultado es que los premios de la Unión no influyen en los Goya, sino más bien al contrario. Al menos quedan las categorías de televisión y teatro, que también se reconocen: el sindicato hollywoodiense cuenta con el apellido de Screen (pantalla), pero en el español hay un totum revolutum en el que el teatro, "la madre del cordero" para Ruiz, tiene casi todo el protagonismo.  

La Unión de Actores no se ha planteado nunca modificar las fechas de su gala. Sí lo hizo EGEDA, que en 2009 decidió pasarla de mayo a enero. "Se producía mucha distancia entre el momento de exhibición de una película y el premio", explica su portavoz, Rafael Sánchez. Es decir, que si un filme se estrenaba en enero, podía recibir su Forqué un año y cuatro meses más tarde. ¿No tuvo nada que ver el cambio con un deseo de adelantarse a los Goya? "No, nosotros hablamos con la Academia y buscamos un hueco. Estamos encantados de potenciar el apoyo a la industria cinematográfica, pero nuestra motivación no fue esa", asegura la entidad de gestión de derechos de autor. 

Con los Premios Feroz, entregados por la Asociación de Informadores Cinematográficos desde hace tres años, ocurre exactamente lo contrario. "En gran medida, los Feroz están concebidos con los Goya como referencia", admite Fer de Luis-Orueta, vicepresidente de la entidad. "Nuestra aspiración era ser los segundos premios en relevancia. Claro que la referencia de la temporada de premios es la americana, y ahí nos miramos en los Globos de Oro", explica. Si allí son unos 90 corresponsales extranjeros en Hollywood quienes otorgan los galardones, aquí son unos 200 periodistas nacionales quienes lo hacen. Aunque, de nuevo, De Luis-Orueta insiste en que no se trata de influir en los premios de la Academia, sino de "señalar a otras películas que quizás no elijan los académicos", lo cierto es que en la última edición unos y otros coincidieron en las categorías de mejor película, dirección (novel en el caso de los Goya, para Raúl Arévalo), actor protagonista (Roberto Álamo) y guion, todo para Tarde para la ira. 

Aunque hubieran querido, y al menos en esta edición, los ganadores de la prensa no podrían influir en las votaciones de los Goya: estas, inusualmente tempranas, se cierran el 15 de enero, una semana antes de la gala de los Feroz. Sí llegan a tiempo (por un día y medio) los vencedores de los Forqué. En Estados Unidos, y en una astuta estrategia publicitaria, todos los grandes premios se entregan antes del anuncio de nominaciones al Oscar (este año, el 23 de enero), e incluso los BAFTA llegan a tiempo para la votación de ganadores. Para lograr algo similar en España, parece, aún habrá que esperar. 

Lista completa de nominados a los Premios José María Forqué

Largometraje de ficción (votado por los socios de EGEDA)

Abracadabra, de Pablo Berger

El autor, de Manuel Martín Cuenca

Handia, de Aitor Arregi, Jon Garaño

La librería, de Isabel Coixet

Verano 1993, de Carla Simón

Interpretación masculina (votado por un jurado de productores y periodistas)

Andrés Gertrúdix, por Morir

David Verdaguer, por Verano 1993

Javier Gutiérrez, por El autor

Juan Diego, por No sé decir adiós

Interpretación femenina (votada por un jurado de productores y periodistas)

Adelfa Calvo, por El autor

Anna Castillo, por La llamada

Bruna Cusí, por Verano 1993

Marian Álvarez, por Morir

Maribel Verdú, por Abracadabra

Nathalie Poza, por No sé decir adiós

Largometraje documental (votado por los socios de EGEDA)

Alberto García-Alix. La Línea de Sombra, de Nicolás Combarro

Dancing Beethoven, de Arantxa Aguirre

Muchos hijos, un mono y un castillo, de Gustavo Salmerón

Sara Baras. Todas las voces, de Rafa Molés y Pepe Andreu

Saura(s), de Félix Viscarret

Película latinoamericana (votada por un jurado de productores y periodistas iberoamericanos)

La cordillera, de Santiago Mitre (Argentina, Francia, España)

Las hijas de abril, de Michel Franco (México)

Mi mundial, de Carlos Morelli (Argentina, Brasil, Uruguay)

Últimos días en la Habana, de Fernando Pérez (Cuba, España)

Una mujer fantástica, de Sebastián Lelio (Chile, Alemania, España, Estados Unidos)

Cortometraje cinematográfico (votado por los socios de EGEDA)

Los desheredados, de Laura Ferrés

Madre, de Rodrigo Sorogoyen

Tabib, de Carlo D'Ursi

Premio Forqué al Cine y Educación en Valores (elegido por la Fundación de Ayuda contra la Drogadicción)

Deep, de Julio Soto Gúrpide

Handia, de Aitor Arregi, Jon Garaño

Lo que de verdad importa, Paco Arango

Los humoristas Joaquín Reyes y Ernesto Sevilla intentan convencer a Dani Rovira, presentador de las últimas tres galas de los premios Goya, para que les deje presentar la edición 2018 en el primer anuncio de la ceremonia dado a conocer este lunes por la Academia de Cine.

Así, en la primera de las tres piezas promocionales que se emitirán en los canales de Televisión Española y en un total de 2.600 salas de cine de toda España hasta el 3 de febrero, los cómicos manchegos urden un plan para dar pena a Rovira, para lo que no dudarán en ofrecerle un maletín lleno de dinero falso o amenazar a un perro con una pistola-mechero.

En los spots aperecerá también Juan Manuel Montilla, El langui, ganador del Goya a Mejor Actor Revelación y Mejor Canción Original por El truco del manco.

Joaquín Reyes (Albacete, 1976) y Ernesto Sevilla (Albacete, 1978) serán los conductores de la 32 edición de los Premios Goya, que se celebrará en el Madrid Marriott Auditorium Hotel el próximo sábado 3 de febrero. Los cómicos, que saltaron a la fama con programas como La hora chanante y Muchachada Nui o series como Museo Coconut, han asegurado que quieren “ser fieles a nuestro humor”, según ha indicado la Academia en un comunicado.

Pero este no será el estreno de los manchegos en el mundo del cine, ambos ya han aparecido como actores en diversos filmes. Joaquín Reyes lo ha hecho en títulos como Spanish movie y Promoción fantasma, de Javier Ruiz Caldera; Tensión sexual no resuelta, de Miguel Ángel Lamata; o Cuerpo de élite, de Joaquín Mazón. Por su parte, Ernesto Sevilla ha aparecido en Pagafantas, de Borja Cobeaga; Campamento Flipy, de Rafa Parbus; Torrente 4, de Santiago Segura; o Embarazados, de Juana Macías.

Handia, La librería, El autor, Abracadabra y Verano 1993 (Estiu 1993). Son las cinco películas favoritas a la próxima edición de los Premios Goya, de las 13 nominaciones de la primera a las ocho de la última. Si usted ha visto alguna de ellas, está entre el millón de espectadores raspado que lo ha hecho en 2017, el 1% de los casi 100 millones de espectadores que llenaron las salas españolas el pasado año, según la compañía de medición ComScore, que provee de datos al Ministerio de Cultura. A falta de las cifras de la última semana del año (que no debería andar lejos de los 100.000 espectadores, en el mejor de los casos), los 26 filmes nominados, lo más granado del cine español, alcanzan todos juntos solo el 8% de la taquilla total, 46,6 millones de euros. Eso sí, copan la mitad de la recaudación del cine español, que se planta en 97 millones.  

La escasa representación en taquilla de las candidatas a los premios de la Academia de Cine es, en cierto modo, endémica. Pero la situación ha empeorado desde el año pasado, cuando las cinco favoritas al cabezón recaudaron juntas seis veces más. La correspondencia parcial entre popularidad y galardones fue posible en parte gracias a Un monstruo viene a verme, el drama de J. A. Bayona que sumó unos 26,4 millones de euros y 4,6 millones de espectadores nada habituales en el cine español. Pero no estuvo sola: las otras cuatro películas más nominadas sumaron entre 1,1 (Tarde para la ira) y 2,6 millones de euros (El hombre de las mil caras). En 2017, la más exitosa, La librería de Isabel CoixetLa librería, no pasa de los 2,2 millones de euros, y la primera en nominaciones, Handia de Aitor Arregi y Jon Garaño, apenas supera los 500.000 euros.  

No hay ningún filme español que alcance este año el fenómeno de Bayona. Tadeo Jones 2: El secreto del Rey Midas, es la única que se le acerca con 17,9 millones de euros recaudados. La película más exitosa del año posará en la alfombra roja, pero con una única candidatura en la categoría de animación que casi parece llevar su nombre. Es el único trabajo de los cinco más vistos que se ha hecho un hueco en los premios, junto a El secreto de Marrowbone, el filme de terror de Sergio G. Sánchez, que suma 7,2 millones de euros y, de nuevo, una sola nominación. Perfectos desconocidos, Es por tu bien y Señor, dame paciencia, que suman juntas 26,3 millones, no han obtenido el favor de la Academia (ni, en los últimos dos casos, de la crítica). Si las cinco películas españolas más nominadas apenas pasan de los 6,1 millones de euros, las cinco más vistas dejan atrás los 51. En 2016, gracias a Un monstruo viene a verme, la diferencia no fue tanta: 34 millones para las preferidas por los académicos, 49,8 para las de los espectadores. 

El divorcio entre prestigio artístico y popularidad se ve también si se sigue descendiendo por el pódium. Ni Toc toc (puesto 6 en ComScore), ni Contratiempo (7) ni El guardián invisible (8) han sido apreciadas por la Academia. Verónica, de Paco Plaza, tiene el honor de combinar el puesto 9 de las más vistas y siete relucientes candidaturas, incluyendo película y dirección. Pero más abajo aún se encuentran sus competidoras por el premio grande. Hay que descender hasta el puesto 13 para encontrar La librería, Verano 1993 cae hasta el 20, El autor no aparece hasta el 24 y Handia hasta el 27Handia . En el pasado ejercicio, cuatro de los cinco filmes nominados a mejor película estaban en los 10 primeros puestos del ranking, y solo Que dios nos perdone se caía hasta el 18. 

La grieta entre de un lado el gran público y del otro lo que se acepta como el mejor cine nacional se ha agrandado en 2017. Y, sin embargo, esto tiene un revés mucho más luminoso. Sí, 2016 el 43% de las películas nominadas superaban el millón de euros en taquilla, y en 2017 solo lo ha hecho el 38%. Pero aquellas que superan los 100.000 euros llegan al 73%, 13 puntos más que el año anterior. El 85% alcanza los 50.000, 12 puntos más que en el anterior ejercicio. Es decir: hay menos dinero, pero está más repartido (y, además, entre nuevos autores). Un equilibrio que se refleja también a los filmes que se han quedado lejos de los Goya, que superan esas barreras psicológicas —y no tanto— en mayor proporción. 

En 2016, una gran distancia separaba a La reina de España (1 millón de euros) de Gernika (362.000 euros), la nominada que le seguía en taquilla. Este año, ese abismo está salvado por filmes como Zona hostil, La cordillera, Cantábrico, El autor e Incierta gloria. Otro síntoma: en la próxima edición de los Goya, los cuatro documentales nominados en su categoría (Cantábrico, Dancing Beethoven, Saura(s) y Muchos hijos, un mono y un castillo) sumarán casi 800.000 euros recaudados en taquilla, y eso en un género particularmente alejado del éxito económico. El año anterior, la cifra apenas pasó de los 124.000 euros. Mirando las cifras globales, y con una cuota de mercado de alrededor del 18%, el cine español quizás no haya tenido un año brillante en términos económicos. Pero en el detalle, se puede escuchar el suspiro de alivio de la clase media del cine, esa que pasa de los 100.000 euros y no llega a los cinco millones de recaudación y que tanto sufrió con la crisis. Otra cosa es que el suspiro llegue hasta el 2018. 

Cuando se revisaba la lista de nominados a los Goya de 2016, una palabra resumía el resultado: thriller. Era el año de El hombre de las mil caras, de Tarde para la ira, de Que dios nos perdone... aunque finalmente saliera victoriosa Un monstruo viene a verme, el drama de J. A. Bayona rodado en inglés. Muchos empezaban a preguntarse si la intriga y la acción iban a ser los rasgos dominantes del nuevo cine español. Si los demás géneros iban a quedar desplazados, en la taquilla y en la prensa, en favor de este nuevo filón. Las nominaciones a los Goya de 2018, anunciadas el pasado miércoles, contradicen aquellos vaticinios. No es solo que el thriller esté prácticamente ausentethriller de las candidaturas —si tomamos El autor como filme de intriga literaria—, sino que los galardones certifican una añada del cine español excepcionalmente rica, variada... y joven, con cuatro óperas prima entre las cintas más señaladas.

Antes de empezar este repaso por las películas más señaladas del año, una advertencia: el filme español más visto es Tadeo Jones 2: El secreto del Rey Midas, que acumula 17,8 millones de euros y 3,2 millones de espectadores cuando se escriben estas líneas. Esta obra está, al menos, nominada al Goya a mejor película de animación. Pero Es por tu bien —1,5 millones de espectadores, 9,5 millones de euros en taquilla—, la segunda más popular, no opta a ningún premio de la Academia de Cine y fue, además, fríamente recibida por la crítica. Calidad artística y éxito comercial, ya se sabe, no siempre van de la mano. Pero también aquí el cine español puede estar de enhorabuena: en los tres últimos meses, al menos 5 de las 20 películas más vistas han sido de producción nacional. 

Estiu 1993 (Verano 1993)

Más de 160.000 espectadores. 1 millón de euros recaudados. 

"Lo de Berlín fue muy fuerte, me acordaré toda mi vida". La cineasta Carla Simón (Barcelona, 1986) llegaba a la Berlinale con su primera película bajo el brazo, satisfecha ya de haber entrado en la sección paralela Generation KPlus, pero acabó ganando no solo el gran premio del jurado en esa categoría, sino el galardón a la mejor ópera prima de todo el festival. "Puede que Verano 1993 relate con ojos infantiles el esfuerzo de una niña de seis años para lidiar con el duelo, pero transmite con madurez, empatía y emoción verdadera la realidad incierta que le sigue", escribía en febrero el medio estadounidense Screendaily, una de las referencias en la prensa especializada. Luego vendría la Biznaga de Oro en el Festival de Málaga y, finalmente, la selección para representar a España en los Oscar. Aunque esta última se haya frustrado en la primera criba de la Academia de Hollywood, está claro que el recorrido de Verano 1993 ha sido más que bueno. 

Las ocho nominaciones a los Goya —incluidas mejor película, guion y directora y actriz revelación (para la joven protagonista Laia Artigas)— no han hecho sino confirmar que el filme ha sido uno de los más relevantes para el cine español en 2017. Y eso, con una primera película. Mucho tiene que ver el guion trabajado durante tres años a partir de la biografía de la directora, que comparte con su protagonista la experiencia del duelo por sus padres biológicos y la nueva vida con sus tíos y su prima, que son ya su padre, madre y hermana. Pero también tiene que ver con Valérie Delpierre, productora que ya había trabajado con Simón en sus cortos de la London Film School y se embarcó en seguida en la película. Juntas, consiguieron las ayudas de la Comisión Europea y del Ministerio de Cultura, y la financiación de TVE y TV3. Más de 960.000 euros de presupuesto para una ópera prima independiente. No es frecuente. 

Pero el éxito de Verano 1993 es también simbólico y sintomático. Simbólico, porque no puede sino serlo el hecho de que una película catalana y en catalán sea elegida para representar a España en Hollywood. Sintomático, porque el filme de Carla Simón es exponente también del nuevo cine catalán, representado también por directores como Carles Marques-Marcet —10.000km, la recién estrenada Tierra firme— o destacables óperas prima como Les amigues de l'Àgata (Las amigas de Àgata, 2016) o Júlia ist (2017). 

Handia

Más de 83.000 espectadores. Casi medio millón de euros recaudados. 

Una película en euskera es la más nominada de la próxima edición de los premios Goya. Sus creadores (Jon Garaño y Aitor Arregi a la dirección, con José Mari  Goenaga y Andoni de Carlos también al guion) habían conseguido que su anterior película, Loreak, también en lengua vasca, representara a España en la carrera por los Oscar de 2016. Ahora, este filme, premio especial del Festival de San Sebastián y alabado por la crítica pero que no ha conseguido hacer grandes números en taquilla —debido en parte a la difícil distribución— , tendrá una nueva oportunidad de llegar a las salas. En su haber tiene, por ahora, 13 nominaciones a los premios de la Academia de Cine, incluyendo película, dirección, guion, actor revelación y categorías más técnicas, como dirección de producción, arte o efectos especiales. 

Porque, a diferencia de Loreak y de 80 egunean, sus anteriores filmes, Handia es una gran producción. Debía de serlo para retratar la vida de Miguel Joaquín Eleizegui Arteaga, conocido como Altzoko Handia, el Gigante de Altzo, un joven vasco que llegó a medir 2,30 metros debido a su acromegalia, una enfermedad que provoca que quien la sufre siga creciendo durante toda su vida. La de Eleizegui duró 40 años, que le bastaron para convertirse en una leyenda y para ser exhibido, casi como una atracción de feria, por la Europa del siglo XIX. Sus 3,5 millones de euros, convierten a la cinta en la segunda más cara del cine vasco, y superan con mucho la media de 1,7 millones de euros con la que se trabaja en España, pero  una película de estas características. Salvando las distancias, 1898. Los últimos de Filipinas contó con seis millones de presupuesto. 

El autor

Casi 99.000 espectadores. Más de 600.000 euros recaudados. 

En el caso de El autor, de Manuel Martín Cuenca, las cifras de recaudación no son representativas. Ha sido una de las últimas grandes películas españolas del año en estrenarse, el pasado 17 de noviembre, y su entrada en la temporada de premios supuso una sorpresa relativa. Relativa, porque el filme protagonizado por Javier Gutiérrez se había hecho con el premio de la crítica en el Festival de Toronto poco antes de su paso por San Sebastián. Favorito a los Premios Feroz de la prensa cinematográfica y a los Forqué de los productores —que también votan en los Goya—, el filme se abrió paso el miércoles en los galardones de la Academia con nueve candidaturas, incluyendo película, dirección, guion adaptado —de la novela El móvil de Javier Cercas— y actor protagonista. Pese a que Handia y La librería sumen más nominaciones, la prevalencia de El autor en las otras alfombras rojas parece indicar que es la principal competidora de Verano 1993.  

Manuel Martín Cuenca consiguió hacerse definitivamente un hueco en el cine español con Caníbal (2013), después de trabajos como Malas temporadas (2005) o La flaqueza del bolchevique (2003). Aquel filme se hizo con un Goya, a mejor fotografía, pero optó a ocho. Entonces el cineasta conseguía que el público sintiere empatía por Antonio de la Torre, un sastre retraído pero bondadoso que solo tenía el pequeño defecto de comer carne humana. Ahora se acercará, con diferente resultado, a un vampiro figurado: un aspirante a escritor de poco talento que se sirve de la vida de sus vecinos para escribir su obra definitiva. 

Verónica

Más de 611.000 espectadores. Más de 3,5 millones de euros recaudados.

El caso de Estefanía Gutiérrez Lázaro, adolescente fallecida por causas no del todo claras; un expediente policial que recogía aparentes muestras de actividad paranormal; el paso, este sí material y comprobable, de la niñez a la adolescencia. Estos son los elementos que Paco Plaza, creador de la serie Rec, utiliza para su regreso al cine de terror en Verónica, uno de los hallazgos del año y reconocida con siete nominaciones a los Goya. Y no son en categorías menores reservadas habitualmente a este género: ahí están película, dirección, guion original, actriz revelación... Quizás porque el cineasta se interesa solo en parte por el terror sobrenatural clásico, ese que habla de espíritus y maldiciones, y busca de nuevo adaptarlo a la leyenda urbana patria y, sobre todo, a la soledad, la tristeza y el aburrimiento de sus protagonistas, mucho más sufrientes y reales que los teenagers estadounidenses. 

Las dos concesiones al cine de género —la otra es La llamada, musical del que hablamos más abajo— vienen de mano del productor Enrique Lavigne, cerebro de la compañía Apache y hacedor de títulos como Un monstruo viene a verme o Lo imposible. Estas dos obras son otra historia: producciones modestas —no lo es Oro, que opta a seis cabezones en las categorías técnicas— que han funcionado tanto en taquilla como ante la crítica. 

Abracadabra

Más de 286.000 espectadores. Más de 1,6 millones de euros recaudados. 

Quien conozca a Pablo Berger (Bilbao, 1963) por Blancanieves (2012), aquel cuento español en blanco y negro, apenas podrá reconocerle en Abracadabra más allá del uso preciosista de los planos y la baraja de recursos que exhibe con orgullo. Aunque su último filme es también, en cierto modo, un cuento con aroma a Torremolinos 73 (2003), su ópera prima igualmente interesada por lo cañí, que aquí se transforma en choni. A caballo entre la parodia nacional, el drama y lo paranormal, la inclasificable Abracadabra ha caído de pie ante la crítica opte ahora a ocho estatuillas, incluyendo las de mejor actriz y actor para Maribel Verdú y Antonio de la Torre. Una demostración de que el cine español puede tirarse a la piscina y que haya agua... aunque las cifras de taquilla, con más de cinco millones de presupuesto, no parezcan las mejores. 

El secreto de Marrowbone

Más de 1,1 millones de espectadores. 7 millones de euros recaudados. 

Una ópera prima rodada en inglés que se convierte en un éxito inmediato de taquilla, alcanzando el millón de euros en su primera semana. Sergio G. Sánchez (Oviedo, 1973) venía con los deberes aprendidos tras su trabajo en el guion de Lo imposible y El orfanato, llevadas a la gran pantalla por J. A. Bayona. Siguiendo también los pasos del mentor, el primerizo se lanzó de inmediato a la producción internacional de la mano de Telecinco Cinema y Lionsgate International, con un presupuesto de unos ocho millones de euros. Terror gótico estadounidense, como el que flotaba en El orfanato —y, ya de paso, en Los otros— y un terror clásico que quizás no hagan historia, pero que permiten pensar que las carreras de Amenábar y Bayona no son una excepción. 

La librería

Más de 328.000 espectadores. Más de dos millones de euros recaudados.

Con su ritmo creativo y su capacidad para sacar adelante proyectos con avales tan sólidos como Juliette Binoche, Jonathan Rhys Meyers o Ben Kingsley, Isabel Coixet es una de las constantes del cine español. La librería (The bookshop en el inglés original), su película basada en la novela homónima de Penelope Fitzgerald, la ha reconciliado, además, con el público. Si Nadie quiere la noche, su anterior largo de ficción, llegó a los Goya con 405.000 euros recaudados, La librería quintuplicará fácilmente esa cifra cuando pise la alfombra roja. Igual que Binoche en 2016, Emily Mortimer y Bill Nighy son candidatos al cabezón. Y Coixet, nominada de nuevo a mejor dirección —y van cinco Goyas—, puede llevarse al menos el premio del reencuentro con el espectador español, con quien no siempre ha mantenido una relación amorosa.  

La llamadaCasi medio millón de espectadores, casi 2,7 millones de euros recaudados. 

Quizás La llamada sea la película que se ajuste mejor, junto con Verano 1993, al concepto de fenómeno. Debut de Javier Ambrossi y Javier Calvo, pareja artística y romántica que tendrá difícil quitarse de encima el apodo de los Javis, el filme no tenía más aval que el de estar respaldado por el olfato de Lavigne... y por una manada de fans. Porque el boca-oreja que ha puesto al equipo artístico en la escena del cine español comenzó con la obra de teatro homónima estrenada por los Javis en el off del madrileño teatro Lara en 2013, que ha conquistado hasta ahora a 300.000 espectadores y que cuenta ya incluso con una versión mexicana. Decir que el elenco formado por Belén Cuesta, Anna Castillo, Gracia Olayo y Macarena García está en estado de gracia es decir poco: las dos primeras compiten por el Goya a mejor actriz de reparto, y ellos por el de director novel y guion adaptado. Habrá que esperar para saber si esto es el comienzo de un nuevo musical español, muy lejos de El otro lado de la cama, o una excepción a la regla.  

Y además...

No hay suficiente espacio que permita hablar de los logros del cine español en 2017. Porque cómo no mencionar No sé decir adiós, ópera prima (otra más) de Lino Escalera que, pese a sus 12.000 espectadores, ha colocado las interpretaciones de Lola Dueñas y Nathalie Poza como de lo mejor de la temporada. O a Tierra firme, el regreso de Carlos Marques-Marcet, menos redondo acaso que 10.000 km pero una señal de que hay cineasta para rato. O a Colossal, el Godzilla de Nacho Vigalondo que ha conseguido usar la ciencia ficción y la comedia romántica para hablar de violencia machista... y recaudar 4,6 millones de euros en 34 países.  

Las mujeres profesionales del cine solo han obtenido 30 nominaciones a los Premios Goya 2018, frente a las 83  de sus compañeros hombres.

La Asociación de Mujeres Cineastas y Medios Audiovisuales (CIMA) ha emitido un comunicado en el que tilda la anterior cifra de "alarmante" y destaca que no hay ninguna mujer candidata al Goya en: Dirección de Fotografía, Música Original, Dirección Artística, Sonido, Efectos especiales, Película de animación, Cortometraje de Ficción ni Cortometraje de Animación. 

Po otra parte, la CIMA solo ve como único dato positivo el apartado de Mejor Película Iberoamericana, en el que las profesionales alcanzan un 67,5%.

Como mejor directora, únicamente está nominada Isabel Coixet (La Librería)La Librería, que competirá por el galardón con tres directores hombres, al igual que en Mejor guión adaptado.

Carla Simón, por su parte, hará lo propio en los apartados de Mejor director revelación y Mejor guión original contra el mismo número de adversarios varones.

A Mejor actriz protagonista aspiran Maribel Verdú (Abracadabra), Emily Mortimer (La librería), Penélope  Cruz (Loving Pablo) y Nathalie Poza (No sé decir adiós).

Al premio a Mejor actriz de reparto aspiran Adelfa Calvo (El autor), Anna del Castillo (La llamada), Belén Cuesta (La llamada) y Lola Dueñas (No sé decir adiós).

Por su parte, las intérpretes que podrían ser reconocidas con el premio a Mejor actriz revelación son Adriana Paz (El autor), Bruna Cusí (Verano 1993), Itziar Castro (Pieles) y Sandra Escacena (Verónica).

El porcentaje de las mujeres presentes en Maquillaje y Peluquería ha descendido con respecto al de 2016 y no llega ni al 50%. Sin embargo, en Diseño de Vestuario alcanza el 75%.

Los galardones de los Premios Goya 2018 se entregarán el 3 de febrero en una gala que tendrá lugar en el Madrid Marriott Auditorium Hotel.

Este año, las sorpresas de los premios Goya empiezan con las nominaciones. Anunciadas por los actores Bárbara Lennie y David Verdaguer este martes, dos películas que habían estado en segunda fila adelantaron a las preferidas en las quinielas de los últimos días. Handia, con 13 nominaciones, y La librería, con 12, copan las candidaturasHandiaLa librería a los galardones de la Academia de Cine mientras El autor y Verano 1993, las más señaladas por la crítica, se quedaban ligeramente atrás con 9 y 8 nominaciones respectivamente.

La gala de la 32ª edición de los principales galardones del cine español será un debate a cuatro. Handia, de Aitor Arregi y Jon GarañoHandia, está basada en la historia real de Joaquín de Eleizegui, un gigante vasco que asombró con sus 2,30 metros a la sociedad del siglo XIX. La librería adapta, de la mano de Isabel Coixet, la novela homónima de Penelope Fitzgerald La libreríaque sigue a una librera decidida a poner en pie su negocio en un pequeño pueblo inglés. Manuel Martín Cuenca se sirve de otra obra literaria, esta vez de Javier Cercas, para levantar El autorEl autor, en la que un tipo gris se obsesiona con convertirse en escritor. Y Verano 1993 sigue a FridaVerano 1993 en los primeros meses tras la muerte de sus padres y su nueva vida en casa de sus tíos, reflejo de la biografía de Carla Simón.

Son cuatro filmes, pero en realidad hay dos frentes. Por uno, Handia y La librería, las películas que acaparan más nominaciones, obras de época que compiten bien en categorías como vestuario, maquillaje y peluquería o dirección artística. Por otro, El autor y Verano 1993, favoritas en los premios Forqué de los productores (y votantes también en los Goya) y en los Feroz de la prensa cinematográfica. La ópera prima de Carla Simón llegó a las salas el pasado verano después de haber sido premiada en Berlín y Málaga y, gracias a la buena acogida de la crítica y al boca-oreja, se ha convertido en un pequeño fenómeno del cine independiente. El autor realizó también su paseo por festivales como Toronto y San Sebastián, se estrenó el pasado noviembre justo a tiempo para la alfombra roja.

Si el pasado año las nominaciones a los Goya dibujaron un panorama dominado por el thriller y la acción (El hombre de las mil caras, Tarde para la ira, Que dios nos perdone... con la excepción del drama Un monstruo viene a verme), esta edición destaca por la variedad de estilos. De hecho, tres filmes de género acaparan un buen número de nominaciones. Abracadabra, la inclasificable película de Pablo Berger que cabalga entre la parodia, el drama y el terror, opta a ocho estatuillas, tantas como Verano 1993, aunque no luzca en las de mejor película y dirección. Paco Plaza ha regresado al horror con Verónica tras el éxito de la saga Rec, lo que le ha valido siete nominaciones, incluidas película, dirección y guion. Y el musical La llamada, adaptación de la exitosa obra teatral del mismo nombre creada por Javier Ambrossi y Javier Calvo, opta a cinco nominaciones.

Las premios de interpretación dejan hueco para otros filmes que no aparecen en las principales categorías. Porque en las nominaciones a mejor actriz figuran Maribel Verdú por Abracadabra y Emily Mortimer por La librería, pero también Nathalie Poza por No sé decir adiós, del debutante Lino Escalera, y Penélope Cruz por el biopic sobre Pablo Escobar Loving Pablo. Lo mismo ocurre en el galardón al mejor actor: figuran Javier Gutiérrez por El autor y Antonio de la Torre por Abracadabra –nominados habituales, a estas alturas–, pero también Andrés Gertrúdix por Morir, película de Fernando Franco que ha pasado algo desapercibida, y Javier Bardem, de nuevo por Loving Pablo. En la categoría de actriz de reparto hay que destacar las nominaciones de Belén Cuesta y Anna Castillo, robaescenas indiscutibles de La llamada.

La categoría de dirección novel es especialmente fértil este año. No es solo que compita en ella Carla Simón, que ha colocado su primera película entre las categorías grandes de este año. Es que también está Lino Escalera por No sé decir adiós, que aunque tiene pocas posibilidades de llevarse más de un cabezón a casa es ya uno de los favoritos de la crítica, y Sergio G. Sánchez por El secreto de Marrowbone, thriller de terror rodado en inglés que es hoy la tercera película española más vista del año tras Tadeo Jones 2 (nominada, claro, a mejor película de animación) y Es por tu bien. Los Javis, como se conoce a los directores de La llamada, se cuelgan la medalla de entrar en esta categoría con un musical.

Los académicos tendrán difícil decidirse de cara a la gala del 3 de febrero. Los humoristas Joaquín Reyes y Ernesto Sevilla serán los presentadores la gala, según ha anunciado la Academia este miércoles 13 de diciembre a través de Twitter. Las últimas ediciones fueron presentadas por el actor Dani Rovira.

  Consulta la lista completa de nominados:

Película

El autor

Verano 1993

Handia

La librería

Verónica

Dirección

Manuel Martín Cuenca, por El autor

Aitor Arregi y Jon Garaño, por Handia

Paco Plaza, por Verónica

Isabel Coixet, por La librería

Guion original

Pablo Berger, por Abracadabra

Carla Simón, por Verano 1993

Aitor Arregi, Andoni de Carlos, Jon Garaño y José Mari Goenaga, por Handia

Fernando Navarro y Paco Plaza, por Verónica

Guion adaptado

Alejandro Fernández y Manuel Martín Cuenca, por El autor

Agustí Villaronga y Coral Cruz, por Incierta gloria

Isabel Coixet, por La librería

Javier Ambrossi y Javier Calvo, por La llamada

Actriz protagonista

Maribel Verdú, por Abracadabra

Emily Mortimer, por La librería

Penélope Cruz, por Loving Pablo

Nathalie Poza, por No sé decir adiós

Actor protagonista

Antonio De la Torre, por Abracadabra

Javier Gutiérrez, por El autor

Javier Bardem, por Loving Pablo

Andrés Gertrúdix, por Morir

Actriz de reparto

Adelfa Calvo, por El autor

Anna Castillo, por La llamada

Belén Cuesta, por La llamada

Lola Dueñas, por No sé decir adiós

Actor de reparto

José Mota, por Abracadabra

Antonio de la Torre, por El autor

David Verdaguer, por Verano 1993

Bill Nighy, por La librería

Dirección novel

Sergio G. Sánchez, por El secreto de Marrowbone

Carla Simón, por Verano 1993

Javier Calvo y Javier Ambrossi, por La llamada

Lino Escalera, por No sé decir adiós

Actriz revelación

Ariana Paz, por El autor

Bruna Cusi, por Verano 1993

Itziar Castro, por Pieles

Sandra Escacena, por Verónica

Actor revelación

Pol Monen, por Amar

Eneko Sagardoy, por Handia

Eloi Costa, por Pieles

Santiago Alverú, por Selfie

Música original

Pascal Gaigne, por Handia

Alberto Iglesias, por La cordillera

Alfonso de Vilallonga, por La librería

Chucky Namanera (Eugenio Mira), por Verónica

Canción original

“Algunas veces”, de José Luis Perales, por El autor

“Just take me in your arms”, de Alfonso de Vilallonga, por La librería

“La llamada”, de Leiva, por La llamada

“Rap Zona hostil”, de Fenyxxx y Roque Baños, por Zona hostil

Montaje

David Gallart, por Abracadabra

Ana Pfaff y Didac Palou, por 1993

Laurent Dufreche y Raúl López, por Handia

Bernat Aragonés, por La librería

Dirección de producción

Mireia Graell Vivancos, por Verano 1993

Ander Sistiaga, por Handia

Alex Boyd y Jordi Berenguer, por La librería

Luis Fernández Lago, por Oro

Fotografía

Santiago Racaj, por Verano 1993

Javier Agirre  Erauso, por Handia

Jean Claude Larrieu, por La librería

Paco Femenía, por Oro

Dirección artística

Alain Bainée, por Abracadabra

Mikel Serrano, por Handia

Llorenç Miquel, por La librería

Javier Fernández, por Oro

Maquillaje y peluquería

Sylvie Imbert y Paco Rodríguez Frías, por Abracadabra

Ainhoa  Eskisabel, Olga Cruz y Gorka Aguirre, por Handia

Eli Adánez, Sergio Pérez Berbel y Pedro de Diego, por Oro

Lola Gómez, Jesús Gil y Óscar del Monte, por Pieles

Diseño de vestuario

Paco Delgado, por Abracadabra

Saioa Lara, por Handia

Mercè Paloma, por La librería

Tatiana Hernández, por Oro

Sonido

Daniel de Zayas, Pelayo Gutiérrez y Alberto Ovejero, por El autor

Sergio Bürmann, David Rodríguez y Nicolas de Poulpiquet, por El bar

Iñaki Díez y Xanti Salvador, por Handia

Sergio Bürmann, David Rodríguez y Nicolas de Poulpiquet, por Verónica

Efectos especiales

Jon Serrano y David Heras, por Handia

Reyes Abades e Isidro Jiménez, por Oro

Raúl Romanillos y David Heras, por Verónica

Reyes Abades y Curro Muñoz, por Zona hostil

Película documental

Cantábrico

Dancing Beethoven

Muchos hijos, un mono y un castillo

Saura(s)

Película de animación

Deep

Nur eta Herensugearen tenplua

Tadeo Jones 2

Película iberoamericana

Amazona (Colombia)

Tempestad (México)

Una mujer fantástica (Chile)

Zama (Argentina)

Película europea

C’est la vie (Francia)

Lady Macbeth (Reino Unido)

The square (Suecia)

Toni Erdmann (Alemania)

Cortometraje de ficción

Australia, dirigido por Lino Escalera

Baraka, dirigido por Néstor Ruiz Medina

Como yo te amo, dirigido por Fernando García-Ruiz

Extraños en la carretera, dirigido por Carlos Solano

Madre, dirigido por Rodrigo Sorogoyen

Cortometraje documental

Los desheredados, dirigido por Laura Ferrés

Primavera rosa en México,dirigido por Mario de la Torre

The Fourth Kingdom, dirigido por Adán Aliaga y Álex Lora

Tribus de la inquisición, dirigido por Mabel Lozano

Cortometraje de animación

Colores, dirigido por Arly Jones y Sami Natsheh

El ermitaño, dirigido por Raúl Díez

Un día en el parque, dirigido por Diego Porral

Woody&Woody, dirigido por Jaume Carrió

Goya de honor

Marisa Paredes

Los autores no suelen ser los mejores críticos de sus propias obras. Pero Salmerón hijo se lanza: "Hay veces que tienes los mejores actores, el mejor guionista y el mejor director, pero no hay magia. Aquí hay magia". Algo de eso tiene que haber para que la película, ópera prima para más inri, se hiciera con el premio al mejor documental en Karlovy Vary, festival checo que forma parte de la selecta lista de 15 certámenes clase A junto con Cannes, Venecia o Berlín. O para que pasara por Toronto y San Sebastián, para que los medios estadounidenses Variety y ScreenDaily le dediquen críticas positivas o para que opte a los premios Feroz y a los Forqué incluso antes de su estreno en salas el próximo 15 de diciembre. Las nominaciones a los Goya se anuncian el miércoles y Salmerón sabe que es uno de los favoritos. 

No es solo por esa cualidad intangible que el director llama "magia". Hace 14 años que prepara la película. Existen 400 horas de filmación sin contar los vídeos de archivo en Super 8 y VHS, diez veces más de lo habitual. Han montado 64 versiones distintas cuando a la décima suele cerrarse la película. La historia familiar ha dado bandazos de un lado a otro al tiempo que Salmerón peinaba cada vez más canas, su padre perdía audición y su madre parecía obsesionarse con su propia muerte. La primera idea consistió en una historia de España a través de la matanza del cerdo familiar —con nombre y tratamiento de mascota— que su madre seguía realizando en casa. Rodaron matanzas propias y ajenas y llegaron a visitar el Museo del Cerdo (El Burgo de Osma, Soria). Le denegaron las ayudas públicas. Una década más tarde, ya en montaje y aún sin estructura fija, Julita da en la tecla. Esta es la historia de una niña que tenía tres sueños en la vida: tener muchos hijos, un mono y un castillo. Y cumple los tres. Volvieron a dejarle sin financiación. 

"Al final, acabó siendo una película que es un retrato de mi madre, pero también de una generación, una reflexión sobre el miedo a la muerte, sobre la pareja, sobre la crisis…", aventura el cineasta a este periódico. Lo que ocurre es que los Salmerón —esto es un matriarcado— son berlanguianos. Excesivos. Expliquémonos: Muchos hijos, un mono y un castillo toca, entre otras cosas, el peso de la historia familiar. Aquí, ese peso se materializa en las vértebras de la bisabuela, asesinada "por los rojos" durante la Guerra Civil y enterrada junto a un río. Convertidos primero en reliquia familiar, los huesos se pierden luego entre los cientos de cajas acumuladas por Julita con contenidos que van desde los vestidos de muñecas a las colecciones de miniaturas. La historia de las vértebras perdidas, por cierto, la rememoró la estrella indiscutible del filme mientras partía los huesos para un cocido. "Esto es como cuando en un equipo tienes a Messi o a Michael Jordan. Pues mi madre igual. Ella tiene esta capacidad para solucionarte una secuencia".

Porque Julita es un personaje. Casi resulta complicado aceptar que sus ocurrencias no están guionizadas, que esto no es un juego con la ficción sino la vida misma. Julita dice que sigue perteneciendo a Falange porque la apuntaron a los 10 años y ella nunca se dio de baja. Pero también dice que es medio atea, aunque siente nostalgia de la fe, y masona. Aquí, su marido Antonio hace una de sus pocas intervenciones: "Bueno, pues muy bien. Ya te he ído decir tantas cosas...". Aunque no es creyente, como de niña tuvo una breve vocación religiosa quiere que cuando muera la incineren vestida de monja mientras suenan villancicos —la Navidad es su época favorita y no quita el Belén hasta septiembre—. Pero previamente, por seguridad, le tienen que pinchar con una aguja de punto para asegurarse de que está bien difunta. "En esta historia, todo es superlativo y a lo bestia", admite el director. "Por eso ocurre también en clave de cuento".

Hay elementos casi de fantasía. Julita y Antonio se conocen, se casan, y tienen muchos hijos (paso 1). En los ochenta, Julita ve un anuncio de un mono en un periódico y se lo compra (paso 2). Julita, Antonio y los niños heredan —no se sabe bien de dónde, de quién— y se compran un castillo con sus arcos y sus lámparas de araña y sus armaduras (paso 3). Pero llega el villano, en este caso la crisis económica. Y, de nuevo sin que se sepa muy bien cómo ni por qué, hay que abandonar el castillo para no hundirse en las deudas. "Aunque suene loco", lanza el cineasta, "siempre hay denominadores comunes. Al final, aunque te tocaran bandos distintos, la manipulación franquista y los 40 años de dictadura fueron un cáncer para todo un país. Todos tenemos una madre o una abuela expansiva. Y digamos que todo el mundo ha perdido algo en la crisis: algunos su pisito, otros un local…". Y otros un castillo. 

Salmerón hijo admite que el proceso de creación ha sido para él "como una terapia": "Muchas veces vivimos de espaldas a nuestros orígenes y nuestras raíces, y no tenemos conciencia de quiénes son nuestros progenitores, nuestros antepasados o nuestra familia. Nos agarramos a cosas que nos hacen sufrir de manera innecesaria, porque vemos en ellos cosas de nosotros que no nos gustan". Al mostrar ese mundo de fantasía —"que muchas veces eran locuras"— al que Julita arrastraba a marido, niños y mono, el director reconoció la libertad y la imaginación que le habían regalado de pequeño. Y el cineasta se quita el sombrero ante esa mujer capaz de asegurar que va a morirse sola porque su marido, sordo, no escuchará sus gritos de auxilio, y capaz también de zanjar segundos después que ella lo que quiere es divertirse. "Esa generación es una generación muy fuerte, una generación que ha visto la muerte muy de cerca, y mi madre en particular tiene una gran capacidad para sobreponerse y disfrutar del día a día". Hay que aprender de ellos, dice. Y hacer locuras, como por ejemplo una película.  

Para empezar, está viviendo. El que es su segundo largometraje, primero como actriz protagonista, fue ovacionado primero en la Berlinale, donde ganó el premio al mejor guion, luego en San Sebastián, y ha sido seleccionada para representar a Chile en los Oscar. En Berlín muchos la reivindicaron como ganadora del Oso de Plata a la mejor actriz —que finalmente se llevó la coreana Kim Minhee, por On the beach at night alone—, y ahora vuelven a reclamar que se convierta en la primera mujer trans en optar a los premios de la Academia de Hollywood. Las nominaciones se conocerán el próximo febrero, y todavía se puede soñar. 

Sí, Marina es una mujer trans, y eso condiciona su posición tras la muerte de su pareja. Pero Una mujer fantástica no gira en torno a la toma de conciencia de la protagonista o de su salida del armario. El personaje, como la intérprete, que se identifica como mujer desde los 14 años, llevan media vida presentándose como lo que son. Lo que se somete a juicio es cómo la perciben los demás, desde esa familia política que no quiere ni verla (Aline Küppenheim, Luis Gnecco...) al sistema legal que no deja que su nombre figure en el DNI. Esta es la historia de Marina, "una historia de rebeldía y de defensa de la dignidad" según la intérprete. Pero también es la historia de quienes la miran. Y esa no es tan digna. 

"Marina Vega", responde el personaje cuando le preguntan su nombre minutos después de que fallezca su pareja. El policía que la interroga le pide su carnet e insiste en que el que figura en él es su nombre "real". Cuando insiste en presentarse como Marina Vega a un doctor, este le pregunta "¿Es un seudónimo?". La comisaria que dice querer protegerla, temiendo que Marina matara a Orlando en defensa propia, no cree en que ambos mantenían una relación como cualquier otra, sin dinero de por medio. Y la obliga a someterse a una inspección médica en la que es una de las escenas más duras del filme. La exmujer de Orlando, que ahora se reclama como esposa, le espeta, "Te miro y no sé qué veo". No se irá sin llamara "quimera", tan "ensoñación" como bestia mitológica compuesta de partes de león, cabra y dragón. Marina aguanta los embistes con la entereza de quien ha recibido más de uno. 

Daniela Vega comenzó a participar en la película como asistente. Cuando Sebastián Lelio, director de Gloria Gloria—seleccionada igualmente para representar a Chile en los Oscar y los Goya—, supo cuál iba a ser el argumento de su siguiente filme, se encontró con un problema básico: en su círculo cercano no había personas transexuales, y además Santiago de Chile quedaba lejos de su residencia en Berlín. Un amigo común le presentó a Vega: "Estuve dos años hablando con Sebastián de lo que suponía ser trans en Chile y en Latinoamérica. Le recomendaba libros, le presentaba a distintas personas...", cuenta en una entrevista. Al final del proceso, Lelio le mandó el guion. La actriz se reconoció de inmediato en Marina, cantante de ópera como ella: "¡No me había contado que quería que fuese su protagonista, fue una gran sorpresa!". Tras tres días de fiesta y una resaca, se pusieron a trabajar. 

La película sale de un país conservador: este verano se ha conseguido legalizar el aborto solo en caso de peligro para la vida de la madre, inviabilidad del feto y violación. No existe el matrimonio entre personas del mismo sexo —aunque la presidenta Michelle Bachelet cuenta con aprobarlo antes de que termine su mandato—, solo la unión civil desde 2015. Al no existir una ley que regule las modificaciones de nombre y sexo en el registro civil, estas deben formularse mediante demandas y quedan a discreción del juez que las atienda. Sin embargo, Chile vive una ebullición cultural: en el cine, Lelio y Pablo Larraín —productor también de este filme— cosechan éxitos, y músicas como Javiera Mena (abiertamente lesbiana) o la combatiente Anna Tijoux son ya muy conocidas fuera de sus fronteras.

¿Está cambiando el país? Daniela Vega no es optimista, y considera que nada cambiará mientras no cambien las leyes: "El estado no reconoce la existencia de algunas personas, y esas personas vivimos en cuerpos ilegales. Si yo muero y no tengo mi nombre cambiado en el carnet de identidad, no tengo el derecho a que mi tumba diga Daniela Vega, tendría que aparecer el nombre antiguo", reivindicaba en una entrevista. Pero también reconoce que la lucha de las personas trans no acaba con ver reflejado en su carnet de identidad el nombre que han elegido: "El Estado puede darnos un DNI, pero eso no significa que vayamos a tener las mismas herramientas que el resto para integrarnos en la sociedad. Entre otras cosas porque no hay políticas de prevención de discriminación ni de inclusión". 

Lelio se encuentra ya enfrascado en su próximo proyecto, Disobedience, su primera incursión en el cine internacional. Se trata de una historia de amor entre dos mujeres en el seno de una comunidad judía ultraortodoxa de Londres, protagonizada por Rachel Weisz y Rachel McAdams. Daniela Vega prepara Un domingo de julio en Santiago, en la que por primera vez interpreta a una mujer cis —es decir, no trans—, papeles que suelen estar vetados a las actrices trans. A ambos, sin embargo, puede darles aún una alegría esta mujer fantástica. 

"Lo hacemos y ya vemos." Los guionistas, directores y actores Javier Ambrossi y Javier Calvo no dudaron en tatuarse esa frase. Se ha convertido en su lema, una reivindicación de osadía adolescente que se han propuesto conservar aunque el primero pase de los 30 y el segundo no ande muy lejos de alcanzarlos. Tienen un buen motivo: les ha funcionado. Es el estribillo de la canción central de La llamada, la obra de teatro que llevaron en 2013 al hall del Teatro Lara, en el centro de Madrid, y que en ocho funciones pasó a la sala principal por petición popular. Allí sigue, sumando espectadores a los 300.000 que ha conquistado. Y el leitmotiv es también el nombre de la empresa que han fundado para llevar a las pantallas la versión cinematográfica de la obra. Lo han hecho: el jueves se estrena en la Gala TVE del Festival de San Sebastián y el viernes estará en salas. 

"Está saliendo todo muy bien. No nos lo esperábamos, pero todavía queda lo más importante, que es que le gusta a la gente", dice Calvo, a bordo de un AVE, en uno de los muchos viajes que han emprendido estos días de promoción. Pero parece ganado: La llamada se anuncia ya como un éxito de taquilla. Ambrossi y Calvo, conocidos como los Javis, cuentan con el apoyo de la crítica y con el de los fans. Porque, sí, la obra de teatro cuenta con seguidores que han ido a verla varias veces —los directores hablan de dos devotas, madre e hija, que han pasado en el Lara más de 200 funciones—, que lucen con orgullo su merchandising, se denominan llamaders y abarrotaron la première del martes en Madrid —donde, como guinda del pastel, esta pareja creativa y amorosa se prometió en directo—. Pero su carácter comercial y ligero no quiere decir que sea fácil. 

La premisa, desde luego, podría haber terminado en un batacazo. María (Macarena García, hermana de Ambrossi) y Susana (Anna Castillo), dos adolescentes locas por el electrolatino, van al campamento religioso La Brújula con el secreto propósito de hacerse un tour por las discotecas de las afueras de Madrid. Pero dios (Richard Collins-Moore) tiene otro plan para ella, y se le aparece bajo la forma de un cantante melódico vestido con traje de lentejuelas que trata de comunicarse con ella arrancándose por Whitney Houston. Completan la estampa Milagros (Belén Cuesta), una joven novicia que dejó atrás su grupo de versiones de Presuntos implicados para entrar en el convento, y Bernarda (Gracia Olayo), que se jactaba de ser moderna en los noventa y que confía aún en el poder de convocatoria del radiocasete. La mezcla es irreverente aunque respetuosa, fresca sin ser superficial. 

Lo de pasar de las tablas al proyector no ha sido improvisado. Lo explica Calvo: "Nosotros siempre pensamos en audiovisual. Yo me he criado en un plató [en el de la serie Física o química, donde interpretaba a Fer], como quien dice, y ambos hemos crecido entre series y películas. El teatro era una manera muy buena de empezar porque no necesitas tanto dinero, es barato, es interesante. Pero siempre imaginábamos en cine o televisión. Siempre soñamos con hacerlo, lo que nunca soñamos es que se fuera a cumplir". Comenzó a parecerles posible hace dos años. Y se hizo material cuando vieron a Enrique López Lavigne, productor de filmes como Lo imposible o Un monstruo viene a vermeLo imposibleUn monstruo viene a verme, aplaudir como un loco en el patio de butacas del Lara. Los Javis no dudan en coronarlo con el título de "mejor productor de España". 

Podría parecer que se trata de un proyecto de nicho: un musical protagonizado por adolescentes, de temática tan religiosa como LGTBI y con unas referencias culturales que van desde las canciones de misa —"Viviremos firmes en la fe", del sacerdote Toño Casado; "Estoy alegre" convertida en un himno country— hasta Henry Méndez. "No creo que sea de nicho, sino universal. Porque lo concreto, al final, lo es." Es Ambrossi quien contesta ahora: "Y, ¿sabes?, los productos de entretenimiento pecan justamente de lo contrario, de querer ser generales. ¿Quién no ha sentido la llamadala llamada, sea por lo que sea? ¿Quién no ha sentido que había encontrado su sitio, o quién era de verdad, o lo que le gustaba? Eso lo puede entender todo el mundo". 

Lo consiguieron con Paquita Salas, que empezó concebida como una serie con capítulos de cinco minutos para Flooxer, la plataforma online de Atresmedia, y acabó reconocida por la crítica como la mejor serie de comedia en los últimos Premios Feroz. La premisa: Paquita (interpretada por un travestido Brays Efe) es una representante de actores que, ya en la madurez, ha ido perdiendo el pulso del negocio. Para colmo, su actriz fetiche, Macarena García haciendo de sí misma, la abandona. Marca de la casa. Mezcla de géneros (un poco de melodrama, un poco de falso documental), guiños a la comunidad LGTBI, mucha purpurina y su buena dosis de costumbrismo. Otro éxito. 

Si eso es posible en La llamada, se debe, en gran medida, al elenco. Macarena García (Goya a mejor actriz revelación en 2012 por Blancanieves) y Belén Cuesta (Kiki, el amor se hace, Ocho apellidos catalanes) y Richard Collins-Moore formaron parte del elenco original, y este último continúa aún sobre los escenarios. Anna Castillo (Goya a mejor actriz revelación en 2017 por El olivo) sustituyó a Andrea Ros, y Gracia Olayo hizo lo propio con Llum Barrera. No es solo que lleven años encarnando al mismo personaje: es que se ha convertido en algo familiar. Cuesta pudo dejar de poner cañas en el Válgame Dios, el bar en el que trabajaba junto a Ambrossi, gracias a la obra de teatro. Como el propio Javi. Castillo también se ha tatuado el título de una canción de la película: "Step by step". 

La familia es, salta a la vista, eminentemente femenina. "Es que lo único que nos sale. Yo me he criado con mujeres", dice Calvo, "Javi también, con todas mis amigas, Almodóvar es nuestro referente... No entendemos que sea de otra manera". Ambrossi es, además, optimista: "Venimos de un momento en el que los personajes femeninos han flojeado mucho, pero mira los Emmy". Se refiere a los premios de la televisión estadounidense, que el pasado domingo 17 reconocieron series como El cuento de la criada, Veep o Big little lies, todas protagonizadas por mujeres. "Había una cosa pasada un poco ranciota", continúa Ambrossi, "las mujeres eran las novias, las hermanas, las hijas… Hay que dejar que ellas cuenten su propia historia".

Ellos hablan, además, de mujeres adolescentes, caracterizadas a menudo como inmaduras y superficiales, más preocupadas por el Justin Bieber de turno que por su futuro. Ellos protestan: "A los adolescentes se les mira por encima del hombro. Como Javier Marías: que si el móvil, que si la fiesta... Pero en la adolescencia te pasan cosas importantísimas". En La llamada,María y Susana son alocadas e indisciplinadas, pero también comprometidas, realistas y sensibles. Ambrossi se embala: "No sé por qué tienes que ridiculizar a una generación solo porque no sea la tuya. La milenial es una generación maravillosa que en la crisis se ha sabido reinventar y ha sabido crear sus medios de expresión. Es una generación muy válida y muy valiente". Y es la milenial la que, por ahora, ha abarrotado mayoritariamente la sala de teatro. Para saber si convence a los que aún no se han convertido habrá que esperar un par de fines de semana. Los Javis se encomiendan a La llamada: "Tenemos fe". 

El drama biográfico HandiaHandia, sobre un joven vasco que fue un fenómeno continental en la convulsa Europa del siglo XIX por su desmesurada altura, única producción ibérica que se estrena mundialmente en la competencia del festival donostiarra, ha sido el gran protagonista de este tercer día del certamen, en el que también se entregó el Premio Donostia a una cineasta superviviente de la nouvelle vague, la belga Agnès Varda, en otra sobrecargada jornada con dos títulos más a concurso.

Aitor Arregi y Jon Garaño, autores de Loreak, que no vio su buena acogida en este mismo festival reflejada luego en el palmarés final, podrían tener más suerte esta vez. Handia, que significa "grande" en euskera, cuenta una historia real, la de un hombre que llegó a medir 2 metros y 40 cm y que por ello se convirtió en un fenómeno científico y popular.

El llamado "gigante de Altzo" fue el menor de tres hermanos que vivían en un caserío de esa localidad, próxima a la capital guipuzcoana, cuyo nombre completo fue Miguel Joaquín Eleizegi, y recorrió para ser visto y estudiado otros lugares de España y Europa, en un periplo que la película sigue por varias capitales europeas (en su mayor parte reconstruidas en otras localizaciones y digitalmente). El euskera, por tanto, es el idioma principal, pero también hay escenas donde se habla castellano, inglés e incluso francés. La lengua que usaban los Eleizegi era la vasca dado su origen rural, y sabían muy poco castellano.

Dos son los protagonistas de la historia, el "gigante" Joaquín, y su hermano Martín, que siempre se llevó la peor parte. Cuando los carlistas llegan al caserío de los Eleizegi quieren llevarse a los dos chicos para que luchen en la contienda entre los aspirantes al trono español, pero el padre se niega y ofrece a su hijo Martín para que vaya al frente mientras Joaquín se queda a cargo del caserío. En ese momento en que su hermano se marcha a la guerra, el chico es de estatura y complexión normales, pero cuando su hermano regresa unos años después de acabar el conflicto bélico, descubre que Joaquín se ha convertido en un gigante.

Poco a poco, y por la falta de recursos, se les ocurrirá hacer negocio con esa característica física de Joaquín, y viajarán primero a Bilbao, más tarde a Madrid, y finalmente por las principales capitales europeas, donde el chico es exhibido como una atracción circense. El dinero que generan servirá para que Joaquín compre junto con su padre el caserío que hasta entonces arrendaban.

Esta película es, hasta la fecha, la segunda producción más cara del cine vasco, y aunque recrea escenarios como Londres o París, está rodada íntegramente en localizaciones del País Vasco. Impresiona la ambientación, la fotografía y, en general, el valor de la producción de esta cinta, que interpretan los actores vascos Eneko Sagardoy, Ramon Agirre y Joseba Usabiaga con el apoyo del exjugador argelino de baloncesto Saad Kaiche.

Se puede decir que Handia es una fábula, un cuento de Dickens que transcurre en EuskadiHandia, una historia tierna y triste, que mantiene el interés del espectador y le llega a emocionar en muchas ocasiones. La satisfacción general demuestra que no ha sido seleccionada por chovinismo, sino por sus intrínsecos valores cinematográficos. Es además, el único estreno mundial iberoamericano de esta selección 2017, puesto que el resto se vio antes en Toronto.

Las otras dos cintas a concurso del día han sido dos producciones francesas, por un lado El sentido de la fiesta, una ágil comedia comercial de Eric Toledano y Olivier Nakache, que narra los preparativos de una boda, pero en esta ocasión desde la trastienda, y la coproducción con BélgicaNi jueza, ni sumisa, un documental sobre una jueza fascinante.

Relacionados felizmente con San Sebastián desde que su primer éxito, Intocable, cerrara fuera de concurso el festival hace seis años, los comediógrados franceses realizan un nuevo bosquejo social y humano, esta vez más "burgués", en El sentido de la fiesta, cuyos protagonistas son los encargados del catering, el fotógrafo, los floristas... los que realmente hacen posible el éxito de un caro enlace matrimonial de una familia acomodada en un glorioso château del siglo XVIII. Jean-Pierre Bacri, Gilles Lellouche, Suzanne Clément y Jean-Paul Rouve encabezan el coral elenco de esta cinta que ha hecho reir, aunque se aproxima más a la idea de una comedia comercial para ver con un envase grande de palomitas de maíz que a la de un filme de festival.

La tercera cinta del dia fue una coproducción franco-belga Ni jueza ni sumisa, de Jean Libon e Yves InantNi jueza ni sumisa, un documental periodístico basado en la experiencia real y diaria de una jueza de Bruselas con clientes y soluciones a sus problemas muy particulares, tan bien filmado que podría tomarse como una ficción. La jueza Anne Gruwez es la protagonista absoluta, y con su originalidad y desparpajo se desenvuelve con un estilo cuando menos poco convencional entre los delincuentes con los que le toca lidiar.

Podemos escandalizarnos de algunas de sus sentencias. De hecho, la cinta es, por decirlo de forma muy esquemática, mucho más una comedia que una crónica social, porque la demencial realidad y la actitud de la magistrada están en un constante surrealismo jocoso. Ni jueza, ni sumisa es una producción interesante, pero emparejarla con cintas de ficción no deja de ser una provocación imitadora de otros festivales proclives a épater le bourgeois.

A principios de los noventa, mientras Paco Plaza (Valencia, 1973) era un adolescente que esperaba con impaciencia una nueva sesión de güija con sus amigos cada fin de semana, tenía lugar a 350 kilómetros de distancia, en el madrileño barrio de Vallecas, uno de los sucesos paranormales más famosos e inquietantes de los registrados en España. El informe policial sobre el popularmente conocido como expediente Vallecas se convirtió en un caso inaudito por reconocer manifestaciones sobrenaturales: puertas de armarios que se abrían “de forma súbita y antinatural”, fuertes ruidos procedentes de partes vacías de la casa, manchas de babas de color marrón en una mesa, entre otros misterios que impedirían a más de uno conciliar el sueño. El documento, fechado en noviembre de 1992, fue elaborado después de visitar el domicilio familiar de Estefanía Gutiérrez Lázaro, una adolescente que había fallecido por causas extrañas meses antes, tras haber jugado a la güija con unas compañeras de clase.

El expediente Vallecas le sirve a Plaza como excusa argumental para contar en su última película, Verónica, las dificultades de la adolescencia, esa transición muchas veces abrupta y traumática de la infancia a la madurez. La cinta, que llegó a los cines el pasado viernes 25 de agosto, tres semanas antes de su estreno internacional en el Festival de Toronto, ofrecía multitud de posibles enfoques: desde la reconstrucción fidedigna de los hechos hasta un drama psicológico inspirado en la sobrecogedora historia de aquella joven vallecana. “Lo que hicimos finalmente”, explica Plaza horas antes de la premiere de la película, “fue utilizar el ingrediente diferencial del caso Vallecas: la existencia de un informe policial en el que un inspector asegura haber sido testigo de algo paranormal, para así contar una historia sobre el crecimiento, sobre el dolor de convertirte en adolescente y el vértigo y la angustia que atraviesa una niña cuando tiene esa edad”. Y contado, cómo no, en clave de cine de terror, género en el que Plaza se mueve con gran soltura.

A la protagonista de la cinta, Verónica, encarnada por la debutante Sandra Escacena, le arrancan la infancia a empujones. Tiene 15 años, la habitación llena de posters de Héroes del Silencio y estrellitas que relucen durante la noche, comparte juegos con sus hermanos menores, pero los hombres del barrio ya se giran cada vez que pasa por las calles coronadas de edificios de ladrillo rojo. “En el caso de los chicos esa mutación [de niño a hombre] existe: te cambia la voz, te salen pelos y tienes sensaciones nuevas; pero en el caso de las chicas se agudiza, ya que no sólo cambias y empiezas a sentir tu cuerpo y tus sentimientos como algo extraño, sino que también notas la manera en la que te mira el mundo”, reflexiona el cineasta. Todo ello unido al shock de las primeras reglasshock, que parecen marcar una clara línea divisoria entre la pureza de la infancia y todo lo que viene después. “Con todas las mujeres que han intervenido en el proceso de la película hablamos mucho sobre el trauma que supone que te digan: ‘ya eres una mujer’, porque te preguntas ¿y eso qué significa? ¿En qué he cambiado? ¿Hace una semana era otra? Entonces, la sensación de que tú no eres tú, sino que eres otra cosa, da un vértigo tremendo y eso es lo que siente Verónica cuando se mira al espejo”.

Pese a ser su primera película de encargo, Plaza reconoce que se ha convertido en el proyecto más personal de su filmografía, la película más trufada de sus propios recuerdos. “Verónica es mi alter ego absoluto, compartimos esa sensación -que creo que es la de cualquier adolescentes- de sentirte solo e incomprendido, de que los sentimientos con tus amigos, de traición y amistad incondicional, sean muy fuertes. La adolescencia son arenas movedizas, te conviertes en un explorador o exploradora, ya que investigas por primera vez sentimientos que no controlas”. Comparten, además, un universo común de la vida en un barrio de las afueras: los bares con serrín en el suelo, el esplendor del gotelé, poner jabón en la lavadora con un vaso de cristal, las canciones de Héroes del Silencio y, por supuesto, el gusto por lo parapsicológico. “Siempre me encantó la güija, me daba mucho morbo, recuerdo una excitación total, muy parecida a tomar una droga. De hecho, existe hasta una adicción a la güija diagnosticada”, rememora el cineasta. En aquella España de las Olimpiadas de Barcelona y la Expo de Sevilla tuvo lugar una moda de lo paranormal que Plaza achaca, entre otras cosas, a los programas de Fernando Jiménez del Oso (La puerta del misterio, Misterios en la intimidad).

El elenco de Verónica, producida por Apaches (Un monstruo viene a verme), se completa con Bruna González, Claudia Placer, Iván Chavero y Ana Torrent. Durante el proceso de casting, el equipo de la película hizo pruebas a alrededor de 800 niños. Su intención era que la relación entre los chavales –Verónica/Escacena ejerce de hermana mayor de los personajes de González, Placer y Chavero- fuese lo más documental posible: que comiesen de verdad y tuviesen conversaciones espontáneas. Por ello, rodaron con teleobjetivos para interferir lo menos posible en las escenas más familiares. La elección de la veterana Ana Torrent (El espíritu de la colmena, Tesis) fue voluntad del propio director, fan absoluto de la película de Carlos Saura Cría Cuervos (1975). Paco Plaza se planteó Verónica como una secuela de la obra de SauraVerónica , contando la vida de su protagonista con la misma actriz, pero décadas después: adulta, viuda de un rockero, vecina de Vallecas, madre de tres hijos y camarera en un bar.

Sin idealizar el pasado

No obstante, y a pesar de haber puesto tanto de sí en Verónica, el director quiere desligarse del olor a nostalgia. “La nostalgia forzada busca una empatía y complicidad con el espectador que enturbia las virtudes de la película”, valora Plaza. “Si haces una película de homenaje a los Goonies, con niños en bici, ya estás intentando que el espectador se sienta cómodo, pero ¿y la película de qué va? Creo que ese esfuerzo nostálgico te despista de lo que realmente tienes que explicar, una historia de personas a las que les suceden unas cosas”, completa en una alusión velada a la serie de Netflix Stranger Things.

Pero, ¿cómo escapar a la nostalgia en una película tan personal? “La nostalgia es inevitable cuando se trata de una película que tuvo lugar en 1991 [la cinta se sitúa un año antes de lo recogido en el expediente Vallecas], te pones nostálgico porque te recuerda una época; pero la puedes evitar haciendo que tu mirada no sea embellecedora. Mi intención como autor y como cineasta era no idealizar ese momento y mostrarlo como era, con sus yonquis en la calle y las colas del paro”. Y también los grupos de adolescentes jugando unas veces a la güija, otras a la botella, y todos ellos asomándose indefensos a la madurez.

"España está llena de Cármenes", dice la actriz mientras apura un aperitivo en la enésima jornada de promoción, "es una radiografía fiel y veraz de una parte de la sociedad española. Todas las conocemos". Su Carmen soporta con estoicismo, laca y algo de miedo a Carlos, el marido futbolero y desconsiderado que es mucho más —mucho menos— que un tipo desagradable. Carlos es Antonio de la Torre, especializado a estas alturas, después de Caníbal y de Tarde para la ira, en tipos que bordean o caen en el sadismo. Y ahí está Verdú, manteniendo su personaje "desde la verdad más absoluta" en la comedia descabellada que ha montado Berger. No queda nada del esteticismo medido de Blancanieves: aquí todo es exceso y colores chillones. 

Lo dice él mismo. Después de que su melodrama mudo y españolísimo arrasara en 2012 el Festival de San Sebastián y los premios Goya, se embarcó en una gira que le tuvo más de dos años de padre de la criatura. "Después de ese periplo, me encerré en la productora y tuve una depresión postparto. '¿Y ahora qué?'. Desempolvé varios guiones que tenía, unos inacabados y otros no, mi cuaderno de ideas… y decidí hacer el proyecto menos parecido a Blancanieves que encontré". Lo hizo, eso sí, con el mismo equipo, aunque del elenco solo repitan Verdú y Josep Maria Pou en el papel de un excéntrico maestro de la hipnosis. Porque hay mucho de paranormal. Para no hacer spoilers innecesarios, diremos solo que tras una sesión de hipnosis fallida —responsabilidad de un sorprendente José Mota—, Carmen descubre que su Carlos es súbitamente otra persona. Para bien o para mal. Y por ahí anda Quim Gutiérrez... pero no diremos por qué.

La actriz habla de su director con fidelidad e irreverencia: "Pablo Berger va a pasar a la historia del cine español. Son películas que tienen un sello y un universo propio. No sabes lo que es rodar con él. Pablo puede rodar 60 planos al día. Desde aquí, desde aquí, desde aquí, subjetivo del culo del vaso del refresco, en escorzo… ¡El montador de Pablo debe de estar tratado!". Tras un mes de ensayo partiendo del guión, el director no dudaba en repetir hasta la decena de tomas en sesiones de rodaje muy exigentes. Quizá sabiendo la dureza de su ritmo de trabajo, Berger trató de conquistar a la intérprete para que se embarcara en el proyecto. Lo cuenta Verdú entre risas: "Llevábamos un tiempo sin vernos, y me cita en un sitio precioso y charlamos y charlamos. Y me saca una caja, la abro y está el guión encuadernado. Abro la primera página y pone 'Carmen', una flechita y 'Maribel'. Me morí. Esa noche le llamé: 'No sé lo que he leído, pero quiero estar ahí". 

El asombro de la actriz es comprensible. Berger, que ya unió porno casero y comedia española en Torremolinos 73 y cine mudo, cuentos tradicionales e imaginario torero en Blancanieves, da aquí otra vuelta de tuerca. "Es una tragicomedia, pero he añadido más géneros que nunca", confiesa, "he metido thriller, terror, cine social, musicalthriller…". Sí, musical. Hay una escena de baile digna de Fiebre del sábado noche entre Verdú y De la Torre que se ha convertido en la favorita de la actriz. También hubo ensayos, que la intérprete recuerda con alegría. 

Pero no es todo comedia —o comedia bien negra—. Hay un trasfondo bien serio en la relación entre Carmen y Carlos. "Tengo atracción por los arquetipos, llámales estereotipos o llámales iconos", explica Berger. "Soy como un músico de jazz que coge un estándar e improvisa. Pero me gusta que al espectador le suene la melodía". Y el personaje de Antonio de la Torre resulta demasiado familiar. Frente a eso, está el arrojo de Carmen, para Maribel Verdú el punto clave del filme. Lo dice sin dudar: "Hablamos de la liberación de una mujer, que es lo que realmente cuenta. El voy a ser valiente, voy a dejar todo esto atrás y voy a buscar mi libertad. Fíjate que no te hablo ya de felicidad. Es la libertad. Carmen es una heroína". 

Une heroína que le quita el descanso veraniego. Maribel Verdú empalma la larga promoción del filme con el rodaje de Superlópez, la adaptación del personaje de Jan protagonizada por Dani Rovira. Su viaje a Barcelona para sumarse al equipo es el único que se podrá permitir en estos meses. Pero siempre quedará el invierno. 

De tanto contarlo, casi se volvió un cuento. El cuento de una niña cuyos padres mueren por una enfermedad desconocida entonces y que ahora se llama sida; una niña que se va a vivir con sus tíos, a los que llamará papá y mamá, y con su prima pequeña, a la que llamará hermana. Una niña que años más tarde tratará de comprender lo que sintió durante aquel verano de 1993 en el que su mundo fue destruido y construido de nuevo. El cuento, ahora, tiene un final: la niña crece, estudia cine y hace una película contándolo. La película se llama Verano 1993, gana el premio a la mejor ópera prima en la Berlinaleen la Berlinale y la Biznaga de Oro a la mejor película en el Festival de Málaga. El último capítulo del cuento comienza el viernes 30, cuando llegue a los cines españoles. 

La niña, Frida en la ficción, es la cineasta Carla Simón (Barcelona, 1986). Estos días se ve asediada por los periodistas y su película suena, inevitablemente, como una de las mejores del año y favorita para la lejana temporada de premios. Algo no tan frecuente —en realidad, nada en absoluto— para el primer filme de una mujer anónima hasta ahora y que apenas pasa de los 30. "Lo de Berlín fue muy fuerte, me acordaré toda mi vida", dice por teléfono después de tres días de promoción sin descanso. "Estaba trabajando el día antes de volar, terminando la peli. Y después con lo del premio no entendía nada, y sigo sin entenderlo muy bien. De repente haces algo hablando de algo muy personal... y funciona". 

Hace tres años que empezó a escribir la película. Delante de la pantalla, en ese "espacio de libertad", solo se trataba de rebuscar entre sus recuerdos. Que no es poco. La mudanza de la casa de infancia, la tristeza nunca vista de los adultos, el dolor incomprensible. Los colores de aquella casa en el pueblo, nueva y conocida. El ambiente pegajoso del verano. Los celos. El vacío. La risa y luego el llanto. La imagen de su madre biológica borrada por el tiempo. La de los nuevos padres —en la ficción, Bruna Cusí y David Verdaguer— "Intenté recordar emociones, sensaciones de esa época", explica, más interesada en eso que en la fidelidad a los hechos. "Hablé mucho con mi familia, con mi padre, con mi madre... con mi nuevo padre y mi nueva madre —se corrige—, y les pedí que me volvieran a contar ciertas anécdotas". Algunas que ya no sabe si recuerda genuinamente o si su memoria se ha amoldado al relato de los mayores. Como hilo conductor, sus lecturas sobre los procesos de adopción, sobre el duelo infantil. Eso que ella entonces no comprendía pero vivió. 

¿Pero cómo supo que la letra pequeña de su historia personal podía interesar al público? "Supongo que es fruto de haberlo contado muchas veces a gente distinta, por el motivo que fuera, y encontrarme siempre con una reacción como de sorpresa". A eso se sumó, claro, el interés de las productoras. Si otras compañeras noveles describen como un calvario el proceso para conseguir la financiación —la directora Nely Reguera le dedicó cuatro años de los seis que tardó en levantar su primer filme, María y los demás—, ella asegura que fue "más o menos rápido". A Inicia Film y Avalon P.C. se sumaron las ayudas del Ministerio de Cultura, sus homólogas catalanas y finalmente se sumó TVE. 800.000 euros. Con eso consiguieron rodar. 

Y para el rodaje se desplazaron a La Garrotxa (Girona), a los paisajes de su niñez. Había rebuscado en el álbum familiar para tener una imagen precisa de los colores, de la ropa, de las caras. Y, sin embargo, allí sus recuerdos tuvieron que pasar a ser de otros. "Eso fue difícil. Al final tienes unas imágenes muy claras en tu cabeza, y llegas ahí y hay unas niñas y unos actores y una localización... Delante de eso sentí que tenía que renunciar a algo, y finalmente renuncié a mis imágenes", cuenta. Para ser fieles a la historia, a la neblina de los recuerdos, tenía que primar la naturalidad. La receta: planos largos, un gran trabajo actoral, música que suena siempre dentro de la ficción de la propia escena... y unas niñas protagonistas, Laia Artigas y Paula Robles, que son oro. 

Fueron seis meses de casting y Laia, la Frida/Carla de Verano 1993, era la penúltima niña a la que vieron. "Intentaba buscar niñas que se parecieran a los personajes para que no tuvieran que crear. Ellas tienen esta imaginación de estar jugando, que es lo que están haciendo: en vez de actuar, juegan", cuenta. Y la mirada de Laia, "muy potente, que parece que oculta algo y tiene muchas caras, no sabes si de buena o de mala", explica entre risas. Ella, y la niña que fue la cineasta, son el pilar de la película. No hay juicio sobre el pasado, ni necesidad de explicar lo que ocurrió. "Cuando hablas de personajes que conoces es importante ese sentido de la responsabilidad, porque tienes que ser honesto y fiel con esas personas, que existen. Sale de manera muy natural no juzgar". Tuvo que vencer, incluso, la visión "idealizada" de cómo fue criada: "Son unas personas que te acogen y no las cuestionas. Pensándolo más tarde, no eran mucho mayores que yo ahora... Seguro que también se equivocaron, como todos. Tuve que explorar eso".

Luego estaba el tabú, esa enfermedad que se llevó a sus padres y cuya existencia no conoció hasta los 12 años. "La palabra sida o VIH no podía salir en la película, porque yo no sabía", zanja. Había otra preocupación: "Es una cosa tan morbosa, de alguna manera, que es fácil que se convierta en el tema principal de la película, y yo no quería eso". No lo es. Pero ese hueco, eso que no se explica ni se nombra, impregna la película. Quizás sea la enfermedad. Pero también es la muerte, tan misteriosa para los niños como para los adultos. 

"Mi padre es un hombre al que le quieren mucho", presume Bosco ante la cámara que le sigue, no se sabe bien por qué. Lo que es un orgullo acaba más tarde siendo una justificación: "A mi padre le quieren muchos mucho. Mi padre no tiene más dinero que la gente normal". ¿La diferencia? Su progenitor, el ministro Alfonso Bermúdez, ha sido detenido y enviado a prisión de manera preventiva tras ser imputado por corrupción. Bosco entonces, con el grifo cerrado y sin oficio ni beneficio, deberá vagar tirando de unos y de otros hasta que el destino le lleve, horror, al barrio de Lavapiés, centro de la izquierda a la que tanto desprecia (y viceversa). 

La propuesta con la que Víctor García León (Más pena que Gloria, Vete de mí) vuelve al cine después de 11 años da para sketch, pero, como ha demostrado en el Festival de Málaga, donde se ha hecho con el Premio de la Crítica, también para construir un autorretrato de la España "subnormal". Esta película rodada durante un año con presupuesto de guerrilla iba a titularse, de hecho, así: Autorretrato. "Pero era demasiado serio para el país en el que estamos", dice el cineasta, "y la palabra selfie, con todo lo pequeña y frívola que es, sí que iba muy bien al tema". Las peripecias de Bosco no dejan títere con cabeza: de los mandamases del PP a los ilusionados activistas de Podemos, todo produce aquí vergüenza ajena. 

"Con la crisis nos hemos caído todos de la cama, y quería contar esa caída de la cama, que he pasado yo y amigos míos, pero desde la perspectiva de aquel para el que la caída va a ser más grande, el niño más protegido: un pijo", resume García León. Bosco —interpretado por el primerizo Santiago Alverú— no corría el riesgo de que la falta de recursos diera al traste con su MBA en la Universidad de Nebrija o su prometedora carrera. Pero el encarcelamiento de su padre, rechazado incluso por sus compañeros de partido, dinamita sus aspiraciones. Por ahora. Porque es inevitable pensar en Guillermo Willy Bárcenas, hijo del extesorero del PP que pasó de ser retratado, cariacontecido, a la entrada de Soto del Real a llenar el Palacio de Deportes con su grupo Taburete. 

Clase alta idealizada

Pero Bosco no tiene banda de música en la que escudarse, y después de que embarguen la casa familiar y de que su madre decida cortarle el grifo, acaba recurriendo a Macarena (Macarena Sanz), una joven invidente y entusiasta activista de Podemos. "Ese era el origen de la idea: soltemos a un pijo en Lavapiés y veamos cómo se asusta", cuenta el director, que asegura que durante el rodaje el proyecto fue "ganando verdad". En parte, gracias a Alverú, que se define como "pijo" sin apenas culpa y cuya interpretación da solidez a un personaje que roza el cliché. Lo explica el director: "Él nos iba diciendo qué cosas del guion eran una parodia descabellada sin interés, y qué cosas sí eran verdad. La clase media siempre se imagina a la clase alta distinta de como es. La idealizamos como si fuera más digna, pero es igual de cutre". 

Pero también por el falso documental que rige el filme. García León renuncia, por cierto, a explicar por qué a su personaje le sigue una cámara: "¿Por qué graban a las Kardashian o a las Campos? Se hace porque se hace, en esta sociedad en la que nos exponemos tanto… es casi normal". Lo es, sobre todo, para Bosco, que cree merecer la atención que se le prodiga. "Y es la calle, hay un punto en la realidad que es impagable. Reproducirla es imposible, pero retratarla es muy fácil", admite el cineasta, hijo del también director José Luis García Sánchez y de la música Rosa León. Llegó al festival sin distribuidora para Selfie y ahora ha recibido varias ofertas. La larga pausa en su carrera no se debió a otra cosa que a que se le cayeron de las manos seis proyectos, así que cruza los dedos para que le salga la adaptación de Los europeosLos europeos, la novela de Rafael Azcona, en la que trabaja. 

La batucada en pleno Lavapiés que Bosco mira con curiosidad y pasmo es real. Y, sabiendo que la película fue rodada entre diciembre de 2015 y diciembre de 2016, en plena fiebre electoral, es real el acto de Podemos en La Caja Mágica en la que el protagonista se hace un selfie con Ada Colau de fondo —"No recuerdo cuándo fue, pero debe ser antiguo porque sale Errejón", bromea el director—. Y es real la reunión de interventores del PP en Talavera de la Reina en la que aborda a Esperanza Aguirre para preguntarle por su madre ficticia. Ambos partidos, polos opuestos de la trama, dieron todas las facilidades para que el equipo grabara en sus actos. "No sé si no se habían leído el guion, o es que es algo que explotan muy pocos y que casi les hace ilusión", baraja.

"Les da igual lo que piensen los demás"

Bosco tiene pijamas poco glamurosos y maneras de patán. Mira la ensaladilla rusa del bar de la esquina como si fuera radiactiva, utiliza a su ligue para conseguir piso y trabajo y, ante todo, no se corta. "Los pijos son más listos de los que parecen. Porque les da igual parecer idiotas. Nosotros intentamos aparentar que somos más listos de lo que somos, ponemos la voz más grave y citamos a este y al otro para que nos tomen en serio. Ellos no lo necesitan", defiende García León. Resultado: Bosco ridiculiza ante la cámara a la trabajadora del hogar que limpia su casa. Y acto seguido dice: "Todo mi respeto para la gente como Claudia". "La gente como Claudia". ¿Eso es típico de los pijos? "Claro", suelta el cineasta, "es que les da igual lo que piensen los demás". 

Los otros, esos otros a los que Bosco mira como a extraterrestre, no salen mucho mejor parados. Sus padres no son corruptos y ellos no son racistas, hasta ahí bien. Pero, a través de la mirada del pijo en cuestión, los activistas de izquierdas parecen unos ingenuos confiados —tanto como para creerse que han desahuciado a Bosco y ayudarle—, de entusiasmo fácil y constancia corta. Ramón (Javier Caramiñana), por ejemplo, se escuda en que está estudiando para unas oposiciones pero en realidad se pasa la mañana jugando a rol. Y, cuando amenaza a Bosco con un macarra "Te voy a reventar la cara", este le contesta entre risas: "¿Qué me vas a reventar si no consigues reventar ni el gobierno? Algún día, seguro que algún día". ¿El último plano? Bosco y compañía abandona la plaza del Reina Sofía, donde Podemos celebra el 20-D. "Algún día".