LUCYCALYS acaba de presentar Del amor y del mar, un EP con el que la artista gaditana da un nuevo paso en una carrera que apenas supera los dos años. Después de ganar el Benidorm Fest y actuar en escenarios de España y México, Lucía Sánchez Manzorro (Chiclana, 2006) reúne en este primer trabajo seis canciones en las que el mar, Andalucía y la libertad se convierten en el hilo conductor que busca transportar al oyente a su universo más personal. 

La cantante explica a infoLibre que el objetivo de su EP de debut era construir un viaje sonoro capaz de trasladar al público a espacios abiertos y conectarlo con la sensación de libertad. "Quería que quien escuchara estas canciones sintiera el aire libre, el volver a casa o el reencontrarse con uno mismo", señala. Ese concepto recorre todo el álbum y está presente en temas como Marina, sal marina, cuyo videoclip ha sido dirigido por Miguel Cintas, o La Barrosa, una canción que habla del regreso a los lugares que nos hacen sentir seguros.

Ese vínculo con Cádiz atraviesa todo el proyecto. No en vano, Lucycalys, natural de Chiclana de la Frontera, reconoce que el mar y su tierra forman parte de su identidad tanto personal como artística. "La playa de La Barrosa es mi sitio seguro y quería compartirlo con la gente. Creo que todos necesitamos un lugar donde sentirnos en paz", afirma, y no sorprende, pues, para ella, que mostrar Andalucía en sus canciones también supone reivindicar una forma de entender la vida basada en la calma, el presente y la libertad.

En lo musical, el EP combina flamenco, sonidos tradicionales andaluces, pop y electrónica, una mezcla que la artista todavía prefiere no etiquetar. "Definirnos ahora mismo sería limitarnos", asegura. Aunque admite que continúa buscando la identidad definitiva del proyecto, considera que todas las canciones comparten una misma atmósfera que inevitablemente remite al mar y al sur. En ese proceso creativo ha sido fundamental el trabajo junto al productor Tony Grox, con quien lleva colaborando desde antes de su participación conjunta en el Benidorm Fest: "Trabajar con él es como recibir una clase nueva cada día. Siempre aprendo algo diferente".

El disco también cuenta con colaboraciones de Cris Lora, Pula Prieto y D3llano, músicos que aportan matices distintos sin romper la coherencia del proyecto. A este respecto, LUCYCALYS explica que ninguna de esas canciones nació respondiendo a una estrategia concreta, sino de manera completamente espontánea: "No buscamos un sonido determinado ni pensamos en una colaboración específica. Simplemente nos juntamos en el estudio y las canciones fueron saliendo solas".

Detrás de ese sonido también hay años de formación. La artista recuerda que fue el coro del Conservatorio el que le permitió perder el miedo escénico y descubrir que el escenario podía convertirse en su lugar más seguro. Más recientemente, comenzó a estudiar teatro musical, una educación que espera retomar porque considera que un artista nunca deja de aprender. "Hay que seguir trabajando siempre la voz, la interpretación o la puesta en escena", destaca.

Aunque, Del amor y del mar representa el inicio de una nueva etapa, la cantante reconoce que todo lo vivido durante el último año ha influido directamente, como es natural, en el resultado del EP. Porque ganar el Benidorm Fest con T amaré supuso un punto de inflexión tanto a nivel profesional como creativo: "Antes componía sola en mi habitación y podía tardar un mes en terminar una canción. Ahora he aprendido a crear en equipo y a desenvolverme mucho mejor dentro de un estudio".

Ese aprendizaje también le ha servido para afrontar nuevas experiencias, como su actuación en la Plaza de Cibeles durante la celebración del Mundial. Aunque el concierto estuvo acompañado de numerosas críticas en redes sociales hacia los artistas participantes, LUCYCALYS prefiere quedarse con el lado positivo, pues para ella “fue una oportunidad enorme”. “Hay críticas constructivas que ayudan a mejorar y otras que, simplemente, hay que aprender a dejar pasar", apostilla.

Ahora que Del amor y del mar ya está publicado, la artista mira hacia delante. Confiesa que le gustaría presentar el EP en una sala de Madrid y comenzar cuanto antes una nueva etapa creativa. De hecho, ya trabaja en las primeras ideas de lo que espera que sea su primer disco de larga duración: "Tengo muchas ganas de volver al estudio y hacer más música. Este EP es solo el principio de todo lo que quiero contar".

Por último, confiesa que si pudiera enviar un mensaje a la Lucía que empezó este camino hace apenas dos años, sería uno muy sencillo: "Que confíe y que haga las cosas de corazón". Un consejo que resume también el espíritu de su EP, un trabajo que convierte sus raíces, el mar y la libertad, en la carta de presentación más completa de una artista que todavía está construyendo su identidad, pero que ya tiene muy claro desde dónde quiere hacerlo.

A medio camino entre Madrid y Londres, Ona Mafalda (Londres, 1994) ha hecho del cambio constante su mejor refugio. Tras el punto de inflexión que supuso su disco Reset (2025), la artista se ha consolidado como una de las voces más singulares de su generación. Lejos de que el foco mediático por ser la hija del príncipe Kyril de Bulgaria y Rosario Nadal eclipse su trabajo, a sus 32 años puede presumir de haber abierto estadios para la banda británica Coldplay.

Huyendo de las fórmulas cómodas, su nueva etapa creativa abraza la distorsión de la guitarra y el rock alternativo, un sonido que palpita en adelantos como Nada, Otra y su reciente Anthem. Con la vista puesta en Todo en orden, el EP que lanzará este otoño, y una gira que enlazará los festivales de verano en España con las salas de conciertos en Londres, charlamos con ella sobre sus últimos proyectos, la industria musical y la urgencia de no temerle a los nuevos comienzos.

Te llamas Mafalda y, aunque naciste en Londres, tu madre es de Palma de Mallorca. Por lo que tengo entendido, por ella te decidiste a poner ‘Ona’ delante. ¿Por qué?

Mafalda ya es un nombre bastante potente, pero sentí que no representaba exactamente a la artista en la que me estaba convirtiendo. Quería añadir otra parte para meterme aún más en lo que es el personaje y en lo que soy cuando estoy en el escenario, donde me siento como una bestia diferente y con mucha fuerza. ‘Ona’ en mallorquín significa ‘ola’, que creo que es algo muy potente, y como mi madre es mallorquina, decidí poner esa palabra delante. Me encanta.

Tus letras a menudo suenan a un diario personal. ¿Es la composición para ti una herramienta para procesar la realidad o intentas poner cierta distancia con tus experiencias personales?

Es verdad que va por fases. A veces he escrito sobre mis propias experiencias, y otras sobre cosas que me han contado mis amigas, o incluso sobre situaciones que he visto en las noticias o en series. Sin embargo, mi próximo EP y los últimos temas que he sacado, sí son como un diario mío de lo que yo he sentido y me ha pasado. Sobre todo, he querido escribir canciones con las que luego me lo pudiera pasar bien en el escenario, sabiendo que el público también lo iba a disfrutar.

Tu sonido actual cabalga entre el dark pop y el rock. ¿Quiénes fueron esos referentes que te dieron la clave para encontrar esta identidad sonora?

Me inspiro mucho sobre todo en grandes mujeres como Patti Smith, Florence + The Machine o PJ Harvey. Hay muchas mujeres a las que siempre tengo muy presentes. Como nací en Londres (de hecho, mis padres siguen viviendo allí), he visto a muchas bandas de esa escena de los 2000 que son grandes referentes para mí.

Tu propuesta se define como bilingüe, bebiendo tanto de la herencia británica como de tus raíces en España. ¿Con qué idioma te sientes más cómoda a la hora de componer?

Soy mitad y mitad. Si hubieran llegado España e Inglaterra a la final del Mundial, me hubiera costado decidir con quién ir. Es una gran parte de mí, no me identifico más con una que con otra. Ahora mismo, viviendo en España, estoy extremadamente integrada en la cultura y me siento muy identificada, pero al final sigo siendo fifty-fifty. 

La industria discográfica sigue siendo un espacio con estructuras muy masculinizadas, especialmente en los estudios de grabación y la producción. ¿A las mujeres os toca pelear más de la cuenta?

Creo que siempre ha habido y siempre va a haber esa pelea, y nunca hay que olvidar todo lo que han luchado las que vinieron antes de nosotras, ni lo que nos toca seguir peleando. El otro día estaba viendo el documental de Rocío Jurado y me pareció súper interesante, porque era una mujer que luchaba muchísimo por los derechos. Por eso, es fundamental que cada mujer que esté en esta industria siga haciéndolo y no piense que ya se encargará otra. Soy muy partidaria de ser lo más inclusiva posible y de que el show sea lo más equal (igualitario) posible.

El circuito de la música independiente en España ha crecido enormemente. ¿Sientes que existe hoy una verdadera red de apoyo y sororidad entre las artistas femeninas?

Sí, me siento extremadamente agradecida de formar parte de una comunidad de artistas increíbles, no solo porque a muchas puedo llamarlas mis amigas, sino porque me inspiran muchísimo. Ser parte de esto es un regalo.

Hoy parece que el éxito musical está ligado a la viralidad en plataformas como TikTok. ¿Sientes la presión del algoritmo que exige a los músicos ser también creadores de contenido?

Utilizo TikTok porque me divierte y hago tonterías que me hacen reír. Esa es mi forma de usarlo. Nunca voy al estudio pensando en hacer un tema para que esos 15 segundos funcionen en TikTok. Si caemos en esa trampa, al final las canciones pierden alma. Intento no caer en eso y lo evito, aunque hacer un vídeo pasándolo bien siempre es divertido.

El título de tu último disco, Reset (2025), insiste en la necesidad de borrar y empezar de cero. ¿Qué ocurrió a nivel creativo o personal para que sintieras la urgencia de demolerlo todo y buscar un nuevo estilo?

Fue una cuestión sónica. Creo que estaba un poco perdida. Me estaba obsesionando con qué era lo cool y qué tenía que hacer para poder estar a ese nivel, y me perdí por completo. No estaba siendo yo ni haciendo la música que yo quería, me dejé llevar por influencias pensando que, si no lo hacía, no llegaría a donde tenía que llegar. Ahora es todo lo contrario porque estoy haciendo lo que de verdad me encanta, porque quiero y porque, sónicamente, me gusta muchísimo. Estoy experimentando con la guitarra eléctrica y está funcionando. Es súper importante hacer lo que a una le gusta y le funciona, y no dejarse llevar solo por una moda o una tendencia.

Tu nuevo EP, Todo en orden, saldrá en otoño de este año. ¿Ahora ya te has vuelto a encontrar?

Totalmente, es un poco irónico. Empezamos con el Reset y, una vez que le damos a ese botón, algo que creo que nos pasa a casi todos, encontramos ese momento para que todo empiece a ir mejor. He tenido mucha suerte con la gente que me apoya y con mi equipo. Rodearte de personas que te empujan y te sacan de los baches es muy importante. Gracias a eso, está todo en orden ahora mismo.

Ya has adelantado algunas canciones de este nuevo proyecto, como Nada y Otra, donde muestras una faceta ligada al rock alternativo. Sin embargo, en Anthem, tu último sencillo, bajas las revoluciones hacia el pop rock. ¿Cómo van a convivir estas distorsiones dentro del mismo ecosistema del EP?

Hay una colaboración en el EP que todavía no puedo desvelar. De hecho, eres la primera persona a la que se lo cuento. Tengo muchísimas ganas porque une esos dos mundos de los que hablas. Todo tiene mucho sentido y encaja perfectamente en este ecosistema gracias a eso.

En el videoclip de Otra te vemos recorriendo las calles de Madrid, y para Anthem paseas por un parque de Londres. ¿Están estos vídeos planteados de forma consciente como un reflejo visual de tu doble identidad cultural y de lo que significa “sentirse en casa” en ambas ciudades?

Totalmente, reflejan esa dualidad. Para mí es lo más importante, lo que me influye y, al final, lo que soy. Justo cuando estaba en Londres, a punto de sacar Anthem, se me ocurrió la idea de grabarlo allí, en un parque. En cambio, Otra lo grabé en un coche por la Castellana. La industria ha cambiado muchísimo, ya no tienes que ser solo de un lado o cantar exclusivamente en un idioma. Todo fluye mucho más y las puertas se han abierto gracias a grandes artistas. Tampoco hay que tener miedo. Puede sonar cursi decirlo, pero la música es universal y el idioma es algo que simplemente se siente o no se siente.

¿Compartirías con nosotros cuál es tu lugar favorito de Madrid y de Londres?

De Madrid, cualquier terraza de Malasaña. Haga frío en invierno o calor, como el que está haciendo ahora, estar ahí con amigos es algo que no cambiaría por nada. Eso no lo tienen en Londres, donde me quedo con sus parques.

Sabiendo que el EP sale en otoño, ¿tienes pensado lanzar alguna otra canción como adelanto?

Sí, vamos a adelantar un tema más antes de que salga el EP.

¿Podrías avanzarnos algún detalle inédito, un título o alguna pista de esas canciones que aún no hemos escuchado?

La pista más grande es precisamente esa colaboración que decíamos, con la que estoy muy emocionada.

Hablando de colaboraciones, ¿con qué artista o grupo desearías colaborar?

Tengo a alguien en mente, pero si te lo digo, desvelaría la colaboración del EP, así que me lo guardo [risas]. Me encantaría actuar con Triángulo de Amor Bizarro en algún momento, sería increíble.

Fuiste telonera de Coldplay en sus conciertos en el Estadi Olímpic de Barcelona en 2023, y el año pasado recorriste salas por toda España con el programa estatal Girando Por Salas. ¿Cómo se vive esa diferencia?

Son formatos muy diferentes, pero ambos muy especiales. Creo que siempre hay que seguir tocando en salas. La experiencia con Coldplay fue alucinante, sería un regalo poder repetirla. Pero, al mismo tiempo, con la ironía de que el álbum se llame Reset, volver a las salas donde empezó todo fue un momento precioso.

Este verano has tenido y tienes citas en varios festivales. Viniendo de una gira en un ambiente más íntimo, ¿cómo muta la energía de tus conciertos al pasar al gran formato festivalero?

La gira de las salas la hicimos en dúo, solo mi batería y yo. Ahora estamos metiendo a la banda al completo, incorporando a mi guitarrista y a mi bajista. Vamos a lo grande.

Llevar la gira a Londres en noviembre parece un cierre de círculo perfecto. ¿Qué significa para ti cantar este último lanzamiento precisamente en la ciudad donde naciste?

Me encanta. Tener la suerte de poder tocar en los dos países que más quiero es muy especial. Además, tocaremos más fechas en Inglaterra que estamos cerrando justo ahora.

Para terminar, si tuvieras que elegir una sola canción de todo tu repertorio para alguien que está leyendo esta entrevista y nunca ha escuchado a Ona Mafalda, ¿cuál le recomendarías y por qué?

Ahora mismo me encanta Nada. Pero, por ejemplo, Harta también es una canción que me gusta mucho. Creo que esos dos temas son los que mejor me representan ahora mismo.

Girar el cuello en direcciones inesperadas y entrenar de nuevo la musculatura de la empatía. Esa es la propuesta de Nuca (2026), el último disco en el que Clara Peya (Palafrugell, Girona, 1986) apuesta por reencontrarnos en un contexto social marcado por la incertidumbre, el miedo y el desánimo, en el que urge inventarnos nuevas fórmulas para juntarnos entre desconocidos y diferentes.

Eso mismo hace la pianista y compositora al rodearse, en estas canciones, de 16 voces distintas, entre las que escuchamos a El Niño de Elche, Rita Payés, Judit Neddermann, Sharim Aresté, Mar Pujol, Juan Quintero o Anna Andreu. Entre todos construyen un disco desnudo y minimalista, liderado por el sonido de un piano de pared con sordina.

¿Qué es Nuca?

Un disco que habla de la soledad y que intenta hacer, en este momento en que las personas nos sentimos tan solas y estamos tan individualizadas, ese gesto que se hace desde la nuca de girar la cabeza para ver al otro. Se llama Nuca porque quiere hacer de las soledades atomizadas una coral de soledades compartidas y conjuntas en presencia. Está claro que la soledad es un mal de época, y que es muy difícil que no nos sintamos así en este contexto sociopolítico terrible, pero se trata, al menos, de entender que todas estamos en lo mismo y que podemos acompañar las soledades. Sentirnos acompañadas en esto de estar solas.

¿Estamos más conectados que nunca pero también todos más solos que nunca?

Sí, totalmente. Las redes sociales son una de las peores cosas que existen actualmente porque, aparte de hacer a las personas infelices, también nos hacen pensar que mantenemos vínculos, pero todo es muy líquido. No hay profundidad en las cosas, no hay atención, no hay dedicación, no hay tiempo. Las personas queremos lo que conocemos, y para conocer necesitamos tiempo. 

Pero se nos quiere separados.

Totalmente. Molesta la comunidad, la vida colectiva.

Hablemos del disco en sí. ¿De dónde salen estas canciones?

Estas son las canciones que he ido haciendo este último tiempo en mi soledad y que pretenden, desde la vulnerabilidad, conectar con las otras. Diría que es un disco voluntariamente hecho con un piano de pared con sordina, para que se escuchen los ruidos, se escuche el corazón, la entraña, lo imperfecto. Y que es muy minimalista, muy orgánico, en un momento en el que cuesta mucho que la música sea natural, porque todo está enlatado, enclaquetado, súper producido, y los directos suenan igual que los discos. Para mí, era importante llevar esta cosa de lo pequeño, lo vulnerable, lo presente, lo tocado. Que también estuviera el error.

¿No tiene eso un punto contracultural en la cultura de masas actual?

Yo espero que el futuro vaya hacia aquí, porque al final lo que no podrá nunca suplir la inteligencia artificial es la presencialidad.

¿Es Nuca un disco que, de alguna manera, nos abre la puerta para detener el tiempo en un mundo paralelo sin este ruido constante de estímulos en el que vivimos? Hay melodías, voces bonitas, no busca el impacto directo. ¿Puede ser un poco como la lectura, que es puro escapismo? ¿Un refugio de belleza incluso?

Jolín, muchas gracias. Es que es justo esto lo que reclama: desconectar de la desconexión para conectar con la conexión. Me explico: al final, en este mundo parece que estamos todos conectados, pero estamos muy desconectados. Por eso, también es un disco que quiero pensar que tendrá una gira larga donde habrá mucha presencia. Sí, creo que esto es lo más importante: compartirlo en presencia.

¿Y también darle un tiempo al disco para que crezca concierto a concierto? En esta industria musical los discos dejan de existir si en un par de semanas no ha pasado “algo” con ellos, pero si no le dejamos espacio a las creaciones artísticas para crecer, al final nada vale nada. ¿En estos tiempos líquidos todo lo que hacemos se nos escurre rápidamente entre los dedos para consumir lo siguiente?

Mira el lío que tenemos con el consumo de personas. ¿Cómo nos relacionamos con los demás? Qué poco tiempo les damos a las cosas. Yo, a veces, voy a comprar al mercado y tengo la mañana medio libre pero voy rápido y corriendo, y mientras estoy en una parada me digo: “Pero si no tienes ninguna prisa. ¿Cómo has llegado hasta aquí?"

Hablemos de las colaboraciones, que son muchas, muy variadas y talentosas. ¿Surgen por amistad, por afinidad, por casualidad?

Como yo no puedo cantar mis canciones, pero tengo muy claro cómo quiero que sean, me es muy fácil imaginar a alguien e intentar acercarme a su universo para ponérselo fácil. A mí no me gusta decir cómo tienen que cantar; me gusta explicar cómo siento, qué quiere decir la canción o desde dónde la he compuesto. También me gusta que la otra persona pueda hacer su parte artística lo más libre posible, y eso también es una dosis de humildad, porque te obliga a compartir tu creación con alguien para quien también es suya al cantarla, como también es luego de quien la escucha. Se trata de entender que el arte es un acto colectivo de transformación colectiva, de resistencia colectiva.

¿Y de empatía? ¿Está esa capacidad en el concepto mismo de Nuca?

Sí, porque este disco justamente pide eso. Ver a la otra persona requiere de empatía. Girar la nuca es como trabajar el músculo de la empatía, como si fuera la nuca el lugar donde existe esto. 

Rita Payés canta en La vanidad que “cuando calla la ciudad solo crece entre la multitud la soledad”, algo que me lleva a darle la vuelta para encontrar la soledad cuanto más ruidosa es la ciudad.

Sí, y sentirse solo en compañía. Estar con mucha gente pero sentirse solo, que no es una cuestión espacial y física, sino que el vacío lo llevas contigo porque eres tú quien está en esta incompletitud.

En otra canción, titulada Solo existe una verdad, Nora Navarro canta: “Solo existe una verdad, la soledad. Duele la imaginación de lo que fui, de lo que soy”. ¿Eso es estar solo con uno mismo para conocerse, algo que igual hacemos demasiado poco?

Totalmente. Es que, de hecho, está la soledad, digamos, buscada, que es la que busca espacios para estar contigo mismo, que también es un privilegio porque significa que tienes el espacio y el tiempo para hacerlo. Esa es muy distinta a la sensación de soledad, ya que estar sola contigo es algo muy necesario, pero sentirse sola es otra cosa.

He leído que una de las canciones de Nuca estaba pensada para que la cantara Robe Iniesta pero, claro, no pudo ser.

Las voces, sí, pero no pudo ser y qué disgusto, porque en toda mi música está Extremoduro influenciando y empujando muchísimo. Por ejemplo, para mí, el bonus track en el que canto yo, que es La nuca, es bastante tributo a Extremoduro. Si fuera cantada por alguien como Robe se entendería que podría ser casi suya.

¿Y por qué cantar en ese bonus track?

Porque como es un disco que también pone la vulnerabilidad en el centro, entendiendo que mostrar nuestra vulnerabilidad es un acto de generosidad, quise enseñar cómo hago yo el proceso. Por eso, este último tema está grabado con el móvil en casa en una toma. Eso es lo que yo hago: pongo el móvil, grabo la canción y la envío a quien sea para ver si la quiere cantar. Esta canción es como la semilla que yo mando a cualquier persona que quiera colaborar conmigo para decirle: “Oye, esto es lo que haremos, construímos algo juntos si quieres”. Por eso la quería compartir con los oyentes.

No vamos a enumerar todos los colaboradores, pero sí al músico palestino Ahmed Eid, que canta en Porvenir. Como integrante de la misión humanitaria civil Global Sumud Flotilla, que zarpó hace un año con el objetivo de llevar ayuda a la Franja de Gaza, ¿es esta una manera de seguir hablando de ello? ¿Qué le hace sentir que cada vez se hable menos en los medios de lo que sigue ocurriendo en Palestina?

Hay que seguir entendiendo que es la punta del iceberg de la lucha antirracista y de la lucha antifascista. Al final, lo que está ocurriendo en todo el mundo es terrible: hay muchos genocidios, los gobiernos de derechas están haciendo de todo... No hace falta que hablemos de Trump… Bueno, Trump y Netanyahu son el diablo. Hay muchos gobiernos corruptos, con total impunidad, y ahora ya, con todo al descubierto, sin ninguna vergüenza, y, para mí, la resistencia palestina significa la resistencia un poco ante todo. Yo hablo catalán y castellano y el único idioma aparte de esos en este disco es el árabe, y es la única parte de letra que no es mía, por lo que para mí era muy importante. Es una declaración de intenciones.

Ha dicho que se apuntó a la flotilla sin pensarlo mucho porque, si lo hubiera pensado, igual no habría ido. ¿Hay que dejarse llevar si uno siente ese ímpetu para defender los derechos humanos?

Totalmente, sí, lo que pasa es que todo tiene sus secuelas. Es decir, ha sido una experiencia bastante fuerte para mí, y aún la estoy masticando.

¿Esa es la importancia de los pequeños gestos? Puede que una canción o asistir a una manifestación no cambie el mundo, pero también puede que se haga un poquito mejor por esos pequeños gestos.

Sí, y creo que por eso es tan importante la responsabilidad individual, en un momento en que nadie quiere perder sus privilegios. Por ejemplo, mira lo de Spotify: nadie quiere sacar su música de ahí, los oyentes tampoco se van y, al final, por no perder sus privilegios, no tenemos nada. Es de suma importancia que cada una haga su pequeña parte, es así como se consigue un colectivo, y como se consiguen los cambios. Pero vivimos en la época de la tibieza. La gente es tibia, absolutamente tibia, y, como le viene bien, se ha creído el discurso de “yo no puedo hacer nada para cambiar eso”, algo que me parece muy peligroso. 

Su música no está en Spotify, por motivos obvios. ¿Dónde puede encontrar la gente La nuca y sus otros discos? A lo mejor eso es lo que hay que hacer, recordar que hay alternativas.

Claro, la gente me puede escuchar en la plataforma que yo siempre recomiendo, Qobuz, que es la más ética. También en YouTube, en Tidal, en Apple… en todas las plataformas, de hecho, menos Spotify y Amazon, que son las más corruptas.

¿Las más corruptas porque están inyectadas de capital sionista?

Sí, sí, totalmente. Van hasta las trancas.

Ahí siguen también los festivales de música comprados por el fondo israelí KKR. ¿Actuaría diferente la gente si supiera bien dónde va su dinero? 

La gente no toma partido, sinceramente. Igual algunos festivales se resienten, pero en general mucha gente sigue asistiendo y muchos grupos tocan y deciden decir “Free Palestine”, pero sin la renuncia. Yo creo que tomar partido significa decir: “Vale, voy a perder esto, pero voy a ganar esto”. Y ganar en dignidad, en coherencia, siempre merece la pena. 

Nuca está siendo presentado en una gira de conciertos que se extenderá durante los próximos meses. ¿Esos son los planes?

Este verano haremos los conciertos de la zona de Cataluña y, a partir de septiembre y octubre ya vamos por Galicia, País Vasco, Madrid, Murcia… y el resto de España.

¿Qué sería para Clara Peya un éxito con Nuca? ¿Que los oyentes lo escucharan de principio a fin, a lo mejor? A eso invita este disco, pero tampoco se hace apenas ya.

Esa es una cosa que se ha perdido mucho y que, para mí, es lo que tiene sentido porque, al final, los discos se trabajan con un sentido. Una canción suelta no te explica el disco, por lo que es muy necesario volver a la práctica de escuchar el disco entero, porque también dignifica todo el tiempo que cuesta grabarlo, que normalmente son años de mucho esfuerzo, dinero y poner mucho de tu persona.

En el caso de Patrick Bruel, la avalancha de denuncias y señalamientos por presuntos agresiones sexuales tiene ahora un único punto de referencia: la fiscalía de Nanterre (Hauts-de-Seine).

Desde el 18 de mayo, esta jurisdicción —competente por el lugar de residencia del cantante (Neuilly-sur-Seine)— centraliza los procedimientos en curso o archivados en diferentes fiscalías de Francia: las tres investigaciones preliminares abiertas en París; el procedimiento por violación de Ophélie Fajfer, archivado en Nanterre en 2022; las denuncias con constitución de parte civil presentadas a mediados de mayo; y, próximamente, la abierta en Saint-Malo por violación (ver último apartado).

En cuanto al procedimiento archivado en 2020, en el que habían testificado varias masajistas empleadas en establecimientos de lujo, se ha incorporado a la nueva investigación en Nanterre, según nuestra información.

Las cuatro abogadas de las demandantes han acogido con satisfacción esta acumulación de procedimientos. Corinne Herrmann, abogada, junto con Sonia Kanoun, de varias demandantes, entre ellas Flavie Flament, considera que esto pone de relieve “la serie de expedientes” contra Patrick Bruel y permite a los magistrados “buscar un posible modus operandi”, “sacar a la luz las pequeñas sutilezas que pueden convertirse en pruebas”.

Iris Biehler, abogada de Julia* y de Anne, que se constituyeron en parte civil tras testificar en el proceso archivado en 2020, espera también que esta investigación permita esta vez “tener en cuenta las similitudes” de los testimonios “como un elemento de cargo determinante”.

Jade Dousselin, la abogada de Daniela Elstner, cuya denuncia por intento de violación presentada en París el 12 de marzo será trasladada a Nanterre, “espera, evidentemente, que la fiscalía revise su informe de 2019, pero sobre todo que retome con la misma celeridad que la fiscalía de París las investigaciones en curso”.

Myriam Guedj Benayoun, la abogada de Ophélie Fajfer, relata el “alivio” de su clienta y su “determinación para que se haga justicia”. “Para ella es una señal importante, significa que la justicia ha considerado necesario reexaminar su denuncia a la luz de los nuevos elementos de este caso.”

Por su parte, Patrick Bruel niega todas las acusaciones y goza de la presunción de inocencia. Sus abogados, Christophe Ingrain y Céline Lasek, indicaron a Mediapart que el cantante niega cualquier “coacción” y “violencia” y que, aunque “a veces intentaba seducir”, “cuando le decían que no, nunca iba más allá”.

En 2019, la misma fiscalía de Nanterre ya había investigado las acusaciones de agresiones sexuales contra el cantante, que hoy tiene 67 años. En total, nueve mujeres habían presentado su testimonio ante la justicia, de las cuales ocho denunciaron hechos de los que habrían sido víctimas entre 2000 y 2019. Una lo había hecho en una carta anónima, que por lo tanto no pudo ser utilizada; después testificaría en Mediapart. Una novena mujer había relatado las confidencias de una compañera masajista. Cuatro de los hechos denunciados no habían prescrito, a priori.

La investigación se inició tras la denuncia de una masajista del hotel Radisson Blu de Porticcio (Córcega del Sur). Durante su declaración, la joven de 25 años contó que el cantante se habría negado a ponerse la ropa interior desechable que se utiliza habitualmente durante los masajes, y luego la toalla que la cubría, con el pretexto de que hacía demasiado calor. Mientras le masajeaba las piernas y las nalgas, él le habría pedido “que bajara hasta la raja del culo”, y luego, durante el masaje del vientre, que bajara las manos hacia su pubis. La joven se habría negado y le habría explicado que tenía pareja, a lo que Patrick Bruel habría respondido, según su relato: “Ah, además eres seria, mejor así, porque el sexo antes del concierto no es recomendable, habría cantado mal”. La fiscalía de Ajaccio abrió una investigación preliminar por exhibicionismo y acoso sexual.

Patrick Bruel fue interrogado durante una hora en septiembre de 2019 sobre esa declaración en Châlons-en-Champagne (Marne), donde actuaba en aquel momento en un concierto. Negó cualquier gesto o comentario inapropiado, añadiendo: “Solo me atraen las mujeres que me desean.” Además, había solicitado que se tomara declaración a dos personas en el marco del procedimiento: la productora ejecutiva de su gira y su vestuarista, que fue interrogada en 2020, mostrándose sorprendida por las acusaciones y asegurando no haber “visto nunca ninguna actitud ni oído comentarios negativos tras un masaje” durante la gira de 2019.

La revelación de este procedimiento en Le Parisien había llevado a varias mujeres a denunciar hechos similares.

Es el caso de Julia*, masajista en el Villa Duflot, en Perpiñán (Pirineos Orientales). Esta mujer de 29 años presentó una denuncia en septiembre de 2019 para denunciar una agresión sexual que habría tenido lugar dos meses antes durante un masaje en ese hotel spa de cuatro estrellas. La fiscalía de Perpiñán abrió una investigación preliminar y tomó declaración al personal del hotel y a los allegados de la denunciante.

Su testimonio presenta numerosas similitudes con el de la masajista de Córcega: la negativa a cubrirse con una toalla con el pretexto del calor, comentarios inapropiados y una petición de masaje en “el interglúteo”, cuando este detalle aún no había aparecido en la prensa. El artista también le habría tocado las nalgas durante el masaje. Al finalizar la sesión, le habría pedido que guardara silencio y habría guardado su número de teléfono como “Julia IGPB”, por “Julia interglúteo de Patrick Bruel”, afirma ella.

Interrogado por la policía en noviembre de 2020, Patrick Bruel negó haberse quitado la toalla y haber hecho comentarios inapropiados. Indicó que simplemente le había pedido a Julia que presionara “fuerte entre las nalgas”, y refutó cualquier gesto inapropiado. También indicó que había memorizado el número con la mención “Masaje HP”, por Hand Powerful.

Luego, Julia, que testificó por videoconferencia en Mediapart, presentó una nueva denuncia con constitución de parte civil.

No es la única masajista que ha acudido a la justicia: en pocas semanas  lo han hecho otras cinco. Una de ellas relata hechos que habrían tenido lugar en 2008, cuando tenía 26 años y ejercía en un hotel de lujo en Cannes (Alpes Marítimos). Al parecer, Patrick Bruel le pidió que le masajeara los genitales y “entre las nalgas”. Ella no presentó denuncia.

Otra más denuncia hechos similares que habrían ocurrido en Saint-Barthélémy, en las Antillas, en 2011. Además, según ella, el artista se habría pegado contra ella, con una erección, agarrándole las muñecas. Presentó una denuncia a pesar de que los hechos ya habían prescrito. También una mujer había testificado sobre hechos que le habría contado una compañera en un centro de talasoterapia en La Baule (Loira Atlántico), en 2000.

Al ser preguntado sobre la declaración de la masajista de Cannes, Patrick Bruel respondió que no recordaba ese masaje, pero negó haber solicitado un masaje genital, indicando: “No tengo esa costumbre”. En cuanto a las acusaciones de la masajista de Saint-Barthélémy, el artista volvió a declarar que no recordaba el suceso, pero negó cualquier gesto o comentario inapropiado, indicando en varias ocasiones: “No hago ese tipo de cosas.”

Séverine, que declaró en Mediapart, conoció a Patrick Bruel en el año 2000, a la salida de su concierto en Grenoble (Isère). A los investigadores les contó que el cantante, al enterarse de que era fisioterapeuta, le pidió un masaje en su habitación.

Según su relato, cuando ella le pidió que se quedara en ropa interior, Patrick Bruel se tumbó desnudo y, al terminar el masaje, “empezó a acariciarle el muslo, subiendo la mano hacia el pecho”. A continuación, le habría pedido que le hiciera una felación. “Yo era joven, vulnerable, impresionable; cedí”, explica a los investigadores, afirmando que a continuación él le “quitó los vaqueros” y “la penetró, sin protección”. En 2019, al término de su declaración, no presentó denuncia. Sin embargo, en declaraciones a Mediapart, cuenta que durante ese proceso, “comprendió que lo que había vivido era una violación”: “Lo rechacé dos veces, no hubo consentimiento.”

Al ser interrogado por la policía, Patrick Bruel respondió que no tenía “ningún recuerdo” y afirmó que “no pedía ese tipo de cosas”, añadiendo: “Y si la relación es consentida, es posible que la profesión [de fisioterapeuta] [sea] un pretexto.”

Los testimonios ya no se limitaban a Francia. También en Suiza, una masajista voluntaria había presentado una denuncia. Los hechos que denuncia habrían tenido lugar en el festival Paléo, en Nyon, en julio de 2019. Una vez más, el artista se habría tumbado desnudo en la camilla de masaje, se habría quitado la toalla que le cubría las nalgas y habría pedido un masaje en las nalgas, en la parte interna de los muslos y, una vez boca arriba, desde la parte baja del abdomen hasta el pubis.

Al ser interrogado por los investigadores sobre este testimonio, Patrick Bruel negó haber retirado la toalla colocada por la masajista y haber pedido un masaje hasta el pubis.

En otoño de 2019, otra mujer, excantante, también envió su testimonio al fiscal tras leer los artículos de Le Parisien: Anne denuncia un intento de violación en 2010, cuando tenía una cita en el domicilio de Patrick Bruel para hacerle escuchar sus maquetas (leer su relato aquí).

Aunque procede de una familia conocida, no presentó denuncia de inmediato: dudaba y temía las consecuencias para ella y su entorno. Informó a dos amigos comunes, suyos y del cantante, de los hechos que denunciaba y de su intención de presentar denuncia. Al parecer, estos intentaron “disuadirla”.

Uno de ellos, Philippe B., la habría “animado a llegar a un acuerdo amistoso, dando a entender que era posible un acuerdo económico” y la habría “incitado a hacer una propuesta por escrito”, afirma ella a Mediapart —lo que el interesado niega. Anne le responde que podría estar abierta a la idea de una mediación económica, dadas las consecuencias para ella. “Estaba perdida: nos encontrábamos en el angustioso contexto del confinamiento, eran las dos de la madrugada, había bebido. Tenían el escenario ideal de la mujer sobornable”, justifica hoy.

Philippe B. transmitió en su momento esos mensajes a Patrick Bruel y a su abogado. Fueron el núcleo del procedimiento. Interrogada por los investigadores, Anne explicará que “caí lamentablemente en la trampa” de ese amigo común.

Philippe B., por su parte, nunca fue interrogado. Este hombre entregó a los investigadores una simple declaración, en la que indica que Anne le había “relatado un comportamiento de carácter sexual supuestamente inapropiado” por parte de Patrick Bruel y que ella reclamaba “una compensación económica para que este asunto no se divulgara”, pidiéndole que “desempeñara el papel de mediador”.

En una declaración ante la policía, el cantante negó haber agredido a Anne y denunció un “chantaje” económico, asegurando que ella le había pedido que financiara un piso para su hija.

La abogada de Anne, Iris Biehler, indica que en 2020 su clienta se encontraba “aislada, en pleno confinamiento, muy vulnerable” y que, “unas semanas después de ponerse en contacto con la policía por teléfono”, ella había “admitido considerar, bajo la influencia de un amigo común, una mediación económica si el Sr. Bruel reconocía los hechos y se disculpaba, con el único fin de proteger su nombre”. “Tuvo que dar explicaciones sobre estos hechos en su momento, y podrá volver a explicarse ante un juez”, añade su letrada. Para la penalista, este argumento de la sobornabilidad “tiende a desacreditar a las mujeres que deciden presentar una denuncia y, en el fondo, a hacerlas pasar por mentirosas, cuando en este caso eso no cambia nada respecto a la veracidad de su relato”.

En la fiscalía de Nanterre, cuando se trata de cerrar un caso en el que se imputan múltiples hechos a un mismo presunto autor, la práctica habitual es proceder a un archivo global, y no por denunciante. En este procedimiento, se optó por un archivo general por delito insuficientemente tipificado, es decir, por falta de pruebas.

La abogada Iris Biehler considera que esta valoración “quizá careció de individualización para cada una de las denuncias, algunas de las cuales se referían a hechos prescritos”. Lamenta que el archivo no haya sido “explicado ni motivado” y que “siga siendo incomprensible para las víctimas”.

La penalista lamenta también que “la pluralidad de testimonios, con relatos que presentan similitudes preocupantes en lo que respecta a las masajistas” “aparentemente no haya sido un elemento tenido en cuenta para ser procesado”.

Los propios investigadores subrayaban la importancia de estas coincidencias entre los testimonios. Su informe precisa que Patrick Bruel “no podía explicar” que algunas de las masajistas “mencionaran peticiones de masajes entre los glúteos, cuando este detalle, ni el término, aparecían en el artículo citado por el imputado”. Durante su declaración, el cantante había estimado, en efecto, que el artículo de Le Parisien podría haber influido en los testimonios.

Al ser consultada, la fiscalía de Nanterre no quiso hacer comentarios.

Varios alcaldes, de diferentes tendencias políticas, consideraron el miércoles 20 de mayo que el cantante debería “retirarse” hasta que la justicia se pronuncie, y renunciar a los conciertos previstos en sus ciudades en el marco de su gira. Es el caso del alcalde de París, Emmanuel Grégoire, pero también de los alcaldes de Marsella, Salon-de-Provence, Reims, Nancy o Brest.

Al otro lado del Atlántico, se han cancelado tres conciertos de Patrick Bruel previstos para diciembre de 2026 en Quebec, según anunció el 19 de mayo la agencia de eventos Gestev, encargada de la organización. La empresa explica que ha tomado esta decisión “teniendo en cuenta el contexto actual y la imposibilidad de garantizar la promoción”.

El artista tiene previsto iniciar, el 16 de junio, una gira de aniversario de cincuenta y cinco fechas en cuarenta y siete ciudades y cuatro países con motivo de los 35 años de su álbum Alors regarde. Una petición lanzada por el colectivo Salon féministe y respaldada por un centenar de artistas y asociaciones pide la cancelación de los conciertos. Ha recogido ya más de 27.000 firmas.

En la fiscalía de Saint-Malo (Ille-et-Vilaine), hay abierto un procedimiento por violación desde septiembre de 2024, tal y como reveló Mediapart aquí. La denunciante acusa al cantante de haberla violado con ocasión del Festival de Cine Británico de Dinard, en 2012. “A día de hoy, mi fiscalía sigue ocupándose de este caso, lo que no excluye cualquier intercambio con la fiscalía de Nanterre”, nos indica el fiscal de Saint-Malo. Según nuestra información, debería ser transferido próximamente a Nanterre.

En la fiscalía de París se han abierto tres investigaciones judiciales desde el mes de marzo, a raíz de denuncias o acusaciones presentadas por mujeres que ya habían testificado anteriormente en Mediapart: la denuncia de la directora general de Unifrance, Daniela Elstner, en la que denuncia un intento de violación en 1997 en el festival de Acapulco, así como dos denuncias de violación que habrían tenido lugar en 2000 y 2008.

El 12 de mayo, la fiscalía de Nanterre recibió dos denuncias con constitución de parte civil, reveladas por Mediapart: una masajista de Perpiñán denuncia una agresión sexual en 2019 y una excantante acusa a Patrick Bruel de haber intentado violarla en 2010. Ambas ya habían testificado en el procedimiento archivado en 2020.

La fiscalía de Nanterre también ha decidido reabrir un procedimiento que había archivado en 2022, el de Ophélie Fajfer, quien acusa a Patrick Bruel de haberla violado en 2015 en L’Isle-sur-la-Sorgue, cuando ella solo tenía 19 años (testificó en la revista Elle).

Por su parte, la presentadora Flavie Flament presentó una denuncia por violación ante la decana de los jueces de instrucción de París. Su abogada solicita “que este expediente se incorpore al procedimiento de Nanterre”, lo que aún no se ha hecho de manera formal. A esto se suma una denuncia presentada en Bélgica el 24 de marzo por la responsable de prensa Karine Viseur, que denuncia una agresión sexual en 2010.

Acusaciones que Patrick Bruel niega rotundamente. Se le aplica la presunción de inocencia en estos procedimientos.

Este artículo se actualizó el 20 de mayo a las 22:24 con los llamamientos de varios alcaldes para que Patrick Bruel cancelara su concierto en sus ciudades.

*Nombre ficticio.

El 4 de mayo, Mediapart se puso en contacto con los dos amigos comunes de Anne, la denunciante, y de Patrick Bruel. El primero no respondió. El segundo, Philippe B., nos indicó: “Niego rotundamente las palabras que se me atribuyen, que no se corresponden con la realidad. No deseo comentar conversaciones privadas, ni pronunciarme sobre acusaciones que implican a terceros. Les agradezco que respeten mi vida privada y que no mencionen mi apellido ni me citen en su posible publicación”.

Traducción de Miguel López

La Audiencia Nacional ha dado la razón a la cantante Shakira en su último litigio en España, al anular la multa impuesta por la tributación del ejercicio de 2011, en una sentencia en la que insta a Hacienda a devolverle unos 60 millones de euros, según recoge EFE.

El tribunal ha estimado el recurso de la artista contra la resolución de la Agencia Tributaria, y ha anulado las liquidaciones y sanciones impuestas al considerar que la Administración no ha acreditado que la cantante permaneciera en 2011 en España más de 183 días, como exige la ley a la hora de tributar el Impuesto sobre la Renta de las Personas Físicas (IRPF).

Se trata de la última cuenta pendiente que tenía la artista en España, después de que este mismo mes un juzgado de Barcelona archivase la segunda causa penal que la cantante Shakira tenía abierta por un supuesto fraude de 6,6 millones de euros (7 millones de dólares) al fisco en 2018, después de que la Fiscalía y las demás acusaciones pidieran que se cerrara la investigación.

Años antes, en 2024, Shakira aceptó una multa de 7,8 millones de euros al reconocer ante un tribunal que defraudó 14,5 millones a Hacienda entre 2012 y 2014, gracias a un pacto con la acusación que le evitó la prisión y le ahorró un largo juicio.

"Nunca hubo fraude, y la propia Administración nunca pudo demostrar lo contrario, sencillamente, porque no era cierto", ha manifestado la cantante en declaraciones remitidas a los medios por su equipo legal, del despacho Prada Tax Advisor.

El caso, que se ha dirimido por la vía administrativa, se circunscribe a una cantidad de algo más de 55 millones de euros reclamados a la cantante, si bien su equipo cifra en más de 60 millones la cantidad que debe devolverle Hacienda al sumar los intereses y el pago de costas.

Se trata, según anuncia en un comunicado la agencia de comunicación Llorente y Cuenca, que representa a Shakira, de la última cuenta pendiente que tenía la artista en España tras ocho años de disputa.

Ahora bien, la sentencia puede ser recurrida al Tribunal Supremo, y fuentes de la Agencia Tributaria, que recuerdan que Shakira ya aceptó en conformidad las condenas por delitos contra Hacienda para los años 2012-2014, han informado a EFE de que la recurrirán.

En este caso, la Agencia Tributaria actuó contra Shakira al considerar que no había tributado por el IRPF y el Impuesto sobre el Patrimonio en 2011 al alegar que residía fuera de España, cuando, según Hacienda, sí era residente fiscal en este país y, por tanto estaba obligada.

Dónde vivió la cantante colombiana ese año ha sido el principal objeto de análisis de la sección cuarta de lo Contencioso de la Audiencia, que ha concluido que "no ha quedado acreditado" que Shakira tuviese su domicilio fiscal en España. Por tanto, para el tribunal "es obvio que las liquidaciones" y consiguientes sanciones impuestas por ello "son contrarias a Derecho".

La Sala entiende que la estancia en España de la cantante fue de 163 días y no de más de 183, como exige la ley a efectos de tributación, y asegura que la Administración no ha probado que Shakira tuviera el núcleo de intereses económicos en España o relaciones familiares con residentes en el país.

Ante la afirmación de la Administración de que Shakira tenía una relación sentimental con un residente español (el exfutbolista Gerard Piqué), el tribunal explica que en 2011 no existía "vínculo conyugal", ni tampoco "hijos menores" residentes en España. Es decir, "no existía un núcleo familiar a efectos legales de una persona extranjera".   

La Agencia Tributaria también analizó si la cantante residía en efecto en Bahamas, si bien el tribunal señala que el hecho de que "Bahamas sea o no un paraíso fiscal en 2011 es irrelevante, porque la recurrente ha probado la permanencia de al menos 183 fuera de España". Y recuerda asimismo que la situación que ha analizado se enmarca en el 2011, y que los cambios producidos en ejercicios posteriores no afectan a este litigio.

Tras conocer la sentencia, la cantante ha deseado que esta "siente un precedente para Hacienda" y ha lamentado el "señalamiento público" sufrido y que se le tratase "como culpable", según el comunicado.

Su abogado, José Luis Prada, ha cargado contra el "modus operandi" de Hacienda, que "asfixia a muchos contribuyentes anónimos que no disponen de los recursos para defenderse" y ha celebrado que la Justicia funcione "de verdad" frente a "posiciones administrativas inaceptables". 

El compositor y guitarrista de Vetusta Morla, Guille Galván (Madrid, 1980), deja de lado temporalmente el rock de estadio de la banda para mostrar su cara más intimista en su primer disco en solitario, Nadie con ese nombre vive aquí (Esmerarte, 2026), disponible este viernes 8 de mayo. Un trabajo artesanal, delicado, predominantemente acústico, grabado en su propia casa y que remarca la importancia de la canción como refugio y celebración de quienes están cerca. De este regreso a la esencia para volver a empezar su propio camino y de muchos otros asuntos nos habla el músico mientras su grupo de toda la vida se toma un descanso que terminará en otoño.

¿Qué es Nadie con ese nombre vive aquí?

El primer disco que lanzo con mi nombre y con canciones propias. Porque había lanzado bandas sonoras, pero esta es la primera vez que me pongo al frente de un proyecto defendiéndolo con mi propia voz, interpretándolo yo.

¿Por qué dar este paso?

Es una buena pregunta (risas). Supongo que llevo 20 años haciendo canciones, he tenido la suerte de tocarlas por todo el mundo con mi grupo, y quizá tenía la necesidad de construir un espacio un poco más controlable, más pequeño, donde no existiera nada más que la canción pura en su sentido más austero y alguien que la defendiera. Era un reto que tenía desde hace tiempo y se han ido dando condiciones y circunstancias que me han empujado a hacerlo, así como también canciones que me han permitido una determinada manera de componer, pensar por primera vez en mi propia voz y no tanto en la de otros.

¿Es una reivindicación de la canción en sí misma?

Había una idea de ir a la esencia máxima y a lo mínimo para encontrar una manera de cantar y una voz que me permitiera ser comunicativo y creérmela yo mismo. Y, antes de pensar en producciones, en estudios y demás, tenía la necesidad, o la sensación o la intuición, de que eso iba a pasar si lo convertía casi en un vis a vis con quien lo escuchara, contando algo de manera muy directa. 

El resultado es muy delicado y artesanal.

Lo quería hacer en casa por eso también. Siempre me han gustado mucho los discos especiales dentro de las carreras de la gente, esos que son casi como una perlita, donde casi te tienes que imaginar la producción, porque lo que te está contando es lo que es y ya está. También quería grabarlo de una manera compatible con mi día a día, con mi familia, con no tener que cortar muchas veces, porque cuando tienes que ir al estudio desapareces un tiempo, pero para mí este ha sido un proceso muy natural ligado a mi día a día durante este tiempo un poco de desaparición de Vetusta. De hecho, casi nadie sabía que estaba haciendo un disco hasta que lo terminé. Ese anonimato me ha permitido tener bastante libertad a la hora de trabajarlo. 

Salvando las distancias, me viene a la cabeza Nebraska, cuando Bruce Springsteen dejó de lado temporalmente a su E Street Band y se desmarcó con un álbum acústico y minimalista.

Para mí, Nebraska siempre ha sido una referencia, desde adolescente. Es un disco que me marcó mucho, tanto por la manera que está hecho, por el sonido, como por las letras. Fue uno de los primeros discos que me hizo fijarme en los textos, cuando con 13 o 14 años me hice con aquel vinilo que además venía traducido al castellano por Jesús Ordovás, y me empapé de aquellas canciones mucho antes de saber que me iba a dedicar a esto. Me gustaba el reto de que este disco partiera de tomas, porque está hecho con tomas únicas de voz y guitarra, y a partir de ahí había canciones que se quedaban así y otras que he ido compartiendo con otra gente para que se completaran y se fueran ramificando para conseguir mayor riqueza. En un momento con tanta sobreproducción y posibilidades, me gustaba la idea de poner reglas y límites, porque tenía la sensación de que eso iba a darle entidad al disco.

¿Qué directrices tenían los colaboradores del álbum?

Cuando se lo pasé al resto de músicos y productores que han participado, les decía: "Este es un disco de alguien en una habitación con una guitarra y una voz contándole una historia al que tiene delante. No quiero que llenéis la habitación de músicos. Lo que os sugiero que hagáis es que seáis los que decoréis esa habitación, los que elijáis si hay una alfombra, si la pared está de este color o de otro". Me gusta trabajarlo desde ese lugar casi arquitectónico. Quiero que quien escuche las canciones se imagine dentro de esa habitación.

Este disco tiene mucha madera, pero también hay pinceladas de electrónica en los arreglos.

Grabé todas las canciones de guitarra y voz y en algún momento me planteé sacarlo así. Pero también quería que fuera un disco de 2026, sin redecorarlo más de lo necesario, pero mandándoselo a distintas personas para que añadieran cosas. Así, hablé con Campi Campón, que hizo tres canciones, con Pablo Martín Jones, que hizo una, y David Soler y Marcel Bagués que hicieron dos. El resto las hice yo todas en casa con Héctor G. Fazzo, que es el ingeniero con el que he grabado todo, y al final hemos acabado coproduciendo el disco. Gracias al trabajo de todos ellos, en algunas sí que hay tintes que tienen más que ver con el tratamiento de texturas, de software electrónico. Todo lo que había de literal en la manera de cantar y la manera de tocar, quería probar a mezclarlo con lo abstracto de esos arreglos para ver qué tal encajaban. 

¿Cómo ha sido dejar la guitarra eléctrica de lado y darle un disco como este a Carlos Raya para las mezclas? Con lo eminentemente rockero que es él.

Con Carlos he trabajado mucho mezclando cosas, y me parece uno de los mejores mezcladores que hay en España, con una sensibilidad muy grande a la hora de entender las canciones como tales. Necesitaba a alguien que entendiera la canción y que supiera defenderla por encima del arreglo. Además, buena parte de las guitarras que he utilizado en el disco son suyas, porque tiene una colección muy grande y mucha habilidad tocando la acústica.

Es casi un disco contracultural, que reclama una escucha pausada entre tanto ruido en estos tiempos en los que precisamente escuchar es quizás lo que menos hacemos. 

Supongo que hay tiempo en la vida para hacer de todo, y que todos los tipos de producción y de planteamientos bien hechos tienen sus cosas reseñables, pero yo necesitaba desprenderme de casi todo y ver de lo que era capaz con una guitarra y con una voz, que es como empezó todo y como recuerdo la música cuando me la cantaba mi padre o mi madre de niño. Tenía una necesidad de partir de ahí, de un lugar muy de principio, para arrancar un proyecto como este. 

Este disco es, además, una mirada cercana a toda la gente que te rodea. ¿Está la inspiración siempre más cerca de lo que parece, en lo cotidiano?

Cuando pasas tantos años girando y viajando, teniendo la suerte de poder vivir de esto con cierto reconocimiento, muchas veces los aplausos te los llevas tú, pero para que tú estés ahí hay mucha gente que pone soporte y estructura: mi pareja, mis hijos, mi familia. Detrás de cada carrera siempre hay alguien que está al lado y que no se lleva los aplausos, y sí que tenía la sensación de que era el momento de devolver parte de lo que me había dado mi gente. Por eso también lo quería hacer en casa y, además, me pilló en un momento bisagra en mi vida en el que perdí a mi padre y tuve que pasar un duelo, plantearme un montón de cosas. Todo eso está ahí, pululando como un fantasmilla que te hace revisitar muchas cosas. 

No es de extrañar, además, como autor de varios poemarios, que la poesía aparezca aquí como otro elemento esencial de la intimidad de estas canciones. 

Sí. En estos tiempos tan terroríficos, donde ves lo que sucede fuera y todo son malas noticias y casi invitaciones a la extinción, necesitamos encontrar lugares de seguridad. Cada cual tiene los suyos, en este caso, para mí, ha sido hacer estas canciones, cantarlas, el tiempo que he dedicado al tránsito del disco. Haberlo atravesado y haber hecho todo esto, para mí, forma parte de esa manera de luchar contra el abismo que parece que tenemos delante, tanto a nivel mundial como, muchas veces, en lo personal. A mí la música ajena de la gente que me gusta me da eso, y ojalá estas canciones, igual que me ha servido hacerlas, le puedan servir a alguien para sentir algo parecido. 

Ahí está, de hecho, Canción muralla, que pone en valor la capacidad de la canción exacta para defendernos de una manera a la que muchas veces personalmente no llegamos. Canciones que dicen las cosas que necesitamos.

Hay una defensa de la canción como refugio, como herramienta y como medicina también. Al final, los médicos curan, los profes enseñan, los camareros ponen copas y ¿qué hacemos los músicos? No hacemos nada útil o práctico, más que hacer canciones que se queden ahí y en algún momento alguien las recuerde y le mejoren el día.

Ese es el poder de la creación en el ámbito que sea, y cada cual puede encontrar la obra que necesite para detener el mundo por un instante y sentirse a salvo.

La creación es una de las herramientas, como la educación, que no deja de tener un origen similar, que tenemos los seres humanos de proyectarnos en un lugar mejor. Porque, para que exista un lugar mejor, primero hay que pensarlo y crearlo, es importante que no nos neguemos ese derecho.

Hemos hablado de delicadeza, pero este disco tiene también mucha ternura, algo que a lo mejor no está muy de moda en este mundo, como decíamos, tan horroroso.

Es así de una manera deliberada. A veces parece que ser tierno o cariñoso es algo casi peyorativo, pero me gustaría pensar que reconocer el amor de los demás y ponerlo en valor desde la ternura es la base de todo. Esa me ha parecido la puerta de comunicación con mi manera de cantar y con lo que quería contar.

Hablábamos de la poesía, pero hay también canciones muy cinematográficas ya desde el título. Túnel de la M-30, por ejemplo.

Me parecía muy bonita la imagen de un gorrión intentando escapar del túnel de la M-30, que probablemente para los que vivimos en Madrid es el lugar más oscuro y largo que existe en la ciudad. Es una canción que escribí un día que mi hijo empezó a mostrar miedo por hacerse mayor, por olvidarse de las cosas que recordaba de niño. Volviendo a lo práctico de las canciones, me pareció que era bonito dejar escrito en una canción todo lo que le estaba contando y hablarle de cómo percibo yo el hecho de crecer, y que, aunque te olvides de cosas, todo eso lo llevas dentro y todo el mundo que te ha querido, aunque ya no esté, o no lo recuerdes, de alguna forma como los troncos de los árboles, ya forma parte de ti y lo llevas ahí, como dice la canción al final: "Todos los que fuimos te llevan". Y es la primera vez que escribo a mis hijos una canción de una manera tan explícita, algo que tiene que ver con lo que decía de la ternura. Porque el rock no solo tiene que hablar de grandes excesos, tiene que hablar de la verdad, y si esto es lo que necesitas hacer, adelante. 

¿Qué te parece tu manera de cantar? ¿Cómo es pasar de estar en un lado del escenario parapetado detrás de una guitarra a estar en el centro?

Pues es un cambio grande (risas). Desde crío he tenido problemas con escuchar mi propia voz, siempre me ha dado mucho pudor. Escuchaba mi voz cuando grabábamos casetes en casa y me daba mucha vergüenza, porque además de niño tenía vegetaciones y una voz fea. Esa ha sido una cosa que siempre he tenido que ir arrastrando, y al principio, cuando empecé a cantar, sabía que ese era el caballo de batalla. No tanto tener una voz técnicamente impoluta, porque me gustan las voces que comunican, no tanto las perfectas, y estaba buscando la manera en la que tanto por mi manera de cantar, como por la forma de colocar mi voz en la mezcla funcionara en ese sentido. He tardado en no escucharme y escuchar la canción entera, pero es verdad que llegó un momento en el que ya pude hacerlo y olvidarme de que estaba yo. Pero bueno, el cambio sobre todo es pasar de ser compositor a ser intérprete, porque cuando eres compositor y el intérprete es otra persona, digamos que terminas de escribir el guion y alguien lo hace carne. Y cuando te toca a ti, hay un ejercicio de decir: "La canción ya está hecha, el compositor ya ha muerto, ahora me toca darle vida". A nadie le importa que la canción sea mejor o peor  si no la defiendes como hay que defenderla.

¿Habrá gira en solitario?

Tengo idea de tocar, lo que pasa es que tengo que ver cómo hacerlo bien y encajar las fechas con todos los compromisos alrededor. Ahora no se anunciarán las fechas, pero tengo idea de hacerlo más adelante.

¿Qué sería un éxito para ti con este disco? Con Vetusta Morla ya vas a llenar el Movistar Arena de Madrid tres veces en noviembre, así que seguro que es otra cosa diferente a esa.

Haber hecho el disco, haberlo terminado, verme reflejado en él y estar orgulloso ya es un éxito. De verdad tengo una paz muy grande con lo que he hecho porque me ha costado mucho, muchos años. Aunque suene a tópico, para mí el éxito está en el día que llegó el mastering. Ahora tengo que contarlo, que va por otro lado. Ojalá le parezca también importante a la gente, igual que me ha parecido a mí, pero el éxito ya lo tengo. 

Ojalá la gente se aprenda las canciones y luego se le olvide de quién son. 

Eso es a lo que aspiramos todos los que hacemos música popular, que lo que haces forme parte de la gente hasta el punto de que digas: “No sé de quién es, me lo cantaba mi madre", o "lo cantábamos con los amigos en el parque".

La artista, cantante, compositora, escritora y activista estadounidense Patti Smith, considerada 'la madrina del punk', ha sido galardonada este miércoles con el Premio Princesa de Asturias de las Artes 2026, según recoge EFE. 

Patricia 'Patti' Lee Smith (1946, Chicago, Estados Unidos), cuyas composiciones oscilan entre lo poético y lo musical, ha firmado a lo largo de sus más de cinco décadas de trayectoria profesional títulos tan conocidos como Because the night, coescrito con Bruce Springsteen, o People have the power. 

Autora de varios poemarios y artista visual, Smith —Medalla de Oro de Bellas Artes 2019 del Ministerio de Cultura— saltó a la fama con su álbum debut Horses (1975), con el que propuso un punto de vista feminista e intelectual a la música punk y se convirtió en una de las artistas más influyentes de la música rock.

Admiradora del simbolismo poético de Rimbaud y apasionada de Lorca, ha triunfado a lo largo de su laureada carrera con numerosos éxitos interpretados con una voz rota y una música con la energía de las bandas garage de rock de finales de los sesenta.

El Premio Princesa de Asturias de las Artes, que el año pasado recayó en la fotógrafa mexicana Graciela Iturbide, está destinado a distinguir "la labor de creación, cultivo y perfeccionamiento de la arquitectura, la cinematografía, la danza, la escultura, la fotografía, la música, la pintura, el teatro y otras manifestaciones artísticas".

Smith ha declarado este miércoles: "Creo que este galardón simboliza el amor que siento por España, un país que, durante décadas y a través de distintas generaciones, me ha expresado su cariño y apoyo y donde siempre me he sentido respaldada y querida", ha dicho en unas declaraciones difundidas por la Fundación Princesa de Asturias.

Ha incidido en que el premio significa para ella "Arte y Amor", "por todos los poetas y pintores que desde Lorca a Picasso" le han inspirado, y por todo el afecto que ha recibido, especialmente de la gente joven.

"Al recibir esta mañana la noticia de la concesión del Premio Princesa de Asturias de las Artes, me he levantado llevada por un profundo sentimiento de gratitud. Como si 1.000 palomas me hubieran dado la bienvenida y me hubiesen llenado de energía", ha añadido la cantante, quien ha recordado que en diciembre cumplirá 80 años, "pero más que tener la sensación de estar llegando al final" de su camino, ha asegurado que el premio hace que se sienta "rejuvenecida".

Patti Smith ha confiado en llegar a Asturias unos días antes de la ceremonia de entrega de los premios porque se da la circunstancia de que el próximo 20 de octubre se cumplirán 50 años de su primer concierto en España, que se celebró en Badalona.

"Bendigo cada día como el comienzo de algo nuevo, en un mundo que necesita más que nunca de nuestra comprensión, de nuestro trabajo y de nuestro compromiso para seguir llenándolo de amor y de respeto hacia los demás", ha concluido Smith en su mensaje.

Parece que algo tan lógico siempre ha sido como es ahora, pero hace una década (año arriba, año abajo en función del territorio) se produjo una pequeña gran revolución en nuestro país, un efecto dominó por el que las comunidades autónomas fueron regulando y permitiendo, después de no pocas campañas y protestas, el acceso de los menores de edad a las salas de música en directo para asistir a conciertos. Porque no, no podían, lo tenían prohibido al confundir las administraciones la cultura con el ocio nocturno, con la funesta conclusión de que no pintaban nada en esos bares y discotecas donde se vendía alcohol, por mucho que hubiera músicos tocando en un escenario.

Transcurrido el tiempo y normalizada la situación, la música en vivo recibe con los brazos abiertos a los más pequeños, a los que es habitual ver en las salas, siempre acompañados por su padre, madre o tutor legal (lo estándar es que puedan asistir solos a partir de los 16, presentando el DNI). Más habitual todavía es su presencia en festivales, pues son muchos los que directamente les facilitan la entrada gratuita hasta diferentes edades —Mad Cool hasta los ocho, Arenal Sound hasta nueve, Primavera Sound a 12, Azkena y Ebrovisión llegan a 14, por citar algunos—. Las motivaciones de cada cual son variadas, y van desde crear afición hasta facilitar el disfrute y la conciliación familiar (y atrapar futuros públicos, claro).

En un momento en el que la industria de los conciertos rompe gracias a los grandes eventos récords de facturación año tras año —alcanzó en 2025 por vez primera los 807 millones de euros—, se corre el peligro de que se resienta el eslabón más débil de la cadena y queden vacías las salas, que no son otra cosa que el lugar por donde todos los artistas necesariamente empiezan. Espacios donde, además, se disfrutan las actuaciones de otra manera, más cercana y directa, por lo general sin las incomodidades de las aglomeraciones, precios para nada tan abusivos... En las salas está, en definitiva, la esencia de todo esto.

Y mientras todo el mundo parece estar comprando a la vez cientos de miles de entradas para Bad Bunny, Shakira y otros grandes eventos, hay artistas menos mediáticos que se ganan los cuartos noche tras noche y justo por eso tiran de imaginación, arriesgan y proponen facilidades para los menores nada habituales en el sector. Nat Simons, por ejemplo, puso entrada libre para menores de 16 (siempre acompañados) en la reciente presentación de su nuevo disco en la Sala Changó de Madrid, que registró un lleno absoluto ante 800 personas.

"Esto se lo vi a un grupo de Valencia que se llama Corazones Eléctricos y me pareció muy llamativo", explica a infoLibre la artista. "En el rock muchas veces se dice que no hay relevo generacional natural, así que me pareció buena idea por su parte para que los chavales pudieran verles y hacerse fans. Mi concierto en Madrid, además, coincidió con el día del padre, así que pensé que era una ocasión perfecta para ponerlo como regalo para los padres en plan 'pues mira, te puedes traer a tu hijo gratis'", plantea.

"Llevamos haciéndolo desde 2023", destaca a infoLibre Pau Monteagudo, líder precisamente de Corazones Eléctricos —y anteriormente de Uzzhuaïa—, que actúan el próximo 23 de marzo en el Moby Dick Club de Madrid con entrada libre para menores de 25 años (en un aforo total de 300 personas). Y se muestra muy satisfecho por haber cumplido en estos tres años el humilde propósito con el que empezó todo: dejar que los niños y jóvenes se acerquen al rock. Un género que puede no estar precisamente de moda entre las nuevas generaciones, pero que sigue manteniendo unos adeptos que "a lo mejor se sienten un poco como ovejas negras en su instituto" porque la mayoría escucha otra cosa.

"Hay que abrirles las puertas, que tengan la oportunidad de poder vivir lo que vivimos allá en los años 80 y 90 de poder ir a conciertos, conectar, conocer gente, sentirte un poco parte de una comunidad que, por desgracia, ahora no tienen", remarca el músico, que defiende a su vez elevar la entrada gratis hasta los 25 años, con el objetivo no ya de que una familia se anime a asistir al ahorrarse alguna entrada, sino de que los jóvenes ya mayores de edad puedan ir por su cuenta.

“Pensé en arriesgar nuestra propia supervivencia como banda y no dejarlo en 16 años, sino que alguien con 20 años pueda asistir por su propio pie", explica. "Recuerdo un grupo de seis chavales de 20 o 21 años en una sala de Gijón el año pasado que salieron flipados de nuestros conciertos y después nos contaban que habían estado viendo a Scorpions en un gran festival y no les había gustado, a pesar de que habían pagado una pasta. Pues se acabaron comprando nuestras camisetas y CDs", relata.

La jugada ahí salió bien, pero es un riesgo que asume una banda a la que pueden no salirle las cuentas si no vende las entradas suficientes, pues los márgenes suelen ir muy apretados. Esa es la apuesta para Monteagudo: "Si entran 15 chavales que no pagan la entrada a una media de 15 euros, estamos hablando de poco más de 200 euros, que a lo mejor es nuestra gasolina o el hotel. Pues yo prefiero arriesgarlo, no ganarlo para mí, pero poderlo ganar en común para los próximos años y que haya jóvenes que recuerden lo que les gustó el ambiente y el concierto. Porque el ambiente del rock en una sala no es el de un gran festival, y merecen como mínimo tener la oportunidad de experimentarlo. Si luego no les mola o prefieren este postureo del festival, son libres de elegir, por supuesto".

Coincide Nat Simons, quien ha recibido una gran respuesta a su iniciativa, con seguidores de todo el país preguntándole si iban a poder también llevar a sus hijos gratis en otras fechas de la gira. "Al hacerlo en Madrid hubo mucha gente que me empezó a preguntar si iba a ser así en otras ciudades. Yo no tengo hijos, pero a mi alrededor todo el mundo los tiene y entiendo que es difícil dejarlos con alguien para ir a un concierto, sobre todo mi público, que es de mi edad o más mayor. Y, aparte de todo esto, también hay que hacer cantera, eso mola mucho", resalta la cantante.

El director gerente de Madrid en Vivo, la asociación de salas de conciertos de la capital, Javier Olmedo, ve "fantásticas" este tipo de iniciativas inéditas, pues nadie más a ese nivel las está poniendo en práctica, "sobre todo por intentar atraer a gente más joven" a estos espacios culturales, donde se nota especialmente el "envejecimiento" de los asistentes habituales. "Es fundamental la renovación de los públicos y que toda esta gente entre a las salas. Somos conscientes de lo difícil que es que vengan, pero cuando vienen ya les ha picado el gusanillo. Lo difícil es que den el primer paso", argumenta a infoLibre.

Y señala, asimismo, que aparte del envejecimiento de los espectadores en las salas, la pandemia produjo una especie de "brecha generacional" que todavía sigue abierta, debido a que durante aquellos meses de confinamientos y cierres hubo una generación "que se perdió pisar las salas justo en el momento que desarrollamos esos gustos culturales, de ocio y de vida". Eso lo están "notando" todavía las salas de conciertos porque, además, a ese público más joven "se le ha vendido la experiencia del festival" como si fuera la única para ver música en directo: "Pero creo que se están dando cuenta de que, si les gusta realmente la música, su sitio son las salas de conciertos. Y cuando se te pasa la tontería de ir a hacerte fotos para Instagram te das cuenta de que puedes ver en ellas a grupazos por poco dinero".

"Si esto lo convertimos solo en negocio, que es lo que está pasando, perdemos la identidad y el arte", reivindica Monteagudo, quien aprovecha para extender esta iniciativa a otros artistas que toquen en salas más grandes: "Una banda que meta 2.000 personas no es tampoco tan grande, pero es ya importante, y puede poner un cupo para menores gratis. Dinero vas a ganar. Hay sueldos que pagar y mil historias, ya lo sé, pero de 2.000 pon cien o cincuenta para ellos. Abre esas puertas. Pero es que estamos todos con 'para mí, para mí, el que venga detrás que se joda', pero luego nos damos todos palmaditas en la espalda. Yo prefiero arriesgar. Decides no ganar un poquito de dinero, pero sabes que te va a salir bien la jugada".

Tanto Simons como Monteagudo son artistas ya con una trayectoria importante, que llenan salas de mediano y pequeño aforo por toda España. Profesionales de la música y de la carretera con sus seguidores fieles, con sus ingresos y sus gastos, que pelean desde la base concierto a concierto ajenos a las grandes cifras de los macroeventos del postureo que acaparan todo: nuestra atención, nuestra cuenta corriente, nuestras publicaciones en redes. Por eso ambos tiran de imaginación para encontrar y expandir su hueco haciendo lo que nadie hace. En este contexto, las salas son para Olmedo una "tabla de salvación", un espacio donde disfrutar de los conciertos en familia y con precios mucho más asequibles. "Viendo lo que cuestan los grandes conciertos y los festivales, nosotros vamos de regalo", termina.

Barcelona se congregaba ayer jueves para pedir justicia por Palestina. No era en una multitudinaria manifestación o en una concentración, como era habitual ver estos últimos años. Tampoco era en la calle, y en vez de grito, se escuchaba música. El Palau Sant Jordi se llenó para albergar el concierto Manifest x Palestina. El acto era el broche de oro de la campaña internacional coordinada por Act X Palestine para recaudar fondos. 

El concierto contaba con artistas como Amaia, Oques Grasses o Mushka. Pero quedaba una. Solo faltó un pequeño letrero en las pantallas del Palau para que el público se transformara: Rosalía.

“Hoy, especialmente, es un honor estar en este escenario”, ha expresado la cantante catalana después de cantar su canción La Perla, incluida en su último disco Lux. Nadie esperaba su asistencia, puesto que no había sido anunciada en el cartel, aunque si que se sabía que estaba en la capital catalana. Tampoco se esperaba un posicionamiento tan claro después de innumerables críticas por la falta de contundencia de la artista al tratar temas políticos. Incluso, fue muy criticada por no posicionarse en contra del genocidio, algo que remedió con un comunicado en Instagram en el que aseguraba: "El hecho de no haber usado mi plataforma de forma alineada con el estilo o expectativas ajenas no significa en absoluto que no condene lo que está pasando en Palestina. Es terrible ver día tras día como personas inocentes son asesinadas y que los que deberían parar esto no lo hagan".

El concierto también contaba con voces palestinas como Lina Makoul o Zeyne, además de con artistas como Morad, Bad Gyal o Yerai Cortés y figuras como Pep Guardiola o Eduard Fernández. Todos los beneficios del concierto se destinarán a impulsar y reconstruir proyectos culturales en Gaza y Cisjordania, canalizados a través del PPAN (Palestinian Performing Arts Network) y centros culturales independientes como el Lajee Center (Camp de Refugiados de Aida) y el Dar Qandeel (Tulkarem).

A pocos kilómetros de allí, en la playa, se había dado un homenaje por la tarde a la pequeña Hind Rajab, una niña que, con tan solo cinco años, fue asesinada hace dos. Este suceso llego a todas las partes del mundo después de que se difundiera una última llamada en la que pedía ayuda mientras esperaba una ambulancia que no llegó nunca. En Barcelona, la organización social Avaaz, ha conmemorado el aniversario de su muerte en un acto al que ha asistido su madre, Wesam Hamada. Una lona de unos 1.000 metros cuadrados se ha desplegado en la playa con el retrato de la pequeña Hind con el objetivo, según la organización, de pedir protección para la infancia palestina y exigir rendición de cuentas. Ahora, la historia de la niña será conocido por todos en la película La voz de Hind Rajab, nominada al Oscar.

A finales del siglo XX, España podía reconocer en el mundo con claridad “su” música, desde el pop luminoso de Mecano o la fuerza de Héroes del Silencio a la sensibilidad con toques aflamencados de Alejandro Sanz o el indie que marcó a una generación.

Sin embargo, en 2025 la pregunta ya no es qué define la identidad de la música española, sino si ese concepto sigue teniendo sentido dentro de un ecosistema en el que el español se ha vuelto global, híbrido y profundamente interconectado.

Esta es una de las reflexiones del nuevo informe del Observatorio Nebrija del Español, donde se detecta cómo España ha pasado de exportar voces a formar parte de una red transnacional en la que los acentos se cruzan y los ritmos se comparten.

España ha actuado como uno de los grandes emisores de música en español. Durante los años 80 y 90 se produjo la profesionalización de la industria española, marcada por la concentración del mercado en manos de compañías multinacionales. A diferencia de lo que sucedía en otras naciones europeas, la transformación fue vertiginosa.

Así, si en 1980 siete sellos globales controlaban un 52% del mercado, ya en 1985 solo cinco discográficas aglutinaban el 87%. Este crecimiento se sumó a la confluencia de una explosión creativa y al apoyo de la radio, algunos programas de televisión y las revistas musicales. También las nuevas tecnologías de consumo físico musical –como el CD– interpretaron su papel en la expansión internacional de los grandes referentes del pop español.

Pero a partir de los años 2000, esa fórmula de éxito comenzó a cambiar, primero de una manera tímida y luego de forma estructural. Así, pasamos de lo físico a lo digital impulsados por el auge de una piratería que sumió a la industria en una crisis de ventas que acabó afectando a todo el sistema.

En ese punto de inflexión, en 2005, una colaboración entre la colombiana Shakira y el español Alejandro Sanz reveló que el idioma era un vector más poderoso que cualquier identidad nacional. La canción La Tortura anticipó la explosión de un pop latino-global cuya arquitectura ya no dependía del país de origen del artista sino de su conexión con una comunidad lingüística transcontinental.

Desde entonces, España comenzó a importar sonidos, estilos, productores y narrativas que provenían de América Latina. Los datos son reveladores: cuando analizamos el consumo musical en España de las últimas dos décadas, siete de cada diez canciones se cantan en español. De hecho, el 94% de la música que consume esta audiencia en YouTube se canta en español, al igual que el 87% de lo que escuchan en Spotify. Pero solo una cuarta parte de esas canciones son de intérpretes originarios de España. Es decir, el español que está dominando las listas de éxitos posee muchos acentos.

No obstante, esto no indica una pérdida de relevancia cultural de los artistas españoles, sino un desplazamiento del eje. Podría decirse que la identidad musical está dejando de ser local para convertirse en lingüística y relacional. Así el Spanish sound ya no se entiende como una estética propia y diferenciada de un país sino como parte de un espacio común compartido, el “orgullo latino” que puede surgir desde Medellín, San Juan o Buenos Aires a Ciudad de México, Miami, Cuenca, Terrassa o las islas Canarias.

El auge de la música en español en el escenario global no surge de la nada, ni es simplemente algo que el viento del mercado haya traído consigo. Es más bien el punto de encuentro de corrientes históricas y tecnologías que, en los últimos 20 años, han ido reconfigurando las rutas por las que viaja la cultura en un planeta interconectado.

En los años 90 la música en español funcionaba como un mercado fragmentado, jerarquizado, con flujos unidireccionales (en España ligado al pop y en Estados Unidos, al Spanglish). Hoy, sin embargo, actúa como una comunidad digital, fluida, global y dopada por los algoritmos. Las plataformas que han borrado fronteras también han revelado un dato fundamental: el español es uno de los idiomas más escuchados del mundo en las listas de éxitos.

En este contexto, los artistas españoles navegan entre la idea de preservar ciertas raíces culturales mientras adoptan sonidos y estéticas que conectan con audiencias globales. Se observa un cambio generacional de artistas superventas del pop español como Estopa, Pablo Alborán o Dani Martín para pasar a Juan Magán, Rosalía, Quevedo y RVFV, referentes de propuestas que se integran en un lenguaje musical más amplio.

Otro vector clave que impulsa la música en español es el femenino.

La presencia de Karol G y Rosalía en las listas de éxitos globales, junto a una figura transgeneracional como Shakira –quien constituye un caso singular de reinvención sostenida dentro de la industria latina–, permite observar un cambio de ciclo en la música popular contemporánea.

A ellas se suman intérpretes españolas con fuerte impronta internacional. Así, y según Chartmetric, para Aitana, Bad Gyal y Ana Mena México es su mercado secundario, mientras que Argentina lo es para Lola Índigo. Por tanto, la relevancia de estas artistas no puede entenderse ya como regional o local, sino como parte de un ecosistema cultural crecientemente interconectado que les permite disputar espacios simbólicos históricamente masculinizados.

Su visibilidad y su forma de reinterpretar el género, lejos de ser un fenómeno aislado marca un hito en la historia de la representación femenina. Este empoderamiento femenino y latino que encarnan abre puertas para nuevas generaciones y legitima una diversidad de expresiones que amplían los márgenes en la cultura popular contemporánea desde el español.

Al final, la música en este idioma no es un tema de banderas, sino voces que conquistan. Lo que importa no es el origen del sonido, sino la amplitud de su eco.

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Lourdes Moreno Cazalla es doctora en Comunicación y autora del estudio para el Observatorio Nebrija del Español "El boom de la música urbana latina y la expansión del español a nivel global". Este artículo fue publicado originalmente en The Conversation. Puedes leerlo aquí.

El cantante español Julio Iglesias ha publicado en su perfil de Instagram varios mensajes que supuestamente recibió desde WhatsApp de las trabajadoras que le han denunciado por agresión sexual con los que parece querer demostrar su inocencia, informa EFE.

"La evidencia es clara: las comunicaciones de Whatsapp enviadas por las denunciantes durante el tiempo que trabajaron en mi casa y las comunicaciones después de irse, demuestran que la información difundida carece de veracidad", señala el cantante en un comunicado que incluye en su perfil junto a capturas de pantalla de esos mensajes.

Las publicaciones de Julio Iglesias se producen después de que la Fiscalía de la Audiencia Nacional española haya rechazado por el momento la petición del abogado de Julio Iglesias de que se acepte su personación en la investigación en su contra, para tener acceso directo al contenido de la denuncia por presuntos delitos sexuales que se investiga en España.

Julio Iglesias dice que Instagram es el "único medio" que le permite ejercer legítimamente su derecho a la defensa y "dejar constancia de la absoluta falsedad de los hechos denunciados".

En uno de los mensajes del 20 de abril de 2021 que atribuye a sus trabajadoras se lee: "Profesor buenas noches, espero puedas dormir sin malestar, sueñes con los angelitos y puedas descansar, te quiero mucho y si necesitas algo de mi aquí estoy a tu entera disposición, gracias por tu paciencia y tus enseñanzas del día de hoy, todos los días a tu lado son valiosos para mi porque aprendo un poco más (añade un corazón) un beso y un abrazo!. Feliz noche".

En otro mensaje (1 de mayo de 2021) se afirma: "Hola profesor.!!. Buenas tardes, me avisas cuando quieras que vaya para hacer los ejercicios"; y en otro enviado el 2 de mayo, esta misma persona le dice: "Buenos días profesor! Espero que hayas tenido una muy buena noche, recuerda colocarte la faja postural..un beso.. te veo en un rato".

En uno más del 23 de septiembre de 2022, le desean "Feliz cumpleañooooosss Julitoooo!!!. "Querido profesor, que Dios te siga llenando de mucha salud para que puedas seguir gozando de esta hermosa vida, te mando un beso y un abrazo, TE QUIERO. siempre te recuerdo, con cariño.", añade.

Y en otra captura publicada por el cantante puede leerse: "Solo quiere saludarlo", "mandarle un fuerte abrazo" y decirle que "le quiere mucho".

En su comunicado, el cantante asegura que "es muy grave que la mentira y la desinformación se utilicen como armas para atacar personas" y que por eso ha decidido adjuntar "algunas de las comunicaciones de whatsapp que ponen de manifiesto la incoherencia de las denuncias y la manipulación mediática" a la que, dice, está siendo sometido.

La Fiscalía investiga una denuncia contra el cantante por un presunto acoso y agresión sexual en 2021 a dos empleadas en República Dominicana y Bahamas.

Los hechos denunciados afectan a una exempleada del hogar del cantante y a una fisioterapeuta, que han aportado ante el tribunal documentos laborales, fotografías, grabaciones, mensajes de WhatsApp o registros de llamadas para demostrar la veracidad de sus acusaciones, que incluyen agresiones sexuales, vejaciones y humillaciones laborales sistemáticas. EFE

En mi casa, en muchos de los viajes que hacemos en coche, la canción de Julio Iglesias Gwendolyn la hemos cantado millones de veces, los cuatro, dando lo mejor de nuestras voces, desgañitándonos en las últimas estrofas en las que el cantante se lamenta de no poder volver a oír su voz.

Para mí, lo digo con total sinceridad, es complicado disociar el artista de la persona, sobre todo cuando la persona se desvela como un monstruo. Los testimonios de las mujeres que trabajaron en sus casas dibujan exactamente eso: a un depredador, a un hombre que utilizaba a las mujeres, todas ellas vulnerables, jóvenes, como objetos sexuales. Las reclutaba por su aspecto y no por su formación, es más, según el testimonio que ha desvelado en exclusiva el equipo de elDiario.es y Univisión pedía que no tuvieran estudios. Sabía que así, quizás, eran más fácilmente manipulables.

La hemeroteca no ha ayudado en nada a este caso. Las infinitas imágenes y declaraciones que hemos rescatado todos los medios de nuestros archivos nos desvelan que eso siempre estuvo ahí, a los ojos de todos y que nadie quiso o supo ver. Había actitudes que, con la mirada de ahora, difícilmente podían ser aplaudidas. Agarrar a una mujer de la cabeza, reiteradamente, para besarla, en público, cuando lo que está haciendo es simplemente una entrevista, habría sido rápidamente censurado a día de hoy, pero ¿entonces? Entonces se veía a este tipo de hombre, artistas, como el ejemplo de cómo un hombre con mucha fama podía permitirse hacer lo que le diera la gana porque nunca pasaba nada.

Y quizás –veremos en qué queda la investigación, qué recorrido judicial tiene todo esto– quizás, esa forma de sentirse absolutamente libre para hacer lo que le diera la gana ante los ojos de todos derivó en lo que denuncian las mujeres que trabajaban en su casa. Sentir que las mujeres son meros objetos, que utilizo para mi propio placer, que las humillo y las vejo de la peor forma posible, y que da igual que esto esté mal porque, total, son mujeres de un país caribeño, ¿quién las va a creer? Mi duda es si llegó a un extremo en el que ni siquiera era consciente de que lo que hacía era una atrocidad.

El equipo que ha hecho esta investigación sabía que se enfrentaban a Goliat y, por eso, han estado revisando cada coma, cada palabra, han tardado 3 años en armar esta exclusiva porque sabían que las demandas llegarían. Julio Iglesias ya ha anunciado que están en ello.

Julio Iglesias ha sido el mejor embajador de nuestro país, el primer artista que rompió las listas de los más escuchados en todo el mundo, un artista que ha vendido millones de discos, que ha llenado estadios... Estos días se lamentaba de que habían manchado esa imagen. Hay muchos que se resisten a creer lo que se está publicando, muchos que prefieren creerle a él antes que a las mujeres que han dado el paso de denunciar.

Me cuesta entender cómo alguien, teniéndolo todo, pudiendo utilizar toda esa fama para hacer cosas maravillosas, use su dinero y su lujo para satisfacer sus conductas sexistas. Pasan de ser un ejemplo a una enorme decepción.

Para mí va a ser difícil volver a escuchar sus canciones de la misma forma. Seguir sus letras sin pensar en cómo era realmente él en la intimidad, cómo trataba a las mujeres, a sus empleadas. Me va a costar entonar de nuevo ese Gwendolyn.

Las dos mujeres que el pasado 5 de enero denunciaron, representadas por Women's Link, ante la Fiscalía de la Audiencia Nacional presuntos casos de acoso y agresión sexual en 2021 por parte del cantante Julio Iglesias, coinciden al señalar que han denunciado para que otras lo denuncien y no vuelvan a sufrir abusos de este tipo.

Así lo recoge Amnistía Internacional (AI) en un comunicado remitido esta noche a EFE, en el que se indica que, según la denuncia, estas mujeres "habrían vivido múltiples y distintas formas de violencia —sexual, psicológica, física y económica— por parte de Julio Iglesias, entre enero y octubre de 2021 mientras laboraban en propiedades que el acusado tiene en República Dominicana y Bahamas".

"Según su testimonio, el denunciado las habría agredido y acosado sexualmente, habría revisado regularmente sus celulares, les habría prohibido salir de la casa donde trabajaban y les habría exigido jornadas laborales de hasta 16 horas al día, sin días de descanso y sin contrato".

El 5 de enero, continúa la nota, "se pusieron en conocimiento de la Fiscalía hechos que podrían constituir un delito de trata de seres humanos con fines de imposición de trabajo forzado y servidumbre”, “delitos contra la libertad y la indemnidad sexuales tales como acoso sexual”, así como "un delito de lesiones y delitos contra los derechos de los trabajadores".

Amnistía Internacional refiere que durante cerca de cinco años, las denunciantes "no hablaron de lo sucedido por temor a represalias profesionales, a la falta de canales seguros de denuncia y a una cultura que históricamente ha desestimado y desacreditado las voces de las sobrevivientes".

Una de las trabajadoras denunciantes afirma, según recoge AI en su nota que: "Hago esto por tres razones de justicia. La primera, por mí misma: por todo lo difícil que ha sido este proceso y por todo lo que he tenido que enfrentar para poder superarlo. La segunda, por las mujeres que trabajan en las casas de él: quiero decirles que sean fuertes, que alcen la voz, que recuerden que él no es invencible. Y la tercera, por mi país [República Dominicana]: para que algo así no vuelva a ocurrir y para que él entienda que no puede venir a hacer lo que quiera sin asumir las consecuencias”.

El propósito de la otra denunciante "es que ninguna mujer vuelva a sufrir este tipo de abusos por parte de él. Quiero llevar el mensaje de que las mujeres somos víctimas y sobrevivientes, no victimarias ni culpables”. De acuerdo con los testimonios, añade AI en su comunicado, "sus experiencias podrían presentar similitudes con las de otras mujeres de América del Sur y del Caribe que habrían trabajado para el denunciado".

Tras conocer los hechos, la organización de derechos humanos Amnistía Internacional España ha decidido apoyar a las denunciantes y solicita que se investigue. “La violencia ejercida por empleadores contra trabajadoras remuneradas del hogar es una grave violación de derechos humanos. La falta de protección efectiva coloca a estas mujeres en una situación de extrema vulnerabilidad que los Estados no pueden seguir ignorando”, señala Ana Rebollar, directora adjunta de Amnistía Internacional España.

La apertura de las diligencias de la Fiscalía de la Audiencia Nacional se conoce el mismo día en que se ha hecho público que dos mujeres han denunciado casos de acoso y agresión sexual en 2021 por parte del cantante.

Los medios eldiario.es y Univisión Noticias, responsables de la investigación periodística, han contrastado los testimonios de las mujeres supuestamente afectadas con entrevistas a profesionales que les atendieron de sus secuelas y que aseguran disponer de documentos que respaldan su relación laboral con el compositor.

Los hechos habrían ocurrido en las casas de Julio Iglesias en República Dominicana, Bahamas y España. Una de las mujeres era empleada del hogar y la otra fisioterapeuta. Las extrabajadoras han aportado documentos laborales, fotografías, grabaciones, mensajes de WhatsApp, registros de llamadas y solicitudes de permisos migratorios de Julio Iglesias al Gobierno de España, de Bahamas y de República Dominicana, según señalan ambos medios.

El relato de ambas describe agresiones sexuales como penetraciones sin consentimiento, bofetadas, vejaciones y humillaciones laborales sistemáticas a ellas y a otras empleadas.

Una de las mujeres se refiere a la residencia del cantante en Punta Cana, en República Dominicana, como "la casita del terror", donde el cantante (con 77 años cuando sucedieron los hechos) pasa parte del tiempo,

Una de las empleadas asegura también que estaban obligadas a realizarse pruebas médicas como revisiones ginecológicas, test de embarazo y exámenes para detectar enfermedades de transmisión sexual, como VIH.

El artículo, firmado por cinco periodistas, asegura que el cantante no ha respondido a ninguno de los intentos por contactar con él o sus representantes legales. La Agencia EFE también ha tratado de obtener la versión del entorno del Iglesias sin éxito.

Es difícil encontrar estos días a alguien que no hable de ello. El nuevo disco de Rosalía ha acaparado la atención de todos, se ha convertido en el tema de conversación, se comenta en los medios y hasta en las paradas del autobús. Tanto es así, que consiguió llegar al top 4 de los álbumes más escuchados a nivel mundial en la lista Billboard 200. Ya se ha dicho de todo sobre Lux: que es demasiado conservador, demasiado rompedor, muy abstracto o no lo suficiente, que promociona la religión o que plantea una nueva forma de espiritualidad, que ella misma es Dios o que se rinde ante él. 

Muchos puntos de vista diferentes, pero la mayoría coincide en algo: el disco de Rosalía no puede desligarse del momento político actual. Y el escenario global está marcado por la llegada de Donald Trump a la Casa Blanca y el avance de la ultraderecha en todo el mundo. Posturas reaccionarias que también golpean de lleno en la cultura. Y más en los contenidos que antes apostaban por el feminismo. Cada vez es más habitual encontrar mensajes que invitan a las mujeres a adoptar un camino más conservador, sólo hay que ver el fenómeno de las tradwives. 

Del feminismo, que se había erigido más que como una ola como un tsunami en los últimos años, ahora se dice que “ha ido demasiado lejos”. Con este panorama, hay voces que alertan de que el movimiento empieza a adoptar mensajes menos combativos en los que se desdibuja el enfado que mostraban las mujeres en las protestas de 2018. “Es un diagnóstico de la sociedad actual. Todo lo resolvemos de forma individual. El enfado está, pero estamos anestesiados”, argumenta María Medina-Vicent, profesora titular de filosofía en la Universitat Jaume I. 

Cada vez hay más ejemplos en la cultura. Taylor Swift basó gran parte de su documental Miss Americana en su rechazo a las políticas de los republicanos, pero ahora su postura es mucho más descafeinada. Tanto es así, que ni siquiera ha condenado el uso de sus canciones por parte de la administración Trump en las redes sociales. 

Buscamos otros ejemplos más allá de la música. Actrices tan famosas como Jennifer Lawrence ya no son tan claras a la hora de manifestar su feminismo. En 2015, cuando era la actriz mejor pagada de todo Hollywood, Lawrence publicó una carta en una newsletter gestionada por la directora y actriz Lena Dunham, criticando la brecha salarial en su industria. Un año más tarde, en una entrevista con la revista Time aseguraba que no entendía por qué daba tanto miedo la palabra “feminismo”. En 2020, también fue una de las celebrities que criticó más abiertamente a Trump, declarando que votaría a Biden y Harris en las elecciones presidenciales. 

La cosa cambia en el presente. En el podcast The Interview del New York Times la actriz declaró: “Estoy en una especie de recalibración complicada. Soy artista y, con el ambiente actual, con lo fácil que algo puede salirse de control, no quiero ahuyentar al público de las películas solo porque no les gustan mis opiniones políticas”. A esto añadió que no sabía si “debería” posicionarse políticamente. "El problema viene de base, cuando confundimos marketing con transgresión. Cuando muestran un perfil más feminista, no es que quieran transformar la sociedad, es que son un producto que se va adaptando. Ahora, recurren a una imaginería más conservadora para vender”, expone Medina-Vicent. 

El caso de Rosalía no es una excepción a esto y, aunque en canciones como La Perla se despacha poniendo en su lugar a una ex pareja con la que —queda demostrado—no terminó muy bien, en muchas otras interpreta un nuevo (o viejo) arquetipo de mujer que cada vez se ve más en la cultura popular: aquella que antepone, comprende y ayuda al hombre antes que a nada. En Berghain, Rosalía canta: “Solo soy un terrón de azúcar / Sé que me funde el calor / Sé desaparecer / Cuando tú vienes es cuando me voy”. Y en Divinize: “Through my body, you can see the light / Bruise me up, I'll eat all of my pride” (A través de mi cuerpo puedes ver la luz / Amorátame, que yo me comeré todo mi orgullo). 

Aunque las canciones tienen miles de interpretaciones, llama la atención que este tipo de simbolismos lleguen en un momento de ofensiva contra los avances feministas de los últimos años y en el que se está comenzando a presentar a los hombres como víctimas. En La Rumba del Perdón Rosalía canta: “Cuando dijiste "voy a bajar por tabaco” / Mirando a lo ojos a tu hijo menor / Le prometiste que en na' tu estarías de vuelta / Y nunca volviste a cruzar el umbral de la puerta por la que te fuiste / Pero / Yo sé que tú eres pa' mí”. El propio estribillo de la canción reza: “toíto te lo perdono”.

“No me extraña cómo está cambiando la estética de todos los iconos del pop. Se relaciona directamente con el momento en el que nos encontramos de retroceso absoluto frente a la rebeldía que veíamos antes”, apunta Sonia Núñez, catedrática de comunicación en la Universidad Rey Juan Carlos. 

En el caso de Taylor Swift, con su último disco The Life of a Showgirl ella misma se convierte en el arquetipo. Tanto es así que una gran parte de la promoción ha girado en torno a su relación con el jugador de fútbol americano Travis Kelce. En Wi$h Li$t, habla de cómo las mujeres de su alrededor quieren libertad, vivir con tres perros y conseguir un Óscar. Ella no. Solo desea “muchos hijos” y una “cancha de baloncesto” para que jueguen. Poco queda de la Taylor que mostraba su enfado ante los medios de comunicación y los hombres de su vida en canciones como Blank Space o Look What You Made Me Do. 

No hay duda de que la ola reaccionaria y el posmachismo quieren hacernos creer que las mujeres ya han conseguido la igualdad y que, a partir de ahora, cualquier avance feminista supondrá una discriminación para los varones. El hombre convertido en víctima. Ese al que toíto se lo perdonamos (que diría Rosalía). En España, un 52% de la población considera que el feminismo ha ido demasiado lejos y que ahora son los hombres los que están siendo discriminados, según un informe de Ipsos. 

Desde el propio movimiento feminista, hay voces que defienden esto. “El feminismo se está volviendo mucho más comprensivo con los hombres, hay una estigmatización de la cultura de la cancelación o de la versión del feminismo más punitivista. Este sector dice que nos hemos pasado de la raya. Ellas mismas giran en torno a la idea de que a los hombres hay que repararlos porque también son víctimas del sistema”, argumenta Marta Roqueta, investigadora de la UOC y periodista experta en género.  

Sonia Núñez coincide en esto. “Se ha situado a los hombres como víctimas de unas políticas extremas impuestas. Entonces, si a una mujer le dicen que está siendo demasiado incisiva, que cansa, que es extrema, que no se corresponde con las demandas reales, pues ella trata de buscar un lugar más cómodo. Las jóvenes tratan de resituarse para no salirse de ese marco”, explica.

Ante todo esto, nos encontramos con que el feminismo que grita y protesta (el que incomodaba al presidente del Gobierno cuando habló de sus amigos de 40 o 50 años) es ridiculizado por la derecha tildando a las feministas de histéricas y locas. “El feminismo ha pasado de ser un movimiento social a convertirse en ‘lo excesivo’, ‘lo extremo’”, apunta Sonia Núñez. Con la caricaturización del movimiento lo que se ha conseguido es que se genere un rechazo entre las más jóvenes, no porque estén en contra del feminismo, sino porque no quieren que se las encasillen en el estereotipo creado por el machismo.  

“Muchas chicas jóvenes pueden sentir vergüenza por la caricatura reaccionaria que se ha construido culturalmente. Porque cuando las derechas asocian feminismo a una imagen de tías que gritan, insultan y que no se depilan consiguen que las jóvenes no quieran ser eso. Pero esa imagen no es real, es algo que ha construido el antifeminismo para ridiculizarnos”, expone Medina-Vicent. 

El enfado ya no es mainstream y los institutos lo están notando. En un reportaje de La Vanguardia, la periodista Begoña Gómez Urzaiz relata cómo las estudiantes de los institutos han dejado de contestar a los comportamientos machistas que se dan en sus centros y prefieren pasar más desapercibidas. De esta forma, apunta Gómez Urzaiz, se diluye la figura de la joven combativa que levanta la voz para denunciar el machismo.

“Es innegable que ha habido una reacción machista. Gente que defendió los valores feministas, ahora no lo hace e incluso deja a las mujeres tiradas. Ahí tienes el caso de Irene Montero. Se puede interpretar como un momento de autocuidado feminista. Las más jóvenes ven el odio que ha recibido la generación anterior y no quieren que les pase lo mismo”, zanja Roqueta. 

Se bajó del escenario la voz sin pulimentar, poco trabajada, tu voz tosca, (de Tuscus '[el barrio] etrusco', por alus. a la gente libertina que vivía en esta zona de Roma)... La voz carrasposa, la voz tabaquera. Sí, la voz libertina del barrio, de Tirso de Molina, desde España a la Argentina. Cuando calló, y dijiste “ojalá volvamos a vernos”, el espectro musical del recinto de Goya se cayó en forma de eco, con un público reverberante que envolvía el fin de tu caída libre, esa caída de medio siglo que con sus versos nos apaciguaba y daba silencio en nuestro ruido mental. ¿Por qué no inventar un nuevo nombre para tu voz? Voz trabina, por ejemplo.

Se marchó la metáfora. La poesía prosaica. Se marchó el símbolo, la imagen. Siempre tiene fuerza, y a veces es cierta, la famosa frase “una imagen vale más que mil palabras”. Y sin embargo, con tus descripciones, nos demostraste lo vaga, inútil o interesada que podía ser... ¿Cómo escribir un documento histórico en la posguerra en 195 palabras? De purísima y oro. ¿Cómo redactar un panfleto cultural sobre un país con título Dieguitos y Mafaldas en tan solo 194 palabras?

Se marchó la mejor propaganda colchonera. Las risas, el humo y el bombín. Nuestro maravedí, efectivo a veces, otras imaginario; que pregunten en 2020 qué pasó en Madrid. Los acordes tan tan sencillos capaces de enmarañar la canción más hermosa del mundo.

Ahí quedan tus canciones. Tú y tus contradicciones. ¿Quién diría que, en la plena realidad anglófila de nuestros tiempos de Occidente, tu exilio en Londres (1970-1977) iniciaría una antología poética y musical en torno a esa flor de loto que es la lengua española, plantando una semilla que comenzaría a germinar 55 años después un 30 de noviembre de 2025 en forma de leyenda?

A Joaquín Sabina, en nombre de todos/as los que te escucharon, te quieren, te valoraron y te han cantado: Hola y adiós.

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 Paco Ochoa es socio de infoLibre.

La actriz y cantante Encarnita Polo, una las figuras más importantes de la música pop y la copla de los años sesenta y setenta y que triunfó con su conocida canción Paco, Paco, Paco, ha fallecido este viernes a los 86 años en Ávila, según han informado a EFE fuentes cercanas a la familia.

Su hija, Raquel Waitzman Polo, ha comunicado el fallecimiento a sus conocidos y ha pedido respeto y privacidad para la familia en estos momentos tan delicados.

Polo triunfó con esa forma tan particular de fusionar el flamenco y el pop que la granjeó una gran popularidad y la catapultó en la televisión de la época.

Nació en Sevilla el 22 de enero de 1943 en el seno de una familia numerosa, pero se crió en Barcelona, donde su madre se trasladó tras fallecer su padre. Allí inició en el mundo de la canción con la ayuda del bailarín Antonio Marín.

Aconsejada por el cantante francés Charles Aznavour, abandonó a principios de los años sesenta su repertorio andaluz para convertirse en una cantante de pop.

En 1963 grabó su primer disco, con temas como La balada del amanecer y Sobre la playa, al que siguieron Un sueño roto y Yo que te quiero.

Editó en 1965 sus canciones Andaluza, Larga calle y 1000 horas, tema este último con el que se presentó al Festival de la Canción del Mediterráneo.

En esa época, la cantante intervino en programas musicales de éxito de TVE como Los amigos del lunes, Noche del Sábado o La hora de. Sus actuaciones fueron seguidas en Portugal, Francia e Italia, país en el que obtuvo en 1964 el primer premio en el festival de la RAI por Napoli Contra Tutti.

Con su creciente popularidad, pronto fue llamada por la televisión y el cine. En 1965, de la mano de Domenico Modugno, debutó en el largometraje musical Scaramouche.

También en Italia participó en el rodaje de cuatro westerns y en 1966 protagonizó en España la película 07 con el 2 delante, bajo la dirección de Ignacio F. Iquino.

De 1967 fue La balada de Bonnie and Clyde, con la que cosechó importantes éxitos discográficos y a la que siguieron Nada sabes de la vida y Al estar enamorado.

A finales de los sesenta, y de la mano del que luego fue su marido, el compositor argentino Adolfo Waiztman, dio un nuevo giro a su carrera musical con trabajos en los que fusionó el flamenco y el pop.

De esta fusión surgió en 1969 la nueva versión de Pepa Bandera, que se convirtió en su gran éxito, número uno en las listas musicales de la época.

En 1970 obtuvo su segundo gran éxito discográfico con Paco, Paco, Paco, al que siguió Olé, con el que la cantante se consagró definitivamente en el movimiento entonces denominado flamenco-pop.

Seleccionada para competir en el programa-concurso de TVE Pasaporte a Dublín, de Valerio Lazarov, grabó entre 1971 y 1972 numerosas canciones que fueron populares en la época. Además realizó la versión cantada de la sintonía compuesta por su marido Adolfo Waitzman para la serie de televisión Este señor de negro, que protagonizó el fallecido actor José Luis López Vázquez. Tras su separación matrimonial se alejó temporalmente de los espectáculos y posteriormente grabó el disco Desperté.

En 1982 editó el LP Encarna Polo y diez años más tarde, en 1992, el disco compacto Encarná, un recopilatorio de sus canciones más conocidas. Su disco Loca, de 1998, fue una de sus últimas grabaciones.

Desde entonces, su actividad profesional se redujo de forma notoria, si bien era un rostro popular muy querido e invitado a programas televisivos. En noviembre de 2012 desveló ser una de las personas afectadas por las preferentes de Bankia y aseguró haber perdido considerables fondos. Los últimos años vivió alejada de los medios de comunicación y fue tratada de un cáncer.

Varias concentraciones por Palestina han tenido lugar este sábado en puntos de España como Asturias, València o Cantabria, donde grupos de activistas han denunciado el genocidio en Gaza, han mostrado solidaridad con el pueblo palestino y han exigido una "paz duradera", según informa EFE. 

Los actos han sido organizados por la Plataforma Parar la Guerra y en el de València unas 200 personas han recorrido en barca la Albufera hasta el mirador de la Gola de Pujol en señal de hermanamiento con el pueblo palestino.

Allí, una decena de embarcaciones ha salido de distintos puertos de la Albufera (Saler, Palmar, Silla y Catarroja) para terminar en el mirador de la Gola de Pujol, donde han cantado 'albaes' (canto popular valenciano) y han leído un manifiesto, acompañados por una violinista.

Entre los participantes se encontraba Simón Vidal, activista miembro de la Flotilla de la Libertad que ha navegaba a Gaza con ayuda humanitaria.

En Gijón, el embajador de Palestina en España, Husni Abdel Wahed, ha agradecido el "liderazgo a nivel mundial" que ha ejercido este país con una "posición clara y contundente" de condena al genocidio en Gaza y a favor del reconocimiento del Estado Palestino.

En declaraciones a los periodistas, el diplomático ha remarcado que España "ha demostrado una capacidad de liderazgo a nivel mundial", que "ha traducido en hechos concretos" en la defensa de los derechos de los palestinos. Por otro lado, varias decenas de personas participaron en Cantabria en una nueva Marcha por Palestina, una caminata de unos 17 kilómetros convocada por diferentes organizaciones sociales y políticas, para denunciar el genocidio en Gaza.

El objetivo de la movilización era visibilizar "el rechazo a los bombardeos, el bloqueo y la ocupación israelí" así como exigir el fin del comercio de armas y de las relaciones diplomáticas con Israel.

En Málaga, activistas de la Flotilla de la Libertad han pedido que "todos los ojos sigan en Gaza" y no olvidar Palestina en un encuentro organizado por Unadikum, con la colaboración de la Global Sumud Flotilla y la Freedom Flotilla, en la que han intervenido activistas por Palestina que durante años han participado en distintas Flotillas de la Libertad.  

En ese acto han relatado sus experiencias, entre otros, el activista histórico de la causa palestina Manu Pineda y María Plata, embarcada en la última expedición de la Freedom Flotilla.

Además, han acudido dirigentes de Izquierda Unida (IU) como su coordinador en Andalucía, Toni Valero, y el candidato a la Presidencia de la Junta de Andalucía, Ernesto Alba, entre otros.

También en Arrasate (Gipuzkoa), alcaldes de EH Bildu se han reunido para adoptar una serie de compromisos respecto al genocidio en Gaza, mientras que en Estella (Navarra) ha tenido lugar otra concentración por esta causa. 

En Las Palmas de Gran Canaria, Arrecife, Puerto del Rosario, Santa Cruz de La Palma, San Sebastián de La Gomera y Valverde se han desarrollado actos para reclamar que se consolide el alto en fuego en Gaza y exigir una "paz justa y duradera para una Palestina libre".

Por su parte, la Casa Palestina de Aragón, en Zaragoza, acoge hoy una cadena humana para rodear el Palacio de La Aljafería, en coordinación con WILPF y Mujeres de Negro contra la guerra.

El cantante Miguel Ríos, acompañado de otros artistas como Alejandro Astola (Fondo Flamenco), Salvador Amor o la cantautora Cira, actuarán este domingo en Madrid al término de otra manifestación pro Palestina.

"Para celebrar el alto el fuego en Gaza y las vidas que se han salvado; para exigir una paz justa en Palestina que respete sus derechos, hay que seguir saliendo a las calles", ha indicado Ríos en un vídeo que circula hoy en redes, en el que anima a acudir al acto, que se desarrollará desde la puerta del Sol hasta la Plaza Juan Goytisolo, a las 21:00 horas. 

El artista concluye la grabación con el mensaje: "No al genocidio. Viva Palestina libre".

La Oreja de Van Gogh ha anunciado la vuelta de Amaia Montero como vocalista del grupo y la salida temporal del guitarrista Pablo Benegas, que se retira una temporada "para poder disfrutar de más tiempo junto a su familia y explorar nuevos retos profesionales".

La esperada noticia se ha hecho pública este miércoles en un comunicado, filtrado unos minutos antes en las redes sociales, acompañado de una foto y de un vídeo grabado en un local de ensayo en el que aparece ya cantando Amaia Montero, en compañía de Xabi San Martín (teclados), Álvaro Fuentes (bajo) y Haritz Garde (batería).

La ausencia de Pablo Benegas es patente tanto en la imágenes como en la firma del comunicado en el que el grupo explica que el guitarrista sigue formando parte de la banda, aunque "se retirará una temporada para poder disfrutar de más tiempo junto a su familia y explorar nuevos retos profesionales".

"Después de 30 años en la carretera, ha decidido parar y disfrutar de más tiempo con los suyos. Hasta que volvamos a encontrarnos, le deseamos todo lo mejor", agrega el texto.

De esta manera, el quintento reconvertido ahora en cuarteto volverá a reencontrarse con su público tras haber dedicado estos últimos meses a repasar sus éxitos y también a escribir nuevas historias que pronto se sumarán a su repertorio.

"Volver al local de ensayo, encender el micrófono y sentir viva la magia de nuestras canciones me hizo infinitamente feliz", asegura una Amaia Montero emocionada, que regresa así al grupo en el que permaneció durante doce años.

La confirmación oficial del regreso Amaia se produce justo un año después de la abrupta salida de Leire Martínez, que permaneció 17 años en la banda donostiarra.

Ozzy Osbourne, el cantante de Black Sabbath, ha muerto a los 76 años "rodeado de amor", informó este martes su familia en un comunicado. Ha informado EFE.

"Es con una tristeza indescriptible que informamos del fallecimiento de nuestro querido Ozzy Osbourne esta mañana. Estaba con su familiares, rodeado de amor. Pedimos que respeten la privacidad de la familia", dijeron sus allegados en la nota.

El autoproclamado Príncipe de las Tinieblas, que fue diagnosticado con la enfermedad de Parkinson en 2019, dio su último concierto con la banda a principios de este mes en Birmingham (centro de Inglaterra), cerca de donde nació, en el que estuvo acompañado de otras estrellas de la música.

Osbourne y sus compañeros originales de Black Sabbath - Tony Iommi, Terence Geezer Butler y Bill Ward - fueron los últimos en aparecer en el escenario para esa despedida titulada Back to the Beginning (Regreso al principio).

Entre las bandas que actuaron estuvieron Anthrax, Metallica y Guns N’Roses, y hubo mensajes de agradecimiento de otras celebridades, como Jack Black, Ricky Gervais y Dolly Parton.

Como líder de Black Sabbath, que fundó en 1968, Osbourne estuvo a la vanguardia de la escena del heavy metal, una rama más profunda y oscura del rock duro, de la que se le considera pionero.

Entre sus actuaciones más memorables se incluye la vez que le arrancó la cabeza a un murciélago de un mordisco, y era famoso también por su imagen tenebrosa, con larga melena negra y gafas oscuras.

Nacido como John Michael Osbourne el 3 de diciembre de 1948 en Aston, en Birmingham, dejó la escuela a los 15 años y realizó trabajos esporádicos, antes de juntarse con su amigo del colegio, Geezer Butler, en varias bandas.

El cantante, que vivió en Estados Unidos, se hizo muy popular además como protagonista de un reality show con su familia, The Osbournes, en el que documentaron su vida doméstica de 2002 a 2005.

Voy a empezar diciendo lo obvio, y lo que ya tantísima gente se ha encargado de señalar en el debate en las redes sociales.

No, no hay delito alguno (o, al menos, no lo hay con la información que conocemos) en la polémica y comentada relación entre Alejandro Sanz e Ivet Playà.

Hace tan solo unos días que la joven subía a sus redes sociales el vídeo en el que contaba al mundo los entresijos de su relación con el cantante. Este empezaría a hablar con ella cuando esta era aún menor de edad. El primer encuentro se daría más tarde, habiendo cumplido ya Playà los 18 años. Él tenía 49 en ese momento. Ojo, que esto de hablarle por redes a una menor de edad para comerle la oreja tiene un nombre: se llama grooming.

Hace poco leía un tuit que resumía bastante bien la situación y la defensa a ultranza que está haciendo gran parte de la audiencia de la polémica (que incluso ha ido en masa a insultar a la joven en sus redes sociales). El mensaje en cuestión decía: “¿Sabéis por qué no entendéis lo de Alejandro Sanz? Porque no es vuestra hija y porque él es un famoso cantante. Si llega a ser el carnicero del barrio, que con 45 años está esperando a que una niña de 15 haga los 18 mientras constantemente le dice cosas, la historia cambia”.

Supongo que si fuera así, se entendería muchísimo mejor el problema. Sin embargo, siendo una persona admirada, poderosa y querida por tantos, el debate acaba virando hacia otro lugar completamente distinto. Estos días incluso he leído a un periodista hablar del tema diciendo que los “pecados” de Alejandro Sanz han sido “liarse con una fan y con notable diferencia de edad” (oye, al menos), “no bloquear por WhatsApp”, pero que, por lo demás es, “un artista excepcional. De los mejores cantantes de la historia en castellano”. Y no he podido evitar recordar tantos mensajes sobre Íñigo Errejón cuando saltó todo lo suyo destacando que tenía “una mente privilegiada” y que era “un gran político”.

¿Por qué cuando se trata de un hombre cuyo pecado ha sido atentar (o casi) contra la libertad sexual de una mujer, siempre se destacan cosas positivas de él? ¿Por qué esa necesidad de afianzar sus logros y sus talentos en esta circunstancia concreta? ¿Si lo que hubieran hecho fuera robar un banco o dejar morir a un anciano en la calle, o lo que sea, también dirían algo tipo: “Sí, atropelló a esa abuela, pero es un charcutero magnífico, corta unas lonchas de jamón finísimas”?

Muchos (a juzgar por los comentarios que leo en redes sociales) responderían a la analogía anterior del carnicero del barrio diciendo: “Pero no es lo mismo, porque en este caso era ella la que lo perseguía a él”.

Claro. Y te aseguro que eso no mejora la situación.

Ya lo ha puntualizado mucha gente: a los 18 años eres legalmente adulta y, si expresas tu consentimiento, no existe delito alguno por parte de otra persona adulta que mantenga relaciones contigo. Tenga 49 años o tenga 80. Pero no, la edad no es “solo un número”. Y sí, existen diferencias en las dinámicas que se dan entre dos personas con una brecha de edad tan pronunciada con respecto a otras más igualadas en ese campo. Lo cual no quiere decir que una relación intergeneracional tenga que ser, por norma, más insana que cualquier otra. Pero es que, en este caso, la edad es uno de tantos factores.

En el mismo vídeo, Playà narra cómo, con 19 años, empezó a trabajar como dependienta solo para poder costearse seguir a Sanz en su gira de conciertos por toda España. Ella era una admiradora, una absoluta fan. Qué queréis que os diga, yo puedo entender que, de forma orgánica y casual, dos personas con 30 años de diferencia de edad se conozcan, se atraigan y tengan algo juntas. De forma paralela, puedo entender que una persona conozca a otra que la admira, empiecen a conocerse más allá de eso y la madurez de la admiradora permita que rompan esa barrera y empiecen a verse como iguales mutuamente.

Esto no se aproxima lo más mínimo a ninguna de estas excepciones.

La realidad es que nos encontramos frente a una relación en la que ambas personas habrán podido hacer las cosas mejor o peor, pero que, para empezar, nace desde una posición de poder en términos de edad, posición social, posición económica y admiración. Si no existe la forma en la que una relación pueda desarrollarse de manera en la que se esté dando entre iguales, quizá lo más lógico por parte de la persona “beneficiada” por todas esas dinámicas sería frenar.

Y no, no es delito. Pero que algo sea delito no quiere decir que no sea malo, negativo, criticable. No significa que no pueda hacer un daño inimaginable a otra persona, por mucho que esa no sea la intención.

Una de las grandes luchas del feminismo es hacernos entender cómo el deseo se construye social y culturalmente con unas intenciones concretas, generalmente productivas, heterosexuales, de glorificación y de sumisión frente a la masculinidad hegemónica que se levanta mediante dinámicas de poder. No existen relaciones de igualdad en un mundo que nos educa de esta manera, por mucho que, de forma individual, podamos creernos las personas más deconstruidas. Por eso debemos seguir hablando del deseo, preguntarnos por qué amamos como amamos, por qué nos atraen las personas que nos atraen. No para forzarnos a hacerlo de manera diferente o prohibirnos nada, porque entendemos que vivimos en este sistema y la responsabilidad de cambiar eso nunca puede ser individual, sino colectiva. Pero para crear un mundo donde querernos y tener relaciones sexuales entre nosotros esté libre de abusos, primero tenemos que hacernos todas estas preguntas. Eso incluye señalar ejemplos en los que podemos ver tan claramente cómo y por qué se produce y con qué consecuencias.

Y no es nada malo.

Quizá incluso nos ayude a querer de una forma un poquito más sana. Y un poquito más libre.