"La música es el placer que el alma experimenta contando sin darse cuenta de qué cuenta”. Al leer esta frase de Leibnitz, hace unos días, vino a mi mente la imagen de un niño, al lado de una “amiga” que lo acompaña en muchos momentos. Los dos tienen muchas cosas que compartir, contar... Esta “amiga” contribuye a su desarrollo integral, y hace más feliz, más alegre... su existencia.

Eso es lo que hace la música: hay compañerismo cuando cantan los niños de una clase una misma canción o intimidad cuando los pequeños cantan solos, confianza porque le ayuda a expresar todas sus potencialidades, simpatía porque se divierte con la música, armonía porque como he dicho anteriormente contribuye a su desarrollo integral.

El grado elemental es fundamental en esta primera etapa del sistema educativo musical, se trabaja de forma globalizada. Pero, ¿qué es la globalización? En este caso la definiré como la enseñanza encaminada a la percepción de totalidades. Ésta procura la supresión de demarcaciones entre las diferentes áreas.

En muchos pueblos de nuestro país existen escuelas musicales que imparten música y desde algunas de ellas han salido algunos alumnos que actualmente están destacando a nivel nacional y otras promesas que todavía están en los conservatorios de grado medio y superior de los distintos conservatorios que existen en España y que dan ejemplo de la calidad musical y de docencia que estas escuelas están ofreciendo a nuestros jóvenes.

En todas ellas se trabajan una serie de ámbitos, como el de la Identidad y Autonomía Personal, que pretende que los niños/as se conozcan a sí mismos en interacción con los demás. A través de la expresión musical van controlando su propio cuerpo, sus posibilidades de expresión, la música les ayuda a lograr autonomía en sus actividades habituales, asumir el cuidado de sí mismos y del entorno, ampliar su mundo de relaciones, les da seguridad emocional, confianza; se sienten comprendidos al compartir canciones; amplían su mundo de relaciones sociales ofreciéndoles la posibilidad de participar en contextos distintos y más diversos que los habituales; favorece un clima de ayuda, colaboración, aceptación, respeto a la diversidad.

El sentido fundamental del ámbito de Comunicación y Representación gracias a la música pueden representar e interpretar utilizando soportes expresivos como son la voz, el propio cuerpo, el gesto o determinados trazos gráficos. Los educandos participan de forma individual o grupal en producciones sonoras y musicales tradicionales: canciones, juegos rítmicos. La adquisición en el dominio del lenguaje oral y musical van parejas en muchos procesos.

El dominio de escuchar, mirar, retener, sentir, reproducir e inventar que progresivamente van adquiriendo los educandos va a servir para plantear juegos y actividades musicales de mayor complejidad. La audición activa de diferentes y variadas obras con actitud relajada y atenta va aproximando a los educandos a las distintas manifestaciones musicales y sus primeras valoraciones, expresando sus preferencias por escuchar determinadas piezas.

El tratamiento de la voz encuentra en la canción su principal marco de desarrollo. En ésta se debe cuidar la entonación, el control de la respiración, la vocalización, la adecuación rítmica de la interpretación... La canción se puede apoyar con gestos, palmadas y movimientos. Los cantos grupales posibilitarán la coordinación con el grupo de iguales, el volumen y el ritmo en conjunto, el acompañamiento con instrumentos sencillos.

Como se ha podido observar, la Expresión Musical se trabaja de forma globalizada en cada una de estas escuelas, pero todo lo que he mencionado anteriormente no servirá si no se lleva a la vida diaria del educando y con la pretensión de continuación en los conservatorios de grado medio y superior.

Como decía Jean Dubuffet, “en la práctica diaria de la vida corriente hay una enseñanza más rica que la que encontramos en los libros”. Es necesario, pues, que impliquemos al educando en su propio proceso de aprendizaje. La experiencia que adquieran con la práctica diaria será el núcleo central de los contenidos, sobre todo en esta etapa educativa musical, y esto es lo que estas escuelas pregonan y tienen como objetivo, metodología y fin a perseguir.

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Ximo Estal es socio de infoLibre.

El primer vinilo que recuerdo lo vi en casa de Luis Q. Luis fue mi mejor amigo hasta la adolescencia. Era a finales de los setenta. Su madre era canadiense, y él cada verano pasaba en Montreal por lo menos un mes. De uno de sus viajes se trajo de vuelta el LP Destroyer, de Kiss. En él se veía a los cuatro miembros de la banda metalera vestidos con mallas negras ajustadas, botas con plataforma y sus característicos maquillajes agresivos. 

A mí aquella portada, con cuatro maromos con la cara pintada de blanco, cada cual con sus propios motivos (uno con bigotes felinos, otro con una estrella cubriéndole un ojo, otro con un par de murciélagos) me fascinaba. Se sugería un mundo excitante, tenebroso y glamuroso, y supongo que eso tenía el rock para mí, visto desde un barrio madrileño del primer posfranquismo.

Asociado a Luis Q. está otra de las bandas sonoras de mi infancia. La película Grease empezaba a triunfar y había llegado a nuestro barrio de clase media, lindero por una parte con Manoteras (“donde te roban la cartera y no te enteras”) y por otra con Arturo Soria (“Tontosoria”). Allí los chavales jugábamos al fútbol en un descampado. Cada portería la marcaban dos piedras, con todos los problemas que uno se imagina cuando había dudas sobre si un disparo había sido gol o no: “¡Ha sido alta!”. “¡Ha sido un golazo!”. Al final se anotaba el tanto quien era capaz de apoderarse del balón y llevarlo otra vez al centro, entre los empujones del equipo rival, que era como un partido de rugby improvisado y otro deporte aledaño al principal. 

Bien, pues aquellos mismos chicos que jugábamos al fútbol los sábados por la mañana, al caer la tarde nos poníamos nuestras camisetas molonas, nos repeinábamos y nos juntábamos en un jardín de la zona, encajonado entre edificios de ladrillo visto con toldo verde, y bailábamos al son de los vinilos que poníamos en un tocadiscos portátil que bajaba alguno de la pandilla. Como por entonces se estrenó la película de John Travolta y Olivia Newton John, recuerdo especialmente aquel single, You’re the one that I want, que poníamos una y otra vez y lo bailábamos emparejados torpemente. 

Yo ya debía de frisar los diez años, y Luis tenía tres o cuatro años más que yo. Aquella amistad desequilibrada estaba abocada al desastre. Habiendo estirado él y yo no, una de aquellas tardes sentí unos celos tremendos al verle fumar un pitillo y bailar una especie de rocanrol con una de las chicas. En algún momento le pedí un cigarro: era la primera vez que lo hacía. Él me dio uno de su cajetilla de Fortuna, y a mí no se me ocurrió otra cosa que lanzarlo al suelo y pisotearlo. 

—Eres un crío, anda, vuelve cuando hayas crecido –me dijo Luis Q. 

Ese fue el final de nuestra relación y de mi infancia. Los ochenta ya estaban a la vuelta de la esquina. Recuerdo que al arrancar la década se editaban los suculentos pelotazos de grandes monstruos de la música anglosajona. Era la época de Thriller, la obra maestra de Michael Jackson, que arrasó en el mundo entero. Mi prima Lucía venía a casa. Escuchábamos Thriller, y también la colaboración de Michael Jackson con Paul McCartney en su Pipes of Peace. Esos dos elepés gustaban mucho a Lucía. Los escuchábamos en el tocadiscos de mi casa. Como yo sabía algo de inglés, ella se empeñaba en que le ayudase a traducir las letras. Yo sudaba la gota gorda. Pero lo intentaba. 

Recuerdo igualmente, en esa época, a una chica de mi clase que llevaba un guante en la mano derecha, como empezaban a hacer los fans de Michael Jackson. Ese mimetismo me resultaba extraño y hasta vergonzante: a mí me costaba sentir tanta pasión por los nuevos ídolos de masas, y menos cuando apenas entendía lo que decían. 

Mi gusto musical primerizo era ecléctico. Me atraían, en un principio, los sonidos suaves y aterciopelados. Recuerdo que, antes de los partidos de fútbol de los sábados, ponía en mi casa la música de Alan Parson Project. The eye in the sky fue el primer disco que escuché de manera obsesiva. La canción del mismo título y aquella portada con el ojo de Horus en el cielo me hacían pensar en alguna presencia allá arriba como la de que me hablaban en la misa. Ese disco lo escuchaba con los ojos cerrados y después, según me calzaba las botas de fútbol, le rogaba a ese ojo en el cielo que me permitiera jugar bien esa mañana. Y me lo concedía: más de un sábado tuve mi pequeño momento de gloria. Todavía añoro ese fútbol salvaje y canalla del siglo pasado. 

No tardé en mudarme de barrio (uno de los momentos más tristes de mi vida) y ya en otro contexto seguí comprando música, pero de otra manera. Los ochenta empezaban a morir. Ahora leíamos el Rock de Lux y la música era motivo de distinción social. Ya no compraba vinilos al tuntún ni siguiendo la moda comercial; ahora pensaba que tenía un criterio y mi gusto evolucionó hacia sonidos más ásperos y callejeros. 

Coincidiendo con mi descubrimiento de los bares garajeros de Malasaña (el Nueva Visión, La Vía Láctea) ya la música que privilegiaba era, esencialmente, punk rock, en su sentido más amplio. Nuestra tienda de vinilos de segunda mano preferida era Melocotón, pegada a la Gran Vía. Todavía hoy me recuerdo con una novia con chupa de cuero rebuscando entre los elepés y escogiendo las bandas que nos interesaban: los Jam, los Clash, los Ramones, los New York Dolls, los Buzzcocks, los Kinks. Y al mismo tiempo el reggae de Bob Marley, que siempre me encandiló desde que lo descubrí con Kaya: una cuestión personal mía más que del entorno. 

Más tarde todavía, me fui de Madrid. Estuve unos años estudiando fuera. Cuando regresé a mediados de los 90 y quise recuperar mi colección de vinilos, resultó que los tenía mi hermano. Hablé con él, pero él me explicó que se los había regalado antes de partir. Yo no lo recordaba, pero bien pudo ser, dado que siempre he sido dadivoso. En todo caso, me heló el corazón la dureza con la que dijo:  

—De todas formas, al irte perdiste todo derecho moral sobre esos discos. 

Yo procuré negociar el rescate. Insistí en que muchos de aquellos vinilos (Desire de Bob Dylan, Mind Bomb de The The) eran “grupos míos”, que a él nunca le habían interesado. Me parecía lógico que se quedase con bandas españolas ochenteras como Radio Futura, Nacha Pop o Siniestro Total, porque el rock español siempre fue “más suyo”; pero ¿los otros? 

Al final recuperé una veintena de títulos de la colección original, poco más. El resto quedó secuestrado. Alguno hube de volver a comprarlo. Pero ya todo Cristo se pasaba a los CDs y yo seguí la tendencia: el tocadiscos enmudeció y empecé a escuchar la flamante música alternativa que llegaba de EEUU (Red Hot Chili Peppers, Rage Against the Machine, Jane’s Addiction, Faith No More…) en cedé. Nunca volví al vinilo, igual porque me dolió demasiado esa confrontación fratricida que los tuvo como campo de batalla. 

*José Ángel Mañas es escritor. Su último libro publicado es ‘Doctor X, el médico de la Deep Web’ (La Esfera de los Libros, 2024).

El cantante inglés Morrissey ha anunciado que no podrá ofrecer el concierto programado para esta noche en Valencia, el primero de los tres que iba a dar en España dentro de su gira europea, por falta de sueño y "debido al ruido" en la capital valenciana, que se prepara ya para celebrar sus Fallas.

En un comunicado colgado en su página web, el exlíder de The Smiths señala que llegó a Valencia, que a partir de este fin de semana celebra sus días grandes de Fallas, desde Milán (Italia) en coche, "pero no ha podido descansar allí debido al ruido".

"El espectáculo no se cancela. Las circunstancias lo hacen imposible", concluye el comunicado; fuentes de la promotora del concierto han confirmado a EFE que el recital sí está cancelado.

En otros comunicados posteriores, el equipo de Morrissey ofrece más detalles. Uno de ellos está titulado 'Mental in Valencia', parafraseando así la letra y la breve mención valenciana de su polémica canción contra la tauromaquia 'The bullfighter dies'.

"Tras dos días de viaje por carretera, Morrissey llegó al hotel en Valencia a última hora del miércoles. No pudo dormir ni descansar durante la noche debido al ruido del festival, las voces tecno a todo volumen y los anuncios por megafonía. Esta experiencia dejó a Morrissey en un estado catatónico", explica.

En otro comunicado posterior, titulado 'Oh Val-en-cia so much to answer for' -'Oh, Val-en-cia, hay mucho que responder', parafraseando otro verso de una canción de los Smiths, 'Suffer little children' pero cambiando la alusión a Manchester por la capital valenciana-, señala que Morrissey "ha descrito su hotel en la Plaza Manises", pegado al Palau de la Generalitat y en pleno centro histórico de la ciudad, como "un infierno indescriptible".

"Tardaré un año en recuperarme. Y eso es quedarse corto", recoge el comunicado con un entrecomillado del artista.

Este concierto iba a ser el primero que el cantante de Manchester iba a ofrecer en España dentro de su gira de presentación de su nuevo disco, 'Make-up is a lie', que en principio está previsto que continúe este sábado en Zaragoza y el próximo lunes en Sevilla.

Las cerca de 1.500 entradas del Auditorio del Palau de les Arts Reina Sofía de Valencia se agotaron hace meses a los pocos minutos de ponerse a la venta y este concierto iba a ser el primero que el exvocalista de The Smiths ofreciera en la capital valenciana durante sus 40 años de trayectoria.

Por el momento se desconoce si la promotora del concierto ofrecerá alguna solución para quienes habían comprado entrada para este espectáculo.

Esta suspensión supondría la primera de la actual gira europea de Morrissey, quien en el último mes ha actuado ya en Dinamarca, Alemania, Luxemburgo, Países Bajos, Inglaterra, Francia, Suiza e Italia; su último concierto, precisamente, fue el pasado lunes en Milán.

La empresa que gestiona el Festival Viña Rock de Villarrobledo (Albacete) ha registrado un cambio en su accionariado y se ha desvinculado del fondo israelí KKR, una relación por la que numerosos artistas denegaron estar en la edición de este año 2026.

La empresa Reacción Rock Villarrobledo, que gestiona el Viña Rock, ha cambiado su accionariado con la entrada de Orange Alive, según han informado a EFE fuentes del Ayuntamiento de Villarrobledo, que han indicado que en los próximos días se explicarán todos los detalles de esta operación.

El Ayuntamiento ha confiado en que la edición de este año, que tendrá lugar del 30 de abril al 2 de mayo, vuelva ser un éxito de público y artistas, como ha venido siendo el festival.

Diversos festivales de música en España han sido objeto de polémica por su relación con el fondo de inversión israelí Kohlberg Kravis Roberts (KKR), señalado por tener intereses en proyectos inmobiliarios en los territorios palestinos ocupados.

Entre los eventos afectados se encuentran el Sónar de Barcelona, Tsunami Xixón en Gijón, el Festival Internacional de Benicàssim (FIB), el Arenal Sound de Burriana, el Resurrection Fest en Galicia y el Madrid Salvaje en Torrejón de Ardoz.

Bandas y artistas como Love of Lesbian, Gigatron, Crossed, Tremenda Jauría, Judeline, La Élite, Califato 3/4, Camellos y Samantha Hudson, el puertorriqueño Residente o La Fúmiga se retiraron de los carteles de estas citas musicales.

El ministro de Cultura, Ernest Urtasun, declaró en 2025 que el fondo de inversión KKR “no es bienvenido” en España y expresó su preocupación por su “penetración” en festivales de música nacionales. 

La quinta edición de Benidorm Fest, la primera desvinculada de Eurovisión por las tensiones en torno al genocidio en Gaza, ha dado este sábado la victoria a la candidatura de Tony Grox y LucyCalys con la canción T Amaré, según recoge EFE.

Lo ha hecho con 166 puntos tras imponerse en la final celebrada en el Palau d'Esports l'Illa de Benidorm (Alicante) a las propuestas de Asha, que ha quedado en segunda posición, y Rosalinda Galán, que ha quedado tercera.

También ellos han sido los ganadores de uno de los galardones extraordinarios, el de Univisión, gracias al cual se desplazará hasta Miami para trabajar con un equipo local y hacer promoción en ese gigante mediático. El premio Spotify ha ido a manos de Asha grabará un tema en sus estudios centrales en Estocolmo.

La quinta edición de Benidorm Fest fue lo más visto del día y líder de su franja, con un 12,1% de cuota y 4.134.000 contactos, así como el programa preferido de todos los públicos de 4 a 64 años.

Según destaca RTVE, la final del Benidorm Fest 2026, que reunió a una media de 1.085.000 seguidores, logra más de 25 millones de visualizaciones y 508.000 interacciones en redes sociales y es tendencia número 1 en X, junto a nombres de los artistas participantes e invitados en esa edición.

Captó el interés del público de diferentes edades, pero sobre todo entre los jóvenes: el 19,3% de 4 a 12 años; el 21%, de 13 a 24; y 28,4%, de 25 a 44 años, añade RTVE.

TVE confirmó su continuidad para el año que viene. "Continuará el año que viene en esta ciudad con la misma ilusión y con el amor que esta casa siente por la música", indicó Sergio Calderón, director de TVE.

Con salsa y plena, bachata y trap y, sobre todo, reguetón, Benito Martínez Ocasio, más conocido con el nombre de Bad Bunny, se ha convertido en el líder de la música latina actual. Así lo marcan las cifras: fue el artista más escuchado en todo el mundo en 2025 en la plataforma de streaming musical Spotify. Actualmente, en esta aplicación lo escuchan más de 89 millones de personas cada mes.

Estos números, además de confirmar el éxito de su último disco, Debí Tirar Más Fotos, publicado en enero de 2025, lo han catapultado a ser el cantante principal en el descanso de la Super Bowl.

Tras ser el primer artista en ganar el Grammy a mejor álbum del año con un disco íntegramente en español, la semana perfecta de Bad Bunny se cerrará con su actuación en el Levi’s Stadium de Santa Clara (California) en la 60ª edición del macroevento deportivo, que disputarán New England Patriots y Seattle Seahawks. Pero lo musical no es lo más esperado de su actuación.

Lo dejó bien claro cuando subió a recoger el galardón en la gala de los Grammy. Aunque ya había ido soltando sus opiniones sobre los agentes de inmigración y la Administración Trump anteriormente, como cuando aseguró que había dejado a Estados Unidos fuera de su gira por temor a las redadas de hispanos, Bad Bunny lo gritó en la ceremonia de los premios musicales. “Fuck ICE. No somos salvajes, no somos animales, no somos aliens, somos humanos y somos americanos", dijo.

A pesar de que el artista no ha avanzado cómo será el espectáculo de la Super Bowl ni qué dirá en él, muchos de sus fans esperan que se repitan estas reprimendas al Gobierno estadounidense en el momento deportivo más importante del año para una gran parte del país norteamericano. Si Bad Bunny continúa, como ha hecho hasta ahora, con su feroz crítica a las posturas autoritarias del Gobierno de Trump, esta sexagésima edición de la final nacional de fútbol americano puede ser la Super Bowl de la canción protesta del siglo XXI.

Moisés Ruiz, profesor de Liderazgo Político y Comunicación en la Universidad Europea, remarca que el mensaje del cantante puertorriqueño es muy importante para “despertar conciencias entre un público joven que puede estar adormilado”.

Quien no estará para verlo en directo será el presidente del país. Donald Trump se ha declarado “anti” Bad Bunny y ha despreciado la decisión de la NFL (National Football League, la liga estadounidense de fútbol americano) de elegir al puertorriqueño como cabeza de cartel para su final. 

Ruiz asegura que la actuación va a afectar “negativamente” a la figura de Donald Trump por lo que transmite Bad Bunny. “Es un mensaje donde los conceptos de amor y de empatía son los protagonistas frente a otro en el que el miedo y el odio son los que quieren tomar la delantera”, asegura el experto.

En el Levi’s Stadium de Santa Clara también actuará Green Day. El grupo de punk rock ha recibido, cómo no, malas palabras del magnate. Será que a Trump no le pareció bien la comparación con Hitler que le hizo la banda. O quizás no le terminó de gustar la versión de su tan conocida American Idiot que Green Day creó para cargar contra la ideología MAGA (Make America Great Again).

Sea por la razón que sea, Trump no está contento con esta doble elección y, por primera vez en este segundo mandato, no acudirá al estadio para ver la Super Bowl en directo. Su excusa, claro, fue la de lo lejos que está California de Washington.

No por esperado fue menos sorprendente. Además de defender a sus compatriotas, y a todos los latinoamericanos, el Conejo Malo también reivindicó el pasado 1 de febrero en los Grammy la cultura de su país.

Con Debí Tirar Más Fotos, el puertorriqueño hizo sonar la cultura boricua por todo el mundo. Una canción en concreto, Lo que le pasó a Hawaii, resume la opinión del artista sobre la injerencia estadounidense en su isla. La denuncia del turismo, la gentrificación y el colonialismo resumidos en un par de frases: “Quieren quitarme el río y también la playa. Quieren el barrio mío y que abuelita se vaya”.

Pero las reivindicaciones en la figura de Bad Bunny no son nuevas. En 2019, junto a otros artistas de Puerto Rico como Residente o Ricky Martin, formó parte de las marchas multitudinarias que forzaron la dimisión del gobernador de la isla por sus comentarios machistas y homófobos.

Hace cuatro años, Eminem, único rapero en ganar un Oscar a la “mejor canción original”, ya se mostró en contra de la brutalidad policial en un show de la Super Bowl. Fue en 2022, en una edición marcada por la actuación de varios raperos norteamericanos, cuando interpretó su gran éxito Lose Yourself y se arrodilló para protestar por el racismo que despliegan las fuerzas de seguridad.

Para Ruiz, “todas las manifestaciones antibrutalidad policial, sea ICE o cualquier otra brutalidad, son bienvenidas”. El experto tiene claro que estas protestas “despiertan conciencias y ayudan de alguna manera a presionar para que esta brutalidad desaparezca”.

Quienes nos preguntamos en 2016, cuando Trump llegó al poder por vez primera, cuáles serían los efectos que provocaría tener un presidente así en la Casa Blanca, nos debatíamos entre dos tipos de previsiones. Por un lado, quienes consideraban que el sistema tiene suficientes resortes para resistir los embistes de la barbarie, los famosos check and balances, los contrapesos establecidos en la primera democracia del mundo. Por otro, había quienes no dudaban de que el destrozo iba a ser inevitable. El primer mandato de Trump pareció dar la razón a los primeros, aunque los signos de deterioro de la convivencia habían arraigado ya. El segundo mandato que ahora vivimos bascula hacia el lado contrario. ¿Hemos de asumir que, inevitablemente, Trump va a arrasar con todo? No tan rápido.

Un análisis detallado de lo ejecutado en lo que va de mandato, como este que publica Le Grand Continent, conduce a la locura, no hay consuelo. Pero aquí no acaba la Historia: las movilizaciones de estos días en Minneapolis pueden ser un punto de inflexión en dos sentidos. En primer lugar, porque ha obligado a Trump a echar el freno y se han abierto discrepancias serias entre los suyos. Las protestas le llevaron a destituir a Greg Bovino, jefe del operativo antiinmigración, y su sustituto empezó a hablar de “desescalada”, lo que provocó la reacción inmediata de Steve Bannon, que pedía más madera. Al mismo tiempo, las críticas de Trump al hecho de que Alex Pretti, el enfermero asesinado por el ICE, portara un arma, provocó la respuesta airada de la Asociación Nacional del Rifle, apoyo imprescindible de los republicanos. Se abren grietas entre los bárbaros mientras la aprobación de Trump cae en las encuestas a un 37%, su mínimo.

Lo más relevante, sin embargo, a mi juicio, es lo que está sucediendo al otro lado. La violencia, asesinatos, detenciones de niños y la mentira sistemática ha acabado con la paciencia de los ciudadanos, y la sociedad civil, ¡al fin!, ha saltado a las calles. Movilizaciones multitudinarias, redes de apoyo entre los vecinos, asociaciones prestando ayuda a quien lo necesita y articulando colaboración. Una sociedad civil que tradicionalmente ha sido fuerte y bien estructurada en EEUU, parecía haberse rendido ante la barbarie, pero ha resucitado. Ha empezado a ser consciente de su poder y a ejercerlo. Ha sido capaz de lanzar un grito de dignidad al mundo que debemos escuchar.

Junto a ese tejido social, la cultura ha reaccionado. Streets of Minneapolis de Springsteen quedará ya para la historia como un canto de guerra contra la barbarie. ¡Por algo es el Boss! Junto a él, Neil Young, Mark Ruffalo, Madonna, Whoopi Goldberg, Harrison Ford o Stephen King, como cuenta aquí David Gallardo, han entendido el poder de la cultura, que, junto a una sociedad civil movilizada, puede ser imparable. De Niro clama contra el neofascismo, Michael Keaton se dirige a los propios votantes de Trump para advertirles: “¿No os dais cuenta de que esa gente a la que apoyáis os desprecia, se ríe de vosotros?

Lo que queda de democracia en EEUU hay que buscarlo hoy en las calles de Minneapolis y en los escenarios de quienes están dando pasos al frente. Ojalá sea una ola que se extienda al resto del país. En noviembre se celebran las elecciones de medio mandato donde se eligen 435 congresistas, 33 de los 100 senadores y 34 de los 50 gobernadores que dirigen los Estados. Trump sabe que no lo va a tener fácil. “Si pierdo, buscarán una excusa para destituirme”, ha declarado. Mientras acabo esta columna llega la noticia de que en Texas los demócratas han arrebatado el escaño a los republicanos, que lo habían ganado en 2024 con 17 puntos de ventaja. 

Viendo las imágenes de las manifestaciones multitudinarias y la fuerza con la que hablan quienes las lideran, me gustaría pensar que, al menos como hipótesis, todavía podemos creer en esa visión que defendía que las democracias tienen los contrapesos suficientes para parar la barbarie. Ojalá. Si así es, y coincidiendo con el nobel Acemoglu (ver aquí), estoy segura de que todo dependerá, como siempre, de la movilización de la sociedad civil, del pueblo.

Si esto ocurre, Trump irá perdiendo hegemonía. Pero aquí tampoco acabará la Historia. Desde que las ultraderechas emprendieron la ofensiva en el conjunto de occidente, han llegado al poder en algunos casos, han caído en otros y vuelto a subir después…. La alternancia se sigue produciendo en unos y otros gobiernos, pero hasta la fecha, nadie ha conseguido dar respuesta a los malestares y descontentos que fundamentan el apoyo a los bárbaros.

Ese es el auténtico desafío. Tomemos nota también en esta parte del mundo.

El músico Bruce Springsteen lanzó este miércoles la canción Streets of Minneapolis en protesta por la violencia de agentes federales de inmigración en la ciudad, que durante enero dejó la muerte de los estadounidenses Alex Pretti y Renee Good, según recoge EFE.

Springsteen explicó en redes sociales que escribió la canción el sábado, la grabó el martes y la lanzó el miércoles como respuesta al "terror estatal" que se vive en Mineápolis.

La obra está dedicada a los vecinos inmigrantes de la ciudad, así como a la memoria de Pretti y Good, mientras la ciudad persiste bajo tensión por los operativos de agentes migratorios y las exigencias de justicia por las muertes.

En el tema, la voz rasposa de Springsteen transmite indignación mientras critica a "Rey Trump" y a sus "matones federales", relatando los hechos que condujeron a la muerte de Good y Pretti y cuestionando la versión oficial de los agentes.

Tras la muerte de Pretti, la secretaria de Seguridad Nacional, Kristi Noem, lo calificó de "terrorismo doméstico" y afirmó que había atacado a los oficiales.

Un informe preliminar del gobierno indica que Pretti resistió el arresto antes de ser abatido por agentes de la Oficina de Aduanas y Protección Fronteriza.

La canción sigue a los comentarios públicos que Springsteen ha hecho sobre las protestas en Minneapolis, como cuando en el festival Light of Day en Nueva Jersey dedicó su interpretación de The Promised Land a Good y apoyó la postura del alcalde Jacob Frey de que el ICE debe abandonar la ciudad.

Springsteen, conocido por su música con mensajes políticos, ha criticado fuertemente las políticas de Trump desde 2016 y el año pasado publicó el EP en vivo Land of Hope & Dreams, que incluía comentarios en concierto sobre lo que calificó como una administración "corrupta e incompetente".

A finales del siglo XX, España podía reconocer en el mundo con claridad “su” música, desde el pop luminoso de Mecano o la fuerza de Héroes del Silencio a la sensibilidad con toques aflamencados de Alejandro Sanz o el indie que marcó a una generación.

Sin embargo, en 2025 la pregunta ya no es qué define la identidad de la música española, sino si ese concepto sigue teniendo sentido dentro de un ecosistema en el que el español se ha vuelto global, híbrido y profundamente interconectado.

Esta es una de las reflexiones del nuevo informe del Observatorio Nebrija del Español, donde se detecta cómo España ha pasado de exportar voces a formar parte de una red transnacional en la que los acentos se cruzan y los ritmos se comparten.

España ha actuado como uno de los grandes emisores de música en español. Durante los años 80 y 90 se produjo la profesionalización de la industria española, marcada por la concentración del mercado en manos de compañías multinacionales. A diferencia de lo que sucedía en otras naciones europeas, la transformación fue vertiginosa.

Así, si en 1980 siete sellos globales controlaban un 52% del mercado, ya en 1985 solo cinco discográficas aglutinaban el 87%. Este crecimiento se sumó a la confluencia de una explosión creativa y al apoyo de la radio, algunos programas de televisión y las revistas musicales. También las nuevas tecnologías de consumo físico musical –como el CD– interpretaron su papel en la expansión internacional de los grandes referentes del pop español.

Pero a partir de los años 2000, esa fórmula de éxito comenzó a cambiar, primero de una manera tímida y luego de forma estructural. Así, pasamos de lo físico a lo digital impulsados por el auge de una piratería que sumió a la industria en una crisis de ventas que acabó afectando a todo el sistema.

En ese punto de inflexión, en 2005, una colaboración entre la colombiana Shakira y el español Alejandro Sanz reveló que el idioma era un vector más poderoso que cualquier identidad nacional. La canción La Tortura anticipó la explosión de un pop latino-global cuya arquitectura ya no dependía del país de origen del artista sino de su conexión con una comunidad lingüística transcontinental.

Desde entonces, España comenzó a importar sonidos, estilos, productores y narrativas que provenían de América Latina. Los datos son reveladores: cuando analizamos el consumo musical en España de las últimas dos décadas, siete de cada diez canciones se cantan en español. De hecho, el 94% de la música que consume esta audiencia en YouTube se canta en español, al igual que el 87% de lo que escuchan en Spotify. Pero solo una cuarta parte de esas canciones son de intérpretes originarios de España. Es decir, el español que está dominando las listas de éxitos posee muchos acentos.

No obstante, esto no indica una pérdida de relevancia cultural de los artistas españoles, sino un desplazamiento del eje. Podría decirse que la identidad musical está dejando de ser local para convertirse en lingüística y relacional. Así el Spanish sound ya no se entiende como una estética propia y diferenciada de un país sino como parte de un espacio común compartido, el “orgullo latino” que puede surgir desde Medellín, San Juan o Buenos Aires a Ciudad de México, Miami, Cuenca, Terrassa o las islas Canarias.

El auge de la música en español en el escenario global no surge de la nada, ni es simplemente algo que el viento del mercado haya traído consigo. Es más bien el punto de encuentro de corrientes históricas y tecnologías que, en los últimos 20 años, han ido reconfigurando las rutas por las que viaja la cultura en un planeta interconectado.

En los años 90 la música en español funcionaba como un mercado fragmentado, jerarquizado, con flujos unidireccionales (en España ligado al pop y en Estados Unidos, al Spanglish). Hoy, sin embargo, actúa como una comunidad digital, fluida, global y dopada por los algoritmos. Las plataformas que han borrado fronteras también han revelado un dato fundamental: el español es uno de los idiomas más escuchados del mundo en las listas de éxitos.

En este contexto, los artistas españoles navegan entre la idea de preservar ciertas raíces culturales mientras adoptan sonidos y estéticas que conectan con audiencias globales. Se observa un cambio generacional de artistas superventas del pop español como Estopa, Pablo Alborán o Dani Martín para pasar a Juan Magán, Rosalía, Quevedo y RVFV, referentes de propuestas que se integran en un lenguaje musical más amplio.

Otro vector clave que impulsa la música en español es el femenino.

La presencia de Karol G y Rosalía en las listas de éxitos globales, junto a una figura transgeneracional como Shakira –quien constituye un caso singular de reinvención sostenida dentro de la industria latina–, permite observar un cambio de ciclo en la música popular contemporánea.

A ellas se suman intérpretes españolas con fuerte impronta internacional. Así, y según Chartmetric, para Aitana, Bad Gyal y Ana Mena México es su mercado secundario, mientras que Argentina lo es para Lola Índigo. Por tanto, la relevancia de estas artistas no puede entenderse ya como regional o local, sino como parte de un ecosistema cultural crecientemente interconectado que les permite disputar espacios simbólicos históricamente masculinizados.

Su visibilidad y su forma de reinterpretar el género, lejos de ser un fenómeno aislado marca un hito en la historia de la representación femenina. Este empoderamiento femenino y latino que encarnan abre puertas para nuevas generaciones y legitima una diversidad de expresiones que amplían los márgenes en la cultura popular contemporánea desde el español.

Al final, la música en este idioma no es un tema de banderas, sino voces que conquistan. Lo que importa no es el origen del sonido, sino la amplitud de su eco.

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Lourdes Moreno Cazalla es doctora en Comunicación y autora del estudio para el Observatorio Nebrija del Español "El boom de la música urbana latina y la expansión del español a nivel global". Este artículo fue publicado originalmente en The Conversation. Puedes leerlo aquí.

El cantante Julio Iglesias ha negado este viernes las acusaciones realizadas por dos exempleadas, quienes han acusado al artista de agresiones sexuales y de trata, según informa EFE.

"Con profundo pesar, respondo a las acusaciones realizadas por dos personas que anteriormente trabajaron en mi casa. Niego haber abusado, coaccionado o faltado al respeto a ninguna mujer", asegura el artista en un comunicado publicado en su perfil de Instagram.

Esta es la primera vez que Julio Iglesias (Madrid, 1943) responde directamente a estas acusaciones, reveladas el martes en una investigación realizada por eldiario.es y Univision, tras los comentarios publicados por el entorno del artista en la revista Hola! en la que manifestó que "todo se va aclarar" y que está "preparando su defensa".

"Nunca había sentido tanta maldad, pero aún me quedan fuerzas para que la gente conozca toda la verdad y defender mi dignidad ante un agravio tan grave", agrega el artista en Instagram.

Al mismo tiempo, el cantante dice que no puede olvidarse de "tantas personas queridísimas que me han mandado mensajes de cariño y lealtad; he sentido mucho consuelo en ellas".

Junto al comunicado, la esposa del cantante, Miranda Rynsburger, ha publicado un mensaje de apoyo: "A tu lado, siempre".

Los hechos denunciados habrían ocurrido en las casas de Julio Iglesias en República Dominicana, Bahamas y España. Una de las mujeres era empleada del hogar y la otra fisioterapeuta.

La Fiscalía de la Audiencia Nacional ha abierto una investigación sobre el asunto y tomará declaración en calidad de testigos protegidas a las dos mujeres que el pasado 5 de enero denunciaron al cantante, representadas por la organización Women's Link.

Por su parte, Julio Iglesias ha contratado al abogado José Antonio Choclán, con bufete en Madrid y que ha intervenido en varios casos de notoriedad pública, para hacer frente a estas acusaciones.

Las extrabajadoras que acusan al cantante han aportado documentos laborales, fotografías, grabaciones, mensajes de WhatsApp, registros de llamadas y solicitudes de permisos migratorios de Julio Iglesias al Gobierno de España, de Bahamas y de República Dominicana, según señalaron eldiario.es y Univisión.

El relato de ambas describe agresiones sexuales como penetraciones sin consentimiento, bofetadas, vejaciones y humillaciones laborales sistemáticas a ellas y a otras empleadas.

En una rueda de prensa en Madrid el martes, el equipo legal de Women's Link anunció que el Ministerio Público español tomará declaración a las denunciantes.

Giovana Ríos, directora ejecutiva de la organización, reveló que hay otras mujeres que fueron trabajadoras del artista que se han puesto en contacto con ellas, si bien evitó mencionar si también fueron presuntamente víctimas del cantante, por lo que no ha ofrecido datos para proteger su intimidad.

El actor y músico Siro Ouro, conocido artísticamente como Gold Sirope, falleció a los 24 años de edad, según ha confirmado la agencia de representación del artista, que trabajó con Los Javis en La Mesías y en la obra teatral Future lovers, entre otros proyectos.

Siro Ouro murió el pasado 1 de enero, según su agencia de representación, que lo define como un "artista sensible, inquieto y profundamente comprometido con la creación" y destaca que desarrolló "una trayectoria marcada por la búsqueda, la honestidad y una vocación artística que abarcó el teatro, el cine y la música, incluso durante la enfermedad que estaba atravesando".

Nacido en Ferrol, formó parte de la compañía La Tristura, con la que trabajó en producciones como Materia prima y Future lovers, además de intervenir en la película Somos Reyes o en la serie La Mesías, de Los Javis, entre otras actuaciones.

Al mismo tiempo, desplegó su papel como músico bajo la denominación de Gold Sirope, proyecto sobre el que su agencia ha indicado que su última canción, publicada en las últimas semanas, será un "testimonio artístico y emocional de gran valor". 

Llevo un par de días atiborrándome de vaticinios. Año nuevo, miedo nuevo: con el envoltorio a medio quitar, el dos mil veintiséis ya amenaza con subidas aeroportuarias, soluciones habitacionales imposibles y la incierta ristra de guerras que —en las medianeras del mundo— puede provocar el pacifista que habita la Casa Blanca. A estos predictores les recordamos algunos aciertos: son los que aseguraron que el COVID era un vulgar resfriado, que Kamala empataría con Trump y que, en los dos mil, no había mejor idea que comprarse tres pisos a crédito, porque el ladrillo nunca baja.

Siguiendo con la aspaventística tradición de las enumeraciones de año nuevo (aquí tienen una de propósitos de año nuevo y otra con las excusas correspondientes), quisiera disfrazarme también de pitoniso y enhebrar, con el rigor informativo que caracteriza a esta columna, una sarta de abracadabras, a ver si alguno cuela. No sabré interpretar los gráficos macroeconómicos, pero no se imaginan con qué maestría eviscero las pulardas. Hay mañanas, créanme, en que he descifrado los más íntimos secretos del cosmos mirando una cazuela de riñones al jerez.

Espejito, espejito. ¿2026? Año fabuloso para los licenciados en esperanto, pésimo para los agrimensores. ¡Compren acciones de amianto! Subirá el precio del quintil de heno, pero bajará la cotización de la arroba de forraje. En moda, triunfará el azul claro, el verde oscuro y el rojo ni fu ni fa. Volverán a llevarse los pantalones con campana y la cinturilla a la altura de los sobacos. Extra, extra: Naciones Unidas decretará que las cuñas de esparto son un crimen de lesa humanidad.

En cuanto a la geopolítica, Kim Jong-un se pondrá a dieta y en la Comisión Europea se hará tendencia el peluquín. ¿El bisoñé? Aristocrático. No se descartan nuevas apariciones del fantasma de Bolívar en el trópico. El arsenal nuclear planetario tendrá que pasar la ITV, lo que provocará (todavía no sabemos cómo) que se nos dispare la factura de la luz. ¿El alquiler? Por las nubes. ¿Las nóminas? Por los suelos. Las avellanas serán el nuevo Bitcoin y los caracoles serán las nuevas avellanas: gran asombro entre los economistas. Toni Cantó hundirá un nuevo formato televisivo. Don Juan Carlos abrirá un canal de YouTube para divulgar su verdadera pasión: la filatelia etrusca.

Entrullarán a alguien del pe so e (vale, en esta ni me he esforzado) y todos descubriremos, con pasmo y horror, que la presidenta de las Cortes ha sido sustituida por un robot programado por los servicios secretos vaticanos. Una nueva teoría de la conspiración causará sensación entre los jóvenes: la tierra no es ni redonda plana, sino un icosidodecaedro. Elon Musk tratará de patentar la cuchara sopera. Se estrenarán veintiséis películas de Santiago Segura y media docena de musicales nostálgicos. Rafa Nadal hará fortuna vendiendo fertilizantes y Benicio del Toro se hará, por fin, amigo de Morante de la Puebla.

Los astrónomos descubrirán que una tetera invisible orbita la tierra. Las tres dimensiones se renombrarán como MariPuri, Herminia y Honorato; el peso químico del azufre dividirá a los eruditos y desencadenará una sangrienta controversia; se descubrirá una nueva especie de mosquito inusualmente hábil jugando al ajedrez. Las bolsas mundiales caerán dos o tres veces, pero será de broma. Santiago Niño Becerra pronosticará el acabose por quincuagésimo segunda vez. Se abolirá la gravedad y todos flotaremos levemente. Rosalía reinventará el minueto. Ah, y a los columnistas nos triplicarán el jornal. Si tengo que apostar por alguna, comprenderán que enfoque mis superdoderes en esta.

Tras décadas de casi inalterada tradición, el Concierto de Año Nuevo de la Filarmónica de Viena ha inaugurado este jueves el 2026 con un programa más inclusivo dirigido por el canadiense Yannick Nézet-Séguin, que ha modernizado el recital con dos obras compuestas por mujeres.

Nézet-Séguin, que a sus 50 años es una influyente figura del circuito clásico, demostró que es posible añadir diversidad y modernidad al encorsetado estilo de los filarmónicos vieneses sin que el concierto de música clásica más famoso del mundo pierda su esencia.

De este modo, apostó por un repertorio que, sin abandonar el protagonismo de la dinastía Strauss con sus tradicionales valses, polcas y marchas, incorporó cinco obras inéditas en este recital, entre ellas dos de compositoras: la afroamericana Florence Price (1887–1953) y Josephine Weinlich (1848–1887).

No fue hasta el año pasado, después de 85 ediciones y más de mil piezas interpretadas, que el Concierto de Año Nuevo incluyó por primera vez una obra compuesta por una mujer, el 'Ferdinandus-Walzer' de la austríaca Constanze Geiger (1835-1890).

La tardía y lenta ruptura de ese monopolio masculino ha continuado este año con esas dos compositoras.

"Florence Price fue una compositora injustamente relegada y, según sus propias palabras, lo fue por su género y por su raza", explicó antes del concierto Nézet-Séguin a EFE sobre una pieza que él pidió expresamente a la Filarmónica de Viena.

Así el ‘Vals del arcoíris’ de Price, inspirado en la música afroamericana y popular, resonó con fuerza en la Sala Dorada de la Musikverein, ofreciendo al público una mirada hacia una música clásica "más abierta", en palabras del director canadiense.

La otra protagonista indiscutible fue Josephine Weinlich, una compositora y directora pionera que fundó en 1875 la primera orquesta de mujeres de Europa.

Su ‘Canciones de sirenas', un mensaje de empoderamiento y solidaridad, encajó perfectamente con la intención de Nézet-Séguin de actualizar el repertorio del concierto.

El Concierto de Año Nuevo de Viena, cuyos orígenes se remontan al año 1939, bajo el nazismo, es desde hace décadas el concierto de música clásica más popular del mundo, seguido por cientos de millones de personas por radio y televisión.

Nunca una mujer ha dirigido este recital de la Filarmónica, una orquesta en la que el 83 % de sus 145 integrantes son hombres y que no admitió a la primera mujer entre sus filas hasta 1997.

Yannick Nézet-Séguin impregnó el Concierto de Año Nuevo de una energía marcada por la "alegría" y una "esperanza compartida" a través de la música, en sus propias palabras.

Ese espíritu de renovación también se trasladó a la imagen: vistió un traje a medida de Louis Vuitton, diseñado por su marido, el violinista Pierre Tourville, de líneas clásicas reinterpretadas con un aire contemporáneo y rematado con un broche brillante en el cuello, junto a sus características uñas pintadas.

En un breve discurso antes del tradicional brindis por el Año Nuevo, el director deseó paz “en los corazones y, sobre todo, paz entre todas las naciones del mundo”.

“La música puede unirnos a todos porque vivimos en el mismo planeta”, añadió.

Nézet-Séguin es muy activo en defensa de los derechos LGBTQ+ y ha mostrado su solidaridad con Ucrania, y apoyó a la candidata demócrata Kamala Harris en la campaña electoral en la que fue derrotada el año pasado por el republicano Donald Trump.

El concierto de hoy tuvo momentos de humor, como cuando algunos filarmónicos vistieron gorras de ferroviarios durante la interpretación de 'Galope de Københavns Jernbane-Damp’, compuesta por Hans Christian Lumbye para celebrar la conexión de trenes entre Copenhague y Roskilde.

Durante la pausa entre las dos partes del recital se proyectó una película en la que se recordaba el 250 aniversario del Museo Albertina, una de las principales pinacotecas de Austria, que condujo a los espectadores por sus galerías mientras algunos de sus dibujos más célebres cobraban vida al ritmo de la música.

Como es habitual, la versión televisada del concierto ofreció representaciones de danza del Ballet Estatal de Viena con dos piezas musicales seleccionadas: ‘Rosas del Sur’ y ‘Polka Diplomática’, ambas de Johann Strauss hijo, con coreografía de John Neumeier.

Tras el clásico bis de 'El Danubio azul', Nézet-Séguin bajó del podio para dirigir la tradicional 'Marcha Radetzky' entre el público, al ritmo de las palmas de los asistentes.

Con esta 86 edición del Concierto, se cerró la celebración del bicentenario del nacimiento de Johann Strauss hijo, figura central de la música vienesa, al que Austria ha dedicado numerosos eventos a lo largo del año.

Vengo a escribir sabiendo que todo ha sido escrito: ha enmudecido de súbito una parte de lo que una vez fuimos. Fotografías nocturnas y adolescentes en corro en una playa del este del país, cintas de caset regrabadas y tituladas a bolígrafo que pasaban de mochila a mochila, la camiseta negra que se deshacía en su cuello, aquel concierto al que no nos dejaron ir nuestros padres, los buitres que sobrevolaban la carroña. Cómo no vamos a estar nostálgicos de habernos pretendido alguna vez ácratas con los tiempos que corren. O tristes porque se ha detenido una banda sonora que nos amortiguaba y a la vez nos ponía en pie. Canciones que nos decían: volar. Que nos decían: ahora. Contra Dios, contra la norma escrita, contra la sociedad neurotizada. Vaya forma colectiva de llorar por alguien la que tuvimos el miércoles.

Pocas veces.

Le conté a mi hijo cuando se despertó que había muerto Robe. Tiene nueve años, pero sabe bien quién es. Como a tantos, nos ha acompañado en miles de kilómetros de coche y mañanas en casa. Es el único territorio musical común que compartíamos su padre y yo, encontrados en una improbable encrucijada de caminos entre el metal y la trova. Le gusta So payaso; le gusta La vereda de la puerta de atrás, porque le hace reír la irreverencia. Daños controlados en tiempos de control parental. A mí me gustaba más el Robe último, para contrariar a los fanáticos, o más profundamente, porque, aunque me las sabía todas porque las cantamos mil veces desde los quince y me han regañado en serio por maltratarlas con la guitarra sin tener la voz rota, he llegado tarde siempre al nudo y, sobre todo, a la aceptación del desorden. Es el Robe que renace con esa sinfonía en espiral al desamor que es La ley innata. El disco de mi vida.

“Cómo quieres que escriba una canción”.

La ley innata, la de la carne y el pensamiento propio, puede que fuera la única ley a la que se podía atener un anarquista de la propia anarquía cargado de sinrazones. Se la cantó en Madrid entera sin pausa en el primer concierto al que fuimos después de la pandemia. Más de una hora seguida donde una casita de campo daba vueltas proyectada tras ellos. Parecía que fuera esa todas nuestras casas desconfinadas, todos esos salones con el eje torcido, un tiempo a olvidar y el tipo ahí, en medio, con unos faldones hasta el suelo y una camiseta rota, en pie, dando un único mandato: atentos a la vida. Tuvimos que llorar allí mismo la catarsis de reencontrarnos miles de personas bajo un mismo techo.

No sé si les pasa, pero sucede que, a veces, cuando nos cansamos de ser mujeres y hombres, serán cosas de la edad, tengo la sensación de que, en realidad, ya lo sabíamos todo entonces. Cuando estábamos completamente intactos. Cuando podíamos enumerar con una mano nuestras derrotas. Y que, al cruzar ciertos ecuadores, al cargar con una mochila cada vez más pesada, de vez en cuando hacemos un intento por regresar a la médula de lo que una vez fuimos. Mucho antes de que viniera la vida a malearnos y hablarnos de la desconfianza: en lo de dentro, en lo de afuera. Y pienso, por eso, que las letras, que la música, que algunas creaciones, nos conectan con algo primario, burdo a veces, reconocido como golpe juvenil, palabras pobres de la tierra, pero colocadas como una flecha indómita allí donde más nos duele hoy. La línea desde ese pasado hacia nuestro presente se muestra entonces coherente a través de una melodía, de un verso que permanece. No podemos decir eso de cualquiera. Es una autopista de regreso al hueso de nosotros mismos. Y por eso sí sentimos que el miércoles perdimos algo.

¿Qué somos ahora: indios o abogados?

Quién nos va a cantar lo próximo que nos suceda.

El vocalista, guitarrista y líder de la banda Ilegales, Jorge Martínez, ha fallecido este martes a los 70 años en el Hospital Universitario Central de Asturias (HUCA), en Oviedo, donde llevaba varias semanas ingresado por un cáncer que el pasado septiembre le obligó a cancelar todos sus conciertos, han confirmado a EFE fuentes de su discográfica.

Fue él mismo quien anunció el 19 de septiembre que debía someterse a un tratamiento contra el cáncer y que se veía obligado a suspender todos los conciertos por tiempo indefinido -tenía programadas veinte actuaciones hasta fin de año-, tras haber publicado este mismo año su decimotercer álbum, Joven y arrogante.

Jorge Ilegal, Jorjón (Avilés, 1955), llevaba más de 40 años al frente una de las bandas legendarias del rock en español y era uno de los pocos de su generación que seguía en activo.

"El aliciente de seguir con un grupo después de 40 años consiste en arriesgar a pesar de haber dado con una fórmula que funciona” y tratar de “no sacar siempre el mismo disco”, señalaba el líder de la banda al anunciar en el mes de febrero el lanzamiento de su último trabajo.

"No por inesperado o previsible ha sido menos duro. Era un tipo de gran fortaleza que quería vivir", han señalado a EFE desde la distribuidora Ataque.

¡Hola, mamoncete!, Problema sexual, Tiempos nuevos, tiempos salvajes o Yo soy quien espía los juegos de los niños, todos ellos éxitos a principios de los ochenta, siguen sonando cuarenta años después de que un grupo "en el que nadie creía", según aseguraba su líder, revolucionara la incipiente escena del rock en español con temas influidos por la nueva ola o el afterpunk pero también la fusión de rock, pop y reggae que planteaban artistas como Joe Jackson, Code Blue, Fisher Z, o The Police.

Ilegales publicó en 1981 un álbum compartido con el resto de grupos ganadores del concurso 'Primera Muestra de Pop Rock de Asturias', tras el que la Sociedad Fonográfica Asturiana, que ya había editado ese primer trabajo, planteó a Ilegales grabar un disco en solitario que a punto estuvo de quedarse en el camino por la eterna tendencia de la banda a hacer de la provocación su estilo.

La interpretación de Heil Hitler actuando como teloneros de Miguel Ríos degeneró en una enorme bronca que puso en riesgo el proyecto, pero la grabación de 'Ilegales' siguió adelante y un disco repleto de insolencia llegó al mercado editado por Hi-Fi Electrónica, un gran éxito de ventas para una pequeña discográfica que se multiplicó cuando, dos años después, Epic lo reeditó tras incorporar a Ilegales a su catálogo con la mediación de Víctor Manuel.

Una banda que en sus inicios se financió practicando la delincuencia de baja intensidad y en el que "la violencia formaba parte del proyecto", según rememora el miembro fundador y batería original, David Alonso.

También vio cómo "un disco superventas y la banda más taquillera del momento" se convertía "en una especie de grupo maldito a ojos de los medios de comunicación y del gran público".

Con su sonido directo y su estilo provocador continuaron sacando discos como Agotados de esperar el fin (1984), Todos están muertos o Chicos pálidos para la máquina con una banda cuya composición fue variando a lo largo de los años, pero en la que la personalidad arrolladora de Jorge, un tipo de 1,90 de estatura, calvo y ataviado con su clásica chaqueta de cuero negro y vaqueros, siempre fue el alma.

"Se va una figura imprescindible del rock en español, pero su música y actitud seguirán siempre con nosotros", señalaba su discográfica Artmusic momentos después de conocerse la muerte del líder de la banda, cuyo legado "seguirá resonando siempre". 

Es difícil encontrar estos días a alguien que no hable de ello. El nuevo disco de Rosalía ha acaparado la atención de todos, se ha convertido en el tema de conversación, se comenta en los medios y hasta en las paradas del autobús. Tanto es así, que consiguió llegar al top 4 de los álbumes más escuchados a nivel mundial en la lista Billboard 200. Ya se ha dicho de todo sobre Lux: que es demasiado conservador, demasiado rompedor, muy abstracto o no lo suficiente, que promociona la religión o que plantea una nueva forma de espiritualidad, que ella misma es Dios o que se rinde ante él. 

Muchos puntos de vista diferentes, pero la mayoría coincide en algo: el disco de Rosalía no puede desligarse del momento político actual. Y el escenario global está marcado por la llegada de Donald Trump a la Casa Blanca y el avance de la ultraderecha en todo el mundo. Posturas reaccionarias que también golpean de lleno en la cultura. Y más en los contenidos que antes apostaban por el feminismo. Cada vez es más habitual encontrar mensajes que invitan a las mujeres a adoptar un camino más conservador, sólo hay que ver el fenómeno de las tradwives. 

Del feminismo, que se había erigido más que como una ola como un tsunami en los últimos años, ahora se dice que “ha ido demasiado lejos”. Con este panorama, hay voces que alertan de que el movimiento empieza a adoptar mensajes menos combativos en los que se desdibuja el enfado que mostraban las mujeres en las protestas de 2018. “Es un diagnóstico de la sociedad actual. Todo lo resolvemos de forma individual. El enfado está, pero estamos anestesiados”, argumenta María Medina-Vicent, profesora titular de filosofía en la Universitat Jaume I. 

Cada vez hay más ejemplos en la cultura. Taylor Swift basó gran parte de su documental Miss Americana en su rechazo a las políticas de los republicanos, pero ahora su postura es mucho más descafeinada. Tanto es así, que ni siquiera ha condenado el uso de sus canciones por parte de la administración Trump en las redes sociales. 

Buscamos otros ejemplos más allá de la música. Actrices tan famosas como Jennifer Lawrence ya no son tan claras a la hora de manifestar su feminismo. En 2015, cuando era la actriz mejor pagada de todo Hollywood, Lawrence publicó una carta en una newsletter gestionada por la directora y actriz Lena Dunham, criticando la brecha salarial en su industria. Un año más tarde, en una entrevista con la revista Time aseguraba que no entendía por qué daba tanto miedo la palabra “feminismo”. En 2020, también fue una de las celebrities que criticó más abiertamente a Trump, declarando que votaría a Biden y Harris en las elecciones presidenciales. 

La cosa cambia en el presente. En el podcast The Interview del New York Times la actriz declaró: “Estoy en una especie de recalibración complicada. Soy artista y, con el ambiente actual, con lo fácil que algo puede salirse de control, no quiero ahuyentar al público de las películas solo porque no les gustan mis opiniones políticas”. A esto añadió que no sabía si “debería” posicionarse políticamente. "El problema viene de base, cuando confundimos marketing con transgresión. Cuando muestran un perfil más feminista, no es que quieran transformar la sociedad, es que son un producto que se va adaptando. Ahora, recurren a una imaginería más conservadora para vender”, expone Medina-Vicent. 

El caso de Rosalía no es una excepción a esto y, aunque en canciones como La Perla se despacha poniendo en su lugar a una ex pareja con la que —queda demostrado—no terminó muy bien, en muchas otras interpreta un nuevo (o viejo) arquetipo de mujer que cada vez se ve más en la cultura popular: aquella que antepone, comprende y ayuda al hombre antes que a nada. En Berghain, Rosalía canta: “Solo soy un terrón de azúcar / Sé que me funde el calor / Sé desaparecer / Cuando tú vienes es cuando me voy”. Y en Divinize: “Through my body, you can see the light / Bruise me up, I'll eat all of my pride” (A través de mi cuerpo puedes ver la luz / Amorátame, que yo me comeré todo mi orgullo). 

Aunque las canciones tienen miles de interpretaciones, llama la atención que este tipo de simbolismos lleguen en un momento de ofensiva contra los avances feministas de los últimos años y en el que se está comenzando a presentar a los hombres como víctimas. En La Rumba del Perdón Rosalía canta: “Cuando dijiste "voy a bajar por tabaco” / Mirando a lo ojos a tu hijo menor / Le prometiste que en na' tu estarías de vuelta / Y nunca volviste a cruzar el umbral de la puerta por la que te fuiste / Pero / Yo sé que tú eres pa' mí”. El propio estribillo de la canción reza: “toíto te lo perdono”.

“No me extraña cómo está cambiando la estética de todos los iconos del pop. Se relaciona directamente con el momento en el que nos encontramos de retroceso absoluto frente a la rebeldía que veíamos antes”, apunta Sonia Núñez, catedrática de comunicación en la Universidad Rey Juan Carlos. 

En el caso de Taylor Swift, con su último disco The Life of a Showgirl ella misma se convierte en el arquetipo. Tanto es así que una gran parte de la promoción ha girado en torno a su relación con el jugador de fútbol americano Travis Kelce. En Wi$h Li$t, habla de cómo las mujeres de su alrededor quieren libertad, vivir con tres perros y conseguir un Óscar. Ella no. Solo desea “muchos hijos” y una “cancha de baloncesto” para que jueguen. Poco queda de la Taylor que mostraba su enfado ante los medios de comunicación y los hombres de su vida en canciones como Blank Space o Look What You Made Me Do. 

No hay duda de que la ola reaccionaria y el posmachismo quieren hacernos creer que las mujeres ya han conseguido la igualdad y que, a partir de ahora, cualquier avance feminista supondrá una discriminación para los varones. El hombre convertido en víctima. Ese al que toíto se lo perdonamos (que diría Rosalía). En España, un 52% de la población considera que el feminismo ha ido demasiado lejos y que ahora son los hombres los que están siendo discriminados, según un informe de Ipsos. 

Desde el propio movimiento feminista, hay voces que defienden esto. “El feminismo se está volviendo mucho más comprensivo con los hombres, hay una estigmatización de la cultura de la cancelación o de la versión del feminismo más punitivista. Este sector dice que nos hemos pasado de la raya. Ellas mismas giran en torno a la idea de que a los hombres hay que repararlos porque también son víctimas del sistema”, argumenta Marta Roqueta, investigadora de la UOC y periodista experta en género.  

Sonia Núñez coincide en esto. “Se ha situado a los hombres como víctimas de unas políticas extremas impuestas. Entonces, si a una mujer le dicen que está siendo demasiado incisiva, que cansa, que es extrema, que no se corresponde con las demandas reales, pues ella trata de buscar un lugar más cómodo. Las jóvenes tratan de resituarse para no salirse de ese marco”, explica.

Ante todo esto, nos encontramos con que el feminismo que grita y protesta (el que incomodaba al presidente del Gobierno cuando habló de sus amigos de 40 o 50 años) es ridiculizado por la derecha tildando a las feministas de histéricas y locas. “El feminismo ha pasado de ser un movimiento social a convertirse en ‘lo excesivo’, ‘lo extremo’”, apunta Sonia Núñez. Con la caricaturización del movimiento lo que se ha conseguido es que se genere un rechazo entre las más jóvenes, no porque estén en contra del feminismo, sino porque no quieren que se las encasillen en el estereotipo creado por el machismo.  

“Muchas chicas jóvenes pueden sentir vergüenza por la caricatura reaccionaria que se ha construido culturalmente. Porque cuando las derechas asocian feminismo a una imagen de tías que gritan, insultan y que no se depilan consiguen que las jóvenes no quieran ser eso. Pero esa imagen no es real, es algo que ha construido el antifeminismo para ridiculizarnos”, expone Medina-Vicent. 

El enfado ya no es mainstream y los institutos lo están notando. En un reportaje de La Vanguardia, la periodista Begoña Gómez Urzaiz relata cómo las estudiantes de los institutos han dejado de contestar a los comportamientos machistas que se dan en sus centros y prefieren pasar más desapercibidas. De esta forma, apunta Gómez Urzaiz, se diluye la figura de la joven combativa que levanta la voz para denunciar el machismo.

“Es innegable que ha habido una reacción machista. Gente que defendió los valores feministas, ahora no lo hace e incluso deja a las mujeres tiradas. Ahí tienes el caso de Irene Montero. Se puede interpretar como un momento de autocuidado feminista. Las más jóvenes ven el odio que ha recibido la generación anterior y no quieren que les pase lo mismo”, zanja Roqueta. 

Se bajó del escenario la voz sin pulimentar, poco trabajada, tu voz tosca, (de Tuscus '[el barrio] etrusco', por alus. a la gente libertina que vivía en esta zona de Roma)... La voz carrasposa, la voz tabaquera. Sí, la voz libertina del barrio, de Tirso de Molina, desde España a la Argentina. Cuando calló, y dijiste “ojalá volvamos a vernos”, el espectro musical del recinto de Goya se cayó en forma de eco, con un público reverberante que envolvía el fin de tu caída libre, esa caída de medio siglo que con sus versos nos apaciguaba y daba silencio en nuestro ruido mental. ¿Por qué no inventar un nuevo nombre para tu voz? Voz trabina, por ejemplo.

Se marchó la metáfora. La poesía prosaica. Se marchó el símbolo, la imagen. Siempre tiene fuerza, y a veces es cierta, la famosa frase “una imagen vale más que mil palabras”. Y sin embargo, con tus descripciones, nos demostraste lo vaga, inútil o interesada que podía ser... ¿Cómo escribir un documento histórico en la posguerra en 195 palabras? De purísima y oro. ¿Cómo redactar un panfleto cultural sobre un país con título Dieguitos y Mafaldas en tan solo 194 palabras?

Se marchó la mejor propaganda colchonera. Las risas, el humo y el bombín. Nuestro maravedí, efectivo a veces, otras imaginario; que pregunten en 2020 qué pasó en Madrid. Los acordes tan tan sencillos capaces de enmarañar la canción más hermosa del mundo.

Ahí quedan tus canciones. Tú y tus contradicciones. ¿Quién diría que, en la plena realidad anglófila de nuestros tiempos de Occidente, tu exilio en Londres (1970-1977) iniciaría una antología poética y musical en torno a esa flor de loto que es la lengua española, plantando una semilla que comenzaría a germinar 55 años después un 30 de noviembre de 2025 en forma de leyenda?

A Joaquín Sabina, en nombre de todos/as los que te escucharon, te quieren, te valoraron y te han cantado: Hola y adiós.

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 Paco Ochoa es socio de infoLibre.

Eurovisión ha aprobado que Israel pueda participar en la edición del concurso de 2026 pese a las peticiones de países como España, que ya anunciado que no tomará parte en el festival. Las cadenas públicas que forman parte de la Unión Europea de Radiodifusión (UER) han aceptado en votación durante su asamblea general las reformas del festival planteadas por la organización de Eurovisión y han excluido así una votación para apartar a Israel del concurso.

RTVE pidió incluir en la asamblea una moción para suspender a la televisión israelí (KAN) por un período mínimo de un año y, en caso de no aprobarse, ha ratificado que no participaría en la edición de 2026. Una contundente mayoría expresó, sin embargo, que no era necesario votar sobre Israel.

"La moción fue adoptada por mayoría de 738 votos, frente a 264 votos en contra y 120 abstenciones", según el resultado de la votación que pudo ser consultado por EFE.

Como consecuencia, RTVE ha anunciado la retirada de España del Festival de Eurovisión tras las votaciones. El Consejo de Administración de RTVE acordó el pasado mes de septiembre que España se retiraría de Eurovisión si Israel formaba parte del mismo por el genocidio en Gaza y el "incumplimiento sistemático" de este país de las normas del propio concurso

La salida del Festival implica además que RTVE no emitirá la final de Eurovisión 2026, que se celebrará en Viena (Austria) el próximo 16 de mayo, ni las semifinales previas del concurso, que se realizarán los días 12 y 14.

En su cuenta de la red social X, el presidente de la Corporación, José Pablo López, ha publicado un mensaje tras la reunión: "Lo sucedido en la Asamblea de la UER confirma que Eurovisión no es un concurso de canciones sino un festival dominado por intereses geopolíticos y fracturados".

También la radiotelevisión pública neerlandesa Avrotros, la irlandesa RTÉ, y la eslovena RTV, entre otras, advirtieron que no tomarán parte en el concurso. Además, Bélgica anunciará "en los próximos días" si mantiene su participación.

La cadena de Países Bajos advirtió de que la continuidad de Israel en la competición, pese a las denuncias de injerencia política y a la situación en Gaza, supera "los límites" que está dispuesta a aceptar como servicio público. El director general de la televisión, Taco Zimmerman, aseguró que la decisión "no se ha tomado a la ligera" y explicó que "la cultura une, pero no a cualquier precio".

"Nuestro mensaje es: no participaremos si Israel está presente. En nombre de los 20.000 niños que murieron en Gaza", afirmó la presidenta de la emisora eslovena, Natalija Gorscak.

En cambio, la cadena pública portuguesa, Radio y Televisión de Portugal (RTP) ha confirmado que sí asistirá a la competición. "La RTP, al igual que la gran mayoría de los países miembros, ha votado a favor de la modificación de las normas, lo que permitirá a los países participar en la próxima edición del Festival de Eurovisión con un mayor grado de confianza en los resultados de las votaciones", indicó la cadena pública. Y confirmó: "La RTP participará en la edición del Festival de Eurovisión 2026, que se celebrará en Viena, Austria".

A través de la red social Bluesky, la vicepresidenta segunda del Gobierno, Yolanda Díaz, ha expresado su orgullo por la decisión de RTVE de anteponer los derechos humanos: "La cultura siempre debe estar del lado de la paz y la justicia, no de blanquear el genocidio de Gaza".

En esta línea y también en Bluesky, el ministro de Cultura, Ernest Urtasun, ha afirmado que RTVE ha tomado la decisión "correcta" por anteponer los derechos humanos a los intereses económicos, mientras que la titular de Juventud e Infancia, Sira Rego, ha agradecido al ente público que no participe en Eurovisión: "Televisión pública contra el genocidio. Gracias por defender la dignidad".

Al contrario, el presidente israelí, Isaac Herzog, celebró la decisión de la UER: "Me complace que Israel vuelva a participar en el Festival de la Canción de Eurovisión y espero que la competición siga defendiendo la cultura, la música, la amistad entre las naciones y el entendimiento cultural transfronterizo", agregó.

Después de todos los anuncios, el organizador del popular concurso indicó que la lista completa de participantes se anunciará antes de Navidad.

En la asamblea de este jueves también se han votado las nuevas medidas adoptadas por la UER y el Grupo de Referencia, que afectará al sistema de voto que RTVE y otros países habían puesto en entredicho tras las puntuaciones obtenidas por Israel en las dos últimas ediciones, las más altas del público, coincidiendo con su ofensiva en Gaza. Entre estas, ha sido aprobada la de reducir de 20 a 10 el número máximo de votos que cada espectador podrá enviar, además de "salvaguardas técnicas reforzadas para detectar y bloquear votación fraudulenta o coordinada" y reinstaurar el voto del jurado en las semifinales.

España ha participado ininterrumpidamente en la gran final de Eurovisión desde 1961, cuando compitió por primera vez con Conchita Bautista y 'Estando contigo', y es uno de los diez países con más participaciones, 64 (en 2020 no hubo programa por la pandemia de covid-19). Año tras año, la retransmisión del festival es en España el evento no deportivo más visto. En 2025, superó el 50% de cuota de pantalla y reunió a una media de 5.884.000 de personas.

Había dos planes el domingo en Madrid, y no eran excluyentes, como demuestra el hecho de que en ambos estuviese Alberto Núñez Feijóo. Por la mañana, el líder del PP encabezó la séptima manifestación que desde que llegó a la calle de Génova ha montado contra el Gobierno; por la noche, asistió al concierto en el que Joaquín Sabina se despedía de los escenarios o, como mínimo, de las giras largas y los grandes auditorios. El maestro, único en todo, es la transversalidad absoluta e irrebatible, eso lo sabe cualquiera que haya visto a su cuantioso público, unas muchedumbres enamoradas de sus canciones en las que ves personas mayores y adolescentes, gente de izquierdas y de derechas coreando la misma melodía. Deseé en la pista del Movistar Arena que ojalá el mundo fuera siempre así, respetuoso, compartible aunque sea desde la diferencia, capaz de salvar las distancias que marca la ideología. Pero no, la convocatoria de la mañana contradecía la de la noche, con su sal gruesa, sus discursos incendiarios, sus acusaciones enfáticas, su polarización... Y, naturalmente, con un clásico de nuestra política actual que es la ya característica actuación histriónica de la presidenta de la Comunidad de Madrid, que dice disparates de tal calibre que uno ya no sabe si llorar o, más bien, reírse: en esta ocasión, Ayuso volvió a dar por viva a ETA y aseguró que la banda terrorista planea la invasión del País Vasco. Es de suponer que se tratará de una metáfora. Aunque, si lo es, pertenecerá a un poema muy malo.

Mi hermano del alma Joaquín Sabina ha escrito algunas de las canciones más hermosas de nuestro idioma, ha domesticado el lenguaje para obligarle a pasar por el aro de la poesía y ha sido capaz de escribir novelas de cuatro minutos que son prodigiosas, donde se cuentan historias que hacen magia con quienes las escuchan y se sienten escuchados por ellas, reflejados en sus palabras. Por eso las corean y las aman como algo propio. La irreverencia, el humor, la emoción, el romanticismo y tantas cosas que poseen sus creaciones, divierten y hechizan a mujeres y hombres distintos que en el fondo no son tan distintos como aparentan: los sentimientos que importan son muy parecidos, el resto es sobreactuación.

La clave, tal vez, esté en eso, en el fondo, porque vivimos en unas sociedades entregadas a las apariencias, donde hay en muchas cosas más superficie que profundidad y todo el mundo trata de venderte algo y hacer que le sigas por el camino más corto. La tolerancia no está de moda, el matiz tampoco; todo es blanco o negro, conmigo o contra mí. Y por esas grietas en el muro de la convivencia, en España y en otros muchos lugares, es por donde se cuelan los mensajes de la ultraderecha. Y esa música es veneno para la cabeza y para el corazón. Todo lo que no une, separa. Todo lo que no suma, resta o divide. Cruzo los dedos porque Feijóo haya pensado lo mismo en el concierto de Joaquín Sabina.

Jimmy Cliff, una de las grandes figuras del reggae, ha fallecido a los 81 años por complicaciones de una neumonía, según anunció este lunes su mujer, Latifa Chambers, en las redes sociales, según informa EFE.

"Con profunda tristeza les comparto que mi esposo, Jimmy Cliff, falleció debido a una convulsión a consecuencia de una neumonía", señaló Chambers, que quiso recordar a todos los que "han compartido camino con él".

"A todos sus fans de todo el mundo, sepan que su apoyo fue su fortaleza durante toda su carrera. Él agradeció de verdad el cariño de cada uno de ellos", agregó.

Nacido el 30 de julio de 1944 en Saint James (Jamaica), James Chambers comenzó a participar en concursos musicales desde muy joven y a los 17 años su carrera despegó con Hurricane Hattie tras convencer al productor de origen chino Leslie Kong de que le grabara sus primeros temas.

Su consagración llegó en 1969 con su disco homónimo, que contiene clásicos como Many Rivers to Cross, Vietnam y Wonderful World, Beautiful People. 

Se mudó a Reino Unido y se convirtió en una estrella del reggae y del ska. Tanto que es uno de los dos miembros jamaicanos del Salón de la Fama del Rock and Roll, junto a Bob Marley.

También fue actor de cine y protagonizó una película esencial del cine de Jamaica, The Harder They Come (Caiga quien caiga, 1972), en la que también se encargó de la banda sonora y a la que se le atribuye haber introducido el reggae en Estados Unidos.

Cliff contribuyó a difundir el sonido de Jamaica a nivel mundial con éxitos como The Harder They Come –tema principal del filme–, I Can See Clearly Now o You Can Get It If You Really Want. 

En 2012 ganó un Grammy al mejor álbum de reggae por Rebirth y en los últimos años trabajó con el productor ghanés Kwame Yeboah, con el que regresó al reggae más puro.

La influencia de Cliff ha sido reconocida por artistas como Rolling Stones, Elvis Costello, Annie Lennox o Paul Simon, con los que colaboró.

Otros como Bruce Springsteen, Willie Nelson, Cher, New Order o Fiona Apple han grabado versiones de sus canciones.

Mientras que Bob Dylan proclamó Vietnam como "la mejor canción de protesta jamás escrita", según destaca la web oficial de Cliff.

En una entrevista con EFE en 2015 aseguró que "la música es como el oxígeno. Todos la necesitamos para seguir vivos y es lo que nos une a todos".

Y tras una carrera de más de 60 años, continuaba buscando su mejor canción. "Estoy persiguiéndola todo el tiempo. Si mi música puede inspirar a alguien y hacer que quiera vivir una vida mejor y no rendirse, para mí es un gran éxito".